# data[].attributes.body
http://www.clg-ronsard.ac-limoges.fr/

Le collège Pierre de Ronsard de Limoges est situé au nord de Limoges en périphérie du centre et proche du quartier de la Bastide. Il est classé REP+ et accueille environ 280 élèves répartis sur 3 classes par niveaux de 6èmes, 5èmes, 4èmes et 3èmes plus une classe d’UPE2A (non-francophone).

# data[].attributes.body
La classe est située au 1er étage du bâtiment central et ce lieu est bien connu de tous au sein du collège. Les expositions se font dans les espaces communs comme les couloirs mais aussi au CDI pour des expositions spécifiques avec réflexion plus approfondie sur celle-ci. D’autres expositions se font tous les ans sur le quartier notamment à la BFM de quartier afin d’exposer les productions réalisées sur le Cycle 3. Un espace dédié aux Arts est en réflexion pour le collège, surtout depuis l’ouverture de la classe à horaires aménagées Arts Plastiques (CHA-AP) à la rentrée 2019-2020. L’espace de la classe est assez grand et son organisation classique, constitué de 6 îlots de travail. Chaque îlot est formé de quatre tables individuelles facilement transportables pour modifier l’espace (une table est souvent placée lorsque les effectifs dépassent 24 élèves). Un mur blanc avec des cimaises pour accueillir des oeuvres du FRAC. Quatre postes informatiques sont quant à eux fixes mais nous disposons de deux PC portables, d’une salle Technologie libre et pourvue de PC et d’une salle informatique souvent libre à l’étage, proche de la salle d’arts plastiques. Aussi, un petit espace dédié la photographie argentique est situé juste en face de la salle. Pour la prise de vue, nous disposons d’un matériel classique avec cinq appareils photos numériques compacts, deux projecteurs classiques, une caméra numérique de grand format utilisée le plus souvent pour l’atelier Audio Visuel (micro, perche, casque, tascam) et d’un caméscope numérique que nous utiliserons pour cette expérience menée en classe.

Des changements sont souvent opérés selon les séances et les niveaux avec lesquelles je travaille. Ces changements amènent curiosité car nouveau sujet pour l’élève, une nouvelle façon de travailler et donc une certaine motivation pour accomplir le travail. Les élèves ont besoin de changement, de rythme différents et la modularité des espace permet de rythmer le travail et d’accaparer l’attention des élèves.

# data[].attributes.body
Matériel :
Une feuille A4 blanche (type papier machine)Un caméscope numérique (manipulation simple de l’objet mais différente du smartphone)Projecteurs (voir lampe de poche) + Rideau noir en fond (portique avec tissu noir)
Une petite table et un drap noir avec de l’espace pour tourner autour.Une télévision derrière l’écran noir orientée vers la classe et branchée au caméscope numérique

Répartition des élèves : par groupe de quatre élèves (6 Ilots de travail).

# data[].attributes.headline
Découpage de la séquence sur 2 X 3 séances  

# data[].attributes.subject
Découpage de la séquence sur 2 X 3 séances  

# data[].attributes.body
Séance 1
Appel et présentation : 5 mn
Effectuation : recherches : 15 mn
Vidéo : 35 mn

Déroulement du dispositif :

Les élèves ne sont pas sans réactions face à ces changements et surtout face au caméscope sur pied relié à une télévision à tube cathodique au milieu de cet espace. Un dispositif qui a aussi pour but de varier les situations d'apprentissage.
"On va faire un film monsieur ?"
"On va faire un clip, trop cool ! »
« C’est quoi cet écran ? »

La nouveauté les intrigue et je m'en doutais. Je leur demande alors de se regrouper par quatre sur les îlots prévus à cet effet (un espace vidéo et un espace de réflexion et de travail sur table). Après avoir demandé ce qu'il fallait pour réaliser une vidéo, nous avons établi un lexique propre à celle-ci : acteurs, jeu, accessoires, scénario, scène, cadrage, plans, décor, lumière (...), et temps.
Enfin je leur demandais ce qu'il fallait faire entre le scénario et le début du tournage. Nous arrivions donc au dessin préparatoire et je leur expliquais qu'il y avait un moyen de prévoir les cadrages, les actions, les plans, l'ambiance, les placements des acteurs avant le tournage avec le story-board. Ces story-boards sont le moyen de visualiser la scène à jouer et non de mettre en avant la qualité des lumières, du décor (que j'ai choisi le plus neutre possible) ni de travailler sur les qualités techniques du dessin. Le caméscope est disposé sur le trépied et peut être utilisé sans le trépied. Le rideau noir est tendu derrière la télévision et les élèves comprennent alors qu’il ne verront pas la scène jouée mais seulement la scène filmée.

# data[].attributes.body
Explication du sujet, reprise des termes du sujet, distribution des adj. (l’émotion à représenter doit rester secrète).

Incitation : “Nous faisons parler la feuille avec nos mains”
Consigne : Après avoir tiré au sort un mot de la liste, vous devrez communiquer une idée de : Fuite - Disparition - Attente - Rupture - Eloignement - Révolte - Rencontre de la manière la plus expressive possible.

Vous pouvez manipuler la caméra, utiliser le trépied si vous le souhaitez ainsi que choisir l’ambiance lumineuse. Vos camarades ne vous voient pas réaliser votre action directement, juste le film sur l’écran de télévision (ce que vous souhaitez leur montrer !).

Contraintes :

- 30 secondes de film par groupe - On ne doit pas vous reconnaitre - Pas de parole
- Pas de dessin

Une seul feuille A4 pour réaliser le film

Vous ne voyez pas les élèves faire l’action mais juste la vidéo sur écran de télévision

Indications orales : Pensez au point de vue et au cadrage pour créer votre film. Votre feuille est l’acteur principal de votre film.

> Compétences visées pour ce sujet :

# data[].attributes.body
Les élèves travaillent sur un scénario, puis ils passent à la réalisation du storyboard (papier A4 coupé dans la longueur) (15 mn).

Une fiche question est distribuée (juste avant le premier tournage) à chaque élève : elle portera sur l’observation des actions jouées et filmées par les autres groupes et sera à rendre au professeur à la fin du cours.
Après, les groupes se déplacent au pôle tournage et chacun leur tour, jouent les scènes devant le groupe classe.

Distribution des rôles pour l’équipe de tournage :
Au « clap » (écriture sur l’objet clap et manipulation de ce dernier en plus de la possibilité de jouer une action dans la vidéo).
Au chronomètre, un élève qui gère le timing et qui peut jouer une action dans la vidéo.
A l’éclairage, un élève qui gère l’emplacement des projecteur, leur surveillance et qui peut jouer une action dans la vidéo.
Caméra (placement, trépied)

Le scénario et le storyboard sont à rendre sur une seule et même feuille.

Effectuation : j'ai souligné le fait qu'ils avaient un seul passage avec la caméra, 30 secondes de tournage et surtout 10 minutes de réflexion. Les élèves ont compris rapidement qu'il y a avait là un challenge à remporter. Une certaine activité s'est mise en place, les élèves ont joué le jeu avec ce mot qu'ils devaient garder secret. Ils m'ont questionné sur le temps qu'il leur était a parti. Les rôles ont été correctement réparti et si ce n'était pas le cas, je passais voire les groupes au travail. Les élèves ont discuté, imaginé la scène, écrit, un autre a dessiné le story-board. Un laps de temps qui me semble important pour évaluer une compétence de travail en groupe.
Une fois les dix minutes de recherches écoulées, j'ai demandé aux élèves de déplacer avec moi les tables afin de les écarter de l’espace et mieux observer l’écran de télévision. Ils ont gardé les scénarios et story-board avec eux, et ont gardé un crayon en main, puis il se sont regrouper derrière la zone de tournage.

Je leur ai distribué une fiche d'observation à chacun à me rendre en fin d'heure. Cette dernière a plusieurs rôles à jouer. En effet elle donne une importance à l'action jouée. Étant donné qu'il n'y a pas de retour vidéo, l'observation se fait en direct et demande une certaine concentration, c'est un moyen d'évaluer ses camarades en fonction des critères donnés et de tenter de trouver, au delà de l'évocation, le mot tenu secret par le groupe qui joue l'action et ainsi préparer la verbalisation futur. Ils s'observent non plus avec un regard moqueur mais critique.
La question posée à chacun est :
« Qu'est-ce que l'action jouée par tes camarades t'évoque ? » - Explique en quelques mots.

Un passage comporte la mise en place dans la zone cachée, l'action de 30 secondes en tourné/monté et l'éventuel rangement pour ceux qui détériorent la feuille de papier.
J'ai prévu 20 minutes d'effectuation en m'assurant une marge de manœuvre. J'ai demandé à ce moment aux groupes de toujours prévoir celui qui passait à la suite. J'ai relevé en temps réel quels étaient les élèves les plus remuants à l'approche du tournage, ceux qui auraient pu mettre en péril l'observation et leur proposais de préparer et d'actionner le "clap" prévu à cet effet. Un accessoire qui a valorisé leur travail et suscité l'intérêt de certains tout en les aidant à trouver leur place dans ce travail. Tout ceci s'est fait dans le respect et l'écoute. Associées au « clap », les phrases propres au cinéma : "Silence sur le plateau" ou encore "Action !", donnaient un "effet magique" à l'instant et accentuaient l'importance de la tâche.
Les uns jouaient l'action, les autres observaient en ayant pour but de remplir le tableau et de forger leur regard critique. Les élèves se sont rendu compte que le temps donné était souvent trop long voir parfois trop court. D'autres ont réalisé l'action sans aucun problème suite à une bonne préparation en amont.
On note que certains ont eu du mal à abstraire et se sont tourner vers la narration, ce qui n'est pas problématique en soi, alors que d'autres se sentent un peu gênés de se trouver devant l'objet caméra même sans montrer leur visage. Cette dernière créé un état d'exception chez le participant qui se voit soudain exposé dans sa vie "ordinaire", sa vie quotidienne de collégien. Les élèves rient, analysent, précisent leur pensée, ne comprennent pas toutes les actions (...), ils sont captivé par le visionnage.

Se voir à l'écran est le miroir flatteur, montreur, critique (…), un regard sans compassion à leur égard. La sonnerie retentit, je demande aux élèves de me remettre le story-board et le scénarios par groupe ainsi que la fiche personnelle d'observation. Nous prévoyons un visionnage pour la semaine suivante, les élèves sont d'accord pour ne pas divulguer le mot entre temps. Le rangement se fait calmement, les élèves discutent encore de leurs actions jouées.

# data[].attributes.body
Appel et présentation : 5 mn
Projection des vidéos et analyse : 20 mn
Références : 15 mn
Bilan dans le cahier : 15 mn

Verbalisation : « visionnage » vidéo et reprise des questions de la fiche d’observation mais cette fois les élèves assistent à une image projetée, agrandie, de l’action.
Analyse et description par les élèves.

Les élèves s’installent dans une configuration classique et se souviennent alors de l’espace de la séance précédente avec enthousiasme. Le vidéo projecteur est allumé, et après avoir fait l'appel, je leur propose de redonner l'intitulé du sujet pour ensuite visualiser les vidéos. Chacune des vidéos amène des remarques d'ordre technique sur la durée mal gérée ou sur certains placements dans l'espace mal jugés. La fiche d'observation est à nouveau proposée. Afin de comparer les deux modes de visualisation : en temps réel  et sur une vieille télévision puis sous forme de projection avec le vidéo projecteur. Pourquoi cela fonctionne ou ne fonctionne pas ?

Les difficultés rencontrées :
maîtriser tous les paramètresOrganisation du groupe avant et pendant.Bonne répartition des rôles. Disposition dans le champ vidéo. Coordonner les mouvements, être synchronisés
Dispositif inhabituel : du lieu, de se mettre en scène,
Gérer l’éclairage en fonction de l’intention. Lui donner l’importance souhaitéeIdem pour le choix des cadrages et des points de vue ou encore le mouvement caméra.
Techniques : contrainte temporelle, pas d’image retour, impossibilité d’erreur (performance)
Gérer le “timing”, le découpage des 30 secondes en fonction de l’intention.
Bien mettre en valeur la feuille A4, retranscription métaphorique (que faire de cette feuille, comment    représenter les émotions imposées) : dans le champ ou le hors-champ de la caméra et pendant l’action. Rendre expressive une feuille de papier, une action avec peu de moyens.

Quelle vidéo, selon vous, a le mieux fonctionné ? Pourquoi ?
quelle différence faites-vous entre la mise en scène jouée « en live » et l’image vidéo de cette mise en scène ?
La télévision, la projection ?

Il fallait concevoir un projet vidéo avec tout ce que cela implique, "répartition des tâches", scénario puis story-board. "Travailler en groupe", "se coordonner".

En plus de la nouveauté du dispositif, ils devaient surmonter le fait "qu'il fallait se montrer un peu". Jouer devant un regroupement de personnes car "ils n'étaient plus des camarades au moment de jouer l'action" et parfois "se ridiculiser devant eux" n'était pas une chose évidente et facile pour eux. Jouer une action  en groupe et se concentrer sur la feuille de papier permettaient sans doute d'oublier les regards portés sur eux.

"Au début nous ne savions pas quoi faire avec la feuille de papier". Il fallait représenter ou suggérer une émotion imposée. Nous parlions alors de la dimension métaphorique. Je donnais un exemple de métaphore et de comparaison sans pour autant la noter au tableau. Je leur demandais aussi de dire quel était le rôle de la vidéo et ce que cela permettait de faire.
"Montrer une action jouée", "une action vraie", "montrer le mouvement", et j'ajoutais qu'il y avait une dimension temporelle importante dans la vidéo.
"On ne pouvait pas couper ce qu'on aimait pas, les défauts, les accidents" : tourné/monté.

Ensuite je demandais s'il voyaient une différence entre l'action observée en direct et l'image vidéo de celle-ci.
Ils me parlaient du format de l'image et du lieu où elle pouvait être projetée ; (du rapport entre la projection et la possibilité d’accentuer...) pouvait accentuer ou changer le sens de la vidéo. Une relation au travail de Bill Viola et les lieux d'exposition des vidéos "An ocean without a shore" ont étéêtre fait à ce moment.

# data[].attributes.body
envisagées et/ou montrées

> Saburo MURAKAMI
Une photographie montrant Saburo MURAKAMI traversant les écrans de papier en 1955. J'arrivais au fait qu'il fallait être performant dans ce genre d'exercice et que certains artistes travaillaient sur cette idée de réaliser une action, un geste en public et que la vidéo était un excellent moyen de garder une trace ou de montrer cette action que l'on nomme "performance".

Je donnais la définition de ce terme en indiquant aux élèves qu'ils auront une feuille où celle-ci apparaitrait.
Performance : Mode d’expression artistique contemporain où l’événement ou l’action et son déroulement dans le temps constituent l’oeuvre. Pour en garder le souvenir et conserver des traces matérielles, les performances sont souvent filmées ou photographiées.
On souleva alors l'importance de la vidéo comme moyen de garder une trace, une mémoire ou de valider une performance et qu'elle peut être un outil de représentation de la réalité ou devenir l'oeuvre.

> Abel ABDESSEMED
La vidéo "Zen" de Abel ABDESSEMED où l'on voit un homme noir se tenant debout en sous-vêtement face à la caméra. Les élèves ne relèvent pas ce détail et ne semblent pas choqués par cela. Une main de femme blanche entre dans le champ de la caméra et verse du lait sur la tête de l'homme. Aspergé de lait, le visage de l'homme noir se métamorphose, presque jusqu'à devenir une sculpture sacrée. Les élèves semblent intéressés par la force de l'image. "On peut dire beaucoup avec peu de choses".
Les liens entre références et travaux d'élèves sont assimilés. Les références valident les actions réalisées et ouvrent sur des réflexions sensées de la part des élèves concernant la dimension artistique de la performance.

> COURT-MÉTRAGE (1994), « LE P'TIT BAL » par Philippe Decouflé
Philippe Decouflé s’est toujours intéressé aux signes, mouvements ou dessins, qui pourraient instantanément, de par leur simple vision, nous évoquer un souvenir, provoquer une émotion. A la question : « La partie de votre corps qui vous inspire le plus et danse en premier chez vous », il répond : « Les mains ». Sur une chanson de Bourvil, Philippe Decouflé et Pascale Houbin font danser les signes et les accessoires avec leurs mains. Ils nous proposent non pas des jeux de mots mais des jeux de mains, des clins d’œil visuels et gestuels.

> Musiques de tables – Thierry De Mey
Pour cette création, interprétée par 3 percussionnistes et leurs 6 mains, Thierry de Mey propose un lexique de différentes figures qui offrent une variété de sonorités assurées par des modes de frappe : le plat, le revers, le tranchant, le poing, la chiquenaude. Ce qui étonne, c’est le contraste entre le stoïcisme des interprètes et la variation de leurs mains qui est d’une précision impressionnante. Les mains deviennent de véritables instruments et créent une danse de sons et de gestes. Leur mouvement produit des traces blanches qui sont projetées sur un écran géant, placé derrière le danseur-musicien.

> Suzanne Cleary et Peter Harding se présentent comme des « danseurs de mains ». Interprètes époustouflants de danse irlandaise, ils ont choisi leurs mains pour représenter cette danse où seuls pieds et jambes sont traditionnellement sollicités.
Ils souhaitent sortir la danse irlandaise des grands galas et championnats internationaux et revenir au plaisir, à la facétie et à la quintessence du rythme initial. Cette danse traditionnelle qui a migré aux États-Unis dans les valises des milliers d’irlandais a eu sa part d’influence dans les danses de music-hall et de comédies musicales qui se sont développées au XXème siècle et en particulier les claquettes, la « tap dance ».

> Les petits pains » extrait de La Ruée vers l’or – Charlie Chaplin
Personne ne peut résister à cette danse interprétée par Charlot au bout d’une table de restaurant avec deux fourchettes et deux petits pains. Il est à la fois manipulateur de marionnettes et danseur, il joue du contraste entre ses mains et les expressions de son visage. Dès que la danse et la musique démarrent, les petits pains deviennent personnages et notre empathie de spectateurs est immédiate. Charlot ose jouer comme un enfant, il nous embraque ainsi dans sa fantaisie personnelle et dans son monde imaginaire.

> Agwa – Mourad Merzouki
La force du dernier tableau de cette chorégraphie réside dans la délicatesse, la douceur et l’attention que ces danseurs de hip hop, le plus souvent sur leurs pieds, dans la vitesse et dans la virtuosité, portent à leur mains. En écho à l’eau dont cette pièce s’inspire, les mains nous renvoient alors à la poésie et la fragilité des interprètes.

> Kiss & cry – Michèle Anne De Mey
Un spectacle entier joué par des mains accompagnées d’un ballet de techniciens, de caméras et d’accessoires. C’est le pari qu’ont fait Jaco Van Dormael, le cinéaste et Michèle Anne de Mey, la chorégraphe, ils parlent de “nanodanses”. Comme deux enfants, ils construisent et filment à vue un monde en miniature où les histoires, projetées en direct sur grand écran, sont racontées par les mains et les doigts des danseurs. Les mains aiment, dansent, voyagent, se lovent, escaladent, parcourent des mondes, retracent une vie. Le spectateur assiste à la création en direct d’un long métrage. Parce que les personnages principaux sont des mains dansantes.

> Namasya – Shantala Shivalingappa
Dans les différentes danses traditionnelles indiennes, les mains ont un rôle très codifié, souvent narratif et issu d’un art millénaire sacré. Dans l’Odissi, l’une de ces danses, il existe 67 positions de mains. Très ornementées, elles sont porteuses de la mélodie comme les pieds sont porteurs du rythme. Danseuse de kuchipundi, Shantala Shivalingappa transpose ses connaissances de danse traditionnelle vers le contemporain. Dans Namasya, elle propose 4 soli chorégraphiés avec la complicité d’Ushio Amagatsu, Pina Bausch et sa mère Savitry Nair. Elle rend compte du rôle primordial des mains en les mettant en avant comme moteurs de la danse. Déterminées, fortes, graves, légères, subtiles et gracieuses, ses mains mènent la danse entraînant le reste de son corps.

# data[].attributes.headline
Terminer la projection et la discussion par ces questions :

# data[].attributes.subject
Terminer la projection et la discussion par ces questions :

# data[].attributes.body
"Peut-on mettre la vidéo au même plan que la peinture ou le dessin.
Est-ce un médium comme les autres ?"
Le médium technique de la vidéo devient un élément constitutif de leurs actions. Il modifie la perception de la réalité à la fois de l'action et surtout du corps réel car il apparaît sous forme d'image. Ce n'est pas "mon vrai moi" qui est observé.

Le travail mené ensemble s'est déroulé dans une ambiance sereine malgré les quelques existions lors du passage de certains groupe. Moment d'égarement maîtrisable à mettre à l'actif d’élèves excités à l'idée de faire de la vidéo et de se mettre en scène ; ce qui montre bien l'engouement pour le travail.

Il a été possible d’évaluer l’ensemble du groupe classe par rapport aux compétences d’autonomie et de responsabilité par  leur capacité de mener à bien un projet, d’assumer les erreurs produites en répondant aux questions des fiches d’observation réalisées sur deux séances différentes.
Dans le socle commun, cette séquence donne la possibilité d’évaluer les compétences du respect des consignes, d’auto-évaluation, d’être capable de communiquer, de travailler en équipe et d’écouter les autres.

# data[].attributes.body
Le montage

Appel et présentation : 5 mn
Effectuation : 35 mn
Références : 15 mn

Les élèves se regroupent par 2 autour des PC Fixes et portables afin d’utiliser le logiciel « MovieMaker » et réaliser les coupes de début (clap) et de fin de leur film. Certains atténueront ou retirerons les sons gênant. Des manipulations que connaissent les élèves dès la cinquième.
Un titre et un générique de fin doit être ajouté au film avec noms et prénoms des figurants, accessoiristes, cameraman, scénariste, dessinateur, etc..

En plus, ils devront regarder le reste des références proposées et notamment celles qui sont présentées sur le site de NUMERIDANSE sur le thème de la danse des Mains.

https://www.numeridanse.tv/themas/parcours/danses-de-mains-0

Des vidéos ou courts métrages réalisées sur le thème de la danse des mains qui viennent compléter les deux séances en remémorant de bons souvenirs aux élèves et en venant donner sens à leurs réalisations.

# data[].attributes.body
Séance 1 : Un second sujet autour de la performance et le corps de l'élève dans un espace de jeu plus grand face à une caméra fixe sur trépied est envisagé. Les élèves sont en confiance et sont prêt à prendre part à une production dans un espace plus grand avec une répartition des rôle plus importante (clap, caméra et non le caméscope, éclairage, mise en scène + scénario, story-board).
L'action se déroulera sur la moitié de la salle dans un champ de vision plus large et plus profond, ainsi les élèves pourront jouer avec le champ et le hors -champ plus facilement. Ils seront concentrés sur les placements et non sur leur image face aux autres.
Une comparaison entre la performance en "live" et celle filmée sera mise en avant afin de comprendre les enjeu de la vidéo.

# data[].attributes.body
Séance 2 : Visionnage et petite verbalisation (rappels de la séquence précédente, comparaisons, améliorations...).

Séance 3 : montage rapide des vidéos et évaluation écrite (retrour sur son travail)  autour d'un extrait de la vidéo "An Ocean without a shore" de Bill Viola réalisée en 2007. Un questionnement sur le lieu d'exposition sera alors envisagé.