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El museo está separado por varios cuartos grandes y en esos cuartos hay paredes que lo divide en cuartos más pequeños. Al igual que los jardines se puede observar que la mayoría de las obras tienen colores con muy poca saturación que resaltan con las paredes blancas de la exposición. también noté que la distribución de cuadros estaba equitativa porque todas las paredes estaban llenas, pero variaban en cuanto a tamaños, algunos cuartos tenían todas de un tamaño y otras jugaban con los tamaños unas grandes, otras pequeñas pero en multitud lo que le daba un aire fresco a cada salón nuevo.

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Me llamó la atención la obra por su mezcla de colores cálidos y fríos, también por su uso de líneas verticales y horizontales para definir los objetos y sus texturas en la obra como el piso o la silla. también se puede observar el espacio lineal gracias a la puerta al final y la forma del cuarto que nos guía al final. Pero de lejos lo más interesante de la obra es que está hecha sobre la tela de una mesa de billar y la obra se trata de un sitio de billar, lo que hace de esta obra única y especial.

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Ficha técnica

Titulo: Billar bochica
Artista: Beatriz González
Año: 1980
Técnica: Acrílico sobre tela de mesa de billar

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El museo de arte Miguel Urrutia está compuesto a partir de la colección de arte del Banco de la República. La estructura del museo fue hecha por un arquitecto bogotano y fue premiado por su diseño. En mi opinión no vi que la estructura fuera tan especial, pero si me llamó mucho la atención los jardines que le daban mucho color al contraste del blanco del edificio.

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La obra me llamó la atención ya que es algo abstracto, pero al mismo tiempo es una figura que le resulta a uno conocida. Yo interpreto la escultura como un edificio en ruinas y se distingue por su variedad en el uso de las líneas, el uso de un solo color plateado lo que lo vuelve futurístico y en algo más obvio como lo es su escala la cual nos ayuda a observar el estado completo de la edificación. Pero los detalles que más resaltan son los pedazos de estructura intactos que nos dan un indicio de lo que era toda la estructura antes de haberse arruinado.

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Ficha técnica

Titulo: Drifting Ashen Flake Opaque
Artista: Lee Bul
Año: 2008
Técnica: Escultura

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El diseño del museo es bastante llamativo ya que está en forma de espiral y las obras se exponen en cada piso de la espiral. Como se había dicho antes el museo tiene obras de arte moderno y contemporáneo lo que resalta en la estructura de la exposición. Las obras juegan con ese espacio y usan la edificación como parte de la obra, lo que lo nos brinda una experiencia más inmersa. Se puede observar no muchas pinturas, pero muchas obras en tridimensionales y fotografías, algunas en forma abstracta y otras representando elementos de la vida real.

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El museo fue fundado por la fundación con el mismo nombre del museo: fundación Solomon R. Guggenheim, pero lo interesante ahí es el personaje que fue Guggenheim, un empresario que nació en una familia rica y que además de ser dueño de varias empresas lo que más le interesaba era el arte. Desde aproximadamente 1890 empezó a coleccionar arte y gracias a un artista se envolvió en el arte moderno y fundó este museo con el propósito de apreciar esa clase de arte algo que se puede ver desde el diseño del mismo museo.

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Como todos los cuadros de Kahlo me llama la atención la gran variedad de colores que usa, pero en este cuadro logré observar que eran los mismos objetos, pero la saturación y el valor de los colores varia de un objeto al otro. Por supuesto que existe repetición en la obra por las diferentes sandias que hay, pero no hay dos que se parezcan entre sí, y lo interesante es que el énfasis está en los tres elementos del frente uno por su clara imagen del interior de la sandía, el del centro por su forma perfecta y el otro por su extraña forma de ser cortada. La historia del cuadro es que fue el último cuadro de la artista mientras que estaba en su deteriorada condición de salud, contando con este contexto se puede observar de otra manera las sandías como las etapas de la vida ya que algunas frescas, verdes y redondas hay otras que están descoloridas y cortadas de manera que deforma la perfecta figura. Esto puede ser un mensaje que nos deja Frida Kahlo además de la clara escritura del titulo de la obra “Viva la vida” en un pedazo de sandia.

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Ficha Técnica

Titulo: Viva la vida
Artista: Frida Kahlo
Año: 1954
Técnica: Óleo sobre masonite

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Como dije anteriormente cuando uno entra al museo existe un sentimiento de hogar debido a la estructura, pero ese sentimiento es respaldado por la forma en la que está organizado el museo ya que tiene los vestidos y artificios que usaba Frida Kahlo en su día a día por lo que parece que siguiera rondando por la casa. Además de que exponen varias de sus obras y las de su esposo, tienen fotografías y escrituras en las paredes, incluso hay una habitación con varias obras tridimensionales como vasijas, platos, mascaras lo que puede llegar a asimilar una cocina. Por ultimo se observan unas habitaciones las cuales parecen estar preservadas como las tenían los dueños de la casa lo que le da un buen toque de historia y también de respeto ya que al fin de cuentas nos encontramos en lo que era su hogar.

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Este museo es definitivamente el más interesante que he visitado hasta el momento ya que la estructura fue la casa donde nació, vivió y murió Frida Kahlo. Al museo también se le llama la casa azul debido a su color peculiar lo que por si propio creo que no solo capta la personalidad de la artista que vivió ahí, pero también logra reflejar un poco la cultura mexicana a través de su arquitectura. Aunque ahora sea un museo la edificación todavía transmite un sentimiento de hogar lo que me pareció algo pertinente debido a que así lo fue para la artista por muchos años.

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Me llamó la atención la obra ya que viene de un artista muy reconocido el cual creó varios retratos de sí mismo ya que no podía pagar modelos para sus pinturas. Pero este retrato se encontraba en centro de su sala lo que le dio un poco más de importancia que las demás obras. Se observan líneas en todo en cuadro y es lo que el artista usa para construir su figura, en el fondo y en su atuendo vemos líneas con forma de ondas lo que le da movimiento a la obra. Su rostro está cubierto de líneas de menor tamaño que se usan para darle textura a su piel. también llama la atención que se usa una estructura de color casi monocromático del azul, pero también usa el color complementario en el tono de su pelo, barba y cejas que se contrastan con el azul de toda la obra. Pero en sí lo que más resalta en la obra es como el uso de repetición de estas líneas construye la imagen del ser humano que en este caso es el mismo Van Gogh.

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Ficha Técnica

Titulo: Self-portrait
Artista: Vincent Van Gogh
Año: 1889
Técnica: Oleo en canvas

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Se puede observar que el museo es un espacio muy abierto ya que en el pasillo principal se observan casi todas las obras de esculturas desde el principio como si fueran personas esperando el metro. Mientras que uno puede ir a la derecha o izquierda y se encuentra con las salas que traen dentro de ellas las pinturas distribuidas al rededor de todo el cuarto donde se encuentran.

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El Musee d'Orsay se fundó en 1986 en el centro de la ciudad de paris. Uno logra relacionar la estructura del edificio con la de una estación de tren o de metro, eso se debe a que en un principio esa era la función de ese edificio por lo que se considera casi como la primera obra del museo.

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Fishing for souls por Adriaen van de Venne

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Fishing for souls por Adriaen van de Venne

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Está obra captó mi atención gracias a su nombre ya que se me hizo bastante extraño y algo tenebroso. Lo primero que creo que se observa en la obra es la perspectiva lineal que existe a través del rio donde ocurre la mayoría de acción de la obra. Existe un uso de líneas en diagonal en los botes unos para la izquierda y otros por la derecha, también se puede observar la clase de línea curva a través de la multitud de personas por la tierra de la derecha y de la izquierda también, por último y la línea curva que más resalta es la del arcoíris gigante al final del rio. El autor también usa colores fríos y sombra al principio del rio y a los lados de la obra. Existe un balance simétrico entre las dos partes de tierra y los botes en el rio, lo que también nos da a entender que hay un ritmo que nos lleva de adelante hacia atrás de la obra siguiendo el rio. Al ver la obra se puede deducir que las personas están tratando de escapar a través de los botes y por ahora solo los personajes importantes están lográndolo, por lo que las personas se tiran hacia el bote rogando para que los lleven con ellos hacía el arcoíris, lo que puede significar una mejor situación de la que se encuentran en ese lugar.

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Al entrar note algo peculiar sobre el edificio ya que su arquitectura variaba entre lo moderno y lo clásico, el mejor ejemplo de esto es como la entrada que se puede observar las estructuras rectangulares y el uso del espacio casi minimalista que le da un sentimiento moderno, en comparación a adentro del museo donde la estructura más que todo en la parte superior se siente más como una clase de iglesia con pinturas de tipo clásicas como de la época del renacimiento o medieval. Los pisos están divididos por épocas donde uno puede observar las diferentes pinturas, objetos y esculturas de su respectiva edad. Me pareció curioso una clase de patrón que observe en la organización de las piezas: primero existen una clase de cuartos cerrados de tres paredes donde se encuentran varias pinturas del mismo artista o de la misma temática, todas distribuidas simétricamente a través de las tres paredes, en otros cuartos se encuentran varios cuadros alrededor y algunas vitrinas en la mitad del cuarto con algún objeto relevante a la temática del cuarto. Supongo que los organizaron de esa manera para que se pueda apreciar ya sea o el estilo del artista (para el primer cuarto) o el periodo/temática de las piezas (segundo cuarto).

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El Rijksmuseum se encuentra en Ámsterdam, Holanda dentro del Museumplein al sur de la ciudad, fue fundado el 19 de septiembre de 1798 en la ciudad The Hague y fue reubicado a Ámsterdam en 1818 a manos del entonces reinado de Napoleón Bonaparte. El edificio en si ha sido sujeto a varias remodelaciones para llegar a la estructura de hoy en día, pero cada vez se le van añadiendo componentes nuevos.