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La pittura en plein air, praticata anche da Corot, non è una novità introdotta dall’impressionismo, ma in questa poetica è nuovo il rapporto con la natura. Uno sguardo depurato dal romanticismo, da cui è assente l'impegno sociale...

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Nell'ultimo trentennio del secolo, con il consolidarsi della Terza Repubblica, la città di Parigi consolida anche il proprio aspetto borghese e festoso arricchendosi di teatri, musei, ristoranti, sale da ballo, casino, e soprattutto di cafè.

Nascono i boulevards grazie all'intervento urbanistico del barone Haussmann, ampi viali cittadini sui quali enormi marciapiedi vengono arricchiti dalle presenza di cafè.

Il sottosuolo della capitale era già percorso dalla metropolitana, mentre la notte in superficie veniva rischiarata da

un'impianto di lampioni a gas tecnologicamente all'avanguardia.

Ecco Parigi: "la città della luce" LA VILLE LUMIERE.

Il progresso stava inesorabilmente facendo cambiare il volto

di città attraverso la realizzazione di GALLERIE (costruzioni in vetro ed acciaio) STAZIONI FERROVIARE, PRIMI GRANDI MAGAZZINI ( al cui interno, sul finire del

secolo, vennero istallati degli ascensori elettrici, allora unici in Europa).

Senza Parigi l'impressionismo non sarebbe potuto esistere, ma è pur vero che senza l'Impressionismo Parigi non sarebbe stata immortalata come lo è stata una maestosa e dolcissima città che ha contribuito a

costruire il mito della BELLE EPOQUE.

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A partire dagli anni Sessanta XIX secolo, un nutrito gruppo di artisti con tanta voglia di fare ma insofferenti alla pittura tradizionale e accademica iniziarono a riunirsi in un locale parigino al numero 1 della Grande Rue des Batignolles: il Cafè Guerbois, ogni venerdi.

In seguito s'incontreranno nel cuore dell'animato quartiere artistico di Montmartre al Cafè de la Nouvelle Athènes al numero 9 di Place Pigalle, vi si aggiungeranno letterati, intellettuali, critici e collezionisti.

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La prima mostra dei pittori impressionisti si tenne nel 1874 (dal 15 aprile al 15 maggio) nello studio del fotografo Nadar, situato a Parigi nel boulevard des Capucines, poiché le loro opere erano state rifiutate dalle principali esposizioni ufficiali. Nadar, che in quel momento aveva bisogno di denaro, era un fotografo molto quotato nella seconda metà del XIX secolo soprattutto per i ritratti in cui cercava di cogliere, attraverso la posa e l'incidenza della luce, il carattere e la psicologia della persona da fotografare. Lo spazio dell'esposizione si adattava molto bene perché grande e dotato di enormi vetrate. Il sostegno finanziario venne dal mercante d'arte Durand-Ruel, che tenterà di far conoscere le opere impressioniste al pubblico americano e londinese.

La mostra, che vide esposte 163 opere tra disegni, oli, acquerelli e pastelli, si risolse in un fallimento. L'unica nota di rilievo fu che grazie ad essa il gruppo ebbe il nome con il quale sarebbe passato alla storia. Fu Louis Leroy, critico della rivista satirica "Le Chiarivari", che osservando il dipinto di Monet "Impressione, sole nascente", scrisse che "la carta da parati allo stato embrionale è ancora più curata di questo dipinto", concludendo appellandosi al gruppo con l'appellativo derisorio di "impressionisti".

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ÉDOUARD MANET, tra realismo e impressionismo

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ÉDOUARD MANET, tra realismo e impressionismo

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L'impressionismo e il giapponismo sono strettamente legati attraverso l'influenza che l'arte giapponese, in particolare le stampe ukiyo-e, ebbe sugli artisti impressionisti alla fine del XIX secolo. Gli impressionisti, come Claude Monet e Edgar Degas, furono affascinati dalla semplicità, dai colori vivaci e dalle composizioni asimmetriche delle opere giapponesi, che ispirarono nuove tecniche pittoriche e compositive nei loro lavori. Questo scambio culturale arricchì l'impressionismo, introducendo elementi di innovazione e contribuendo a rompere con le convenzioni accademiche europee dell'epoca.

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Colazione sull’erba (1863; olio su tela, 208 x 264 cm; Parigi, Musée d’Orsay)

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Manet nei dipinti riporta scene della vita parigina dell’epoca, presentandola come se stesse raccontando salienti e importanti fatti di cronaca

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Olympia (1863-65; olio su tela, 130,5 x 190 cm; Parigi, Musée d’Orsay)

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Emile Zola disse: “vi troviamo personaggi di tutti i giorni, che hanno il torto di avere muscoli e ossa, come tutti”

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E’ consapevole Manet, “Mi stroncheranno”. Ma è più forte di lui. “Io sono del mio partito, del partito della vita e della verità”.

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 Il balcone (1868-69; olio su tela, cm. 169 x 125; Museo d'Orsay, Parigi)

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Il bar delle Folies-Bergère (1881-82. Olio su tela, 96 x 130 cm. Londra, Courtauld Institute Galleries.)

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Particolare del pubblico riflesso nello specchio.

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è riuscito a scardinare i precetti dell’accademia rendendo l’artista finalmente libero

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Impressione, sole nascente (1872, olio su tela, 50 × 65 cm. Parigi, Musée Marmottan)

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L'alba di una nuova era nell'arte: il capolavoro che ha dato il nome all'impressionismo.

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la ripetizione del medesimo soggetto è dettata dalla volontà di cogliere quel soggetto nell'immediato e nell'attimo non ripetibile

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Monet si dedicò per tutta la vita a dipingere en plein air (letteralmente all'aperto) per riuscire a cogliere le sottili sfumature che la luce e l'aria generano su ogni particolare della natura.

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Il giardino di Monet a Giverny (Francia)

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Il ponte giapponese (1899, olio su tela, cm 89,5x115,3, National Gallery of Art, Washington

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Il ponte giapponese (1899, olio su tela, 89,5×115,3 cm, Museum of Modern Art, New York)

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verso l'Astrattismo...

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La Cattedrale di Rouen in pieno sole (1893. Olio su tela, 107 x 73 cm. Parigi, Musée d’Orsay)

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La Cattedrale di Rouen. Armonia blu, sole mattutino (1894. Olio su tela, 107 x 73 cm. Parigi, Musée d’Orsay)

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I papaveri (1873, 50 x 65 cm, olio su tela, Musée d’Orsay, Parigi)

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Un'esplosione di colori che danza sotto il sole estivo

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La stazione di Saint-Lazare (1877, olio su tela, 75, 5 x 104 cm. Parigi, Musée d’Orsay)

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L'energia della modernità catturata nel fumo e nel vapore.

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Bain à la Grenouillère', 1869, Metropolitan Museum of Art, New York

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PIERRE-AUGUSTE RENOIR, pittore della "joie de vivre"

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PIERRE-AUGUSTE RENOIR, pittore della "joie de vivre"

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ricerca del bello e stupore davanti alla natura

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La Grenouillère (1869; olio su tela, 66 x 81 cm; Nationalmuseum, Stoccolma)

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Bal au moulin de la Galette (1876, olio su tela, 131 x 175 cm; Parigi, Museo d’Orsay)

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La magia di una domenica pomeriggio a Montmartre, dove la luce filtra tra gli alberi e l'allegria è palpabile

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La colazione dei canottieri (1880-1881; olio su tela, 130 x 173 cm; Washington, Philips Collection)

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La loge (The Theatre box) (1874; 80 x 63.5 cm; Olio su tela; Courtauld Gallery, Londra, Regno Unito)

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L'altalena (1876; 92 x 73 cm; Olio su tela; Museo d'Orsay, Parigi)

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Le bagnanti (1887; 118 x 170 cm; Olio su tela; Museo d'Orsay, Parigi)

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La bellezza classica rivisitata attraverso la lente vibrante dell'impressionismo

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La promenade (1870; 81.3 x 65 cm; Olio su tela; Getty Museum, Los Angeles, USA)

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Gli artisti si accorsero che l’Impressionismo era eccessivamente rivolto all’esterno, poiché continuava ad analizzare la natura e a riprodurre sulla tela le impressioni e la realtà. Da quella stessa realtà, però, i postimpressionisti si sentivano spesso respinti e cercavano di fuggire: avevano quindi la necessità di fare un passo ulteriore per iniziare a mettere sotto i riflettori l’interiorità del pittore, rivendicando anche la possibilità di trasfigurare il mondo secondo la propria sensibilità personale - qualora fosse stato necessario.

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Il Post-impressionismo è un concetto critico che comprende l’opera di differenti autori che, nell’ultimo ventennio dell’Ottocento, hanno saputo interpretare ed elaborare autonomamente la lezione dell’Impressionismo, giungendo a esiti alquanto anomali e soggettivi. Il termine “Post-impressionismo” viene coniato nel novembre del 1910 quando il critico d’arte Roger Fry (1866-1934) organizza a Londra un’Esposizione di Gauguin, Cézanne e Van Gogh, considerati al tempo ancora come impressionisti: dall’accostamento dell’opera pittorica dei tre emerge con evidenza il distacco linguistico dai fondatori del movimento – Manet, Monet, Degas e Renoir. Le nuove soluzioni tecniche e stilistiche vengono avvertite come una sorta di avanzamento nella ricerca pittorica moderna e dunque come il superamento di alcune convinzioni impressioniste: da lì l’etichetta di “Postimpressionismo”, adottata dalla critica successiva.

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Utilizza un approccio emotivo, perché il colore deve rappresentare i sentimenti dell’artista.

Per lo studioso dei colori Henry, i tratti che salgono ispirano gioia così come i colori caldi esprimono dinamicità. I tratti che scendono ispirano tristezza e i colori freddi ispirano

staticità.

Chevreul era un chimico che doveva risolvere un problema sorto nella sua fabbrica tessile, poichè i colori dei suoi tessuti si spegnevano. Dunque lui crea il cerchio cromatico e la teoria del contrasto simultaneo: accostando colori complementari la luminosità di ciascuno viene esaltata.

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Due giocatori di carte (1892-95; olio su tela, 47,5 x 57 cm; Parigi, Musée d’Orsay)

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una sfida mentale e una cupa riflessione esistenziale

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Natura morta con arance e mele (1899; olio su tela, 74 x 93 cm; Parigi, Musée d’Orsay)

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Natura morta: brocca da latte e frutti su un tavolo (1890 ca.; Olio su tela; cm 59,5×72,5; Nasjonalgalleriet, Oslo)

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Montagna di Sainte-Victoire (1905; olio su tela, 68 x 81 cm; Zurigo, Kunsthaus)

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La serie ha permesso al pittore di elaborare un linguaggio inedito che ha aperto la strada alle Avanguardie, come Cubismo e Astrattismo

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“Non dobbiamo dipingere ciò che pensiamo di vedere, ma ciò che vediamo. Alle Belle Arti vogliono insegnarti le leggi della prospettiva, ma non hanno mai capito che la prospettiva risulta da una giustapposizione di superfici verticali e orizzontali, e che questa è la prospettiva. Io l’ho scoperto con tanta fatica e ho dipinto in superfici, perché non dipingo nulla che non abbia visto e quello che dipingo esiste.”

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La pittura non ha più bisogno di mostrare il

soggetto, le pennellate, la stesura del colore è già

di per sé degna di essere rappresentata sulla tela

e goduta dallo spettatore

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Le Grandi bagnanti (1906; olio su tela, 208 x 251 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

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PAUL GAUGUIN, il pittore dell'esotismo e del primitivismo

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PAUL GAUGUIN, il pittore dell'esotismo e del primitivismo

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Il Cristo giallo (1889. Olio su tela; 92×73 cm. Bufalo: Galleria d'arte Albright-Knox)

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È stato una delle figure di spicco del movimento simbolista, che ha enfatizzato l'uso di simboli e immagini metaforiche per trasmettere un significato più profondo. Nei suoi dipinti, ha spesso utilizzato motivi simbolici, come divinità e dee tahitiane, per esplorare temi spirituali e mistici.

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Donne tahitiane sulla spiaggia (1891. Olio su tela; 69 cm × 91 cm. Parigi: Museo d'Orsay)

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Da dove veniamo? Cosa siamo noi? Dove andiamo? (1897. Olio su tela; 139,1×374,5 cm. Boston: Museo delle Belle Arti)

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La visione dopo il sermone (1888. Olio su tela, 73 x 92 cm. Edimburgo, National Gallery of Scotland)

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Gauguin intreccia simboli e figure in una narrazione complessa che riflette le grandi domande dell'esistenza umana.

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Ia Orana Maria (1891. Olio su tela, 114×88 cm. Metropolitan Museum of Art, New York)

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La Siesta (1892. 88 cm x 150 cm, Olio su tela. Museo d'Orsay, Parigi)

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Manao tupapau (Lo spirito dei morti veglia) (1893. Olio su tela; 73 cm x 92 cm. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo)

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VINCENT VAN GOGH, l'anima tormentata dell'arte

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VINCENT VAN GOGH, l'anima tormentata dell'arte

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Camera da letto ad Arles (ottobre 1888. Olio su tela, 72 x 90 cm. Amsterdam, Van Gogh Museum)

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Un rifugio di calma in un mondo turbolento

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Caffè di notte (settembre 1888. Olio su tela, 70 x 89 cm. New Haven, Yale University Art Gallery)

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Lo scenario desolante della solitudine.

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I mangiatori di patate (1885. Olio su tela; 82×114 cm. Museo Van Gogh di Amsterdam)

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Campo di grano con cipressi (1889. Olio su tela; 73 x 93,4 cm. Metropolitan Museum of Art di New York)

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Combina la forza della natura con l'emotività umana

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Notte stellata sul Rodano (1888. Olio su tela; 72,5×92 cm. Musée d'Orsay, Parigi)

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Notte stellata (1889. Olio su tela, 73,7 x 92,1 cm. New York, The Museum of Modern Art)

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«Sotto cieli ora tagliati nello splendore di zaffiri e turchesi ora impastati di non so quali infernali zolfi, ardenti, deleteri e abbaglianti […] si distende un’insolita natura, inquietante e turbatrice, vera e quasi sovrannaturale a un tempo, una natura eccessiva dove tutto, esseri e cose, ombre e luci, forme e colori, s’impenna, si solleva in una volontà rabbiosa di urlare la propria essenziale canzone con il timbro più intenso, più ferocemente acuto». (Albert Aurier, 1890, rese omaggio a Van Gogh con un articolo pubblicato sul «Mercure de France»)

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Notte stellata, 1889. Particolare con la luna.

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Notte stellata, 1889. Particolare con il paese.

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Vaso con quindici girasoli, 2 serie (1888. Olio su tela, 92,1 x 73 cm. Londra, National Gallery)

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Riuscì a far esplodere un mondo di luce e trasformò un semplice soggetto da natura morta (fiori in un vaso) in un’efficace metafora: quella dell’energia creatrice e della forza vitale della natura, dell’amore e dell’amicizia che sostengono, alimentano, guariscono.

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Vaso con dodici girasoli, 2 serie, 1888. Monaco, Neue Pinakothek. Particolare.

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Vaso con dodici girasoli, 2 serie, 1888. Monaco, Neue Pinakothek. Particolare.

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Autoritratto con l'orecchio bendato (1889. Olio su tela; 60×49 cm. Courtauld Gallery, Londra)

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L'essenza tormentata di un genio creativo