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Pintura a óleo realizada  pela artista Tarsila do Amaral em 1928. É uma das principais obras do período antropofágico do movimento modernista no Brasil.

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Primeira Geração Modernista - 1.ª Fase do Modernismo

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A primeira geração modernista ou primeira fase do modernismo no Brasil é chamada de "fase heroica" e se estende de 1922 até 1930.

Lembre-se que o modernismo foi um movimento artístico, cultural, político e social bem amplo.

No Brasil, ele foi dividido em três fases, onde cada uma apresentava suas singularidades segundo o contexto histórico inserido.

Resumo da primeira geração modernista

A Semana de Arte Moderna de 1922 foi, sem dúvida, o marco inicial da estética moderna no Brasil.

Esse evento, ocorrido em São Paulo no Teatro Municipal durante os dias 11 a 18 de fevereiro de 1922, representou uma ruptura com os padrões artísticos tradicionais.

A Semana reuniu apresentações de dança, música, exposições e recitação de poesias. Ela chocou grande parte da população brasileira, por estar avessa ao tradicionalismo vigente, estabelecendo assim, novos paradigmas de arte.

Os artistas envolvidos tinham como principal intuito apresentar uma estética inovadora, pautada nas vanguardas artísticas europeias (cubismo, futurismo, expressionismo, dadaísmo, surrealismo, etc.), iniciadas a partir do final do século XX.

Os artistas modernistas que merecem destaque nessa primeira fase fizeram parte do chamado " Grupo dos Cinco ". Esse grupo esteve composto pelos artistas:

Mário de Andrade (1893-1945)

Oswald de Andrade (1890-1954)

Menotti Del Picchia (1892-1988)

Tarsila do Amaral (1886-1973)

Anita Malfatti (1889-1964)

Importante lembrar que muitos artistas foram estudar na Europa, sobretudo em Paris (centro irradiador cultural e artístico da época) e trouxeram inovações no campo das artes.

Ainda que estivessem características das vanguardas europeias, o evento buscava apresentar uma arte mais brasileira (brasilidade). Por esse motivo, a primeira fase modernista priorizou temas pautados no nacionalismo, portanto na cultura e na identidade do Brasil.

Uma importante característica desse período de afirmação nacional foi a disseminação de diversos grupos e manifestos. Além disso, a publicação de algumas revistas auxiliaram na divulgação dos ideais modernos.

Dos grupos modernistas destaca-se:

Das Revistas divulgadoras dos ideais modernistas as principais foram: a Revista Klaxon (1922-1923) e a Revista de Antropofagia (1928-1929).

Contexto histórico da primeira fase modernista

O modernismo foi um movimento artístico e literário que surge em muitos países no final do século XX.

Ele nasce no período denominado entre guerras, visto que a Primeira Guerra Mundial ocorreu de 1914 a 1918 e a segunda de 1939 a 1945.

No Brasil, o período vigente é a primeira fase da República, chamado de República Velha (1889-1930). Esse contexto esteve marcada pelas oligarquias cafeeiras (São Paulo) e as oligarquias do leite (Minas Gerais).

Nesse momento, as oligarquias dominavam a cena política se alternado no poder e impedindo a eleição de indivíduos de outros estados.

Ademais, a queda da bolsa de Nova York, em 1929, resultou numa grande crise mundial refletida nas sociedades de diversos países.

Esse evento foi responsável pelo início da Segunda Guerra Mundial e os governos totalitários que surgiram na Europa: nazismo, fascismo, franquismo e salazarismo.

Saiba mais sobre Modernismo no Brasil: Características e Contexto histórico.

Características da primeira geração modernista

Nacionalismo crítico e ufanista;

Valorização do cotidiano;

Resgate das raízes culturais brasileiras;

Críticas à realidade brasileira;

Renovação da linguagem;

Oposição ao parnasianismo e ao academicismo;

Experimentações estéticas;

Renovações artísticas;

Ironia, sarcasmo e irreverência;

Caráter anárquico e destruidor;

Uso de versos livres e brancos.

Principais autores e obras

Além do "Grupo dos Cinco" ( Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti Del Picchia, Tarsila do Amaral e Anita Malfatti) outros artistas se destacaram nessa fase:

Manuel Bandeira (1886-1968): escritor, professor, crítico de arte e historiador brasileiro. De sua obra poética destacam-se: A Cinza das Horas (1917), Libertinagem (1930) e a Lira dos Cinquent'anos (1940).

Graça Aranha (1868-1931): escritor e diplomata brasileiro, sua obra de maior destaque é "Canaã" (1902).

Victor Brecheret (1894-1955): escultor ítalo-brasileiro. O "Monumento às Bandeiras" (1953), na cidade de São Paulo é, sem dúvida, sua obra mais importante.

Plínio Salgado (1895-1975): escritor, político e jornalista brasileiro e fundador do movimento nacionalista radical denominada "Ação Integralista Brasileira (1932), sua obra mais emblemática do período é "O Estrangeiro", publicada em 1926.

Ronald de Carvalho (1893-1935): poeta e político brasileiro, publicou em 1922 "Epigramas Irônicos e Sentimentais".

Guilherme de Almeida (1890-1969): escritor, jornalista e crítico de cinema brasileiro, publicou em 1922 a obra "Era Uma Vez...".

Sérgio Milliet (1898-1966): escritor, pintor e crítico de arte brasileiro, publicou em 1927 a obra "Poemas Análogos".

Heitor Villa-Lobos (1887-1959): maestro e compositor brasileiro, Villa Lobos é considerado o maior expoente da música moderna no Brasil. De suas composições com traços modernos destaca-se "Amazonas e Uirapuru" (1917).

Cassiano Ricardo (1895-1974): escritor e jornalista brasileiro. De sua obra destaca-se o poema indianista e nacionalista, publicado em 1928, "Martim Cererê".

Tácito de Almeida (1889-1940): escritor, jornalista e advogado brasileiro, foi colaborador da Revista Klaxon onde publicou diversos poemas. Em 1987, foi publicado uma seleção de poemas na obra: "Túnel e Poesia Modernista 1922/23".

Di Cavalcanti (1897- 1976): pintor brasileiro, considerado um dos mais importantes representantes da primeira fase modernista. Foi ilustrador da capa do "Catálogo da Semana de Arte Moderna", destacando-se com sua obra "Pierrot" (1924).

Lasar Segall (1891-1957): nascido na Lituânia mudou-se para o Brasil em 1923. Foi pintor e escultor de influência expressionista, sendo suas obras mais representativas: o "Retrato de Mário de Andrade" (1927) e "Auto-retrato" (1933).

Alcântara Machado (1901-1935): escritor, jornalista e político brasileiro, destaca-se sua coletânea de contos intitulada "Brás, Bexiga e Barra Funda", publicada em 1927.

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970): poeta, pintor e escultor brasileiro, dentre suas obras temos: "Mani Oca (O nascimento de Mani)" (1921) e "A Crucifixão" (1922).

Leia também:

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Primeira Geração Modernista - 1.ª Fase do Modernismo

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A primeira geração modernista ou primeira fase do modernismo no Brasil é chamada de "fase heroica" e se estende de 1922 até 1930. Lembre-se que o modernismo foi um movimento artístico, cultural, político e social bem amplo. No Brasil, ele foi dividido em três fases, onde cada uma...

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MODERNISMO | QUER QUE DESENHE | DESCOMPLICA

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MODERNISMO | QUER QUE DESENHE | DESCOMPLICA

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Modernismo: contexto, características, autores - Mundo Educação

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O modernismo é um estilo de época surgido no início do século XX, em um contexto de tensãopolítica entre as grandes potências europeias, o que levou a duas guerras mundiais. Nesse período, ocorreram também descobertas e inovações tecnocientíficas que passaram a caracterizar a vida moderna. Já no Brasil, a República Velha (1889-1930) chegava ao fim para dar início à Era Vargas (1930-1945).

Esse estilo de época é caracterizado pelo seu caráter transgressor, antiacadêmico e nacionalista. No Brasil, ele é dividido em trêsfases distintas, que, juntas, englobam o período de 1922 a 1978. Conta com autores como Oswald de Andrade, Carlos Drummond de Andrade, Graciliano Ramos, Ferreira Gullar e Clarice Lispector. Já em Portugal, o maior nome do modernismo é Fernando Pessoa.

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Leia também: Parnasianismo - movimento literário anterior ao modernismo

Contexto histórico do modernismo

Na Europa, a expansão imperialista, iniciada no século XIX, marcada pela exploração de países subdesenvolvidos e pela disputa entre as grandes potências, levou à corrida armamentista e à Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Após esse conflito, os movimentos nacionalistas intensificaram-se, levando ao fortalecimento do nazismo e do fascismo, o que culminou na Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

No campo científico, divulgou a sua colocava o Albert Einstein (1879-1955) teoria da relatividade, em 1905, enquanto Sigmund Freud (1856-1939) inconsciente em discussão e forjava as bases da psicanálise. Além disso, as inovações tecnológicas passavam a fazer parte da vida das pessoas, as máquinas e a velocidade tornavam-se símbolos da vida moderna. Nesse contexto, os artistas sentiram-se inspirados a criar uma "nova arte", radical e crítica da tradição acadêmica. Assim, surgiram os movimentos de vanguarda na Europa.

No Brasil, a , de República Velha chegava ao seu fim com os movimentos tenentistas no início da década de 1920, comandados por militares descontentes com o governo. Em 1924, a Coluna Prestes viés comunista, liderada por Luís Carlos Prestes (1898-1990), iniciava sua marcha, que durou dois anos, para convocar o povo a revoltar-se contra as elites.

Comando da Coluna Prestes, provavelmente em 1925.

Em 1929, houve a quebra da Bolsa de Nova Iorque , o que prejudicou a economia brasileira, baseada na exportação de café. No ano seguinte, quando Getúlio Vargas (1882-1954) perdeu as eleições para Júlio Prestes (1882-1946), supostamente devido a uma fraude, o presidente Washington Luís (1869-1957) foi deposto por um golpe de estado, e Vargas tomou posse provisoriamente. Contudo, era o início da Era Vargas , que duraria até 1945.

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Características do modernismo

Em linhas gerais, o modernismo apresenta a seguintes características:

Antiacademicismo

Experimentalismo

Crítica à tradição

Nacionalismo

Desconstrução

Renovação estética

Fragmentação

Liberdade formal

Liberdade de criação

Espírito anárquico

Temática sociopolítica

Leia também: Pré-modernismo - aspectos literários do início do século XX

Modernismo no Brasil

Cecília Meireles, poetisa da segunda fase do modernismo brasileiro.

Tem início com a Semana de Arte Moderna, em 1922, e possui as seguintes características:

Releitura crítica dos símbolos da nacionalidade

Liberdade de criação

Antiacademicismo

Liberdade formal

Ironia

Aproximação entre fala e escrita

Releitura do passado histórico

Regionalismo

Nacionalismo crítico

→ Principais autores e obras

Para saber mais sobre essa fase do modernismo no Brasil, leia: M odernismo - primeira fase literária.

Apresenta as seguintes características:

O mundo contemporâneo

O sentido existencial

Conflito espiritual

Sociopolítica

Liberdade formal

→ Principais autores e obras

Carlos Drummond de Andrade(1902-1987): Alguma poesia (1930) e A rosa do povo (1945)

Jorge de Lima (1893-1953): Poemas negros (1947)

Murilo Mendes (1901-1975): História do Brasil (1932) e O visionário (1941)

Leia mais sobre a produção poética desse período em: Poesia na segunda geração do modernismo.

Engloba narrativas publicadas entre 1930 e 1945,é assim caracterizado:

Neorregionalista

Neorrealista

Determinista

Enredos dinâmicos

Uso de linguagem simples

Apresentação da "cor local"

→ Principais autores e obras

Graciliano Ramos(1892-1953): Vidas secas (1938) e Memórias do cárcere (1953)

José Lins do Rego (1901-1957): Menino de engenho (1932)

Jorge Amado (1912-2001): Capitães de areia (1937) e O cavaleiro da esperança (1942)

Para saber mais sobre essa fase também conhecida como neorrealismo, acesse o nosso texto: Modernismo - segunda fase literária - prosa.

Vidas secas, de Graciliano Ramos, é um dos mais famosos romances de 30. [1]

A terceira geração modernista (ou pós-modernismo), que compreende as produções literárias realizadas entre 1945 e 1978, pode ser assim dividida:

Volta do rigor formal

Preocupação com a materialidade do texto poético: ritmo e espaço

Valorização da construção do poema: racional e planejada

Ampliação do poder de significação da palavra e do texto

Temas sociais, morais e políticos

→ Principais autores e obras

Experimentalismo

Foco no espaço

Ruptura radical com a poesia intimista

Aspecto verbivocovisual: semântico, sonoro e visual

Multiplicação das possibilidades de leitura

→ Principais autores e obras

Décio Pignatari (1927-2012): Poesia pois é poesia (1977)

Haroldo de Campos (1929-2003): Galáxias (1984)

Augusto de Campos: Viva vaia (1979)

Para aprender mais sobre essa estética experimental, leia: Concretismo.

Prosa da terceira geração modernista ou do pós-modernismo

Liberdade e experimentação com a linguagem

Não convencionalismo

Temática do particular em diálogo com o universal

Fluxo de consciência

Fragmentação

Metalinguagem

→ Principais autores e obras

Conheça melhor as características e os autores desse período do modernismo em: Prosa do pós-modernismo.

Principais autores e obras do modernismo em Portugal

Almada Negreiros (1893-1970): A engomadeira (1917)

José Régio (1901-1969): As encruzilhadas de Deus (1936)

João Gaspar Simões (1903-1987): Elói ou Romance numa cabeça (1932)

Branquinho da Fonseca (1905-1974): O barão (1942)

Soeiro Pereira Gomes (1909-1949): Esteiros (1941)

Ferreira de Castro (1898-1974): A selva (1930)

Alves Redol (1911-1969): Gaibéus (1939)

Aprenda mais detalhes desse movimento literário em: Modernismo em Portugal.

Resumo

Características:

Antiacademicismo

Experimentalismo

Crítica à tradição

Nacionalismo

Desconstrução

Renovação estética

Fragmentação

Liberdade formal

Liberdade de criação

Espírito anárquico

Temática sociopolítica

Autores e obras:
Portugal:

Fernando Pessoa: Mensagem

Mário de Sá-Carneiro: Dispersão

Almada Negreiros: A engomadeira

José Régio: As encruzilhadas de Deus

João Gaspar Simões: Elói ou Romance numa cabeça

Branquinho da Fonseca: O barão

Miguel Torga: Ansiedade

Soeiro Pereira Gomes: Esteiros

Ferreira de Castro: A selva

Alves Redol: Gaibéus

Brasil:

Oswald de Andrade: Memórias sentimentais de João Miramar e Pau-brasil

Mário de Andrade: Pauliceia desvairada e Macunaíma

Manuel Bandeira: Libertinagem

Carlos Drummond de Andrade: Alguma poesia e A rosa do povo

Vinicius de Moraes: Novos poemas

Cecília Meireles: Romanceiro da Inconfidência

Jorge de Lima: Poemas negros

Murilo Mendes: História do Brasil e O visionário

Rachel de Queiroz: O quinze

Erico Verissimo: O tempo e o vento

Graciliano Ramos: Vidas secas e Memórias do cárcere

José Lins do Rego: Menino de engenho

Jorge Amado: Capitães da areia e O cavaleiro da esperança

João Cabral de Melo Neto: Morte e vida severina

Ferreira Gullar: Poema sujo

Décio Pignatari: Poesia pois é poesia

Haroldo de Campos: Galáxias

Augusto de Campos: Viva vaia

Clarice Lispector: A hora da estrela

João Guimarães Rosa: Grande sertão: veredas

Modernismo no Brasil:

Primeira geração: 1922-1930

Segunda geração: 1930-1945

Terceira geração ou pós-modernismo: 1945-1978

Exercícios resolvidos

Instruções:As questões de números 1 e 2 referem-se ao poema seguinte.
Brasil O Zé Pereira chegou de caravela E preguntou pro guarani da mata virgem - Sois cristão? - Não. Sou bravo, sou forte, sou filho da Morte Teterê tetê Quizá Quizá Quecê! Lá longe a onça resmungava Uu! ua! uu! O negro zonzo saído da fornalha Tomou a palavra e respondeu ― Sim pela graça de Deus Canhem Babá Canhem Babá Cum Cum! E fizeram o Carnaval
Oswald de Andrade.

Questão 1 - (Enem) Esse texto apresenta uma versão humorística da formação do Brasil, mostrando-a como uma junção de elementos diferentes. Considerando-se esse aspecto, é correto afirmar que a visão apresentada pelo texto é

a) ambígua, pois tanto aponta o caráter desconjuntado da formação nacional quanto parece sugerir que esse processo, apesar de tudo, acaba bem.

b) inovadora, pois mostra que as três raças formadoras - portugueses, negros e índios - pouco contribuíram para a formação da identidade brasileira.

c) moralizante, na medida em que aponta a precariedade da formação cristã do Brasil como causa da predominância de elementos primitivos e pagãos.

d) preconceituosa, pois critica tanto índios quanto negros, representando de modo positivo apenas o elemento europeu, vindo com as caravelas.

e) negativa, pois retrata a formação do Brasil como incoerente e defeituosa, resultando em anarquia e falta de seriedade.
Resolução
Alternativa A. Ao utilizar as três raças, que, tradicionalmente, são consideradas como formadoras do povo brasileiro - o português, o índio e o negro africano -, o eu lírico mostra um caráter desconjuntado da formação nacional, por englobar três culturas tão distintas. Entretanto, no final, ao dizer que "fizeram o Carnaval", ele demonstra que esse processo acabou bem.

Questão 2 - (Enem)

A polifonia, variedade de vozes, presente no poema resulta da manifestação do

a) poeta e do colonizador apenas.

b) colonizador e do negro apenas.

c) negro e do índio apenas.

d) colonizador, do poeta e do negro apenas.

e) poeta, do colonizador, do índio e do negro.
Resolução
Alternativa E. No poema, é possível identificar as seguintes vozes: do poeta (o eu lírico, aquele que se expressa), do colonizador ("- Sois cristão?"), do índio ("Teterê tetê Quizá Quizá Quecê!") e do negro ("Canhem Babá Canhem Babá Cum Cum!").

Questão 3 - (Enem)
Isto Dizem que finjo ou minto
Tudo que escrevo. Não.
Eu simplesmente sinto
Com a imaginação.
Não uso o coração.

Tudo o que sonho ou passo
O que me falha ou finda,
É como que um terraço
Sobre outra coisa ainda.
Essa coisa é que é linda.

Por isso escrevo em meio
Do que não está ao pé,
Livre do meu enleio,
Sério do que não é.

Sentir? Sinta quem lê!
PESSOA, F. Poemas escolhidos. São Paulo: Globo, 1997.

Fernando Pessoa é um dos poetas mais extraordinários do século XX. Sua obsessão pelo fazer poético não encontrou limites. Pessoa viveu mais no plano criativo do que no plano concreto, e criar foi a grande finalidade de sua vida. Poeta da "Geração Orfeu", assumiu uma atitude irreverente.

Com base no texto e na temática do poema Isto, conclui-se que o autor

a) revela seu conflito emotivo em relação ao processo de escritura do texto.

b) considera fundamental para a poesia a influência dos feitos sociais.

c) associa o modo de composição do poema ao estado de alma do poeta.

d) apresenta a concepção do romantismo quanto à expressão da voz do poeta.

e) separa os sentimentos do poeta da voz que fala no texto, ou seja, do eu lírico.
Resolução
Alternativa E. No poema, o autor mostra que não coloca os seus sentimentos pessoais na poesia, como é possível comprovar com os seguintes versos: "Eu simplesmente sinto/ Com a imaginação", "Não uso o coração" e "Livre do meu enleio".

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Modernismo: contexto, características, autores - Mundo Educação

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O modernismo é um estilo de época surgido no início do século XX, em um contexto de tensãopolítica entre as grandes potências europeias, o que levou a duas guerras mundiais. Nesse período, ocorreram também descobertas e inovações tecnocientíficas que passaram a caracterizar a vida moderna.

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O modernismo foi uma tendência artístico-cultural ocorrida na primeira metade do século XX.

Se manifestou em diversos campos das artes, como a pintura, escultura, arquitetura, literatura, dança e música.

No Brasil, a linguagem de maior destaque no movimento modernista foi a literária e, assim como as demais, tinha como objetivo questionar e romper com tradições passadas.

Origem do modernismo e contexto histórico

O movimento moderno se iniciou na primeira década do século XX, a princípio na Europa, chegando posteriormente ao Brasil por volta dos anos 20.

Impulsionados por um contexto histórico conturbado, onde grandes transformações estavam em curso, os artistas e intelectuais modernos passaram a repensar a maneira de produzir arte e literatura. Eles cada vez mais valorizavam um pensamento crítico.

Assim, o modernismo acontece em um cenário de conquistas tecnológicas, progresso da indústria, aprofundamento do sistema capitalista e das desigualdades.

É nesse momento também que ocorrem grandes conflitos, como a Primeira Guerra Mundial, a Revolução Russa e o surgimento de regimes totalitários.

Podemos dizer que a corrente modernista perdurou até os anos 50, após a Segunda Guerra Mundial.

Caraterísticas do modernismo

As características que podemos notar no modernismo de maneira geral estão relacionadas à ruptura com os modelos artísticos-literários vigentes e a busca por inovação.

Dessa forma, os modernistas passam a produzir obras transgressoras e com maior liberdade criativa, sem seguir necessariamente regras e padrões.

Tanto na literatura como nas demais vertentes artísticas, podemos elencar como particularidades das obras modernistas:

Recusa aos moldes acadêmicos;

Liberdade criativa e de expressão;

Valorização da experimentação;

Busca pela aproximação da linguagem popular;

Espontaneidade e irreverência;

Quebra de formalismos;

Ironia e espírito cômico.

Modernismo no Brasil

No Brasil, o movimento modernista se consolidou com a Semana de Arte Moderna, ocorrida em 1922 no Theatro Municipal, em São Paulo. O evento contou com artistas de diversas áreas, com representantes da literatura, pintura, música e dança.

Di Cavalcanti foi o artista que produziu o cartaz e o catálogo da Semana de Arte Moderna

A Semana de 22, como também é chamada, é considerada um marco da vertente no país, entretanto, obras com características modernas já estavam sendo produzidas anteriormente. O momento ficou conhecido como Primeira Fase do Modernismo brasileiro.

Os artistas buscavam inspiração na arte que acontecia na Europa (as chamadas vanguardas europeias) para produzir trabalhos com caráter inovador e ao mesmo tempo nacional.

Também é importante destacar que a realidade brasileira nesse período impulsionou o surgimento da arte e literatura moderna nacional.

O contexto social por aqui era bastante delicado, com a grande insatisfação popular por conta da crescente alta dos preços, gerando manifestações e paralisações de trabalhadores.

Assim, a intelectualidade brasileira passa a criar trabalhos com o intuito de questionar os tradicionalismos e propor uma nova visão de mundo, baseada na valorização de temas cotidianos e nacionais.

A tela Abaporu, de Tarsila do Amaral, é um ícone do modernismo brasileiro

Modernismo literário brasileiro

O modernismo literário foi uma vertente bastante forte no Brasil, sendo que a Segunda Fase modernista no país foi marcada pela produção da literatura, com destaque para a prosa e poesia.

Os escritores passam a usar as palavras de maneira mais flexível, abusando de versos livres, linguagem sarcástica e cômica e renúncia à métrica e à rima.

Alguns dos escritores de maior destaque no período são: Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade, Cecília Meireles, Rachel de Queiroz.

A partir de 1945, surge um novo momento na literatura do país, com a Terceira Fase do Modernismo, na qual os escritores buscavam integrar novamente recursos formais com características intimistas, regionalistas e urbanas. Os representantes dessa fase são considerados também como "neoparnasianos".

Modernismo nas artes

Nas artes visuais, a tendência também se deu de maneira significativa, sobretudo na Europa. Lá ocorreram as primeiras expressões modernas, e fazem parte delas:

Expressionismo;

Fauvismo;

Cubismo;

Abstracionismo;

Futurismo;

Dadaísmo;

Surrealismo;

Concretismo.

A dança (1910) é uma tela de Henri Matisse e faz parte do fauvismo

Essas vertentes tiveram em comum a busca pela inovação. Faziam isso por meio da arbitrariedade no uso das cores, a deformação e geometrização das formas, a abstração das figuras ou a busca pelo absurdo.

Essas foram as maneiras encontradas para expor e questionar o caráter ilógico e incoerente da sociedade naquele momento.

Vídeo sobre a Arte Moderna no Brasil

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Pintado em 1933 por Tarsila do Amaral, a obra representa o processo de industrialização do estado de São Paulo e a variedade étnica dos trabalhadores do estado.

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SALA VIRTUAL 1AM / Anita Malfatti. A turma montou a sala temática e produziu um filme bacana, assista e comente ao lado do que mais gostou!

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SALA VIRTUAL 1AM / Anita Malfatti. A turma montou a sala temática e produziu um filme bacana, assista e comente ao lado do que mais gostou!

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Anita Catarina Malfatti foi uma pintora, desenhista, gravadora, ilustradora e professora ítalo-brasileira. Anita Malfatti era portadora de deficiência motora. É considerada pioneira da Arte Moderna no Brasil.

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Projeto 2022 1Bm  Os Operários  - Operários é um quadro pintado em 1933 por Tarsila do Amaral que representa o processo de industrialização do estado de São Paulo e o imenso número e a variedade étnica das pessoas vindas de todas as partes do Brasil para trabalhar nas fábricas, que começavam a surgir no país no início do século XX e tendo seu pico na década de 1930, principalmente nas metrópoles, impulsionando o capitalismo e a imigração.[1][2]

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Modernismo no Brasil – Wikipédia, a enciclopédia livre

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Contribuidores dos projetos da Wikimedia

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Modernismo no Brasil – Wikipédia, a enciclopédia livre

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A obra foi pintada por Tarsila Do Amaral, considerada uma das principais artistas modernistas da América Latina, em 1924 e  pertence ao período Pau-Brasil.

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A obra de Vicente do Rego Monteiro foi pintada em 1920 e atualmente faz parte do acervo da Coleção Gilberto Chateaubriand – MAM RJ.

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A obra foi pintada pela artista Anita Malfatti em 1915 com a técnica óleo sobre tela, e atualmente está situada no acervo da Coleção Mário de Andrade do Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo.

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A obra foi pintada em 1934 e atualmente pertence ao acervo do Museu da Arte de São Paulo (MASP).

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O artista Candido Portinari pintou quase cinco mil obras, de pequenos esboços a enormes murais. Foi o pintor brasileiro a alcançar maior projeção internacional. “Mestiço” é o quadro mais famoso do pintor, feito em 1934.  O exagero das formas tem o objetivo de destacar a importância do trabalhador brasileiro.

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A obra é do artista Lasar Segall e foi feita com óleo sobre tela em 1927. Atualmente faz parte do acervo da Pinacoteca do estado de São Paulo.

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A tela do artista modernista Di Cavalcanti foi pintada em 1925 com a técnica de óleo sobre tela e revela a ousadia do pintor na opção temática para a representação da cultura popular.

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A obra é uma das mais famosas da artista brasileira Anita Malfatti e foi realizada entre os anos de 1915 e 1916. O quadro foi parte integrante da Exposição de 1917 e da Semana de Arte Moderna de 1922

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Cartaz original do catálogo da exposição da Semana de Arte Moderna

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Cartaz original do catálogo da exposição da Semana de Arte Moderna

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Cartaz original da Semana de Arte Moderna

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Cartaz original da Semana de Arte Moderna

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Coloque abaixo as demandas/necessidades para formatarmos as oficinas e datas:

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Coloque abaixo as demandas/necessidades para formatarmos as oficinas e datas:

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No âmbito das disciplinas CEAJATLAB e TI-Tecnologias da Informação, estaremos oferecendo algumas oficinas sobre a estética do movimento modernista, ressignificando contextos, memórias e identidades para a contemporaneidade e contemplando o nosso território e o PPP/CEAJAT e comunidades.

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Olá alunos (as), segue material para leitura e inspiração para o nosso projeto. 

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Olá alunos (as), segue material para leitura e inspiração para o nosso projeto. 

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Na música, o modernismo é uma postura filosófica e estética subjacente ao período de mudança e desenvolvimento na linguagem musical que ocorreu por volta da virada do século 20, um período de diversas reações no desafio e reinterpretação de categorias antigas de música, inovações que levaram a novas formas de organizar e abordar aspectos harmônicos, melódicos, sonoros e rítmicos da música, e mudanças nas visões de mundo estéticas em estreita relação com o período identificável do modernismo nas artes da época. A palavra operativa mais associada é "inovação". Sua característica principal é uma "pluralidade lingüística", o que significa que nenhum gênero musical jamais assumiu uma posição dominante.

A música modernista refere-se à música escrita tradição europeia (ou música clássica), desenhada aproximadamente entre 1910 e 1975. Foi precedida pela música do Romantismo e pós-Romantismo, e sucedida pela música clássica contemporânea. O momento exato em que o modernismo terminou e a música contemporânea começou, ainda é uma questão de debate entre os especialistas. Às vezes a música modernista é equiparada à música do século XX, embora a última cubra um tempo cronológico em vez de um período estético. A música modernista é baseada nos valores filosóficos e estéticos do modernismo, cujo princípio principal é a ruptura com a tradição e a inovação permanente. Devido a isso, está intimamente ligado à vanguarda. Ao contrário de períodos anteriores, praticamente todos os compositores deste período participaram em vários movimentos musicais diferentes, simultaneamente ou em etapas.

Exemplos incluem a celebração da rejeição de tonalidade de Arnold Schoenberg em obras cromáticas pós-tonais e de doze tons e o afastamento de Igor Stravinsky do ritmo métrico.

Definições
O musicólogo Carl Dahlhaus descreve o modernismo como:

um ponto óbvio de descontinuidade histórica ... O "avanço" de Mahler, Strauss e Debussy implica uma profunda transformação histórica ... Se fôssemos procurar um nome para transmitir o clima de separação da década de 1890 (um clima simbolizado musicalmente por os compassos iniciais do Don Juan de Strauss), mas sem impor uma unidade de estilo fictícia na época, poderíamos fazer pior do que voltar ao termo "modernismo" de Hermann Bahr e falar de uma "música modernista" estilisticamente aberta (com alguma latitude ) de 1890 aos primórdios de nossa própria música moderna do século XX em 1910.

Eero Tarasti define o modernismo musical diretamente em termos da "dissolução da tonalidade tradicional e transformação dos próprios fundamentos da linguagem tonal, buscando novos modelos em atonalismo, politonalismo ou outras formas de tonalidade alterada", que ocorreram por volta da virada do tempo. século.

Daniel Albright propõe uma definição de modernismo musical como "um teste dos limites da construção estética" e apresenta as seguintes técnicas ou estilos modernistas:

Expressionismo
Nova objetividade
Hiperrealismo
Abstracionismo
Neoclassicismo
Neobarbarismo
Futurismo
Método mítico

Princípios
O nome do modernismo é dado a uma série de movimentos baseados no conceito de que, sendo o século XX uma época de mudanças sociais e tecnológicas fundamentais, a arte deveria adotar e desenvolver esses princípios como uma base estética. O modernismo toma o espírito progressista do final do século XIX e seu apego ao rigor do progresso tecnológico, tirando-o das normas e formalismos da arte do tempo e da tradição. Desta forma, a principal característica do modernismo é a pluralidade da linguagem, entendendo que nenhuma linguagem musical particular assumiu uma posição dominante.

Tecnicamente falando, o modernismo musical tem três características principais que o distinguem de períodos anteriores:

A expansão ou abandono da tonalidade.
O uso de técnicas estendidas.
A incorporação de sons e novos sons na composição.

Principais técnicas, estilos e movimentos

Futurismo
O Futurismo foi um dos primeiros movimentos de vanguarda na Europa no século XX. Esse movimento artístico foi fundado na Itália pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, que escreveu o Manifesto Futurista e o publicou em 20 de fevereiro de 1909 no jornal Le Figaro, em Paris.

Este movimento procurou uma ruptura com as tradições artísticas do passado e os sinais convencionais da história da arte. Ele tentou elogiar a vida contemporânea, através de dois temas principais: a máquina e o movimento. O futurismo recorreu a qualquer meio de expressão; artes plásticas, arquitetura, poesia, publicidade, moda, cinema e música; a fim de construir novamente o perfil do mundo.

Os primeiros trabalhos futuristas no campo da música começaram em 1910, o mesmo ano em que o Manifesto de músicos futuristas foi assinado. Os principais compositores futuristas foram os italianos Francesco Balilla Pratella e Luigi Russolo. Russolo concebe neste manifesto a arte dos ruídos de 1913, como conseqüência dos estudos anteriormente realizados por Pratella. O "noise music" foi posteriormente incorporado às performances, como música de fundo ou como uma espécie de partitura ou guia para os movimentos dos intérpretes, também inventou uma máquina de ruído chamada Intonarumorior "noise toner", que foi duramente criticada em seu tempo. Entre seus trabalhos mais significativos destaca Los Relámpagos de 1910.

Russolo era o antecedente da música concreta, uma linguagem sonora na qual qualquer som era usado, fosse produzido pela natureza ou pela técnica (técnica gutural, palavras ou linguagem inarticulada).

Crise de tonalidade e atonalismo
Os primeiros antecedentes da música européia sem um centro tonal estão em Franz Liszt com sua bagatella sem tonalidad de 1885, período que já falava de uma "crise de tonalidade". Essa crise foi gerada pelo uso cada vez mais freqüente de acordes ambíguos, inflexões harmônicas menos prováveis ​​e as inflexões melódicas e rítmicas mais incomuns possíveis na música tonal. A distinção entre o excepcional e o normal tornou-se cada vez mais obscura e, como resultado, houve um afrouxamento concomitante dos elos sintáticos através dos quais os tons e as harmonias se relacionavam entre si. As conexões entre as harmonias eram incertas, os relacionamentos e suas conseqüências tornaram-se tão tênues que mal funcionavam. No máximo, as probabilidades do sistema tonal ficaram muito escuras; no pior dos casos, eles estavam se aproximando de uma uniformidade que fornecia poucas diretrizes para composição ou audição. No início do século XX, compositores como Claude Debussy, Aleksander Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Carl Ruggles, Igor Stravinski e Edgar Varèse escreveram músicas que foram descritas, total ou parcialmente, como atonais. Aleksandr SkriabinEle fez um estilo particular de impressionismo e atonalidade, baseando obras como Mysterium, Poema del éxtasis ou Prometheus: o poema de fogo em um acorde por quartetos e tritones chamado "acorde místico", distante da habitual tríade de acordes formados por intervalos de terceiro.

A primeira fase do atonalismo (ancestral do dodecafonismo), conhecida como "atonalidade livre" ou "cromatismo livre", implicava uma tentativa consciente de evitar a tradicional harmonia diatônica. As obras mais importantes deste período são a ópera Wozzeck (1917-1922), de Alban Berg e Pierrot Lunaire (1912), de Arnold Schönberg. O primeiro período de peças livremente atonais de Schoenberg (de 1908 a 1923), muitas vezes tem como elemento integrador a uma célula de intervalo que, além da expansão pode ser transformada em uma fileira de tons, e na qual as notas individuais podem " funcionam como elementos fundamentais, para permitir a superposição dos estados de uma célula básica ou a interconexão de duas ou mais células básicas ". Outros compositores nos Estados Unidos, como Charles Ives, Henry Cowell e, mais tarde, George Antheil, produziram música chocante para o público da época, por desdém às convenções musicais. Eles frequentemente combinavam música popular com aglutinação ou politonalidade, dissonâncias extremas e uma complexidade rítmica que aparentemente é inexequível. Charles Seeger enunciou o conceito de contraponto dissonante, uma técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger e outros.

Primitivismo
O primitivismo foi um movimento das artes que buscava resgatar o folclore mais arcaico de certas regiões com a linguagem moderna ou modernista. Semelhante ao nacionalismo em sua ânsia de resgatar o local, o primitivismo também incorporou métricas e acentos irregulares, um maior uso de percussão e outros timbres, escalas modais e harmonia polonal e atonal. Dentro da música os dois gigantes deste movimento foram o russo Igor Stravinsky e a húngara Bela Bartok, ainda que o trabalho de ambos supere em muito a denominação "primitivista".

O primeiro dos principais períodos estilísticos de Stravinsky (excluindo algumas obras menores) foi inaugurado pelos três balés que compôs para Diaghilev. Esses balés têm várias características compartilhadas: são feitos para serem tocados por orquestras extremamente grandes; os temas e os enredos são baseados no folclore russo; e eles carregam a marca Rimski-Kórsakov tanto em seu desenvolvimento quanto em sua instrumentação. O primeiro dos ballets, The Firebird (1910), é notável por sua introdução incomum (trios de cordas baixas) e varredura da orquestração. Petrushka (1911), também é marcado distintamente e é o primeiro dos balés de Stravinsky a usar a mitologia popular russa. Mas é no terceiro balé, The Consecration of Spring (1913), que é geralmente considerado a apoteose do "Período russo primitivo" de Stravinsky. Aqui, o compositor usa a brutalidade da Rússia pagã, refletindo esses sentimentos na interpretação agressiva, na harmonia politônica e nos ritmos abruptos que aparecem ao longo do trabalho. Existem várias passagens famosas neste trabalho, mas duas são de particular importância: o primeiro tema baseado nos sons do fagote com as notas no limite de seu registro, quase fora de alcance; e o ataque ritmicamente irregular (usando o recurso típico do período stravinskiano russo de pegar uma célula rítmica curta e mover sua acentuação) de dois acordes sobrepostos usando apenas o calcanhar do arco para as correntes e tornando mais evidente a reorganização permanentemente variável da inicial motivo, duplicando com os acordes os acordes que são acentuados a cada vez. A consagração é geralmente considerada não apenas a obra mais importante do primitivismo ou de Stravinsky, mas de todo o século XX, tanto por sua ruptura com a tradição quanto por sua influência em todo o mundo.

Outras peças de destaque deste estilo incluem: The Nightingale (1914), Renard (1916), História de um soldado (1918) e Os casamentos (1923), instrumentados para a combinação original de quatro pianos e percussão, com participação vocal. Nessas obras o músico levou ao limite a herança da escola nacionalista russa até praticamente esgotá-la.

Bartók era um músico húngaro que se destacou como compositor, pianista e pesquisador de música folclórica da Europa Oriental (especialmente dos Bálcãs). Bartók foi um dos fundadores da etnomusicologia, baseado nas relações que unem a etnologia e a musicologia. De sua pesquisa, ele desenvolveu um estilo muito pessoal e inovador.

Microtonalismo
O microtonalismo é uma música que usa microtones (intervalos musicais inferiores a um semitom). O músico norte-americano Charles Ives definiu os microtones de maneira humorística como "as notas entre as teclas do piano". Experimentando com o violino em 1895, o mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dezesseis sons distintos entre os lançamentos G e A emitidos pela quarta corda de violino. Ele chamou essas distinções microtonais de Sonido e escreveu sobre a teoria da música e a física da música. Ele inventou uma notação numérica simples para representar as escalas musicais com base em qualquer divisão da oitava, como terços, quartos, quartos, quintos, sextos, sétimos e assim por diante (ele até escreveu, na maior parte do tempo, para quartas). , oitavos e décimos sextos combinados, a notação destina-se a representar qualquer subdivisão imaginável). Ele inventou novos instrumentos musicais e outros os adaptaram para produzir micro-faixas. Ele compôs uma grande quantidade de música microtonal e gravou 30 de suas composições. Nos anos 1910 e 1920, quartas e outras subdivisões da oitava receberam a atenção de outros compositores como Charles Ives, Alois Haba (1/4 e 1/6), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, Escalas de 1/12 e não octabáveis), Ferruccio Busoni (que fez algumas experiências malsucedidas na adaptação de um piano de terços de tom), Mildred Couper e Harry Partch. Erwin Schulhoff deu aulas de composição em quarto-tom no Conservatório de Praga. Notáveis ​​compositores microtonais ou pesquisadores das décadas de 1940 e 1950 incluíam Adriaan Fokker (31 tons iguais por oitava) e Groven Eivind. A música microtonal nunca teve muita aceitação e foi considerada no futuro quase exclusivamente pelos músicos da Vanguardia.

Segunda Escola Vienense, dodecafonismo e serialismo
Arnold Schoenberg é uma das figuras mais significativas da música do século XX. Seus primeiros trabalhos pertencem ao estilo romântico tardio, influenciado por Richard Wagner e Gustav Mahler, mas no final ele abandonou o sistema de composição tonal para escrever música atonal. Com o tempo, ele desenvolveu a técnica do dodecafonismo, propondo-a em 1923 para substituir a tradicional organização tonal.

Seus alunos Anton Webern e Alban Berg também desenvolveram e aprofundaram o uso do sistema de doze tons, e se destacaram pelo uso de tal técnica sob suas próprias regras. Os três são conhecidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg ou a Segunda Escola Vienense. Este nome foi criado para destacar que esta Nova Música teve o mesmo efeito inovador que a Primeira Escola de Viena de Haydn, Mozart e Beethoven.

O dodecafonismo era uma forma de música atonal, com uma técnica de composição na qual as 12 notas da escala cromática são tratadas como equivalentes, isto é, sujeitas a uma relação ordenada que (ao contrário do sistema maior-menor da tonalidade) não estabelece hierarquia entre as notas. O que o fundador da música de doze tons, Schönberg, fez foi proibir, por estatuto, usar uma nota mais do que outra: a melodia de doze tons deve conter as 12 notas na escala cromática. Está escrito seguindo o princípio de que todos os doze semitons ou notas são de igual importância. A relação interna é estabelecida a partir do uso de uma série composta pelas doze notas. O compositor decide a ordem em que aparecem com a condição de que eles não repitam nenhum até o final.

O serialismo representa um passo à frente do dodecafonismo, e foi criado pelo qual um aluno de Schoenberg, Webern: uma ordem é estabelecida não só para a sucessão de diferentes alturas, mas para a sucessão de durações diferentes (as "figuras", como o quarto nota, oitava nota, etc.) e a sucessão da dinâmica (níveis de intensidade sonora), bem como de articulação. Todas essas séries são repetidas durante o curso de um trabalho. A técnica tem sido chamada de serialismo integral para distingui-la do serialismo limitado do dodecafonismo. Ironicamente, após anos de impopularidade, o estilo pontilhista de Webern - no qual os sons individuais são cuidadosamente colocados no trabalho de modo que cada um importa - tornou-se norma na Europa durante as décadas de 1950 e 1960, e foi muito influente entre compositores do pós-guerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.

Neoclassicismo
O neoclassicismo na música refere-se ao movimento do século XX que assumiu uma prática comum de tradição em termos de harmonia, melodia, forma, timbres e ritmos, mas misturado a grandes dissonâncias atonais e ritmos sincopados, como ponto de partida para compor. música. Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Séréi Prokofiev, Dmitri Shostakovich e Béla Bartók são os mais importantes compositores geralmente mencionados neste estilo, mas também o prolífico Darius Milhaud e seus contemporâneos Francis Poulenc e Arthur Honegger (Os Seis).

O neoclassicismo nasceu ao mesmo tempo que o retorno geral aos modelos racionais nas artes, em resposta à Primeira Guerra Mundial. Menores, mais escassas, mais ordenadas eram as tendências concebidas em resposta à saturação emocional que muitos sentiam ter empurrado as pessoas para as trincheiras. Considerando que os problemas econômicos favoreciam os grupos menores, a busca de fazer "mais com menos" tornou-se uma prática obrigatória. A história do soldado de Stravinski é por esta razão uma semente de peça neoclássica, como também acontece no concerto Os carvalhos de Dumbarton, em sua sinfonía para instrumentos de sopro ou na sinfonia em. A culminación neoclássica de Stravinsky é sua ópera O Progresso do Libertine ("Rake's Progress"), com libreto do conhecido poeta modernista WH Auden.

O neoclassicismo encontrou um público interessado nos EUA; A escola de Nadia Boulanger promulgou idéias musicais baseadas no entendimento da música de Stravinski. Entre seus alunos estão músicos neoclássicos como Elliott Carter (em seus primeiros dias), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla e Virgil Thomson.

A característica mais audível do neoclassicismo são melodias que usam o terceiro como um intervalo fixo, e cromaticamente adicionam notas dissonantes ao ostinato, blocos harmônicos e mistura livre de polirritmia. O neoclassicismo ganhou grande aceitação do público rapidamente, e foi internalizado por aqueles que se opunham ao atonalismo como verdadeira música moderna.

Música eletrônica e concreta
Os avanços tecnológicos no século XX permitiram que os compositores usassem mídia eletrônica para produzir sons. Na França, a música escolar concreta que produzia sons existentes no mundo foi desenvolvida. Ele é chamado de concreto porque, de acordo com Pierre Schaeffer, seu inventor, ele disse que é produzido por objetos concretos e não pelos abstratos que os instrumentos musicais tradicionais seriam. O primeiro que teve esses meios foi Edgar Varese, que apresentou Poème électronique no pavilhão Philips da Exposição de Bruxelas em 1958. Em 1951, Schaeffer, juntamente com Pierre Henry, criaram o Grupo de Pesquisa da Música Concreta em Paris. Logo atraiu grande interesse, e entre aqueles que vieram foram diferentes compositores importantes, como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraque, Karlheinz Stockhausen, Edgar Varese, Ianis Xenakis, Michel Philippot e Arthur Honegger.

Música aleatória e avant-garde radical
Enquanto o próprio modernismo é música de vanguarda, a vanguarda dentro dele se refere aos movimentos mais radicais e controversos, onde o conceito de música atinge seus limites - se não os excede - usando elementos como ruído, gravações, senso de humor, acaso, improvisação, teatro, absurdo, ridículo ou surpresa. Dentro dos gêneros geralmente localizados dentro dessa corrente radical está a música aleatória, a música eletrônica ao vivo, o teatro musical, a música ritual, a composição de processos, o acontecimento musical ou a música intuitiva, entre muitos outros. Entre os compositores mais transcendentais que se aventuraram nessas aventuras estão John Cage na América e Karlheim Stockhausen na Europa.

Música aleatória ou música de vanguarda radical é uma técnica de composição musical baseada no uso de elementos não regulados por diretrizes estabelecidas e nos quais adquire um papel preponderante, é a improvisação baseada em sequências não estruturadas. Tais traços de improvisação podem ser fixados na criação do autor ou no desenvolvimento da própria interpretação. É freqüente, portanto, a composição de peças aleatórias nas quais o intérprete determina a estrutura final da obra, reorganizando cada uma das seções da mesma, ou até mesmo através da interpretação simultânea de várias delas.

As modalidades mais destacadas em que a criação aleatória é proposta na música contemporânea são a forma móvel, que impõe diversas soluções interpretativas de nível comparável; a forma variável, na qual a improvisação predomina; e o chamado trabalho em andamento, que constitui o grau máximo de chance na execução da peça. Em todos eles, geralmente são incorporados instrumentos clássicos, com especial atenção ao piano, e meios eletrônicos de execução, como sintetizadores, distorcedores e fitas gravadas.

Micropolifonia e massas sonoras
Nas palavras de David Cope, a micropolifonía é sobre "uma simultaneidade de diferentes linhas, ritmos e timbres". A técnica foi desenvolvida por György Ligeti, que explicou desta forma: "A complexa polifonia das vozes individuais é enquadrada em um fluxo harmônico-musical, no qual as harmonias não mudam repentinamente, mas se transformam em outras; uma combinação de interlúdio discernível está ficando cada vez mais indistinto, e a partir dessa nebulosidade é possível sentir que uma nova combinação periódica está tomando forma "." A micropolifonía se assemelha aos clusters, mas difere deles no uso de linhas mais dinâmicas que estáticas ". O primeiro exemplo de micropolifonía na obra de Ligeti realiza-se no segundo movimento de sua composição orquestral Apparitions, são também pioneiros na aplicação desta técnica em seu próximo trabalho para a orquestra Atmosphères e no primeiro movimento de seu Requiem, para soprano, mezzo- soprano, coro misto e orquestra sinfônica.Este último trabalho alcançou grande popularidade, pois fazia parte da trilha sonora do filme de Stanley Kubrick 2001: A Spac e Odisséia

A técnica de micropolifonía é mais fácil de aplicar com agrupamentos maiores ou instrumentos musicais polifónicos como o piano. Embora o Poème Symphonique para 100 metrônomos cria "micro-polifonia de complexidade inigualável". Muitas das peças para piano de Ligeti são exemplos de micropolifonía aplicada a esquemas rítmicos derivados do complexo "minimalismo" de Steve Reich e da música dos pigmeus.

Intrinsecamente relacionado à micropolifonía está a massa de som ou massa sonora que é uma textura musical cuja composição, em contraste com outras texturas mais tradicionais, "minimiza a importância de alturas musicais individuais para preferir a textura, timbre e dinâmica como principais formadores de gesto e impacto ".

Esta técnica foi desenvolvida a partir dos clusters utilizados pelo modernismo musical e posteriormente estendida à escrita orquestral no final dos anos 50 e 60. A massa sonora "confunde o limite entre o som e o ruído". Uma textura pode ser organizada de tal maneira que "é muito próximo do status de um conjunto mesclado de timbres de um único objeto, por exemplo, o lindo acorde da aurora boreal, em uma distribuição muito interessante de alturas, produz um som fundido que repousa sobre um pires suspenso. "

Minimalismo
Vários compositores dos anos sessenta começaram a explorar o que hoje chamamos de minimalismo. A definição mais específica de minimalismo refere-se ao domínio dos processos na música onde os fragmentos são sobrepostos uns aos outros, freqüentemente repetidos, para produzir todo o quadro sonoro. Os primeiros exemplos incluem En do (por Terry Riley) e Tamborileando (por Steve Reich). A primeira dessas obras fez Riley considerar por muitos o pai do minimalismo; é uma peça formada por células melódicas comprimidas, que cada artista em um conjunto toca em seu próprio tempo. A onda minimalista de compositores - Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams e Michael Nyman, para nomear os mais importantes - queria tornar a música acessível aos ouvintes comuns, expressando questões específicas e concretas de drama e música. forma, sem escondê-los sob a técnica, mas sim tornando-os explícitos, retornando aos tríades maiores e menores da música tonal, mas sem usar a funcionalidade harmônica tradicional.

Uma diferença fundamental entre o minimalismo e a música anterior é o uso de diferentes células "fora de fase", ao gosto dos intérpretes; Compare isso com a abertura para Das Rheingold de Richard Wagner, onde, apesar do uso de tríades de células, cada parte é controlada pelo mesmo impulso e se move na mesma velocidade.

A música minimalista é controversa para os ouvintes tradicionais. Seus críticos acham que é muito repetitivo e vazio, enquanto seus proponentes argumentam que elementos fixos que são freqüentemente permanentes produzem maior interesse em pequenas mudanças. De qualquer forma, o minimalismo inspirou e influenciou muitos compositores, geralmente não rotulados como minimalistas (como Karlheinz Stockhausen e György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener e Henryk Górecki, cujo Symphony No. 3 foi o álbum clássico mais vendido nos anos 90, encontraram grande sucesso no que tem sido chamado de "minimalismo feliz" em obras de profundo significado religioso.

Influências do jazz
Desde o começo do século, a música e o jazz afro-americanos influenciaram muito os compositores dentro e fora dos Estados Unidos. Dentro do país americano, Charles Ives e acima de tudo George Gershwin. No entanto, compositores afro-americanos mais ligados ao jazz também se aventuraram em obras que estavam em um limite obscuro entre as duas músicas. Compositores como Will Marion Cook, Scott Joplin e Duke Ellington tiveram uma influência indiscutível na música erudita dos Estados Unidos. Algumas das obras mais importantes do início do século que combinaram elementos da linguagem do jazz com estilos clássicos foram Rhapsody in Blue de George Gershwin, Children's Corner de Claude Debussy, os concertos para piano em D e Sol de Maurice Ravel, Ragtime for instrumentos de Stravinsky, ou a Suite for Piano 1922 de Paul Hindemith, entre muitos outros.

Na segunda metade do século XX, o movimento chamado Third Stream, literalmente Third Stream, aplicado a um estilo de fazer música nos anos 50 e 60, pretendia oferecer um meio de desenvolvimento que integrasse as técnicas do jazz e da música clássica. O termo Terceira Fluxo foi cunhado pelo compositor e solista do trompa, Gunther Schuller, no final dos anos 50, para descrever a música em que estavam desenvolvendo alguns artistas tentando estabelecer uma ponte entre disciplinas e formas musicais européias e o espírito e técnica do jazz. Para este fim, Schuller fundou um "Departamento de Terceira Fluxo" no Conservatório de New England. Em um sentido amplo, a terceira corrente é parte de um processo geral de abolição das barreiras musicais entre diferentes tipos de música. 6 A origem do estilo é geralmente fixa na evolução gerada a partir dos postulados do jazz Cool e West Coast, que coloca muitos outros músicos na fronteira entre os dois. O trombonista e violoncelista David Baker, o pianista Ran Blake, ou o saxofonista e arranjador Bob Graettinger, foram alguns dos músicos mais envolvidos na busca por um verdadeiro terceiro stream, embora no meio desse estilo tenham movimentado um número significativo de músicos. de peso na história Jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo e George Russell, sem precisar ir a fusões mais óbvias, como os arranjos de Jacques Loussier sobre a música de Bach.

Música cinematográfica
Desde a chegada dos filmes sonoros no início dos anos 1930, a música desempenhou um papel crucial na indústria e na arte do cinema. Muitos dos grandes compositores da década, como os russos Prokofiev e Shostakovic, também se aventuraram nessa área. No entanto, certos compositores que se dedicaram quase exclusivamente ao trabalho através do cinema atraem a atenção. Embora a musicalização de longas-metragens durante a década de 1940 estivesse atrasada décadas atrás das inovações técnicas no campo da música de concerto, os anos 50 viram a ascensão da música para o cinema modernista. O diretor Elia Kazan estava aberto à idéia de influências do jazz e obras dissonantes e trabalhou com Alex North, cujo score de A Streetcar Named Desire (1951) combina dissonância com elementos do blues e do jazz. Kazan também abordou Leonard Bernstein na música On the Waterfront (1954) e o resultado foi uma reminiscência dos primeiros trabalhos de Aaron Copland e Igor Stravinsky, com seu "jazz baseado em harmonias e excitantes ritmos aditivos". Um ano depois, Leonard Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, experimentou atonalidade em suas avaliações de East of Eden (1955) e Rebel Without a Cause (1955). Em seus dez anos de colaboração com Alfred Hitchcock, Bernard Herrmannhe experimentou idéias em Vertigo (1958), Psychosis (1960) e Los pájaros (1963). O uso da música jazz não diegética foi outra inovação moderna, como a musicalização do astro do jazz Duke Ellington para o trabalho de Otto Preminger Anatomy of a Murder (1959).

Música popular
O professor de estudos culturais Andrew Goodwin escreve que "dada a confusão dos termos, a identificação de textos pós-modernos variou através de uma profusão extraordinariamente divergente e incoerente de instâncias textuais ... Em segundo lugar, há debates dentro da música popular sobre pastiche e autenticidade". O modernismo "significa algo bastante diferente dentro de cada um desses dois campos ... Essa confusão é óbvia em uma tentativa inicial de entender a música rock em termos pós-modernos". Goodwin argumenta que as instâncias do modernismo na música popular geralmente não são citadas porque "enfraquece a tese pós-moderna da fusão cultural, em seu esforço explícito para preservar uma noção burguesa de Arte em oposição ao mainstream, rock e pop comercial".

O modernismo na música popular tinha sido nomeado no final dos anos 1950, quando a florescente estação de rádio de rock and roll de Los Angeles, KRLA, começou a dublar seu espaço aéreo "Modern Radio / Los Angeles". Autor Domenic Priore acredita que: "o conceito de modernismo foi ligado na própria construção da área da Grande Los Angeles, numa altura em que a cidade estava apenas começando a entrar em seu próprio como um centro cultural internacional". Alguns exemplos que logo se seguiram incluem o elaborado "River Deep - Mountain High" de Ike & Tina Turner (1966) e "Good Vibrations" dos Beach Boys (1966). Desejando "um gosto de R & B moderno e vanguardista" para a gravação deste último, o membro do grupo e co-roteirista Brian Wilson considerou a música "advanced rhythm and blues", mas recebeu críticas de seus colegas de banda, que ridicularizaram a faixa por ser " muito moderno "durante a sua fabricação.

Art rock e artistas do rock progressivo, como o Velvet Underground, Henry Cow, Soft Machine e Hatfield and the North, exibem mais tarde aspirações modernistas, embora Goodwin afirme que o rock progressivo deve ser considerado "anátema" para o pós-modernismo.

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Na música, o modernismo é uma postura filosófica e estética subjacente ao período de mudança e desenvolvimento na linguagem musical que ocorreu por volta da virada do século 20, um período de diversas reações no desafio e reinterpretação de categorias antigas de música, inovações que levaram a novas formas de organizar e abordar aspectos harmônicos,...

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Heitor Villa-Lobos: biografia, obras e semana de arte moderna

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Heitor Villa-Lobos e suas influências modernistas.

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Heitor Villa-Lobos e suas influências modernistas.

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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) foi o mais importante e reconhecido maestro brasileiro. Além de maestro, ele foi compositor e sua figura teve grande importância no período do modernismo no Brasil.

Seu talento foi essencial para trazer à tona aspectos de uma música brasileira, com foco na cultura popular e regional.

Nas palavras de Heitor:

"Quando procurei formar a minha cultura, guiado pelo meu próprio instinto e tirocínio, verifiquei que só poderia chegar a uma conclusão de saber consciente, pesquisando, estudando obras que, à primeira vista, nada tinham de musicais. Assim, o meu primeiro livro foi o mapa do Brasil. O Brasil que eu palmilhei, cidade por cidade, estado por estado, floresta por floresta, perscrutando a alma de uma terra."

Biografia

Heitor Villa-Lobos nasceu em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro.

A influência musical do maestro foi direcionada pelo pai, que o ensinou a tocar clarinete e violoncelo.

Aos seis anos, Villa-Lobos é levado a reconhecer características do gênero, caráter, origem, estilo e ruído musicais.

A família morava, então, no Estado de Minas Gerais. Na mesma época, sob a influência de uma tia, começa a ouvir as composições de Johann Sebastian Bach (1685-1750).

A obra do compositor alemão é importante inspiração para o trabalho de Villa-Lobos e sua carreira em geral.

Essa característica é verificada nas nove peças "Bachianas Brasileiras", uma de suas mais importantes composições. A segunda peça da obra é denominada "Trenzinho Caipira".

De volta ao Rio de Janeiro, Villa-Lobos é seduzido pelo "choro". O estilo de música popular não era aprovado pelos pais e o rapaz passa a estudar violão escondido. A transgressão resulta em uma série de 14 obras, "Choros".

O amadurecimento musical do futuro maestro é iniciado por uma série de viagens ao interior do Brasil. O percurso inclui o Espírito Santo, Bahia e Pernambuco a partir de 1905. Quatro anos depois, Villa-Lobos chega ao interior paranaense, em Paranaguá, onde toca violoncelo e violão.

Cidades do interior nortista e nordestino estão no percurso realizado entre 1911 e 1912. O conhecimento das peculiaridades regionais influencia diretamente na obra do maestro, que retorna ao Rio de Janeiro em 1913.

No mesmo ano, casa com a pianista e professora de música Lucília Guimarães (1886-1966).

Semana de Arte Moderna

Já reconhecido compositor, é convidado por Graça Aranha (1868-1931) a integrar a Semana de Arte Moderna.

O evento, que marcou o Modernismo no Brasil, aconteceu em fevereiro de 1922 no Teatro Municipal de São Paulo. Villa-Lobos apresentou alguns espetáculos durante os três dias, entre eles "Danças Africanas".

Na Europa

A ampliação do conhecimento e atuação musical do Villa-Lobos ocorre em sua primeira temporada em Paris.

O maestro brasileiro chegou à capital francesa em 1923, com apoio financeiro da Câmara dos Deputados. Na cidade, é influenciado diretamente pela obra do russo Ígor Stravinsky (1882-1971).

Em Paris, Villa-Lobos recebe apoio de artistas brasileiros, como Tarsila do Amaral (1886-1973).

Placa na casa onde viveu Heitor Villa-Lobos, em Saint-Michel, Paris

Em 1924, retorna ao Brasil porque o orçamento recebido para a permanência na Europa era insuficiente.

A retomada do projeto europeu só ocorre em 1927, onde o maestro permanece por três anos. É nessa fase que recebe reconhecimento internacional.

De volta ao Brasil, em 1930, inicia um ousado projeto de educação musical a partir de São Paulo. Sua atuação resulta na criação, no âmbito do governo federal, do Conservatório Nacional de Canto Orfeônico. A inauguração do espaço ocorreu em 1942.

Nos Estados Unidos

Dois anos depois, Villa-Lobos aceita o convite do maestro norte-americano Werner Janssen (1899-1990) e inicia uma turnê pelos Estados Unidos.

Heitor Villa-Lobos em 1959

Até então, o maestro brasileiro resistia, mas foi demovido por conta da diplomacia entre os países aliados na Segunda Guerra Mundial.

Morte

O músico retornou várias vezes ao país, onde gravou obras e fechou um ciclo de reconhecimento internacional. Heitor morreu no dia 17 de novembro de 1959, no Rio de Janeiro, vítima de câncer.

Principais Obras

Entre as cerca de mil composições do maestro Heitor Villa-Lobos é possível destacar:

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Heitor Villa-Lobos: biografia, obras e semana de arte moderna

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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) foi o mais importante e reconhecido maestro brasileiro. Além de maestro, ele foi compositor e sua figura teve grande importância no período do modernismo no Brasil. Seu talento foi essencial para trazer à tona aspectos de uma música brasileira, com foco na cultura...

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Documentário Globo News 90 anos da Semana de Arte Moderna de 1922

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Documentário Globo News 90 anos da Semana de Arte Moderna de 1922

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Biografia de Anita Malfatti - eBiografia

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Anita Malfatti (1889-1964) foi uma artista plástica brasileira. A mostra expressionista da pintora realizada em São Paulo na Exposição de Pintura Moderna foi um marco para a renovação das artes plásticas no Brasil. A crítica do escritor Monteiro Lobato, sobre a arte expressionista, publicada no jornal O Estado de São Paulo, intitulada "Paranoia ou mistificação?" serviu de estopim para o Movimento Modernista no Brasil.

Infância

Anita Catarina Malfatti nasceu em São Paulo, no dia 2 de dezembro de 1889. Filha de Samuel Malfatti, engenheiro italiano e de Betty Krug, descendente de alemães e de nacionalidade norte-americana nasceu com uma atrofia no braço direito e teve que aprender a usar a mão esquerda e para isso recebia os cuidados de uma governanta.

Anita Malfatti aprendeu as primeiras letras no colégio São José, estudou na Escola Americana e em 1897 ingressou no Colégio Mackenzie. Com 13 anos, sem saber que rumo tomar na vida, Anita resolveu se suicidar deitando debaixo dos dormentes da linha do trem, segundo declarou: "Foi uma coisa horrível, indescritível. O barulho ensurdecedor, a deslocação do ar, a temperatura asfixiante deram-me uma impressão de delírio e de loucura. Eu via cores, cores e cores riscando o espaço, cores que eu desejaria ficar para sempre na retina assombrada. Foi a revelação: voltei decidida a me dedicar à pintura".

Formação

Anita aprendeu as primeiras técnicas da pintura com sua mãe, que após a morte do marido dava aulas de pintura e línguas para sustentar a família. Com 19 anos formou-se professora. Em 1910, com a ajuda de um tio e do padrinho, foi estudar na Alemanha, onde frequentou o ateliê de Fritz Burger e em seguida matriculou-se na Academia Real de Belas Artes em Berlim, onde estudou pintura expressionista, cujo objetivo era expressar o emocional, distorcer formas e usar cores pouco reais.

Em 1914, Anita Malfatti estava de volta ao Brasil e realizou uma exposição na Casa Mappim, quando apresentou os estudos da pintura expressionista feitos no ateliê de Lovis Corinth, em Berlim.

Em 1915, foi para Nova Iorque, onde estudou na Arts Students League e na Independent Scool of Art, sob a orientação de Homer Boss, que dominava o expressionismo, movimento pouco conhecido na época, principalmente fora da Europa, quando teve a liberdade de pintar livremente, sem limitações estéticas. Nessa época, Anita pintou seus quadros mais brilhantes, entre eles:

Em 1917, Anita Malfatti retornou para São Paulo e, no dia 20 de dezembro por insistência dos amigos entre eles o pintor Di Cavalcanti, a pintora faz uma exposição de suas obras apresentando 53 trabalhos entre pinturas, aquarelas e gravuras, provocando violenta repercussão da imprensa, principalmente do escritor Monteiro Lobato, que na época era crítico de arte do jornal O Estado de São Paulo.

Com o artigo intitulado "Paranoia ou Mistificação?", Monteiro Lobato critica a Arte Moderna. A crítica serviu de estopim para o Movimento Modernista no Brasil. Algumas obras de Anita se tornaram clássicos da Pintura Moderna, entre elas:

As telas expressionistas expostas por Anita causaram impacto para os padrões da arte da época. Nas obras, foram incorporados procedimentos básicos da Arte Moderna, como a relação dinâmica e tensa entre a figura e o fundo da tela, a pincelada livre que valoriza os detalhes, os tons fortes, uma técnica de luz que foge do claro e escuro tradicional e apresenta uma liberdade de composição.

A Semana de Arte Moderna

Depois de um ano sem produzir nenhuma obra, Anita voltou a ter aulas, período em que estudou as técnicas da natureza-morta. Nessa época, conhece a pintora Tarsila do Amaral e, foi só o começo de uma grande amizade. Incentivada pelos amigos, Anita participou da Semana de Arte Moderna de 1922 e, integrou, ao lado de Tarsila do Amaral, Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti De Picchia, o Grupo dos Cinco.

Durante toda a Semana de Arte Moderna, de 13 a 18 de fevereiro de 1922, o saguão do Teatro Municipal de São Paulo esteve aberto com obras de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Vicente do Rego Monteiro, Harberg Brecheret, entre outros artistas.

Reconhecimento Internacional

Entre os anos de 1923 e 1928, Anita residiu em Paris. Realizou exposições individuais em Berlim, Paris e Nova York. Em 1928 retorna para São Paulo e passou a lecionar desenho na Universidade Mackenzie, onde permaneceu até 1933.

Em 1942 foi nomeada presidente do Sindicato dos Artistas Plásticos de São Paulo. Há quadros de sua autoria nos principais museus brasileiros. O quadro "A Estudante Russa" está no Museu de Arte Moderna de São Paulo, "A Boba" está no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo e "Uma Rua" no Museu Nacional de Belas-Artes, no Rio de Janeiro.

Anita Malfatti faleceu em São Paulo, no dia 06 de novembro de 1964.

Obras de Anita Malfatti

O Burrinho Correndo (1909)

O Barco (1915)

A Estudante Russa (1915)

O Farol (1915)

Uma Estudante (1916)

O Japonês (1916)

O Homem de Sete Cores (1916)

A Mulher de Cabelo Verde (1916)

A Boba (1916)

O Homem Amarelo (1916)

Tropical (1917)

A Onda (1917)

A Chinesa (1922)

Mario de Andrade I (1922)

As Margaridas de Mário (1922)

Paisagem dos Pirineus (1924)

As Duas Igrejas (Itanhaém, 1940)

Samba (1945)

Se você gostou de explorar a vida e a obra de Anita Malfatti, aprecie também o artigo: Descubra as biografias dos maiores pintores brasileiros.

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Biografia de Anita Malfatti - eBiografia

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Anita Malfatti (1889-1964) foi uma artista plástica brasileira. A mostra expressionista da pintora realizada em São Paulo na Exposição de Pintura Moderna foi um marco para a renovação das artes plásticas no Brasil. A crítica do escritor Monteiro Lobato, sobre a arte expressionista, publicada no jornal O Estado de São Paulo, intitulada "Paranoia ou mistificação?"

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Anita Malfatti: biografia, obras e exposições

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Link Anita Malfati - Conhecer a artista.

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Link Anita Malfati - Conhecer a artista.

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Anita Malfatti: biografia, obras e exposições

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Anita Malfatti foi uma das mais importantes artistas plásticas brasileiras da primeira fase do modernismo. Ela teve um papel preponderante na “Semana de Arte Moderna”, em 1922, onde expôs seus trabalhos. Biografia Anita Catarina Malfatti nasceu dia 2 de dezembro de 1889, na cidade de São...

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CEAJAT / SALA VIRTUAL 1AV / PROJETO / HEITOR VILLA-LOBOS 

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SALA VIRTUAL 2AM / João Cabral de Mello Neto

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SALA VIRTUAL 2AM / João Cabral de Mello Neto

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Operários é um quadro pintado em 1933 por Tarsila do Amaral que representa o processo de industrialização do estado de São Paulo e o imenso número e a variedade étnica das pessoas vindas de todas as partes do Brasil para trabalhar nas fábricas, que começavam a surgir no país no início do século XX e tendo seu pico na década de 1930, principalmente nas metrópoles, impulsionando o capitalismo e a imigração

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quadro trabalhadores pintura releitura movimento artístico college teachers obra tarsila do amaral operarios operários são paulo 1933 quadro operários

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Alunos: mirelley Vasconcelos, Robson, Rebeca de Jesus, Deivid Theo, Amanda, Joilson

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Alunos: Lavínia, Mirelle, Kaik, Raian, Taissa, Francine, Geisa e Kayllane

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Bastidores do Quadro "A negra" / Turma 1°BM

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Bastidores do Quadro "A negra" / Turma 1°BM

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Alunos: Ana lydia, Juliane, Eduarda, Ana lyvia, Alessandro, Miguel, Cristian

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● DIVULGAÇÃO DO TEMA DA TURMA nas redes sociais: As turmas deverão divulgar seus temas, publicando fotos, cards, vídeos relacionados ao seus respectivos temas / autores. A divulgação deve ser por meio da instagram / tiktok entre outros, marcando a escola ou enviando o material para o(a) orientador(a) da turma, para que ele(a) possa fazer as devidas verificações/correções e, assim, enviá-las para a coordenação, que ficará responsável pela publicação das produções audiovisuais nos canais oficiais da escola.

● CONSTRUÇÃO DE UM INFOGRÁFICO: cada turma construirá um infográfico apresentando informações sobre aspectos históricos, literários, artísticos e culturais relacionados ao Modernismo, o autor ou autora com o(a) qual a turma irá trabalhar.

● QUIZ TEMÁTICO – cada turma deverá elaborar de um quiz com curiosidades da Semana de Arte Moderna e seus respectivos autores. O quiz poderá ser feito através de vídeo/reels/stories via instagram ou outros meios digitais. A ideia é compartilhar conhecimento adquirido no processo de construção do projeto e promover a interação.

● PLAYLIST - criar uma playlist com produções dos músicos que participaram do evento. (Tocar essas músicas, durante a entrada, saída e intervalo,  nas semanas que antecederem a culminância do projeto).

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PROJETO EJA “SEMANA DA ARTE MODERNA” / LINGUAGENS 

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SALA VIRTUAL DAS TURMAS EJA: / Manuel Bandeira

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SALA VIRTUAL DAS TURMAS EJA: / Manuel Bandeira