# data[].attributes.body
(모나리자)^_^

# data[].attributes.attachment_link.title
3p_호크니전_더큰첨벙

# data[].attributes.attachment_link.title
[꾸미기]시인처럼 소리를 들으면 모양이나 색깔을 보는 사람들이 있어요001

# data[].attributes.body
이 그림에서는 영국 런던의 느낌이 났다. 마치 불행 속에서 희망을 내어주는 구원자 처럼 껌껌한 어둠 속, 환히 빛을 쏴주는 저 야경들이 한 눈에 들어왔다.
불빛들 사이사이 어두운 곳을 밝게 비추어 주는 불빛들이 서로의 상처를 아물도록 도와주는 것 처럼 보였고,
영화에서만 보던 신비로운 도시가 인상 깊었다.
하지만 여러 간판들이 어울어져 있는 것을 보아 고요할 것만 같진 않은, 자동차 경적 소리가 도시를 삼켜버릴 듯한 느낌도 함께 들었다.

# data[].attributes.body
<해바라기>는 빈센트 반 고흐가 그린 정물화 이다. 이 그림은 두 가지 버전이 있는데, 첫 번째는 1887년 파리에서 그린 바닥에 놓여있는 해바라기이며, 두 번째는 1년 뒤 아를 에서 그린 꽃병에 담긴 해바라기이다.고흐는 이 해바라기 그림을 그릴 때, 동생 테오에게 아주 멋진 그림이 될 것이라고 들뜬 마음을 편지에 담아 보낼 정도로 마음에 들어 했다고 한다.파리에서 남프랑스 아를의 노란 집으로 이사를 간 고흐는 자신의 작업실을 꾸미기 위해 해바라기 그림을 많이 그렸다.고흐는 물감을 두껍게 칠해 입체적으로 표현했다. 해바라기뿐만 아니라 뒤로 보이는 벽도 노란색으로 칠했고, 탁자와 화병도 한 가지 색으로 단순하게 색칠해서 해바라기 꽃이 더욱 눈에 띌 수 있도록 했다.친구들도 이 작품을 한번 감상해보자!(출처:위키백과)

# data[].attributes.body
피카소는 서양에서 활동한 20세기의 유명화가로 게르니카는 피카소를 대표하는 작품중 하나이다.

게르니카는 내전을 풍자하는 그림이다. 그림의 왼쪽에 있는 황소는 그시대의 파시즘과 군부독재정권을,
황소턱 밑에서 죽은아이를 안고 울부짖는 여인은 그황소에게 당하는 민중을 의미한다.

그리고 부러진 칼을 쥐고 죽어있는 청년은 인간의 미래가 죽어있는 것을 나타낸다. 하지만 청년의 손 위에는 풀꽃이 하나 피어있는데 이는 황소의 횡포와 죽음이 영원하지 않을 것을 의미한다.

마지막으로 중앙의 청년을 짓밟고 신음하는 군마가 보이는데 이는 죽음을 앞두고 몸부림치는 파시스트들의 모습이다.

그외에도 동물과 힘없는 인간들만으로 그린것으로 보아 폭력적인 야수성과 약자들의 절제로 파악할 수 있다.

이는 어디에나 존재하는 힘 센자의 폭력과 힘 없는자의 관계인 역사적 현실을 소재로 인간의 실존상황과 희망을 그린 종교적예술이라 할 수 있다.

이 그림을 보았을때 신기한점은 싸우고,쓰러지며 절규하는 극도의 표현에도 불구하고 이 그림이 우리를 흥분과 분노상태로 몰아가지 않는다는 점이다.

그 이유는 아마도 피카소가 의도적으로 선택한 색과 구도 덕분일것이다. 많은 의도가 있지만 그 중 돋보이는것은 흑백과 무채색으로 처리함으로서 이 그림을 보는 우리를 차분히 만든다.

이와 더불어 중앙으로 향한 거대한 삼각형의 구도는 그림을 보는 우리를 더욱 안정되게 한다. 또 이 그림에 담긴 분노를 절제하고 커다란 역사의 틀에 맞춘다.
마지막으로 이 그림을 보는 많은 사람들이 게르니카에 대한 깊은뜻을 다시 한번 생각하길 바라며 글을 마친다.

출처:cillbertloy,다음블로그

# data[].attributes.headline
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 《별이 빛나는 밤》은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 고흐에게 밤하늘은 유한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 《밤의 카페 테라스》나 《론 강 위로 별이 빛나는 밤》에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 고흐는《별이 빛나는 밤》의 작업을 마쳤을 때 그다지 좋게 생각하지 않았다고 한다. 작품이 소개될 당시 미술계의 반응도 변변찮았다. 현재 이 그림은 1941년부터 뉴욕 현대미술관(MAMA)에서 상설 작품으로 전시되고 있다. 

# data[].attributes.subject
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 《별이 빛나는 밤》은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 고흐에게 밤하늘은 유한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 《밤의 카페 테라스》나 《론 강 위로 별이 빛나는 밤》에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 고흐는《별이 빛나는 밤》의 작업을 마쳤을 때 그다지 좋게 생각하지 않았다고 한다. 작품이 소개될 당시 미술계의 반응도 변변찮았다. 현재 이 그림은 1941년부터 뉴욕 현대미술관(MAMA)에서 상설 작품으로 전시되고 있다. 

# data[].attributes.headline
주세페 아르침볼도 <봄,여름,가을,겨울>

# data[].attributes.subject
주세페 아르침볼도 <봄,여름,가을,겨울>

# data[].attributes.body
이 그림은 <봄,여름,가을,겨울> 이란 작품으로 주세페 아르침볼도 라는 화가가 그렸다. 이 그림은 사물을 조합하여 인물을 형상화한 것이 특징이다. 그는 레오나르도 다빈치의 그로세스크 스케치 시리즈를 보고 영감을 얻어 이러한 작품들을 그리게 되었다.
이 작품은 막시밀리안 2세의 측면 초상화로 그를 사계절로 표현하여 황제의 전지전능함을 나타냈다.

봄은 꽃들과 잎으로 표현해 따스함을 느꼈고, 여름은 과일과 채소등으로 표현하였고, 가을은 포도들도 머리카락을 표현하였고 덥수룩한 수염은 수수로 나타냈다. 겨울은 다른 계절들에 비해 인물을 나타낸 사물들의 형태가 주름져있고 갈라져 괴상하다고 느꼈다.

이 그림은 세월의 흐름을 나타내고 있다. 봄은 소년, 여름은 청년, 가을은 중년, 겨울은 노년을 표현하였다. 나는 그가 표현한 사물들이 실제와 비슷하고 인물의 특징에 적절히 배치한것이 창의적이라고 생각한다. (자료출처: 유튜브 KTV스콘, 네이버 지식백과)

# data[].attributes.headline
빈센트 반 고흐 (아를의 별이빛나는 밤)

# data[].attributes.subject
빈센트 반 고흐 (아를의 별이빛나는 밤)

# data[].attributes.body
이 그림은 네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐의 작품이
다.

빈신트 반 고흐
그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다.1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다.

작품 기법
코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 그리고 약간 위쪽으로 향해 있고 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다.  전경에 위치한 강의 둑은 거의 수평에 가까웠는데, 프랑스 미술관 연구소에서 조사한 결과에 따르면, 반 고흐는 다양한 단계를 거쳐 풍경을 구상하고 변형시키는 작업을 했다고 한다.

자료 출처:네이버 지식백과

# data[].attributes.body
최후의 만찬은 레오나르도 다 빈치가 그의 후원자였던 루도비코 스포르차 공의 요청으로 그린 그림이다. 이 작품은 가톨릭 성경에 등장하는 예수의 마지막 날의 최후의 만찬의 정경을 그린 것이다.

레오나르도 다 빈치가 제1밀라노시대(1482∼1499년)에 1495년에서 1497년에 걸쳐 완성한 그림이다. 예수 그리스도가 십자가에서 죽기 전날, 열두 제자와 함께 만찬을 나누었다(마태 26:20, 마르 14:17, 루가 22:14)는 매우 낯익은 주제를 전무후무한 방식으로 표현한 작품이다. 르네상스의 전성기는 이 작품의 장대한 구도와 함께 시작되었다는 평가도 있다.

예수가 체포되기 전날 밤에 제자들과 함께 식사를 하면서 제자들 가운데 배신자가 있음을 다른 제자들에게 말하고[1] 빵과 포도주를 들어 기도한 후 이것이 자신의 피와 살이라 말하면서 나누어주는 모습이다

이 그림을 고른 까닭은 예전 이탈리아에 놀러 갔을때 밀라노 성당을 들렸는데 거기서 본그림이고 또한 제자들에게 배신을 당하에도 불구하고 아껴주는 모습이 본 받아야 한다 생각했기 때문이다
출처(위키백과,내이버 지식,나무위키

# data[].attributes.body
1892~1893년은 뭉크에게 그의 주제적 인상을 대중에게 전달하고자 노력한 중요한 해이다. 이 모티브는 실제 경험으로 시작된다. 뭉크는 기억한다.1892년 초 뭉크는 여러 스케치 시리즈로 이 작품을 시작했다. 이 그림은 오슬로 피오르드를 바라보는 길 난간에 기댄 외로운 남자에 중점을 둔다. 뭉크가 처음 시도한 자연주의에서 벗어나, 이 스케치는 전경에 계속된 강조와 과격하고 분리된 원근법의 진행을 보여준다.「THE SCREAM」에서 뭉크는 그의 중산모를 벗고 우리를 향하여 전경의 모습으로 돌린다. 성, 나이, 조용한 몽상, 이것은 남성호르몬, 무계급, 그리고 발가벗은 공포의 상징으로 정화한다. 육지, 바다, 하늘의 물결치는 밴드는 S 커브의 모습으로 종속되면서, 인간형태를 빼앗으며, 열린 입과 눈꺼풀이 없는 눈은 지옥의 죄인을 상기시킨다.
출처https://terms.naver.com/entry.naver?docId=2401289&cid=51335&categoryId=51335

# data[].attributes.headline
이 그림은 고흐의 별이빛나는 밤에 입

# data[].attributes.body
이 그림은 고흐의 별이빛나는 밤에 입니다.초등학교때 그림을 찾아봐야 해서 알아본 그림 입니다.그림속의 별들은 우리가 밤에 보이는 별들과 다르게 그렸습니다.이것은 고흐가 병실 밖으로 내다 보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸다고 합니다.이는 고흐의 주관적인  표현이 잘나타나 있다고 할수있습니다.보이는 대로 자세하게 그리는것도 좋지만 상상력을 동원해 다르게 표현하는 것도 매력있는 것 갔습니다. 여러분도 한번 보시면 좋을 것 갔습니다.
출처(네이버 나무위키)

# data[].attributes.headline
르누아르 뱃놀이 파티의 점심 식사 

# data[].attributes.subject
르누아르 뱃놀이 파티의 점심 식사 

# data[].attributes.headline
이 그림은 고흐의 <그림그리러가

# data[].attributes.body
이 그림은 고흐의 <그림그리러가는 화가> 라는 그림인데
등에는 배낭을 메고, 양손에 붓과 팔레트, 이젤을 들고 어디론가 향해 걷고 있는 화가의 모습이다. 인적이 없는 고요하고 황량한 전원을 배경으로 화가는 어디론가 혼자서 외롭게 길을 걷고 있다. 파란하늘과 노란들판이 대조된다.

이 그림은 고흐가 그린 고흐의 자화상이라고도 볼수있는데 홀로 많은 그림도구들을 짊어지고 가는 모습이 왜인지 힘들어보이지 않고 발걸음이 가벼워보인다 그이유는 아마 고흐는 그림그리는것을 좋아하고 즐기기때문에 그런것이 아닐까라고 생각해볼수 있을것같다

​이 그림은 2차 세계 대전 중 행방불명이 된 6점의 작품 가운데 하나이다. (자료출처: 네이버블로그)

# data[].attributes.body
작품설명: 남프랑스 아를로 이사를 간 고흐가 그해 여름에 고갱을 기다리며 꾸며 놓은 방을 그렸어요.고흐 자신이 사는 방을 그림으로 그렸어요.
이야기:고흐는 파리에서 생활하다가 도시 생활에 싫증이 나고 육체적으로도 힘들어 좀더 밝은 하늘 밑에서 자연을 바라보고 싶어졌어요. 그래서 1888년 2월 파리를 떠나 남프랑스 아를의 노란 집으로 이사를 갔어요. 고흐는 새로 이사한 집이 마음에 들어 동생 테오에게 편지를 보낼 때에 방의 모습도 그림으로 그려 보냈다고해요.
느낌: 아늑함이 느껴지고 내 방과 비교가 된다.

# data[].attributes.headline
아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

# data[].attributes.subject
아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

# data[].attributes.body
아티스트 빈센트 반 고흐(Vincent Van Gogh)
국적 네덜란드
출생-사망 1853년~1890년제작연도1888년
종류 유화기법캔버스에 유채(Oil on canvas)
크기 80.7 x 65.3 cm
소장처 크뢸러뮐러 미술관

# data[].attributes.body
이 작품은 캔버스에 유채로 그려졌고, 고흐의 «반 고흐의 방»이라는 이름으로 세 개의 작품을 그렸다. 하지만 최초에 그린 그림은 작업실에 홍수가 나 작품의 일부분이 손상되었다.  남프랑스 아를의 노란 집에서 고갱과 함께 지내던 시절의 고흐의 방을 그린 것이다. 하지만 얼마 후 고갱과 고흐의 만남은 비극적으로 끝나게
되고, 그로 인해 고흐는 요양원 생활을 하게 되었다.

실내에서는 그의 취향에 맞는 몇 가지의 가구를 볼 수 있다. 벽에는 자신의 그림이 여러 점 걸려 있다. 그리고 가구가 없는 소박한 침실은 고흐의 성격과 가난한 아를 시대의 생활을 그대로 반영하고 있다.

이 작품을 자세히 보면 문,창문 모두 같은 위치에 그려져 있지만 세부적인 부분에서는 차이를 보이고 있다.
또한 오른쪽 벽의 위쪽을 보면 한 여성의 초상화와 자신의 초상화를 걸어 디테일을 주고 있다. 마지막으로 마룻바닥의 선은 방을 끌어당기고 있는것같다.
(출처:네이버)

# data[].attributes.headline
빈센트 반 고흐 (아를의 고흐의 방)

# data[].attributes.subject
빈센트 반 고흐 (아를의 고흐의 방)

# data[].attributes.body
파리를 떠나서 ‘전원 생활’을 누리고자 했던 고흐에게 아를은 이상적인 장소처럼 보였다. 지금도 그렇지만 남프랑스는 예술가의 감성에 가장 맞는 곳이라고 할 수 있다. 강렬한 태양과 다채로운 풍경은 화가들의 시선을 사로잡기에 충분하다.

1886년부터 고흐는 남프랑스로 가겠다고 말했지만, 1888년에야 그의 뜻은 실현되었다. 난데없이 파리에 나타나서 동생 테오를 곤경에 빠트렸던 고흐는 번잡한 파리의 사교계를 떠나서 한적한 아를에 도착했다. 때는 2월이었고 때맞춰 쏟아진 폭설이 고흐의 이사를 힘겹게 했다.

아를에 도착한 고흐는 테오에게 편지를 보내서, 무사히 아를에 짐을 푼 사연을 전하기도 했다. 이 편지에서 고흐는 파리의 생활에 적응하지 못했던 자신의 모습을 간접적으로 보여주고 있어서 흥미롭다. (출처:네이버)

# data[].attributes.headline
빨강 파랑 그리고 노랑

# data[].attributes.subject
빨강 파랑 그리고 노랑

# data[].attributes.body
이 작품은 네덜란드 구성주의 회화의 거장
피에트 몬드리안의 유명한 작품입니다
이 작품은 보시면 직선만 있고
대각선은 존재하지 않습니다
이처럼 피에트 몬드리안은 수직과 수평의
선으로 자연을 표현했습니다
또 이작품은 빨강,노랑,파랑
색의 삼원색만 사용하였습니다
몬드리안은 색의 삼원색에
대하여 이렇게 말했습니다
노랑은 빛을바라고,
파랑은 뒤로 후퇴하고,
빨강은 위로떠오른다.
몬드리안이 추구한 미술 기법은
신조형주의 입니다
신조형주의는 형태와 색상으로 단순화되는
순수한 추상성과 보편성을 이용해 그림을 그리고,
수직과 수평으로 시각적 단순화를 일으키는
미술 기법입니다.
이 그림을 처음보았을때는 선과 색만 있는
쉬운 그림이라고 생각했지만
작가가 추구하는 미술 기법을 알고
다시 그림을 보니깐
그림이 아까와는 다르게
색달라보이기도 합니다.

# data[].attributes.headline
산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다.

# data[].attributes.subject
산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다.

# data[].attributes.body
이 그림은 반 고흐의 그림 중에서 가장 기억에 남는 그림이여서 이 그림을 선택했다
출처(네이버 지식백과)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
In the late 1870s, when she first exhibited with the Impressionists, Cassatt painted several images of the theater, a popular entertainment in Paris. Unlike her friend Edgar Degas, Cassatt focused on the spectators rather than the performers, exposing the dramas in the audience. In the Loge explores the act of looking: a distant man (at right) watches the woman in black who stares through her opera glasses at another spectator. This series of glances evokes Cassatt's own studious observation as she produced the picture. Despite the man's intense gaze, the woman in black is not merely an object of his desire. Her own actions emphasize her independence and reflect the increasing social freedom accorded modern women.

박물관을 둘러보고 Art Transfer, Pocket Gallery, Art Selfie 등의 기능을 사용해 보세요.

# data[].attributes.attachment_link.title
In the Loge - Mary Stevenson Cassatt - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
In the late 1870s, when she first exhibited with the Impressionists, Cassatt painted several images of the theater, a popular entertainment in Paris. Unlike her friend Edgar Degas, Cassatt focused on the spectators rather than the performers, exposing the dramas in the audience.

# data[].attributes.body
해바라기는 빈센트 반 고흐가 그린 정물화이다. 이 그림은 두 가지 버전이 있는데, 첫 번째는 1887년 파리에서 그린 바닥에 놓여있는 해바라기이며, 두 번째는 1년 뒤 아를에서 그린 꽃병에 담긴 해바라기이다.

고흐는 해바라기의 화가라고 해도 과언이 아닐 것이다. 고흐하면 떠올리는 이미지가 바로 해바라기이기 때문이다. 고흐의 그림에 나오는 여러 가지 사물들 중에서 인상적인 것은 사이프러스와 밀밭, 그리고 해바라기라고 할 수가 있는데, 이 중에서도 고흐를 대표하는 꽃이 해바라기인 것은 흥미로운 일이다. 왜냐하면 이 해바라기 그림이야말로 고갱을 빼놓고 말할 수 없는 작품이기 때문이다.

이 그림은 고른 이유는 해바라기를 보면 정서적으로 좋아지는 느낌가 따스한 햇살이 느껴지기 때문에

출처 (네이버 지식백과)

# data[].attributes.headline
밀레의 이삭줍는 여인들

# data[].attributes.subject
밀레의 이삭줍는 여인들

# data[].attributes.body
이그림은 밀레의 대표적인 작품 [이삭줍는 여인들]이다.  밀레는 노르망디의 가난한 시골마을에서 태어난 사실주의 화가이다. 다른화가들과 달리 풍경보다 농민생활을 더 많이 그렸다.
그림에서 두 여인은 허리를 굽혀 이삭을 줍고 있고 한 여인은 자신이 모은 이삭들을 간수하고 있다.
당시 비평가들은 농민의 모습만을 계속그리는 밀레를 사회주의자라고 비난하였지만 노르망디의 가난한 시골 농가에서 태어난 밀레는 자신도 가난한 생활을 체험해 보았기때문에 인간을 미화하거나 이상화 할수없었다.밀레는 과장하거나 감상도 섞지 않고 일하는 농민의 모습을 종교적인 분위기로 심화시켜 소박한 아름다움으로 표현하였다.

먼지가 많은것 같은 배경과 딱딱한 표정인 여인들의 모습에서 엄숙함이 느껴졌고 가난한 농민들이 허리도 제대로 펴지도 못한채 이삭을 줍는 모습이 할머니가 맛있는 채소와 음식을 주기위해 밭에가서 허리를 제대로 펴시지도 못하시고 일하는 모습이 떠올라 한편으로는 마음이 먹먹했다.

출처-(네이버 뚜비듀바,네이버 두산백과)

# data[].attributes.headline
이 그림의 아티스트 메리 스티븐슨 커

# data[].attributes.body
이 그림의 아티스트 메리 스티븐슨 커샛이 그린 그림이다. 어느 한 여성이 작은 돋보기를 쓰며 무언가를 지켜보는 듯한 기분을 주는 그림이다. 그리고 한 여성만 있는게 아닌 다른 곳에서 사람이 많이 있다. 사람들이 밑에 있는 무언가를 보려고 앉아 지켜 보는것 같은 그림이다. 또한 여성이 손에 가지고 있는 부채도 눈에 잘 보인다. 부채를 가져간 이유를 몇가지를 생각할수 있을것이다. 1번째는 더워서 가지고 온것 같은 생각을 주고 2번째는 자신의 얼굴을 가리기 위함을 위해 가져온 것만 같은 생각을 들게 한다. 지금은 이 그림이 있는 위치는 보스턴미술관이라 한다. 숙녀 같은 이미지를 가지고 백인의 소재로 만든 그림이라 더 돋보인다. 이만 1학년 6반 전민호 였습니다.

# data[].attributes.headline
시인 외젠 보쉬의 초상,빈센트 반 고흐, 1888,오르세 미술관

# data[].attributes.subject
시인 외젠 보쉬의 초상,빈센트 반 고흐, 1888,오르세 미술관

# data[].attributes.headline
클로드 오스카  모네-(야외에서 인물 그리기 습작: 양산을 쓰고 오른쪽으로 몸을 돌린 여인 ) 

# data[].attributes.subject
클로드 오스카  모네-(야외에서 인물 그리기 습작: 양산을 쓰고 오른쪽으로 몸을 돌린 여인 ) 

# data[].attributes.body
이 그림은 클로드 오스카 모네 이라는 화가가 그린 <야외에서 인물 그리기 습작: 양산을 쓰고 오른쪽으로 몸을 돌린 여인> 이라는 작품입니다. 저는 이 그림을 옛날에 우연히 본 그림입니다.
느낀점: 이 그림을 처음 봤을때 한 여인이 양산을 쓰고 있는 모습이 아름다워 보였지만 이 그림에 사람의 표정이 없어 외로워 보이고 쓸쓸한
분위기가 났습니다.

작품설명: 이 작품은 1883년 클로드 모네가 지베르니(Giverny)로 이주한 뒤, 그곳에서 1886년에 풍경 속에 있는 인물을 그린 습작이다. 이 작품과 거의 유사하지만 인물의 방향이 왼쪽을 향해 있는 또 다른 그림과 한 세트를 이루며, <양산을 쓴 여인>이라는 축약된 제목으로 불리고 있다. 작품의 모델은 모네의 두 번째 부인인 알리스의 딸 수잔(Suzanne)으로, 세트인 다른 작품에서와 마찬가지로 얼굴은 자세히 묘사되어 있지 않다. 작품 속에서 그녀는 하늘과 언덕의 풀밭을 표현한 색채와 비슷한 톤으로 그려져 있는데, 마치 풍경과 동화되어 있는 것 같은 느낌을 준다. 수잔의 드레스 및 바람에 나부끼는 투명한 베일 또한 하늘과 거의 같은 색으로 그려졌지만, 흰색에서 푸른색으로 넘어가는 풍부한 색채의 단계적 표현을 보여주고 있다. 작품 속에서 바람이 부는 배경 위에서 바람과 조화를 이루며 서 있는 수잔은 모네가 1875년에 그렸던 <산책(Le promenade)>을 연상하게 한다. <산책>의 모델은 모네의 첫 번째 부인인 카미유였는데, 지금 이 작품 속에서 흐릿하게 표현되어 있는 수잔의 얼굴을 통해 모네는 추억 속의 카미유를 추억하고 있는 듯 하다.

출처 네이버 지식백과

# data[].attributes.body
이 작품은 빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나인 별이 빛나는 밤 이라는 작품입니다. 이 작품은 고흐가 귀를 자르고 난 후에 요양원의 철창을 통해 바라 본 바깥 풍경을 밖으로 나와 3일만에 그린 그림입니다.
고흐는 화폭에 직접 흰색 튜브 물감을 짜서 하이라이트 효과를 주었습니다. 또한 그는 칠하는 과정에 있어서도 단순히 붓을 칠하는 게 아닌 붓의 자루 혹은 갈대로 표면을 긁어냄으로서 독특한 화풍을 연출하고 있습니다.
구도적인 측면에 있어선 전경의 마을 풍경을 최대한으로 축소하고 하늘의 풍경과 수직으로 뻗어나가는 삼나무를 주된 묘사 대상으로 삼았는데 이는 고흐가 풍경화를 그릴 때 자주 이용했던 방법이었습니다.

# data[].attributes.headline
이 그림은 "키스 해링의 빛나는 아기

# data[].attributes.body
이 그림은 "키스 해링의 빛나는 아기"입니다.이 그림은 밝은 색감과 단순한 그림으로 인상깊고 오래기억에 남아 고르게 되었다.푸른색 바탕에 데이글로 페인팅으로, 간결한 윤곽선만으로 이루어진 형상으로 아이 모습을 단순화하여, 빛을 발산하는 아이 모습을 보여주고, 순수함과 젊음 에너지와 능력 그리고 자유등을 이야기 한다.굵고 간결한 검은윤곽선으로 주황색 아기와 파랑색 바탕으로 집중도를 높이고, 모던한 분위기의 색상으로  인상적인 그림으로 그리고, 자신의 행복한 어린시절을 강조 빛나는 아기를 창조했다.
어린 시절의에 대한 동경과 그 시절의 기억을 떠올려 어린아이들과 함께 작업도 하고(자유의 여신상 벽화 등) 자신은 서명 대신으로도 아기 이미지를 남기기도하여 키스해링이라는 이름 대신 아기 이미지를 써 오기도 할 정도로 아기에 대한 동경이 남달랐다.

# data[].attributes.headline
에두아르 마네-피리부는 소년

# data[].attributes.subject
에두아르 마네-피리부는 소년

# data[].attributes.body
유명한 명화 중 하나인 "피리부는 소년" 작품은 모자를 쓰고 붉은색 바지를 입은 작은 키의 소년 병사가 앞을 보며 피리를 불고 있는 모습의 작품이다. 피리 부는 소년 작품은 병사의 모습을 명확한 윤곽선을 가진 평평한 화법으로 그린거 같다. 이 그림은 미술 전시회인 살롱에 출품했지만 살롱의 심사 위원들은 인물을 입체적으로 그리지 않고 배경도 없는 그림이라며 떨어뜨려 살롱에 전시되지는 못했다고 한다. (출처: 네이버 지식백과)

# data[].attributes.attachment_caption
[web발신][○△□] 한성준님,당신은 사람입니다.

# data[].attributes.body
출처:네이버 백과사전

# data[].attributes.headline
[web발신][○△□] 한성준님,당신은 그냥 사람입니다.

# data[].attributes.subject
[web발신][○△□] 한성준님,당신은 그냥 사람입니다.