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Aparecieron las primeras manifestaciones artísticas, que se representaron como arte rupestre que son manifestaciones gráficas en rocas, son mas o menos homogéneas, las provenientes del paleolítico muestran por lo general animales salvajes y líneas, mientras que el neolítico aparece en figuras humanas, huellas humanas y otras representaciones del entorno.
Técnicas: Utilizaban pinceles, trozos de carbón, trozos de huesos o con los dedos. Los colores eran muy básicos y por lo general se usaba sólo uno aunque también utilizaron dos o tres en escenas de caza para representar movimiento o sombras.

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Las técnicas del arte paleolítico se hacían con pinceles, trozos de carbón, trozos de hueso o con los dedos. Los colores eran muy básicos (los principales eran negro, ocre y rojo que eran extraídos de forma natural del entorno) y por lo general se usaba sólo uno aunque también utilizaron dos o tres en escenas de caza para representar movimiento o sombras.

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Su temática se centra en la figura humana y en la representación de animales. El hombre se convierte en protagonista de multitud de escenas de caza, de guerra, de danza o de actividades de recolección. Se preocupan por captar el movimiento, reduciendo la representación a las líneas esenciales y eliminando los detalles. No existe una intención realista, los cuerpos humanos y animales se exageran estirando o adelgazando sus extremidades o su cintura creándose formas irreales que muestran su interés por captar lo vital e instantáneo. Son escenas de gran dinamismo.

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En las pinturas rupestres del periodo Neolítico se representaban imágenes figurativas de animales, seres humanos, símbolos y diferentes escenas de la vida cotidiana, pintadas con tonos monocromáticos.
En las diferentes construcciones megalíticas se realizaban grabados en las piedras. Las cerámicas eran pintadas con motivos geométricos.

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Los griegos todavía pintaban en las paredes para decorar las casas y otras obras arquitectónicas.
La pintura griega también es ampliamente conocida por haber decorado todo tipo de cerámicas. Los colores negro y rojo se utilizan para pintar la vida cotidiana de la época. (ver)

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La pintura se utilizaba para decorar las paredes de templos y tumbas, así como para ilustrar papiros.
Una técnica muy empleada fue la del fresco. Para conseguir los colores los pigmentos se diluían en agua antes de ser aplicados sobre una pared húmeda.
La temática era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo. Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos. También a los hombres se los representaban con piel más oscura que el de las mujeres.

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No utiliza la perspectiva y presenta una paleta de colores muy reducida, habitualmente el rojo, el azul y el blanco.

La técnica utilizada es la del temple

Sus fines son estéticos y tenían como objetivo embellecer palacios y templos.

Los temas suelen ser bélicos, religiosos, animales, leyendas y representaciones de situaciones cotidianas o de sacrificios rituales.

En los relieves se recurre a la superposición de figuras para conseguir la sensación de profundidad.

También abundan los mosaicos de cerámica con motivos geométricos o los paramentos de ladrillo de cerámica policromada.

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Es un arte en el que se recoge lo cotidiano, en el que prima la escala humana, sin que en el domine lo transcendente. Un arte más profano que religioso.

Es el reflejo estético de una sociedad aristocrática, rica y refinada.

La pintura es bidemensional y al fresco, empleando colores vivos tanto en la decoración arquitectónica como en la pintura mural y la decoración de cerámica.

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El Arte en la Edad Media cubre un arco temporal que va del siglo IV al Gótico Internacional (primera mitad del siglo XV), centrándose en los nexos históricos y culturales, los momentos centrales y las líneas de desarrollo de las artes más significativas durante toda la Edad Media en el territorio de la Europa occidental.
El arte medieval tiene un carácter fundamentalmente religioso. El arquitecto construye catedrales y el pintor y el escultor completan la decoración.
Por ejemplo; se pintaban en las paredes interiores de la misma, o en tablas, para que recordasen lo que los sacerdotes y monjes les predicaban y se difunden a través de las peregrinaciones.

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La técnica y las formas de las pinturas paleo-cristianas son en su aspecto material propias del estilo romano decadente, tanto mejores o de sabor más clásico cuanto más antiguas. Pero como los artistas no se preocupaban sino por la idea, resultan poco estéticas sus labores y se presentan muy sobrias en el colorido.

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La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.

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Trazo dibujístico grueso, silueteando las figuras en negro o rojo. Utilización de colores planos, sin mezcla. Representación de figuras hieráticas, es decir, sin movimiento. Carencia de profundidad, es decir, sin perspectiva

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Al hablar de arte en la Edad Moderna nos referimos al período que va desde el final de la Edad Media hasta el estallido de las revoluciones políticas y económicas a finales del siglo XVIII. Una época con enormes cambios filosóficos y políticos que tienen su reflejo en el arte renacentista y barroco.
Frente a la deshumanización de la figura humana durante la Edad Media en el Renacimiento se buscará la belleza y en el Barroco el naturalismo. Durante el período medieval la figuras daban poca sensación de volumen por falta de modelado y por la visión frontal o de perfil sin escorzo. Con  la Edad Moderna las composiciones presentan simetría, relaciones de proporción, perspectiva con punto de fuga central, las figuras presentan tratamientos volumétricos.

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El Nacimiento de Venus, Sandro Botticelli (1485)
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, fue un pintor del Quattrocento italiano. Pertenece, a su vez, a la tercera generación cuatrocentista, encabezada por Lorenzo de Médici el Magnífico y Angelo Poliziano.
Añadiendo barnices y veladuras se convierte en la técnica pictórica histórica. El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fué pintado con la técnica del Temple.

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Crucifixión, Caravaggio (1600)
Igual que en su obra, la vida de Caravaggio estuvo marcada por una lucha entre la luz y la oscuridad. Fue un artista con una capacidad de plasmar la miseria que lo rodeaba a través de personajes que se confundían entre lo sagrado y lo profano.
Fue pionero en el uso de luces dramáticas y la representación de figuras religiosas. Sin bocetos preparatorios, Caravaggio combinó la observación cercana de sus modelos con el uso de fuertes rayos de luz. Enfoco la atención en ciertos elementos de sus imágenes, contrastando luces y sombras.

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The Earth, Nicolas Lancret, 1730
Lancret admiró e imitó el estilo de Watteau de tal modo, que ha sido descalificado como un simple imitador sin originalidad. Sin embargo, su manera de pintar es algo diferente: perfiles más definidos, una pincelada algo más lisa, y un colorido acaso más vivo. Sus pinturas se caracterizan por presentar a los personajes vestidos de forma elegante, por los paisajes delicados y por la atmósfera de plácida alegría.

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El arte contemporáneo y sus distintas expresiones son fiel reflejo de lo que vive la sociedad actual. Es un tipo de arte complejo debido a la variedad de movimientos y disciplinas que abarca. Los artistas contemporáneos realizan sus obras de múltiples formas y están influenciados por diversos temas y cuestiones sociales, a diferencia de los artistas del pasado que solían basarse en cuestiones de la religión o de la mitología.

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La persistencia de la memoria, Salvador Dalí.
El pintor surrealista Salvador Dalí tenía una técnica para mejorar su creatividad. Esta consistía en sujetar un objeto al tiempo que se disponía a dormir en una silla. Al quedarse dormido, su mano se relajaba y la caída del objeto lo despertaba.
También, es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.

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New Man, 1923- El Lisitski
El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.
El constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…

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Henri Matisse
Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le llevó elementos para pintar. Dijo de este momento de su vida que descubrió «una especie de paraíso». Y a partir de entonces decidió convertirse en artista plástico.
Su técnica,se trataba de algo simple,coloreaba unos papeles con tonos puros, intensos y vibrantes mediante la técnica del gouache , que luego eran cortados y combinados. De ese modo creaba 'collages'.

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Otto Dix es un dibujante excepcional nos ha dejado 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que, sin duda alguna, evocan la época renacentista. Y es que Dix es, en efecto, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.
Se trata de un arte provocativo, satírico, que enfatiza lo feo para exponer duramente la realidad. Deja el expresionismo y el arte abstracto para mostrar un realismo amargo, desesperante (algunos lo llaman post-expresionismo), muchas veces en tono de crudas caricaturas para exaltar la crítica agresiva y mordaz. Lo que busca es quitar con honestidad brutal las máscaras hipócritas del mundo.

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El concepto de arte digital, en este marco, suele ser motivo de debate. Por lo general, se considera que el arte digital es aquel creado mediante el uso de herramientas informáticas. Una obra desarrollada con una computadora (un ordenador), por lo tanto, es una manifestación de arte digital.