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El fotomontaje es una técnica muy parecida al collage que conocemos; y a mí, me encanta hacer collage. Disfruté el tiempo dedicado a este trabajo, no sabía muy bien qué quería hacer así que agarré mis revistas y me puse a recortar... en ese momento, nuestro país y todo latinoamérica estaba en fuego, había incendios infernales a lo largo del continente, yo me había enterado por las redes sociales, no por los medios de comunicación tradicionales, entonces pensé "¿qué pasaría si una revista de espectáculo diera una noticia como esta? claramente nada, porque es imposible, nunca sucedería tal acontecimiento", y allí fue cuando se me ocurrió hacer ese estilo de fotomontaje surrealista, en donde una revista de espectáculo se denuncia a los incendios latinoamericanos. Algo parecido sucedió con la foto de la Avenida 9 de Julio: vacía, algo nunca antes visto, así como tampoco un repartidor de las tantas compañías conocidas, o incluso unos turistas fotografiándose con un cohete despegando a sus espaldas.
En fin, al ser un híbrido entre ambas vanguardias creo que pude llevarlo a cabo de la mejor manera; no sabía sobre qué temas trabajar pero creo que fueron los que mis pensamientos (sin mucha consciencia) consideraron correctos.

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Esta vanguardia surge en en 1919, en un momento de posguerra y refundación del mundo. El objetivo es romper con la estructura tradicional, sobrepasar lo real impulsando lo irracional y onírico mediante la expresión del inconsciente​ (teoría propuesta por Freud: el psicoanálisis), instancia que no podemos controlar, son nuestros sueños y anhelos más profundos. Las obras representan eso: fantasías, sueños, situaciones que no pueden llegar a suceder.

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Este movimiento surge en el año 1916, dos años luego de estallar la Gran Guerra, en Zúrich, Suiza. Es una reunión de representantes de diversas escuelas artísticas como el expresionismo alemán, el cubismo francés y el futurismo italiano. Esta vanguardia es tomada como un gesto de lucha, provocador contra la sociedad burguesa que cuestionaba el concepto que existía del arte en la época que precedió a la Guerra. Las obras propias de este movimiento, tienen un carácter ilógico e irónico con el fin de resignificar un objeto ya inventado (rady made), donde lo importante es la idea, el concepto novedoso que se arma entorno a ese objeto. Es un arte de ideas y movimiento fundante del arte contemporáneo.

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El estilo de "expresionismo abstracto" me costó comprenderlo... no sabía si lo que estaba haciendo estaba bien. Al principio, pensé que podía tomar determinados objetos y representarlos de la manera más abstracta posible; luego, eso me llevó a complicarme y querer tirar el dibujo que ya había logrado. Sin embargo, decidí continuar y "arreglarlo" de alguna forma; usé las figuras que no me convencían y les agregué algo o las cambié de color, y así lo terminé. Y, fue cuando lo vi de lejos, que pensé: "es como mi mente, no se entiende nada" y de ahí el nombre.

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Con la realización de este trabajo, de índole "expresionismo figurativo" pude, luego de un tiempo, sentarme a pensar y recordar el patio del colegio. No soy buena con los retratos, ya he realizado algunos y nunca me han gustado, pero este si. De hecho, estoy muy orgullosa, me pude correr de ese lado de querer hacer un retrato realista y dejé que el pincel y mi mano hicieran... El sentimiento es la alegría y, claramente, escuché música acorde a la situación, que me permitió conectarme, concentrarme y centrarme en lo que quería lograr.

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Esta vanguardia como bien se la menciona, surge en Alemania y se desarrolla a lo largo de los años 1905 y 1920; se despliega en momentos de pre-guerra, guerra y pos-guerra. Hay una crisis financiera debido a la sobreproducción, falta de materia prima y de consumidores. El pueblo alemán se manifiesta a favor de la guerra, ya que con ello creen solucionar sus problemas financieros. Se formaron dos grupos con distintas manifestaciones artísticas:

El puente: este grupo es el primero en conformarse. Introducen lo grotesco y feo, con el fin de mostrar la situación de Europa en ese entonces. Su estilo es conocido como expresionismo figurativo, en el que se representan emociones, sentimientos, el mundo interior y elementos que podemos reconocer.

El jinete azul: en este caso, se trata de una modalidad más abstracta, en donde no podemos reconocer los objetos de la realidad, transmiten una sensación.

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Este movimiento fascista y violento, surge en Italia el rededor de los años 1909 y 1910, en paralelo al desarrollo del cubismo en Francia, es por ello que son parecidos, ya que algunos artistas futuristas representaban a los objetos desde distintas posiciones con el objetivo de darles movimiento. Los temas que rigen en esta vanguardia son la velocidad, la energía y la fuerza, debido a que se trata de una sociedad moderna e industrializada.  Como se menciona anteriormente, se trata de un movimiento nacional extremo; en su manifiesto expresan su descontento al régimen establecido, y reivindican la guerra y la violencia, así como también se muestran simpatizantes con el gobierno de Benito Mussollini.

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Me divertí mucho con la realización de este trabajo; al principio me costó entender cómo eran ambos movimientos (analítico y sintético), pero creo que al sentarme y observar los elementos, pude comprender cómo eran, porqué pintaban como pintaban, qué querían resaltar en cada caso, etc. El ukelele fue un instrumento que me acompañó durante el último cuatrimestre, y el mate, me acompaña desde que tengo memoria; creo que por eso decidí retratarlos. Me llevó un tiempo interesante realizar el trabajo, porque me costaba entender que estaba viendo al objeto desde tres o más puntos de vista, y no desde uno solo.

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https://drive.google.com/file/d/1yG9-wipIGCMkDBUmNBDzZk_YfX0-0MS5/view?usp=sharing

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Esta vanguardia tan particular se desenvuelve en los años precedentes a la Primer Guerra Mundial, también en Francia, con la obra de Picasso "Señoritas de Avignon". Este movimiento pretende representar los objetos desde distintos puntos de vista, es decir de una manera tridimensional, con el fin de apreciar a los objetos de manera más profunda. Se desarrollaron dos estilos: el analítico y el sintético.

Analítico: es el primero en desarrollarse; supone un análisis profundo de cada elemento y el producto es la conjunción y superposición de los distintos puntos de vista; debido a la superposición es casi abstracto.

Sintético: a comparación del analítico, no superpone sino que rearma el objeto a partir de los puntos de vista que el artista considera esenciales del objeto. Tiene una leve similitud con los jeroglíficos egipcios.

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Al principio no sabía qué paisaje hacer, ninguno me convencía, no quería elegir uno ni tan complicado ni tan sencillo. Finalmente me decidí por una foto de mi viaje de egresados, del que volví maravillada por la vista.
Cuando comencé no estaba tan segura de cómo realizarlo o si lo que estaba haciendo estaba bien; pero lo arranqué. Primero dibujé más o menos dónde se iban a encontrar los elementos de la imagen. Me pareció interesante, así como también me volvió loca el darme cuenta al final, cómo era la técnica. Siempre pinto escuchando música y me dejo llevar por la melodía, eso me pasó con este trabajo... por eso creo que también me distraje con la técnica.

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https://drive.google.com/file/d/1EMFOddilNseyx-O6Of_CoyrGjzxDpLvv/view?usp=sharing

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Un movimiento que surge en Francia a finales del siglo XIX y principios del siglo XX (Primer Revolución Industrial, Revolución Francesa, etc.), donde lo que se busca no es retratar el mundo tal cual es (realista), sino que los artistas realizan representaciones fugaces de su entorno (paisajes); se oponen a las reglas rígidas de las bellas artes. En este período se encontraba en auge la filosofía positivista o cientificista es decir, se hacen experimentos para comprobar las teorías existentes; todo pasa por las matemáticas, la física, la química. Las artes no quedaron atrás; los artistas comenzaron a aplicar las teorías científicas a sus obras, como la teoría del color, con la que se comprueba que el color sólo existe en el ojo, en la luz, y no en las cosas: la luz, son todos los colores y la ausencia de ella, es el negro. Es gracias a esta teoría del color que, a mis más allegados cada vez que puedo, les recuerdo que en verdad los colores no existen, sino que son ondas de luz o ausencia de ellas.
La técnica utilizada en aquella época para retratar los paisajes, eran pinceladas cortas, encimadas y de tonalidades y colores distintos (respetando las luces y las sombras), una mezcla óptica, dado que es el ojo quien une los colores.

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Se plantean 2 (dos) actividades o fuerzas propias del Hombre: reproductora y creadora. Ambas, importantes para la conformación de las sociedades; la primera, por tratarse de la memoria, de normas de conducta ya existes, que permite conservar la experiencia anterior del Hombre, y la segunda, posibilita combinar, transformar y crear imágenes a partir de experiencias ya vividas, y tiene como fundamento a la imaginación (las culturas son producto de ella).
Entre muchas cosas, se plantea la imaginación y la creatividad como función vital y necesaria, para el desarrollo personal, científico o tecnológico. Por otra parte, es importante estar en contacto con la realidad, formar y tener experiencias que permitan incrementar la imaginación de cada persona y es, también, trabajo de las y los docentes formar esos espacios en donde el alumnado pueda disociar, unir, combinar elementos de su imaginación y crear algo nuevo. Así como también, invitarlos a entender que no estamos copiando la realidad (como ocurre a medida que vamos creciendo), sino que la estamos experimentando y a partir de ello construimos; y que el desarrollo del pensamiento simbólico, potencian el avance de su imaginación plástica y emocional, y creatividad.

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Se plantea una educación integral de los y las estudiantes, por medio de la educación artística en cualquiera de sus formas, ya que le permite, al estudiantado, adquirir una serie de herramientas así como también, experimentar su caos interior y el mundo real.
Donde antes se instruía, hoy se acompaña un proceso de autoconocimiento y reconocimiento en el mundo circundante. Sin embargo, una siempre cree que no tiene la capacidad para hacer arte, y eso no es verdad. Podemos no tener la virtud o el genio para hacer algo o tocar un instrumento o cualquier habilidad artística, pero todas las personas tenemos la capacidad de lograr y desarrollar dicho talento artístico, sin embargo un detalle no menor, es la importancia de tener acceso a la posibilidad de ese desarrollo, sino el progreso de esa virtud se verá afectado o simplemente quedará en los conocimientos que la persona tiene.
La enseñanza y educación artística nos permite fortalecer el autoestima y desarrollarnos tanto personal como socialmente. La pintura, la música, el baile transmiten valores, despiertan la sensibilidad y comprensión del entorno.