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Las armas como instrumento de representación del conflicto

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Las armas como instrumento de representación del conflicto

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A lo largo del tiempo, las armas como instrumento de representación del conflicto, se han utilizado como instrumento fundamental en la formación de sociedades, moldeando y cambiando el curso de la historia. Desde sus orígenes, donde su uso bélico creó y destruyó civilizaciones enteras, además de servir como herramienta de caza o recolección; hasta su uso más reciente en donde los estados las usan para preservar la ley, el orden, la seguridad fronteriza, entre otros. Por otro lado, las armas también conllevan una connotación social negativa en la que, por ejemplo, estas actúan como cómplices del crimen.

Por este motivo, las armas en la historia del Arte se tomarán como fuente primaria de información para seguir los cambios de pensamiento, problemas y conflictos del hombre en el transcurso de su historia.

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Título: Pintura rupestre de grupos de hombres enfrentándose con lanzas y arcos. Fecha: 12000 a.C. Lugar: Cueva del Civil, Castellón, España. Artista: Anónimo.

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Pintura rupestre de grupos de hombres enfrentándose con lanzas y arcos es el nombre que se le ha dado a una pintura rupestre de autor anónimo perteneciente al Neolítico, fechada alrededor del 12000 a.C. y situada permanentemente en la Cueva del Civil, España. Lo que se observa en la fotografía es un detalle de una gran pintura descubierta en 1917 junto a otras similares.
La imagen nos muestra un total 13 figuras humanas, todas de pie y en actitud de caza mientras sujetan diferentes armas como arcos, flechas, lanzas y objetos de difícil reconocimiento que podrían tratarse de garrotes. Es importante mencionar la distribución que tienen los personajes en el espacio, marcando una clara división vertical en el centro de la imagen, que hace que estos se observen y luchen entre sí.
Aunque es cierto que, por la lejanía temporal, se desconoce el uso real de este tipo de pintura en la época en la que se creó; hoy podemos pensar que la representación de los hombres, sus armas y conflictos en el Neolítico es una tarea mayormente simbólica en comparación con la pintura más naturalista y realista de siglos pasados. Por esta razón podemos observar el uso de formas geométricas para la representación del conflicto existente entre los hombres del tercer periodo de La Edad de Piedra.

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Título: Wall panel; relief

Fecha: 865-860 a.C.

Lugar: British Museum, Londres, Inglaterra

Artista: Anónimo

Dimensiones: Alto: 94.4 cm - Largo: 216.4 cm

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Título: Faraón Ramsés II en un carro de guerra durante la batalla de Kadesh.

Fecha: 1274 a.C.

Lugar: Templo Mayor de Abu Simbel, Nubia, Egipto

Artista: Anónimo

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Título: Anillo de oro de la tumba IV del círculo de tumbas A en Micenas.

Fecha: 1600-1500 a. C.

Lugar: Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia

Artista: Anónimo

Dimensiones: Diámetro total: 2.7 cm - Diametro del chatón: 1.8 cm

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Título: Hidria de figura roja con Teseo y una Amazona

Fecha: 500-490 a.C.

Lugar: Walters Art Museum

Artista: Pintor de Berlín

Dimensiones: 41x42x36 cm

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Título: Gálata Ludovisi

Fecha: siglo I a.C.

Lugar: Museo Nacional Romano, Italia

Artista: Epígono de Pérgamo

Dimensiones: 211 cm

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Título: Guerrero

Fecha: siglo I a.C

Lugar: British Museum, Inglaterra

Artista: Anónimo

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La Columna de Trajano, ubicada en Roma, Italia, es una destacada obra de autor desconocido, que con gran habilidad técnica, servía como monumento para celebrar la conquista de Dacia por parte del emperador Trajano. Esta columna, erigida entre los años 107 y 113 d.C., mide casi 40 metros de altura y 4 de diámetro, siendo esculpida en mármol blanco de Carrara.
Desde un punto de vista técnico, la columna se compone de 19 bloques de mármol apilados uno sobre otro, creando una estructura cilíndrica. En su parte exterior, se encuentra un intrincado relieve en espiral que se extiende a lo largo de toda la columna, narrando con detalle las campañas militares del emperador Trajano en la actual Rumania. De esta manera, se pueden observar soldados romanos en acción, construcciones de fortificaciones, escenas de la vida cotidiana en los campamentos y representaciones de Dacia rendida ante el poder imperial. La columna también incluye una estatua de bronce de Trajano en la parte superior, que originalmente portaba una lanza.
En esta importante obra existe una clara relación con la representación de las armas como sinónimo de conflicto. La Columna de Trajano conmemora las victorias militares de Trajano en Dacia y se erige como un monumento a la grandeza del Imperio Romano. La meticulosa representación de la guerra en el relieve no solo celebra el poderío militar romano, sino que también comunica un mensaje de autoridad y control sobre las provincias conquistadas. Además, el hecho de que la columna esté ubicada en el Foro de Trajano subraya su importancia como un símbolo de la dominación romana sobre sus adversarios y conflictos.

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El sarcófago de Junio Baso, ubicado en Roma, Italia, es una obra de gran importancia en el contexto del arte paleocristiano. Desde una perspectiva técnica, esta pieza escultural está tallada en mármol y data del año 340 d.C. Su forma rectangular de 234 x 142 cm presenta una meticulosa ornamentación en bajo relieve que recubre cuatro de sus lados. La utilización del mármol no solo resalta la belleza de la obra, sino que también simboliza la riqueza y el estatus del difunto. Desde un punto de vista iconográfico, el sarcófago de Junio Baso narra escenas cristianas que representan el paso de la efímera vida terrenal hacia la vida después de la muerte, siendo notable la representación de un arma como símbolo de conflicto. En el panel frontal, se representa la escena del prendimiento de Jesús como prisionero, con uno de los dos soldados portando un arma.

Esta elección iconográfica se relaciona directamente con la época en que se creó el sarcófago. De esta manera, en el contexto del Imperio Romano en decadencia y las amenazas bárbaras en las que se encontraba Jesús, la representación de conflictos armados simboliza la lucha del cristianismo contra los peligros exteriores e internos. Además, se puede interpretar como una metáfora de la lucha entre el bien y el mal, donde el cristianismo emerge como la fuerza redentora. En resumen, el sarcófago de Junio Baso es una obra técnica y estilísticamente impresionante del arte paleocristiano, ubicada en el Museo de la Civilización Romana. Su iconografía enfatiza la relación entre la vida, la muerte y las armas, reflejando los desafíos y las luchas de la época, así como la creciente influencia del cristianismo en la sociedad romana.

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Título: Basilio II

Fecha: Siglo XI

Lugar: Museo Nacional de Atenas, Grecia

Artista: Anónimo

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Título: Les Quatres Cavaliers

Fecha: 1086 d.C.

Lugar: Burgo de Osma, cathedral archives

Artista: Martinus

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Título: Tímpano de Santa Fe de Conques. Artista: Desconocido. Fecha: 1097-1107 d.C. Lugar: Iglesia abacial de Santa Fe, Conques, Francia.  Dimensiones: 6,7x3,6m

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El tímpano de Santa Fe de Conques es una destacada obra del arte románico. Se encuentra en la fachada de la iglesia de Santa Fe, una abadía en Conques, Francia. La escena representa el Juicio Final, temática muy frecuente de la época. Sin embargo, como materia de análisis, resulta especialmente interesante la sección dedicada para el infierno o el tártaro. Bajo este orden de ideas, en la parte derecha del tímpano, se puede observar una gran cantidad de armas portadas por los diversos seres malignos. Por lo que, con gran creatividad, se le da forma a un sinnúmero de castigos hacia pecados, lo cual resultaba moralizante para el espectador. De esta forma, es como por ejemplo “los demonios, imitando a los guerreros de las tropas armadas, levantan una ballesta, nueva arma mortal prohibida en el segundo Concilio de Letrán en 1139, porque cambia la naturaleza de los combates, sustituyendo al cuerpo a cuerpo leal con espada, la engañosa emboscada”. (Séguret, 2001)

En contraste, el fresco "Guidoriccio da Fogliano" de Simone Martini, creado en el siglo XIV, es un ejemplo sobresaliente de la pintura gótica italiana. La obra retrata a Guidoriccio da Fogliano, un destacado condotiero italiano del mismo siglo, en su caballo, vestido con su armadura y con una lanza en la mano. En esta representación, el poder se manifiesta a través de la figura del condotiero y su equipamiento militar. La armadura de Guidoriccio es detallada y lujosa, indicando su estatus y riqueza. Por otro lado, su lanza junto a su espada puede actuar como un complejo símbolo de su habilidad en la guerra o de su capacidad para ejercer el poder a través de la fuerza.

En ambos casos, las armas y la indumentaria militar son elementos esenciales para representar el poder en la sociedad medieval y gótica. Sin embargo, hay diferencias notables en cómo se aborda esta representación. En el tímpano de Santa Fe de Conques, la simbología se enmarca en un contexto religioso. Las armas y las armaduras de los guerreros se presentan en el contexto del Juicio Final, por lo que "en Conques, los benedictinos querían hacer hincapié para moralizar lo más posible las leyes de la guerra (...) aquí los militares están siendo claramente denunciados" (Séguret, 2001). Esto implica una visión de poder en la que la fuerza militar se subordina a la autoridad divina.

Por otro lado, en el fresco de Simone Martini, el enfoque está en la figura individual. Aquí, el poder se percibe como una manifestación más secular y terrenal. La riqueza y el poder en la guerra son los atributos clave que se resaltan en la representación. El poder no está sujeto de una autoridad religiosa o divina, sino de su habilidad para liderar en el campo de batalla y mantener su posición social.

En resumen, tanto el tímpano de Santa Fe de Conques como el fresco de Simone Martini ofrecen una perspectiva interesante sobre la representación del poder a través de las armas en el Románico y Gótico. Mientras que en el tímpano se enfatiza la sumisión a la autoridad divina, en el fresco se destaca la influencia del individuo y su habilidad en el campo de batalla como fuentes de poder. Estas obras son testigos de la compleja relación entre la religión, lo militar y el poder en la historia europea.

Séguret, P. (2001). INTERPRÉTATION DU TYMPAN DE CONQUES OU “L’INTUITION DU PURGATOIRE”. Art Roman Conques. https://www.art-roman-conques.a/espanol/index.html

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Título: Guidoriccio da Fogliano (Detalle)

Artista: Simone Martini

Fecha: 1328 d.C.

Lugar: Palazzo Pubblico, Siena, Italia

Dimensiones: 69 x 968 cm

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Título: Palas y el centauro

Artista: Sandro Botticelli

Fecha: 1445-1510 d.C.

Lugar: Le Gallerie degli Uffizi, Florencia, Italia

Dimensiones: 207 x 148 cm

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Arte Renacentista de las Escuelas del Norte

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Arte Renacentista de las Escuelas del Norte

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Título: Virgen del canónigo Van der Paele

Artista: Jan van Eyck

Fecha: 1434-1436 d.C.

Lugar: Museo Groeninge, Brujas, Bélgica

Dimensiones: 122 x 157 cm

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"San Marcos liberando al esclavo" es una obra maestra del renombrado pintor veneciano Jacopo Tintoretto, creada de 1548 a 1566 y actualmente exhibida en la Galleria dell'Accademia en Venecia, Italia. Con unas dimensiones de 416 x 544 centímetros, esta pintura es un ejemplo del manierismo veneciano que ofrece una interesante perspectiva sobre la representación de las armas como símbolo de poder en el contexto histórico y artístico de la época.

En esta obra se representa un episodio de la vida de San Marcos, la figura representativa de Venecia, en el que el santo libera a un esclavo de sus cadenas. El esclavo, desnudo y tumbado en el suelo, a quien se le sometería a tortura, es salvado por la milagrosa intervención del santo que aparece en lo alto de la composición en un complejo escorzo. Por otro lado, la figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el castigador, quien es sorprendido por el milagro. La escena está ambientada en un entorno arquitectónico clásico, con columnas, arcos y jardines, lo que demuestra la influencia de la arquitectura romana y renacentista en la pintura veneciana de la época.

Iconográficamente, se pueden observar diferentes armas, como mazos y hachas, que se muestran rotas. Esto sugiere al espectador que las armas con las que se iba a atacar al esclavo se han roto en el instante en el que ocurre el milagro. Así, las armas rotas simbolizan la derrota y la rendición de quienes antes mantenían el poder y la autoridad. En este contexto, las armas rotas representan el quebrantamiento de la opresión y la injusticia a manos de los poderosos. San Marcos, como símbolo de la justicia divina, se muestra triunfante sobre la fuerza bruta y la opresión, lo que refuerza su papel como protector de los oprimidos. Por lo que, en conclusión, las armas en la pintura muestran como el poder humano queda subordinando por el poder divino, en este caso por San Marcos.

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Título: La rendición de Breda

Artista: Diego Velázquez

Fecha: 1634 d.C.

Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

Dimensiones: 307 x 367 cm

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Título: El rapto de las sabinas

Artista: Jacques-Louis David

Fecha: 1799 d.C.

Lugar: Museo del Louvre, París, Francia.

Dimensiones: 385 x 522 cm.

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Título: La caza del león. Artista: Delacroix. Fecha: 1855 d.C. Lugar: Museo Nacional de Estocolmo, Suecia. Dimensiones: 98 x 76 cm.

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La pintura "La caza del león" de Eugène Delacroix es una obra maestra del Romanticismo conservada en el Museo Nacional de Estocolmo. Pintada en 1855, la pintura representa un grupo de cazadores africanos persiguiendo a un león en la selva. El león actúa como un símbolo de poder y majestuosidad. Por otro lado, los cazadores están armados con variedad de instrumentos, que van desde lanzas hasta sables. Estas armas configuran parte del elemento central de la composición y desempeñan un papel fundamental en la representación del poder en la obra, ya que las armas representan el poder del hombre sobre la naturaleza. La caza del león simboliza la lucha del ser humano por dominar la naturaleza salvaje y controlar a los animales. De esta manera, las armas actúan como las herramientas que permiten a los cazadores enfrentarse al león y, por lo tanto, ejercer su dominio sobre él. Además, la forma en que Delacroix representa las armas también es significativa, disponiéndolas en la composición notablemente. Las lanzas y sables actúan como líneas convergentes que conducen la vista hacia el punto central de la acción, donde el león y los cazadores se encuentran en un enfrentamiento inminente con un herido en batalla.

El uso del color y la luz en la pintura también contribuyen a la representación del poder a través de las armas. Delacroix utiliza colores vibrantes y contrastantes para enfatizar la emoción y la intensidad de la escena. El rojo de las túnicas de los cazadores, así como los tonos cálidos de los leones, se destacan contra el verde oscuro de la selva, lo que atrae la mirada del espectador hacia los personajes y sus armas. Por otro lado, la luz que cae sobre los cazadores del fondo y sus armas crea un efecto dramático que realza su importancia en la composición, en especial al compararse con el león y el herido en primer plano. De esta manera, el león herido y rodeado de cazadores evoca una sensación de tragedia y sacrificio, a la vez que la majestuosidad del león se ve empañada por su vulnerabilidad.

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Título: El cazar alemán

Artista: Gustave Courbet

Fecha: 1863 d.C.

Lugar: Museo de Bellas Artes y Arqueología de Besanzón, Francia

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Manet, E. (1867). La Ejecución del Emperador Maximiliano". National Gallery de Londres, Inglaterra. 252x305 cm.

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"La ejecución del emperador Maximiliano" es una obra impresionista del pintor francés Édouard Manet, realizada en 1867. Este gran lienzo, que mide 252 por 305 centímetros, representa el momento culminante de la ejecución del emperador Maximiliano de México en 1867. La pintura, que actualmente se encuentra en la National Gallery of London, ofrece una escena en la que protagonizan las armas, destacando especialmente como sinónimo de poder.

En términos formales, la composición de la obra, comparable a los fusilamientos del 3 de mayo de Goya, muestra la tragedia en el momento justo en el que se está desarrollando. De esta forma, el lienzo puede ser dividido en tres grupos principales. En un primer plano, se observan siete militares armados que se disponen a fusilar a un segundo grupo, en el cual se observa al emperador Maximiliano junto a dos hombres más en el momento de su muerte. Por último, un tercer grupo de observadores al otro lado del muro espectan la trágica escena. Además, las fuertes líneas que forman las armas hacen que estas desempeñen un papel crucial en la obra, sirviendo como elementos visuales que simbolizan el poder y la violencia inherentes a la ejecución. Los rifles y las bayonetas de los soldados se muestran como elementos prominentes en la composición, creando líneas horizontales que convergen hacia el centro temático de la imagen. Estas líneas no solo guían la mirada del espectador hacia el emperador y sus generales, sino que también transmiten una sensación de tensión e inevitabilidad. La frialdad en los rostros de los soldados contrasta con la expresión más serena pero resignada de los condenados. Esta disparidad en las expresiones faciales refuerza la distribución del poder en la escena. De esta forma, la figura de Maximiliano actúa como el centro de la obra, en su rostro se observa su mirada fija en el horizonte, como si estuviera aceptando su destino con una mezcla de tranquilidad, resignación y dignidad.

El uso del color también es importante para entender la obra como parte del impresionismo, la paleta de colores es muy luminosa, con tonos claros que dominan la composición. Esto es por la iluminación que proviene de la izquierda, arrojando sombras muy pronunciadas en los perfiles de los personajes. Además, la pincelada rápida, así como la representación de movimiento por los disparos, son claves en este periodo.

En conclusión, "La ejecución del emperador Maximiliano" de Manet es una obra impresionista que utiliza las armas como principal protagonista para representar el poder, en este caso militar. Además, a través de la composición, la pincelada, el color y la iluminación, Manet logra transmitir la dualidad de esta compleja tragedia de un evento histórico. Las armas, en este contexto, no solo usadas para la muerte, sino también como símbolos de la lucha política por el control, en contraste con el emperador fusilado que acepta su destino con tranquilidad.

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Título: El ejército ruso

Artista: Varvara Stepanova

Fecha: 1930 d.C.

Lugar: Multimedia Art Museum, Moscú, Rusia.