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Kevin Lucbert, Shortcut. Blue Line Series, 2014-2017.

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Représenter la nuit, c'est tenter de rendre sensible l'expérience nocturne d'un paysage.

La nuit se définit d’abord par un dérèglement des sens, principalement l’altération de la vision, qui crée un vertige, au sens propre comme au sens figuré. Les détails s’estompent, les ombres s’allongent, les formes deviennent des masses obscures et l’espace se redresse, car il n’a plus de ligne d’horizon. Il faut avancer à tâtons, le paysage nocturne se transforme.

« Au clair de la lune, près de la mer, dans les endroits isolés des campagnes, l’on voit, plongé dans d’amères réflexions, toutes les choses revêtir des formes jaunes, indécises, fantastiques. L’ombre des arbres, tantôt vite, tantôt lentement, court, vient, revient, par diverses formes, en s’aplatissant, en se collant contre la terre ».

Comte de Lautréamont, Les chants de Maldoror, 1890

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Amédée Ozenfant, Lumières sur l'eau, 1949

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Gustave Doré, Le petit Poucet, gravure, 1862

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https://www.youtube.com/watch?v=0nR6qVNosk4

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L'Art en Question 1 - VAN GOGH : La Nuit étoilée (version finale)

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L'histoire du portrait est fortement liée à celle de la représentation de l'individu, notamment au travers de la peinture. Cette notion de sujet dans l'art occidental se construit tout au long de l'histoire de l'art, mais aussi de l'histoire de l'Homme. Le portrait est témoin de la naissance de la notion de sujet dans la peinture.

L'art du portrait remonte à l'Antiquité mais c'est à la Renaissance qu'il connaît son expansion et se définit clairement par la même occasion. La peinture flamande marque une réelle rupture dans l'histoire de l'art mais surtout dans l'histoire du portrait. Elle montre une évolution des esprits. Il s'agit de la découverte de l'individu en tant que tel.

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Charles Le Brun, Des Passions, La Tristesse, 1727

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Dans ses carnets, Leonard de Vinci prescrit aux peintres de donner à ses figures une attitude révélatrice des pensées que les personnages ont dans l’esprit.

Expressions des passions de l’âme

Charles Le Brun est aussi à l’origine d’un curieux inventaire, celui des Expressions des passions de l’âme, convaincu par l’idée – développée par René Descartes dans son Traité des passions (1649) – selon laquelle les émotions se traduisent inévitablement sur notre corps. Mais plus encore, qu’elles « exercent des fonctions sur le visage », selon ses mots, prononcés en 1668 à l’occasion d’une célèbre conférence à l’Académie royale de peinture et de sculpture.

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Qu'est-ce qu’un portrait ?

Au sens général, représentation d'une personne (; mais la définition du portrait comme concept esthétique appelle quelques précisions).

Dans les arts plastiques, on n’emploie pas le terme de portrait pour la sculpture, et pourtant la chose y existe, mais on dit tête, buste ou statue ; portrait se dit pour une œuvre en deux dimensions, peinture ou dessin.

Le portrait est donc déjà une interprétation et transcription, donc choix, pour rendre l’apparence extérieure d’une personne, quel que soit le degré de réalisme.

Bien qu’uniquement visuel, le portrait peut rendre très sensible la personnalité intérieure du modèle, par de nombreux indices tels que la pose, l’expression de la physionomie, etc.

Le fait que le modèle soit une personne réelle ou quelqu’un de fictif n’a aucune importance pour les procédés employés par l’art (...) ; mais il en a pour le travail demandé à l’artiste. Le portrait d’une personne réelle demande à l’artiste d’être observateur et même psychologue pour pénétrer la personnalité du modèle. Le portrait d’une personne fictive lui demande une imagination très précise et complète ; et bien souvent les portraits fictifs prennent appui sur l’observation de modèles réels.

Le genre du portrait, dans quelque art que ce soit, témoigne d’un intérêt pour l’individuel ; ce n’est pas seulement l’être humain en général,(...) que rend le portraitiste ; c’est telle personne en tant qu’elle est elle-même (...).

(...) Les idées de l'époque sur un idéal esthétique humain transparaissent souvent dans le portrait (...).

Etienne SOURIAU, Vocabulaire d'esthétique, 1990

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Guillaume-Benjamin Duchenne, surnommé Duchenne de Boulogne ( 1806 – 1875 ), est un médecin neurologue français qui en 1833 commence à expérimenter l’usage thérapeutique de l’électricité.

Il utilise du courant alternatif pour stimuler certains muscles individuellements grâce à des électrodes qui appliquent le courant sur la peau à un endroit précis sans douleurs grâce à un système qu’il a inventé et découvre ainsi plusieurs affections comme la myopathie de Duchenne qui porte son nom. Il est aussi le premier à avoir découvert tous les muscles du visage et comment ils créent les expressions.

Il découvrit notamment qu’un vrai sourire de bonheur utilise à la fois les muscles du visage et ceux des yeux.
En plus de l’électricité il était un grand utilisateur de la photographie dont il s’est servi pour cataloguer toutes les expressions possibles du visage, parfois en utilisant un sujet qui avait les traits paralysés et dont l’expression ne pouvait changer que grâce à l’électricité.

Ces images seront publiées dans un de ses livres publié en 1862 intitulé « Mécanisme de la physionomie humaine, ou Analyse électrophysiologique de l’expression des passions applicable à la pratique des arts plastiques ».

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Hans Holbein le jeune, Portrait de Jane Seymour, 1536

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Jean Fouqeut, Vierge à l'Enfant, détail, 1450

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Léonard de Vinci, Portrait de Cécile Gallerani, dit "La dame à l'hermine", détail, 1485-1490.

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L'annonciation est l'annonce faite à la Vierge Marie de sa maternité divine par l'ange Gabriel. Cet événement biblique est célébré par les catholiques et les orthodoxes.

L'Annonciation est un thème couramment représenté dans les arts visuels depuis les premiers siècles du christianisme jusqu'à nos jours. Les œuvres qui lui sont consacrées décrivent l'épisode de l'Annonciation au cours duquel l'archange Gabriel annonce à Marie qu'elle sera mère du Christ.

Un ange apparaît à Marie, surprise, et lui explique qu'elle concevra le Seigneur non pas avec un homme, mais par l'action du Saint-Esprit. Marie exprime son acceptation et le Christ est alors incarné en elle.

Beaucoup de représentations de l’Annonciation montrent à la fois la salutation angélique et le miracle de la conception par le souffle divin.

L'Annonciation est le support de nombreux thèmes iconographiques chrétiens. Les attitudes respectives de Marie et de l'ange expriment la vision des artistes et de leur époque sur la modestie de la Vierge face à l'envoyé du ciel, ou au contraire sur son statut mystique de reine. La représentation de l'Incarnation, mystère essentiel du christianisme, pousse les artistes à recourir à des symboles dont l'étude nourrit l'histoire de l'art jusqu'à nos jours. Enfin

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Ambrogio Lorenzetti a tracé les prémisses de la perspective en peinture, notamment dans son Annonciation de 1344. Les lignes du carrelage perpendiculaires au tableau ont quasiment un point de fuite unique, mais le dessin ne respecte pas encore toutes les règles de la perspective : les diagonales des carreaux ne sont pas alignées.  Pour construire une perspective, il faut un point de fuite qui donne une ligne d'horizon vers laquelle convergent toutes les lignes de fuite.

Daniel ARASSE

Pourquoi la perspective dans l'Annonciation?

Comment figurer l'incarnation dans l'Annonciation? L'incarnation est un mystère, invisible. C'est la colonne qui va  représenter l'incarnation, gravée dans le fond d'or... puis matérielle et opaque dans le bas du tableau. L'infini change de nature et  se matérialise dans la perspective du pavement. Figurer l'incarnation dans le désordre de la perspective.

Ambrogio Lorenzetti est le premier à se poser la question de figurer l'incarnation dans l'annonciation dans le cadre de la perspective géométrique. Il construit un espace où l'infini change de nature et s'incarne en corps opaque. Dans la partie haute, la colonne appartient au fond d'or, à la lumière divine. Dès lors qu'elle passe dans la partie basse, ce lieu mesurable par la perspective où sont l'Ange et la Vierge, elle devient opaque : elle est la figure de l'incarnation.

La colonne est en effet un des symboles les plus connus et traditionnels du Christ : Columna est Christus, "le Christ est une colonne". La colonne, c'est donc l'éternel en tant qu'il est déjà là.

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Ce tableau est sans doute la plus ancienne bande dessinée. Les tableaux racontent des histoires, tout comme les BD.

L'ange, sur la gauche, apporte un message au personnage féminin assise à droite. Les mots qui sortent de sa bouche s'étalent sur la largeur du tableau.
Le message est en latin : Ave gratia plena Dominus tecum (Salut à toi, pleine de de grâce, le Seigneur est avec toi). Cette histoire là a été peinte sur un lourd panneau de bois conçu pour être installé au-dessus de l'autel, dans une église, afin que les croyants puissent la regarder pendant leur prières.

L'ange Gabriel vient de se poser : il n'a pas encore replié ses ailes, et sa cape est encore gonflée par le vent. Il est venu annoncer à Marie qu'elle attend un enfant. Cette dernière semble un peu effrayée, elle resserre son manteau contre elle, comme pour se protéger de cet étrange visiteur.

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Thomas RUFF, Portraits, 1989.

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Alessandra SANGUINETTI, The Adventures of Guille and Belinda and The Illusion of an Everlasting Summer, 2010

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Dave Heath, Dialogue with Solitudes,

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Rineke Dijkstra, Beach Portraits, 1992.

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Alys Tomlinson, Lost Summer, juin-août 2020.

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Alys Tomlinson Lost Summer juin aout 2020

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Olivia Bee, Kids in Love

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Sandro BOTTICELLI, La Naissance de Vénus, vers 1484-1485

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Capturer les maladresses et les possibles de la jeunesse

"Les enfants et les adolescents laissaient transparaître une forme de vulnérabilité, de manque de confiance qui rendaient leurs émotions plus visibles. Ils sont finalement très transparents - malgré eux."

En 1992, la photographe  hollandaise Rineke Dijkstra produit une série de portraits sur fond marin intitulée Beach Portraits. Des adolescents en maillots de bain prennent gauchement la pose. Une fille en bikini abricot sur une plage de Caroline du Sud évoque La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli.

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DELLA FRANCESCA, Portraits des ducs d'Urbino, 1470

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DELLA FRANCESCA, Portraits des ducs d'Urbino, 1470

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(v.1547 - v.1619)

orfèvre et enlumineur anglais plus connu comme portraitiste en miniatures à la cour d'Élisabeth Iʳᵉ d'Angleterre

Il fut engagé par la reine Elizabeth I comme miniaturiste et joaillier en 1562.

Queen Elizabeth I - Pelican Portrait (portrait au pélican), v. 1572, huile sur panneau de bois, 76,8 x 59,6.

Ce portrait est l'un des rares portraits à grande échelle attribués à Hilliard. il aida à populariser l'image de la reine, tout en nous laissant une trace de la cour de l'ère élisabéthaine. Cette oeuvre est connue sous le nom de Portrait au pélican car le pendentif porté autour du cou de la Reine représente cet oiseau. Symbole traditionnel du sacrifice de Jésus chez les chrétiens, on dit que le pélican était capable de nourrir ses petits de son propre sang, ce qui convient à l'image d'une reine qui se voulait la mère de son peuple.

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Bouquet in an Arched Window, 1921

Cette nature morte est la seule peinture d’Ambrosius Bosschaert à être signée en toutes lettres au verso et l’un des cinq uniques Bouquets peints sur un fond de paysage par cet artiste.

Ce bouquet posé sur un étroit rebord de pierre se détache sur les contours d’une niche arrondie, laissant entrevoir de part et d’autre du vase de verrerie d’où jaillissent des fleurs, des lointains bleutés où l’on devine un estuaire s’ouvrant sur l’horizon. Cette nature morte de fleurs offre d’emblée au regard un étonnant contraste entre le réalisme minutieux et impressionnant du rendu des fleurs qui la composent et les lointains aux dégradés subtils.

Ça et là quelques insectes sur l’entablement, une feuille rongée, deux perles d’eau près du vase ajoutent au réalisme et à la précision du rendu de cette nature morte.

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A Still Life of Flowers in a Wan-Li Vase, 1609-1610

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Calorie Composition I, 2019, huile sur toile.

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Nature morte, 1640

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Bouquet de tulipes avec une rose et des oeillets dans un gobelet de verre, panneau de bois, 1582, Anvers.

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Avant de tempête à l'horizon, 1872-73

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La vague, vers 1870

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Tempête de neige en mer, 1842

AVIS DE TEMPÊTE
Soudain le ciel s’assombrit, le vent se lève…c’est la tempête.

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ANALYSE 1

Georges de la TOUR (1593-1652) Le tricheur à l'as de carreau, huile sur toile, vers 1636, 106 x 146 cm.

Des personnages attablés jouent aux cartes. Afin de comprendre la scène, le spectateur doit d'approcher pour en voir les détails : les bijoux de la courtisane, le verre apporté par la servante, le riche costume du jeune garçon et ses pièces d'or, les cartes cachées dans le dos du tricheur. La circulation des regards réunit les trois complices et exclut celui qui sera la victime de la tricherie.
Au premier plan, entre les deux hommes représentés à la même taille que nous, le peintre a laissé une place vide. Pour nous?
Le tricheur se retourne vers nous et semble nous interpeler du regard...nous rendant complice. Nous sommes les seuls à voir les cartes cachées dans son dos. Devant la table des joueurs, nous invités à la partie.

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ANALYSE 1

Andrea MANTEGNA (vers 1431-1506), Saint Sébastien, tempera sur toile de lin, H.2,55 m x  L.1,40 m, vers 1478-1480.

Dans cet imposant tableau, un homme est représenté en pied. C'est -à-dire, en entier ; grand comme un homme réel. Nous pouvons voir le dessous de son menton, ses narines car le peintre l'a représenté d'en dessous comme si nous étions placés à ses pieds en compagnie des deux personnages au premier plan coupés en buste par le bord du tableau. Ils paraissent d'autant plus proche de nous parce que leurs visages sont extrêmement détaillés. Nous avons donc l'impression d'assister à une scène réelle depuis un endroit précis.

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COMMENT REGARDER UN TABLEAU?

Comment se placer devant un tableau pour le regarder?
Quelle place le peintre nous donne t-il dans la scène représentée?

Par rapport à une sculpture (qui autorise plusieurs points de vue) devant une image peinte, le spectateur peut seulement faire varier sa distance à l'oeuvre : éloignés ou rapprochés.

Plus nous nous rapprochons et plus les détails nous apparaissent comme la manière de peindre de l'artiste. La vue de près relève la matière même de la peinture, ce que l'on appelle la peinture pure ou la picturalité.

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Autoportrait en noyé, octobre 1840

Dans les années 1830, la photographie est inventée. Dans ce contexte de découverte scientifique, Hippolyte Bayard cherche à faire connaître son invention : le tirage positif sur papier. N'obtenant pas le succès espéré, Bayard décide en octobre 1840 de mettre en scène son faux suicide et se photographie en noyé. Avec ce canular, il réalise la première mise en scène de l'histoire de la photographie. Bayard démontre ainsi que la photographie n'est pas un simple outil d'enregistrement du réel, comme on le pense alors, mais qu'elle produit une réalité propre. Une fiction au même titre que la peinture.

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Maison Malin, extérieur

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Maison Malin, intérieur

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Maison Malin, "Chemosphere", Hollywood, Californie, 1960

Cette étrange maison, positionnée dans un site escarpé en pente, repose sur une colonne unique. On accède à la villa par un funiculaire à partir d'un parking situé en contrebas et par une passerelle reliant le flanc de la colline à la construction adossée à la pente. Le panorama offert par les ouvertures de la maison sur le paysage, surplombant tout Los Angeles, est impressionnant. Le choix des paroies vitrées entourant la maison expriment l'idée de transition entre l'intérieur et l'extérieur, entre le naturel et le construit ou encore l'habitat et son environnement.

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Le musée Guggenheim, Bilbao, 1993-1997

Ce musée d'art moderne et contemporain situé à Bilbao, au Pays basque espagnol est l'oeuvre majeure de l'architecte et qui l'a fait connaître dans le monde entier. Le bâtiment est le fruit d’un assemblage singulier de pierre, de verre et de titane caractéristique de l'approche déconstructiviste tout en courbes de Frank Gehry.

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Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Allemagne, 1989

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Lou Ruvo Brain Center for Health, Las Vegas, 2007-2010

Ce bâtiment regroupant une clinique et un centre de recherche sur le cerveau reprend le principe de circonvolutions chères à l'architecte. Divisé en trois espaces distincts, à la manière du cerveau et de ses deux hémisphères, il se compose de deux volumes principaux reliés entre eux par un espace à ciel ouvert. Le centre de réception est quant à lui constitué d’une enveloppe d'acier découpée au laser, percée de 199 fenêtres qui inondent l’espace de lumière naturelle.

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Ce que je fais m’apprend ce que je cherche.

Les secrets sont faits pour être révélés. L’art appartient au monde du mystérieux.

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Le Modulor, série de mesures du corps humain

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Le Modulor

Le Modulor est un système de mesure inventé par Le Corbusier, grand architecte suisse du courant moderne, et publié dans deux livres datant de 1950 et 1955. Le Corbusier estime que, pour que l'architecture soit harmonieuse et adaptée à ses occupants, les dimensions des bâtiments doivent s'inspirer du corps humain.

Le rêve de Le Corbusier est que l'utilisation de ces mesures permette une harmonie naturelle entre le corps humain et l'architecture. Selon lui, grâce à ces mesures, on peut trouver la bonne hauteur pour une chaise ou une table, pour la largeur d'un couloir ou les proportions d'une chambre.

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Ses oeuvres sont conçues à partir de systèmes mathématiques.

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Heinrich Füssli  (1741 -1825) est un peintre et écrivain d'art britannique d'origine suisse. Il montre très tôt dans sa carrière, un attrait particulier pour les sujets fantastiques, nouveaux à l'époque.

Un de ses tableaux les plus célèbres, dont il en existe trois versions, s'intitule : Le Cauchemar. Cette toile, peinte en 1781, semble dépeindre simultanément une femme rêvant et le contenu de son cauchemar.

Une femme est allongée sur un lit dont le drap déborde. Sa tête renversée est son visage blafard  indiquent son état d'évanouissement. Contrastant avec la blancheur quasi cadavérique du corps, une créature sombre est posée sur cette femme. Sorte de singe monstrueux,  il a deux grandes oreilles pointues et une dent aiguisée. Incarne t-il le Diable?
Un peu plus loin dans la profondeur du tableau, sortant des rideaux, une tête de cheval blanc. Comme une apparition fantomatique, l'animal aux yeux vides semble sans consistance réelle.

Comment Füssli provoque t-il la peur?

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Architecture moderne
Les 5 principes de LE CORBUSIER

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Exposition juillet/novembre 2019 à la Fondation Cartier.

"Il y a de l'arbre l'origine de toute expérience"
Emanuele COCCIA, philosophe

À l'origine du monde, il y a les arbres. Les scientifiques datent l'apparition du premier arbre entre 350 et 420 millions d'années avant notre ère. En comparaison, l'être humain n'a que 200 000 ans d'existence.

Les arbres sont les plus grands êtres vivants mais aussi les plus anciens, ils constituent une véritable mémoire de la vie terrestre.  Dotés de capacités extraordinaires, comme la capacité à produire l'oxygène que nous respirons, et pourvus de sensibilité, les arbres sot à la fois précieux et fascinants.

Il semble toujours y avoir un arbre dans l'histoire de chacun. Y a t-il un arbre dans la votre?

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Le BEAU est toujours bizarre. 1868

Charles BAUDELAIRE

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L'IMAGINATION EST PLUS IMPORTANTE QUE LE SAVOIR.

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L'IMAGINATION EST PLUS IMPORTANTE QUE LE SAVOIR.

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Albert EINSTEIN

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C'est dans l'Art que l'homme se dépasse définitivement lui-même. 1965

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C'est dans l'Art que l'homme se dépasse définitivement lui-même. 1965

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Simone DE BEAUVOIR