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Vincent Van Gogh, 1888, olio su tela, 72x90, Van Gogh Museum di Amsterdam

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Telemaco Signorini, 1898
olio su tela
Milano, Collezione privata

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La Toilette del mattino è uno degli ultimi quadri realizzati da Telemaco Signorini e raffigura il momento del risveglio in un bordello al centro di Firenze. Un'opera senz'altro impegnativa e di difficile comprensione, non solo per la dimensione del quadro, ma, soprattutto, per la scelta così voluta di mostrare un soggetto ritenuto difficile da accettare ancora in quegli anni.

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Lo specchio è metafora di una vana apparenza e permette una visione caleidoscopica di un luogo chiuso, affollato di persone che si divertono, al contrario dell'opera di Degas

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Van Gogh, 1888
olio su tela
Yale University Art Gallery

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Il “fascino tossico” di questi locali non ha ipnotizzato unicamente Degas; esiste un altro quadro ambientato sempre in un caffè notturno e che è diventato un altro capolavoro dell’arte moderna, intitolato il cafè di notte di Van Gogh.

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Data la presenza di questo archetto, molto probabilmente, seduto a quel tavolo doveva esserci un musicista, il quale, esattamente come Degas stava guardando curiosamente la triste scena del barbone e della prostituta.

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Sul tavolino di sinistra ’è appoggiato l’archetto di un violino e si legge chiaramente la firma dell’artista.

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Si tratta una scelta volontaria di Degas: con questo particolare, la scena più che una rappresentazione reale sembra quasi un’allucinazione, supportata anche dalla soffocante atmosfera che si riflette sul quadro alle spalle dei protagonisti

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I tavoli dove sono seduti la prostituta ed il vagabondo non hanno alcuna gamba con cui si appoggiano al pavimento, in pratica stanno fluttuando per aria.

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L’assenzio era una bevanda alcolica molto in voga negli ultimi anni dell’800; il motivo di tutto questo successo è da rintracciare nella sua elevata concentrazione alcolica, in grado di stordire chi la beveva in pochissimo tempo; inoltre, era davvero molto economico.

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Non è la prima volta che uno specchio rivesta un ruolo importante in un quadro ci sono altri pittori impressionisti hanno utilizzato un artificio simile, dipingendo sempre una scena all’interno di un locale: guarda ad esempio il Bar delle Folies-Bergère di Manet.

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Giorno di festa al Pio Albergo Trivulzio

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Giorno di festa al Pio Albergo Trivulzio

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Angelo Morbelli, 1892
olio su tela
Parigi, Musée d'Orsay

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Questa scelta stilistica rispecchia perfettamente la triste situazione in cui si trovano i due sventurati.Questa gigantesca angoscia “riempie” tutto il quadro, e come se non bastasse, viene addirittura amplificata dalla presenza dello specchio sul muro, proprio alle spalle dei protagonisti dell’opera

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Adottando uno stile diverso dalla tradizione, Degas opta per una prospettiva nuova, anche se decisamente “scomoda”. Disponendo i due personaggi quasi  in obliquo, sembra che il pittore voglia incastrarli tra il piccolo tavolo ed il divano su cui sono seduti, senza possibilità di fuga.

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Arlecchino e la sua amica. I due saltimbanchi

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Arlecchino e la sua amica. I due saltimbanchi

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Pablo Picasso, 1901,
olio su tela
Mosca, Museo Puskin

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La prugna, 1877
olio su tela
Washington National Gallery

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Telemaco Signorini, 1898, olio su tela, 120x175 cm,
Milano, Vollezione privata.

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Signorini affida la costruzione prospettica del dipinto alla direttrici segnate della piastrelle, adotta un punto di vista decentrato e dispone i gruppi di persone in diagonale, come fece in molte sue opere Degas.

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Ne 'La toeletta del mattino', l'artista italiano Telemaco Signorini raffigura il momento del risveglio in un postribolo di Firenze.

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La Toilette del mattino è uno degli ultimi quadri realizzati da Telemaco Signorini e raffigura il momento del risveglio in un bordello al centro di Firenze. Un'opera senz'altro impegnativa e di difficile comprensione, non solo per la dimensione del quadro, ma, soprattutto, per la scelta così voluta di mostrare un soggetto ritenuto difficile da accettare ancora in quegli anni.

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Il letto è inserito in una prospettiva irreale e vertiginosa, allungato oltremisura. Segno di come il letto di Degas non fosse solo un letto, posto lì impressionisticamente, ma fosse la rappresentazione del dolore e della tensione psicologica. Poi, c'è il tavolino, al centro, il simbolo: uno scrigno aperto da cui fuoriesce biancheria scomposta. A terra, il corsetto. Infine, a sinistra, c'è lei. Lei che ha la sottoveste sgualcita, una bretella abbassata e un simbolico manto rosso a coprirle ginocchia e gambe.

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Tra le ispirazioni letterarie riguardanti questa tematica di prima importanza sono i romanzi di Emile Zola Teresa Raquin e il successivo L’Assommoir. Entrambi trattano la vita del misero popolo parigino con un focus sulla lotta tra i sessi e la lotta di classe. La realtà parigina ottocentesca vedeva i parigini fagocitati all’ interno dei ritmi e delle nuove dinamiche della crescente metropoli.
L’interno reale di Degas diventa anche un interno interiore, metafora di dolore, impotenza e sofferenza.

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La violenza è il tema principale de Lo stupro, ed essa viene emanata sia dal corpo fragile della ragazza sia dall’attegiamento di superiorità dell’uomo: tra di essi l’unica emozione palpabile è la paura, una paura folle e viscerale che si espande al di fuori della rappresentazione fino ad arrivare nelle membra dello spettatore. Le Viol rappresenta una realtà desolante e tragica, in cui il transitorio luminoso e cromatico tipico degli impressionisti non è più solo un'impressione passeggera, è un'impronta che quella donna seduta non si toglierà più di dosso.

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Accortezza di Degas è il dettaglio dell’orecchio appuntito, citazione demoniaca. Questi elementi macabri fanno da preludio a quello che sarà l’espressionismo di Edvard Munch nel secolo successivo. Anche il letto sembra quasi quello che circa un ventennio dopo, sempre Munch, dipingerà nella sua stanza ad Arles.

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Sulla destra si trova un uomo che guarda la giovane con uno sguardo freddo e crudo, tiene le mani in tasca e le gambe divaricati per affermare la sua presenza e la sua ombra si innalza minacciosamente al di sopra della sua statura rendendolo innaturale, quasi un accessorio della stanza: un mobile o un armadio.

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Sulla sinistra viene presentata una donna con una sottoveste bianca sgualcita e cadente su una delle spalle, con un mantello rosso che le copre simbolicamente le gambe, è seduta su una sedia chiusa e curva su se stessa, in un atteggiamento di impotenza, umiliazione, fragilità, arrendevolezza.

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Questo atteggiamento di Degas nei confronti della luce è una delle caratteristiche che lo allontana dagli altri impressionisti, si distacca fortemente dalla pittura plein air usando maggiormente cromie e sfumature legate a colori come il nero e l’ocra. Inoltre aveva un particolare interesse per la rappresentazione della luce artificiale. Ne Lo stupro Degas gioca con la luce fioca dell’abate-tour.

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L'opera venne intitolata L’intérieur da Degas stesso, ma fu in seguito denominata Le viol. Questo quadro è un sunto della relazione tra Degas e la luce notturna: egli tendeva ad esaltare la flebile luce tipica dell’ora del crepuscolo o quella emanata dalle candele e dalle lampade.

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Edgar Degas, L'intèrieur, 1868, olio su tela, 81x116 cm, Philadelphia Museum of Art.

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Claude Monet, Impressione, levar del sole, 1872, olio su tela, 48 cm x 63 cm, Musée Marmottan Monet

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Degas fu animato dal proposito di «lasciare dietro di sé qualcosa in bronzo – materia destinata all'eternità!»

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La ballerina è un lavoro molto toccante, sentita in cui questa bambina di appena quattordici anni, nonostante la difficile posizione in cui si trova lei, sia fisicamente che psicologicamente, lotta per una misura di dignità: la testa viene tenuta in alto, anche se le sue braccia e le mani sono a disagio tese dietro la schiena.

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Una scultura modellata che mostra con spietato realismo i segni lasciati sul corpo dell’adolescente Marie Geneviève van Goethem, dal duro lavoro della danza e dalla messa in posa per Degas per circa 4/5 ore al giorno.

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La scultura originale, il cui corpo era in cera colorata per imitare la pelle umana è stata coperta con accessori in tessuto originale come l'abito di seta senza spalline in chiffon, tutù, calze e scarpette da ballo. La parrucca di capelli veri è legata con un nastro.

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La scultura rappresenta una giovane ballerina in piedi in atteggiamento di riposo, le gambe divaricate, i piedi che costituiscono la posizione classica, mani dietro la schiena, busto eretto e la testa rovesciata indietro, ha una frangia monacale di capelli, gli occhi semichiusi, la fronte sfuggente, il muso sporgente.

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Definita da Elie de Moritz “una scimmia, un azteco, da mettere sotto formalina e da spedire al Museo Dufuitreu di patologia umana”

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Quando fu esposta nel 1881, a causa della tecnica utilizzata e il suo realismo, la scultura ha provocato sorpresa e scandalo, anche tra gli ammiratori del pittore. Paolo Mantz nel suo articolo del giornale Le Temps fa un’ aspra critica. Degas espone la delicata scultura all’interno di una teca di vetro, quasi fosse un reperto. La teca di vetro è l’unico elemento voluto proprio da Degas che, in questo modo, riconosceva alla sua "figlia", com'era solito chiamarla, lo statuto di opera d’arte.

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Alla morte di Degas, nel 1917, furono ritrovate nella sua bottega 150 sculture di cera o di terra. Quando l'artista era ancora vivo, l'insieme era rimasto quasi sconosciuto al grande pubblico, ad eccezione della Ballerina di 14 anni, presentata da Degas alla mostra impressionista del 1881, originariamente in Medardo Rosso e fusa poi in bronzo solo dopo la scomparsa del maestro.

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“Mi chiamano ‘Il pittore delle ballerine’. Non comprendono che per me la danza è stato un pretesto per dipingere dei bei tessuti e rendere dei movimenti.”

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La scena di interno è resa spaziosa dalla visuale prospettica, sottolineata dalle linee del parquet, diagonali che  inquadrano la costruzione dell'opera e individuano un punto di fuga situato all'esterno della scena

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Anche in Arlecchino e la sua amica i due protagonisti sono seduti a uno stesso tavolino, senza guardarsi; il volto pensieroso e inespressivo tradisce un senso di solitudine e di incomunicabilità. Le opere di Degas furono un riferimento preciso per le opere del giovane Picasso

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Pablo Picasso _Arlecchino e la sua Amica_ jpg

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L'opera assomiglia molto ad una fotografia per le varie direzioni presenti nel quadro.

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Manet, assiduo frequentatore dei caffè parigini, rinuncia tuttavia all'interpretazione solitaria di Degas, e preferisce restituire un'immagine meno aspra e più poetica. A essere raffigurata è sempre una donna, ammantata in un delicatissimo abito rosa, che assume un'aria sognatrice e malinconica, tanto che presenta lo sguardo perso nel vuoto, come se stesse inseguendo il filo invisibile dei suoi pensieri.

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L’uomo emerge per il colore grigio – contrapposto ai colori tenui ma più allegri delle giovani – e rappresenta così un elemento fisso e stabile, una figura guida. Le ragazze intorno a lui, venti in tutto, appaiono dai corpi flessuosi, leggere, vaporose, coi loro vestiti chiari che le rendono quasi angeliche. Non c’è una chiara linea di contorno ma i soggetti sono ben definiti e molto realistici.

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L'opera fu esposta con enorme scandalo fra i conservatori, che videro in essa una troppo realistica rappresentazione del vizio e dell'abiezione

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La leggerezza del quadro che si trova nei colori bianchi dei tutu delle ballerine

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E' un quadro complementare, i colori dello sfondo si complementano al colore del fiocco della ballerina.

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Il dipinto è realizzato  in plain air, poichè non dipinge nel suo studio, ma in una classe di danza.

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Gli elementi impressionisti dell'opera sono:

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Accanto al maestro,  una ballerina seduta, col viso leggermente in ombra, è disegnata con particolare precisione. Alla scena, particolarmente idilliaca e delicata, fa da contrasto il violista, seduto alla destra del maestro del balletto: il suo abito scuro e la pesantezza della figura rompono l'armonia dei tutù bianchi e delle mura color giallo-ocra.

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L'uomo seduto accanto a lei, corpulento e trascurato, ha l'aria del clochard, la barba incolta, gli occhi rossi e fuma una pipa. Non guarda verso la donna ma probabilmente verso l'interno del locale, dove presumibilmente sta succedendo qualcosa che attira la sua attenzione.

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La donna, leggermente piegata su se stessa con lo sguardo fisso nel vuoto, sembra infelice e malinconica, stordita dall'alcol: vicino a lei il bicchiere è ancora colmo di assenzio e sul vassoio del tavolo affianco campeggia una bottiglia vuota

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L'inquadratura è di tipo fotografico e in apparenza casuale, infatti alcune figure sembrano uscire dal campo visivo dell'osservatore.
La stanza si configura come una scatola prospettica.
Il gruppo di ballerine si dispongono in una sorta di semicerchio che mette in risalto la posizione centrale del maestro, Jules Perrot.

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Degas non ha voluto realizzare un ritratto, bensì uno spaccato di vita, una situazione di incomunicabilità accentuata dai due personaggi, seduti dulla stessa panca, all'interno di un bistrot.

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Il dipinto raffigura  due amici dell'artista, il pittore e scrittore Marcellin Desboutin e l'attrice Ellen Andrèe, seduti ad un tavolino del Cafè de la Nouvelle Athens

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Il tema che ricorre per tutto l'arco della vita artistica dell'artista è il balletto classico. Nei suoi quadri dedicati alle ballerine si accentuano l'audacia del taglio e il senso di moto. I suoi dipinti sono così reali che sembrano fotografie o primi piani cinematografici.

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Sulla sinistra è rappresentata mademoiselle Hughes che si appresta ad eseguire il suo esercizio, mentre sulla destra il maestro  in piedi e vestito di bianco, le dà le ultime raccomandazioni.

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Nel dipinto, realizzato tra il 1871 e il 1874, Degas sceglie di rappresentare le ballerine nel momento in cui terminano gli esercizi alla sbarra e cominciano, una alla volta, gli esercizi al centro.

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Con l'Assenzio, il cui titolo originario era un più neutro In un caffè, Degas ci offre una delle più efficaci rappresentazioni di quella moderna vita parigina raccontata nei romanzi di Balzac, Zola o Flaubert.

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Osserva con attenzione i gesti più spontanei, naturali e abituali
dei momenti di pausa, in cui la concentrazione si allenta ed il corpo si rilassa, dopo lo sforzo di una estenuante lezione condotta con ferrea disciplina: la ballerina in primo piano di spalle si sventaglia pensierosa, la sua vicina si gratta la schiena seduta sul pianoforte, altre provano qualche passo, si aggiustano l'orecchino o si massaggiano il collo, si riposano parlando tra loro.

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Negli anni 1873-76, Edgar Degas realizza ''La lezione di danza'', celebre dipinto ritraente un gruppo di ballerine. L'artista coglie gli attimi relativi alla conclusione di una lezione.

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L'attimo fuggente della pittura impressionista differisce totalmente dal momento pregnante della pittura neoclassica e romantica.

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L'attimo fuggente coglie sensazioni e impressioni positive, gradevoli. Rifugge dalla tragicità della storia e torna a rappresentare un mondo dove si può vivere bene.

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Il momento pregnante sintetizza la storia nel suo momento più significativo, spesso cogliendo atteggiamenti drammatici.

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Secondo i pittori impressionisti la realtà muta continuamente di aspetto. La luce varia ad ogni istante, le cose si muovono spostandosi nello spazio: tutto scorre. Essi, quindi, creano immagini che trasmettono una sensazione di mobilità, dando vita alla ''poetica dell'attimo fuggente''.

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“Amò molto il disegno” volle scritto sulla tomba.

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Edgar Degas, Piccola ballerina di quattordici anni, 1865-1881, modello in cera, 1921-1931 fusione in bronzo,con tulle, nastro di satin rosa, legno, 98 cm, Parigi (Francia), Musée d’Orsay.

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Edgar Degas, L'Assenzio, 1875-76, olio su tela, 92x68,5 cm, Parigi (Francia), Musée d'Orsay.

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Edgar Degas, La lezione di danza, 173-76, olio su tela, 85×75 cm, Parigi (Francia)

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Edgar Degas, Il foyer della danza al teatro dell'Opéra, 1972, olio su tela, 32x46 cm, Parigi (Francia), Musée d'Orsay.

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Lui stesso dichiarò: “Nessuna arte è meno spontanea della mia”.