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Io ho inteso questa frase come un incitamento, un'esultanza: "lunga vita all'arte!"
Secondo me, l'arte deve coinvolgere le persone e può farlo tramite il messaggio che trasmette o attraverso l'impatto visivo. Più l'arte colpisce, più coinvolge. Più l'arte coinvolge, più è viva...

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Il viva di "arte viva" io lo interpreto come il fatto che l'arte dei nostri giorni è un tipo di arte che coinvolge lo spettatore, un tipo di arte che interagisce con esso e quindi le opere esposte al giorno d'oggi possono essere toccate, possono essere modificate e quindi possono essere considerate vive.

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A mio parere va inteso come Viva (nel senso di vivere, quindi come esortazione alla lunga vita) l'arte viva, l'arte che trasmette vita, l'arte in movimento, che destabilizza e mette in relazione. Quindi:
"Lunga vita all'arte viva!"

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In un mondo dominato dalla paura e dalla tensione, Viva Arte Viva è un modo per ridare forza, vitalità, energia all'arte, intesa come unico modo in cui l'umanità può trovare ristoro e speranza nell'esprimere se stessa e ciò che lo circonda.
Perché quindi questo inno è disperato? Perché l'uomo ha ormai perso la fiducia in se stesso ed in ciò che lo circonda; l'arte sta lentamente soffocando tra le paure e le ansie di ogni giorno, molta gente non può far altro che pensare a come sopravvivere.
Viva Arte Viva è quindi una sorta di scintilla che vuole ravvivare una fiamma, ormai fioca, un canto del cigno dell'anima.
Il dipinto di Dalì che qui vi porto non faceva parte della Biennale, ma è ciò che più si avvicina a ciò che ho espresso a parole, così difficile da riportare invece all'occhio

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Tante opere viste alla Biennale si riferivano alla vita e al vissuto dell'artista stesso, che si pone all'interno della stessa. Abbiamo visto infatti opere che parlavano di viaggi, di storie, di vite intere compresse in quadratini scombinati, ma abbiamo soprattutto visto opere capaci di smuovere qualcosa all'interno di noi, di farci pensare e di farci quindi cambiare, di farci uscire da quelle stanze diversi rispetto a come siamo entrati. Quest'arte era infatti viva in quanto ha modificato qualcosa in noi e nel nostro essere uomini, essere qualcosa di vivo e in continuo cambiamento.

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Il titolo di questa biennale è palesemente una provocazione alla concezione moderna, diffusa in questo mondo dell'informazione di massa, di un arte che non può più dare nulla e dire nulla. Tutto è già stato fatto. Tutto è già stato detto. Tutto è già stato provato. Ormai l'arte è vista come un' attività lontana, incomprensibile, che può' essere capita solo da un elite di "intellettualoidi" e fondamentalmente inutile. Contro questo pensiero la biennale vuole combattere la sua battaglia, facendo capire al mondo che l'arte non ha smesso di comunicare, di innovare, ma soprattutto non ha smesso di mandare un messaggio a tutti e non verso i pochi eletti. Ma questa battaglia è stata vinta da la Biennale 2017? L'arte è viva? Dipende perché come al solito la verità sta nel mezzo e per quante opere meramente banali,o impregnate da un velo di saccenza e di commercialità, ci sono altre opere, che esprimono concetti comprensibile a tutti e per tutti, che vogliono mandare avanti un'idea nuova e moderna. In definitiva l'arte moderna è da setacciare più che nelle epoche passate, per trovare la vera essenza che fa dire che l'arte è ancora viva.

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Il titolo di questa biennale esprime l’idea di un’arte che è presente, che vive nella società odierna e nel cuore delle persone . L’artista cerca di colpirci nel profondo con nuovi mezzi e strumenti atti a farci comprendere il suo pensiero ma soprattutto di aiutarci a scoprire noi stessi.

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Secondo me è un grido esultante “EVVIVA L’ARTE VIVA!” ed esprime la gioia, l’entusiasmo o anche i dubbi e le domande che ci poniamo davanti a un'opera d’arte (non una qualunque) ma una VIVA nel senso che è in grado di farci vivere cioè di farci provare forti emozioni e influenzare la nostra vita di ogni giorno.

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A mio parere è un invito alla longevità dell'arte, un augurio alla vita futura di un'espressione che ormai fa parte dell'immaginario collettivo da molto tempo.
Possa l'arte vivere in  eterno!

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Perché mettere le piante nelle scarpe non é Arte. Tempo fa l'arte era un qualcosa di elitario da un certo punto di vista, ma adesso, proteggendosi da ogni lato con l'affermzione "Ogni oggetto quotidiano può diventare arte", una qualsiasi persona può autodefinirsi artista creando oggetti senza valore estetico e dal contenuto spirituale inventato dalla critica specializzata.

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E' davvero viva l'Arte presentata alla Biennale? 

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E' davvero viva l'Arte presentata alla Biennale? 

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Se con "viva" intendiamo "in grado di suscitare emozioni" allora sì, ovviamente questo aggettivo non può essere esteso a tutte le opere, perchè fa perno sulla persona di ognuno. Ed è proprio questo l'obbiettivo della biennale, dimostrare che oggi, nonostante il il suo marginale ruolo nella società, sia ancora in grado di comunicarci dei messaggi.

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...l' arte che abbiamo visto alla Biennale è viva, in continuo movimento, tanto da interagire spesso con l' osservatore, che non solo guarda ma appunto vive dentro l'opera stessa.

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Una speranza, una convinzione, o forse un ragionevole dubbio. E' nella "vita" dell'arte odierna che troviamo le contraddizioni di un'umanità sempre liquida, morbosamente legata ad un'idea di sé sempre più incongruente, un'immagine che riflessa nello specchio della creazione umana pone all'occhio di chi davvero osserva un prorompente dilemma: forse l'arte è viva, noi lo siamo altrettanto?

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Non so se l'arte che abbiamo visto alla Biennale fosse veramente viva ma era sicuramente un qualcosa di diverso da quello che mi ero immaginata.
Forse questa frase indica un incitamento alll'arte stessa, alla sua storia, a come sia cambiata rispetto a quello che era agli inizi del 1700, a come sia cambiato il concetto stesso di arte...

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Esclamazione che implica l’esistenza di un’arte morta. La Biennale festeggia l’arte viva, l’arte che porta a qualcosa, l’arte che non è fine a se stessa. L’arte morta è pur sempre arte, ma ha portato a termine il suo obiettivo, ha raggiunto il suo scopo: è per questo che è morta, probabilmente non ci serve più.

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L'espressione "Viva Arte Viva" mi fa pensare ad un bisogno da parte del mondo di ricordare l'importanza dell'arte in un periodo storico nel quale le espressioni culturali stanno perdendo sempre più importanza. L' arte deve continuare a vivere in quanto espressione della società odierna in continua evoluzione. Di conseguenza l'arte continuerà a mutare ma la sua "vita" sarà possibile solo se l'uomo riuscirà a riconoscerla come specchio del proprio io.

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L'arte in sé è morta, se non c'è qualcuno disposto ad osservarla. L'arte diventa viva nell'osservatore, suscitando emozioni, riflessioni, ricordi.

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“Viva Arte Viva?” mi porta a dire che si tratta di vivere un’arte ricca di vita, e il mezzo per intraprendere questa arte è la biennale stessa.

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Perché l’arte prima o poi muore. L’arte dei giorni nostri si esprime in maniera differente rispetto a quella del passato, che è stata superata da un modo diverso di comunicare emozioni e di rappresentare la realtà che ci circonda. L’arte viva racconta storie che ci stanno vicine, nelle quali possiamo immedesimarci.

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Leggerezza della vita, meraviglia artistica

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Leggerezza della vita, meraviglia artistica

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http://haps-kyoto.com/wp-content/uploads/2017/06/photo1_The-Mending-Project1.jpg

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Le opere presenti alla biennale in alcuni casi possono essere viste come l'espressione delle emozioni dei vari artisti, di conseguenza penso che in questo caso l'arte possa essere viva.

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“Viva arte viva” credo sia una risposta alle esigenze della società che cambia, l’arte è viva, attiva, fa domande, non importa in che modo riesce a toccarci,  se è lei che esce dalla sua sfera d’isolamento oppure siamo noi che entriamo in lei … in ogni caso ci mette in discussione.

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E’ un messaggio per dire che l’arte oggi continua a parlare e insegnare e non bisogna considerarla come qualcosa di lontano, difficile o superficiale.

A mio parere però questo titolo è molto discutibile. Penso che sia vero che l’arte continuerà ad esistere sempre, ma dopo la visita alla Biennale ho avuto l’impressione che in molti casi dietro le opere si nascondessero altri fini.

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La "vita" che oggi intendiamo come tale espressa in un mac diviene morte nel momento in cui l'arte la muta in arma, un' ascia, tornando alla manualità preistorica, arte della sopravvivenza, per sopravvivere ugualmente al giorno d'oggi contro la ferocia della tecnologia.

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Sì, l'arte è più viva che mai, perché muove l'animo e fa sentire vivi. Per me l'arte, volenti o nolenti, è e vive ovunque, e soprattutto vive dentro ognuno di noi; delle volte penso addirittura che, in certe persone e in certe frangenti della vita, essa si manifesti come una delle poche cose vere e vive che ci sono rimaste in questo mondo. Ci accumuna tutti.

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Semola di cous-cous messa in movimento grazie alle onde elettromagnetiche prodotte dal suono del canto. Fisica ed Arte insieme in un'opera multi-sensoriale.
Video del principio utilizzato dall'artista, studiato dal fisico Chladni nel XVIII secolo: https://www.youtube.com/watch?v=tFAcYruShow

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In quest'opera l'artista unisce un fotomontaggio di tramonti che ha personalmente registrato ad un timer che segna i 18 minuti che il sole impiega per tramontare, mentre la celebre drag queen Lady Bunny parla di politica e della sua vita. Tramontato il sole, la drag queen intona una sua canzone. (you were the one, vedi link)
L'artista afferma che non sa il perché abbia fatto quest'opera, ed io mi trovo molto in accordo con lui. Unire drag queen e tramonti non è da tutti, per fortuna.
https://youtu.be/1v6feO3y4xk

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Partendo dall’idea del DNA, cioè il punto d’origine fondamentale per l’esistenza umana, Binion si ritrae utilizzando pezzi di carta che raccontano della sua vita.
https://youtu.be/L4YqMctCuC8

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In quest'opera l'artista è riuscito a rappresentare la staticità del sapere nel mondo contemporaneo, il Sapere bloccato dentro un blocco di cemento. Almeno credo.

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Luboš Plný, Art's anatomy (questo è il titolo che io darei..)

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Luboš Plný, Art's anatomy (questo è il titolo che io darei..)

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Luboš Plný è un artista ceco che nel corso della sua vita ha sofferto di instabilità mentale ed è stato per questo motivo ricoverato all'interno di una clinica psichiatrica per un breve periodo. I suoi lavori riflettono la sua stravaganza: in quest'opera decide di raffigurare un'anatomia umana personalizzata, ovvero riporta nel corpo umano la sua interpretazione personale portando se stesso e parti del suo corpo nel dipinto quali sangue o pelle.

http://www.neuroscienze.net/wp-content/uploads/2014/11/borderline-personality-disorder4.jpg

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Questo è il titolo che darei: "Duplicità"
Mi ricorda il personaggio di Laurence Alia nel film "Laurence Anyways" di Xavier Dolan. Il film racconta la transizione da uomo a donna di Laurence e la sua volontà di invecchiare in un corpo da donna.
Colonna sonora: vento tra le foglie.

Il link è un video dove l'artista fa capire come lavora.
https://www.youtube.com/watch?v=ZR8HeiXTK40

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Maha Malluh's Food for Thought “Amma Baad”

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Maha Malluh's Food for Thought “Amma Baad”

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In quest'opera l'artista araba Maha Malluh, ha posto all'interno di cesti per il pane, in modo da creare una composizione colorata, audiocassette fatte dagli imam per le donne, in cui spiegano quale deve essere il loro giusto comportamento nella società.

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L'opera nella foto è quella che ho esposto alla Biennale e secondo me rappresenta alla perfezione la definizione di "arte viva" in quanto l'osservatore può interagire direttamente con essa spostando i blocchi e modificandola a proprio piacimento. Di fronte all'opera mi son sentito un po' anche io come il bambino nella foto, ossia mi son divertito a spostare i blocchi e a vedere l'opera più come a un gioco che come a un oggetto artistico.

http://mariovalle.name/montessori/lego-mentale/slide003.png

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"There is a light that never goes out." - The Smiths

Opera collettiva realizzata dagli abitanti di Ulassai nel 1981.  L’artista partì da una leggenda dal titolo “La grotta degli antichi”, secondo la quale una bambina si salvò dal crollo di una grotta inseguendo un nastro celeste. L’idea era quella di unire tutte le porte, i balconi, i tetti e la montagna stessa con un nastro: tale operazione portò al superamento di vecchi rancori tra famiglie e al dialogo tra diverse generazioni. Quindi, il vero protagonista dell’opera non è il nastro, ma gli stessi abitanti di Ulassai.

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Attraverso il colore l’artista unisce la cultura del suo paese d’origine, l’Africa, e la tribù indigena dei Guarani (Amazzonia). Le striscioline di stoffa provengono ognuna da un determinato luogo; ogni cultura, tribù, popolo e si identifica nel colore.

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Petri Halilaj - “Do you realise there is a rainbow even if it’s night?!”

Un'opera inaspettata, che riceve la menzione speciale della Giuria, che parla di rinascita, di un viaggio in cui il bagaglio dell'artista (un giovane trentenne del Kosovo) è pieno di memorie, ricordi, di amore per la sua patria, i suoi valori, i rapporti familiari e le sue tradizioni. Le sue maschere parlano infatti della storia del suo popolo e della sua società che, come una falena, è capace di trasformazioni radicali nell'arco di una vita breve.

La domanda che ci è stata posta è stata quella di rappresentare, non con parole, quello che un'opera che abbiamo visto ha suscitato in noi.
Quest'opera, anche per il contesto architettonico in cui è stata posta, mi ha portato alla mente un'immagine precisa. Chiudendo gli occhi in mezzo all'istallazione e immaginando di riaprirli, in quegli stessi spazi io vedevo un mercato delle spezie, sentivo i suoi odori, vedevo i colori delle sue bancarelle e sentivo rumori di tamburelli, di passi, di monete. Sentivo e vedevo qualcosa che mi raccontava una storia, la storia di un popolo. Penso che infatti questo fosse lo scopo dell'artista, portarci a scoprire il suo popolo, la forma del suo tempo, col trascorrere invisibile della sua storia.
La canzone che avrei affiancato a questa installazione è "Samarcanda" di Roberto Vecchioni.

http://www.kamelmennour.com/media/image/s100/id9921/i-avz_4463_petrit-halilaj3-z47.jpg

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Roberto Vecchioni - Samarcanda e altri successi

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Judith Scott, artista americana che era affetta da sindrome di Down, ha deciso di interpretare ogni singolo oggetto come una risorsa da poter modellare a modo suo attraverso l'uso di fibre colorate, ricoprendo tramite esse qualsiasi cosa. Nell'opera qui sotto ha deciso di ricoprire con dei fili colorati una bici, dando colore e vita ad un oggetto banale usato quotidianamente. Altri oggetti non sono neanche riconoscibili poichè li ha coperti totalmente, evidenziando a parer mio il fatto che l'importante non è l'oggetto, ma il modo in cui lei lo ha reinterpretato.

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https://vimeo.com/169063216

L'artista, insieme a un gruppo di musicisti professionisti, cerca di riscoprire un'antica tradizione di un piccolo villaggio in Colombia che comprende nel creare musica colpendo la superficie del fiume Artato con le mani e con le braccia.

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"Collection de chaussures" - Michel Blazy

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"Collection de chaussures" - Michel Blazy

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Jens Kuross - We Will Run
https://www.youtube.com/watch?v=DPtmIpYR2ew

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Un'opera che indaga sui materiali: la ceramica, materiale originariamente solido, viene rappresentato come gocce di oro colato.

Daniel Waples - Hang in Balance

https://www.youtube.com/watch?v=EDQgU1CPpis
Ho scelto di abbinare questo brano all'opera poiché è una canzone rilassante prodotta con uno strumento che mi infonde tranquillità, come  l'installazione qui rappresentata...

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Vuoto

Morto

Vivo

Ancora?

Fine

Scopo

BASTA

E ancora, e ancora, e ancora

...si ripete...

Perche?

Vivo, e ora morto, e ora vivo...

Ti schiacciano le pareti,
e non respiri,
e non ti muovi
e

non capisco

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Il protagonista dell'opera è l'Havea, pianta da cui si ottiene la gomma, simbolo degli abusi di potere sugli indigeni del Vietnam durante le conquiste coloniali.

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Dove?   Il padiglione delle gioie e delle paure
evoca il rapporto dell' io, ovvero del soggetto, con la propria esistenza. L'introspezione svolge un ruolo fondamentale in questa manifestazione dell'interiorità dell'artista...il suo turbine di emozioni  trovano piena espressione nelle creazioni e portano dentro di loro il fine più sentito che è quello di suscitarne altrettante vive e stimolanti nel soggetto che osserva così l'opera d'arte e contemporaneamente anche se stesso.

Chi?   Haira Waheed
L'artista nasce in Canada in un quartiere sottoposto alla sorveglianza di massa, in un contesto restrittivo dove addirittura le foto e le riprese non erano autorizzate; la ricerca della verità, la geopolitica, la denuncia sociale fanno da sempre parte della sua vita. Nelle opere di Haira emerge un soggetto fragile e vulnerabile, che si trova a combattere nel mondo odierno, scosso da conflitti, guerre e disuguaglianze sempre più crescenti, che obbliga a riconsiderare l'uomo non più solo come un essere ragionevole, ma anche in contatto con le sue emozioni meno nobili, quali la paura, l'ansia e l'aggressività, e le sue profonde incertezze, mancanze e perplessità.

Che cosa? Our naufrage
Nel progetto che l'artista intraprende nel 2011, 'Sea Change', viene trattata la questione delle ingiustizie sociali e in particolare dei sentimenti di alienazione dovuti alla sorveglianza e alle migrazioni. Una delle opere racconta un naufragio:'Our naufrage'. In questa serie di dieci dipinti iperrealisti viene raccontato il momento della scomparsa in mare di nove persone, il quale destino viene inghiottito dalle onde.
Il succedersi lento di queste, che paiono così delicate e sembrano realmente muoversi in un vuoto e silenzioso spazio di mare, genera dentro di me un senso di pacata inquietudine, una pace nel dramma; lascia interdette e pensose le congetture riguardo al drammatico destino delle persone che, come l'artista riporta, sono mancate e di cui si sente la mancanza.

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Viva arte viva racchiude dentro di se tanti significati, può essere interpretabile quindi si posiziona in parallelo con le opere d’arte. Si può guardare in diversi modi e nessuno è sbagliato per cui evviva!              Inoltre vogliono dimostrare che l’arte è viva, è contemporanea e non è slegata dalla vita delle persone, anzi vive con loro, ma su un altro binario. Il parallelo ritorna nella forma del titolo, i due viva sono appunto inclinati alla stessa maniera. Inoltre il titolo ricorda appunto una linea, si spezzata, ma senza inizio e senza fine.

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A mio parere, questa frase rappresenta il modo di fare arte oggi: è un inno all'arte che pone problemi e genera riflessioni, a quella che genera emozioni ed impressioni, ma soprattutto a quella che ci fà sentire vivi, cioè in grado di esprimerci in tutta libertà.

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Anche la musica sa disegnare.
Anche i colori sanno suonare.
https://youtu.be/A2d_Oty3QsM