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"Minue", 1831 - Carlos Enrique Pellegrini

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"Fuente de las Nereidas", 1902 - Lola Mora

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Para poder adentrarnos en el estudio del arte prehistórico argentino, también conocido como “arte prehispánico” o “arte precolombino”; debemos recurrir necesariamente, al auxilio de estudios especializados en diferentes ramas del saber, como la arqueología general y argentina en particular, y de antropología cultural, dentro de la que se estudia específicamente el fenómeno artístico. En nuestro país; hace más de 10.000 años que el ser humano entró en las tierras que hoy conocemos como Noroeste argentino y de allí, se cree, fue expandiéndose hacia el resto de nuestro territorio. Por lo tanto, durante todo este tiempo, diversas sociedades ocuparon distintos ambientes y los fueron transformando una y otra vez, perfilando su paisaje, desarrollando su cultura, expresando sus ideas, cada uno con sus propios sistemas de obtención de energía y de producción de alimentos, viviendas y arte; y en cada caso generaron sistemas de creencias, formas de explicación de la difícil realidad del universo y la naturaleza, con sus respectivos tabúes y prohibiciones1 ; por eso decimos que sus manifestaciones artísticas van más allá de su estética, son imágenes de su mundo interior. Un mundo interior que ya desde hacía mucho tiempo, desde el siglo XVI, cuando los españoles recalaron en el Noroeste argentino, y se encontraron con pueblos establecidos, con organización social, con su propia visión del mundo, sus sistemas de creencias religiosas, y costumbres ciertamente muy distintas de las que ellos traían; había sido menospreciado. Como consecuencia de este choque de culturas, se produjo una competencia entre estas dos visiones totalmente diferentes del Mundo, lo que provocó un alto impacto en los contenidos de la enseñanza de las culturas precolombinas; que fueron transmitidas bajo una visión de escaso desarrollo y esto ocurrió hasta no hace tanto tiempo atrás. Afortunadamente, cada vez más, los contenidos de la enseñanza básica están rompiendo con esta práctica desacertada, indagando y buscando nuevas interpretaciones integradoras –donde la dimensión material y estética de los objetos precolombinos no son escindibles entre sí y mucho menos considerados “primitivos” o de escaso desarrollo.

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"Manifestación", 1934 - Antonio Berni

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"Retablo del dolor", 1943 - Raquel Forner

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"Continuidad lineal", 1956 - Enio Iommi

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"El sueño de la muñeca", 1975 - Aída Carballo

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"El arte ha muerto, viva el arte", 1979 - Margarita Paksa

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Colonialismo en el Virreinato del Río de La Plata

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Colonialismo en el Virreinato del Río de La Plata

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Para poder entender el arte de este período debemos pensarlo dentro de su contexto histórico; para ello debemos ubicarnos a fines del siglo XV, principios del siglo XVI, y tener en cuenta las derivaciones que trajo aparejadas el “Descubrimiento de América”; y como consecuencia la posterior “Conquista”. La intención de crear una sociedad española de Indias se reflejaba ya desde el mismo acto fundacional de ciudades. La fundación se realizaba para afirmar los derechos del conquistador así como la sujeción de la población indígena. Se fundaba sobre la nada. Ignorando o destruyendo las culturas previas. Había que traspolar una sociedad en otro espacio geográfico. Podemos hablar de una traslación sistemática, sin plantearse las características propias del nuevo territorio, ni los usos y costumbres de sus habitantes. Y con las ciudades y la organización política, había que trasladar también las costumbres y su Religión; todo un sistema de vida nacido de raíces europeas debía ser implantado en un espacio físico y espiritual tan ajeno y distante, que hubo que tratar de eliminarlo de cuajo. Sin embargo, este Nuevo Mundo, o mejor dicho, este mundo nuevo para el español; pero de ancestrales y sólidas raíces, resistirá y se proyectará a través del arte, en esa época, e inclusive hasta nuestros días; a través de un proceso de hibridación, es decir, de resignificación y remitificación de elementos, que siendo en un principio ajenos, se transforman con una nueva carga simbólica, en propios.

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Antonio Berni nació en Rosario, el 14 de mayo de 1905. Después de su primera formación artística en su ciudad natal, aprovechó una serie de becas para continuar su aprendizaje en Europa. Regresó a la Argentina en la década de 1930, época en que descubrió y fue influenciado por el surrealismo y el muralismo mexicano.

Luego, su interés por la realidad del país le hizo replantear su rumbo en la pintura: se alejó de la dimensión fantástica y se acercó a una pintura más realista, vinculada a una defensa de las clases sociales más desposeídas. Junto con Juan Carlos Castagnino, Enrique Policastro y Carlos Giambaggi fundó el Nuevo Realismo, y colaboró con David Alfaro Siqueiros, el gran muralista mexicano, en un mural en la casa de Natalio Botana.

Berni experimentó con diferentes técnicas, soportes, materiales, creó los xilo- collages-relieves. Es tan potente el influjo de Berni que hasta es posible entender el origen del arte contemporáneo local a través de Juanito Laguna y Ramona Montiel.

Sus obras abrevaron en todos los estilos artísticos, a lo largo de toda su vida, y en todos fue reconocido por su excelencia y singularidad.

Desocupados (1934).

"Después de los años cincuenta, la expresividad de Berni se libera del ideal armónico, pierde rigor formal y adquiere vitalidad en composiciones de pinceladas rápidas y vibrantes (...)[;] alrededor de los años sesenta (...) [se] acerca a las innovaciones del informalismo y a los artistas del pop art del Instituto Di Tella. Renueva el grabado con la incorporación del collage en las inolvidables series de "Juanito Laguna" y "Ramona Montiel", y en 1962 gana el Primer Premio de Grabado en la Bienal de Venecia"", comenta la especialista Gabriela Metz.

Ramona y Juanito Laguna constituyen dos personajes paradigmáticos de su obra, que expresan su preocupación por los excluidos y los marginales del sistema.

Berni murió en la ciudad de Buenos Aires, el 13 de octubre de 1981. Una de sus obras más conocidas -fechada en 1961-, lleva por título Pesadilla de los injustos o La conspiración del mundo de Juanito Laguna trastorna el sueño de los injustos. Su obra y su modo de concebir un arte no disociado del compromiso social lo convierten en un símbolo de la búsqueda trascendental de un mundo más justo, solidario y equitativo.

Manifestación (1934).

Berni por Berni

"Yo soy antes que nada pintor, aunque a veces mis figuras o personajes salgan de los cuadros convirtiéndose en objetos. Puedo obtener un marrón con pintura al óleo sobre una superficie plana, pero también encontrar el equivalente de ese color en un pedazo de lata herrumbrada, y trato ese pedazo de lata moldeándolo o recortándolo como dibujante, habiéndolo elegido como colorista... también el , por supuesto, lo utilizo como pintor, lo uso, lo aplico como medio de expresión, como los colores, el collage que utilizo para Juanito Laguna no es el mismo que el de Ramona. Yo elijo los elementos que corresponden a la personalidad, a la sensibilidad de mi personaje, al medio que pertenece, y con ellos trato de darle vida. Descubrí que en los baldíos, en las calles pobres, estaba diseminado, como un decorado patético, todo el material que componía ese mundo. Allí estaban aquellos pedazos de lata herrumbrada, cajones de madera rotos, escobas viejas, chapas alquitranadas... Antes de elegir esos materiales, los sentí, testimonios mudos y aparentemente sin importancia de una terrible realidad. Incorporándolos a las telas, conseguí darle a mi pintura el realismo incisivo que yo me proponía dar, que necesitaba expresar".
(...)
"...a Juanito Laguna lo veo y lo siento como arquetipo que es; arquetipo de una realidad argentina y latinoamericana [...]. Juanito Laguna no pide limosna, reclama justicia; en consecuencia pone a la gente ante esa disyuntiva; los cretinos compadecerán y harán beneficencia con los Juanitos Laguna; los hombres y mujeres de bien les harán justicia. De eso se trata. [...]. Los Juanitos Laguna han enriquecido a mucha gente y también a mí; pero yo no los he explotado, yo estoy reivindicándolos. ¿Quiénes han hecho a la Argentina, eh? La masa trabajadora, todo ese pueblo que ha puesto el hombro para hacer un país, con su sacrificio y su trabajo; lo han hecho los Juanitos Laguna que, apenas sus fuerzas se lo permiten, van a trabajar a las fábricas, al campo, donde sea". (Antonio Berni, escritos y papeles privados).

Testimonio de Antonio Berni: la historia de Juanito Laguna (MALBA)

Si querés conocer más obras sobre este personaje del artista, te invitamos a recorrer la galería de imágenes Berni para niños. Juanito Laguna.

Una vida apasionada

La serie" Huellas, arte argentino" recoge los aspectos más importantes de los artistas argentinos fundamentales. A través de un breve relato y recorrido biográfico, se trata no solo de informar sobre la vida y obra de cada artista, sino de reflejar su espíritu y rescatar el mensaje de su obra. Compartimos el capítulo dedicado a Antonio Berni.

Actividad sugerida

¡Manos a la obra! Los monstruos del arte

Todas las obras de Antonio Berni son interesantes por diferentes motivos, pero seguramente los monstruos resultan más fascinantes a la hora de crear. ¿Quién no ha soñado alguna vez con seres extraños? ...Y Berni lo sabía. Muchos otros artistas también trabajaron con monstruos y todas las culturas tienen monstruos en sus leyendas y mitos.

Gárgolas, sirenas, centauros. La antigua mitología griega está llena de seres extraños llamados monstruos. Entre los monstruos griegos, hay muchos cuya extrañeza consiste en que combinan una parte animal con una humana: las sirenas (mujer y pez), los centauros (hombre y caballo), Cerbero (perro y serpiente), Equidna (mujer y serpiente), Escila (mujer y dragón), la Esfinge (rostro de mujer; pecho, patas y cola de león, alas de ave de rapiña), los grifos (águila y león), el Minotauro (hombre y toro), las arpías (mujer y ave) y la Quimera (cabeza de león, busto de cabra y cola de serpiente), entre muchos otros.

La propuesta es que se conviertan en artistas y creen sus propios monstruos. Aquellos con los que sueñan o con los que nunca querrían soñar.

1. Dibujar, pintar o construir monstruos propios con lápices, fibrones, acuarelas, témperas y materiales descartables.

2. En la computadora también es posible jugar con las imágenes. Pueden tomar una fotografía de una persona y, por ejemplo, cambiarle el tipo y color de pelo, quitarle los ojos, ponerle otra boca, etc. Las posibilidades son infinitas. Les proponemos crear un monstruo en la pantalla de la computadora a partir de un retrato digital y con un programa graficador.

Algunos de los monstruos creados por Antonio Berni.

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Antonio Berni: un artista con espíritu moderno

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El 14 de mayo se conmemora el aniversario del nacimiento de Antonio Berni: pintor, grabador, dibujante y muralista argentino. Sus obras más recordadas fueron Juanito Laguna y Ramona Montiel. Considerado uno de los artistas con mayor espíritu moderno de nuestro país, renovó los medios tradicionales del lenguaje plástico.

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Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari fue artista visual, inventor y astrólogo. En esta nota recordamos a un ser polifacético de nuestra cultura a 133 años de su nacimiento.

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Nace en Buenos Aires el 22 de abril de 1902. De padres españoles, a los doce años realiza un primer viaje a la tierra de sus mayores, donde queda deslumbrada por el mundo del arte. De esa época datan sus primeros dibujos. De regreso en Buenos Aires, estudia en la Academia Naciona…

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Nació en Buenos Aires en 1924 y falleció en la misma ciudad en 2000. Inició estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, y los abandonó poco tiempo después. En ese tiempo fue importante la amistad con Enio lommi, a quien conoció en 1952. Ejecutó esculturas figurativas entre 1948 y 1952 destacándose algunas cabezas de arcilla de rara expresividad. Adhiere luego a la tendencia geométrica, obras que presentó en su primera individual en 1960. Viajó a Europa y se detuvo en Madrid y Amsterdam, toma contacto con Karel Appel y otros ex integrantes del grupo CoBrA que entre 1948 y 1951 formuló un aporte sustancial a la Nueva Figuración. Es el inicio de una obra personalísima que lo destaca: con elementos de desecho, autenticos materiales pobres y técnicas sorprendentes, va expresando una crítica social aguda y lacerante, en donde nunca falta la ironía. Las cajas utilizadas por Heredia para la serie de 1962 y 1963 eran reales y habían sido llenadas con artículos cotidianos que el espectador descubre al abrirlas, como se le invitaba: trapos, huesos, hilos, papeles, botones, muñequitos de celuloide, pelos. Al transformarse el contenido de estos envases verdaderos, Heredia hacía de ellos figuraciones del útero materno, el habitáculo humano y la tumba. Obtuvo Mención Especial en el Premio Henry Moore de Hakone de Tokio, Japón en 1981, el Gran Premio de Escultura en el Salón Fortabat en 1986, el Primer Premio en el Salón Municipal Manuel Belgrano en 1994 y el Premio Konex de Honor en Artes Visuales (Escultura).

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Arte de la Argentina - El portal de artistas argentinos, museos, salones y principales galerías

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Nació en Buenos Aires en 1924 y falleció en la misma ciudad en 2000. Inició estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, y los abandonó poco tiempo después. En ese tiempo fue importante la amistad con Enio lommi, a quien conoció en 1952.

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Marta Minujín, Biografía, Premios, Premiaciones,Fundación Konex - Premiando la excelencia argentina y sudamericana desde 1980 - Artes - Espectáculos - Deportes - Música - Ciencia y Tecnología

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Huellas Arte argentino - Capítulo 1 Arte plástico rupestre

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Huellas Arte argentino - Capítulo 2 Arte colonial

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Huellas Arte argentino Capítulo 3 Los artistas viajeros

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Huellas Arte argentino Capítulo 4 El retrato en el siglo XIX

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Huellas Arte argentino Capítulo 5 Los primeros modernos

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Huellas Arte argentino Capítulo 7 Los impresionistas y las primeras vanguardias

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Síntesis Histórica del Arte en la Argentina, 1776-1930

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SÍNTESIS HISTÓRICA DEL ARTE EN LA argentina, 1776-1930

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Cien años de arte argentino - Maria Jose Herrera