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En la imagen no hay luz particularmente notable, ya que el artista optó por un fondo plano y uniforme en color negro, que no tiene variaciones de iluminación. Por otro lado, los elementos de la pintura tienen sombras y luces que crean un efecto de tridimensionalidad en la composición. Se pueden apreciar una gran cantidad de líneas rectas y diagonales que forman figuras geométricas visualmente complejas.
El autor ha jugado con la perspectiva y la profundidad para crear una sensación de movimiento y volumen en la imagen, además de usar únicamente el color azul y el rojo para definir sus formas, y usando el negro del fondo para crear formas adicionales.
Aunque la pintura está compuesta por múltiples figuras geométricas y patrones, hay unidad en la composición, que se logra mediante el uso de una paleta de colores limitada y una disposición cuidadosa de las formas en el espacio.
Asimismo, en la imagen es evidente un balance simétrico y un equilibrio visual en la disposición de las figuras y el uso de la paleta de colores, distribuyendo el énfasis en toda la imagen y quitando la subordinación de la lista de elementos de composición usados para esta obra.

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Esta visita se hizo de manera presencial el día viernes 5 de mayo.

La sala de arte Bancolombia se encuentra en una de las torres del complejo de las torres atrio, uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad de Bogotá gracias a su arquitectura moderna y al prometer ser el nuevo edificio más alto de Bogotá.
El montaje de las obras de la sala de arte Bancolombia es impecable, con una selección cuidadosamente elegida por los curadores, presentando obras de artistas locales e internacionales. La exhibición se renueva periódicamente para presentar nuevas propuestas artísticas y brindar a los visitantes una experiencia enriquecedora y diferente cada vez.
El diseño del espacio de la exposición permite que las obras de arte sean el centro de atención y en este caso las pinturas estaban exhibidas de manera que se pudieran ver al completo y mostrar cosas que no se ven en cualquier museo, como por ejemplo la parte trasera de las pinturas.
Las obras de arte las compraba Bancolombia para decorar las oficinas y unas cuantas fueron compradas como inversión. Hay obras que van desde el siglo XVII y hasta el 2021 desplegados en colecciones con temáticas distintas como el agua, el alma, retratos, etc.
En esta exposición hay pinturas, esculturas y videos, además de incluir una sección un poco oculta con diferentes tipos de elementos y obras de arte, siendo una reserva abierta pero discreta debido a que son obras que están en proceso de restauración.

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El autor utiliza principalmente líneas curvas para representar la forma de las piedras y el movimiento del agua. También se pueden ver líneas rectas verticales en las piedras para añadir textura y de paso dar realismo y representarlas de una manera más natural. la paleta de colores que utiliza el autor en este caso son tonos cálidos y terrosos con una predominancia de matices cafés, y verdes.
Las piedras que están en primer plano son más detalladas mientras que las que están al fondo están menos definidas y junto a una escala y proporción común, la pintura se ve muy natural.
La unidad en la imagen se logra a través del uso repetido de líneas curvas y de la paleta de colores naturales y terrosos. La variedad en cambio, se logra través de la textura de los diferentes materiales, ya que, aunque las líneas sean similares, se logra entender una diferencia entre texturas y el contraste entre las piedras inertes y estáticas y el agua del río en movimiento. (El agua del rio también crea un ritmo y repetición).
No hay ningún punto de énfasis, por ende no hay elementos subordinados, existiendo así un balance simétrico en la imagen

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Título: La Quebrada

Creador: Diego Rivera

Fecha de creación: 1956

Técnica artística: Óleo sobre lienzo

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La pintura utiliza una iluminación clásica con un fuerte contraste entre las áreas iluminadas y las sombras. La fuente de luz proviene de la izquierda, lo que crea sombras profundas en el lado derecho del rostro del retratado. La pintura tiene una línea clara pero suavizada especialmente en los detalles de la ropa y el cabello.
La paleta de colores de la pintura es predominantemente marrón y gris, aunque utilizando tonos rojizos en el fondo y en la silla para romper la monotonía cromática.
La imagen tiene una composición cerrada con el retratado en el centro del cuadro, el fondo es plano y no proporciona una sensación de profundidad. La profundidad se nota realmente gracias a la iluminación y a la difuminación de las líneas sobre todo en los detalles como el cabello o la textura de la ropa, logrando la sensación de realismo que se buscaba y sumando a esto que todos los elementos están en una escala dentro de lo cotidiano.
La pintura tiene un equilibro bien logrado entre el retrato del hombre y el espacio vacío alrededor de él, donde el énfasis principal de la pintura es el retratado y el fondo de la pintura se subordina y únicamente se utiliza para apoyar la figura del retratado y no tiene un papel destacado.

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Título: José Manuel Groot

Creador: Felipe Santiago Gutiérrez

Fecha de creación: 1834

Técnica artística: Óleo sobre tela

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Esta visita se hizo de manera virtual el martes 2 de mayo.

El museo Frida Kahlo, también conocido como La Casa Azul, es uno de los museos más icónicos y populares de ciudad de México. Este museo se encuentra en la casa donde Frida Kahlo nació, vivió y murió y cuenta con una colección de objetos personales, fotografías y obras de arte de Frida y su esposo, el muralista Diego Rivera.
El museo en sí mismo es una atracción ya que permite conocer el mundo de Frida, explorar su vida, su obra, y su legado. El montaje de las obras es bastante bueno y las paredes azules brillantes y la arquitectura típica de la época en la que fue construida la casa, le dan un toque especial
La exposición permanente del museo incluye las habitaciones de la casa de Frida, donde se pueden ver algunos de sus objetos personales como su cama, sus pinturas y sus vestidos, así como una amplia colección de obras de arte y fotografías que documentan su vida. Dentro de las obras expuestas en el museo Frida Kahlo, no sólo se encuentran cosas de Frida sino también de su esposo, Diego Rivera.

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Este recorrido se hizo manera presencial el viernes 28 de abril.

El museo es relativamente nuevo, construido en el 2004 y la colección del museo se centra en el arte contemporáneo colombiano de artistas reconocidos o emergentes, dando un montaje muy bueno, mostrando una selección cuidadosamente elegida y cómoda para la organización del museo.
Además de la colección permanente del museo de arte Miguel Urrutia, también se presentan exposiciones temporales de diversos temas y estilos.
El recorrido que se hizo fue en una de esas exposiciones temporales llamada: "siglo XIX: rupturas y continuidades". Como el nombre de la exposición lo indica se muestran obras de artistas nacionales e internacionales del siglo XIX sobre diversos temas y con diversas técnicas.
La primera sala que se visitó se encuentra en un segundo piso luego de subir unas escaleras de madera en espiral. Cuando se llega, es extraño que el salón sea de un techo bastante bajo respecto a lo que se está acostumbrado, siendo aproximadamente 2.3 metros que en un contexto de sala de exposición, a mi parecer, es muy poco.
Esta sala tenía una colección de retratos de, probablemente, gente adinerada de la época y alguna pintura de historia.
En la sala de al lado, la sensación era muy distinta, el techo era mucho más alto y daba la sensación de ser más espacioso el espacio y producía menos presión. Irónicamente había una parte en la que se exponían miniaturas de retratos principalmente.
En el resto de la sala habían pinturas de paisaje y también retratos, pero estos retratos eran distintos y se veían más realistas debido al uso de luces y sombras, lo que sugiere que los retratos de la primera sala y la segunda son de pocas distintas.

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La luz en esta pintura es suave creando un tipo de atmósfera. Sin embargo, no hay un indicador que diga de dónde proviene la iluminación.
Las líneas en la imagen son definidas y fuertes que contornean principalmente formas geométricas un poco distorsionadas o torcidas. El color es bastante saturado, definido por una paleta de tonos azules y amarillos que siguiendo la teoría del color, dan sensación de tranquilidad y armonía.
La textura en la pintura es particularmente evidente, se ven los trazos de las pinceladas y el recorrido que hizo el pincel mientras realizaban, algo muy característico del arte impresionista. Es interesante que hay una perspectiva clara en la obra aunque no se utilicen ni sombras ni iluminaciones.
La escala en la pintura es correcta, con las formas de los objetos representados en proporciones realistas, donde el espacio está distribuido en secciones definidas por las formas de los objetos, creando un equilibrio simétrico alrededor del eje vertical central de la cama.
El énfasis en la pintura se centra en la cama, que ocupa un lugar destacado al ser el objeto más grande y llamativo en la habitación y los objetos secundarios en la pintura podrían ser la mesa y las sillas que se subordinan a la cama y el conjunto de la habitación.

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Título: El dormitorio en Arlés

Creador: Vincent Van Gogh

Fecha de creación: 1888

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Esta visita se hizo de manera virtual el día martes 25 de abril.

Las obras que se encuentran en este museo son principalmente de arte impresionista, realista y posimpresionista del siglo XIX. Hay una amplia selección de arte decorativo en donde se pueden encontrar variedad de pinturas y esculturas.
El museo se encuentra ubicado en París en una antigua estación de tren que fue transformada a lo que es hoy en día en el año 1980.
El museo de realmente amplio, los techos son muy altos y el espacio entre hora y hora es definitivamente generoso, lo que hace que se sienta bastante extenso, despejado y tranquilo.
Respecto a los demás museos visitados, este puede ser uno de los más completos en cuanto ahora de artistas famosos entre los que se encuentran Van Gogh, Monet, Manet, Renoir y muchos otros.

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Es una pintura bastante plana, sin profundidad y definitivamente tosca. No existen líneas de contorno, si no, simplemente un cambio de color fuerte entre las tonalidades de la imagen. Los bordes no están difuminados y al no tener ni iluminación ni profundidad, la imagen se siente un poco dura.
Sin embargo, aunque la inexistencia de líneas rectas ayuda un poco a crear suavidad, la pintura sigue sintiéndose ruda, aunque no necesariamente sucia.
Los colores que se utilizan son muy saturados llegando al punto de la irrealidad, pero utilizados muy bien para que la imagen se lea claramente creando contrastes entre el fondo y el primer plano de la imagen (tomando como el fondo la parte azul de atrás de quien se supondría es Salomé)
Si se habla de la textura de la pintura, se puede apreciar que la pintura es muy suave al tacto, probablemente debido al uso del acrílico como pigmento para crear la imagen.
La unidad probablemente se encuentre en la importancia que tiene cada uno de los elementos dentro de la obra, ya que ninguno se encuentra subordinado, exceptuando el fondo que no tiene un papel nada más que de realizar el contraste. Ahora, la variedad se encuentra en la cantidad de colores que hay dentro de la imagen, no se puede hablar de una paleta de colores concreta y sólo tienen en común que su contraste es muy alto y la saturación es muy elevada.
La escala parece normal, no hay elementos de tamaños incongruentes o irreales, pero la falta de profundidad, de detalle y de congruencia en los colores, hacen que la imagen parezca un poco caricaturesca.

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Título: Salomé presenta la cabeza de Bautista

Creador: Beatriz González

Fecha de creación: 1974

Técnica artística: Acrílico sobre metal y madera

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Sala de exposiciones, Centro Cívico Uniandes

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Sala de exposiciones, Centro Cívico Uniandes

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El recorrido se realizó de manera presencial el día viernes 21 de abril.
Es una exposición temporal llamada arte para Bogotá, compuesta por obras de colecciones de Scotiabank Colpatria, el museo de arte moderno de Bogotá (MAMBO), Leo Katz y Uniandes.
Algunas de las obras expuestas son de personas que pertenecieron a la Universidad de los andes, ya sean profesores o estudiantes. De hecho, un dato curioso es que uno de los requisitos de la Universidad de los Andes para que los estudiantes de arte pudieran graduarse era que dejaran una obra para la universidad.
Dentro de la exposición se encuentran pinturas, esculturas e incluso un trabajo textil.
Todas las obras van variando de tema, se pueden encontrar retratos, pinturas y esculturas abstractas e incluso, arte religioso.
Si bien no encontré un orden en la exposición, creo que lo más llamativo es ver la cantidad, calidad y variedad de arte colombiano que se produjo en la Universidad de los Andes.

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La luz es uno de los elementos más destacados en la pintura, se filtra suavemente a través de los edificios y las hojas del árbol al costado izquierdo creando una especie de atmósfera.
Realmente la luz parece venir de una fuente desconocida detrás del espectador lo que le da una a la imagen un aire de misterio. Las líneas de la pintura son difuminadas en general y un poco curvas para representar los edificios, realmente no son muy definidas lo que le da a la imagen un aspecto suave y adicional a eso la textura parece ser muy delicada lo que contribuye a esa sensación de suavidad.
Ahora bien, el espacio en la pintura está muy bien definido, hay una sensación de profundidad y es evidente una perspectiva. La perspectiva se logra mediante la superposición de objetos, la variación del tamaño de los mismos y el cambio de planos
dentro de la imagen.
Al parecer se puede hablar de simetría debido a la gran variedad de objetos que hay en la imagen. Sin embargo, si cuenta con un balance simétrico debido a que ninguna parte de la imagen tiene un mayor énfasis y el peso de la misma está distribuida de manera uniforme por lo que implícitamente la subordinación no entra en el análisis de esta obra

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Título: La Callejuela

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Aprox 1658

Técnica artística: Óleo sobre lienzo

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El recorrido por este museo se realizó de manera virtual el día martes 18 de abril.

Este museo confiere objetos de mobiliario, armas, barcos y otro tipo de objetos antiguos y no solo obras de arte.
El edificio es de finales del siglo xix y fue inspirado en el renacimiento y el estilo gótico.
Investigando un poco más, este edificio fue diseñado por Pierre Cuypers y sinceramente se me hace una completa maravilla visual ya sea por sus torres puntiagudas, sus grandes vidrieras para las entradas de iluminación e incluso los detalles de ornamentación implementados.

Ahora bien, el montaje de las obras del museo es bastante interesante ya que las obras están organizadas por géneros y estoy casi seguro que también fueron organizadas cronológicamente, lo que hace que la comprensión de las obras sea un poco más sencilla.
Las obras son principalmente de arte holandés. Sin embargo, también hay obras de otras zonas del mundo e incluso existe una colección de arte Japones en un ala especifica.
Algunos de los artistas que pude distinguir fueron principalmente Rembrandt, Vermeer y Van Gogh.

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Título: The bishop's Toy N° 2

Creador: Omar Rayo

Técnica artística: Acrílico sobre lienzo