# data[].attributes.body
Dogma 95

Un colectivo de directores de cine que comenzó en Dinamarca pero se extendió a otros países

A ellos se unió el rechazo a ciertas tendencias del cine contemporáneo (de las nuevas "olas")

Al individualismo

A la idea de autor se ha aburguesado

Rechazo de la previsibilidad del cine industrial

Rechazo de lo ilusorio

Un cine hueco y estéril

La tecnología como democratización

"Por primera vez, cualquiera pueda hacer cine" (democratización)

Pero era necesaria cierta disciplina

Sobre todo, un director tuvo que apegarse a un código que la película no sería obra de arte, sino "una forma de forzar la verdad de mis personajes y escenarios".

Contexto

Los grandes éxitos de taquilla de Hollywood

La aparición del cine digital

Búsqueda de democratizar el cine

Lars von Trier

Thomas Vinterberg

El Manifiesto Dogma

http://www.dogme95.dk/dogma-95/

El voto de castidad

http://www.dogme95.dk/the-vow-of-chastity/

Zentropa

Fundada por von Trier

Estacionado en una antigua base militar, Zentropa abrió divisiones especializadas en películas infantiles, pornografía, comerciales de televisión, videos musicales, películas de internet y producciones internacionales

En 2001, Zentropa y sus afiliados producían varios largometrajes y muchas horas de cine y televisión cada año

Distribuido en un simposio de París dedicado al centenario del cine, el manifiesto atrajo poca atención hasta 1998…

¿Truco publicitario?

Una lucha contra la globalización de Hollywood

Comparaciones con John Cassavetes y los cineastas de Direct Cinema Colaboration entre director e intérpretes

Películas

Festen (the Celebration) – Dogme #1

Idioterne (the Idiots) – Dogme #2

Mifunes Sidste Sang (Mifune’s last song) – Dogme #3

The King Is Alive – Dogme #4

Lovers – Dogme #5

Julien Donkey-Boy – Dogme #6

Interview – Dogme #7

Fuckland – Dogme #8

Babylon – Dogme #9

Chetzemoka’s Curse – Dogme #10

Diapason – Dogme #11

Italiensk For Begyndere – (Italian for beginners) Dogme #12

Amerikana – Dogme #13

Joy Ride – Dogme #14

Camera – Dogme #15

Bad Actors – Dogme #16

Reunion – Dogme #17

Et Rigtigt Menneske (Truly Human) – Dogme #18

Når Nettene Blir Lange – Dogme #19

Strass – Dogme #20

En Kærlighedshistorie – Dogme #21

Películas/autores (no Dogma) para tener en cuenta

Dogville, de Lars von Trier

An Education, de Lone Scherfig

Gummo, de Harmony Korine

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
DOGMA 95 is a collection of film directors founded in Copenhagen in spring 1995.

DOGMA 95 has the expressed goal of countering "certain tendencies" in the cinema today.

DOGMA 95 is a rescue action!

In 1960 enough was enough! The movie was dead and called for resurrection. The goal was correct but the means were not! The new wave proved to be a ripple that washed ashore and turned to muck.

Slogans of individualism and freedom created works for a while, but no changes. The wave was up for grabs, like the directors themselves. The wave was never stronger than the men behind it. The anti-bourgeois cinema itself became bourgeois, because the foundations upon which its theories were based was the bourgeois perception of art. The auteur concept was bourgeois romanticism from the very start and thereby... false!

To DOGMA 95 cinema is not individual!

Today a technological storm is raging, the result of which will be the ultimate democratization of the cinema. For the first time, anyone can make movies. But the more accessible the medium becomes, the more important the avant-garde. It is no accident that the phrase "avant-garde" has military connotations. Discipline is the answer... we must put our films into uniform, because the individual film will be decadent by definition!

DOGMA 95 counters the individual film by the principle of presenting an indisputable set of rules known as THE VOW OF CHASTITY.

In 1960 enough was enough! The movie had been cosmeticized to death, they said; yet since then the use of cosmetics has exploded.

The "supreme" task of the decadent film-makers is to fool the audience. Is that what we are so proud of? Is that what the "100 years" have brought us? Illusions via which emotions can be communicated?... By the individual artist's free choice of trickery?

Predictability (dramaturgy) has become the golden calf around which we dance. Having the characters' inner lives justify the plot is too complicated, and not "high art". As never before, the superficial action and the superficial movie are receiving all the praise.

The result is barren. An illusion of pathos and an illusion of love.

To DOGMA 95 the movie is not illusion!

Today a technological storm is raging of which the result is the elevation of cosmetics to God. By using new technology anyone at any time can wash the last grains of truth away in the deadly embrace of sensation. The illusions are everything the movie can hide behind.

DOGMA 95 counters the film of illusion by the presentation of an indisputable set of rules know as THE VOW OF CHASTITY.
DOGME CERTIFICATE FORMULA

# data[].attributes.attachment_link.title
Dogme95.dk - A tribute to the official Dogme95

# data[].attributes.attachment_link.description
DOGMA 95 is a collection of film directors founded in Copenhagen in spring 1995. DOGMA 95 has the expressed goal of countering "certain tendencies" in the cinema today. DOGMA 95 is a rescue action! In 1960 enough was enough! The movie was dead and called for resurrection.

# data[].attributes.body
Hablamos del cine digital y de lo cool que es (aunque no todos digan lo mismo, hablo de ti, Tarantino)

"La tecnología digital es la misma revolución que agregar sonido a las imágenes. La misma revolución que agregar color a las imágenes. Nada más y nada menos".

2000´s

O Brother, Where Art Thou? (2000, Coen Brothers), Fotografiada por Roger Deakins fue la primer a película en ser coloreada completamente digital por la empresa Cinesite con el fin de lograr tonos marrones/ocres.

El video como propuesta estética (80s-90s)

Texturas visuales

El video como metáfora de memoria, de voyeur

Posibilidades narrativas/planos diegéticos

Ejemplos tempranos

Sexo, mentiras y video (1989) de Steven Soderberg

Partes habladas (1990) de Atom Egoyan

La tarea (1991) / La tarea prohibida (1992) de Jaime Humberto Hermosillo

Cine como herramienta (90s)

Influencia del video en el cine:

Bajo contraste en colores y luces

Montaje con cortes más rápidos

Moimientos de cámara más vertiginosos

Soundtracks más estridentes

Composición pensada para el formato del televisor (4:3)

Edición con base en código de tiempo, no en cuadros

Influencia de lo digital en el cine:

Motion control

Audio digital (DAT)

Avid

Animación 3D

Efectos especiales generados por computadora

La posibilidad de re-editar para video

Nuevos estándares de sonido (THX)

George Lucas

El cine no como fotografía, sino como pintura

Arte de inspiración creativa pura

La amenaza fantasma (1999)

El ataque de los clones (2002)

Impacto

Producción (más barato y versatil, cámara de 24 fps)

Distribución (copias más baratas, archivos transmitidos vía remota, streaming)

Exhibición (proyectores más confiables, proyección en casa)

Trasfondo

Con el cine digital, algunos aspectos como el transporte, la preservación e incluso jugar con el aspecto del producto terminado son ahora más simples que nunca

¿Lo digital es la solución?

¿Cine o digital? Ninguno es mejor que otro, solo que más adecuado para la historia que el cineasta ha elegido contar

Características del estilo

Imágenes capturadas y editadas en ordenador

Edición y efectos especiales

Nuevo tipo de realismo

Características del cine digital

Producción: Más barata, más accesible y más versatil

Distribución: Copias más baratas y un intercambio de archivos más fácil

Exposición: Proyectores más modernos

Temas y géneros abordados

Contenido multigénero

Nuevo papel de los efectos especiales

Las películas de ficción se combinan con las películas de acción

Una nueva identidad cinematográfica

Narrativa interactiva

Muerte y resurrección de Kodak

En 1979 controlaba el 90% del mercado (EUA)

En 2012 se declaró en quiebra

En 2015 hizo un acuerdo con Disney, NBCUniversal, Paramount, Sony y Warner Bros para seguir produciendo celuloide

La única compañía que actualmente produce película para cine

En 2019 reportó un crecimiento del 21%

En 2020 renovó un acuerdo para seguir produciendo celuloide

Películas destacadas

La celebración (1998) de Thomas Vinterberg

Bamboozled (2000) de Spike Lee

Buena Vista Social Club (1999) de Win Wenders

Walking Life (2001) de Richard Linkaleter

The Gleaners and I (2000) Agnès Varda

Time Code (1999) de Mike Figgis

# data[].attributes.headline
Fue cumpleaños del profe, en este perfil lo queremos mucho

# data[].attributes.subject
Fue cumpleaños del profe, en este perfil lo queremos mucho

# data[].attributes.body
Le compramos un pastel/cheesecake que se repartió entre todo el grupo.

# data[].attributes.body
Me tocó, junto con Axa y Luis Anda, presentar el tema de esta clase.

# data[].attributes.body
El precedente de Asia: Conferencia de Bandung (1955)

Objetivo: Reforzar los vínculos económicos y culturales entre los países que están experimentando un proceso de descolonización.

Denominador común: no alineado con "el primer mundo capitalista" ni con el "segundo mundo" de la URSS y el bloque comunista.

Sentó las bases de lo que ahora conocemos como "El Tercer Cine".

Países:

Egipto

Indonesia

India

Vietnam

Filipinas

Afganistán

Contexto político mundial: 1969

Movimientos políticos latinoamericanos

Tercer Cine: ¿Qué es?

Un movimiento cinematográfico latinoamericano que comenzó a mediados de la década de 1960-1970.

Un fuerte rechazo hacia el neocolonialismo, el capitalismo, el imperialismo y el modelo de cine de Hollywood.

El Tercer Cine ve al director como parte de un colectivo.

Inspira el activismo revolucionario.

Presenta las realidades de las naciones en desarrollo tal como son, sin el uso del sensacionalismo, por ejemplo.

Características:

Filmar en locación

Cámara en mano

Frecuentemente sin actores profesionales

Uso de material de archivo

Cine como intervención

Manifiestos:

"La estética del hambre" (1965), Glauber Rocha

"Por un cine imperfecto" (1969), Julio García Espinosa

"Problemas de forma y contenido en el cine revolucionario" (1976), Jorge Sanginés

"Hacia un tercer cine" (1969), Fernando Solano y Octavio Getino

Principalmente se dio en países como Brasil, Argentina, Cuba y Chile.

¿Por qué tercer cine? Una oposición al cine industrial de Hollywood (FIRST CINEMA) y al cine de autor "artístico" de los movimientos en Europa (SECOND CINEMA).

# data[].attributes.body
Por fin llegamos a lo bueno, ya estoy harto de ver el Expresionismo Alemán por cuarta vez, entonces hablar de cine más pa´cá es un alivio.

¿Qué pasó? Después de que Hollywood muriera por decimotercera vez, renació el cine con una generación de directores, que al mismo tiempo se ayudaron de nuevas tecnologías.

Me llamó mucho la atención John Cassavetes, que es el precursor del movimiento. Su trabajo con actores incluye mucha improvisación, por lo mismo el blocking se establece durante la grabación y la cámara sigue la acción, no está planeado con antelación.

Según esto, la película más representativa de la época es Easy Rider (1969) de Dennis Hopper. El bro que se mete a la clase la recomendó. Por cierto, hay un bro que se cuela a la clase jajaja. Tomó la concentración el semestre pasado (creo) y no tiene nada mejor que hacer.

Nuevos directores:

Francis Ford Coppola

Steven Spielberg

Martin Scorsese (El "Me atrapaste, es cine")

George Lucas

Woody Allen (Sé que está cancelado, pero soy fan del cine de Woody Allen, le conté a Axa del chiste de Annie Hall en el que dice que lo reprobaron en su examen de metafísica por hacer trampa y ver en el alma de su compañero jajajaja)

Películas notables que hay que ver (son muchas aaaaaaa):

The Dirty Dozen (1967), Robert Aldrich

Midnight Cowboy (1969), John Schlesinger

Love Story (1970), Erich Segal

The French Connection (1971), William Friedkin

Dirty Harry (1971), Don Siegel

Fritz the Cat (1972), Ralph Bakshi

Deliverance (1972), John Boorman

The Sting (1973), George Roy Hill

Chinatown (1974), Roman Polanski

Dog Day Afternoon (1975), Sidney Lumet

All President´s Men (1977), Alan J. Pakula (Está ya la vi, recomenda)

Saturday Night Fever (1977), John Badham (Axa me dijo que no parece lo que es)

The Deer Hunter (1978), Michael Cimino (Quiero verla pero dura mucho)

# data[].attributes.body
Contexto: Recesión económica en 1970, auge de la televisión, Hollywood sigue dominando, co-producciones y financiamiento gubernamental y crisis en los 80s en el cine a causa de privatizaciones.

Nuevas condiciones: Fin de las dictaduras, auge de gobiernos conservadores, la Unión Europea y competencia con el cine de USA.

Nuevo cine alemán: Puro pinche Wim Wenders (Al profe no le gusta :0).

En Francia vimos el Cinema du look, he visto la de Leon, con Natalie Portman, muy recomendada. La estética de este movimiento ha inspirado a directores más recientes como el loquito (con mucho cariño) de Gaspar Noé.

Hablamos de Peter Greenaway y su cine pictórico. El tiene un background en pintura, entonces las imágenes de sus películas, pues sí, parecen pinturas.

También hablamos de Theo Angelopolus y vimos un videoensayo sobre su cine. Me llamó mucho la atención. Es griego el señor y en sus películas retoma temas de la mitología griega. Sus imágenes me conmovieron. Sentí que en ellas hay algo distinto, quiero ver su cine, más que nada, siento que es algo que hay que contemplar.

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.headline
Memorias del Subdesarrollo (1968, Tomás Gutiérrez Alea)

# data[].attributes.subject
Memorias del Subdesarrollo (1968, Tomás Gutiérrez Alea)

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.headline
A Woman Under the Influence (1974, John Cassavetes)

# data[].attributes.subject
A Woman Under the Influence (1974, John Cassavetes)

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Datos importantes

India es una sociedad jerárquica.

Sistema de castas asociado con el hinduismo.

Jerarquía de género

Hombres sobre mujeres y edad, se le da más importancia mientras más mayor sea la persona.

Más gente = mercados más grandes.

Conflictos internos y externos (Pakistán)

Cine de la india

Fuertes restricciones a las importaciones

Poca presencia de Hollywood

Producción caótica, descontrolada

800 películas al año aprox

Mercado controlado por distruibuidores, exhibidores y estrellas

Cine como lavado de dinero

9a industria del país

Características/influencias del cine indio actual

Industrias fílmicas en varios idiomas regionales (hindi, telugu, tamil, malayam)

Teatro sáncrito

Teatro y danza folclórica tradicional

Teatro parsi

Canales de televisión musical como MTV

Larga duración desde el cine masala

Cine de acción de Hollywood

¿Qué es Bollywood?

Bollywood = Hollywood + Bombay (Ahora conocido como Mumbai), centro del mundo del cine indio

Películas de Bollywood: Producidas por la industria cinematográfica de Mumbai, principalmente en el idioma hindi, que contiene números musicales y bailes como parte integral de la trama

Bollywood no abarca todo el cine indio, contribuyendo solo alrededor del 20% de la producción total

No es un género de cine, sino que es una industria en la que hay muchos géneros

Elementos clave para su éxito:

Controles gubernamentales sobre las importaciones

El producto local gobernó el mercado

Hollywood tenía poco punto de apoyo

El cine es su principal forma de cultura popular en la India, 3 características sociopolíticas principales:

El hindi como lengua nacional apelando a una cultura compartida a pesar de las diferencias sociales dentro del condado > Nacionalismo

No hablar con un solo grupo religioso, idioma, área geográfica o casta

Las estrellas, más que las tramas, fueron a menudo la fuerza impulsora detrás de las películas

La música y danza como estrategia para unificar al país, sin tener en cuenta los problemas sociales dentro del país

1930-1940: Nacionalismo y colonia británica

1947: País alegre independiente

Bollywood y su crecimiento a los mercados internacionales

El mercado internacional de las películas indias se expandió durante los 70s, atrayendo al público de Rusia, el Golfo Pérsico e Indonesia.

Las estrellas de cine se convirtieron en representantes del parlamento e incluso jefes de estado

Época de oro

Awara (1951), de Raj Kapoor

Pather Panchali (1955), de Satyajit Ray

Pyassa (1957), de Guru Dutt

Mother India (1957) de Mehboob Khan

Madhumati (1958), de Bimal Roy

Nueva Ola: Cine paralelo

El cine paralelo, también conocido como Nuevo Cine Indio, fue un movimiento en los 60-70 como alternativa al cine comercial indio

Inspirado en el neorrealismo italiano y cine checo

Tono serio, realismo y naturalismo, aspectos simbólicos con una mirada cercana al contexto sociopolítico de la época y el rechazo a las rutinas convencionales de baile y canción que se encuentran en las películas indias convencionales

Cine de bajo presupuesto

Cine de arte, búsqueda de calidad

Cine político, social

Narrativas modernas

Producidas por la Film Finance Corporation sobre toco con préstamos

Mrinal Sen, figura central (Bruvan Shome, 1969)

Falta de distribución y exhibición, censura

Llegó a su fin hacia 1975, "ejercicios de autoindulgencia"

Sara Akash (1969) Basu Chatterji

The interview (1971), Shyam Benegal

The seeding (1974), Shyam Benegal

Days Bread (1970), Mani Kaul

Maya Darpan (1972), Kumar Shahani

80s National Film Development Corporation

Sucesora de la FFC

Monopolio de importación y equipo

Concursos de guinoismo

Promoción internacional del cine

Cofinanciamiento

200 pelìculas al año (aprox)

Egresados del Pune Film Institute

Películas para televisión

36 Chrowringhee Lane (1981), Aparna Sen

Rat Trap (1981), Adoor  Gopalakrishnan

Tarang (1984), Kumar Shanani

90s: Coproducciones y directores  internacionales

Producciòn masiva sostenida (800 al año)

Auge de pelìculas habladas en otros idiomas (regionales)

Apertura a nuevos mercados

Mira Nair como figura central

Kapur “En la India no hay salvaciòn fuera del cine commercial”

Mani Rathnam – Tamil cinema – Bombay, 1994

Sensacionalismo político

Salam Bombay! (1988), Mira Nair

Mississippi Masala (1991), Mira Nair

Bandit Queen (1994), Shekar Kapur

Elizabeth (1998), Shekar Kapur

Éxito comercial reciente

En el siglo 21 el cine indio finalmente encontró equilibrio entre los géneros de cine comercial popular y paralelo.

Se produjeron varias películas nuevas que sacaron a la luz el hecho de que el cine indio podría ser significativo y, sin embargo, tener éxito comercial.

La década de 2000 vio un crecimiento en la popularidad del cine indio en todo el mundo. Después de mucho tiempo, las películas indias convencionales parecían haber captado la atención de los mercados internacionales.

Los nuevos canales de distribución han hecho possible la distribución comercial de películas indias en el extranjero, que tiene demanda en más de 90 países fuera del suyo. Plataformas de streaming: Netflix Visita india digital media

3000 películas producidas en 2009

3 idiots (2009), Rajkumar Hirani

The Lunchbox (2013), Ritesh Bartra

Super Deluxe (2019), Thiagarajan Kumararaja

Películas más taquilleras

Dangal (2016) by Nitesh Tiwari

Baahubali 2: The Conclusion (2017) by S. S. Rajamouli

Bajrangi Bhaijaan (2015) by Kabir Khan

Principales autores y obras

Dadasaheb Phalke

Primer magnate del cine indio, 23 películas entre 1913 y 1918 (películas mudas). 1913 - Raja Harishchandra, primera película hindi + Bhasmasur Mohini, primera película en incluir a una mujer.

Ardeshir Irani

Padre de las películas indias.  Director de la primera película sonora de la India Alam Ara (1931)

Yash Chopra

Cine hindi convencional.  'Rey del romance' Deewar (1975) y Silsila (1981)

Mira Nair

Estudió en los Estados Unidos, documentales centrados en el género y crítica sutil en un esquema tradicional de Bollywood

Características de estilo, estética y narrativas + temas y géneros abordados

La importancia de la música y la danza

Música ecléctica utilizada: Desde el principio, la música creada para las películas incorporó estilos de diversas tradiciones, tanto del norte de la India como de la música clásica carnática, clásica ligera, religiosa y folclórica, y por supuesto Hollywood; a medida que las películas se hicieron más conocidas internacionalmente, se utilizaron aún más influencias musicales internacionales.

Las canciones de las películas, llamadas de diversas maneras canción de cine, cinemusic y música de reproducción, se convirtieron en la música popular de la cultura, tanto que incluso hoy en día, el 80% de la música popular en la India sigue siendo una canción de cine.

Elaborados números de baile y un montón de canciones normalmente no cantadas por los actores. Una canción es un espacio para el deseo. Cosas que no estaban permitidas en el dominio público, [los cineastas] las ponían en una canción.

Estética colorida

Las películas de Bollywood son conocidas por sus trajes exagerados, maquillaje y colores de neón, especialmente las mujeres. Las mujeres en las películas de Bollywood están impecablemente vestidas con saris tradicionales, joyas pesadas y abundantes cantidades de maquillaje.

Narrativa

Tramas repetitivas: Joven conoce, gana, pierde y reclama a la chica, durante el cual corren a través de enormes armarios, aparecen en lugares de todo el mundo, se besan (ocasionalmente) pero de ninguna otra manera expresan su deseo, se dan serenatas con seis canciones y se unen a las líneas de coro en media docena de números de baile. Los problemas familiares estallan y se resuelven, los asesinatos se cometen y resuelven, y los automóviles son perseguidos y destruidos mientras todo esto sucede. La buena gente sale ganando.

Narrativa melodramática. Solo en paralelo se incluyeron muchos problemas sociales, no fue tan bien recibido.

# data[].attributes.headline
El Día de la Bestia (1995, Alex de la Iglesia)

# data[].attributes.subject
El Día de la Bestia (1995, Alex de la Iglesia)

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Hola. El profe dio contexto sobre el antecedentes directo de la época de la que vamos a estar hablando: los 60s. Es decir: hippies, guerras, los Beattles, contraculturas y esas cosas del LSD.

Hay nuevas narrativas. En Europa, la Nueva Ola tiene una gran influencia y hay fe en el autor. En el Tercer Mundo, el cine, entre la censura y represión, encuentra su lugar en cineclubs y como herramienta de militancia.

Por otro lado, volvemos a Hollywood, donde los grandes estudios están en crisis, el Studio System está implantado y muchas producciones tienen una estética parecida.

En ese contexto de megaproducciones y crisis de los estudios, aparece Cleopatra (1963) y todo vale v...

Mi reacción fue de "cómo que otra vez Hollywood supo arruinarse" y pues sí.

# data[].attributes.body
Vimos cine de Canadá, Australia y Nueva Zelanda

Canadá

Cronología

1897

Se crearon las primeras cintas 100% canadienses por James Freer y en el 98 su presupuesto incrementó gracias al "Canadian Pacific Railway" (CPR) aunque el cineasta más reconocido fue Ernest Shipman.

1930

La CPR continuó creando filmes con el fin de incentivar a migrantes británicos de moverse a Canadá y durante las época se crearon normas de censura en el país.

1970

Durante esta época parece ser el cine directo uno de los que lleva a la industria por la delantera y surgen películas como Michael Rubbo´s Waiting for Fidel y Manufacturing Consent: Noam Chomsky and the Media.

00s

Canadá ha invertido en la producción para hacer crecer a la industria. Surgieron diversos cineastas ganadores de múltiples premios como Xavier Dolan, Sarah Polley, Zacharias Kunuk, etc.

Contexto

Logros esporádicos, de forma aislada contra grandes obstáculos

Acceso a capital, mercados de distribución y exhibición limitados

Competencia contra el cine de Hollywood (en particular el cine en inglés)

Insuficiente interés local

Infraestructura en manos de inversión extranjera

70s, cooperativas cinematográficas regionales

Toronto Filmmakers Co-op (1971-79)

Atlantic Filmmakers Cooperative en Halifax (1974-)

Winnipeg Film Group (1974-)

Capacitación de jóvenes

Generación de artistas independientes (80-90s)

Agencias de financiación privisionales

Cine experimental

Cine político post 1968

Experimental

The Far Shore (1976), de Joyce Wayland

Melodrama

Convenciones narrativas clásicas asimiladas políticamente temas y asuntos secundarios, especialmente en el ámbito político el thriller y la comedia.

Técnicas y formas establecidas por el documental Direct Cinema

Algunas cinematografías regionales

Ontario

Ontario Film Development Corporation (OFDC)

Columbia Británica (Vancouver)

Cine de las praderas

Winnipeg Film Group

Cine atlántico

El lejano norte (cine inuit)

Igloolik Isuma Productions

Cine Québécois

Surgimiento finales de 70s-80s

Cine en francés

Dennys Arcand

The Decline of the American Empire (1986)

Jesus de Montréal (1989)

Les invasions barbares (2003)

Declive hacia los 90s

Retiro de talento

Enfrentar formatos digitales

Nueva ola: cine de mujeres

Toronto New Wave

Masa crítica del cine canadiense

Cine hablado en inglés

Film departments at the University of Toronto

LIFT (Liaison of Independent Filmmakers of Toronto)

Diversidad étnica

Escena gay

Atom Egoyan

1984 Next of Kin

1987 Family Viewing

1989 Speaking Parts

1991 El liquidador

1993 Calendar

1994 Exotica

1997 The Sweet Hereafter

1999 El viaje de Felicia

2002 Ararat

2005 Where the Truth Lies

2008 Adoration

2009 Chloe

2014 Los Venturi

2014 The Captive

2015 Remember

2019 Guest of Honour

Películas que destacan

City of Gold (1957)

Wolf Koenig, Colin Low

Candid Eye Series (1958-1960)

Terence Macartney, Stanley Jackson, Wolf Koenig, Roman Kroitor, William Greaves

Les raquetteurs (1958)

Gilles Groulx, Michel Brault

Goin´ Down the Road (1970)

Donald Shebib

Manufactured Landscapes (2006)

Jennifer Baichwal

The sweet hereafter (1997)

Atom Egoyan

Cineastas internacionales

David Cronenberg

Xavier Dolan

Denis Villeneuve

Actualidad

Muchas de las películas americanas actuales son producidas en Canadá, aprovechando la industria y espacios en los que fueron invertidos durante los pasados años.

En comparación a la década de los 60s cuando una cantidad mínima de películas canadienses recibían difusión, en la época actual un mínimo de 50 reciben esta distribución.

Toronto es considerado uno de lo más grandes productores de la actualidad, después de Los Ángeles, Nueva York, la NFB y los estudios canadienses son reconocidos internacionalmente por su prestigio en la industria de la animación y la producción de documentales a lo largo de su historia.

Sony Pictures

Imageworks

Technicolor

Zoic

Australia

Cronología

1970

Al inicio de los 70s, el gobierno australiano intentaba crear un establecimiento de una identidad nacional, se funda el Australian Film Development Corporation. Con la llegada del nuevo cine australiano se funda The Australian Film and Television School

1972

Se cambia el nombre del Australian Film Development Corporation a Australian Film Comission (AFC) y ayuda a financiar 50 proyectos en sus primeros 5 años.

1980

Para finales de los 80s el cine australiano se había vuelto internacional, altamente dependiente de estrellas internacionales, como Meryl Streep en Evil Angels (1990). En 1988, la agencia de apoyo Film Finance Corp (FCC) conecta los fondos a una mejor viabilidad comercial. Esto revive la época dorada de los 70s.

1990

Las producciones ahora dependían más de fondos extranjeros.

Comienzos de la industria

La producción de filmes australianos bajó durante los 50s e inicios de los 60s.

Sin embargo, la llegada de Michael Powell, quien fue forzado a trabajar en la televisión después de sus críticas por Peeping Tom (1960), marca un nuevo inicio de filmes comerciales cuando hace un filme de comedia con bajo presupuesto They´re a Weird Mod (1966), el cual trata de un trabajador inmigrante.

El filme que hizo un progreso fue Picnic at Hanging Rock (1976) de Peter Weir.

Directores destacados

Peter Weir

George Miller

Internacionalización y el resurgimiento de la industria

La industria australiana produce filmes internacionalmente populares. El filme independiente Mad Max (1978) fue producido por la compañía Kennedy-Miller.

Más tarde, resurge la industria en los 90s con Baz Luhrman y Strictly Ballrom (1992), Shine (1996) y Babe (1995), que se vuelven increíblemente populares, lo que abre las puertas a producciones financiadas por extranjeros.

La caída de la industria

En 1996, un partido político Liberal-Nacional llega al gobierno y corta el presupuesto de la FFC.

Se importan más filmes americanos independientes, la competencia incrementa. Y para finales de los 80s ningún filme obtuvo tanto éxito como Shine.

Se financia Oscar y Lucinda (1997) dirigida por Gillian Amstrong. Sin embargo, se convierte en una falla cara que hace ver los subsidios del gobierno como injustificables.

La secuela Babe: Pig in the city (1998) es producida por Kennedy-Miller financiada por Universal. Sin embargo, esta también falla y la producción local se cae.

20th Century Fox

En 1998, 20th Century Fox abre Fox Studios Australia en Sidney.

Se filman porciones de Matrix y Star Wars en Fox.

Dark City (1998), coproducida por New Line Cinema y la compañía propia del director australiano Alex Proya. Uno de los primeros filmes grabados ahí.

Luhrman decide seguir produciendo filmes con Estados Unidos como Romeo y Julieta (1996) y Moulin Rouge! (2001) en Fox Studios Australia.

En el 2000, The Dish, una comedia excéntrica del aterrizaje a la luna en 1969, se vuelve popular internacionalmente.

Actualidad

La industria australiana sigue produciendo filmes cada año. Le ha sido difícil competir con la industria americana aunque su producción ha sostenido la marcha, provocando la unión de 3 organizaciones gubernamentales para formar la Screen Australia en 2008.

Por el COVID-19, por lo menos 60 filmes fueron detenidos de producción junto con las presupuestadas por Screen Australia, aunque con la mejora de la situación continuaron presupuestando los trabajos y revisando solicitudes de trabajo para abarcar los fondos del 2019-2020.

Nueva Zelanda

Cronología

1970

Nueva Zelanda no tuvo una industria enteramente estructurada hasta los 70s

1980

Para los 80s, se logra mantener un nivel de producción más o menos bajo

1990

Aumenta casi al doble la asistencia al cine por la popularidad de los multiplex theatre

00s

Para finales de los 90s el país depende económicamente de la producción, cineastas y otro tipo de talentos empleados en proyectos extranjeros

Comienzos de la industria

En 1978, el gobierno establece la New Zealand Film Comission, la cual comienza a apoyar a realizadores en el desarrollo de sus proyectos

Actualidad

Se trata de una agencia gubernamental que invierte en películas y cortometrajes neozelandeses.

Se propone contribuir a la financiación de producción de entre 8 a 12 proyectos por año.

Llevan a cabo estrategias de mercado para promover el trabajo de sus realizadores por el extranjero y así atraer propuestas internacionales al país.

Se han involucrado en la financiación y administración de al menos 300 películas

Debido a que la población del país llegaba apenas a los 3 millones de habitantes durante los 80s, las películas tenían que ser exportadas para recuperar costos

Las producciones de este país suelen orientarse más al cine y audiencias art-house, es decir, el tipo de cine que busca transmitir una visión artística en vez de entretener a las masas

Directores destacados

Jane Campion

Sweetie (1989)

An Angel at My Table (1990)

The Piano (1993)

Portrait of a Lady (1996)

Holy Smoke (1999)

Peter Jackson

Primera época

Bad Taste (1987)

Meet the Feebles (1989)

Braindead (1992)

Segunda época

Heavenly Creatures (1994)

The Lord of the Rings (2001, 2002 y 2003)

The Hobbit (2012, 2013 y 2014)

Vincent Ward

The Navigator: A Mediaeval Oddysey (1988)

A Map of the Human Heart (1992)

What Dreams May Come (1998)

Lee Tamahori

En 1994 dirige Once Were Warriors.

Película de mayor recaudación en el país.

Basada en la novela del autor Alan Duff.

Tiempo después se va a Hollywood donde dirige.

Mulholland Falls

Along came a spider

Taika Waititi

Actor cómico que tuvo éxito en la nacional y se proyectó internacionalmente

Boy (2010)

What We Do in the Shadows (2014)

Thor: Ragnarok (2017)

Wignut Films y Weta Digital

A diferencia de Tamahori, Jackson permanece en su país para filmar The Frighteners (1996), que fue co-producida por Universal y la propia firma de Jackson: "WingNut Films".

Además de esta firma, el director desarrolla "Weta Digital", un estudio especializado en post-producción ubicado en Wellington.

Características

Estructuras narrativas convencionales (en su mayoría) o comparables con las estructuras literarias.

Historias complejas.

Uso de elementos fantásticos y sobrenaturales.

Exposición de pensamientos internos de los protagonistas.

Atención a la composición estética y fotográfica.

Uso recurrente de la naturaleza.

# data[].attributes.body
¿Qué es medio oriente?

Cine del medio oriente:

Egipto, Irán, Bahréin, Irak, Israel, Jordania, Turquía, Kuwait, Líbano, Palestina, Omán, Qatar, Arabia Saudí, Emiratos Árabes Unidos y Yemen

Cine árabe:

Egipto, Líbano, Túnez, Siria, Irak, Kuwait, Argelia y Marruecos

No: Israel, Turquía e Irán

Cine de África del Norte:

Argelia, Túnez y Marruecos

Contexto 1960

Fricciones entre los países árabes e Israel, especialmente Egipto, Siria, Jordania, etc.

Guerras: 1967, 1973, Yom Kippur

Aumento desmedido en los precios del petróleo

Alineación de bandos con EUA y con la URSS

Asesinato de Anwar Sadat (Egipto) en 1991

Invasión israelí de territorios palestinos

Organización para la Liberación de Palestina (OLP)

Falta de reconocimiento de mutuas partes

Industrias cinematográficas de la región

Egipto

Irán

Turquía

Exportación (regional) de comedias, musicales, películas de acción, melodramas

Otras cinematografías

Apoyo estatal

Cine de arte (Irán)

Tercer cine

Declive (90s): Aparición del video, competencia contra superpotencias occidentales

Otras industrias

A principios de la década de 1970, Siria contaba con una sólida industria, que enviaba películas a Líbano, Kuwait y Jordania.

Se creó un "nuevo cine sirio" de protesta social y el Festival de Cine de Damasco, que exhibía películas del Tercer Mundo.

Líbano también tenía una industria importante.

Iraq

Cine menor

Lenguaje extraño e incomprensible para la región

Programa de Películas Patrióticas (Saddam Hussein)

Monopolio de la producción

Directores árabes de otros países

Al-Qadissa (1981), Salah Abou Seif (egipcio)

15 millones de dólares

Boicot por la guerra contra Kuwait

Israel

Golan & Goblus

Primos

Productores de cine

Musicales

Espías

Melodramas

Romances étinocs (bourekas)

Dueños de cadenas de cines

Creadores de la industria cinematográfica de Israel

Distribuidores de películas de EU en Israel

New Sensibility

Búsqueda de otras alternativas:

Cine psicológico

Problemas de la clase media

Cine político

Apoyo estatal (Ministerio de Educación y Cultura) - 1979

Filmes personales

Bajo presupuesto

Producciones de 15 películas al año

El cine más occidentalizado

Co-producciones con Europa

Películas habladas en inglés

Hide and Seek

Transit

Lemon Popsicle

Beyond the Walls

Devarin

Kadush (1991) Gitai

Canon Pictures

Adquirida por Golan y Globus en 1979

Producciones variopintas en USA

Desde Óscares a Cine B

Cobra - Sylvester Stallone

Charles Bronson

Chuck Norris

Ninjas

Cassavetes, Godard, Altman

Producciones en Israel

Cine de Israel

El declive en los 90s

Recorte presupuestales de gobierno

Encarecimiento de los procesos

10 películas al año

Solo 1% de taquilla

50% de impuesstos de televisión destinado a la cultura cinematográfica

Amos Gitai

Director más prominente de Israel

Estudió arquitectura

Documentales y ficción

Filmó en Europa

Primer director israelí en competir en Cannes

Egipto

70s, el declive del "Hollywood" del cine árabe

Migración de talento (Siria, Iraq)

Dominio del mercado regional

Cine pan-árabe nacionalista

De 53 (1993) a 16 (1997)

Directores y películas

Youseff Chahine

1993: Sho'aa (Cultural Media Company)

Nuevos talentos

Fórmula: "pez fuera de agua" (personajes inadaptados en contextos extraños)

Said Hamed

Turquía

Amplio rango de géneros

100 millones de espectadores al año

Golpe de estado: opresión, censura: 1980

80s: Liberación y nuevo auge

Producción: 200 películas al año (la mitad directo a video)

1992: 25 películas (co-producciones)

Entrada a la unión europea

1993: 10 películas

The Bandit, de Yavuz Turgul, éxito de taquilla local

Yilmaz Güney

Umut (Hope, 1970)

Yol (The Way, 1982)

Ideología de izquierda

Persecución política

Irán

Nuevo cine iraní

Gav (1970) Dariush Mehrj ui

Creación del New Film Group, con financiamiento del gobierno

Crítica social

En 1980: 28 películas

The Cycle (1976), Mehrj

Tall Shadows of the Wind (1978), Bahman Farmanara

Después de la revolución: el Ayatollah

Éxodo de cineastas

Baja producciójn: solo 100 películas producidas entre 1979 y 1985

Ampliación de la censura a temas sexuales e influencias occidentales

Prohibición de cine extranjero

Fomento a películas que impulsaban el Shi'ismo

Creación de la Farabi Cinema Foundation (FCF) en 1983

Renacimiento Cinematográfico

Libertad creativa de la unidad de Children and Young Adults de la FCE

Cine personal, imaginativo e íntimo, a pesar de las restricciones del gobierno

Cine para niños y jóvenes como opción para aludir a temas políticos y trascendentales

Abbas Kiarostami

El cineasta más importante de Irán

La trilogía Koker

Where is the friend's home? (1987)

Life, and Nothing More (1992)

Trhough the Olive Trees (1994)

Narrativa desdramatizada

Reflexividad

# data[].attributes.body
Contexto

Una película independiente es una película que se produce fuera del sistema de los grandes estudios, fuera de la industria de Hollywood. Normalmente tienen un presupuesto bajo, pero no siempre.

El tema también diferencia al cine independiente del comercial.

No sólo hacen dinero en taquilla

Soundtrack

Mercancía

Exitosas fuera de USA

Ciencia ficción, comedia ligera, fantasía y horror

Estructuradas

Costaban alrededor de 60 millones

Grandes riesgos

Megaplexes

Mini Majors

Productoras y distribuidoras de segundo nivel

Financiadas internacionalmente

Sobrevivían más que nada por ventas de video

Island Alive (Kiss. of the spider woman, 1984)

Carolco (Rambo, Total recall)

Dino de Laurentis (Conan, Blue Velvet 1986, Dune)

Orion (Amadeus 1984, The Silence of the Lambs 1999)

Sundance Film Festival

En 1980 Robert Redford instauró el Sundance Film Festival Institute en Utah

En 1990 se fusionó con el US Film Festival en Salt Lake City para crear el Sundance Film Festival

Sexo, mentiras y video (1989) de Steven Soderbergh

Agentes buscaban el próximo hit

Independent Spirit Award

Se funda en 1984

Se empieza a honrar a cineastas visionarios, innovadores y actores y actrices anónimos en películas independientes que "encarnan la independencia y se atreven a desafiar el status quo".

New Line Cinema

Establecida en 1967

Películas europeas

Terror de bajo presupuestp

Las Tortugas Ninja (1990)

Pesadilla en la calle del infierno (1984)

Miramax

Fundada en 1979 por Bob y Harvey Weinstein

Impulsada por Cinema Paradiso (1988)

Perros de Reserva (1992)

Pulp Fiction (1999)

Shakespeare enamorado (1998)

El paciente inglés (1996)

Harvey Scissorhands

Imperio Indie

Dimension

Pulp Fiction

Financiada por Miramax con un presupuesto de 8 millones de dólares, pequeño para cualquier estándar de gran estudio.

Comenzó una especie de fórmula para el éxito indie en esa época.

Los 6 grandes

Muchos de estos comenzaron a distribuir algunas películas independientes y más tarde a formar divisiones de cine independiente (como Fox Searchlight) que financiarían películas más pequeñas directamente.

Fuera del sistema

La idea de que esta película sea anto-corporativa y de mentalidad independiente era genial a principios de los 90

Lo mismo sucedió con la música como música punk y undeground

Las películas y la música comenzaron a aprovechar el ingreso disponible de un público más joven

The cult of personality

Esto se creó alrededor de los directores, especialmente los directores-escritores. Hicieron elecciones temáticas y estilísticas audaces que hicieron que fuera más fácil notar un sello personal en su trabajo.

Cambios estilísticos

Directa o indirectamente por video, lo que mejora el contraste de la fotografía.

Bajo contraste

Color e iluminación para un aspecto brillante

Más cortes

E intensificación de los movimientos de la cámara

Sonido duro

Banda sonora cada vez más agresiva

Mantener la atención

En el ambiente hogareño que distrae

Variantes

Arty Indies

Rechazaba todo lo que era Hollywood

Avant-garde

Stranger than paradise (1984)

Off Hollywood Indies

Tenían géneros e incluso estrellas

Se diferenciaban de Hollywood por su bajo presupuesto y temas riesgosos

Woody Allen, Robert Altman

Darren Aronofsky, Paul Thomas Anderson

Blue Velvet de David Lynch 1986

Sexo, mentiras y video

Pulp Fiction, la película independiente más exitosa de la década

Minorías

Retro Hollywood Independientes

Retomaba los géneros que Hollywood ya no producía

Horror de bajo presupuesto Scream (1996), I know what you did last summer (1997), Nightmare on Elm Street (1981) y the Evil Dead (1984)

La Nueva Ola (80s)

Jim Jarmusch

David Lynch

Spike Lee

Hal Hartley

Los Postapocalípticos

Kevin Smith

Quentin Tarantino

Harmony Korine

Larry Clark

Todd Solondz

Los Multigenéricos

David Fincher

Brian Singer

Abel Ferrara

Los Naturalistas

Alexander Payne

Sofia Coppola

Richard Linklater

John Cassavetes

Shadows (1959)

Terrence Malick

Badlands (1973)

David Lynch

Eraserhead (1976)

Hal Hartley

Amateur (1995)

Jim Jarmusch

Bajo la ley (1986)

Spike Lee

Do the Right Thing (1989)

Quentin Tarantino

Reservoir Dogs (1992)

Todd Solondsz

Happiness (1998)

Paul T. Anderson

Magnolia (1999)

Wes Anderson

Life Aquatic (2004)

# data[].attributes.body
Hola, este día vimos cine soviético y hay mucho contexto

Antecedentes

Después de la WWII el mundo, pero especialmente Europa quedó dividido en "esferas de influencia".

Por un lado los países capitalistas y por el otro, los socialistas

Duró de 1945-1989

Países Eslavos

Los "Tres Pueblos" Eslavos

Oeste = Polonia, Eslovaquia, República Checa

Este

Eslavos de los Balcanes

Ex - Yugoslavia

Bulgaria

Línea de tiempo

Comunismo soviético

60s - Rechazo del comunismo

Reformas que pacificaron a la población

Censura

75s - Nuevos movimientos

Anuncio del colapso financiero de la USSR

Países que expulsan a líderes comunistas

90s - Caída del comunismo soviético

Periodo post-soviético

Tradición Literaria

Alexander Pushkin

Fyodor Dostoievsky

Anton Chekhov

Leo Tolstoy

Vladimir Propp

Grandes académicos del Teatro y Cine

Jerzy Grotowski

Konstantin Stanislavsky

Sergei Eisenstein

Lev Kuleshov

Dziga Vertov

Antecedentes

Aunque el final de la cortina de acero llegó en 1989, con las reformas de la perestroika de Mijaíl Gorbachov, en realidad el descontento comenzó con las crisis económicas de los 70, que provocaron un gran desabasto de alimentos en esos países

Sindicatos independientes

Grupos nacionalistas

Grupos religiosos

Patrón general del otro lado de la cortina

Sistema de unidades de producción vs Cine centralizado

El cine cambia de ser controlado y/o impulsado por el Estado a ser producido de manera privada

Desaparecen las barreras de la Guerra Fría, los artistas y creadores de cine se mueven libremente, hay nuevas oportunidades

El colapso de Yugoslavia crra un ambiente fílmico poderoso pero también político y venenoso. Se trata de desacreditar a filmes por ser "propaganda". Algo similar ocurre en la antigua USSR

Cinematografías de los países satélite

Nuevas olas: 50s-60s

Checoslovaquia

Yugoslavia

Cinematografías menores

República Democrática de Alemania

Realismo Socialista

Bulgaria

Algunas películas de jóvenes inconformes/ Grandes producciones históricas

Yugoslavia

Surgimiento del cine independiente y descentralizado

Checoslovaquia

Enero 1968 - "Primavera de Praga"

Manifiesto: "Los dos mil mundos"

Luego de la Primavera de Praga (1968) el cine estuvo fuertemente controlado financieramente, y por "asesores literarios" (censores)

Migración de directores

Milos Forman, Jan Nemec, Ivan Passer, Ján Kadár

Revueltas en 1989: Estreno de películas

1993: País dividido en dos

República Checa

Eslovaquia

Películas y directores

Jiri Menzel

Alondras en una cuerda (1969)

Working class power

Banned

Reclusión cerca de un bosque (1976)

Cortarlo en corto (1980)

Mi pequeño y dulce pueblo (1986)

El juego de Apple (Vera hytilová, 1976)

I love you, you love (Dusan Hanák, 1980)

Hungría

70s-80s: Reformas económicas

Economía descentralizada y mixta

Vanguardia del cine de Europa del Este

Producción de entre 12 y 20 películas por año

La productora del gobierno: Motion Picture Public Foundation

Éxito de directores húngaros

Márta Mészáros

Miklós Jancsó

István Szabó

La nueva ola 90s

Gyorgy Feher

Béla Tarr

Cine oscuro

Películas y directores

The Confrontation (Miklós Jancsó, 1969)

Márta Mészáros

Anna

Diario para mis hijos (1984)

Diario de mis amores (1987)

István Szabó

Confianza (1979)

Mephisto (1981)

Coronel Redl (1983)

Algunos autores posteriores (Balcanes)

Underground (1995) - Emir Kusturica

Grabada en plena Guerra Yugoslava

Trata sobre el nacimiento, la vida y muerte de Yugoslavia

Humor extremadamente negro, tragedia y crítica poderosa

Realismo mágico, mundo absurdo

Se utilizan elementos de farsa, sátira y documental

Sensibilidad Eslava y Mediterránea

Palme d´Or 1995 Cannes

Polonia

1968: Una de las cinematografías más importantes del bloque comunista

Los cineastas tenían cierto gradp de ñobertad creatova. Director artistico y director literaio

Solidariada, una nueva unión para las "Polonia autónoma". Huelgas

Cine socialmente crítico

"El único testigo de las condiciones de ña voda spcoal"

Cine de "preocupación moral"

Nuevo

Películas y directores

Andrej Wajda

Krzysztof Kiéslowski

Después del Glasnost

En los 90s, luego de la caída del comunismo, las productoras nacionales fueron disueltas o privatizadas

El precio de los boletos del cine se liberó

Las cinematografías nacionales enfrentaron la feroz competencia de Hollywood

Se comenzaron a filmar co-producciones junto con algunos países occidentales

El cine de la USSR

Doctrina Brezhnev

Leonid Brezhnev

Secretario del Partido Comunista que se ocupa de la crisis y la disidencia

El cine retrata los valores del gobierno

Goskino = Entretenimiento en sintonía con el comunismo (realismo pedagógico)

Exilio y censura

Un creciente pensamiento prodemocrático

Los disidentes del régimen fueron exiliados o detenidos

Cine poético

Sergei Paradzhanov, arrestado en 1968

Sombras de ancestros olvidados (1965) y El color de las granadas (1969)

Andrei Tarkovsky: Andrei Rublev (1966)

70s a principios de los 80s

Más poesía

Tarkovsky

Solaris (1972), El Espejo (1975) y Stalker (1979)

Declaradas "incomprensibles" y no rentable

Pradzhanov arrestado por homosexualidad, tráfico de arte robado e "incitación al suicidio"

Películas independientes

Jovenes cineas

80s a 90s

Perestroika

1985: Liderazgo de Mijaíl Gorbachov.

Colapso financiero y Perestroika

Glasnost: Más libertades al cine

Goskino: Moscú no cree en las lágrimas (1980)

Retrospectiva póstuma de Tarkovsky

Fin de la USSR

1991: Disolución del partido comunista

USSR separada en celulas

Liderazgo de Boris Yeltsin en Rusia

Todo el cine estaba controlado por la Goskino, la agencia estatal

Alrededor de 190 películas al año

Moscú no cree en las lágrimas (1980) de Vladimir Menshov se convierte en la primera película soviética en ganar un Oscar

Surgimiento de mujeres directoras

La chica inútil

Algunas entrevistas sobre asuntos personales (1979)

La ascención (1977)

Otros cineastas destcados

Andrei Mikhalkov

Konchalovsky, Siberiada

Nikita Mikhalkov

Cinco tardes

Ojos negros (1987)

Rolan Bykov

Espantapájaros (1983)

Tarkovsky

Políticamente no político

Se declaró en contra de los mensajes políticos en el cine. Argumentó que el cine debería centrarse en impresiones evocadoras

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
I swear to submit to the following set of rules drawn up and confirmed by DOGMA 95:

Read more about Another Round here.

Shooting must be done on location. Props and sets must not be brought in (if a particular prop is necessary for the story, a location must be chosen where this prop is to be found).

The sound must never be produced apart from the images or vice versa. (Music must not be used unless it occurs where the scene is being shot.)

The camera must be hand-held. Any movement or immobility attainable in the hand is permitted.

The film must be in color. Special lighting is not acceptable. (If there is too little light for exposure the scene must be cut or a single lamp be attached to the camera.)

Optical work and filters are forbidden.

The film must not contain superficial action. (Murders, weapons, etc. must not occur.)

Temporal and geographical alienation are forbidden. (That is to say that the film takes place here and now.)

Genre movies are not acceptable.

The film format must be Academy 35 mm.

The director must not be credited.

Furthermore I swear as a director to refrain from personal taste! I am no longer an artist. I swear to refrain from creating a "work", as I regard the instant as more important than the whole. My supreme goal is to force the truth out of my characters and settings. I swear to do so by all the means available and at the cost of any good taste and any aesthetic considerations.

Thus I make my VOW OF CHASTITY.

Copenhagen, Monday 13 March 1995

On behalf of DOGMA 95

Lars von Trier Thomas Vinterberg

# data[].attributes.attachment_link.title
Dogme95.dk - A tribute to the official Dogme95

# data[].attributes.attachment_link.description
I swear to submit to the following set of rules drawn up and confirmed by DOGMA 95: Read more about Another Round here. Shooting must be done on location. Props and sets must not be brought in (if a particular prop is necessary for the story, a location must be chosen where this prop is to be found).

# data[].attributes.body
No entendí el final :0

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=TQcBPnD1B3o

# data[].attributes.headline
Mi reseña/crítica/experiencia estética de la película con un yo azul:

# data[].attributes.subject
Mi reseña/crítica/experiencia estética de la película con un yo azul:

# data[].attributes.headline
Un video con un yo morado —por decisión estética— dando mi opinión/reseña/experiencia del filme:

# data[].attributes.subject
Un video con un yo morado —por decisión estética— dando mi opinión/reseña/experiencia del filme:

# data[].attributes.headline
Yo en rojo/rosa hablando de El Día de La Bestia

# data[].attributes.subject
Yo en rojo/rosa hablando de El Día de La Bestia

# data[].attributes.body
La película me hizo el día :)

# data[].attributes.body
"La gente necesita que alguien piense por ellos. Eso para mí es un problema que hay que resolver. Es necesario que cada ciudadano piense por sí mismo. El día que eso suceda, la película será una película vieja. Y yo estaré muy contento de que la película haya envejecido y quede como un testimonio de un momento de lucha, de un momento difícil".

# data[].attributes.attachment_link.title
Tomás Gutiérrez Alea a propósito de "Memorias del Subdesarrollo" (1968)

# data[].attributes.body
Encontré la novela de Edmundo Desnoes que se adaptó en la película. Noto que los V.O. del personaje en el filme son una copia casi textual de la narración en primera persona de la novela (obviamente no leí el libro completo, leí unas 10-15 páginas, quizá algún día sí lea todo).

# data[].attributes.headline
A Woman Under the Influence’: Cassavetes’ Intense and Emotionally Exhausting Slice of Life

# data[].attributes.subject
A Woman Under the Influence’: Cassavetes’ Intense and Emotionally Exhausting Slice of Life

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
When Gena Rowlands, his wife, expressed her interest in appearing in a play about the difficulties that contemporary women had to face, John Cassavetes wrote a script so emotionally profound and exhausting Rowlands immediately understood it would be too much for her to perform it eight times a week. Cassavetes turned the play into a screenplay for the big screen, but A Woman Under the Influence was too much for Hollywood studios and producers to swallow. Nobody wants to see a crazy, middle-aged dame, they said. Luckily enough, both for Cassavetes and for all of us in the audience, the filmmaking couple had a lot of friends who fell in love with the powerful script and who were willing to chip in and even become a part of the project. Peter Falk provided half a million dollars of his own money just so he could watch his friend's impressive vision turn into a movie. Cassavetes himself mortgaged his house. The crew consisted of both professionals and students from the American Film Institute, where the director worked as the first filmmaker in residence. Rowlands did her own hair and makeup, Cassavetes and Rowland's mothers were cast-the budget was very limited, but the production had heart and guts, and one hell of a talent behind the camera.

Even after completion Cassavetes' trouble with the film was far from over. Unable to find a distributor, he called theater owners himself, asking them to run the film. It was one of the very first cases where an independent film was distributed without the use of distributors or sub-distributors. It was Cassavetes' passion project and he was prepared to do whatever it took to share it with the world. Unexpected help came from Richard Dreyfuss, of all people. Appearing on The Mike Douglas Show with Peter Falk, he said he saw Cassavetes' "incredible, disturbing, scary, brilliant, dark, sad, depressing movie" and after the experience "went home and vomited," and people rushed to see what made the actor so sick. It's hard to find better words to describe the rollercoaster of feelings you get when you watch it.

A Woman Under the Influence is intense, providing a portrayal of a working class family and the dynamics of family, marriage, sex and social interactions. It's an exploration of a woman's psychology written and filmed with much understanding and dedication. Emotionally draining, Cassavetes' film features brilliant performances from Rowlands and Falk, playing a married couple caught at a moment when their shaky world crumbles down. It offers no consolation, no resolution, no bright note before the credits. Just like all of Cassavetes' best work, it's a vivid and chaotic slice of life that you feel continues naturally without us when the curtain is drawn.

It's a great privilege and pleasure to read John Cassavetes' screenplay for A Woman Under the Influence [ PDF]. (NOTE: For educational and research purposes only). The DVD of the film is available from the Criterion Collection. We also highly recommended the Criterion Collection's John Cassavetes: Five Films Blu-ray box set.

"A script is a series of words strung together. When I first start writing there's a sense of discovery. In some way it's not working, it's finding some romance in the lives of people. You get fascinated with their lives. If they stay with you then you want to do something-make it into a movie, put it on in some way. It was that which propelled us to keep on working at it. Making a film is a mystery. If I knew anything about men and women to begin with, I wouldn't make it, because it would bore me. I really feel that the script is written by what you can get out of it and how much it means to you, and if it means nothing to you, we start again and try to put ourselves up and communicate with you. The idea of taking a laborer and having him married to a wife who he can't capture, is really exciting. I don't know how you work on that. So I write-I'll do it any way [I can]. I'll hammer it out, I'll kick it out, I'll beat it to death, anyway you can get it. I don't think there are any rules. The only rules are that you do the best you can. And when you're not doing the best you can, then you don't like yourself. And that's very individual with everyone."
-John Cassavetes

Here's a terrific 90-minute John Cassavetes interview from the mid-seventies on filmmaking and his 1974 film A Woman Under the Influence. With Gena Rowlands, and some Q&A with the public. Brilliant stuff!

In 2004, actors Peter Falk and Gena Rowlands sat down in Rowlands's home to discuss their landmark collaboration on Cassavetes's A Woman Under the Influence, in a conversation for Criterion. In the seventeen-minute dialogue, Falk (who died in 2011) and Rowlands touch on the nature of their working relationships with the legendary director and the intensely challenging roles they took on for this film. In the following short excerpt, Rowlands recalls first reading the script, and Falk describes the first day of shooting.

Open YouTube video

More great stories from Peter Falk, back in '93.

Open YouTube video

Here's a great interview with John Cassavetes conducted in 1975 at the American Film Institute while he was filmmaker in residence there and editing A Woman Under the Influence.

Another great interview with John Cassavetes, March 5, 1975.

"The music for A Woman Under the Influence is basically about love," says Bo Harwood, the longtime collaborator of John Cassavetes's who composed that film's score. "It's about loving somebody, loving your family, loving them no matter what." This purity of emotion comes through in the stirring piano themes that recur throughout the movie, which were inspired by conversations Harwood had with Cassavetes about the emotionally turbulent story. When the director approached Harwood to work on the music, he described the female protagonist-a suburban housewife (Gena Rowlands) who suffers an emotional breakdown-over an impassioned hour-and-and-a-half-long phone conversation. And in the process, Harwood says, Cassavetes "became this woman." In this new video by Daniel Raim-a follow-up to an earlier piece featuring Harwood-the composer talks about this and other memories from the production of the film, and reflects on how he crafted a sound that conveys the power of love shared by the characters while also evoking their melancholy and loss. -A Sound for Love and Loss: Bo Harwood on A Woman Under the Influence

Backed by Cannon Films, which also made Love Streams, Variety reported, this documentary "by no means stands as a promotional piece, emerging rather as an evocative glimpse of one of filmdom's genuine mavericks." Those who revere Cassavetes and his films will embrace I'm Almost Not Crazy... as a rare and invaluable chronicle of their hero doing and talking about what he loved best: filmmaking. Those who don't should gain new respect for the man, his methods, his passion, and his absolute commitment to his own unique vision of the human comedy. -

From the French TV seriesCinéma cinémas, a 1983 feature on Cassavetes directing Love Streams(1984).

Enjoy these words from Martin Scorsese on "the Father of American Independent Cinema" and then spark your filmmaking passion with Filmmaking Wisdom from John Cassavetes, 5 tips of cinematic goodness presented by A-BitterSweet-Life.

Omnibus was an arts-based BBC television documentary series, broadcast mainly on BBC One in the United Kingdom. It ran from 1967 until 2003, usually being transmitted on Sunday evenings. During filming in 1970, the BBC followed John Cassavetes and his actors in New York and London making a documentary for their Omnibus strand, examining the unique way this great director made his movies. This is a super-rare look behind the scenes of Cassavetes' first 'big budget' film, Husbands. It depicts several scenes which never made it into the final film, and a few that did. Also great is to watch Cassavetes working out scenes with Peter Falk and Ben Gazzara, sitting around a table smoking, brainstorming, joking, and singing-just like Archie Gus and Harry!

"I'm taking a gamble making the film. I don't have any money. I just go to the bank and borrow it. And hope. But what isn't risky about movies? It's always risky when it's original... It's a very dangerous territory to be in where you can only make a film if your grosses reflect a large gross. I've been making films for twenty-five years and none of them has really made a lot of money. But there's nobody in the world who can tell me we didn't succeed. And that's the greatest feeling that I've ever had in my life. The most difficult thing in the world is to reveal yourself, to express what you have to. As an artist, I feel that we must try many things-but above all we must dare to fail. You must be willing to risk everything to really express it all..." -John Cassavetes

Brian Hamill & Sam Shaw's photos taken behind-the-scenes during production of John Cassavetes' A Woman Under the Influence. Courtesy of Shaw Family Archives © Faces. Intended for editorial use only. All material for educational and noncommercial purposes only.

We're running out of money and patience with being underfunded. If you find Cinephilia & Beyond useful and inspiring, please consider making a small donation. Your generosity preserves film knowledge for future generations. To donate, please visit our donation page, or donate directly below:
Get Cinephilia & Beyond in your inbox by signing in
[newsletter]

# data[].attributes.attachment_link.title
'A Woman Under the Influence': Cassavetes' Intense and Emotionally Exhausting Slice of Life * Cinephilia & Beyond

# data[].attributes.attachment_link.description
By Sven Mikulec When Gena Rowlands, his wife, expressed her interest in appearing in a play about the difficulties that contemporary women had to face, John Cassavetes wrote a script so emotionally profound and exhausting Rowlands immediately understood it would be too much for her to perform it eight times a week.

# data[].attributes.body
También tengo ganas de ver esta película. Agradecido con el de arriba porque está en Mubi. Noté que de otros directores africanos casi no hay material para ver en esta plataforma.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sinopsis

Un joven llega a París desde África en busca de una vida "mejor", pero le resulta extremadamente difícil conseguir un trabajo o un apartamento a pesar de ser un hombre educado. Además, varias mujeres intentan ligar con el de forma condescendiente. Pronto será consciente de la discriminación.

# data[].attributes.attachment_link.description
Un joven llega a París desde África en busca de una vida "mejor", pero le resulta extremadamente difícil conseguir un trabajo o un apartamento a pesar de ser un hombre educado. Además, varias mujeres intentan ligar con el de forma condescendiente. Pronto será consciente de la discriminación.

# data[].attributes.body
https://proyectoidis.org/manifiesto-de-oberhausen/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El 28 de febrero de 1962 un grupo de veintiséis realizadores, hastiados por el callejón sin salida en que se encontraba la cinematografía alemana, publicó un manifiesto en la ciudad obrera de Oberhausen aprovechando la celebración del Festival de Cine y Cortometrajes celebrado allí anualmente. El Manifiesto de Oberhausen supuso el nacimiento del Nuevo Cine Alemán.

Manifiesto de Oberhausen

El colapso del convencional cine alemán nos ha llevado a algunos de nosotros al rechazo de sus bases económicas. Así las nuevas películas alemanas tendrán la oportunidad de cobrar vida.

Los cortometrajes alemanes de jóvenes autores, directores y productores han obtenido en los últimos años un gran número de premios en los festivales internacionales y han tenido el reconocimiento de la crítica internacional. Este trabajo y sus éxitos muestran que el futuro de las películas alemanas descansa en aquellos que han demostrado hablar un nuevo lenguaje cinematográfico.

Como en otros países, también en Alemania ha surgido una escuela del cortometraje y un campo del cine experimental.

Declaramos nuestra aspiración a crear un nuevo cine alemán.

Este nuevo cine necesita una nueva libertad. Libertad de las convenciones tradicionales. Libertad de la interferencia de los productores y sus intereses comerciales. Libertad del patronazgo de los grupos de interés.

Tenemos para la producción de este nuevo cine alemán conceptos intelectuales, formales y económicos precisos. Juntos, estamos preparados a acarrear los riesgos económicos.

El viejo cine ha muerto. Nosotros creemos en el nuevo.

Oberhausen, 28 de febrero de 1962

Firmado:

Bodo Blüthner, Boris von Borresholm, Christian Doermer,Bernhard Dörries, Heinz Furchner, Rob Houwer, Ferdinand Khittl, Alexander Kluge, Pitt Koch, Walter Krüttner, Dieter Lemmel, Hans Loeper, Ronald Martini, Hansjürgen Pohland, Raimund Ruehl, Edgar Reitz, Peter Schamoni, Detten Schleiermacher, Fritz Schwennicke, Haro Senft, Franz-Josef Spieker, Hans Rolf Strobel, Heinz Tichawsky, Wolfgang Urchs, Herbert Vesely, Wolf Wirth

Alexander Kluge en la presentación del Manifiesto de Oberhausen, 1962.

# data[].attributes.attachment_link.description
El 28 de febrero de 1962 un grupo de veintiséis realizadores, hastiados por el callejón sin salida en que se encontraba la cinematografía alemana, publicó un manifiesto en la ciudad obrera de Oberhausen aprovechando la celebración del Festival de Cine y Cortometrajes celebrado allí anualmente.

# data[].attributes.headline
Paisaje en la Niebla (1988, Theo Angelopoulos)

# data[].attributes.subject
Paisaje en la Niebla (1988, Theo Angelopoulos)

# data[].attributes.body
No la he visto aún, pero la veo este fin de semana. Me llamó mucho la atención este director. Me dio vibras de Tarkovsky.

# data[].attributes.headline
Lectura: Leading Ladies?: Feminism and the Hollywood New Wave  

# data[].attributes.subject
Lectura: Leading Ladies?: Feminism and the Hollywood New Wave  

# data[].attributes.attachment_link.title
Lectura Leading Ladies Feminism and the Hollywood New Wave 

# data[].attributes.headline
Lectura: Hollywood´s Fall and Rise: 1960-1980 

# data[].attributes.subject
Lectura: Hollywood´s Fall and Rise: 1960-1980 

# data[].attributes.attachment_link.title
Lectura_Hollywood´s Fall and Rise 1960-1980

# data[].attributes.body
El profe nos mandó hacer una bitácora para la clase y pensé que la mejor forma de trabajarla era escribirla como si te la estuviera escribiendo a tí, que es lo que efectivamente estoy haciendo.

# data[].attributes.body
¿Quién es Aura?

Amiga mía y de Axa. Productora que se pone punk. Escritora y editora. Estuvo o está en la radio, así que no se puede confiar en ella.  Se fue a Monterrey este semestre para cumplir su sueño de editar un libro mío xd entrar en la industria literaria.

# data[].attributes.headline
La Hora de los Hornos (1968), Fernando "Pino" Solanas y Octavio Getino

# data[].attributes.subject
La Hora de los Hornos (1968), Fernando "Pino" Solanas y Octavio Getino

# data[].attributes.body
Uno de los hitos del Tercer Cine de América Latina.

Filme argentino.

# data[].attributes.attachment_link.title
La Hora de los Hornos - Documental completo - Cine Liberación

# data[].attributes.headline
Por un cine imperfecto, Julio Espinosa García

# data[].attributes.subject
Por un cine imperfecto, Julio Espinosa García

# data[].attributes.headline
Problemas de forma y contenido en el cine revolucionario, Jorge Sanginés

# data[].attributes.subject
Problemas de forma y contenido en el cine revolucionario, Jorge Sanginés

# data[].attributes.body
"Throughout the world when people use the term cinema, they all refer more or less consciously to a single cinema, which for more than half a century has been created, produced, industrialized, programmed and then shown on the world's screens: Euro-American cinema".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
What is cinema for us?

by Med Hondo (Abid Mohamed Medoun Hondo)

translated by Greg Kahn

from Jump Cut, no. 31, March 1986, pp. 47-48
copyright Jump Cut: A Review of Contemporary Media, 1986, 2006

We are reprinting a slightly edited version of the following article from the English film magazine, Framework No. 11 (Autumn, 1979) with their permission. Framework is a film journal which offers extensive coverage of Third World cinema, among other issues in film theory and criticism. For a 4 issue-sub send US $17 to Comedia, 9 Poland Street, London W1 V 3DG, England.

Throughout the world when people use the term cinema, they all refer more or less consciously to a single cinema, which for more than half a century has been created, produced, industrialized, programmed and then shown on the world's screens: Euro-American cinema.

This cinema has gradually imposed itself on a set of dominated peoples. With no means of protecting their own cultures, these peoples have been systematically invaded by diverse, cleverly articulated, cinematographic products. The ideologies of these products never "represent" their personality, their collective or private way of life, their cultural codes, and never reflect even minimally on their specific "art," way of thinking, or communicating - in a word, their own history and civilization. The images this cinema offers systematically exclude the African and the Arab.

It would be dangerous (and impossible) for us to reject this cinema simply as alien - the damage is done. We must get to know it, the better to analyze it. We'll see that this cinema has never really concerned African and Arab peoples. This seems paradoxical, since it fills all the theaters and dominates the screens of all African and Arab cities and towns.

But do the masses have any other choice? "Consuming" at least a reflection of one's own people's life and history - past, present and future? LAWRENCE OF-ARABIA disseminates an image of Lawrence, not the Arabs. GENTLEMAN OF COCODY has a European as the gentleman hero, and not an Ivory Coast African. Do we have a single image of the experiences of our forefathers and the heroes of African and Arab history? Do we see a single film showing the new reality of cooperation, communication, support, and solidarity among Africans and Arabs?

This may seem exaggerated. Some critics will say that at least one African country, Egypt, produces some relatively important films each year and that since independence a number of cineastes have made a future for themselves in African countries. Yet, in the whole continent of Africa, Egypt is only one country, one cultural source, one sector of the market. Few African countries buy Egyptian films and they themselves produce too few films. Furthermore, the market within Egypt itself is still dominated by foreign films.

African and Arab filmmakers have decided to produce their own films. But despite the films' undoubted quality, they have no chance of being distributed normally, at home or in the dominant countries, except in marginalized circuits - the dead-end art cinemas.

Even a few dozen more filmmakers would only achieve a ratio of one to ten thousand films. An everyday creative dynamic is necessary. We need to make a radical change in the relation between the dominant Euro-American production and distribution networks and African and Arab production and distribution, which we must control. Only in a spirit of creative and stimulating competition among African and Arab filmmakers, can we make artistic progress and become "competitive" on the world market. We must first control our own markets, satisfy our own people's desires to liberate their screens, and then establish respectful relations with other peoples, and balanced exchange.

WE MUST CHANGE THE HUMILIATING RELATION BETWEEN DOMINATING AND DOMINATED, BETWEEN MASTERS AND SLAVES.

Some critics flee this catastrophic state of affairs, thinking cinema is restricted for Western, Christian and capitalist elites or they throw a cloak of fraternal paternalism over our filmmakers, ignoring and discrediting our works, blaming us, in the short term forcing us to a formal and ethical "mimesis" - to imitate precisely those cinemas we denounce - in order to become known and be admitted into international cinema; in the end, forcing us into submission, renouncing our own lives, creativity and militancy.

Since our independence many of our filmmakers have proved their abilities as auteurs. They encounter increasing difficulties in surviving and continuing to work, because their films are seldom distributed and no aid is available. Due to the total lack of a global cultural policy, African and Arab cinema becomes relegated to an exotic and episodic sub-product, limited to aesthetic reviews at festivals, which, although not negligible, are insufficient.

Multinational film companies earn 50% of their profits from Third World screens. Each year millions of dollars are "harvested" from our continents, taken back to the original countries, and then used to produce new films which again come to our screens.

Thus, each of our countries unknowingly contributes a lot of money to the production of films in Paris, New York, London, Rome or Hong Kong. We have no control over them and reap no financial or moral benefit, being involved in neither production nor distribution. In reality, however, we are coerced into being "co-producers" while our resources are plundered. The United States allows less than 13% foreign films to enter its market - and most of these are produced by European subsidiaries controlled by the U.S. majors, which exercise an absolute protectionism.

Film plays a major role in building peoples' consciousness. Cinema is the mechanism par excellence for penetrating the minds of our peoples, influencing their everyday social behavior, directing them, and diverting them from their historic national responsibilities. It imposes alien and insidious models and references, and without apparent constraint encourages our people to adopt modes of behavior and communication based on the dominant ideologies. This damages our own cultural development and blocks true communication between Africans and Arabs, brothers and friends who have been historically united for thousands of years.

This alienation disseminated through the image becomes all the more dangerous for being insidious, uncontroversial, "accepted," and seemingly inoffensive and neutral. It needs no armed forces and no permanent educational program from those who seek to maintain the division between African and Arab peoples - our weakness, submission, servitude, and ignorance of each other and of our own history. We forget our positive heritage, united through our foremothers with all humanity. Above all we have no say in the progress of world history.

Dominant imperialism seeks to prevent portraying African and Arab values to other nations. Were they to appreciate our values and behavior they might respond positively to us. They believe themselves "superior" to us, to our peoples' roles in world history. We are not proposing isolation, closing our frontiers to all Western film, nor any protectionism separating us from the rest of the world. We wish to survive, develop, and participate as sovereign peoples in our own specific cultural fields and to fulfill our responsibilities in a world from which we are now excluded.

The night of colonialism caused many quarrels among us. We have yet to assess the full consequences. It poisoned our potential communications with other peoples since we have been forced into relations of colonial domination. We often have preconceived and false ideas of each other imprinted by racism. Having been colonized and then subjected to even more pernicious imperialist domination, we are not entirely responsible for this state of affairs. Yet some intellectuals, writers, filmmakers, thinkers, and our cultural leaders and policy-makers are also responsible for perpetuating this insatiable domination. It has never been enough simply to denounce our domination, for the imperialists dictate the rules of the game to their own advantage.

Some African and Arab filmmakers realize that the cinema alone cannot change our disadvantaged position, but they know that it is the best means of education and information and thus of solidarity. We must organize our forces, reassert our different creative potentialities, and fill the void in our national, regional and continental cinemas. We must establish cultural relations of communication and cooperation between our peoples in a spirit of equality, dignity and justice. We have the will, means and talent to undertake this great enterprise.

Without organizing our resources, we cannot flourish at home. Dozens of African and Arab intellectuals, filmmakers, technicians, writers, journalists and leaders have had to leave our own countries, often despite ourselves and end up contributing to the development and overdevelopment of countries that don't need us, and that use their excesses to dominate us.

This will continue until we grasp the crucial importance of cultural and economic strategy and create our own networks of film production and distribution, liberating ourselves from all foreign monopolies.

# data[].attributes.attachment_link.description
What is cinema for us? by Med Hondo (Abid Mohamed Medoun Hondo) translated by Greg Kahn from Jump Cut, no. 31, March 1986, pp. 47-48 copyright Jump Cut: A Review of Contemporary Media, 1986, 2006 We are reprinting a slightly edited version of the following article from the English film magazine, Framework No.

# data[].attributes.body
Lectura sobre Peter Greenaway

# data[].attributes.headline
The Camera That Changed The World (2011, Mandy Chang)

# data[].attributes.subject
The Camera That Changed The World (2011, Mandy Chang)

# data[].attributes.body
Ya sabes que no soy fanático de todo tipo de documentales, sigo mentándosela a Herzog y diciendo que Tatiana Huezo inventó el documental cada que tengo chance.

La película habla de cómo la invención de una cámara portátil y capaz de grabar cambió la forma en que se hacía cine. De grabar el audio en postproducción y tener una cámara estática, a poder llevarla a todas partes y grabar el audio al momento.

Comentario poco objetivo: Es un documental expositivo, en su mayoría, modalidad que no es mi favorita. Así que ª

Las invenciones se dieron en dos lados, en Estados Unidos (como siempre) y en Europa. En el Gabacho vemos el trabajo de Robert Drew, Richard Leacock y Alan Pennebaker. Mientras que en Francia, Jean Rouch y Michel Brault trabajaron con un prototipo hecho por la compañía de producción de equipo Eclair.

¿Qué puedo destacar? El personaje de Jean-Pierre Beauviala, que trabaja en Eclair, cae muy bien. Le gusta hablar de las cosas que hace y es muy francés jajaja, demasiado.

Se habla del documentalista Jean Rouch. Había oído sobre él, pero fue mi primer acercamiento a su trabajo. De él agregué a mi watchlist Moi, un Noir (1958) y Chronicle of a Summer (1961), la primera película del cinema verité.

También se habló del trabajo de Robert Drew en Primary (1960), la primera cinta americana de cine directo, que es un documental que sigue a Kennedy (sí, ese Kennedy) durante elección del Partido Demócrata en Wisconsin con el fin de definir si él sería el candidato para la elección a la presidencia. El documental se ve interesante, pero me llamó más Crisis: Behind a Presidencial Commitment (1963), del mismo director, que retrata a Kennedy, pero ahora como presidente. En el documental se dice que gracias a esta película, ahora ya casi no se graba dentro de La Casa Blanca xd.

Aclaraciones:
Cine Directo: el director intenta pasar desapercibido.
Cinéma Verité: el director participa en la acción.

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.attachment_link.title
In One Breath | Alexander Sokurov's Russian Ark (Making of)

# data[].attributes.attachment_link.title
The Sweet Hereafter movie review (1997) | Roger Ebert

# data[].attributes.attachment_link.description
A cold, dark hillside looms above the Bide-a-Wile Motel, pressing down on it, crushing out the life with the gray weight of winter. It is one of the strongest images in Atom Egoyan’s “The Sweet Hereafter,” which takes place in a small Canadian town, locked in by snow and buried in grief after 14 chi…

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.attachment_link.title
Emir Kusturica - Underground (1995) MAKING OF 1_2

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Aprobado.

# data[].attributes.headline
Spike Lee's Do the Right Thing (Editado por Mark A. Reid)

# data[].attributes.subject
Spike Lee's Do the Right Thing (Editado por Mark A. Reid)

# data[].attributes.body
Son varios ensayos sobre la película.

# data[].attributes.attachment_link.title
Spike Lee's Do the right thing : Reid, Mark (Mark A.) : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

# data[].attributes.body
Vi esta película.

Terminé triste.

# data[].attributes.body
Esta es una película Yugoslava dirigida por Emir Kusturica. Ganó la Palma de Oro en Cannes en su año de estreno y fue la segunda vez que es director gana este premio.

La historia se divide en tres partes y sigue a dos amigos, Mario Dren y Petar Popara, a través de los conflictos que acontecen en este país.

La primera parte la resumiría en bombas, animales y Segunda Guerra Mundial. La primera secuencia es genial, Marko y Petar acompañados por una banda que toca música balcánica (que los sigue en otras partes de la película, el soundtrack tiene un rol importante en la construcción de la atmósfera). Resume todo el desenfreno que es esta película, es un no parar. Otra secuencia que me gustó de está primera parte es el bombardeo, cuando los animales del zoológico se escapan y es un caos total. Una de las preguntas que más veces me hice viendo este filme fue ¿cómo demonios dirigieron esto?

La segunda es muy divertida (en general toda la película lo es). Marko se casa con la mujer que Blacky había estado cortejando, aparte lo encierra en su sótano y lo engaña para que trabaje forjando armas, que después pueda vender. Hacen una película sobre Blacky, nombrándolo héroe nacional porque se cree que está muerto. Su hijo se casa y Soni, el mono mascota del hermano de Marko, dispara el tanque en el sótano, abriendo un hoyo. Blacky y su hijo escapan, pensando que la guerra sigue y que es la producción de la película que están haciendo en honor a Blacky. Los dos matan a varios actores. Esta escena es increíble, el director pide más realismo y la ficción se confunde con la realidad dentro de la película. Al final, el hijo de Blacky se ahoga.

La tercera parte me costó un poco más, aunque es muy trágica. Ivan, el hermano de Marko, se suicida. Los hombres de Blacky, transformado en guerrillero, matan y queman a Marko y su esposa. Al final, Blacky car en un pozo y hay una secuencia onírica. Me gustó esta última escena, hay una fiesta en donde todos los personajes se reconcilian y la isla donde están se separa de la tierra.

En conclusión, diría que está película pertenece al tipo de películas épicas que resumen la historia de un país en tres horas. El filme se ríe de todos y no se toma en serio, es extravagante y se va a extremos que genuinamente lograron darme risa. Me pareció interesante la construcción de personajes, nos los demuestran como seres que pueden ser horribles personas, pero aun así empatizas con ellos. La música lo es todo, estuve como dos semanas escuchando música balcánica después de ver este filme. Es una gran película que dura mucho, pero quizá no lo suficiente.

# data[].attributes.body
Etapas del desarrollo técnico/tecnológico de un arte (según Greenaway)

Invención (lenguaje, postulados, técnicas básicas)

Apogeo (perfección estilística y temática)

Deconstrucción (forzar los límites artísticos, técnicos e introducir otras formas de expresión y medios)

Cine expandido

Surgió en los 60’s y 70’s

Contexto de grandes avances  tecnológicos.

El término acuñado por el cineasta Stan Vanderbeek en 1966 y popularizado en 1970 por Gene Youngblood en su libro Expanded  Cinema.

Creadores audiovisuales que compartían la  experimentación técnica con nuevos medios,  una conciencia optimista y el deseo de un  cambio social radical.

Noción de expansión de la conciencia  individual a través de psicotrópicos,  principalmente LSD.

Características

No es ficción, no es un documental, carece de género

Falta de linealidad narrativa

Experimenta con material audiovisual (fuera de  cuadro)

Participación del autor en todas las áreas

Guión, cámara, sonido, edición, etc.

Uso de otras ramas del arte

Pintura, poesía, literatura, fotografía, teatro, danza, etc.

Interactividad con la audiencia

Entornos inmersivos

Sinestesia

Uso de herramientas tecnológicas

Autores y ejemplos

Stan Vanderbeek

1955 y 1965, son principalmente pinturas animadas y  collage fílmicos combinados.

Diseño de instalaciones que utilizaba varios proyectores al  mismo tiempo con secuencias de imágenes aleatorias dando como resultado de que ninguna de las exhibiciones  eran iguales una a la otras.

Movie Drome (1963)

“El cine se convertiría en una biblioteca de  arte e imagen "escénica".”

Variations V - (1965)

Colaboración John Cage, Nam June Paik y Stan Van Derbeek

Robert Whitman

Exponentes más destacados  de la performance en los  años 60-70

Whitman comienza a  introducir el cine y las  imágenes proyectadas en el  espacio presencial de la  performance

Explora entre o real y lo ilusorio

Carolee Schneemann

Es una artista visual estadounidense,  conocida por sus discursos sobre el cuerpo,  la sexualidad y de género

Temas tabúes, y el cuerpo del individuo en  relación a las entidades sociales.

Variedad cinética interactiva de cine  expandido en proyectos como:

Ghost Rev (1965) y Snows (1967),

Kitch’s Last Meal 1978

Pat O'neil

Cineasta y artista experimental  independiente estadounidense

Uso de refotografía, loops,  time-lapses o animaciones, imágenes superpuestas y collages

Water and Power (1989)

Filmaktion

Cineastas experimentales británicos  que trabajaron y actuaron juntos a  principios de la década de 1970.

Los artistas asociados con Filmaktion  incluyen a Gill Eatherley, Malcolm Le  Grice, Annabel Nicolson y William  Raban,

“Light Music” - Lis  Rhodes (1975)

“Immemory” - Chris  Marker (1997)

Video como arte

Video as art- Nam June Paik

Untitled - Nam June Paik

Soluciones museográficas

Clamor - Andrés  Denegri (2015)

Realidad aumentada

Hololens - ALEX KIPMAN  (2016)

Realidad virtual

Carne Y Arena -  Alejandro  G. Iñárritu  (2017)

Cine holográfico

Acuario - Alex Jacobson  (1969)

Cine hipermedia

The Phantom Edit

Fan edit hecho por Mike J Nichols

Reedición de casi todas las escenas en las que aparece Jar Jar Binks y eliminación de las “payasadas de Jar Jar“

Eliminación o reedición de la mayoría de los diálogos de los droides de combate.

Recorte de escenas políticas

Reorganización de planos y escenas para adaptarlos al estilo de presentación de la trilogía original de Star Wars.

Eliminación de los "Yupi" y “Ups" de los diálogos de Anakin.

Eliminación de los midiclorianos

Reintroducción de escenas eliminadas

Fan edit

Hipermedios

Medios que transforman el proceso comunicativo tradicional.

Organizan información textual, gráfica y sonora a través de        vínculos que asocian la información relacionada, que no  necesariamente proviene del mismo origen.

No-linealidad en visualización de múltiples secuencias de audio y video.

Se centra en modelos de interactividad para vincular, fragmentar, combinar y visualizar la  información.

Características

Fragmentación de cuerpos de información

Vinulación entre fragmentos y documentos.

Finalización del documento hasta cierto punto y abierto a  crecimiento.

Los medios se convierten en proyectos atemporales y en un conjunto de  procesos con los que se puede interactuar.

Hipercine

Nació a principios de milenio

Comunicación hipermedia por medio de imágenes.

Realización de secuencias de video hipervínculadas.

Los videos superan la concepción lineal tradicional,  adoptan el papel de índice de información  organizada a través de un programa.

Es un medio que crea diferentes experiencias  con la computadora manteniendo la tradición  cinematográfica.

1

Imágenes captadas y manipuladas  en computadora.

Se pueden proyectar tanto en pantalla  grande como en computadora.

Las imágenes son trabajadas durante  la filmación y/o edición.

Se presentan en un formato  cinematográfico tradicional.

2

Experiencias con imágenes y sonidos  trabajadas en computadora que al  proyectarse extienden la posibilidad de  interactividad.

Red de posibilidades de montaje de  distintas tramas.

Innumerables secuencias  interconectadas.

3

Reacomodar fragmentos de una o varias  obras a través del montaje para crear  una nueva narrativa

Repensar las películas ya realizadas.

Propone una mirada diferente de una  película.

Cine interactivo

Interactividad: "La capacidad gradual que tiene un medio para dar  mayor poder a los usuarios en cuanto a la selección  de contenidos o para generar un contenido y  expresarse públicamente" -Rost, 2014.

Niveles de  interacción

Permiten modificar el orden y  estructura de la narración, así como  el contenido o mensaje del texto.

1. El usuario no es parte de la narración y sus  acciones solo exploran, no afectan a la historia.

2. El usuario sigue fuera de la narración pero  dirige el orden en el que se presenta el contenido.

3. El usuario es el protagonista y tiene posibilidad  de explorar diferentes acciones dentro de  situaciones predefinidas.

4. El usuario crea la historia en tiempo real y  existe totalmente dentro de la narración.

# data[].attributes.body
Realicé el artículo de la AMACC sobre las posibilidad que habilita el cine expandido en el trabajo de Elena Pardo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Potencialidades en el cine expandido de Elena Pardo

# data[].attributes.headline
Taste of Cherry (1997, Abbas Kiarostami)

# data[].attributes.subject
Taste of Cherry (1997, Abbas Kiarostami)

# data[].attributes.body
La mitad de los largometrajes en el mundo procedían de Asia. La mayoría eran de India y Japón, pero destaca también Malasia.

Indonesia

El cine indonesio se benefició de una legislación proteccionista, que permitió a las empresas producir una media de 70 películas al año, muchas de ellas de un género de terror distintivo con mujeres serpiente.

Tailandia

El país se convirtió en otra fuerza importante, produciendo más de 600 películas entre 1983 y 1987.

Filipinas

Estableció un pequeño sistema de estudios integrados verticalmente durante la década de 1930, pero las empresas desaparecieron en la posguerra y la mayor parte de la producción quedó en manos de empresas independientes.

Star system

Géneros musicales (zarzuela), melodrama, erotismo soft (bomba).

Fuerte censura y control por parte del gobierno.

Filipinas: 150 películas al año

Declive hacia los años 2000

El "nuevo" cine filipino

Lino Brocka

Manila in the Claws of Neon (1975)

Mike de Leon

Ishmal Bernal

Eddie Romero

Marilou Diaz-Abaya

Milagros (1997)

Taiwan

1901-1945

Después de la primera guerra Sino-Japonesa, por el tratado del Shimonoseki; la colonia de Taiwán fue cedida a Japón. Periodo de 50 años.

Se instauró el japonés como lengua principal, además de imponer su cultura, por lo que el cine de Taiwán estaba muy influenciado por el japonés.

El cine estaba restringido en Taiwán, era únicamente para japoneses en cuanto a dirección y actuación.

Se usaban los Benshis,  o narradores, en las películas mudas.

The eyes of Budda (1922)

1945-1980

Desde el comienzo de la segunda guerra Sino-Japonesa, se detiene la industria de cine hasta 1950.

Se produjeron películas principalmente en mandarín para entonces, ya que se trataba de unificar al país mediante el uso de una lengua en común. Quitando producciones en Taiwanés.

En los 60s se hizo énfasis en la modernización del país, ya que se buscó darle un mejor desarrollo industrial y un impulso económico, por lo que el CMPC (Central Motion Picture Corporation), produjo filmes de carácter moralista, buscando reestablecer los valores de la sociedad a través de los valores tradicionales, dándole vida al género: "Realismo Sano".

Todo con filmes socioeconómicos.

Se popularizó mucho el cine de artes marciales el Kung Fu y los Wuxia, así como los dramas románticos rebasados en historias de la escritora Chiung Yao.

La Central Motion Picture Corporation (CMPC) controlaba el mercado.

Gobierno fuertemente restrictivo

Gran influencia del cine de Hong Kong

Películas de artes marciales

200 películas al año: 80s

30 películas al año: 90s

Nueva Ola de Cine Taiwanés (1982-1990)

Gracias al VHS la insutria se expandió, pero Hong Kong se hizo un competidor directo ya que se introdujo mucho en Taiwan.

Se produce In Our Time (1982), una película que buscaba reforzar el cine Taiwanés, haciendo un filme compuesto por cuatro historias diferentes, dirigidas por un director distinto. Edward Yang, Tao De-chen, Ke I-jheng y Jhan. Así se da inicio a la nueva ola.

Narrativas de la dificultad del individuo para adaptarse a la nueva sociedad y economías.

Influencias estilísticas en el Neorrealismo Italiano; buscaba ser muy natural y retratar la vida; con uso de falsos documentales; también se grababa "in situ" por lo que se daba uso de actores no profesionales.

Existía un rechazo hacia la estética y narrativas de Hollywood; buscando expresar experiencias propias, remarcando la nostalgia por el pasado rural y la nueva vida urbana.

Influencia europea

Creación de un archivo fílmico nacional (1979)

Población y economía de rural a urbana

Nueva generación de directores, filmes de poco presupuesto, en locaciones, autobiográficos, psicológicos.

1990 en adelante

Producciones menos serias, y más enfocada al entretenimiento, ahora con una mayor

In our time (1982) de Edward Yang

The Dull Ice Flower (1989), Yang Li-Kuo.

Dust in the Wind (1985), Hou Hsiao-Hsien.

A City of Sadness (1989), Hou Hsiao-Hsien.

Edward Yang y Hou Hsiao-Hsien

Cine "yuppie" (Yang)

The Terrorizers (1986)

Brighter Summer Day (1991)

Narrativas desdramatizadas, énfasis en lo visual (Hsein)

A Summer at Grandpa's (1984)

Flores de Shanghái (1998)

Tsai Ming-liang

Rebels of the Neon God (1992)

Vive l'amour (1994)

The River (1997)

The Hole (1998)

Corea del sur

Antecedentes

1945 ocupación japonesa hasta finales de la II Guerra Mundial.

Guerra de Corea (1950-1953), división del paralelo 38°

1960s Renacimiento del cine coreano. Pasaron de hacer 92 películas en 1960 a 229 en 1969.

Dictaduras en los 70s - controlan la distribución provocando un declive

Milagro económico - tecnología y conglomerados

1986 boicot de EUA - permite más entrada de cine extranjero, baja la audiencia a los productos locales. Pero esta apertura también ayudó a que entraran más compañías productoras al país y de ahí se les dieron oportunidades laborales a los jóvenes cineastas

1987 Democratización del país

Atención en festivales a finales de los 80s

Finales de 1990s los conglomerados dejan de apoyar el cine por la crisis económica (IMF) pero CJ y Lotte  la salvan con los multiplex y se vuelve una industria fuerte comercialmente en la región.

Temáticas

Toques únicos de Corea pero con sentimientos universales

Religioso

Tradiciones

Crítico

Consciencia histórica

Erotismo

Pérdida de la masculinidad

Acción

Suspenso

Why has bodhi-dharma left for the east?

Chunhyang

A single spark

Virgin stripped bare by her bachelors

Shiri

Restricciones para las películas extranjeras

Entre 100 y 200 películas al año

Gran industria del cine porno

Directores notables

Pak Kwang-soo

Yi Kwangmo

Kim Sangjin

Hang Sang-soo

Hong Kong

El más relevante de la región (después de Japón e India)

Refugio de exiliados de China continental

La compañía Shaw Brothers y su dominio en el mercado: cine de Kung-Fu

Estrellas: Bruce Lee y Jackie Chan

Antecedentes y contexto

En los 30s, HK sirvió de refugio para cineastas chinos

En los 50s, varios estudios operaban en el territorio.

Run Run Shaw de Shaw Brothers decide usar a HK como su base de producción y en 1958 construyeron un megaestudio allí.

En los 70s, Raymond Chow se separa de la compañía y funda Golden Harvests "The Big Boss ('71)"

Wong Kar Wai

Considerado el más importante de la era moderna

Antiguo guionista de telenovelas

Exuberancia visual

John Woo

A Better Tomorrow (1986)

The Killer (1989)

Wuxia Films

Opera

Western

Acrobacias

Samurai

Espías

Hong Kong

Zhang Che

One Armend Assassin (1966)

The Assassin (1967)

Golden Swallow (1968)

Taiwan

King Hu

Come Drink with Me (1965)

Dragon Inn (1967)

A Touch of Zen (1970)

Bruce Lee/Raymond Chow

Raymond Chow

Fist of Fury (1972)

The Way of the Dragon (1973)

Bruceploitation

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Vi esta película (o algo parecido a eso).

Encontré una forma de acceder a ella a través de estos links:

https://archive.org/details/ChrisMarkerImmemory1998
http://gorgomancy.net

Es una experiencia extrañan, que no me agradó del todo. Una parte es una revisión histórica de la memoria al mismo tiempo que es una reflexión sobre el auto. Es como Sans Soleil escrito de una manera bizarra.

# data[].attributes.body
Revitalización de la industria

Finales de los 70s, 150 millones de asistentes al año

250 películas anuales

Producciones de bajo presupuesto para un público joven

Ardua competencia contra el cine norteamericano

Finales de los 80s: sólo un tercio de los lanzamientos son japoneses

Japón reemplaza a G.B. como el mercado

Cine independiente

Producción y distribución independiente gana terreno ante los problemas económicos que tenían los grandes estudios

Firmas pequeñas como Art Theatre Guild, ahora financiaban proyectos.

Empresas independientes fundadas por compañías de televisión y editoriales, comenzaron a producir películas y se convirtieron en competencia para los grandes estudios.

Jūzō Itami

Actor y director de cine

Hijo de un director de cine con renombre

Sus películas eran sátiras de la vida japonesa contemporánea, y se ajustan a la medida de lo que el nuevo Japón consumista disfrutaba.

Eran exportables y lo convirtieron en el director japonés más visible de la década de 1980

The Funeral (1985)

Tampopo (1986)

A Taxing Woman (1987)

Los 90s

Recesión económica

Los grandes estudios están estancados

Mantuvieron sus ganancias en taquilla

Control de los medios de distribución

Forzar

Love letter (1995), Shunji Iwai

Like Grains of Sand (1995), Ryōsuke Hashiguchi

Beautiful Sunday (1998), Tetsuya Nakashima

Eureka (2000), Shinji Aoyama

Takeshi Kitano

El auge de los 90

Antiguo comediante de tv

Películas yakuza

Humor duro

Protagonista de sus películas

Construcción de personaje

Boiling Point (1990)

Sonatine (1993)

Kids Return (1996)

Brother (2000)

Más de los 90

Ringu (1998), Hideo Nakata

La princesa Mononoke (1997), Hayao Miyazaki

Mi vecino Totoro (1998), Hayao Miyazaki

Hirokazu Koreeda

Cine de pequeños momentos cotidianos

El cine como un pedazo en la vida de alguien

Dramas íntimos, domésticos

Comparaciones con Ozu

Comparaciones con autores como Murakami y Banana Yoshimoto

Maborosi

Afterlife

I Wish

Nobody Knows

Still Walking

After the Storm

Shoplifters

Los 2000s

Resurgimiento de la industria

282 estrenos nacionales con cuota de taquilla del 31,8% en 2000

554 con una cuota del 65,7% en 2012

Las películas locales superaron a los estrenos extranjeros en 2005

Audition (1999), Takashi Miike

Avalon (2001), Mamoru Oshii

Moon and Cherry (2004), Yuki Tanada

Hanging Garden (2005), Toshiaki Toyoda

Still Walking (2008), Kore-eda

Mujeres directoras en el cine japonés

Tazuko Sakane (1904-1975)

Trabajó como script gril

Trabajó para Mizoguchi como:

Asistente de director

Editora

Editora de continuidad

Editora de libreto

Directora de arte

A los 32 años hizo su primera película como directora: New Clothing (1936).

Kinuyo Tanaka (1909-1977)

También se le conoce por su trabajo como actriz teniendo más de 250 películas

Fue actriz en varias películas de Mizoguchi y Ozu

Love Letter

Naomi Kawase (1969-)

Se gradúa en 1989 de la escuela de fotografía en Osaka

Comenzó haciendo documentales y filmes experimentales

Interés en lo auutobiográfico

Sus primeras películas se centraron en su infancia e historia familiar

Embracing (1992), una biografía de su vida turbulenta.

Sus películas son poéticas y plantean p

Naoko Ogigami (1972-)

Ayako, Hoshino Kun y Yumino-Kun

Yoshino´s Barber Shop (2004)

Mogari no Mori (2007)

Miwa Nishikawa (1974-)

Wild Berries (2003)

Influencia (2006)

# data[].attributes.body
Vi esta película. Estuvo muy cool.

# data[].attributes.body
Antecedentes

El cine llega a China en 1896

Primera película: Dingjun Mountain (1905)

Shangai, la primera meca del cine

Filmación de una ópera de Beijin

Con la II Guerra Mundial termina la época de oro del cine chino

Migración a Hong Kong

Beijing Film Academy se funda en 1950

Las seis generaciones

1. 1986-1940

The Introduction of cinema and the Golden Age

2. 1944-1951

The Second Golden Age

3. 1951-1964

The Communist Era

4. 1967-1986

The Cultural Revolution and its Aftermath

"Los diez años perdidos"

5. 1986-1990

The Fifth Generation

6. 1990-2000

The Sixth Generation

7. 2000- presente

The Seventh Generaion

Antecedentes: La década perdida

Revolución Cultural de Mao

Artistas e intelectuales encarcelados, torturados y "reeducados"

El cine controlado por Jian Quing (la esposa de Mao)

Eliminación de pleíduclas de cines

Clausura de la BFA (Academia de Cine de Pekín)

Rodaje bajo la película representativa del modelo revolucionario

Sin producción entre 1966 y 1969

Sólo 7 películas estrenadas entre 1970 y 1972

Puesta en escena de Balet y la Ópera de Pekín

Contexto histórico

Cine revolucionario diferente del Tecer Cine - Estrecha concepción dogmática

Alternar periodos de estricta supervisión gubernamental y liberación artística

1966 - Gran Revolución Cultural Proletaria, Mao Zedong, culto a la personalidad, toma de posesión del Partido, Guardia Roja (estudiantes), Ejército Popular de Liberación Jiang Quing - La esposa de Mao, Gang of Four, cine maoísta, cerró la

The Red Detachment of Women

Directores: Pan Wenzhan

Quinta Generación

Contexto

Muerte de Mao y sus cómplices son arrestados

Fin de la revolución cultural

Se exhiben películas extranjeras de nuevo

Las películas chinas prohibidas vuelven a los cines

Crecimiento de la producción

1986 - 125 películas

BFA Generation

1978 - Programa de 4 años

Primeros cineastas chinos conocidos en el extranjero

Influenciado por películas importadas y películas de arte europeas

Ya no se asigna permanentemente a los estudios

Pequeños estudios provinciales (Xi´an Film Studio, más del 33% de las películas de la 5a generación)

Reacción contra la Revolución Cultural

Dinero ganado por la exportación y más películas comerciales

Profundidad psicológica, narrativas complejas, simbolismo ambiguo, imágenes evocadores, exploración política

Demasiado oscuro para los campesinos (80% de la población china)

Narrativa y Temas

Dos corrientes:

Influencias del cine de arte europeo

Cine comercial, con estilo Hollywoodense de los 30s

Narrativas complejas, simbolismo ambiguo

Profundidad psicológica

Temas políticos

Estilo:

Enfoque en la narrativa a través del diseño visual

Muy ornamentado

Directores

Zhang Yimou

Red Sorghum (1987)

Oso de Oro

Raise the Red Lantern (1991)

Hero (2003)

House of the Flying Daggers (2004)

Chen Kaige

Yellow Earth (1984)

Farewell my Concubine (1993)

Palma de Oro

Together (2002)

Tian Zhuangzhuang

September (1984)

The Blue Kite (1993)

The Go Master (2006)

El final de la quinta generación

La masacre de la Plaza de Tiananmen

Control gubernamental mucho más riguroso

Rodaje solo con financiación internacional

Éxito fuera del país

Películas no proyectadas en China

Exigencia de películas más comerciales y para público más amplio

Exilio de directores

Sexta Generación

Contexto

Campaña contra "la liberación burguesa"

Los directores de la quinta generación, hicieron proyectos comerciales o escaparon del país

SEXTA: no BFA, independientes

Censura extrema:

Festivales de cine extranjeros

Películas ilegales

Revisiones exhaustivas

Comercial

Películas de género, inspiración de Hong Kong/Taiwán/Hollywood, sexo, violencia, caracterizaciones anormales

Cine de arte

Independiente

Mainstream propaganda

Películas taquilleras

Generación urbana

China dejó de subsidiar a los estudios cinematográficos

40% taquilla urbana = importaciones extranjeras (E.E.U.U., Hk.)

Solo los estudios podían estrenar películas

Películas independiente = dixia dianying (películas ilegales)

Películas más baratas, tomas largas, cámara en mano, narrativas tipo documental

Centrado en los jóvenes y los problemas sociales, desilusión, rebelión, insatisfacción

Las películas ilegales triunfan en los festivales, el gobierno aumenta los obstáculos a la inversión extranjera

Todas las películas hechas en China deben pasar la censura para aparecer en el extranjero

Listas negras, prohibiciones de trabajo en la industria, vuelos restringidos

Se alienta a los directores a crear productos agradables para la audiencia

Narrativa y temática

Gente joven

Problemas sociales

Aspectos más negativos de la incorporación de China al moderno sistema capitalista

Temas tabú y personas al margen de la sociedad

La sexta

Filmaciones en 16 mm o video digital

Toque amateur

Filmaciones rápidas y baratas

Trabajo de no profesionales

Rock, drogas, homosexualidad, problemas maritales, individualismo

Directores

Zhang Yuan

Pionero del cine ilegal

Mama

Bei

Jia Zhangke

Lou Ye

Wuxia

Cine de espadas/artes marciales

Género cinematográfico chino

Usualmente épicas históricas

Nacionalistas

Revitalizado después de que A touch of Zen (1971) ganara el Gran Premio Técnico en Cannes

Género más popular y lucrativo fuera de China

Crouching Tiger, Hidden Dragon

House of the Flying Daggers (2004)

# data[].attributes.headline
Raise the Red Lantern (1991, Yi-Mou Zhang)

# data[].attributes.subject
Raise the Red Lantern (1991, Yi-Mou Zhang)

# data[].attributes.body
Vi esta película.

# data[].attributes.body
Este es el inicio de mi antipatía hacia Amos Gitai.

Axa me dio la razón.

# data[].attributes.headline
Entrevista a Takeshi Kitano sobre Sonatine

# data[].attributes.subject
Entrevista a Takeshi Kitano sobre Sonatine

# data[].attributes.headline
Sonatine I (Act of Violence) - Joe Hisaishi (Sonatine Soundtrack)

# data[].attributes.subject
Sonatine I (Act of Violence) - Joe Hisaishi (Sonatine Soundtrack)

# data[].attributes.body
Fui fan de la canción.

# data[].attributes.attachment_link.title
Sonatine I (Act of Violence) - Joe Hisaishi (Sonatine Soundtrack)

# data[].attributes.headline
Artículo sobre la cinematografía de Raise the Red Lantern

# data[].attributes.subject
Artículo sobre la cinematografía de Raise the Red Lantern

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
'Raise the Red Lantern', is a meticulously framed, exquisitely beautiful and extremely claustrophobic film to watch. With its blend of formal compositions, static camera angles and daring color palettes, auteur filmmaker Zhang Yimou's exploration of female oppression is simultaneously tender and detached.

About the film

Raise the Red Lantern (Dà Hóng Dēnglóng Gāogāo Guà, 1991) is a film by director Zhang Yimou set in 1920's Northern China. Two separate cinematographers, Lun Yang and Zhao Fei, were given credit on the picture. It was nominated for an academy award for Best Foreign Language Film.

The film follows the plight of a 19 year old student Songlian (Gong Li) who, upon the death of her father and subsequent loss of financial means is forced to accept an arranged marriage. In spite of warnings from her mother that wedding a wealthy man will only lead her to become a concubine, Songlian opts to marry into the wealthy Chen family and thereby seals her fate as a prisoner in a gilded cage. She moves into the family's compound, where she is surrounded by extreme wealth and opulent surroundings, but also quickly realizes she will be subject to a strict set of family traditions and customs which place her husband, the master, at the center of the universe of his 4 wives.

Songlian becomes simply the 4th mistress, finding herself - even on her 'wedding' night - in fierce competition with the other wives for The Master's attentions and the accompanying privileges with which that entails: indulgences such as foot massages and the choice of the evening meal. The wife who currently enjoys his favor is honored by the lighting of red lanterns in and around her living quarters.

The film explores themes of female oppression and corrupt social hierarches. Though it was denied by the film's director, Raise the Red Lantern was interpreted by many western reviewers as a veiled criticism of the communist party.

First impressions

Raise the Red Lantern is a meticulously framed, exquisitely beautiful and extremely claustrophobic film to watch.

It features highly formalized compositions, with the camera often placed statically dead center in the frame. This classical style mise en scène gives the film a theatrical feel, as if we are watching the scenes played out on an ornately decorated stage. It also creates an almost painful distance between the viewer and subject, with the walls and leading lines a constant reminder of Songlian's encasement.

Everything about the visuals, including the lighting, composition, framing and color palette are rich and lush but also restrained. In spite of the obvious expansive size of the compound in which Songlian lives, it is clearly a compound, and there are a limited number of locations that we are shown - each with its own distinct visual treatment.

There are the living quarters of each of the women, opulent and expensively decorated, but also expansive and cold. Even in these beautifully settings the characters are isolated and the viewer if often kept visually at a distance. We are also aware of a static quality about the rooms; in spite of the ornate woodwork and rich tapestries we feel Songlian is somewhere dusty and asphyxiating.

Outside the living quarters there are the stone walled grounds of the compound. Again in spite of its grandness, it is clearly a prison. A maze of stone walls that Songlian is free to wander within but not beyond. We seldom gain a glimpse outside the walls.

When the pressure intensifies for Songlian we see her running up to the rooftops, but it provides her no escape, only a view of the chilling and mysterious stone chamber at the far corner of the compound walls, a grim reminder of the harsh penalty afforded those wives who transgress. Minor petulant rebellions are allowed - in fact they are almost encouraged on some level by The Master to fuel his amusement - but there is no doubt about the costs of breaking the rules.

The only escape or respite from this visual prison is the patriarch. The light of the master is the complete and utter focus of the women, as symbolized by the red lanterns. To be in his favor is to be in light and warmth visually. To be out of the light is to literally have all color stripped from their environment.

The psychological state of the main characters is emphasized by the physical space that surrounds them, and the almost cartoonish distance they must traverse to move from room to room. The film heavily utilizes framing: doorways, windows, beams, stone walls - all constantly surrounding the main characters emphasizing their feeling of entrapment.

Interestingly, we are never shown the master directly. For much of the film he is completely occluded from view by silk sheets or shot in extreme long shot, so we can only barely make out his features. It is a visual device that is relentless, and as Songlian falls more and more from his favor we see even less of him.

The camera is seldom allowed to even pan or tilt, again creating a sense of rigidity and reinforcing the message the film repeats throughout: the rules of the household go back generations.

About the cinematographers

Lun Yang and Zhao Fei are both listed as cinematographers on the film, though the ACS's list of 100 greatest films by Cinematography gives the credit to Lun Yang.

There isn't a lot written about these cinematographers or why both were given credit, so it's difficult to say much about the respective roles or what stylistic contributions they made to the picture. That said, the film's director Zhang Yimou had already established himself as a respected cinematographer having won acclaim at the 1985 Hong Kong Film festival for his photography on the film Yellow Earth with director He Qun. He menitons that it was not unusual for him to work with multiple cameramen on his films, whom he usually selected from classmates who he knew from film school. Yimou has a strongly defined visual style, so we can assume as an autuer director, he would have had a close hand in many of the stylistic choices in regards to the cinematography.

That said, Hou Yong, another one of Yimou's cinematographers describes working with him as being a collaborative and democratic process:

The most important quality as a director, in my view, is to maintain effective communication in the team. I have had a cooperative relationship with a variety of directors, among them Zhang Yimou and Tian Zhuangzhuang are the best ones in terms of this. They are both easy-going and very democratic. They are always open to communication with other people in the film crew. In my view, I think, they are democratic directors, and are open to challenges. They encourage people to think differently, and present their own opinions. During the filming they would always discuss problems with the crew. Zhang is also open-minded, and feels free and direct to express his opinions. If he likes my viewpoint, he would say so directly. But, if he had different view, he would explain to me why he thinks that way. Then, we would decide which is better. His ideas are very enlightening. He is a good director and is not afraid to point out the problems. Besides, he is very patient in directing the actors, those with or without experience. He is very nice with children.

Yimou is a graduate of the Beijing Film Academy, and one of the pioneers of the so called Fifth Generation of Chinese filmmakers, a generation that grew up under the oppression of Mao's cultural revolution (Yimou's entrance into university was delayed by three years because he was sent to work in the countryside), but went on to help establish an underground wave of cinema in China that broke with many of the previous norms of heroism and social-realism, injecting elements of social commentary and subsequently gaining the appreciation of western audiences, but not always that of Chinese censors.

Stylistically they were known for bright color palettes and extensive use of long shots, which is clearly evident in Raise the Red Lantern. Yimou is particularly known for his use of the color red, a symbol in China for good luck, fortune and happiness. In raise the Red Lantern, the character's access to the red lanterns, for me, seemed to literally represent the female protagonist's access to life and joy.

In Yimou's words:

The symbolic meaning of red in China is implicitly understood by everyone; it has recently been used to represent revolution, but how long has this revolution been in China? In China's five thousand years of cultural tradition, the color red has simply represented hot passion, the approach the sun, burning fire, warm blood. I think that for all humankind, it has a kind of intense feeling. You could never say that it was cool, could you?

Yimou is also known for isolating his characters dead center in the frame, establishing their story through their relationship with their physical surroundings.

In Raise the Red Lantern, for example, much of what we learn about the Songlian's state of mind is revealed through her physical placement in the scene, whether that is her walking through the austere compound or surrounded by the soft, warm ambience of the red lanterns in her personal living quarters.

A classically styled film

In terms of its cinematography, Raise the Red Lantern is largely classical, though it is also unconventional in some aspects.

From a western perspective, the cinematography is classical in its approach in so far as it explicitly supports the story of the main characters and the film's central themes. There is very little in the shots that is there simply there for the sake of being pretty; all of the camera work and visual elements are carefully placed to serve the underlying narrative. The color palettes and lighting are carefully considered and restrained.

Likewise, the visual treatment and lighting of the the main character (played by the beautiful Gong Li) is largely glamourous. Even later in the film when she has gone mad - evidenced by a tussle of her hair - she is still portrayed attractively.

However, with its vibrant color palettes and emphasis on visually exploring a highly personal narrative, the film is also unconventional for the time and place with which it was released, with the prevailing emphasis in China on socialist realism and heroic documentary films.

Compared to many Hollywood films from the same era, with its formal compositions, emphasis on naturalistic lighting, and orthographic camera angles, Raise the Red Lantern stylistically contrasts with the prevailing Hollywood trends of neo-noir style chiaroscuro, dramatic back lighting, smoke effects other stylistic flourishes popularized by contemporary western directors such as Ridley Scott and James Cameron.

About the production

The film was produced at a time when restrictions on moviemaking were just beginning to ease in China, and it was partially financed in Hong Kong. Though it was criticized at the time by some in China for pandering too much to western tastes, Yimou himself makes the point that at the time the film was released he had almost no exposure to the west and was not allowed to attend the Academy Awards where the film had received a nomination. Although the film was initially approved by the state, it was initially censored, like other early films by the director.

The actual filming location was at the Qiao Family Compound in Shanxi Province, North-Eastern China. It was a former home of wealthy merchant during the Republican period [1911-49] and had been occupied by himself and his four son's and families, along with scores of servants.

Final thoughts

Raise the Red Lantern provides a beautiful example of visual storytelling by exploring the relationships between characters and their environments. It uses restrained but stunningly beautiful lighting, color, and framing to convey the emotional and psychological state of the film's protagonist. Combining formal elegance with biting social commentary, it is a must-see on any photographer or cinematographer's list.

Takeaway assignment
Suggested photography expercises inspired by the film...
One of the signature features of Raise the Red Lantern is its use of the extreme long shot, framing the subject character dead in the center, and using the visual surroundings to tell the story of the subject's emotional state.

As an exercise, try creating a shot or sequence using this style of framing. Think about leading lines and where the eye is being drawn to, and also about what the texture, color and compositional elements surrounding the subject convey about the narrative and their inner state of mind.

References

Gateward, Frances. Zhang Yimou Interviews. University Press of Mississippi, 2001.

Lim and Ward The Chinese Cinema Book. A BFI book published by Palgrave Macmillan, 2011

Shaw, Tristian 5 influential movies from the Fifth Generation of Chinese filmmakers - SupChina(website) https://supchina.com/2018/10/05/film-friday-fifth-generation-of-chinese-filmmakers/

Fade to Black Zhao Fei, Cinematographer, Creative Network Planet (website), https://www.creativeplanetnetwork.com/news-features/fade-black-zhao-fei-cinematographer-371070

Wu, Cythia Interview Hou Yong : Zhang Yimou's Cinematographer, Offscreen.com (website) https://offscreen.com/view/hou_yong

Matheson, Kristy. Zhang Yimou and the Fifth Generation Filmmakers ACMI (website) https://2015.acmi.net.au/acmi-channel/2015/epic-intimacy/

The Chinese cinema industry: China's cultural revolution. The Independent (Newspaper website) https://www.independent.co.uk/news/world/asia/the-chinese-cinema-industry-chinas-cultural-revolution-6112577.html

Malcom, Derek Zhang Yimou: Raise the Red Lantern The Guardian Newspaper. https://www.theguardian.com/world/2000/mar/30/derekmalcolmscenturyoffilm.china7

# data[].attributes.attachment_link.title
Looking Back - The Cinematography of Raise the Red Lantern - Mike Best

# data[].attributes.attachment_link.description
Taking a look back at Zhang Yimou's exploration of female oppression in this exquisitely beautiful and extremely claustrophobic classic.

# data[].attributes.headline
Entrevista a Mira Nair sobre Salaam Bombay!

# data[].attributes.subject
Entrevista a Mira Nair sobre Salaam Bombay!

# data[].attributes.attachment_link.title
From the Archives: Mira Nair on Salaam Bombay!

# data[].attributes.body
Jero y yo entrevistamos a Elena Pardo, le envía saludos al profe Vallejo.

# data[].attributes.body
The Sweet Hereafter

The Sweet Hereafter es una película de 1997 dirigida por Atom Egoyan. Está inspirado en la novela del mismo nombre escrita por Rusel Banks.

Trata sobre un pueblo en el que un autobús escolar se volcó, causando la muerte de varios niños. El hilo conductor de la historia es Mitchell Stephens (Ian Holmes), un abogado que habla con varios padres para representarlos en una demanda colectiva en contra de quien fuera responsable del accidente. Stephens, al mismo tiempo, tiene su propio obstáculo: Su hija, a quien las drogas han consumido. La película divide la narración y se va construyendo a través de los testimonios de los padres, quienes tienen su propios demonios. Al final, después de convencer a varios padres, Nicole, la hija de un hombre llamado Sam, quien la abusa, decide vengarse de él acusando a Dolores, la conductora del autobús, de haber conducido a exceso de velocidad. Esto tiró el caso de los padres, ya que se concluyó que fue negligencia.

No fui muy fanático del filme, pero encuentro ciertos aspectos que destacan. La historia es pesada, trata sobre el trauma colectivo. La manera en la que se va contando a través de pedazos le da un ritmo al filme que mantiene la tensión sobre lo el accidente (que ser revela como tal un poco tarde). La actuación de Ian Holmes es otro punto fuerte del filme, uno le compra la historia de un hombre atormentado que busca ayudar a otros para ayudarse a sí mismo. Finalmente, creo que la fotografía tiene algunos momentos interesantes. La nieve, el paisaje montañoso, es una imaginería que queda grabada en uno incluso después del filme. De igual forma, destacaría la primera escena, un momento etéreo de una familia en su apogeo, es a partir de ahí que todo se desmorona.

# data[].attributes.body
El arca rusa es una película, vaya la redundancia, rusa del director Aleksandr Sokúrov. Fue grabada en el Museo del Hermitage en San Petesburgo y consiste de una sola toma de 90 minutos grabada con Steadicam.

El filme sigue a un narrador (Alexandr Sokurov), en su Point of view, que camina a lo largo del museo, encontrándose con personajes de diversos periodos de la historia de Rusia.  La película inicia con un grupo de aristócratas llegando al palacio para una fiesta, a quienes el narrador sigue, Poco después, se encuentra con el Marqués de Custine (Sergei Dontsov), un personaje que irá interactuando con otras personas a lo largo del filme y que es, de cierta forma, extravagante. Distintas escenas se presentan. El filme cierra su estructura, siguiendo a los aristócratas del inicio, en su salida de castillo.

Sobre el filme. Me parece que la construcción estética de la película le da una ambientación onírica. El lento movimiento de la cámara hace que se sienta como si el personaje estuviera levitando; lo mismo ayuda el tono de narración de ambos protagonistas. El uso del gran angular refuerza la sensación de la película como sueño. No terminé de conectar con ciertas conversaciones de la obra, que acuden a un nacionalismo ruso para su existir. Sin embargo,  la actuación de Sergei Dontsov es lo que mantiene a flote la película. Es un personaje extravagante, impredecible, que tiene una corporalidad que expresa lo singular del personaje.

La película me mantuvo en varias ocasiones preguntándome, ¿cómo demonios grabaron esto? En especial, la escena del baile me causó conflicto. Son demasiadas cosas pasando al mismo tiempo, no puedo visualizar la cantidad de coordinación que hubo en el equipo para grabar dicha secuencia.

La película me parece un experimento interesante.

# data[].attributes.body
Festen es una película de 1988 del director danés Thomas Vinterberg. Es la primera película del Dogma 95. Ganó el Premio del Jurado en Cannes en su año de estreno.

El filme va de una fiesta que organiza un hombre, Helge (Henning Moritzen), por su cumpleaños 60. Acuden sus tres hijos: Christian (Ulrich Thomsen), Michael (Thomas Bo Larsen) y Helene (Paprika Steen). Durante el brindis, Christian acusa a su padre de haber abusado de él y de su fallecida hermana durante su infancia. Nadie le cree y lo señalan de arruinar la fiesta. La narrativa gira en torno a esto y la dinámica del grupo después de esta revelación. Al final, una carta revela que la causa de suicidio de la hermana fueron los abusos del padre, lo que hace que todos los de la familia se pongan del lado de Christian.

¿Qué destaca del filme? Qué hace mucho con poco. Apegándose a las normas del dogma, la película es creativa con las posibilidades permitidas por sus propias restricciones. Hay movimientos de cámara y composiciones que son interesantes. Las actuaciones son la base sobre la cual se sostiene la película. Los personajes tienen un arco narrativo bien establecido y sus dinámicas son complejas.

Si tuviera que mencionar una escena que recuerdo bien, es una de casi al inicio. Cuando Christian va caminando por la carretera y es interceptado por Michael, quien baja a toda su familia del carro para que haya espacio para su hermano. Desde este inicio se marca la pauta de lo disparatado que es la película.

# data[].attributes.body
Salaam Bombay! es una película de 1988 dirigida por Mira Nair. Es la ópera prima de ficción la directora, que venía de un trabajo como documentalista. A su estreno en Cannes, a película ganó la Cámara de Oro.

El filme sigue a Krishna (Shafiq Syed), un niño que es enviado por su madre a trabajar a un circo para que junte 500 rupias para poder regresar con ella. El dueño del circo lo manda a la ciudad por algo y cuando vuelve, el circo ya no está. Krishna entonces se une a un grupo de niños de la ciudad que vive en la completa austeridad y abandono. Encuentra trabajo repartiendo chai entre las personas de la zona. De igual forma, conoce a Chillum (Raghuvir Yadav), un vendedor de drogas que trabaja para Baba (Nana Patekar), el capo del lugar. Al mismo tiempo, llega una chica, Sola Saal (Chanda Sharma), vendida al prostíbulo loca, donde se le obligará a realizar trabajo sexual. Krishna se hace amigo de esta chica, llevándole tés de vez en cuando. La historia se vuelve trágica con una serie de giros: La muerte de Chillum, el robo del dinero de Krishna, el asesinato de Baba a las manos de este niño.

¿Qué puedo decir del filme? Vi una gran parecido con Los Olvidados de Luis Buñuel.  Ambas abordan la pobreza y la violencia en grupos marginales de infancias. En ambos casos mandan al protagonista a un reformatorio infantil del que escapa.

Me llamó muchísimo la atención el trabajo de dirección actoral. En la investigación di con que la mayoría de los niños eran no actores, lo que me interesó. Entiendo que el trabajo de dirección de infancias es algo complejo, y rango que la directora pudo encontrar en Krishna es impresionante. El personaje me hizo sentirme triste en sus momentos más complicados.

Es un filme triste y devastador, hace que uno se sienta impotente al ver situaciones en las que uno no puede hacer nada al respecto.

# data[].attributes.body
Sonatine es una película japonesa del director Takeshi Kitano. Si tuviera que describirla de alguna forma, diría que es como si El Extranjero de Albert Camus fuera sobre yakuza.

La historia es simple. Murakawa (Takeshi Kitano) es un yakuza al que envían a Okinawa con otros miembros del grupo. Poco a poco, los miembros van muriendo hasta que les tienden una emboscada con una bomba, entonces deciden retirarse a una casa en la playa. En dicha casa se dedican a divertirse: Juegan, cantan, hacen teatro. Al final, los hombres restantes contraatacan, Murakawa, con metralleta mano, asalta un edificio y elimina a un grupo considerable de enemigos. Al final, Murakawa se suicida con un disparo en la sien.

¿Qué puedo decir del filme? Genuinamente me gustó, es una propuesta muy extraña, absurda. El nihilismo recorre cada secuencia y encuentra en las dinámicas lúdicas de los criminales su mayor acierto. Es incluso, divertida, uno quiere estar con ellos en ese momento porque parece que están disfrutando.

Elementos que me llaman la atención es la desdramatización de la violencia. No se nos muestran visceralmente ciertos momentos, manteniéndonos a la distancia. Y los que se muestran son secos y sobrios, sin caer en el fetichismo de la acción.

Kitano com actor tiene tres expresiones faciales. No se inmuta para nada. Esta quietud lo hace un personaje aún más extraño e indescifrable.

Una secuencia que para mí destacó es cuando recrean el juego de los luchadores en la arena. Me pareció una genialidad. Es el aburrimiento en su máxima expresión; es decir, gente siendo creativa porque no tiene más que hacer.

# data[].attributes.body
Un video sobre el filme.

# data[].attributes.body
Yo hablando de la película.

# data[].attributes.body
Un video de mí hablando de la película.

# data[].attributes.body
Do the Right Thing es una película de 1989 dirigida por Spike Lee. Es considerada una de las películas más importantes de la filmografía de Estados Unidos.

El filme sigue a Mookie (Spike Lee), un repartidor de piezas que trabaja en el local de una familia de Italo-americanos, de donde el padre es un hombre llamado Sal (Danny Aiello). Este tiene dos hijos, Pino (John Turturro) y Vito (Richard Edson). El primero  vive en conflicto con la gente afroamericana del barrio, mientras que el segundo es amigo de Mookie. El filme presenta un universo de personajes interconectados que vive en el barrio. Algunos son Radio Raheem (Bull Nunn), un joven que siempre carga una bocina; Da Mayor (Ossie Davis), un borracho que deambula por el lugar; Mother Sister (Ruby Dee), una mujer que vigila la calle desde su ventana; y Smiley (Roger Guenveur Smith), un hombre con una discapacidad mental que vende fotos de figuras históricas importantes de la comunidad afroamericana. En el clímax del filme, los conflictos escalan y la policía asfixia hasta la muerte a Radio Raheem por una pelea que tuvo con Sal en su pizzeria. Teniendo a Mookie como el primero en hacerlo, la comunidad se une y decide quemar el local. Al final, la pregunta recae en si Mookie hizo lo correcto.

A comparación de muchas de las películas estadounidenses que vi para la clase de Cine Mundial, esta tiene una personalidad distinta. Es visible que la historia la cuenta alguien que ha estado cercado a un mundo parecido al de los personajes que cuenta. Se nota como un filme joven, de un director en exploración de un estilo.

Me gustó mucho la exploración que la película hace de los personajes. Todos son seres complejos, que tienden a favorecer a los que consideran los suyos. Se representa la dificultad de vivir en comunidad a través de la introducción de personajes de distintos orígenes. Es interesante ver cómo todos estos personajes están conectados entre sí y cómo llegan a chocar por sus diferencias.

Si tuviera que mencionar algunas escenas que me interesaron, mencionaría esa en la que Mookie le pasa un hielo por el cuerpo a su esposa/novia Tina. Me pareció un gesto lindo. La muerte de Radio Raheem genuinamente me molestó, tocó una fibra sensible en mí. Es evidente que las cosas no han cambiado tanto desde que Spike Lee hiciera esta película.

# data[].attributes.attachment_link.title
Reflexión final sobre cine contemporáneo