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30 architectures les plus folles à voir dans le monde

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L'Arc de Triomphe emballé par Christo , son œuvre ultime , l'artiste étant décédé en 2020 

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L'Arc de Triomphe emballé par Christo , son œuvre ultime , l'artiste étant décédé en 2020 

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Après le Pont-Neuf en 1985 ou le Reichtag de Berlin en 1995, c'est au tour de l'Arc de Triomphe d'être empaqueté par l'artiste Christo. Un peu plus d'un an après le décès de l'artiste et après deux reports, l'œuvre monumentale voit enfin le jour.

Deux grues, des échafaudages et des cages pour protéger l'Arc de Triomphe, il faudra jusqu'au 18 septembre pour installer l'œuvre. © Radio France / Cyrille Ardaud

L'artiste Christo a toujours refusé d'employer le terme "emballer". Lui "empaquetait" les monuments comme des cadeaux et offrait ses œuvres aux habitants et touristes des villes où il œuvrait. Un an après la mort de l'artiste bulgare naturalisé américain à l'âge de 84 ans, son ultime projet, peut-être celui qu'il avait le plus attendu, est en cours d'installation. Depuis le 15 juillet, l'Arc de Triomphe est en cours d'empaquetage sur la place de l'Étoile, en plein cœur de Paris.

La toile de 25 000 m² est cousue par une entreprise située à Lübeck, en Allemagne. / Wolfgang Volz - Christo and Jeanne-Claude Foundation

Pour le moment, sur le chantier, rien ne permet de dire que l'on assiste à une installation d'œuvre d'art : on dirait simplement des travaux de rénovation. Deux grues sont déployées, des échafaudages sont montés et des dizaines d'ouvriers s'activent. Pas la moindre trace de l'immense toile (25 000 m²) ou des quelques 3 000 mètres de cordages. L'heure est encore à la protection du monument, détaille Vladimir Yavachev. Le neveu de Christo est le chef d'orchestre de ce projet : "Le tissu arrivera une semaine avant l'ouverture du projet. Avant cela, il y a beaucoup de préparatifs, afin que le déploiement de la toile se déroule correctement et soit rapide."

Il faudra environ deux jours pour déployer la toile. Ensuite il faudra quatre ou cinq jours supplémentaires pour l'ajuster et installer toutes les cordes qui vont tenir l'œuvre.

La toile et les cordages arriveront au dernier moment sur le chantier, environ une semaine avant l'ouverture de l'œuvre. © Radio France / Cyrille Ardaud

La toile est fabriquée dans un matériau industriel : le polypropylène argent bleuté. Un tissu utilisé, par exemple, dans des filtres. Si certains pourraient s'inquiéter du poids environnemental d'une telle œuvre, les équipes de l'artiste assurent que la matière est entièrement recyclable. Vladimir Yavachev : "Rien n'est laissé, tout retournera à l'industrie. Et on ne le fait pas seulement pour des raisons environnementales, on le fait aussi pour des questions économiques : c'est un matériau très cher. Malheureusement on ne peut pas utiliser une toile recyclée pour des raisons de qualité. On a vraiment besoin d'être certains de la résistance du tissu."

Christo dans son atelier de New-York avec un croquis de son œuvre en septembre 2019. / Wolfgang Volz - Christo and Jeanne-Claude Foundation

L'œuvre, qui devrait être colossale, voit le jour après quatre ans de préparation et deux reports. Le premier après la découverte d'un nid de faucons crécerelles, le second en raison de la pandémie. Une œuvre que Christo a voulu populaire, accessible à tous et dans laquelle il ne faut y voir aucun message sociétal ou politique, l'artiste s'en est toujours défendu. En avril 2019 sur l'antenne de France Inter il évoquait l'empaquetage de l'Arc de Triomphe : "Ce sera comme un objet volant qui va bouger dans le vent, ce sera extra-ordinaire ! Il va refléter les changements du soleil. C'est une toile qui a beaucoup de plis qui est sensuelle et tactile."

Une page dans l'histoire de l'Arc de Triomphe

S'il a fallu quatre ans pour concrétiser le projet, l'idée est née bien avant dans l'esprit de l'artiste bulgare. Il en avait eu l'envie dès la fin des années 1950 mais ne l'avait pas proposé de peur qu'on lui refuse le projet. Plus de soixante ans après, voilà enfin cette création matérialisée, ultime œuvre et œuvre posthume de Christo. La symbolique est forte : l'amoureux de l'art gigantesque et éphémère aimait tout autant Paris, ville où il a vécu durant sept ans pour fuir sa Bulgarie natale. Mais c'est également une page importante dans l'histoire de l'Arc de Triomphe lui-même, selon Bruno Cordeau, l'administrateur du monument : " Tous ceux qui avaient vu le Pont Neuf en ont gardé un souvenir émerveillé et c'est ça qui va arriver à l'Arc de Triomphe : le souvenir d'une œuvre éphémère. Il faudra venir le vivre, venir se promener, sentir le rêve que c'est."

C'est une œuvre éphémère qui au bout de quinze jours à l'élégance de s'effacer. Alors si on on n'a pas aimé, deux semaines après on retrouve l'Arc de Triomphe comme avant.

"Ce monument est un lieu de fête. À chaque fois qu'une grande émotion traverse le pays c'est sur les Champs-Elysées que l'on se retrouve ! C'est un lieu de tourisme également, qui accueille 1,7 millions de visiteurs chaque année. Ce monument est multiple, alors ça nous semble normal d'accueillir une œuvre qui va rassembler."

Croquis du projet datant de 2020 / Christo V. Javacheff / Photo : André Grossmann

L'empaquetage de l'Arc de Triomphe devrait être extrêmement fidèle à la vision de Christo. Il y a réfléchi dans les moindres détails et a même pu tester sa vision sur une maquette quasiment à échelle réelle. Alors aujourd'hui son équipe n'a aucun mal à mettre en place tout ce que l'artiste désirait, Vladimir Yavachev raconte : "On sait exactement tous les détails qu'il voulait. Tout a été décidé de son vivant, il ne nous reste aucune marge de manœuvre, aucune interprétation artistique. Nous avons juste à suivre ses plans, son croquis."

Christo me manque énormément. Pas seulement pour les conseils et les indications qu'il pouvait nous donner, mais parce que j'aurais aimé voir ses réactions durant l'installation de l'œuvre. À cette heure, il serait très excité, comme un petit enfant.

Le projet a un coût total de 14 millions d'euros, sans aucun financement public ou privé. Tout est entièrement financé par la vente d'œuvres de Christo. Les travaux d'installation vont durer jusqu'au 18 septembre. L'empaquetage de l'Arc de Triomphe sera alors visible jusqu'au 3 octobre 2021. Quelque 300 médiateurs seront autour de l'œuvre pour l'expliquer et remettre un bout de toile aux visiteurs qui le souhaitent. D'ici là il est possible de suivre l'avancée du chantier dans un direct vidéo.

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L'Arc de Triomphe empaqueté, l'ultime œuvre de l'artiste Christo

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Après le Pont-Neuf en 1985 ou le Reichtag de Berlin en 1995, c'est au tour de l'Arc de Triomphe d'être empaqueté par l'artiste Christo. Un peu plus d'un an après le décès de l'artiste et après deux reports, l'œuvre monumentale voit enfin le jour.

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Quelques ateliers d'artistes célèbres à Paris

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1. L'atelier habité de la sculptrice Chana Orloff

Un jour de 1945, Chana Orloff (1888-1968) revient à Paris après quatre années d'exil en Suisse. Elle a réussi à échapper - de peu - à la rafle du Vél' d'Hiv' en filant en Suisse... Mais pas à la haine. Car lorsqu'elle retrouve enfin sa maison-atelier de la Villa Seurat dans le 14 ème arrondissement de Paris, tout est saccagé, profané : meubles, sculptures et portes sont en miettes. Aujourd'hui, l'ensemble a retrouvé son atmosphère accueillante, sa lumière. Un écrin de choix, signé par l'architecte Auguste Perret en 1926, composé d'un atelier sur rue (où Chana Orloff présentait ses sculptures, majoritairement des portraits), d'un espace de travail, d'une mezzanine (pour avoir toute une variété de points de vue sur ses œuvres) et d'un appartement privé à l'étage. Depuis le mois de janvier 2019, la maison-atelier est ouverte aux visiteurs - ceux-ci doivent s'inscrire préalablement et bénéficient d'un guide. L'atmosphère de travail a été soigneusement conservée : tables encombrées de bustes, bibliothèques chargées de portraits sculptés, et, aux murs, portraits dessinés, peints ou photographiés de Chana Orloff. La visite de son atelier rend hommage à sa vivacité, sa sympathie, sa force : de quoi nous rendre amoureux ! M.C.L

2. Delacroix intime dans son appartement-atelier

En plein cœur de Saint-Germain-des-Prés, niché dans un coin de la charmante et paisible place de Fürstenberg, se cache l'appartement qu'Eugène Delacroix choisit de louer à la fin de sa vie, notamment en raison de sa proximité avec l'église Saint-Sulpice, où œuvrait alors l'artiste. Si c'est au Louvre (auquel le musée est rattaché depuis quarante ans) qu'il faut se rendre pour admirer les grands chefs-d'œuvre du maître, dès l'entrée, les portraits de ses amis et de sa fidèle servante Jenny Le Guillou accrochés au mur donnent le ton : le peintre se raconte ici en toute intimité. Vous trouverez en effet dans l'appartement-atelier des pièces plus personnelles et émouvantes, comme son chevalet et sa palette, des objets rapportés du Maroc, des études ou un autoportrait de jeunesse. Invisible depuis la rue, c'est aussi un jardin de 500 m ², rénové en 2012, qui se découvre au fil de la visite, donnant sur l'élégante façade de l'atelier et offrant une délicieuse atmosphère champêtre en plein Paris. H.G.

3. Voyage dans le temps au musée Gustave Moreau

Le peintre, mort il y a plus d'un siècle, pourrait bien surgir de la tombe et sonner à sa propre porte qu'il ne remarquerait rien d'anormal. Car rien n'a changé dans cette maison-musée au charme 100 % Belle Époque et dans son atelier au majestueux escalier en spirale. La demeure du père fondateur du symbolisme, mouvement né du refus du rationalisme galopant de la fin de XIX e siècle, cette maison, donc, est la seule à Paris à avoir été transformée en musée par l'artiste qui y vivait. Outre ses pièces de vie au décor éclectique et foisonnant, cette bulle hors du temps présente sur quatre niveaux plus de 25 000 pièces, dont 15 000 de Gustave Moreau, accumulées du sol au plafond. Un lieu spectaculaire. D.B.

4. Au cœur de l'agitation, le rêve d'épure et de clarté de Brâncuși

Ne vous fiez pas à son apparence de bunker abandonné squatté par les pigeons du quartier, le bloc de béton gris sur la piazza du Centre Pompidou renferme des trésors de la sculpture moderne. Les ateliers parisiens de Constantin Brâncuși (1876-1957) y ont été reconstitués à l'identique selon son propre vœu, dévoilant à la fois des œuvres et leurs outils de création. L'occasion rêvée d'approcher au plus près du processus créatif de cet artiste précurseur qui inspira les surréalistes et le minimalisme. Et planer avec son Oiseau dans l'espace, forme oblongue d'une poésie infinie, ou succomber aux charmes de sa Muse endormie, ovale parfait d'un visage réduit à de simples lignes. Seul hic : la mise à distance imposée par les énormes vitrines de verre qu'il serait temps de repenser... D.B.

5. Le charme de la vie romantique chez Ary Scheffer

Surtout connu pour ses expositions et son agréable salon de thé en plein air, le musée de la Vie romantique, lové au fond d'une allée du quartier de la Nouvelle Athènes, est en réalité installé dans la maison d'un peintre célèbre en son temps : Ary Scheffer. Ce digne représentant de l'école romantique y recevait le Tout-Paris artistique du XIX e siècle : Eugène Delacroix, Théodore Géricault, Gioachino Rossini, Franz Liszt, Frédéric Chopin et George Sand comptaient parmi les habitués. Ce sont aujourd'hui les souvenirs personnels de cette dernière (on trouve notamment le moulage de son bras !) qui y sont exposés, aux côtés des œuvres d'Ary Scheffer et de pièces évoquant le souvenir d'Ernest Renan, qui épousa la nièce du peintre, le tout dans une scénographie signée Jacques Garcia restituant l'atmosphère de l'époque romantique. H.G.

6. Puissance et méditation au musée Bourdelle

Quand Antoine Bourdelle y installe son atelier en 1885, Montparnasse n'est pas le quartier artistique bouillonnant qu'il sera quelques décennies plus tard, et c'est un cadre propre à la méditation et à la création qu'il vient chercher. Et que retrouve le visiteur en déambulant dans le grand atelier au parquet usé, envahi de sculptures, de moulages d'antiques ou même d'une armure de samouraï, puis dans le jardin parsemé d'œuvres. Conformément au vœu de l'artiste, le lieu s'offre intact dans ce musée intime, qui présente également des allures de sanctuaire dans les espaces plus modernes, ajoutés en 1961 et 1992 pour accueillir les œuvres monumentales. Avec ses quelque 3 000 sculptures et ses milliers de dessins et photographies, c'est une plongée passionnante dans une vie marquée par les recherches stylistiques et plastiques. H.G.

7. Un ticket pour la vie de bohème, chez Suzanne Valadon

Auguste Renoir, Émile Bernard ou Raoul Dufy vécurent ici, dans la maison du Bel Air perchée au milieu des vignes de la butte Montmartre. Mais c'est une femme qui est aujourd'hui particulièrement célébrée sur tout un étage de ce qui est devenu le musée de Montmartre. Suzanne Valadon, modèle à ses débuts pour Edgar Degas ou Henri de Toulouse-Lautrec - dont elle fut aussi la maîtresse - se fit ensuite connaître pour sa peinture. C'est à cette adresse qu'elle vécut et travailla au tout début du XX e siècle aux côtés de son fils, autre figure mythique du quartier, Maurice Utrillo. Cartes postales épinglées au mur, amas chaotiques de toiles, ours en peluche élimé et vieux poêle à bois... Rien n'a été négligé par le scénographe Hubert Le Gall pour ressusciter de façon saisissante l'esprit de bohème, dans une version certes un peu théâtrale mais qui s'accorde à l'atmosphère de la place du Tertre, non loin... En contrebas, un joli jardin reconstitué selon des dessins d'Auguste Renoir complète l'illusion. H.G.

8. Un hôtel particulier pour découvrir Jean-Jacques Henner

Bien qu'il n'ait jamais vécu dans le musée qui porte son nom, avenue de Villiers, Jean-Jacques Henner était un familier de ce bel hôtel particulier où résidait le peintre académique et mondain Guillaume Dubufe. Le lieu majestueux et éclectique, agrémenté d'un somptueux jardin d'hiver, rénové il y a peu, est emblématique des demeures cossues édifiées à partir des années 1870 dans le nouveau quartier de la Plaine Monceau. Le velours des fauteuils, le bruissement du parquet et les pièces lambrissées, agrémentées d'une touche orientale, offrent un cadre idéal pour découvrir le parcours de Jean-Jacques Henner, de ses débuts alsaciens à sa consécration parisienne. À pas feutrés, on entre dans l'œuvre vaporeuse et délicate du peintre composée de portraits, de nus et de paysages idéalisés : Jean-Jacques Henner semble avoir trouvé dans ce musée, voulu par sa femme, le domicile parfait. H.G.

9. L'atelier de Claude de Soria : le secret le mieux gardé de Montparnasse

Il faut d'abord passer une grande porte cochère, puis une autre, plus petite, qui mène à une cour toute tranquille. C'est là que se trouve, à l'écart du tumulte de Montparnasse, l'atelier caché de Claude de Soria. L'artiste a occupé les lieux de 1973 à sa mort en 2015, menant toutes sortes d'expérimentations autour du ciment, son matériau de prédilection. C'est la fille de Claude, Pascale Bernheim, qui a eu à cœur de sortir l'atelier de son sommeil. Après un méticuleux inventaire de l'œuvre de sa mère (soit plus de 2 000 sculptures et dessins), elle y accueille désormais les visiteurs sur rendez-vous. Dans cette grande pièce immaculée, traversée de larges baies vitrées, on se laisse happer par la lumière. Rien, ou presque, n'a bougé. Dans la grande bibliothèque sont nichées des œuvres qu'on jurerait tout juste posées là par l'artiste... Une expérience hors du temps ! I.B.

10. Le musée Zadkine : un atelier niché dans un îlot de verdure

Près du jardin du Luxembourg, au bout d'une ruelle, se cache le petit musée dédié à Ossip Zadkine. C'est en 1928, après que le poids de ses œuvres a failli faire effondrer son précédent logement, que le sculpteur d'origine russe emménage dans cet atelier situé tout près du quartier de Montparnasse, où s'installaient alors de nombreux artistes émigrés. Dans l'étroite maison, le visiteur entre rapidement dans l'intimité de l'œuvre, au point de sentir le coup de burin d'un artiste parmi les rares à pratiquer la taille directe et qui tenait à ce que malvoyants et non-voyants puissent toucher ses sculptures. Épris de son bout de jardin, le sculpteur d'avant-garde vécut là avec sa femme une quarantaine d'années, ne pouvant imaginer vivre ailleurs que dans ce rapport direct de l'art à la nature. H.G.

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Les plus beaux ateliers d'artistes à visiter à Paris

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Se glisser dans l'intimité de l'artiste et percer les secrets de sa création, c'est le rêve qui habite tout atelier. Reconstitués ou laissés intacts,...

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De Ornans à Shangaï

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Exposé actuellement au musée d'Orsay et au Petit Palais, Yan Pei-Ming mêle avec talent l'histoire et l'actualité.
Voici comment germent ses idées, lui pour qui peindre est un véritable face-à-face avec la toile.

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du lundi au vendredi de 09h00 à 20h00.

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Yan Pei-Ming, faire corps avec la peinture

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Exposé actuellement au musée d'Orsay et au Petit Palais, Yan Pei-Ming mêle avec talent l'histoire et l'actualité.Voici comment germent ses idées, lui pour qui peindre est un véritable face-à-face avec la toile. nous contacter aide et contact contactez-nous par téléphone, courrier, email ou facebook. du lundi au vendredi de 09h00 à 20h00.

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"Le jeune noir à l'épée"Peinture de Puvis de Chavannes inspirant une création à Abd Al Malik

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"Le jeune noir à l'épée"Peinture de Puvis de Chavannes inspirant une création à Abd Al Malik

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Inspiré par le tableau Jeune noir à l’épée peint par Puvis de Chavannes, le rappeur, slameur, compositeur, écrivain et réalisateur Abd Al Malik en a fait le sujet d'une création poétique ancrée dans notre société actuelle, qu'il présente aujourd'hui à l'Opéra Comique !

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présenté par : Abd al Malik

Inspiré par le tableau Jeune noir à l'épée peint par Puvis de Chavannes, le rappeur, slameur, compositeur, écrivain et réalisateur Abd Al Malik en a fait le sujet d'une création poétique ancrée dans notre société actuelle, qu'il présente aujourd'hui à l'Opéra Comique !

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Le jeune noir à l'épée d'Abd Al Malik à l'Opéra Comique

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Inspiré par le tableau Jeune noir à l'épée peint par Puvis de Chavannes, le rappeur, slameur, compositeur, écrivain et réalisateur Abd Al Malik en a fait le sujet d'une création poétique ancrée dans notre société actuelle, qu'il présente aujourd'hui à l'Opéra Comique !

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A l'origine des couleurs primaires - Culture Prime

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Les expositions virtuelles proposées par le musée et son école ..

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Les arts en Europe au XVIIe siècle
de Nicolas Milovanovic.

" Grand siècle " en France, " Siècle d'or " aux pays-Bas et en Espagne, le XVIIe siècle est en Europe un moment d'extraordinaire floraison artistique.
Dans un contexte de controverse religieuse, alors que la guerre est quasi incessante dans un continent qui se reconfigure, l'époque est marquée par un épanouissement des arts sans pareil et des réalisations majeures en architecture, peinture, sculpture et arts décoratifs.

Héritier de la Renaissance, passionné par l'Antiquité et ses vestiges, le XVIIe siècle européen fait alors de la tradition classique sa langue commune. Il façonne de nouveaux vocabulaires stylistiques, explore de nouveaux sujets, il développe le goût pour les œuvres et les collections et dynamise la commande, le marché de l'art et ses nouveaux amateurs.
Ainsi, des grandes métropoles aux petites villes, des cours royales aux intérieurs modestes, des grandes créations aux simples almanachs, l'art est omniprésent et fascine une Europe aux temps troublés, faisant avant tout du " Grand Siècle ", le siècle des arts, le siècle des images.

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Expositions virtuelles | Ecole du Louvre

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L'Ecole du Louvre est un établissement d'enseignement supérieur qui dispense des cours d'histoire de l'art, d'archéologie, d'épigraphie, d'histoire des civilisations, d'anthropologie et de muséologie.

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Exposition NUAGE créée dans le cadre de la manifestation artiste et culturelle : "Marseille-Provence 2013"

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Marseille-Provence 2013

16 mai - 31 octobre 2013

Manifestation, subtile ou grandiose, du cycle de la vie, spectacle naturel inépuisable, constamment renouvelé et toujours différent, le nuage est un objet de fascination sans fin ; il concentre tous les attributs du merveilleux : l'insaisissable, la métamorphose, et par-dessus tout l'apesanteur ; il est d'emblée le plus efficace des ascenseurs d'imaginaire : celui qui nous permet de nous défaire de la gravité. Phénomène naturel, doté d'une matière paradoxale, combinaison de contraires et d'extrêmes (masse, transparence, opacité, vapeur, inconstance, profusion), le nuage apparaît dans toutes les cultures comme une manifestation hors norme, éternellement branchée sur l'infini : c'est l'objet métaphysique par excellence. Mais il est aussi, dans l'art, la poésie, la philosophie, ou la nimbologie, en vrai comme en rêve, le plus humain des corps célestes... Extraordinairement ambivalent, à la fois charnel et immatériel - comme le langage lui-même s'en fait si bien l'écho (de nimber à cumuler, ou même...obnubiler), le nuage entre ciel et terre se vit comme un messager.

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Manifestation, subtile ou grandiose, du cycle de la vie, spectacle naturel inépuisable, constamment renouvelé et toujours différent, le nuage est un objet de fascination sans fin ; il concentre tous les attributs du merveilleux : l'insaisissable, la métamorphose, et par-dessus tout l'apesanteur ; il est d'emblée le plus efficace des ascenseurs d'imaginaire : celui qui nous permet de nous défaire de la gravité.

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Croquis des projets "Grandeur paysage" de l'artiste Christo .

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Les récits d'Yvon Gordon Matta-Clark ____ " Pour notre première coll... aboration, je désirais une œuvre spécifique. C'est tout naturellement que Gordon me proposa de creuser le sol de la galerie. Il fallait certainement être un peu inconscient pour mettre en œuvre un tel chantier mais plus la date de l'exposition avançait, plus nous étions excités ! (...) Nous avons Gordon et moi creusé cassé le sol cimenté de la galerie puis creusé, creusé des jours durant. (...) Après avoir déblayé les morceaux du sol détruit, nous avons découvert une cave - qui était en fait la mienne et dont je ne m'étais jamais servi, puis avec les pioches et les pelles, nous avons continué à creuser ce trou jusqu'à quatre mètres de profondeur. Au fond, les ossements d'un cimetière de l'ancienne Cité gisaient sur le sol. Dans ce trou de 50 cm2, lorsque je regardais en hauteur, je ne pouvais m'empêcher de penser que l'un de nous deux était peut-être en train de creuser sa propre tombe. Toute la terre et les gravats remontés à la surface constituaient une véritable montagne dans la cave. C'était absolument spectaculaire. Pourtant ni le public ni les collectionneurs n'étaient vraiment au rendez-vous. " ____ Gordon Matta-Clark, Descending Steps for Batan (Rendez-vous, Sous-sol), 1977 © Donation Yvon Lambert à l'État français / Centre national des arts plastiques / Dépôt à la Collection Lambert, Avignon

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Les récits d'Yvon Gordon Matta-Clark ____ " Pour notre première coll... aboration, je désirais une œuvre spécifique. C'est tout naturellement que Gordon me proposa de creuser le sol de la galerie. Il fallait certainement être un peu inconscient pour mettre en œuvre un tel chantier mais plus la date de l'exposition avançait, plus nous étions excités !

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né le 22 juillet 1882 à Nyack dans l'État de New York et mort le 15 mai 1967 à New York. C'est un peintre et graveur américain appartenant au mouvement dit " Réalisme américain" .

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Cameron Jamie "La mémoire interne", 2007

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[Un jour = Une oeuvre]

Cameron Jamie, "Mémoire interne", 2007

"La mémoire interne", œuvre réalisée en 2007, fait apparaître davantage l’intérieur du corps que son enveloppe. La présentation à...

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offre un “tour virtuel” en vidéo pour découvrir son univers.

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Fermé pendant l'épidémie de coronavirus, le musée Ghibli propose pourtant à ses fans de rester en contact via les réseaux sociaux. Et même si on est loin des visites virtuelles et immersives que propose Google en partenariat avec certains musées nationaux, ces petits contenus vont sans doute plaire aux amoureux de l'univers imaginé par Miyazaki.

Depuis 3 semaines, la nouvelle chaîne YouTube du musée Ghibli dévoile des vidéos qui présentent différentes parties de son complexe, révélant des détails que seuls les touristes habituellement sur place peuvent voir.

Des vidéos relativement courtes (entre 30 secondes et une minute) et qui nous laissent un peu sur notre faim mais qui connaissent un beau succès avec plus de 150 000 vues en moyenne. Si actuellement, il n'y a que 4 vidéos disponibles, d'autres vont être ajoutées ces prochains jours, donc on vous encourage à suivre la chaîne YouTube si ça vous tente.

Une performance qui montre que, malgré le temps qui passe, les créations du célèbre studio japonais animent toujours les esprits. L'occasion de vous rappeler aussi cette autre idée créative du musée, dont les tickets d'entrée sont très originaux car ils intègrent des pellicules de ses différents films.

Volume 1

Volume 2

Volume 3

Volume 4

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Le musée Ghibli vous offre un "tour virtuel" en vidéo pour découvrir son univers

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Fermé pendant l'épidémie de coronavirus, le musée Ghibli propose pourtant à ses fans de rester en contact via les réseaux sociaux. Et même si on est loin des visites virtuelles et immersives que propose Google en partenariat avec certains musées nationaux, ces petits contenus vont sans doute plaire aux amoureux de l'univers imaginé par Miyazaki.

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Voyagez au fil de l'exposition de la British Library et découvrez une histoire de la magie.

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Harry Potter: A History of Magic - Google Arts & Culture

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Explore the wonders of the British Library exhibition

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Renie Spoelstra, « Misty Road, » 2014

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[Un jour = Une œuvre]

Renie Spoelstra, « Misty Road, » 2014

« Misty Road », 2014, à l’origine une vue prise depuis le bord d’une route, lors d’un séjour de l’artiste en Oregon aux États-Unis,...

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Jean-Luc Verna, « Mes petits amours », 1994

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[Un jour = Une œuvre]

Jean-Luc Verna, « Mes petits amours », 1994

« Mes petits amours « proposent une vision malicieuse et inhabituelle de petits cupidons, iconographie fréquemment utilisée dans...

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En raison de l'évolution de la situation sanitaire actuelle et suite aux indications du gouvernement français, le Palais de Tokyo se voit contraint de fermer ses portes au public jusqu'à nouvel ordre.
Nous regrettons bien évidemment cette situation et ne manquerons pas de vous tenir informés de l'évolution de cette situation. Nous vous remercions par avance de votre compréhension.

Nous espérons vous retrouver dès que possible au Palais de Tokyo.
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Sous la forme d'une sculpture spectaculaire, envahissante et gordienne, Henrique Oliveira joue avec l'architecture du Palais de Tokyo pour en faire surgir une oeuvre qui joue avec le végétal et l'organique. Le bâtiment lui-même semble être la matrice qui a donné naissance à ce volume en bois de " tapumes ", matériau utilisé en particulier dans les villes au Brésil pour construire les palissades de chantier.

Prenant la forme de peintures, sculptures ou installations, l'art hybride d'Henrique Oliveira convoque à la fois l'urbanisme et le végétal, l'organique et le structurel, mais aussi l'art et la science à travers des compositions où l'inattendu génère un univers teinté de fantastique.

À travers une forme d'anthropomorphisme architectural, Henrique Oliveira révèle l'ossature du bâtiment. Au Palais de Tokyo, il joue ainsi sur les données existantes et structurantes de l'espace à l'instar des piliers qu'il prolonge et démultiplie en vue de leur adjoindre une dimension végétale et organique, comme si le bâtiment prenait vie. L'artiste s'inspire entre autres d'ouvrages médicaux, plus particulièrement les études effectuées sur les pathologies physiques telles que les tumeurs. Par analogie formelle, ces excroissances ne sont pas sans rappeler les rhytidomes communs à l'écorce des arbres. La texture de cette installation en bois de " tapumes " renvoie inévitablement à certaines essences d'arbres des forêts tropicales humides d'Amazonie : les entrelacs et autres noeuds constituent des réseaux hors de contrôle, répondant à une logique que l'homme ne pourrait plus maîtriser.

Œuvres in situ / Anémochories Œuvres in situ / Anémochories

Henrique Oliveira

Diplômé de l'Université de São Paulo en 1997, l'artiste s'intéresse à la fluidité, à la combinaison et à la couleur des matériaux, ce qui confère à ses installations une certaine picturalité. À cet effet, Henrique Oliveira utilise le plus souvent des matériaux issus du contexte urbain brésilien, notamment le bois de " tapumes " provenant de petites palissades construites pour cercler et bloquer l'accès aux zones de chantiers. En utilisant ces éléments, il rend visible le côté endémique et parasitaire de ces constructions ; rappelant des tumeurs en bois, ses installations fonctionnent comme la métaphore des favelas qui poussent de façon organique, révélant par-là même la déliquescence dynamique du tissu urbain de São Paulo. S'inscrivant dans l'héritage artistique de Lygia Clark ou Hélio Oiticica, il utilise comme matériau premier le contexte même de la ville tentaculaire qui, dans son traitement et dans son apparition inattendue, déstabilise le visiteur dans sa perception de l'espace.

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À travers une forme d'anthropomorphisme architectural, Henrique Oliveira révèle l'ossature du bâtiment. Au Palais de Tokyo, il joue ainsi sur les données existantes et structurantes de l'espace à l'instar des piliers qu'il prolonge et démultiplie en vue de leur adjoindre une dimension végétale et organique, comme si le bâtiment prenait vie.

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Yazid Oulab, « Ascension », 2012

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[Un jour = Une œuvre]

Yazid Oulab, « Ascension », 2012

L’œuvre « Ascension » se découvre progressivement dans ses détails. De loin, mystérieuse et indéterminée, une faille parcourt le dessin sur...

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Visite virtuelle de l'exposition Andy WARHOL à la Tate Modern 

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Visite virtuelle de l'exposition Andy WARHOL à la Tate Modern 

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En VO : Anglais :)

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Le Centre Pompidou lance son premier jeu vidéo, "Prisme 7"

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Le Centre Pompidou lance son premier jeu vidéo, "Prisme 7"

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Ce jeu gratuit invite le public à découvrir et à interagir avec 40 œuvres majeures de la collection du Musée d’Art moderne.

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Prisme7 est le premier jeu vidéo de l'Institution parisienne, l'un des plus grands musées d'art moderne et contemporain du monde. Ce jeu gratuit, disponible à partir de ce vendredi, invite le public à découvrir et à interagir avec 40 œuvres majeures de la collection du Musée d'Art moderne.

"Prisme 7" reprend des œuvres et des décors du musée parisien © Centre Pompidou

Autour du thème de la couleur et de la lumière, chaque joueur progresse dans la connaissance des œuvres de manière très originale.

Le jeu lui-même est artistique. Car l'avatar du joueur n'est pas un visiteur humanoïde ou une classique hybridation animale, il prend une forme de molécules lumineuse, fantomatique, qui se déplace magiquement dans des univers dont l'esthétique est inspirée par des œuvres d'artistes.

Sur fond de design sonore planant, créé par l'IRCAM, on s'immerge dans l'univers de Kandinsky pour ressentir la couleur comme force spirituelle où on plonge dans la foule urbaine (ça fait du bien par temps de confinement) de l'univers très coloré de Gérard Fromanger pour ressentir la puissance de la couleur sur le thème de l'engagement.

"Ce jeu que nous avons imaginé, est une exploration ludique et créative pour découvrir les œuvres du Centre Pompidou, sous forme de jeu de puzzle", explique Patrice Chazottes, directeur adjoint en charge des publics au Centre Pompidou. "On y avance par étapes et on approche et aborde telle ou telle œuvre ou tel artiste. On a intégré dans ce jeu une quarantaine d'œuvres, de Miro, 'l'Arlequin' de Picasso à Mondrian, etc."

À travers ce jeu vidéo, le Centre Pompidou poursuit avec inventivité et audace sa volonté de s'ouvrir à tous les publics, à démocratiser l'accès à l'art. "Notre volonté c'est de toucher aussi un public différent de celui du Centre Pompidou, mais aussi le public du Centre Pompidou" confirme Patrice Chazottes. "C'est aussi un outil pédagogique formidable car il consiste à atteindre, étape par étape, une connaissance de l'art moderne et contemporain."

Découvrir les œuvres du Centre Pompidou, sous forme de jeu de puzzle / Centre Pompidou

Dérive dans le ventre du musée

Le jeu nous conduit devant les œuvres de Niki de Saint Phalle ('TIR' tableau-performance crée à partir de poches de peinture qu'elle fait exploser en leur tirant dessus à la carabine), les architectures abstraites de Donald Judd ou encore le Rhinocéros de Xavier Veilhan.

Et l'on se retrouve projeté au cœur du Centre Pompidou. Notre forme de molécule lumineuse se glisse dans les escalators et carrément dans les iconiques tuyaux de Renzo Piano et Richard Rodgers.

Une Immersion dans l'art ludique et très poétique. Ou comment aborder l'art sans complexe, en solo ou en famille.

Une quarantaine d'œuvres ont été intégrées dans le jeu / Centre Pompidou

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Le Centre Pompidou lance son premier jeu vidéo, "Prisme 7"

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Prisme7 est le premier jeu vidéo de l'Institution parisienne, l'un des plus grands musées d'art moderne et contemporain du monde. Ce jeu gratuit, disponible à partir de ce vendredi, invite le public à découvrir et à interagir avec 40 œuvres majeures de la collection du Musée d'Art moderne.

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Installation de C.Boltanski " Les images noires"

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Le saviez-vous ? Les récits d'Yvon Lambert ____ Richard Tuttle, Any ... Three Colors on My Mind, 1973 " Il m'est toujours difficile de parler de Richard Tuttle tant ma compréhension de son œuvre passe presque uniquement par la tendresse. J'aime tout son travail depuis trente ans et je ne peux rien dire de plus. En voyant sur mes murs ces œuvres faites de "bouts de ficelle", de quelques traits de crayons mêlés à des traces de pinceaux, je sais que tout cela repose sur le presque rien, je m'en moque. C'est ce presque rien si subtil qui m'émeut tant. " ____ Richard Tuttle, Any Three Colors on my Mind, 1973 © Collection Privée / Dépôt à la Collection Lambert, Avignon

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Le saviez-vous ? Les récits d'Yvon Lambert ____ Richard Tuttle, Any ... Three Colors on My Mind, 1973 " Il m'est toujours difficile de parler de Richard Tuttle tant ma compréhension de son œuvre passe presque uniquement par la tendresse. J'aime tout son travail depuis trente ans et je ne peux rien dire de plus.

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est un projet international, participatif et créatif de l’association Art of Change 21 sur le lien entre la santé et l'environnement.

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maskbook

Maskbook est un projet international, participatif et créatif de l'association Art of Change 21 sur le lien entre la santé et l'environnement.

maskbook Spécial Covid-19 cliquez ici

Lancé en 2015 à l'occasion de la COP21, Maskbook vise à sensibiliser le grand public à la pollution de l'air, au réchauffement climatique, aux pandémies et aux autres grands enjeux reliant la santé et l'environnement.
Il utilise le masque de protection comme symbole. Avec Maskbook, l'image potentiellement anxiogène du masque de protection est renversée pour devenir une expression d'optimisme et d'engagement.

Maskbook est une véritable œuvre d'art collective et engagée constituée de portraits masqués du monde entier. La galerie en ligne de portraits masqués sur Maskbook.org rassemble les 1000 plus beaux portraits sélectionnés parmi près de 6 000 participants venant de plus de 30 pays à travers le monde.

Chaque masque est une création personnelle, faite à partir de récup' ou de manière digitale. Il porte un nom, il est unique et incarne le message de son créateur face à la crise environnementale.

Les ateliers Maskbook rassemblent des milliers de participants dans le monde. Près de 2 00 ateliers ont été organisés dans plus de 20 pays à travers le monde, en Inde, Equateur, Corée du Sud, Chine, Kenya, Allemagne, Belgique, France ...

maskbook Spécial Covid-19 cliquez ici

Un atelier Maskbook est une occasion de pratiquer l'économie circulaire, mais aussi, plus globalement, de faire un premier pas d'action pour l'environnement, via la "créativité engagée".
80% des participants à un atelier Maskbook affirment avoir été plus optimistes sur la capacité des citoyens à résoudre la crise environnementale. 70% des répondants ont déclaré que Maskbook avait influencé leur comportement en faveur de l'environnement et favorisé, d'une manière ou d'une autre, un " écogeste ".
Maskbook est un projet universel, inclusif et accessible à tous. Le masque existe dans tous les continents et résonne dans toutes les cultures : de Paris au bidonville de Kangemi à Nairobi, des bateaux nomades des Badjaos à Bornéo aux habitants de Shanghai, en passant par des jeunes Népalais à Pokhara, chaque expérience Maskbook mobilise le plaisir de créer et le besoin de s'exprimer que chaque être humain porte en lui.

Maskbook s'appuie sur un réseau mondial de partenaires dans le domaine de l'environnement, de l'éducation, de l'art, constitué de tous ceux qui organisent des ateliers Maskbook dans le monde, en suivant la charte Maskbook.

Masktrotter, le nouveau volet plus mobile et individuel de Maskbook, se déploie pleinement en 2018. Masktrotter est un moyen de rendre la participation au Maskbook encore plus nomade, inclusif et à l'échelle humaine : les globe-trotters, au gré de leurs rencontres dans les régions les plus éloignées, proposent des ateliers individuels aux personnes locales, favorisant un dialogue interculturel sur le réchauffement climatique. Masktrotter ambitionne également à développer des nombreuses collaborations avec les peuples premiers, et collabore déjà avec le célèbre photographe Pierre de Vallombreuse, parrain de Masktrotter.

Soutenu depuis 2016 par l' ONU Environnement (Programme des Nations Unies pour l'Environnement) et depuis 2015 par la Fondation Schneider Electric, Maskbook a été labellisé COP21 et COP22 et est parrainé par le Ministère français de la Culture.

Participez

En solitaire, collectivement, via des événements spéciaux ou en voyage, les moyens de participer à Maskbook sont nombreux !
Premier pas : rejoignez le mouvement, entrez dans la galerie
Rejoignez les plus grands environnementalistes, artistes et citoyens engagés, dans la galerie de portraits Maskbook.

Il vous suffit de réaliser un masque de manière créative écologique, de vos propres mains à partir de déchets ou encore de manière digitale. Prenez-vous ensuite en photo en portant le masque !
Second pas : organisez un atelier
Faites partager ce moment convivial qui permet à tous de s'impliquer pour l'environnement et d'explorer le lien entre l'art et le développement durable, par le DIY et la créativité. Un atelier Maskbook est très modulable et les ingrédients sont facile à trouver : ce sont vos déchets ! Regardez ici pour plus d'informations.

Troisième pas : devenez partenaire, intégrez notre équipe, ou bien apportez votre soutien financier !

L'aventure ne fait que commencer !

Un projet né lors du Conclave d'Art of Change 21

Le projet Maskbook est né lors du Conclave d'Art of Change 21, une rencontre internationale de co-création qui a eu lieu à la Gaîté Lyrique à Paris en 2014, en amont de la COP21.

Ce Conclave, organisé par Art of Change 21, a réuni des personnalités du monde entier, des artistes, des entrepreneurs sociaux et des jeunes engagés.

L'artiste et photographe chinoise Wen Fang, invitée de ce Conclave d'Art of Change 21 et personnellement concernée par la pollution de l'air à Pékin, a eu l'idée de cette action, non sans humour : " en Chine, comme nous portons tous des masques contre la pollution, Facebook devrait s'appeler Maskbook ! "

Wen Fang joue aujourd'hui un rôle central dans le projet. Elle anime régulièrement des ateliers Maskbook en Asie.

DOCUMENT DE PRESENTATION

Télécharger le document de présentation Maskbook, ici.

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Maskbook est un projet international, participatif et créatif de l'association Art of Change 21 sur le lien entre la santé et l'environnement. Lancé en 2015 à l'occasion de la COP21, Maskbook vise à sensibiliser le grand public à la pollution de l'air, au réchauffement climatique, aux pandémies et aux autres grands enjeux reliant la santé et l'environnement.

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À l'image du château de Versailles ou encore du Louvre, le musée d'art moderne et contemporain Tate Modern de Londres, lui aussi, met à disposition ses ressources. C'est ainsi le cas de l'exposition Andy Warhol, qui a débuté dans la capitale britannique le 12 mars, soit quelques jours avant les mesures de confinement quasi-mondiales.

C'est avec une vidéo d'exactement six minutes et 59 secondes que nous plongeons virtuellement dans l'exposition qui met à l'honneur le roi du pop art. Ce n'est peut-être pas une visite dans la vie réelle, mais c'est néanmoins une chance de se familiariser de plus près avec le travail de Warhol, et ceci, avec les commentaires de guides qui livrent secrets et anecdotes sur chacune des œuvres de l'artiste.

" Organiser une exposition sur Andy Warhol de nos jours signifie affronter un monde où chacun a une projection mentale de l'artiste et de sa production ", ont déclaré à The Guardian les commissaires d'exposition Gregor Muir et Fiontán Moran. " Tout le monde possède Warhol. Il est l'un de ces rares artistes qui transcende le monde de l'art, étant considéré comme l'un des artistes les plus célèbres des États-Unis, voire l'un des Américains les plus célèbres. Au fil du temps, Warhol est devenu - et est toujours - une grande marque, et c'est exactement ce qu'il voulait ", analysent-ils.

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Vous pouvez visiter virtuellement l'exposition Andy Warhol à la Tate Modern

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À l'image du château de Versailles ou encore du Louvre, le musée d'art moderne et contemporain Tate Modern de Londres, lui aussi, met à disposition ses ressources. C'est ainsi le cas de l'exposition Andy Warhol, qui a débuté dans la capitale britannique le 12 mars, soit quelques jours avant les mesures de confinement quasi-mondiales.

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Hélène Delprat

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[Un jour = Une œuvre]

Hélène Delprat, « Deuxième acte », 2011

Dans les quatorze dessins acquis par le fracpicardie, des silhouettes officient dans un ballet étrange, mêlant figures aristocratiques,...

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Voir un raton laveur se nettoyer les pattes dans les rivières de Saint-Pétersbourg ou une pieuvre tomber d’un bus de la ville serait un spectacle surprenant pour la plupart des citadins...

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Voir un raton laveur se nettoyer les pattes dans les rivières de Saint-Pétersbourg ou une pieuvre tomber d'un bus de la ville serait un spectacle surprenant pour la plupart des citadins. L'artiste Vadim Solovyov réalise des scènes surréalistes en imaginant des corbeaux massifs, des pingouins et des caméléons envahissant la ville russe.

Alors que de nombreuses compositions présentent les animaux dans la Nature, certaines les placent dans des espaces généralement occupés par les humains, comme un paresseux derrière le comptoir couvert de bonbons d'une épicerie.

Solovyov explique qu'il a commencé cette série surréaliste comme un moyen d'explorer des événements étranges dans sa vie réelle. Par exemple, il a déclaré que le raton laveur géant et ses homologues présumés "traversaient tranquillement la ville déserte du soir jusqu'aux berges et se rinçaient timidement les pattes dans l'eau. Complètement. Pas moins de 20 secondes ", ce qui fait référence aux suggestions actuelles de lavage des mains pour empêcher la propagation du COVID-19.

L'artiste dit qu'il valorise également les composantes visuelles et textuelles de son travail.

"Les animaux géants ne sont qu'une des caractéristiques de ce monde. Leur origine, l'histoire du monde lui-même se retrouvent dans des fragments de textes sous les publications. De nombreuses publications existent dans le contexte d'événements réels dans ma ville et mon pays."

"A travers mon travail, je transmets souvent de manière voilée (et parfois bizarre) des enjeux ou des problèmes de société (attitude envers les animaux, politique, défauts sociaux) importants pour moi. Mais cela, bien sûr, n'exclut pas le fait que certaines œuvres sont un "jeu visuel" ironique sans significations profondes supplémentaires."

Pour la collection complète de son animalerie géante et de leurs histoires respectives, rendez-vous sur le compte Instagram de Solovyov.
Vadim Solovyov
Les Animaux sauvages géants de Vadim Solovyov errent dans les Rues de Russie Click to Tweet

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Les Animaux sauvages géants de Vadim Solovyov errent dans les Rues de Russie

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Voir un raton laveur se nettoyer les pattes dans les rivières de Saint-Pétersbourg ou une pieuvre tomber d'un bus de la ville serait un spectacle surprenant pour la plupart des citadins. L'artiste Vadim Solovyov réalise des scènes surréalistes en imaginant des corbeaux massifs, des pingouins et des caméléons envahissant la ville russe.

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took her last breath. The building, which dates to 1904, was not a large-scale construction. Today it has an 800 m2 building surrounded by property measuring 1200 m2. Diego and Frida filled it with color, folk art, and pre-Hispanic pieces to show their admiration for the peoples and cultures of Mexico. The construction underwent two major modifications. When Russian revolutionary Leon Trotsky lived with Diego and Frida in 1937, the property today occupied by the garden was purchased. In 1946 Diego Rivera asked Juan O'Gorman to build Frida's studio. The interior of the house has been maintained virtually intact. This was respected by the poet and the couple's friend, Carlos Pellicer, who designed the museum display for the space after Frida's death. Therefore, the house and its contents preserve that intimate atmosphere.

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Museo Frida Kahlo, Mexico, Mexico - Google Arts & Culture

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took her last breath. The building, which dates to 1904, was not a large-scale construction. Today it has an 800 m2 building surrounded by property measuring 1200 m2.

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La salamandre est l'animal-emblème du roi François I er.

La tradition veut que ce batracien, invulnérable, soit capable de vivre dans les flammes et d'éteindre le feu.

La devise du roi " Je me nourris du bon feu et j'éteins le mauvais feu " est une invitation à la tempérance : elle recommande au jeune prince de ce nourrir au doux feu de la sagesse et de réfréner les mauvais actes. Elle suggère également que le souverain dispose du pouvoir d'éteindre le mal et de nourrir le bien...

La salamandre est sculptée des centaines de fois à Chambord : sur les voûtes, les portes, les souches de cheminées, les chapiteaux, etc. Elle est même dessinée dans une pièce un peu secrète du château.

Savez-vous qu'elle y est représentée sous deux formes, en lien avec la devise du roi ? Tantôt elle crache de l'eau pour éteindre le mauvais feu, tantôt elle avale le bon feu !

Jouons avec la salamandre !

► Points à relier.

Que fait cette salamandre : crache-t-elle de l'eau ou avale-t-elle le bon feu ?

► Pas à pas : dessine-moi une salamandre !

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Activités à faire chez vous ! | Château de Chambord

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La salamandre est l'animal-emblème du roi François I er. La tradition veut que ce batracien, invulnérable, soit capable de vivre dans les flammes et d'éteindre le feu. La devise du roi " Je me nourris du bon feu et j'éteins le mauvais feu " est une invitation à la tempérance : elle recommande au jeune prince de ce nourrir au doux feu de la sagesse et de réfréner les mauvais actes.

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[Un jour = Un atelier]

Un peu de pratique pour découvrir l’œuvre "Une famille II" de Jean-Michel Alberola autrement.
Atelier à imprimer ou à réaliser sur une feuille libre.

A vos crayons....

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Voyager vers des musées dans le monde entier 

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Voyager vers des musées dans le monde entier 

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Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

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Le résultat est une ligne de tables, de sièges, d'étagères et d'un luminaire composée presque entièrement de tubes en papier calque imbibés d'eau de riz.
Pour assurer la robustesse de ses créations, Pao Hui Kao fait varier le diamètre de ses rouleaux. En séchant, l'eau de riz rigidifie chaque élément.

" L'eau n'est généralement pas la bienvenue dans le monde du papier, j'ai réalisé, cependant, que lorsque l'eau est absorbée par le papier, elle apporte du pouvoir à la structure interne. "
Pour en savoir plus : Pao Hui Kao Photos © Pao Hui Kao

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Collection de mobilier en papier calque par Pao Hui Kao - Journal du Design

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Quand la designer Pao Hui Kao s'est rendue compte qu'elle était allergique à certains pigments et revêtements utilisés dans les meubles de grande distribution, elle a décidé de réaliser sa propre collection. Le résultat est une ligne de tables, de sièges, d'étagères et d'un luminaire composée presque entièrement de

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L'artiste japonaise Ayumi Shibata qui a choisi le papier comme base de son art, construit des villes et des paysages miniatures, au relief inouï.

Ayumi Shibata et le papier

Ayumi Shibata est une artiste japonaise connue pour ses créations minutieuses réalisées à partir de simples feuilles de papier blanc. L'artiste affirme dans une interview accordée à Colossal qu'elle n'utilise pas de contour au crayon, principalement parce que le papier blanc qu'elle utilise n'est pas assez résistant pour subir les coups de gomme en cas d'erreur. Au lieu de cela, elle envisage les formes tridimensionnelles qu'elle veut créer et commence à couper. " Le papier blanc exprime le yang, la lumière et le processus de coupe exprime le yin, l'ombre. Lorsque le soleil brille sur un objet, une ombre naît ", dit-elle. "Avant et arrière, yin et yang, deux faces de la même pièce."

Des créations féeriques

L'artiste construit des paysages urbains naturels complexes pouvant aussi bien tenir dans la paume de sa main qu'être aussi grands qu'un homme. À l'aide de dizaines de couches de papier pour un seul projet, Ayumi Shibata découpe des maisons miniatures, des nuages ​​et des forêts remplies d'arbres qui sont finalement soit éclairés dans des récipients en verre, stockés dans des livres ou érigés dans des installations à grande échelle.

L'artiste Japonaise réalise donc des œuvres aussi somptueuses que poétiques aux matériaux authentiques. En effet l'artiste affirme que les matériaux choisis font référence à la relation délicate que les humains ont avec notre environnement et les forces naturelles de notre monde, tout en se rapportant à la traduction japonaise du "papier". Sur le site de l'artiste, on peut notamment y lire ces quelques phrases :

" Kami est le mot japonais qui signifie "dieu", "divinité" ou "esprit"; mais cela signifie aussi "papier". Kami réside dans la nature. Ces esprits habitent dans le ciel, dans le sol, dans le vent ainsi que dans divers objets tels que les vieux arbres, les gros rochers et les créations artificielles. Kami se déplace librement au-delà du temps, de l'univers et des lieux, apparaissant lors d'événements, ainsi que dans nos maisons et nos corps. Ces esprits habitent également dans le papier. Dans la religion shintoïste, le papier blanc est considéré comme un matériau sacré. "

En utilisant ce matériau chargé de significations, Ayumi Shibata tente de construire un dialogue sculptural et poétique sur la façon dont nous nous relions et répondons à notre monde naturel.

Vous êtes fascinés par l'art du découpage du papier ? Lisez également notre article sur Pippa Dyrlaga, artiste aux créations toutes aussi incroyables et minutieuses.

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L'artiste japonaise Ayumi Shibata qui a choisi le papier comme base de son art, construit des villes et des paysages miniatures, au relief inouï. Ayumi Shibata est une artiste japonaise connue pour ses créations minutieuses réalisées à partir de simples feuilles de papier blanc.

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Visite virtuelle l'exposition Andy Warhol à la Tate Modern

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Visite virtuelle l'exposition Andy Warhol à la Tate Modern

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À l'image du château de Versailles ou encore du Louvre, le musée d'art moderne et contemporain Tate Modern de Londres, lui aussi, met à disposition ses ressources. C'est ainsi le cas de l'exposition Andy Warhol, qui a débuté dans la capitale britannique le 12 mars, soit quelques jours avant les mesures de confinement quasi-mondiales.

C'est avec une vidéo d'exactement six minutes et 59 secondes que nous plongeons virtuellement dans l'exposition qui met à l'honneur le roi du pop art. Ce n'est peut-être pas une visite dans la vie réelle, mais c'est néanmoins une chance de se familiariser de plus près avec le travail de Warhol, et ceci, avec les commentaires de guides qui livrent secrets et anecdotes sur chacune des œuvres de l'artiste.

" Organiser une exposition sur Andy Warhol de nos jours signifie affronter un monde où chacun a une projection mentale de l'artiste et de sa production ", ont déclaré à The Guardian les commissaires d'exposition Gregor Muir et Fiontán Moran. " Tout le monde possède Warhol. Il est l'un de ces rares artistes qui transcende le monde de l'art, étant considéré comme l'un des artistes les plus célèbres des États-Unis, voire l'un des Américains les plus célèbres. Au fil du temps, Warhol est devenu - et est toujours - une grande marque, et c'est exactement ce qu'il voulait ", analysent-ils.

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Vous pouvez visiter virtuellement l'exposition Andy Warhol à la Tate Modern

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À l'image du château de Versailles ou encore du Louvre, le musée d'art moderne et contemporain Tate Modern de Londres, lui aussi, met à disposition ses ressources. C'est ainsi le cas de l'exposition Andy Warhol, qui a débuté dans la capitale britannique le 12 mars, soit quelques jours avant les mesures de confinement quasi-mondiales.

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Découvrir des œuvres avec humour

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A Musée Vous, A Musée Moi - de Warhol à Vermeer - Séries et fictions | ARTE

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Cette série courte revisite avec humour les tableaux les plus célèbres du monde entier. De “La Joconde” à la “Marilyn” d’Andy Warhol, les personnages de ces toiles de maîtres s’animent au travers de sketchs loufoques et décalés, dans des décors et costumes scrupuleusement reconstitués.

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La Biodiversity Heritage Library vient d'enrichir sa base de données en libre accès. Les internautes peuvent désormais consulter et télécharger librement plus de 150 000 archives numérisées en haute résolution.
Considérée comme la plus grande archive numérique en libre accès au monde consacrée à la vie sur Terre, la Bibliothèque du patrimoine de la biodiversité recense des dizaines de milliers de croquis d'animaux, de diagrammes historiques, d'études botaniques et de diverses recherches scientifiques tirés d'ouvrages et de documents provenant des bibliothèques du monde entier.

Lire aussi Plongez au coeur de l'histoire de Nadar, le tout premier photographe

Dans un effort visant à élargir l'accès à ces documents historiques et à promouvoir la collaboration afin de lutter contre la crise climatique que connait notre planète, le site recense une collection de plus de 55 millions de pages tirées d'ouvrages et documents historiques, dont certaines remontent au XVe siècle. Au total, ce sont plus de 150 000 illustrations numérisées en haute résolution qui sont disponibles en téléchargement gratuit.

Parmi les collections, on trouve une copie numérique de The Zoological Sketches de l'allemand Joseph Wolf, deux volumes contenant une centaine de lithographies représentant des animaux sauvages hébergés dans le Regent's Park de Londres, que Wolf a dessinés et peints au milieu du XIXe siècle. Parmi les autres œuvres méritant le coup d'œil, on retrouve également des aquarelles représentant les fleurs indigènes des îles hawaïennes, ou encore un guide destiné aux apprentis taxidermistes, datant de 1833.

La bibliothèque numérique offre également différents outils, comme des fonctions de recherche avancées pour rechercher spécifiquement des documents ayant trait à certaines espèces ou la possibilité de suivre les conversations en ligne relatives aux ouvrages et documents accessibles.

Pour profiter d'un florilège de ces documents historiques, vous pouvez également consulter les pages et de la Biodiversity Heritage Library.

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150 000 illustrations botaniques et animales sont désormais téléchargeables gratuitement

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La Biodiversity Heritage Library vient d'enrichir sa base de données en libre accès. Les internautes peuvent désormais consulter et télécharger librement plus de 150 000 archives numérisées en haute résolution.

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Visite Virtuelle de la maison de de Monet 

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Visite Virtuelle de la maison de de Monet 

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La Maison de Monet à Giverny est la destination idéale pour un week-end printanier à la rencontre des paysages qui ont inspiré les toiles impressionnistes de Claude Monet. Le lieu de villégiature du peintre, de 1883 à 1926, rouvre ses portes le 1er avril prochain.

Le lieu idéal pour un week-end de printemps

Le 29 avril 1883, Claude Monet s'installe à Giverny. Autour de lui, une nature verdoyante qui inspire ses plus beaux tableaux impressionnistes. Les nymphéas lavande qui naissent dans l'étang, les fleurs dont il s'éprend et auxquelles il offre un écrin somptueux, discipliné et original, le saule pleureur qui ondule au gré du vent... Cette flore luxuriante, Claude Monet, passionné de plantes, l'entretient et la met en valeur jusqu'à sa mort en décembre 1926. Le peintre, assisté de ses nombreux paysagistes et jardiniers, a réussi à mettre en scène le Clos Normand et le Jardin d'Eau, deux jardins d'une extrême diversité qui invitent à la rêverie et évoquent sa peinture, à la fois vibrante et lumineuse. Rosiers, pivoines, nymphéas, vivaces... C'est une véritable expérience visuelle et sensorielle qui attend les visiteurs, invités à pénétrer au coeur de l'imaginaire du peintre. Après cette balade dans les jardins, la visite se termine au sein de la maison de Claude Monet et de sa famille, où la couleur est de mise. La salle à manger captive par ses dominantes de jaune tandis que la cuisine, recouverte de carrelage de Rouen, mise sur le bleu, vibrant. Enfin, le coup d'oeil est de mise dans l'atelier primitif du peintre, transformé aujourd'hui en salon, qui abrite de nombreuses reconstitutions de ses plus célèbres toiles.
Fondation Claude Monet Giverny, 84 rue Claude Monet 27620 Giverny https://fondation-monet.com/giverny/la-maison-de-monet/ Retrouvez aussi sur Vogue.fr :
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La Maison de Monet à Giverny rouvre ses portes

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La Maison de Monet à Giverny est la destination idéale pour un week-end printanier à la rencontre des paysages qui ont inspiré les toiles impressionnistes de Claude Monet . Le lieu de villégiature du peintre, de 1883 à 1926, rouvre ses portes le 1er avril prochain.

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10 Chefs-d’œuvres pour célébrer le printemps

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10 Chefs-d’œuvres pour célébrer le printemps

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Ah le printemps ! Saison du renouveau, de l'espoir, du retour des couleurs, des coeurs qui battent la chamade et des champs fleuris. Comme l'automne, elle représente une période de changement et comme l'automne, elle inspire les meilleurs artistes.

De Botticelli à Magritte, de la Renaissance au surréalisme, l'interstice printanière a consommé la palette des plus grands peintres. Un défilé de couleurs sur toile qui représente les différentes facettes symboliques habillant la 1ère des belles saisons, celle des amours.

Le Printemps, Sandro Botticelli (env. 1482)

L'une des plus fameuses peintures du maître italien n'est pas seulement une représentation de la douce saison, quoique les interprétations varient. La plupart des spécialistes y voient une allégorie du mariage. Qu'est-ce qui le rend possible, qu'est-ce qui le rend impossible ? A découvrir au Musée des Offices de Florence !

Le Printemps, Giuseppe Arcimboldo (1573)

2ème tableau de la série Les Saisons, Le Printemps d'Arcimboldo représente un portrait de profil, composé de fruits et légumes typiquement printaniers.

La série est une glorification des Habsbourg. Ses éléments reflètent la vastitude des terres en possession de la maison et les 4 saisons sa pérennité. A voir à l'Académie royale des beaux-arts de Madrid.

Pommiers en fleurs, John Everet Millais (1859)

Peinture d'ambiance aux couleurs chatoyantes, la toile fleure bon les premiers rayons réchauffants de l'année ! Les Pommiers en Fleur de John Everet Millais sont exposés à la Lady Lever Art Gallery de Liverpool.

Printemps, Claude Monet (1872)

Oeuvre majeur du courant impressionniste, Le Printemps, connu également sous le nom de La Liseuse, évoque une jeune fille que George Sand décrit dans une de ses correspondantes. Le tableau est conservé au Walters Art Museum à Baltimore.

Les Petits Prés au printemps, By, Alfred Sisley (1881)

Lorsque l'artiste anglais doit laisser la commune de Sèvres pour des raisons de difficulté financière, dans la banlieue de Paris, pour déménager à Moret-sur-Loin, en Seine-et-Marne Sèvres, son oeuvre atteint une vitalité et une fraîcheur inédites. Actuellement à la National Gallery de Londres !

Pêcher en fleur, Vincent Van Gogh (1888)

Partie éclatante de la série de peintures "Vergers fleurissants", la toile de Vincent Van Gogh a été créée en 1988 et est visible au Musée Van Gogh d'Amsterdam.

Amandier en fleurs, Vincent Van Gogh (1890)

Décidément inspiré par les beaux jours, l'artiste hollandais a peint des branches d'amandier, symbole de vie, en hommage à son neveu nouveau-né. La toile aux accents japonisants appartient également au Musée van Gogh.

Jardin de campagne, Gustave Klimt (1907)

Gros plan tantôt sur un bouquet floral tantôt sur l'abondance créative du peintre symboliste autrichien ! "Jardin de campagne" reprend les couleurs traditionnellement attribuées au printemps et les grossit, pour un résultat saisissant.

Une chanson de printemps, John William Waterhouse (1913)

Appartenant à un collecteur privé, la toile romantique de John William Waterhouse s'expose en toute légèreté !

Le Printemps, Magritte (1965)

Last but not least, René Magritte ! Avec non pas une peinture unique, mais une lithographie à 300 exemplaires. Comme bien d'autres oeuvres de cette liste, celle-ci a été sobrement intitulée "Le Printemps. Comme toutes les autres, elle symbolise le renouveau associé à la saison de tous les possibles !

Auteur: Loris

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10 chefs-d'oeuvre de la peinture pour célébrer le printemps: c'est beau !

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De Botticelli à Magritte, de la Renaissance au surréalisme, l'interstice printanière a consommé la palette des plus grands peintres. Un défilé de couleurs sur toile qui représente les différentes facettes symboliques habillant la 1ère des belles saisons, celle des amours.

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Creapills - Les pilules qui dopent votre créativité

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Compagnie de danse contemporaine -Aix en Provence

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Marc Chagall | #PompidouVIP | Centre Pompidou

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Balade radiophonique en compagnie de Vincent Ferré, commissaire de l'exposition Tolkien à la BNF, et de l'astrophysicien Roland Lehoucq, auteur, parmi d'autres contributeurs, de "Tolkien et les sciences" (Belin).

Hobbits et Orques, Frodo et Saroumane, Moria et Rohan : ce soir, Mauvais Genres s'immerge, à l'occasion de la somptueuse exposition "voyage en Terre du Milieu" tenue jusqu'au 20 février à la BNF/Mitterand (Paris), dans l'univers du Seigneur des anneaux.

Une exposition qui a la grand mérite de se focaliser sur le seul J. R. R. Tolkien dont on découvre, via manuscrits, aquarelles, dessins et surtout cartographies et lexiques, la puissance démiurgique et les multiples talents créatifs.

Et une exploration que nous effectuerons en compagnie de Vincent Ferré, LE tolkienologue français et commissaire de l'exposition, Roland Lehoucq et Loïc Mangin, co-directeurs de Tolkien et la science, paru aux éditions Belin.

Cette émission a été diffusée pour la première fois le14 décembre 2019

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Balade radiophonique en compagnie de Vincent Ferré, commissaire de l'exposition Tolkien à la BNF, et de l'astrophysicien Roland Lehoucq, auteur, parmi d'autres contributeurs, de "Tolkien et les sciences" (Belin). Hobbits et Orques, Frodo et Saroumane, Moria et Rohan : ce soir, Mauvais Genres s'immerge, à l'occasion de la somptueuse exposition "voyage en Terre du Milieu" tenue jusqu'au 20 février à la BNF/Mitterand (Paris), dans l'univers du Seigneur des anneaux.

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[Un jour = Un livre]

Jean Le Gac, « La boîte de couleurs ».

Ce livre d’artiste publié à l’occasion de l’exposition de Jean Le Gac « La boîte de couleurs» présenté au FRAC Picardie Hauts-de-France...

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[Un jour = Une œuvre]

Tony Cragg, "Clear Microbe", 1992

"Clear Microbe" (1992) est une accumulation de formes communes, celles des bouteilles de produits ménagers. Récurrent chez l’artiste, le...

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#10 Un jour = Une œuvre

Marc Couturier, « Marbre », 1999

Le glissement entre réalité et illusion, abstraction et figuration est récurrent dans l’œuvre de Marc Couturier. La pièce « Marbre » reprend...

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Vue de l’exposition « histoires de dessins | le hasard et le vagabond », au FRAC Picardie Hauts-de-France, Amiens, du 26 mars au 29 juin 2019,

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#13 Un jour = Une œuvre

Anthony McCall, « You And I », 2005

“You and I » [Tu et je] (2005) s’impose par la présence immatérielle caractéristique des œuvres d’Anthony McCall. Des faisceaux lumineux...

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[Un jour = Une exposition]

Klaus Rinke – « Circonvolutions »
Amiens
Du 30 septembre 1994 au 13 janvier 1995

Pour son exposition au Frac Picardie et sur la sollicitation de celui-ci, Klaus Rinke...

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Le cinéma d'animation, c'est une histoire de mise en scène, pensée minutieusement. Hayao Miyazaki pousse au maximum cette précision, sous l'influence évidente de Paul Grimault. Alexandre Mathis

C'est devenu comme un rite, presque un running gag : ça fait 20 ans qu' Hayao Miyazaki, après chacun de ses longs métrages ou presque, annonce sa retraite. Trop de travail, pas assez d'énergie, des mains et des yeux qui s'affaiblissent. Il le dit dès Princesse Mononoké, le film qui fit sa gloire internationale en 1997, il l'a répété en 2013 à la Mostra de Venise, où son dernier film en date, Le vent se lève, était en compétition.

Un monde enchanté et réflexif

Le cœur de son cinéma, c'est la merveille et l'ambivalence, omniprésente. Son cinéma adosse constamment le merveilleux au réel. Il n'y a aucune frontière entre les mondes. Sébastien Bénédict

Et puis voilà, pour le plus grand bonheur des amoureux de Mon voisin Totoro, qui ont habité des Château dans le ciel ou Ambulant, voyagé avec Chihiro, volé avec Nausicäa, Porco Rosso et Kiki la petite sorcière ou couru sur les vagues avec Ponyo, les studios Ghibli ont annoncé l'an dernier qu'un nouveau long métrage de Miyazaki était lancé. Son titre japonais signifie Comment vis-tu ?, et si tout va bien, nous le verrons en 2020.

À ÉCOUTER AUSSI

Réécouter Philosopher avec Miyazaki (1/4) : Ponyo sur la falaise, une héroïne japonaise écouter (59 min) 59 min

Mais comment tenter de vivre, alors, nous spectateurs, en attendant ? Comme les yôkais et kamis de ses chefs-d'œuvres animistes, des manifestations miyazakiennes surgissent heureusement dans notre quotidien pour nous faire patienter : son oeuvre est désormais disponible sur la plateforme Netflix, ainsi que la série télévisée Sherlock Holmes, dont il a dirigé 6 épisodes, et de nombreux ouvrages lui sont consacrés. Parmi eux, Hayao Miyazaki, au gré du vent (éditions Rouge Profond), et Un monde parfait selon Ghibli, (éditions Playlist Society) dont nous recevons les auteurs, Sébastien Bénédict et Alexandre Mathis, pour visiter ensemble les mondes enchantés et parfois cauchemardesques, métamorphiques et cohérents, créés par un antimilitariste, chantre du féminisme et pionnier de la réflexion sur le développement durable, c'est dire si son œuvre est plus contemporaine, urgente et précieuse que jamais !

En fin d'émission, la chronique de Mathieu Macheret sur le coffret collector et luxueux de 1900 de Bernardo Bertolucci, en version restaurée, édité par Wild Side. Le cinéaste italien récemment disparu a eu les coudées franches pour réaliser ce film fleuve qu'est 1900, Novecento, ou comment la United Artist, la Paramount et la Fox ont financé conjointement une fresque en forme de monument dédié au Parti Communiste. Magnifiquement photographié par Vittorio Storaro, le grand cinematografo, ce film épique en quatre saisons et 5h20, qui vont de la mort de Verdi en 1901 à la libération de l'Italie en 1944 s'ouvre comme une fleur vénéneuse pour laisser surgir les fantasmes et obsessions d'un cinéaste qui n'a sans doute jamais été aussi génial que dans ce film-là.

Ce qu'il y a de plus beau dans 1900, c'est sans doute sa magnifique trivialité, plus généralement la place attribué aux corps et à la pulsion de vie, essentielle dans le déroulement de l'histoire. Le réseau souterrain qui lie la grande à la petite histoire n'est pas ailleurs que dans cette énergie, s'avérant le principal moteur à explosion des choses qui changent, comme des corps sociaux qui s'embrasent. Mathieu Macheret

Les recommandations de Plan Large

Bibliographie : Un monde parfait selon Ghibli (Playlist Society) de Alexandre Mathis et Hayao Miyazaki, au gré du vent de Sébastien Bénédict est paru aux éditions Rouge Profond. Hayao Miyazaki, nuances d'une œuvre, de Victor Lopez (dir.) est édité aux éditions Les Moutons électriques. Quatre films de Hayao Miyazaki, de Hervé-Joubert Laurencin (Yellow Now).

M6 Vidéo propose un panel de films italiens en DVD et Blu-Ray : Divorce à l'italienne de Pietro Germi, Nos amis réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? d'Ettore Scola, Coffret Pasolini e amici (9 films) et Coffret Marcello Mastroianni (6 films 1 livret).

Extraits diffusés :

Le Château de Cagliostro, de Hayao Miyazaki (1979)

Mon voisin Totoro, de Hayao Miyazaki (1988)

Princesse Mononoké, de Hayao Miyazaki (1997)

Le Voyage de Chihiro, de Hayao Miyazaki (2001)

Ponyo sur la falaise, de Hayao Miyazaki (2008)

Le vent se lève, de Hayao Miyazaki (2013)

Le Voyage de Chihiro, de Hayao Miyazaki (2001)

Trois extraits de 1900, de Bernardo Bertolucci (1976)

Réécoute du 22 décembre 2018

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M comme Hayao Miyazaki, un cinéma révélé

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Alors que toute son oeuvre est dorénavant disponible sur la plateforme Netflix, Plan Large sur Hayao Miyazaki, co-fondateur du Studio Ghibli au Japon, cinéaste du merveilleux, de la nature, de l'enchantement et parfois même du cauchemar, avec Alexandre Mathis et Sébastien Bénédict.