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L’affresco racconta un episodio tratto dai Vangeli apocrifi. Secondo la tradizione ebraica, le coppie sterili erano considerate non benedette da Dio e quindi indegne di accedere al Tempio. Così l’anziano Gioacchino, marito di Anna e futuro padre della Vergine Maria, viene scacciato dal sacerdote Ruben mentre tenta di offrire un agnello come sacrificio. Tra le braccia, l’animale sembra diventare simbolicamente il “figlio mancato”, rendendo ancora più drammatica la scena.

Giotto divide l’affresco in due episodi simultanei:

• a sinistra un sacerdote benedice un giovane, simbolo della fecondità accettata;

• a destra, Gioacchino viene respinto e strattonato per il mantello. Il contrasto evidenzia il dolore del protagonista, incredulo e umiliato.

Espressività dei personaggi

Giotto supera l’astrattezza medievale e rende i sentimenti reali e riconoscibili.

I volti non sono più rigidi: Gioacchino mostra vergogna e sconforto, mentre il sacerdote ha un’espressione severa. Il gesto della mano che respinge e il movimento del mantello trasmettono il rifiuto in modo chiarissimo. L’uso del chiaroscuro e dei colori intensi dà volume ai corpi e li rende tridimensionali.

Spazialità degli ambienti

Il Tempio di Gerusalemme è rappresentato come un presbiterio cristiano del Duecento, con colonne tortili e pulpito raggiungibile tramite scaletta. Giotto utilizza linee convergenti e scorci prospettici per creare profondità, orientando la scena verso destra per guidare lo spettatore nella narrazione.

Particolari realistici

Giotto inserisce molti dettagli osservati dalla realtà: le pieghe delle vesti, gli oggetti architettonici, il copricapo del sacerdote e i tefillin ebraici sulla testa dei sacerdoti, segno della sua attenzione alla cultura e al rito. Alcuni dettagli sono visti da angolature complesse, come la colonnina del ciborio in ombra, dimostrando un’osservazione attenta. Questo rende il dipinto credibile e vicino allo sguardo umano.

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Nel dipinto Annuncio a Sant ' Anna della Cappella degli Scrovegni, Giotto mostra l’angelo che entra nella stanza di Anna per annunciarle la nascita di Maria. La scena è ambientata in un interno domestico, rappresentato come uno spazio reale grazie all’uso di elementi architettonici tridimensionali. Le figure sono molto espressive: il volto di Sant’Anna comunica stupore e dolcezza, mentre l’angelo si inclina verso di lei con un gesto umano e naturale. Giotto usa il chiaroscuro per dare volume ai corpi e ai panneggi, rendendo le figure solide e credibili. La stanza, con letto, cuscini e tendaggi, crea un ambiente concreto e familiare. I dettagli realistici, come gli oggetti visti di scorcio e le linee architettoniche, rendono la scena ancora più viva. Grazie a questi elementi, il racconto sacro appare vicino all’esperienza quotidiana e profondamente umano.

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Giotto pone Il Sogno di Gioacchino nel registro superiore della parete destra della Cappella degli Scrovegni, vicino all’altare, integrandolo nel ciclo narrativo in modo che l’episodio risulti isolato e visivamente rilevante; la collocazione elevata, pensata per essere vista dal basso, aumenta il rilievo drammatico e invita lo spettatore a considerarlo come una testimonianza di provvidenza.

La scena si svolge in uno spazio aperto ma ordinato, con l’azione concentrata su Gioacchino addormentato in primo piano e un ampio vuoto centrale che lo isola e dirige lo sguardo verso la visione dell’angelo; la composizione presenta leggere convergenze che stabiliscono una gerarchia visiva e una direzione narrativa, mentre pastori e greggi disposti su piani differenti accompagnano il risveglio e il movimento della scena.

Abbandonando l’astrattezza medievale, Giotto modella corpi e volti con naturalezza psicologica: posture credibili, micro-espressioni e atteggiamenti distinti comunicano stupore, sonno o invito al ritorno, e il chiaroscuro modula luce e ombra per dare plasticità ai volumi; i colori sobri e calibrati accentuano il rilievo e la presenza emotiva dei protagonisti, rendendo la scena immediatamente leggibile e partecipata.

La spazialità è resa convincente attraverso piani sovrapposti, diminuzioni di scala e accenni prospettici che suggeriscono profondità, mentre l’inserimento di elementi naturali come colline, bastoni, pastori e greggi ancorano la rappresentazione al mondo reale e funzionano da punti di riferimento che guidano lo sguardo e definiscono le relazioni tra figure e ambiente.

La minuziosità del disegno negli abiti, la resa delle pecore, la precisione degli oggetti e la capacità di rappresentare figure viste da angolature diverse mostrano una cura per il particolare concreto che aumenta la verosimiglianza; questi dettagli, uniti alla collocazione strategica, alla composizione diretta, all’umanizzazione dei volti e dei corpi e alla costruzione spaziale per piani, trasformano il Sogno di Gioacchino da episodio agiografico in un racconto visibile e credibile capace di coinvolgere emotivamente chi guarda.

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Incontro di Anna e Gioacchino alla Porta d'Oro 

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Incontro di Anna e Gioacchino alla Porta d'Oro 

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L’Incontro di Gioacchino e Anna alla Porta d’Oro, nella Cappella degli Scrovegni, è situato nel registro superiore dedicato alle Storie della vita della Vergine. La scena rappresenta il momento culminante del ricongiungimento tra i due coniugi, dopo che Gioacchino era stato allontanato dal Tempio a causa della sua sterilità.

Giotto esprime l’emozione dei protagonisti attraverso un linguaggio corporeo. Gioacchino e Anna si abbracciano e si baciano con tenerezza, mentre le ancelle osservano con partecipazione. I loro volti, vicini, comunicano la gioia del ricongiungimento. Il chiaroscuro rende le espressioni più realistiche: Anna ha lineamenti illuminati da toni rosati, mentre Gioacchino presenta ombre più profonde e colori che riflettono la sua sofferenza. Le sfumature e i colori caldi conferiscono tridimensionalità e forza emotiva alla scena.

Giotto colloca l’episodio in uno spazio architettonico. La Porta Aurea è rappresentata con torri laterali e un arco che mostra la profondità. L’arco incornicia l’abbraccio ma, lascia intravedere uno spazio retrostante, creando un ambiente tridimensionale. Anche la disposizione delle figure contribuisce allo spazio, le ancelle formano un gruppo in secondo piano, mentre il pastore a sinistra, in posizione distanziata, amplia la scena verso l’esterno.

Giotto arricchisce la scena con vesti realistici, come il mantello giallo-ocra di Anna o nel rosa di Gioacchino, caratterizzati da sfumature chiaroscurali. Anche l’architettura è ricca di dettagli come le mura che sono costruite con una cura visiva per i mattoni, mentre il cielo azzurro e il piccolo scorcio naturale sul lato sinistro collocano la scena in un luogo reale.

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La Fuga in Egitto, affresco databile tra il 1303 e il 1305, narra della sacra famiglia che fugge oltre il confine per salvare il piccolo bambino dalla rabbia del re Erode.

L'asino era nell'Antico Testamento la cavalcatura dei re, ciò simboleggia la natura regale e soprannaturale del bambino e della madre. L'animale è guidato da un giovane dalla veste nera, colore simbolo della morte che attende il bambino quando sarà adulto, ma indossa anche una corona di edera, simbolo dell'immortalità e della vita eterna che Gesù con il suo sacrificio donerà a chiunque crederà in lui.

Il giovane, mentre conversa amichevolmente con Giuseppe, conduce l'asino là dove l'angelo in cielo indica, certo di percorrere la strada giusta per arrivare a destinazione senza correre pericoli.

Giuseppe ha in una mano una sorta di borraccia e nell'altra un bastone che poggia sulla spalla.

La sacra famiglia apre la via, seguita da altri tre giovani, sineddoche dell'umanità in cerca di luce e salvezza, e le cui vesti rimandano ai colori simbolici delle tre virtù teologali necessarie per affrontare questo viaggio pericoloso: fede, speranza e carità.

I colori di Maria sono i colori della tradizione: la veste rossa che indica passione e umanità, il sangue, e un mantello blu oltremare il cui colore si è perso.

Il viaggio della sacra famiglia non è solo un fatto storico, ma allude al viaggio esistenziale pieno di insidie che tutti gli uomini devono compiere, mentre la sacra famiglia rappresenterebbe una delle condizioni che in molti ancora oggi devono affrontare: l'essere profughi, il fuggire a cause di guerre della fame, di ingiustizie del proprio paese.

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La 'Resurrezione di Lazzaro' si trova nel secondo registro della parete sinistra della cappella. Giotto volle che le pitture si leggessero come un libro, da sinistra a destra, non solo nel loro insieme, ma anche ognuna nel proprio singolo, per questo la Resurrezione va letta in questo modo. Sulla sinistra vi sono gli apostoli, nei quali troviamo una grande espressività dei volti che esprimono stupore e attesa, insieme a Gesù, rialzato verso gli altri e che rivolge la mano al cielo. Ai suoi piedi Marta (vestita di bianco) e Maddalena (vestita di rosso), le sorelle di Lazzaro, così impegnate a pregare Gesù di far resuscitare il fratello da non accorgersi del fatto che stia già accadendo alle loro spalle. Sulla destra vi è Lazzaro, il cui viso è di un bianco cadaverico, rappresentato così accuratamente che sarebbe impossibile non riconoscerlo e avvolto da delle bende bianche che San Pietro gli sta levando mentre un apostolo e un giudeo si coprono naso e bocca per l'odore di putrefazione proveniente dal resuscitato. Ritroviamo poi nello sfondo un'aggiunta di elementi naturali che danno un che in più di realismo, ovvero una collina con tre alberi. Nella fascia sottostante invece si possono vedere due garzoni che trascinano la lastra di marmo della tomba, definita con precisione nei dettagli e nelle sue venature. Tutti i personaggi sono rappresentati come se fossero in movimento, quasi mai in posizione statica, il che da ulteriore espressività al dipinto.

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Incontro di Anna e Gioacchino alla Porta d'Oro 

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Incontro di Anna e Gioacchino alla Porta d'Oro 

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Nello Sposalizio della Vergine della Cappella degli Scrovegni, Giotto introduce un nuovo modo di rappresentare la realtà. I personaggi mostrano una forte espressività: i volti sono diversi tra loro, capaci di trasmettere emozioni, e i corpi acquistano volume grazie all’uso del chiaroscuro e di colori più naturali. Anche lo spazio diventa più credibile: il tempio e i gruppi di figure sono organizzati secondo una rappresentazione tridimensionale intuitiva, che crea profondità e colloca la scena in un ambiente reale, arricchito da semplici elementi naturali. Infine, Giotto inserisce dettagli realistici, come la cura nelle vesti, i gesti precisi e la resa dell’architettura, oltre a particolari narrativi come il bastone spezzato del pretendente rifiutato. Tutti questi aspetti contribuiscono a rendere la scena più umana, concreta e vicina all’osservatore.

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Si tratta di un affresco, parte del ciclo delle Storie di Gesù, nel registro superiore. Si trova sulla parete destra, guardando l'altare.

L'opera raffigura Maria sotto un'impalcatura che offre Gesù bambino all'adorazione dei re Magi, con una cometa sullo sfondo.

Il più anziano dei tre si inginocchia davanti al neonato e accanto a lui si trova un angelo che tiene il suo dono: l'oro, simbolo della regalità di Gesù. Il secondo, di mezza età, è dietro di lui e porta un corno pieno di incenso, simbolo della santità, e il terzo, più giovane, si trova accanto e porta una coppa contenente la mirra, presagio della morte di Gesù. Dietro Maria sono presenti Giuseppe e i due angeli, e a sinistra della scena sono raffigurati due cammelli.

Le abilità e innovazioni di Giotto si riconoscono in vari punti. Innanzitutto, nelle espressioni dei personaggi, che sono naturali e realistiche. Inoltre, sono evidenti il naturalismo e la precisione con cui sono stati dipinti i cammelli e le loro bardature rosse. L'ambiente in cui si svolge la scena è ben strutturato e segue una prospettiva "arcaica", evidente nei sostegni agli angoli dell'impalcatura, davanti a uno sfondo roccioso. L'attenzione ai particolari è notevole anche per quanto riguarda l'abbigliamento e in particolare i calzari rossi dei re Magi, simbolo di regalità, e l'angelo con il volto nascosto dietro la trave della struttura, dipinto con realismo.

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Situato nel registro centrale superiore, nella parete a sinistra, raffigura il ritorno del Cristo nella città di Gerusalemme, attorniato dai suoi discepoli, a cavallo di un asino, mentre avanza con solennità verso la folla uscente dalle mura. Divisi in due parti quasi simmetriche, i gruppi presantono un certo senso di tridimensionalità e profondita, grazie alla sovrapposizione dei numerosi personaggi dai voluminosi drappeggi e chiaroscuri sui colori tenui degli indumenti. Proseguono poi fino al centro dell'affresco. Il primo, partendo dal lato sinistro in linea retta, porta con se i volti gravi, quasi austeri dei discepoli, avvolti nei nimbi luminosi, similmente al Maestro, evidenziato ancora di più dal suo gesto di benedizione e dalla veste vermiglia, e termina in primo piano con la testa dell'asino. Il secondo, tracciando una diagonale di teste dai volti stupiti e colmi di venerazione, i cui corpi ci chinano sempre più progressivamente verso il mezzo della scena, culmina in un ragazzo prostrato sul terreno ai piedi dell'animale, con in mano una campana che intende legare alla briglia. Dietro di lui una donna piegata in segno di sottomissione, coperta da un velo cascante. In terzo piano, con un accenno imperfetto di prospettiva, compaiono due giovani impegnati a cogliere i rami d'ulivo, l'uno più distante, dal lato di Cristo, voltato nell'intento di scalare la pianta, l'altro più prossimo, dal lato della folla, attorno a cui si avvinghiano le foglie particolareggiate, messe in risalto dalla veste bianca. Infine sull'estrema destra sono presenti le porte di Gerusalemme dalle bianche mura, le cui sfumature di grigio donano loro, per quanto disturbata da una prospettiva ingenua, una forma di realismo.

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Nella scena del Battesimo di Cristo, Giotto racconta l’episodio evangelico con grande chiarezza e realismo. Al centro dell’immagine Cristo, immerso nel fiume Giordano, è rappresentato con un corpo modellato dal chiaroscuro, che gli conferisce volume e naturalezza. Anche Giovanni Battista, mentre versa l’acqua sulla sua testa, mostra un gesto credibile e solenne, sostenuto da un atteggiamento corporeo realistico. I volti dei personaggi, compreso quello degli angeli sulla destra, esprimono dolcezza e partecipazione, abbandonando la rigidità tipica della tradizione bizantina.

Lo spazio è costruito da Giotto in modo convincente: le rocce che incorniciano la scena creano profondità e delimitano un ambiente riconoscibile, mentre il fiume con la sua trasparenza rende l’episodio più concreto. Anche la colomba dello Spirito Santo, che scende dall’alto seguendo un fascio di luce, contribuisce a strutturare verticalmente la composizione, dando un senso di continuità tra cielo e terra.

Infine, Giotto inserisce particolari realistici che arricchiscono la narrazione: il modo in cui l’acqua del Giordano aderisce al corpo di Cristo, le pieghe naturali delle vesti degli angeli, e la resa accurata dei gesti e degli sguardi. Tutti questi dettagli rendono l’episodio immediato e vivo, trasformandolo in una scena profondamente umana e spirituale allo stesso tempo.

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Il Tradimento di Giuda, nella Cappella degli Scrovegni, è situato nel registro centrale superiore dell'arcone, prima dell'altare, all'interno delle Storie di Cristo.

La scena narrata è quella dell'accordo tra Giuda Iscariota e i sommi sacerdoti per catturare Gesù Cristo. L'apostolo traditore, che indossa una veste gialla ed ha uno sguardo attento ed un profilo aguzzo, dotato di baffi e barbetta, accetta l'accordo raccogliendo il denaro in una saccoccia che tiene nella mano sinistra. Il diavolo, sulla sinistra, afferra per le spalle Giuda, simbolo della ormai completa corruzione e tradimento dell'apostolo.

Sullo sfondo, dal tipico colore blu oltremare, si staglia il Tempio di Gerusalemme, simboleggiato da un protiro retto da colonnine marmoree, dal quale provenivano i sacerdoti, dopo aver assistito alla Cacciata dei Mercanti dal Tempio.

Attraverso l'utilizzo di elementi tridimensionali e di una prospettiva empirica, in questo caso rintracciabili nel tempio, Giotto riesce ad ambientare la scena in uno spazio realistico e verosimile.

Inoltre l'uso del chiaroscuro e di diverse sfumature di colori contribuiscono a definire la fisionomia dei volti ed accentuare la loro espressività.

Infine in questa scena è quasi assente quella minuziosità del disegno ed attenzione nei dettagli tipica della pittura giottesca, tuttavia la possiamo comunque individuare nella complessità delle decorazioni della facciata del tempio e nelle vesti dei personaggi.

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L'affresco rappresenta la scena dell'ultima cena, poco prima che Giuda compia l'atto di tradimento nei confronti di Gesù. Nel dipinto Gesù ha appena annunciato che qualcuno di loro quella sera lo avrebbe tradito e per questo si può osservare Giovanni appoggiato al suo petto nell'intento di chiedere chi sarebbe stato il colpevole.

L'affresco presenta tutte e tre le caratteristiche tipiche di Giotto: si nota facilmente l'espressività dei volti e del linguaggio del corpo, che trasmettono emozioni di incredulità e in particolare nella disposizione di Giovanni si può percepire tutto il dolore e la sofferenza; ben visibile è la spazialità conferita da Giotto inserendo la scena all'interno di una stanza senza due pareti dove si può vedere la tridimensionalità grazie al tetto e agli angoli formati con i muri, inoltre si può notare anche dalla disposizione degli apostoli in due piani dello spazio. Davanti che vediamo di spalle abbiamo la prima riga di apostoli che presentano tutti vesti con colori più accesi e luminosi, mentre quelli in secondo piano hanno tonalità più scure perchè sono all'ombra. Infine l'attenzione per i particolari realistici si vede nella decorazione accurata delle vesti, soprattutto quella dell'apostolo centrale che presenta dettagli di ricami dorati, e anche nell'architettura che ha una particolare attenzione ai mosaici colorati che la decorano e al tetto con la presenza di due uccelli in posizione speculare.

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Il Bacio di Giuda mostra in modo chiaro il momento in cui Giuda tradisce Gesù. Al centro dell’affresco si vede Giuda che abbraccia e bacia Gesù, e questo gesto diventa subito il punto più importante della scena. I personaggi hanno volti molto espressivi e corpi più realistici rispetto all’arte precedente grazie al chiaroscuro i loro vestiti e i loro volti sembrano avere volume e profondità.

Anche lo spazio è costruito in modo più naturale: le persone sono disposte su più piani. Le lance inclinate, le torce accese e la folla armata creano movimento e fanno capire il caos del momento.

Giotto aggiunge molti dettagli realistici, come le armature dei soldati e i diversi gesti dei personaggi, rendendo la scena più viva, concreta e facile da immaginare.

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Cristo, inchiodato alla croce, occupa il centro della scena e si staglia contro lo sfondo uniforme del cielo blu oltremare. In alto, un gruppo di dieci piccoli angeli disperati volteggia esprimendosi con vari gesti: alcuni si stracciano le vesti, altri sollevano le braccia, altri ancora raccolgono dentro calici il sangue che sgorga dalle ferite di Cristo. In basso, Maria Maddalena inginocchiata, bacia i piedi di Cristo e con una ciocca bionda gli deterge il sangue. A sinistra, Giovanni e una donna sostengono la Madonna, prossima a svenire perché schiacciata dal dolore. A destra, i soldati si stanno contendendo la veste di Cristo, rossa e bordata d’oro. Il centurione, già dotato di aureola perché aveva riconosciuto Dio, indica agli altri il corpo del Crocifisso.

Si può notare una notevole espressività dei personaggi: soprattutto gli angeli e coloro raffigurati a destra, con le espressioni afflitte, riescono ad esprimere al massimo ciò che provano trasmettendo tutte le loro emozioni a chi guarda.

La croce è piantata sul monte Calvario, mostrato come una piccola cresta rocciosa, e assume tridimensionalità attraverso il gioco di ombre che Giotto utilizza.

Inoltre, sono presenti diversi dettagli minuziosi: una fenditura in cui si intravedono un piccolo teschio e alcune ossa (simbolo del luogo di sepoltura di Adamo), e la rappresentazione dettagliata e rigorosa delle fantasie dei vestiti dei soldati e della veste di Cristo.

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Giotto, Pentecoste, 1303-1305 circa. Affresco, 200x185 cm. Padova, Cappella degli Scrovegni. 

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Realizzato nel registro centrale inferiore della parete sinistra guardando verso l'altare, la Pentecoste appartiene al ciclo delle Storie di Cristo. La scena raffigura il momento evangelico della Pentecoste, liturgia cristiana celebrata di domenica, 49 giorni dopo la Pasqua e descritta nel libro degli Atti degli Apostoli, durante il quale lo Spirito Santo discende sugli apostoli e sulla Vergine. La scena è ambientata in uno spazio interno tridimensionale che Giotto rappresenta come una loggia traforata da archi a sesto acuto trilobati. All'interno su panche di legno stanno seduti dodici apostoli; dopo la morte di Giuda Iscariota, secondo la tradizione fu scelto in sua sostituzione l'apostolo Mattia. Gesù non compare poiché, secondo le scritture evangeliche, dopo la risurrezione e prima della Pentecoste è asceso al cielo. L'architettura è disposta in prospettiva laterale verso sinistra, una scelta compositiva funzionale ad assecondare la visione da parte dello spettatore idealmente al centro della cappella. Tale sensazione è enfatizzata dalla disposizione delle panche lungo le pareti. La luce divina, realizzata di tonalità rossa a simboleggiare le fiamme della Carità, si sprigiona dal soffitto e irradia  i convenuti diffondendosi a raggiera. L’apertura nel soffitto dalla quale scende la luce dello Spirito ampliano ulteriormente lo spazio percepito dall’osservatore. Le vesti e i volti dei presenti sono resi grazie a tonalità delicate e un’attenta cura del dettaglio. Ogni volto presenta inoltre tratti individuali caratterizzati da barbe differenti, bocche socchiuse, sguardi espressivi e fisionomie talvolta più marcate o delicate. Sopra ciascuno di loro si posa la “lingua di fuoco” simbolo dello Spirito Santo rappresentata mediante piccole aureole luminose. La reazione degli Apostoli è espressa attraverso sguardi stupiti e meditativi rivolti verso l’alto e posizioni naturali dei corpi che rivelano meraviglia e coinvolgimento nel miracolo e dialogo. Le figure sono poste di spalle, in primo piano, e assumono una volumetria ampia e forte resa attraverso l’uso del chiaroscuro con cui sono realizzate le vesti densamente ombreggiate sottolineando le differenti tonalità dei colori.