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*Toda la información de las visitas virtuales fue obtenida de la aplicación Google arts.

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María Alejandra Calle Martelo código: 201921982

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María Alejandra Calle Martelo código: 201921982

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Frida y la cesárea (inconcluso), 1931, Frida Kahlo, w620 x h730 mm, óleo sobre lienzo

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El marxismo dará salud a los enfermos, 1954, Frida Kahlo, w600 x h760 mm, Óleo en masonita

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Viva la vida, 1954, Frida Kahlo,  w720 x h520 mm, pintura

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El objetivo de escoger una pintura para describirla a detalle viene con el objetivo de usar lo que hemos aprendido en clase para analizar una pintura, siento que es tan importante explicarla tanto como esta desarrollada que explicar porque la escogimos. Me transmite esta obra un sentimiento de libertad en este momento de mi vida, en el que soy una adulta joven, a punto de salir al mundo real, con miedo y expectativas de lo que se viene en mi vida; me alegra poder haber conocido esta obra de esta artista. Con colores tan brillantes y saturados logra representar a la perfección el titulo de esta obra, "viva la vida" algo que debería ser feliz, lleno de emociones. Las sandias que creo que son una fruta que dan una idea de verano, de frescura pero al mismo tiempo de un día cálido, la forma en la que corta la fruta, de forma desordenada y divertida. Me asombra como la sencillez de esta pintura y de dibujar una fruta logra representar un sentimiento tan amplio y así mismo, se puede leer tanto en ella.

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Título: Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo", Tipo: Fotografía. Fotógrafo: Miguel Tovar

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Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo"

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Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo"

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Frida Kahlo, Fecha: 1926, Museo Frida Kahlo, Parte de los archivos de Diego y Frida, Guillermo Kahlo,  abril 1929, fotografía

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Debo decir que en definitiva me encantaría conocer este museo en persona. Por las obras que vi en el recorrido virtual se puede ver una crudeza y una realidad en las obras de Frida, una persona que no temía a ser real y diferente de los demás. Además siempre resaltando en sus obras su cultura mejicana, siempre en cada obra había un pedacito de su país en ella.

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La Casa Azul es el universo íntimo de Frida Kahlo. Ella pasó aquí la mayor parte de su vida, primero con su familia y, años después, al lado de Diego Rivera. En este lugar se hospedaron interesantes personajes nacionales y extranjeros, atraídos por el magnetismo de ambos pintores.
Desde su inauguración en julio de 1958, en la Casa Azul y en sus jardines se exponen objetos personales y pinturas de ambos artistas, arte popular, esculturas precolombinas, fotografías, documentos, libros y muebles que formaron el ambiente en el que Frida se inspiró para crear.
https://artsandculture.google.com/partner/museo-frida-kahlo

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took her last breath. The building, which dates to 1904, was not a large-scale construction. Today it has an 800 m2 building surrounded by property measuring 1200 m2. Diego and Frida filled it with color, folk art, and pre-Hispanic pieces to show their admiration for the peoples and cultures of Mexico. The construction underwent two major modifications. When Russian revolutionary Leon Trotsky lived with Diego and Frida in 1937, the property today occupied by the garden was purchased. In 1946 Diego Rivera asked Juan O'Gorman to build Frida's studio. The interior of the house has been maintained virtually intact. This was respected by the poet and the couple's friend, Carlos Pellicer, who designed the museum display for the space after Frida's death. Therefore, the house and its contents preserve that intimate atmosphere.

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Museo Frida Kahlo, Mexico, Mexico - Google Arts & Culture

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took ...

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Museo Frida Kahlo/ Visita: 9 de septiembre 2022

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Museo Frida Kahlo/ Visita: 9 de septiembre 2022

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Alejandro Obregón, 1973, Sombra larga y música de alas

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Ricardo Gómez Campuzano, 1967, Palmeras, Valle del Cauca, Óleo sobre madera

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Me llamó la atención esta obra de Ricardo Gómez por la paz que transmite. Creo que esto se debe a la paleta de colores que utilizó, las diferentes tonalidades azules que se presentan en la pintura lograr tranquilizar al que la vea. El detalle que utilizó este pintor para retratar las nubes, las líneas y los trazos que realizó para que estas se vieran reales; tanto así que podría pasar por una fotografía. Imitando así la realidad por completo. Aunque este tipo de pinturas pueda parecer aburrido dada su similitud con la vida real, estas son mis pinturas favoritas. No soy estudiante de arte y no me considero experta en el tema, es por esto que creo apreciar más el arte que concuerda con la realidad, porque para mi es imposible recrear algo de una manera tan exacta. Por otro lado, se puede ver un punto focal en la palmera que pinto mas alta que las otras y con una tonalidad más amarilla, dados los colores fríos como lo son el azul y el verde la palmera logra sobresalir en el resto de la pintura y es lo que ayuda al observador a ver al centro de la pintura y después darse cuenta de lo demás que sucede en esta.

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Fernando Botero, 1963, Bodegón con rosas, Óleo sobre tela 

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Fernando Botero, Colombia 1932, 1961, Bodegón de mandolinas, Still life with mandolins, Óleo sobre tela 

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Al igual que con el museo de arte Miguel Urrutia, es una experiencia completamente diferente al ir con una persona que conozca del tema. Las obras que se alcanzaron a ver fueron explicadas completamente, lo cual hace que el entendimiento a profundidad y el análisis de estas sea muchos mejor. Aunque suene a cliché debo decir que me gustó mucho que hubiera obras de Fernando Botero, es un artista al que creo todos los colombianos tenemos presente, un artista del que me hablaron desde que pequeña estando en el colegio. Ver sus obras me recuerda a mi niñez y siento que cada obra que se ve de el, se observa y se piensa en Colombia.

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" Un espacio de 1.400 metros cuadrados, alberga una colección de 350 obras de artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar, Omar Rayo, Enrique Grau, Édgar Negret, Luis Caballero, Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Francisco Antonio Cano, entre otros, que se articulan a través de una innovadora puesta en escena que construye relaciones con el arte y la sociedad contemporáneas." (Artnexus, s. f.)

Artnexus. (s. f.). Recuperado 12 de septiembre de 2022, de https://www.artnexus.com/es/news/62226cbd50d85fdb65d7954d/sala-de-arte-bancolombia

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Sala de arte Bancolombia/ Visita: 7 de septiembre 2022

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Sala de arte Bancolombia/ Visita: 7 de septiembre 2022

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Fernando Botero, Medellín (1932), Girasoles, ca. 1959, Óleo sobre tela 

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Los colores que utiliza, los cuales son de una tonalidad similar (en un rango de amarillos y cafés) a excepción de unos verdes y azules que se pueden ver en diferentes partes de la pintura, no diría que crean un ambiente cálido ni frio, por lo que no se puede determinar nada del contexto de esta con solo mirarla. Otro aspecto a resaltar es la espontaneidad con la que se realizo, donde se pueden ver excesos de pintura, el pintor no tuvo la delicadeza de distribuir la pintura. Lo anterior no creo que se haya hecho al azar, interpreto esto como una ironía, en donde comúnmente vemos las flores como símbolo de delicadeza y perfección, y en esta obra siendo grandes y de tamaño robusto, trazos descuidados e imperfectos muestran otra idea de estas que también es interesante de analizar y observar.

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Fernando Botero, Medellín (1932), Girasoles, ca. 1959, Óleo sobre tela 

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Lo que más me llamó la atención de esta obra y lo que suele llamar la atención de las personas cuando ven una obra de Fernando Botero son las dimensiones de las cosas dentro de la pintura, simplemente son irreales, la escala esta completamente desenfocada de la realidad. No obstante, esto es de las cosas que uno admira de estas obras, su composición, como estas muestran la realidad sin imitarla. Cabe hacer una mención acerca de como esta lo hace pensar a uno en Van Gogh por el tema de los girasoles y de como este pintor le encantaba pintarlos en sus obras. Aunque se piensa en otro artista al verla no se confunde por un instante que la obra pertenece a Botero, lo cual es algo que me gusta mucho de este autor y es que sin firmar sus obras y con solo verlas uno ya puede inferir quien las hizo.

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Giovanni Ferroni, Arconi (Italia) 1853 - Bogotá (Colombia) 1898, Nevado del Tolima, 1895, Óleo sobre tela 

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Sobre mi experiencia en el museo debo admitir que no es la primera vez que entro, ya hace unos 4 años fui con mi colegio y aunque esa vez recorrimos todo el museo, creo que es muy diferente hacerlo con una historiadora del arte. Entender bien el porqué el cómo y el cuando de todas las obras ayuda a apreciarlas mucho más que cuando uno solo pasa por el lado de ellas y las ve. Una experiencia gratificante y más aún porque es una colección realizada por el banco central de Colombia.

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Alejandro Obregón, Barcelona (España) 1920 - Cartagena (Colombia) 1992, La mesa, 1947, Óleo sobre tela 

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La modernidad en el equipaje
"Se preparaba el centenario de la Independencia con una
exposición que mostraría el florecimiento
de una nueva generación de artistas en la
Escuela de Bellas Artes. Había llegado el
"arte por el arte" a un país en ruinas por la
guerra de los Mil Días." - MAMU

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Jesús María Zamora, Miraflores (Colombia) 1871-1949, Río Magdalena, ca. 1898, Óleo sobre tela 

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El arte del paisaje y el fin del sueño académico
Se ve un confrontamiento entre el arte académico y los paisajes, debido a que para los críticos y los artistas esto era arte moderno.
"El paisaje es un estado de ánimo" - Enrique Federico Amiel

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Ricardo Acevedo Bernal, Santafé de Bogotá (Colombia) 1867 - Roma (Italia) 1930, Las artes, ca. 1900, Óleo sobre tela 

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El primer movimiento de arte que vimos fue el arte colonial y arte académico

Arte bachee

Dejan atrás el impresionismo y se enfocan en el arte prehispánico

Se pintaba la forma real de la mujer

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Colecciones de arte desde los años 50

Fundado en 2005

5 curaciones

1. Los primeros tiempos modernos: siglos XVI-XVIII.

2. Rupturas y continuidades: siglo XIX.

3. La renovación vanguardista: 1910-1950.

4. Clásicos, experimentales y radicales: 1950-1980.

5. Tres décadas de arte en expansión: 1980 al presente.

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Museo de Arte Miguel Urrutia/ Visita: 2 de septiembre 2022

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Museo de Arte Miguel Urrutia/ Visita: 2 de septiembre 2022

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Van Gogh's Bedroom in Arles, 1889, Vincent van Gogh, La chambre de Van Gogh à Arles, w740 x h570 mm, óleo en lienzo

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Esta obra me llamó mucho la atención puesto a que parece muy sencilla, pero cada vez que la miras te puedes dar cuenta de distintas cosas que la vuelven más detallada. La obra fue realizada por medio de un conjunto de líneas en todas las direcciones, líneas fuertes para definir el espacio y también líneas mas difuminadas como las del piso para crear textura. En cuanto a la paleta de colores se puede ver que utilizo tonos con una saturación fuerte y creería que esto hace que el azul que esta en la mayoría de la habitación logre verse cálido, lo cual tiene poco sentido ya que el azul es un color de tonalidad fría, mas sin embargo, la combinación de este con el amarillo mostaza de los muebles y el verde que se logra ver en la ventana dan una sensación de que es de día y el clima es templado casi cálido. El punto focal de esta obra parece ser ese mismo verde de la ventana, todos los otros objetos tienen colores similares y por ende este resalta entre los demás. Lo que crea este punto focal es mostrar la obra como una de tres dimensiones, en donde se puede percibir claramente el alto, el largo y el ancho de la misma habitación. Una habitación tan sencilla para una persona con tanta imaginación.

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Esta visita virtual me dejo asombrada con las maravillas que tiene este museo, su arquitectura, su amplia variedad de obras de arte con solo las fotos y la aplicación de google arts se puede sentir el ambiente de este museo. Debo decir que si se me presenta la oportunidad de ir a visitarlo presencialmente no dudaré en conocerlo, esta bitácora fue un abre bocas para lo que realmente debe ser este museo en la vida real

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Self-Portrait, 1889, Vincent van Gogh, Portrait de l'artiste, w540 x h650 mm, oleo en lienzo

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The Bronze Age, 1877 - 1880, Auguste Rodin, L'Age d'airain, w590 x h1780 x d610 mm, Bronze

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Olympia, 1863, Edouard Manet, w1900 x h1300 mm, óleo en lienzo

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The Birth of Venus, 1863, Alexandre Cab, La Naissance de Vénus, w2250 x h1300 mm, Óleo en lienzo

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The Magpie, 1868 - 1869, Claude Monet, La Pie, w1300 x h890 mm

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La historia de este museo es bastante inusual. Este esta localizado frente a los Jardines de las Tuileries, en la antigua estación de tren de Orsay construida para la exposición universal de 1900. Con el fin de que el edificio se viera como la primera obra de ante en el museo. El Museo exhibe colecciones de arte del periodo 1848 a 1914 y presenta diferentes técnicas de pintura y de arte.

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Musée d’Orsay/ Visita: 31 de agosto 2022

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Musée d’Orsay/ Visita: 31 de agosto 2022

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Oleo sobre papel, Lorenzo Jaramillo, 1985, colección privada

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La anterior fue la obra que mas me gustó de la exhibición y aunque esta no fue pintada por el Eduardo Ramírez Villamizar, siento que lo logra representar de una forma inexplicable. El autor de esta obra Lorenzo Jaramillo logra representar en su totalidad el arte moderno, en donde se busca representar la realidad sin imitarla. Lo anterior lo logra con trazos de ningún orden y de ningún tamaño en especifico. es una pintura desordenada, que logra representar a Eduardo de una forma diferente. Así mismo se usan colores muy saturados y una paleta monocromática de azules que logra darle profundidad al autorretrato lo cual le da realidad a la obra. Debo decir que lo que más me gusto fue el caracol que pintó en la parte inferior, ya que esto era tan propio de Eduardo, que logra mostrar a este caracol como la personalidad de Eduardo, entonces no solo pinta un autorretrato de como se ve físicamente sino que también muestra la personalidad del mismo y so me pareció fascinante.

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Caracol, Serigrafía sobre papel, 1999, colección privada

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Empezó a desarrollar una afición a los caracoles, dado su gusto por la naturaleza y la geometría, veía estas dos cosas en el caracol.

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1980- 2004

Homenaje a los artistas precolombinos

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Joel Peter Witkin, Ramírez Villamizar con Torres modulares, c. 1970

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1970-1980
Dejo de hacer pinturas para empezar a hacer relieves monocromáticos

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Se consolidó como un artista reconocido por el arte abstracto en el país,  aprendió en Paris a hacer este tipo de arte. Utiliza planos de color con sus triángulos y/o figuras geométricas para saltar al arte tridimensional

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Familia, acuarela sobre papel, 1954, colección privada

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Segunda mitad de los años 40 ya empieza a trabajar en el arte moderno yéndose por el camino de la abstracción

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Diseño para papel tapiz con figura de Ramírez Villamizar, Tinta sobre papel, ca. 1990, colección privada

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En el centro cívico las obras están distribuidas por momentos en la vida de Eduardo Villamizar, en total hay 5 momentos en donde se pueden ver los diferentes estilos de arte que el artista descubrió y aprendió  a lo largo de su vida. En el primer momento de su vida realizó arte moderno, el cual fue un desafío ya que debía representar la realidad sin imitarla, por ejemplo utilizar métodos como el del expresionismo o el cubismo.

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Libreta militar, cédula de ciudadanía, otros documentos e imágenes.

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Publicar el material de archivo
Reconstruir la vida artística del autor
Recorrido por la vida de el autor

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Escultor y artista abstracto
1922-2004
La familia le entregó los archivos a el BADAC
7 módulos, 5 momentos cronológicos

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El archivo Ramírez Villamizar, la vida entre cajas 

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Exposición de arte del centro cívico/ Visita: 26 de agosto 2022

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Exposición de arte del centro cívico/ Visita: 26 de agosto 2022

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Mujer leyendo una Carta, Johannes Vermeer, c. 1663, h 46.5cm - w 39cm - d 6.5cm, Óleo sobre lienzo

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Mujer leyendo una Carta 1663/ Septiembre 5 2022

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Mujer leyendo una Carta 1663/ Septiembre 5 2022

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Esta pintura me llamo mucho la atención, en principio porque se me hizo muy parecida a una que ya había visto. La que había visto antes era La lechera, se me hicieron parecidas, realizadas con la misma técnica y cuando investigue un poco más me di cuenta que las había realizado el mismo artista. Vermeer en esta obra utiliza la luz para darle énfasis a la mujer y así mismo generar protagonismo en ella, y, aunque no sabemos quien es la mujer la obra da la impresión de que fuera la única mujer en el mundo. utiliza colores con poca saturación y esto le da a la obra un ambiente frio, tanto por el azul lapislázuli y el cuadro detrás de ella color amarillo le da más fuerza al color azul de su bata. La escala en la que se encuentran los objetos dentro de la obra es normal, sin embargo por como pintó a la mujer, esta sobresale mucho más que los demás objetos en esta pintura, por lo que también se puede concluir protagonismo por esta técnica. Por lo mismo, se puede decir que la pintura sigue las leyes del realismo.

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Rembrandt Van Rijn

Pintada entre 1639 y 1642

Título original: la compañía militar del capitán Franz Bannick Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh

Ocupa el lugar más especial del museo

La pintura más importante del museo

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Objetos desde los años 1200 hasta el 2000

Artesanías con obras de arte, para así crear una historia

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Fundado en el siglo 19 para guardar las cosas de la nobleza

Diseñado para convertirse en el museo nacional de Holanda

Arquitecto: Pierre Cuypers

Combina el diseño gótico con el renacentista, con murales y vitrales