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[Album] - DAVID GILMOUR - Live at Pompeii (2017) - ★★★★1/2

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[Album] - DAVID GILMOUR - Live at Pompeii (2017) - ★★★★1/2

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David Gilmour - Live at Pompeii

Dans la catégorie, restreinte, des immenses guitaristes encore en activité, difficile de ne pas inclure très haut dans le classement David Gilmour tant ce dernier aura marqué de ses compositions, et plus encore de son style, le rock au sens large, des seventies à aujourd'hui. Influence majeure d'un paquet de guitaristes en herbe (ou pas), l'ex Pink Floyd ne s'est pas uniquement reposé sur ses lauriers depuis la fin quasi officielle du groupe (si l'on excepte la coda The Endless River en 2014) mais aura su piocher dans un réservoir doré de morceaux de choix. Avec deux albums solo ( On an Island en 2006 puis Rattle that Lock en 2015) et quelques live, c'est évidemment avec l'intention de revisiter une carrière phénoménale que sa dernière tournée aura parcouru le monde. Son escale à Pompéi n'est d'ailleurs pas anodine. Le concert mythique donné par Pink Floyd en 1972 avait accouché d'un film non moins phénoménal (signé Adrian Maben), témoignage fascinant d'un quintet qui allait exploser le box office quelques semaines plus tard avec Dark Side of the Moon (1973) et entrer définitivement dans la légende.

Enregistré en 2016, soit 35 ans après la prestation du Floyd sans public, à la même place, cet enregistrement public met les grands plats dans les grands (ça tombe à pic) avec une version CD, DVD, Blu-Ray et coffret Deluxe qui va bien. Si les deux précédentes tournées du maître s'étaient éloignés des stades, pour un format plus intimiste, cette dernière allait mettre la gomme en passant du Hollywood Bowl au Radio City Music Hall avant d'atterrir, donc, dans l'amphithéâtre de Pompéi. David Gilmour avait rendez-vous avec l'histoire, celle avec un grand H (les gladiateurs et tutti quanti) et celle de sa prodigieuse carrière.

Pour l'affaire, ce dernier ne jouera d'ailleurs qu'un seul titre commun avec la prestation du Floyd, " One of These Days ". Le titre " Echoes " n'étant plus joué depuis le décès de Rick Wright, le concert saura malgré tout lui rendre hommage à travers " The Great Gig in the Sky " et " A Boat Lies Waiting ". Autre hommage incontournable, celui pour Syd Barrett avec " Wish You Were Here ". Check. Le reste de la setlist propose ce que Gilmour aura fait de mieux en solo (" In Any Tongue ", " On an Island ") tout en picorant dans les standards du Floyd, au plus haut niveau : " Comfortably Numb ", " Shine on Your Crazy Diamond ", " Money ", " Fat Old Sun " et, sommet absolu, une version dantesque de " Division Bell ". Le son est évidemment aux petits oignons et le show en vidéo éblouissant. Filmage, montage, rendu et piqué sont d'un très haut niveau de qualité et permettront aux fans comme aux nouveaux venus de constater l'inévitable virtuosité d'un David Gilmour (très bien entouré) au sommet de son art, sachant entremêler intensité et sentiments au milieu des fantômes du passé, à l'ombre d'un Vésuve aussi impressionnant que le spectacle offert.

Titre : Live at Pompeii
Artiste : David Gilmour

Date de sortie : 2017
Pays : Angleterre
Durée : 142′
Label : Columbia

David Gilmour Pink Floyd TOP 2017 Musique

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[Album] - DAVID GILMOUR - Live at Pompeii (2017) - ★★★★1/2

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David Gilmour - Live at Pompeii Dans la catégorie, restreinte, des immenses guitaristes encore en activité, difficile de ne pas inclure très haut dans le classement David Gilmour tant ce dernier aura marqué de ses compositions, et plus encore de son style, le rock au sens large, des seventies à aujourd'hui.

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Cela faisait un bon moment qu'on attendait le nouveau Lifesigns, projet du musicien et chanteur John Young. Avec Cardington c'est donc le troisième album du groupe si l'on compte le live sorti il y a deux ans Live In London Under The Bridge, et qui comprenait déjà trois titres qui figurent sur ce nouveau disque dans lequel quatre compos totalement inédites nous sont proposées en supplément. On avait tous pris une claque à la sortie de l'album titre qui mettait déjà la barre très haute et qui fut une vraie révélation pour bon nombre d'amateurs de " néo prog " pointu. L'album " live " nous ayant déjà drôlement mis l'eau à la bouche. On ne pourra donc qu'apprécier son successeur qui ne faillit pas à la règle d'extrême qualité, une constante avec Lifesigns.

Et cela attaque très fort avec un morceau appelé simplement " N " qui est à lui seul un sommet d'inventivité et qui, à bien des égards, fera penser à feu UK dans sa construction. Young n'est pas Wetton, mais ce chanteur possède une voix empreinte d'une grande émotion qu'il nous communique à chaque écoute. Ce titre à lui seul mérite l'achat de l'album avec ses circonvolutions musicales, délectables à souhait. On en redemande ! Le tandem Young aux clavier, Tsonev à la guitare est éblouissant et s'associent parfaitement avec Poole à la basse (faisant presque oublier l'excellent Nick Beggs qui fut à l'origine du projet Lifesigns). Ces trois musiciens d'exception plus Beedle aux fûts réussissent avec ce titre à étonner les plus blasés d'entre nous, et nous n'en sommes qu'au début de l'album.

Il faut cependant préciser que John Young s'est adjoint le concours de pas moins de quatre prestigieux guitaristes pour l'enregistrement de Cardington, et ça s'entend par la grande diversité des interprétations signées Tsonev, Bainbridge, Boult, Gootjes, excusez du peu. A part les titres " Voice In My Head "Differentet Impossibleque nous connaissions déjà, et qui ici ont été réinterprétés et brillamment réarrangés, le nouveau morceau " Chasing Rainbows ainsi que les deux titres " T ouch" et le titre éponyme " Cardington, demeurent d'une précision exemplaire clouant ainsi le bec à un paquet de prétendants au trône des princes du " néo prog " qui ne font que de la redite. Sur ce titre final, Lifesigns est au sommet de son art, les cœurs sont majestueux, le chant de Young y est sans faille, et l'élaboration et certains passages (surtout par l'utilisation des claviers) ramèneront à un génial groupe à présent oublié et qui marqua profondément la musique progressive du vingtième siècle, Happy The Man.

Lifesigns, avec sa tête pensante John Young, réinvente le genre et se bonifie à mesure qu'il prend de l'age. Ce troisième album en est la preuve éclatante. Par conséquent, on espère vivement que Young et sa bande réaliseront très vite un nouvel album. Wait and see, Cardington constitue déjà une grosse pièce maîtresse, c'est un disque vraiment incontournable qui nous fera patienter en attendant la suite.

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Cela faisait un bon moment qu'on attendait le nouveau Lifesigns, projet du musicien et chanteur John Young. Avec Cardington c'est donc le troisième album du groupe si l'on compte le live sorti il y a deux ans Live In London Under The Bridge , et qui comprenait déjà trois titres qui figurent sur ce nouveau disque dans lequel quatre compos totalement inédites nous sont proposées en supplément.

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Kansas to release new live album “Leftoverture Live & Beyond” - The Prog Report

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Kansas to release new live album “Leftoverture Live & Beyond” - The Prog Report

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Following a highly successful album release with last year's The Prelude Implicit and a 40th anniversary tour for their classic album Leftoverture, KANSAS, America's legendary progressive rock band, will release their new live album "Leftoverture Live & Beyond" on November 3, 2017.

This is the first live album since 2009 for the band that has sold more than 30 million albums worldwide, and is famous for classic hits such as 'Carry On Wayward Son' and 'Dust in the Wind,' to progressive epics like 'Miracles Out of Nowhere.'

Fans can pre-order starting August 23, by visiting www.kansasband.com.

"Leftoverture Live & Beyond," produced by Jeff Glixman, features nineteen songs selected from twelve shows recorded during KANSAS's Spring 2017 Leftoverture 40th Anniversary Tour. The set list includes classic hits, deep cuts, new songs from 2016's studio album "The Prelude Implicit," and culminates with the band's sextuple-platinum breakthrough album, "Leftoverture," performed in its entirety.

Coinciding with the 40th Anniversary of "Leftoverture," and the release of "The Prelude Implicit," KANSAS embarked on their biggest headlining tour in decades. The overwhelming success of that tour led the band, along with Inside Out Music, to release selected songs from the tour as a live album.

"When we saw how much our fans enjoyed the Leftoverture 40th Anniversary Tour shows, we knew we had to record a live album," said KANSAS drummer, Phil Ehart. "When it came to finding someone to produce it, we thought the best possible person would be the guy that produced 'Leftoverture' forty years ago. So, we called Jeff Glixman!"

"I'm really excited with how this live album sounds," adds producer, Jeff Glixman. "This band is on fire. Producing this live album was truly an undertaking, but I am confident that KANSAS fans will enjoy the end result."

"Leftoverture Live & Beyond," will be released on November 3, 2017, on Inside Out Music and is distributed by The Orchard. The album will be available as a double CD digipak, four 180 Gram Vinyl boxed set, and digitally on iTunes and Google Play.

Leftoverture Live & Beyond Track Listing:
1.) Icarus II
2.) Icarus
3.) Point of Know Return
4.) Paradox
5.) Journey from Mariabronn
6.) Lamplight Symphony
7.) Dust in the Wind
8.) Rhythm in the Spirit
9.) The Voyage of Eight Eighteen
10.) Section 60
11.) Carry On Wayward Son
12.) The Wall
13.) What's on My Mind
14.) Miracles out of Nowhere
15.) Opus Insert
16.) Questions of My Childhood
17.) Cheyenne Anthem
18.) Magnum Opus
19.) Portrait (He Knew)

KANSAS will resume the Leftoverture 40th Anniversary Tour this fall. More information on the tour, including specific Leftoverture 40th Anniversary Tour dates, can be found at www.kansasband.com.

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Kansas to release new live album "Leftoverture Live & Beyond" - The Prog Report

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Following a highly successful album release with last year's The Prelude Implicit and a 40th anniversary tour for their classic album Leftoverture, KANSAS, America's legendary progressive rock band, will release their new live album "Leftoverture Live & Beyond" on November 3, 2017.

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[Album] - STEVEN WILSON - To the Bone (2017) - ★★★★1/2 - Amarok Magazine

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[Album] - STEVEN WILSON - To the Bone (2017) - ★★★★1/2 - Amarok Magazine

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l'essentiel. Jusqu'à la moelle. En puisant dans l'étymologie même du titre de l'album, la conclusion s'impose : il l'a fait ! Depuis le temps que Steven Wilson révise ses gammes et ses classiques en remixant les grands classiques des années 70-80, cela devait finir par arriver. Et après deux albums-concepts largement inspirés de l'âge d'or du prog-rock symphonique, la volonté de changer une nouvelle fois de cap était l'option la plus séduisante. Quitte à jouer les rebrousse poils avec ses fans. Son cinquième opus solo sera un hommage manifeste à la pop-prog rutilante, peaufinée et aventureuse des eighties. Tears For Fears, Talk Talk, Peter Gabriel, Kate Bush et d'autres se retrouvent ainsi dans le viseur d'un songwriter qui ne laisse rien au hasard en s'épaulant du producteur Paul Stacey ( The Lemon Trees, The Syn, Oasis).

Album atmosphérique, orageux et lumineux à la fois, oxymore musical parfaitement équilibré, To the Bone plonge dans l'essence même de la musique de Steven Wilson. Jusqu'à la moelle.

Plus personnel et introspectives que ses précédentes productions, nous retrouvons ici son groupe de scène avec Craig Blundell et Dave Kilminster (à la place de Marco Minnemann et Guthrie Govan habitués des sessions studio), sans oublier Nick Beggs et Adam Holzman. Du solide. Du mastoc. Et s'il a souhaité être plus présent sur les parties de guitare, c'est avant tout pour marquer le sens de son propos, un bilan du monde et la vision paranoïaque qu'il impose. Cela donne des thèmes peu réjouissants (terrorisme, fondamentalisme, réfugiés) mais également quelques escapades lumineuses comme rarement entendues dans sa copieuse discographie. Ces variations sont précisément ce qui fait tout le sel de cet album. Là où certaines ambiances pouvaient paraître autrefois glaciales, To the Bone joue de la superposition des goûts et des textures. L'effet pourra sembler désarticulé, manquer de cohérence, et pourtant il nous saisit, sans jamais fatiguer.

Rien ne prête à la facilité ni même à la complaisance. Ce serait un leurre de penser que Steven Wilson ne cherche ici qu'un tube qui le ferait franchir le dernier palier vers un statut de rock star longtemps convoité. D'autant plus depuis sa récente signature chez Caroline ( Universal). Mais la bonne fée du succès n'a pas métamorphosé notre ami. Dans ses accents les plus pop, Wilson distille encore son univers, ne se laisse pas dévorer par le prévisible ni l'ennuyeux. Même le funk festif de " Permanating " (un hit en puissance) atteste de sa capacité de compositeur caméléon illustrée par la pochette originale une nouvelle fois signée Lasse Hoile. Plus qu'une nouvelle démonstration de ses qualités, Steven Wilson laisse libre cours à ses talents de mélodiste hors pairs et s'épanche dans le sensible (" Blank Tapes " acoustique), le groove incandescent (" To the Bone ") avec des clins d'œil à Peter Gabriel (" Song of I " et " Refuge " qui délivre un passage inspiré de " San Jacinto "), au Porcupine Tree de Lightbulb Sun (" P eople Who Eat Darkness ") et même à son propre dernier album Hand.Cannot.Erase (" Detonation "). Le duo avec Ninet Tayeb (" Pariah ") est tout aussi éloquent de ses progrès au chant, lui qui n'hésite plus à jouer les voix de tête irrésistibles (" The Same Asylum as Before ").

Certains considèreront cet album comme une version idéale et sur-vitaminée de Blackfield. Ce n'est pas complètement faux. En jouant les feux follets, électriques et acoustiques (orchestre, chorale et même harmonica), et en accouchant dans la douleur de cette heure de musique plus que jamais à la conquête de territoires étendus, Steven Wilson donnera l'impression d'un manque d'ambition, d'un nivellement artistique vers le bas ou au mieux horizontal. Ce serait bien mal juger l'homme et son œuvre. En parvenant à joindre l'essentiel à une forme de simplicité en faux-semblant (le disque regorge de subtilités soniques) le compositeur communique avec le mal être d'un monde en décrépitude. Loin d'en faire un album glauque ou dépressif, il lui insuffle une vitalité telle que ce mélange de noirceur et d'euphorie se ressent comme une forme de soulagement dans un mélange de sentiments à vif, de turbulences un peu naïves qui nous entrainent vers des trésors de sophistication heureuse. Pour faire court, To the Bone s'impose comme un pur élan de vie.

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[Album] - STEVEN WILSON - To the Bone (2017) - ★★★★1/2 - Amarok Magazine

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l'essentiel. Jusqu'à la moelle. En puisant dans l'étymologie même du titre de l'album, la conclusion s'impose : il l'a fait ! Depuis le temps que Steven Wilson révise ses gammes et ses classiques en remixant les grands classiques des années 70-80, cela devait finir par arriver.

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[Album] - MOSTLY AUTUMN - Slight of Day (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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[Album] - MOSTLY AUTUMN - Slight of Day (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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Mostly Autumn - Sight of Day

Tiens un nouvel album de Mostly Autumn. Comme souvent désormais l'album a été financé par une campagne de précommande, celles-ci étant récompensées par une édition 2Cd limitée à 2000 exemplaires rajoutant 7 titres inédits à l'édition 'commerce' qui sortira au moment où vous lirez ces lignes. On ne va pas faire durer le suspense, ce disque renoue avec les très bons opus du groupe et est certainement ce que Mostly Autumn a sorti de plus réussi depuis le départ d' Heather Findlay. Ceux qui comme moi trouvaient que le groupe tournait en rond et manquait d'inspiration depuis une petite dizaine d'année pourront se ruer sur cette galette qui est à mon sens ce que la bande de Brian Josh à fait de mieux depuis The Last Bright Light ou Passengers. Comme un clin d'œil la pochette rappelle de plus les trois premiers disques des britanniques.

Le titre éponyme qui ouvre l'album est un morceau de bravoure : un quart d'heure qui visite tout ce que sait faire de mieux Mostly Autumn, guitare floydienne tantôt aérienne avec des envolées à donner le frisson tantôt rock, passages acoustiques et voix cristalline d' Olivia Sparnenn-Josh. Même si je préfère celle d' Heather Findlay, c'est furieusement bon et accrocheur. La suite n'est pas en reste et si on peut préférer la voix d' Olivia à celle plus rugueuse de son mari gratteux (l'énergique " Once Around The Sun "), les compos s'enchaînent avec un plaisir non feint. On alterne les ambiances intimistes (" The Man Without A Name" , émouvant en simple piano/voix ou " Raindown" ) et les titres plus énergiques, à l'esprit plus rock (" Changing Lives " ou " Only The Brave " , composition typique du groupe).

Comme dans tout bon Mostly Autumn, la dominante folk, quelle que soit le morceau et l'atmosphère visitée est présente. Anna Phoebe et Troy Donockey (décidément omniprésent) viennent poser leur violons et uilleann pipes sur plusieurs morceaux, apportant la couleur folk celtique, appuyée, surlignée par la flute d' Angela Gordon, qui est la marque du groupe et qui est bien plus présente que sur les productions récentes (" Raindown" , " Sight of Day " ou " Forever And Beyond" ). Si l'album ouvre sur un morceau de bravoure, un autre titre long d'une dizaine de minutes, survole et marque l'album d'une présence certaine. " Native Spirit " est un morceau très évocateur, très cinématique, avec des envolées de guitares et de voix en duo. Démarrant lentement par une partie acoustique, il va crescendo se muscler avec un solo dont Bryan Josh a le secret puis retomber dans une ambiance intimiste, acoustique qui va petit à petit s'ouvrir vers un final orchestral de toute beauté. C'est le sommet du disque avec " Sight of Day " , à n'en pas douter.

Est-il nécessaire d'évoquer le CD bonus de 7 titres ? Si vous avez précommandé l'album vous l'avez déjà, si vous vous contentez de l'édition standard, vous ne risquez de le trouver qu'à prix indécent sur des sites d'enchères.... Juste un mot : ces 35 minutes supplémentaires sont parfois plus rock (" No Sense" , " Back in Time" ) que l'album principal. " Pushing Down The Floor " et " In Time " sont des bluettes dispensables, mais " M oments " et " July " sont deux morceaux formidables à la construction aérienne qui auraient mérité une place de choix sur la version commerce...

Sight Of Day marque le retour de Mostly Autumn. Après plusieurs années d'absence et quelques albums moyens, les racines celtiques sont de nouveau perceptibles dans ce disque, le plus réussi avec Olivia Sparnenn-Josh aux chant et un des tous meilleurs du groupe, tout simplement.

Titre : Sight of Day
Artiste : Mostly Autumn

Date de sortie : 2017
Pays : Angleterre
Durée : 73'33
Label : Mostly Autumn Records

Mostly Autumn

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[Album] - MOSTLY AUTUMN - Slight of Day (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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Mostly Autumn - Sight of Day Tiens un nouvel album de Mostly Autumn. Comme souvent désormais l'album a été financé par une campagne de précommande, celles-ci étant récompensées par une édition 2Cd limitée à 2000 exemplaires rajoutant 7 titres inédits à l'édition 'commerce' qui sortira au moment où vous lirez ces lignes.

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Big Big Train - The Second Brightest Star (Album Review) - The Prog Report

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Big Big Train - The Second Brightest Star (Album Review) - The Prog Report

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Surprise! It's a brand new Big Big Train album. Less than 2 months after the release of their most recent album 'Grimspound', the group swiftly return with more music. This is also just about a year from when the group released the 'Folklore' album. Quite a prolific output by any measure. 'Grimspound' was originally intended to be a companion EP to 'Folklore' but evolved into a complete separate album. Now comes the release of 'The Second Brightest Star', which acts more like the companion release the last one was intended to be. The album is a mix of some new material (or material left over from the last two albums), some interludes that are segments from previously released tracks, and a few extended versions of songs from both 'Folklore' and 'Grimspound', which fall under the heading of "Grimlore" on the new album. While not an album of entirely new music, this is still a worthy release for any Big Big Train fan.

The Big Big Train sound is now firmly established and they sound like a band clicking on all cylinders. This becomes apparent with the title track, "The Second Brightest Star", another classic BBT sounding epic. Vocalist David Longdon takes command of the track throughout and is as powerful as ever. The orchestration is splendid as the song transports the listener to that English countryside that resides within each BBT composition.

The second track, the instrumental "Haymaking" is led by Rachel Hall's beautifully played violin. The song has a bit of a Celtic vibe to it and features some magnificent musical passages all supported effortlessly by Nick D'Virgilio's drumming. The album's third track "Skylon" is standard BBT fare, great harmonies, vocals, instrumentality showcasing a mellower side of the band; this is a song that could have been on either of the recent albums. 'Grimspound' was originally set to be titled 'Skylon'.

"London Stone" is a brief interlude that reprises the opening of "A Mead Hall In Winter", while "The Passing Widow" is a ballad with Longdon singing over piano and strings. "The Leaden Stour" is another strong track that starts of slow but has a fantastic middle break and grande ending in true Big Big Train style. The remaining tracks are reworkings of older tracks inluding "Brooklands" and "London Plane" and although, we've heard them before, they are still captivating in this manner and worth the time. It is interesting to hear these alternative versions.

The band continue to give back to their ever growing fan base with as much great music as they can create. They are riding a huge wave of creativity and show no signs of stopping. 'The Second Brightest Star' is a great addition to the Big Big Train discography and a necessary addition for any fan even for the first 3 songs alone, which are excellent. Although maybe now it could be a good time to take a break from the studio and finally take this show on the road.

Released on June 23rd, 2017

Key Tracks: The Second Brightest Star, Haymaking

Tracklisting:
1.The Second Brightest Star
2.Haymaking
3.Skylon
4.London Stone
5.The Passing Widow
6.The Leaden Stour
7.Terra Australis Incognita

Grimlore
8.Brooklands Sequence
(i) On The Racing Line
(ii) Brooklands
9.London Plane Sequence
(i) Turner On The Thames
(ii) London Plane
10.The Gentlemen's Reprise

David Longdon - lead vocals, flute, banjo, mandolin, organ, glockenspiel
Nick D'Virgilio - drums, backing vocals
Greg Spawton - guitars, keyboards, bass
Andy Poole - bass, keyboards
Dave Gregory - electric guitar
Danny Manners - keyboards, double bass
Rachel Hall - violin, backing vocals
Rikard Sjöblom - keyboards, guitars, backing vocals

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Big Big Train - The Second Brightest Star (Album Review) - The Prog Report

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Surprise! It's a brand new Big Big Train album. Less than 2 months after the release of their most recent album 'Grimspound', the group swiftly return with more music. This is also just about a year from when the group released the 'Folklore' album. Quite a prolific output by any measure.

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[Album] - Galahad - Suiet Storms (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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[Album] - Galahad - Suiet Storms (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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On connaît bien Galahad, et ce depuis un quart de siècle, le groupe anglais s'évertue à sans cesse évoluer, mais tout en restant dans la mouvance " néo prog ", il a su peu à peu trouver ses marques, pour aboutir à présent sur ce grandissime nouvel album Quiet Storms. Galahad développe sur ce disque un versant un peu plus intimiste de sa création, ils ont bien fait car cet opus apparaît comme le plus abouti et le plus créatif de toute la carrière du combo. Pour cela ils ont remixé quelques anciens titres qu'ils ont réarrangés, auxquels ils ont ajouté pou cela leurs nouveaux morceaux donnant au final quinze titres sur une longue durée de soixante quinze minutes. En ce qui concerne la production, elle a été confiée à Karl Groom qui connaît bien l'histoire et a su parfaitement s'imprégner de l'esprit de cet album hyper mélodique, en y mettant tout sons savoir et en ajoutant l'ampleur nécessaire à cet ambitieux projet.

Quiet Storms recèle de plusieurs compositions toutes aussi belles les une que les autres, le seul bémol qu'on peut y trouver serait la reprise d'un titre de Rammstein " Mein Herz Brennt", chanté de plus dans la langue de Goethe, et n'apporte pas de l'eau au moulin de Galahad, loin de là. Il n'en est pas de même du superbe titre " Termination " dans lequel intervient la belle Christina Booth de Magenta, qui forme un duo de choc avec Stuart Nicholson, la chanteuse est en quelque sorte son pendant féminin. Cette compo est sans doute une des plus réussie de l'album ainsi que de toute l'œuvre réunie des anglais - sur ce morceau, plane l'ombre d'un des meilleurs Fish que nous avons tant aimé dans cette sa belle aventure Marillioniene bref c'est une réussite totale. Tout le reste de l'album est à l'avenant, en commençant par " This Life Could Me My Last" qui est aussi un sommet de ce disque sur lequel Galahad a été touché par la grâce, il est tellement rare qu'un album prenne ainsi aux tripes en ne vous lâchant pas, ce qui est le cas en général des chefs d'œuvres. Le chant de Stuart Nicholson se veut tout en finesse et en demie teinte, il fait caresser sa voix de manière à faire passer la réelle émotion que demandent ces compositions, émotion et sincérité dont sont dénuées bon nombre de créations actuelles.

Inutile n'énumérer les titres un par un, tellement ils sont riches et palpitants, mais on pourra néanmoins s'arrêter un instant sur un autre piler du disque qu'est " Weightless , qui est un morceau d'une puissance harmonique indéniable que n'aurait pas renié aussi le couple emblématique Rothery/Kelly. Il en va de même pour " ou l'on entend le violon de Louise Curtis, là aussi Galahad semble avoir trouvé le savant équilibre entre une richesse harmonique indéniable et une puissance mélodique digne des plus grands, dont les chefs de file furent les mythiques Lennon/Mc Cartney - cette mélodie qui est aux antipodes des certaines mièvreries contemporaines, mais qui à contrario demeure hyper salvatrice. La totalité de Quiet Storms beigne d'ailleurs dans cette curieuse atmosphère de complaintes mélancolique qui est une constante dans cet album qui de bout en bout possède un pouvoir de séduction dont on a bien du mal à s'extirper après y avoir goûté. Plus qu'un long discours, il semble préférable pour le commun des mortels que nous sommes de remettre sur nos platines ce grandissime album d'un groupe qui à présent est " majeur " dans toute l'acceptation du terme..

C'est ainsi lorsque les dieux de la musique se penchent sur les créateurs leur offrant ainsi la capacité de mettre au monde des merveilles comme c'est le cas du Quiet Storms avec lequel Galahad atteindra soyons en sûr le " nirvana " que nous cherchons tous à atteindre plus ou moins toute notre vie, mais pour l'heure la jouissance que l'on ressent à l'écoute de ce bijou ,demeure indescriptible et d'une valeur inestimable.

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[Album] - Galahad - Suiet Storms (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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On connaît bien Galahad, et ce depuis un quart de siècle, le groupe anglais s'évertue à sans cesse évoluer, mais tout en restant dans la mouvance " néo prog ", il a su peu à peu trouver ses marques, pour aboutir à présent sur ce grandissime nouvel album Quiet Storms. Galahad développe sur ce disque un versant un peu plus intimiste de sa création, ils ont bien fait car cet opus apparaît comme le plus abouti et le plus créatif de toute la carrière du combo.

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Anderson / Stolt - Invention of Knowledge - Amarok Magazine

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Anderson / Stolt - Invention of Knowledge - Amarok Magazine

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Q uand l'ex chanteur de Yes rencontre le monsieur loyal des Flower Kings (entre autres projets haut de gamme), que se racontent-ils ? Des histoires de prog-rock vintage, seventies, et plus si affinités ! Et oui ! En décidant de faire cet album commun dans leur coin, en petits cachotiers, Jon Anderson et Roine Stolt ne se mettaient aucune pression superflue, sans contrainte de livrer la bête en temps et en heure. De fait, le résultat ne réinvente rien mais devrait cueillir l'auditeur lambda autant qu'étonner l'amateur des deux formations précitées. Plusieurs raisons à cela : une fois n'est pas coutume, la réunion des deux héros débouche sur un album enthousiaste et enthousiasmant. En laissant leur égo de côté, la fusion de leur univers tourne à plein régime. Le voyage temporel inverse une courbe sonique qui retrouve les exaltations d'antan sans jamais perdre d'ouïe le son d'aujourd'hui. Enfin, Invention of Knowledge (invention de la connaissance pour ceux qui douteraient de leur côté anglophile) ressemble furieusement à un pont, un viaduc improbable entre le mal aimé Tales of Topographic Ocean (1975) et le symphonique Magnification (2001) avec une cuillère de Going For The One (1979) pour faire bonne mesure.

Du lourd. Du copieux. Avec quatre titres qui flirtent entre 11 et 23 minutes, nous voici dans du prog-rock pur premium ! La recette aura pris un an et demie (merci Internet) mais ces deux là ont échangé leurs idées jusqu'à cet album non officiel (évidemment) de Yes tellement emprunt des effluves de ces géants du genre que ce satellite luxueux ne peux décemment pas être écarté de leur discographie... Avec des invités de luxe à n'en plus finir ( Tom Brislin, Lalle Larsson, Jonas Reingold, Michael Stolt, Felix Lehrmann, Daniel Gildenlöw, Nad Sylvan, Anja Obermayer, Maria Rerych et Kristina Westas), les compositions irradient par la cohérence de leur concept initial et cette volonté de retrouver la gnaque estampillé de l'âge d'or du prog-rock.

Le pari était loin d'être gagné tant les projets de ce type restent le plus souvent des tributes sympathiques mais sans véritable âme. Invention of Knowledge évite tous les écueils de l'exercice. Jon Anderson, totalement remis de ses problèmes de santé, plane toujours juste ce qu'il faut alors que Roine Stolt déploie ce côté méthodique, mathématique et organisé qui le caractérise. Les étincelles n'attendent pas et Invention of Knowledge entretient fièrement la flamme d'une époque révolue et pourtant si vivante. Si on n'est pas KO, il faut avouer que la victoire aux points est dans la poche

Titre : Invention of Knowledge
Artiste : Anderson / Stolt

Date de sortie : 2016
Pays : Angleterre / Suède
Durée : 65'02
Label : Inside Out

I. Invention of Knowledge
1. Invention (9:41)
2. We Are Truth (6:41)
3. Knowledge (6:30)
II. Knowing
4. Knowing (10:31)
5. Chase and Harmony (7:17)
III. Everybody Heals
6. Everybody Heals (7:36)
7. Better by Far (2:03)
8. Golden Light (3:30)
IV. Final
9. Know... (11:13)

- Jon Anderson (Yes) / Lead & Backing vocals, Additional keyboard
- Roine Stolt (The Flower Kings, Transatlantic, Agents of Mercy) / Electric guitars, 6 &12 str. Acoustic guitars, Dobro, Portuguise guitar, Lap steel, Keyboards, Percussion, Backing vocals

With:
- Tom Brislin (Spiraling) / Yamaha Grand C 7 Piano, Fender Rhodes Piano, Hammond B 3 organ & synthesizers
- Lalle Larsson (Karmakanic, Agents of Mercy) / Grand Piano & Synthesizer
- Jonas Reingold (The Flower Kings, Karmakanic) / Bass
- Michael Stolt (Eggs & Dogs) / Bass & Taurus pedals
- Felix Lehrmann (The Flower Kings) / Drums
- Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation), Nad Sylvan (Unifaun, Agents of Mercy), Anja Obermayer, Maria Rerych, Kristina Westas / Backing vocals

2016 Jon Anderson Roine Stolt The Flower Kings Yes

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Anderson / Stolt - Invention of Knowledge - Amarok Magazine

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Anderson / Stolt - Invention of Knowledge4.0TOP 2016 Quand l'ex chanteur de Yes rencontre le monsieur loyal des Flower Kings (entre autres projets haut de gamme), que se racontent-ils ? Des histoires de prog-rock vintage, seventies, et plus si affinités ! Et oui !

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[Album] - Anathema - The Optimist (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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[Album] - Anathema - The Optimist (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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Les phares allumés d'une voiture en pleine nuit noire, tel est le postulat de départ du nouvel album d' Anathema qui se nomme The Optimist, et, c' est sans aucun doute l'une des meilleures productions du groupe britannique à ce jour. Leur précédent album studio Distant Satellites avait déjà été considéré par beaucoup, comme l'apogée de leur carrière, c'était sans compter sur cet onzième opus qui place celui-ci encore un cran au-dessus de cet album exceptionnel. Car sur The Optimist tout est réussi, à commencer par les orchestrations fabuleuses qui sont développées jusqu'à leur paroxysme, ceci ajouté aux compositions devenues à présent addictives des frères Cavanagh qui se surpassent ici en ayant donné naissance à des textes agrémenté d'une partition de haut vol. Personnellement je considère, mais cet avis n'engage que moi, qu 'Anathema se situe dans le peloton de tête du courant " post/rock " de la décennie passée, ayant succédé à la musique progressive, au même titre que les très bons combos que sont Gazpacho, Riverside, RPWL voire Archive.

L'idée de ce nouvel album est née sur l'artwork de la couverture de l'album A Fine Day To Exit sorti en 2001. Pochette sur laquelle on découvrait déjà le tableau de bord d'un même véhicule arrêté sur une plage, avec des vêtements abandonnés sur le sable, le personnage étant apparemment absent, ce qui en quelque sorte fut un préambule à The Optimist. comme on le comprendra après. Le thème de cette suite aurait été suggéré par leur nouveau producteur John Doogan, qui a aussi insisté pour qu' Anathema enregistre cet album en tant que groupe " live ", ce qu'ls n'avaient pas fait depuis des années. Danny Cavanagh devait expliquer lors d'une récente interview qu'on pouvait supposer que The Optimist était semi-autobiographique, dans le sens ou pour cette nouvelle histoire il avait utilisé un " substitut " concernant le personnage qui a pour nom The Optimist. Les frères Cavanagh se sont donc mis à deux pour le fait revivre sous cet angle, et ont tissé une bande son ajustée à ce nouveau récit, puis y ont inclus des sentiments de façon introspective, y ont insérer autour de ce personnage leurs propres peurs et leurs espoirs, en faisant de celui-ci le sujet principal des chansons figurant sur The Optimist. Tout en inventant le monologue interne au récit de The Optimist. Vincent et Danny précisent que c'était à la base l'idée de John d'écrire cette fiction qu'ils ont finalement réalisée, pour cela ils se sont servis de A Fine Day To Exit comme point de départ. Quelques thèmes du nouvel album sont d'ailleurs très ressemblant avec celui-ci. Vincent extrapole plus loin concernant l'influence de l'œuvre de cet album, commentant que " le type en question n'était plus dans la voiture et avait disparu - on n'a jamais su ce qui lui était arrivé, a-t-il commencé une nouvelle vie? A-t-il succombé à son destin? Cela n'a jamais été réellement expliqué" . Par le fait, ils ont fait preuve d'une grande imagination, en échafaudant cette histoire qui caractérise parfaitement le style assez souvent énigmatique. propre à Anathema.

Les vocaux, aussi bien ceux de Vincent que de Danny, ou plus que jamais ceux de Lee Douglas, (elle n'a jamais autant participé que sur cet album) ont bénéficié d'un mixage haut de gamme, les guitares y sont incisives et ciselées méthodiquement, de manière à nous immerger pleinement dans l'univers " ambigu " de cet Optimist. Pour cette suite musicale qui peut s'apparenter à un " trip " mélancolique du personnage cherchant à tout prix sa voie, Anathema renoue avec ses anciennes amours, en récupérant le génie de leurs compositions antérieures, qui leur a d'ailleurs rarement fait défaut. Ces compos et ces nombreux concerts qui ont défini leur grande renommée et qui leur a permis d'obtenir une super notoriété et un succès mondial. Les paroles du morceau d'ouverture " 3263N11714W " proviennent apparemment de la bande fm d'un auto radio et le titre est donc a réplique exacte du panneau indiquant la plage de Silver Strand à San Diego- le dernier lieu connu ou s'était rendu ce fameux personnage imaginaire de The Optimist - qu'on voyait sur la couverture de A Fine Day to Exit. Le titre " Endless Ways ", justement interprété par la belle Lee Douglas est un sommet du disque, c'est un pur bonheur d'entendre la voix " angélique " de cette grande chanteuse qui représente une grande valeur ajoutée pour Anathema, son rôle assez récent fut plus que nécessaire dans l'œuvre du groupe, elle s'est vu par moment mise en retrait (à tort, on peut le déplorer) au profit des frères Cavanagh qui, il est vrai sont, nul ne le contestera, les véritables créateurs d' Anathema. Lee Douglas intervient sur ce disque, dans pas moins de quatre titres, elle ensorcelle littéralement les superbes compos des frères Cavanagh qui ont trouvé sans doute en elle, un peu tard, mais mieux vaut tard que jamais, le chaînon manquant à leur bel édifice Anathemien.

La quasi intégralité de The Optimist baigne dans une mélancolie latente, c'est dû en partie, notamment aux magnifiques accords dominant de piano, plus employés que les guitares sur ce disque, et à la voix omniprésente de Lee Douglas les rythmes entêtants demeurent dans un " post/rock " cher à Anathema, qui sur ce disque se rapprocherait quelque peu du groupe Archive avec qui ils ont certaines affinités mélodiques, c'est assez flagrant sur cet album. D'autre part, tout ce que touche Anathema confine au sublime, personnellement j'ai eu l'extrême chance de les voir jouer à Paris à l'Eglise St Eustache en novembre 2015 dans une version acoustique et cela restera comme l'un des meilleurs concerts auxquels j'ai pu assister lors de ma longue vie de mélomane. On se doit de conseiller plus que jamais aux aficionados du combo Anglais l'excellent cd et surtout le DVD A Sort Of Homecomming retraçant cette magnifique tournée " acoustique " dans des églises et dans des cathédrales de nombreux pays qu'ils ont visité. En guise de conclusion de cet album Anathema a trouvé avec " Back To The Start" , le pendant au " Hey Jude " des Beatles, très certainement au travers de son final dont le thème entraînant rappelle étonnement celui de cette chanson mythique des Fab Four - cela bouclant la boucle de l'histoire de ces deux albums se terminant sur le son d'une " porte qui se referme ". Soyons " optimistes " ce nouvel opus d 'Anathema risque de faire très très mal, leur prochaine tournée commencera par l' Amérique latine, se poursuivant en Europe, elle passera par la France, et par Paris le 4 octobre, pour nous faire vivre en " live " ce nouvel album et plus encore car cette fois ce sera dans une version électrique qu'ils se produiront.. En tout cas, il nous restera ce grandissime album pour nous faire patenter de leur prochaine venue dans nos contrées.
Photo : Scarlet Page

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[Album] - Anathema - The Optimist (2017) - (★★★★1/2) - Amarok Magazine

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Les phares allumés d'une voiture en pleine nuit noire, tel est le postulat de départ du nouvel album d' Anathema qui se nomme The Optimist, et, c' est sans aucun doute l'une des meilleures productions du groupe britannique à ce jour.

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Phil Collins kicks off tour; plays a few Genesis classics - The Prog Report

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Phil Collins kicks off tour; plays a few Genesis classics - The Prog Report

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Phil Collins kicked off his tour last night in Echo Arena in Liverpool, England, his first show in seven years. The show consisted of 2 sets and 21 songs, including all the hits from his solo career and a couple of Genesis songs, Follow You, Follow Me and Invisible Touch.

Collins, backed by a band that included the Genesis veteran Daryl Stuermer and Lee Sklar, as well as his son Nic on drums, sat in a chair for most of the night, but as seen in the videos online, his voice seemed intact.

See a few of the clips below.

First Set
1. "Against All Odds (Take a Look at Me Now)"
2. "Another Day in Paradise"
3. "One More Night"
4. "Wake Up Call"
5. "Follow You Follow Me"
6. "Can't Turn Back the Years"
7. "I Missed Again"
8. "Hang in Long Enough"
9. "Separate Lives"
10. "Only You Know and I Know"

Second set
11. "I Don't Care Anymore"
12. "Something Happened on the Way to Heaven"
13. "You Know What I Mean" (Nic on piano)
14. "In the Air Tonight"
15. "You Can't Hurry Love"
16. "Dance Into the Light"
17. "Invisible Touch"
18. "Easy Lover"
19. "Sussudio"

Encore:
20. "If You Love (Really Love Me)"
21. "Take Me Home"

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Phil Collins kicks off tour; plays a few Genesis classics - The Prog Report

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Phil Collins kicked off his tour last night in Echo Arena in Liverpool, England, his first show in seven years. The show consisted of 2 sets and 21 songs, including all the hits from his solo career and a couple of Genesis songs, Follow You, Follow Me and Invisible Touch.

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Styx - The Mission (Album Review) - The Prog Report

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Styx - The Mission (Album Review) - The Prog Report

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Styx have been a classic rock staple for 40 years with hits that every rock fan knows and can hear everyday just by getting in a car. But the band have not released an album of new studio material since 2003's Cyclorama, an album that went largely unnoticed. Since that album 14 years ago, the band have been a constant touring force and those that have seen the band live recently now that this band can still put on a tremendous show. However, as is the case with such talented musicians, the need to be creative and make new music is at the root of of why one becomes a musician in the first place. So it is no surprise the band finally decided to take the trip back to the studio. What is the surprise is how good this album is. With The Mission, Styx have taken a trip back in time to when they flirted with progressive rock and created some of the most adventurous music on FM radio.

The lineup on the album is the touring lineup from the last 14 years with bassist Ricky Phillips making his first appearance on a Styx album. All members turn in powerful performances, most notably the incredible Tommy Shaw, who's high register vocals are as strong as ever and shows he still has the power to pull this off. James Young is solid throughout on guitar and keyboardist Lawrence Gowan has far surpassed the Dennis DeYoung comparisons, providing just enough of his own charisma as the counterpart to Shaw. The rhythm section of Phillips, original bassist, Chuck Panozzo, and outstanding drummer Todd Sucherman, help guide the proceedings with authority and precision.

No strangers to the concept album, the group decide to revisit the approach again, and it absolutely was the right decision. The story of the mission to Mars, in the hopes of a new planet to inhabit, makes for captivating material for the songs and keeps the listener engaged. It takes place in 2033 and deals with the first manned mission to Mars via Khedive, a nuclear-powered spaceship, underwritten by the Global Space Exploration Program (GSEP) with the band members taking on the characters in the story.

But in the end it comes down to the songs, and the album is full of great ones. The album opens with the "Overture" which immediately tells you this is a Styx album from the opening keyboards. This leads into the album's first single and obvious show opener "Gone, Gone Gone". While not the best track on the album, it does make sense in the context of the album and for sure as a live track. The next couple of songs are decent album cuts, one by Shaw and by Young, although both seem to end to soon. The next track, the brooding ballad, "Locomotive", is a magnificient song that harkens back the band's classic sound.

It is at this point that the album really hits another level. The album's second single and best song, "Radio Silence" presents an element of danger as the lead character runs into some trouble and has a dialogue with mission control. The next track, another ballad "The Greater Good" is where Gowan really shines. This is another album highlight. Then for the second half of the album the band ventures into some progressive rock territory. "Time May Bend" is an intriguing song that segues into the musical interlude "Ten Thousand Ways" before reaching the album's most progressive track, "The Red Storm." The album closes with another great trio of songs with the instrumental "Kehdive" the anthemic "The Outpost" and the album finally "Mission to Mars."

Some fans might not be sure what to expect, maybe hoping for more radio friendly tracks or, in the reverse, something completely out of left field. But what the band have done here is make a quintessential Styx record. From beginning to end, the album runs like a brilliant movie with great epic moments and captivating urgency. This is a fun record and an enjoyable listen throughout. Good to see the band back and let's hope this is just the beginning.

Released on June 16th, 2017

Key Tracks: Radio Silence, The Greater Good, The Red Storm

Tracklisting:

1. "Overture"
2. "Gone Gone Gone"
3. "Hundred Million Miles"
4. "Trouble at the Big Show"
5. "Locomotive"
6. "Radio Silence"
7. "The Greater Good"
8. "Time May Bend"
9. "Ten Thousand Ways"
10. "The Red Storm"
11. "All Systems Stable"
12. "Khedive"
13. "The Outpost"
14. "Mission to Mars"

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Styx - The Mission (Album Review) - The Prog Report

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Styx have been a classic rock staple for 40 years with hits that every rock fan knows and can hear everyday just by getting in a car. But the band have not released an album of new studio material since 2003's Cyclorama, an album that went largely unnoticed.

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Steve Hackett - The Night Siren (Album Review) - The Prog Report

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Steve Hackett - The Night Siren (Album Review) - The Prog Report

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Ever since that fateful day when Steve Hackett crushed a wine glass in his hand, starting the long, slow process of his eventual departure from Genesis, Hackett has increasingly exhibited his independence. Independence from Genesis, independence from Western stereotypes, and yes, at times, independence from Prog itself (a genre which he helped define). This increasingly fierce independence has from time to time manifested itself in 'world music' explorations, with music coming from all five continents.

In these troubled times of closed borders, refugees, talks of exits from international coalitions, walls between neighboring countries and general international polarization, there could hardly be a more apposite theme than (in Hacketts own words): "a bird's eye view of the world of a musical migrant ignoring borders and celebrating our common ancestry with a unity of spirit, featuring musicians, singers and instruments from all over the world. From territorial frontiers to walled-up gateways, boundaries often hold back the tide. But while the night siren wails, music breaches all defences". These words should alert you, dear reader, to the fact that this album will feature some international sonic explorations.

The term "living legend" is used all too loosely these days, but few would argue that Steve Hackett is deserving of this description. But, living legend that he is, none can deny that Hackett is fearless. Cultural diversity aside, the allure of Hackett's guitar-playing remains peerless, and it is comforting to know that it is always there, ready to rescue the purists if the international experimentation becomes in any way tiresome.

There is a strong theme (the historical plight of refugees and the hope for a more unified world), there is an orchestra, there is a choir, there is (most of) Hackett's amazing band, there is Flamenco guitar, there is flute and mandolin, there is Prog, there is Rock, there is a mixture of styles, and yes, there is world music. And yet, there is always Hackett's unmistakable electric guitar.

"Behind the Smoke" starts the album gently with a flamenco-style intro but soon turns into a massive grinding riff that suddenly, mid-song, reveals Hackett's intention to expose his world music proclivities, with an eastern-sounding interlude. Soon enough, though, the massive wailing Hackett electric guitar that we know and love, returns to end the song. The second track, "Martian Sea", is a quick-paced, pop ditty that relies on Gary O'Toole's cheerful and up-beat drumming. It has a catchy hook and a nice Hackett solo. Again the international influence is to be found in the sitar and violin interludes, which sound more Eastern and Middle-Eastern than Martian.

"Fifty Miles From the North Pole" is a slow and solid track with a James Bond-themed guitar sound. 007's presence notwithstanding, the song conjures images of icy, arctic travel undergone by our poor protagonist, without the resources of "M", nor indeed anyone else, behind him. The solo is typical Hackett. The icy vocals are almost spoken rather than sung, and the Eastern influences are insistently present in the strings parts. One is just beginning to feel that the song could have been edited to be half the length, when Hackett stamps his authority with a great solo that could have been found on an early Genesis record.

Tabla-like percussion (perhaps played on an acoustic guitar) hints that "Anything but Love" might end up being pure world music, but inexplicably, a typical Hackett acoustic guitar solo then gives way to a pure and simple pop song that could be a top ten hit with the hook "But you'll never get away with anything but love". It even has a harmonica solo, and definitely sounds like BOC's "Don't Fear the Reaper". It's not GTR, but it's a great pop song.

"Inca Terra" starts as a slow and gentle ode with mythical lyrics sung in pastoral harmony. It is the heart of the album, and given its theme, one expects a Proggy direction, and that expectation is fulfilled later in the song. At times it sounds almost like a Greek traditional hymn (is that a bouzouki?), but then Hackett shows his roots with an acoustic guitar flourish that leads into a complex and fast-paced arrangement, climaxing in a huge Hackett solo that any Progger will appreciate. Hints of classic Genesis in full flight appear towards the end. A very good Prog arrangement indeed.

"In the Skeleton Gallery" has been performed live quite a few times by now, While it is not an obvious "single" (does such a thing exist in Prog anyway?), it seems at the start to be one of the more accessible songs, but don't be fooled. Slow and intense, it has a pleasing initial melody, but expect a dark, eastern-sounding woodwind interlude, and a quirky change of direction led by keyboardist Roger King. It then leads into a heavy Prog instrumental arrangement built around that quirky keyboard riff that also comprises the ending. King's influence is strong on this one.

"West to East" is another story of international alienation and the need for the world to unite. While the instrumentation is suitably precise and excellent, up to the standards expected of a musician like Hackett, this song is all about the message. If you are opposed the exit of Great Britain from the Union, or certain immigration policies recently implemented by the US, expect to identify with these lyrics. "The Gift" is a short instrumental closer that will please fans of Hackett's traditional guitar achievements. It is sad, lonely and reflective and ends the album with due pensiveness.

Although not as immediately accessible as his most recent releases times, due to the many directions taken, as well as the many world music influences introduced, 'The Night Siren' is still a Steve Hackett album, and it is one worth investing in. 'The Night Siren' is an album with substance and an urgent message. Expect to be transported to the East (or Middle East) from time to time, but expect your Prog hunger to be satiated as well. Perhaps Steve Hackett's darkest work, it still has many great moments and reminds us we simply cannot ignore the fact that Steve Hackett is indeed a living legend.

Released on March 24th, 2017 on InsideOut Music

Key Tracks: Behind the Smoke, Fifty Miles from the North Pole, Anything But Love

CD:
1. Behind the Smoke (6:59)
2. Martian Sea (4:40)
3. Fifty Miles from the North Pole (7:08)
4. El Niño (3:52)
5. Other Side of the Wall (4:01)
6. Anything but Love (5:56)
7. Inca Terra (5:54)
8. In Another Life (6:07)
9. In the Skeleton Gallery (5:09)
10. West to East (5:14)
11. The Gift (2:45)

Line-Up:
Steve Hackett - electric & acoustic guitars, oud,
charango, sitar guitar, harmonica, vocals (1 - 11)
Roger King - keyboards and programming (1 - 10)
Amanda Lehmann - vocals (1,2,3,6,7,8,9,10)
Christine Townsend - violin, viola (3, 4, 5, 7, 9, 10)
Rob Townsend - baritone & soprano sax, flute, flageolet,
quena, duduk, bass clarinet (1, 4, 7, 9)
Gary O'Toole - drums (3, 4, 10)
Nick D'Virgilio - drums (2)
Gulli Briem - drums, cajon, percussion (7,9)
Mira Awad - vocals (10)
Leslie-Miriam Bennett - keyboards (11)
Troy Donockley - Uilleann pipes (8)
Dick Driver - Double bass (3,4,5,7)
Nad Sylvan - vocals (7)
Kobi Farhi - vocals (10)
Benedict Fenner - keyboards and programming (11)
Jo Hackett - vocals (10)
John Hackett - flute (2,10)
Ferenc Kovács - trumpet (3)
Sara Kovács - didgeridoo (3)
Malik Mansurov - tar (1)

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Steve Hackett - The Night Siren (Album Review) - The Prog Report

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Ever since that fateful day when Steve Hackett crushed a wine glass in his hand, starting the long, slow process of his eventual departure from Genesis, Hackett has increasingly exhibited his independence. Independence from Genesis, independence from Western stereotypes, and yes, at times, independence from Prog itself (a genre which he helped define).

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[Album] - Magenta - Chaos From The Stage (2016) - (★★★★)

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[Album] - Magenta - Chaos From The Stage (2016) - (★★★★)

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Magenta - Chaos from the Stage

L'attente aura été longue (7 ans, une paille !) pour retrouver un enregistrement live (audio/vidéo) de Magenta, mais voilà, Chaos From the Stage déboule enfin, sûr de son fait. Sans vouloir en faire des caisses ni rallonger la sauce inutilement, le format assez court de la bête (un peu plus d'une heure quarante) permet aux gallois de revisiter leur discographie en prenant soin de s'arrêter principalement sur le passé le plus récent ( Metamorphosis, Chameleon, The Twenty-Seven Club). Seuls " Lust " () et le couple " Tower of Hope/Demons " ( Home) remontent un peu plus loin. Mais c'est tout ! Pour l'occasion scénique, enregistrée à l' Assembly de Leamington en novembre 2015, le solide trio constitué de Christina Booth, Rob Reed et Chris Fry s'est logiquement complété de la section rythmique Dan Nelson / Andy Edwards. Nous avions aperçu ce dernier chez Kiama, l'une des révélations de 2016, initiée par... Rob Reed. La boucle est bouclée.

Bref, tout ce petit monde joue de concert pour nous offrir une prestation impeccable, que la version filmée ne plante heureusement pas. Même si la réalisation et le montage s'avèrent sans surprise - nous sommes en terrain ultra défriché - il faut reconnaître qu'ils ne bouffent jamais la laine sur le dos des musiciens et surtout, ils laissent les spectateurs apprécier la prestation avec un son très correct. L'occasion de découvrir ou redécouvrir quelques titres aussi brûlants que " Guernica ", " Metamorphosis " ou " Devil at the Crossroads ". Et pour enrubanner tout cela, la voix toujours aussi belle et caressante de la gracieuse Christina, qui n'en finit plus de nous séduire... et qui nous laisse une nouvelle fois K.O. pour le compte.

2016 Chris Fry Christina Booth Magenta Rob Reed

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[Album] - Magenta - Chaos From The Stage (2016) - (★★★★)

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Magenta - Chaos from the Stage L'attente aura été longue (7 ans, une paille !) pour retrouver un enregistrement live (audio/vidéo) de Magenta, mais voilà, Chaos From the Stage déboule enfin, sûr de son fait.

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Quand l'ex chanteur/claviériste de Touchstone (formation un poil métal) se remet en selle après une percée en solo sous le sobriquet de Captain Blue, cela donne Cairo... ce qui n'a donc rien à voir avec la formation venue de San Francisco dans les années 90. Bref, l'idée ici est de rester mélodique et de permettre à Rachel Hill (chanteuse de Nanburn groupe où l'on retrouvait également le bassiste de... Touchstone) de donner le change et laisser sa voix développer les choses autour d'une narration verbeuse, de claviers florissants, de riffs percutants. Largement inspiré du son seventies, avec une touche contemporaine pas vilaine, Say offre à écouter les différents versants de Rob Cottingham, du heavy et des nappes électroniques atmosphériques, le tout mixé par l'infatigable John Mitchell ( Arena, Kino, Frost*, It bites).

Avec un line-up carré ( James Hards, Paul Stocker et Graham Brown complètent l'addition), Cairo fait dans l'énergique. Si la critique pourra retenir des passages narratifs un peu trop importants, notamment dans l'introduction de l'album, il faut reconnaître l'habileté avec laquelle le groupe balance du punch (" The Shadow's Return ", " Wiped Out "), de l'épique (" Nothing to Prove ", " Random Acts of Kindness "), le tout entrecoupé de ballades (" Katrina ", " Searching ") sans pour autant couper les pattes de la bestiole lancée à vive allure. Le résultat est un album trop rarement surprenant, certes, mais assez bien ficelé pour donner des envies de revenez-y et laisser attendre la suite avec appétit.

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Quand l'ex chanteur/claviériste de Touchstone (formation un poil métal) se remet en selle après une percée en solo sous le sobriquet de Captain Blue, cela donne Cairo... ce qui n'a donc rien à voir avec la formation venue de San Francisco dans les années 90.

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Là, avec ce morceau d'I.Q., j'ai l'impression d'entendre la suite de Suppers' Ready

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Album · 2014 · 11 Songs. Available with an Apple Music subscription. Try it free.

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Big Big Train : comme si Peter Gabriel et Genesis revenaient avec la suite de The Lamb...

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The Transit of Venus Across the Sun by Big Big Train

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Song · 7:18 min · 2016. Available with an Apple Music subscription. Try it free.

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The Pineapple Thief - Your Wilderness (2016) / Amarok Magazine / TOP 2016

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The Pineapple Thief - Your Wilderness (2016) / Amarok Magazine / TOP 2016

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OK, la carapate d'un batteur peut s'avérer sacrément problématique pour un groupe de rock, fusse-t-il progressiste. Dans l'entame de leur onzième album studio, The Pineapple Thief avait donc à résoudre une nouvelle quadrature du cercle suite au désistement de Dan Osborne, dernières baguettes en date du groupe britannique. Malgré cette compression au format trio, Bruce Soord se lançait dans l'écriture de la bete quelques semaines seulement après la sortie de son premier album en solitaire (, 2015). Bonne nouvelle, le syndrome de la page blanche ne semble toujours pas d'actualité pour notre ami ! Bref, sur les conseils du label Kscope, le voici contacter rien moins que Gavin Harrison, membre de King Crimson et d'un Porcupine Tree placé depuis quelques années en coma artificiel... une nouvelle accointance qui ne manquera pas de donner son lot de grains à moudre aux exégètes de la comparaison futile avec la formation historique de Steven Wilson. Quoiqu'il en soit, voici donc venir une frappe subtile, une signature reconnaissable, un talent immense au service de l'univers ultra-sensible de The Pineapple Thief et autant dire que son apport s'avère essentiel dans la réussite totale de Your Wilderness.

Plutôt que de simplement habiller ces mélodies soyeuses, Gavin Harrison les porte plusieurs crans au-dessus, perchées très haut, dans une parfaite symbiose avec les autres membres du groupe. De fait, si avait pu en laisser quelques-uns (dont mézigue) sur leur faim malgré toutes ses belles qualités, Your Wilderness marque une étape fondamentale et signe une forme de compilation luxueuse de ce que The Pineapple Thief sait faire de mieux - Un retour aux racines prog sans lâcher les accents pop des dernières productions. Et pour napper ces mets de choix, un son incroyable recouvre cet ensemble exquis, ramassé sur une quarantaine de minutes, sans gras ni temps mort.

Le disque assemble les pièces d'un puzzle fascinant avec une cohérence, une sérénité jusque-là inédite. Visiblement, l'enregistrement se déroula sans heurts ni soucis, dans une atmosphère de confiance absolue. Cela transpire sur chaque note, à la bonne place, au bon moment. Huit titres captivants, de l'hypnotique " In Exile " aux frissons de " Where We Stood ", l'humeur ne creuse pas aussi profondément le spleen habituel mais fait montre d'une rage évanescente, de bouffées d'euphorie qui empêche tout plombage dépressif cafardeux.

Inutile d'égrainer les titres. Tout se tient. Les musiciens paraissent communier et à ce petit jeu, la basse de Jon Sykes gagne en profondeur, parfaitement associées au jeu bourré de trouvailles de Gavin Harrison. Quelle section rythmique ! Les atmosphères vaporeuses de Steve Kitch ajoutent à l'ensemble et le chant de Bruce Soord achève de faire de ce Your Wilderness l'un des sommets du groupe, sinon le chaînon manquant entre les premiers opus aux évanescences romantiques ( Variations on a Dream, 10 Stories) et l'effervescence récente recouverte de limaille de fer (Somewhere Here is Missing, All the Wars). Une œuvre charnière qui relevait du fantasme et dont on peut aujourd'hui apprécier toute la puissance évocatrice. Chapeau...

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The Pineapple Thief - Your Wilderness (2016) / Amarok Magazine / TOP 2016

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OK, la carapate d'un batteur peut s'avérer sacrément problématique pour un groupe de rock, fusse-t-il progressiste. Dans l'entame de leur onzième album studio, The Pineapple Thief avait donc à résoudre une nouvelle quadrature du cercle suite au désistement de Dan Osborne, dernières baguettes en date du groupe britannique.

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The Gift - Why the Sea is Salt (★★★★) - Amarok Magazine

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The Gift - Why the Sea is Salt (★★★★) - Amarok Magazine

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Why The Sea Is Salt, s’insère dans la droite ligne d’une musique progressive dans ce qu’elle a de plus noble, et les premiers accords de piano donnent le ton d’une œuvre conceptuelle Why The Sea Is Salt,  qui serait née à l’origine, d’un compte scandinave assez ancien. Les six musiciens composant The Gift sont largement à la hauteur de leurs ambitions musicales qu’ils développent avec ferveur sur ce premier opus se savourant de bout en bout sans temps mort. The Gift se compose de cinq musiciens anglais et d’un claviériste italien, particulièrement inspiré Gabriele Baldocci. Les deux membres fondateurs de The Gift sont respectivement le chanteur Mike Morton et le guitariste (très doué) Dave Lloyd, ils forment avec les autres le sextet idéal pour ce genre d’entreprise périlleuse que représente l’élaboration d’un album de cette trempe.

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Voici un disque qui ne quitte pas ma platine depuis que je l'ai découvert un peu par hasard il y a un mois, en effet The Gift est un groupe dont j'ignorais totalement l'existence mais qui avec ce premier album Why The Sea Is Salt aura gagné toute ma confiance et suscitera aussi chez vous je l'espère de la curiosité. La très belle pochette de cet album aura aussi été un élément déterminant dans mon choix et sur mon appréciation, ce n'est pas toujours un gage de qualité, on en a tous fait les frais, mais cette fois ci la musique est en parfaite adéquation avec la peinture représentée au-devant de cette galette.

Why The Sea Is Salt, s'insère dans la droite ligne d'une musique progressive dans ce qu'elle a de plus noble, et les premiers accords de piano donnent le ton d'une œuvre conceptuelle qui serait née à l'origine, d'un compte scandinave assez ancien. Les six musiciens composant The Gift sont largement à la hauteur de leurs ambitions musicales qu'ils développent avec ferveur sur ce premier opus se savourant de bout en bout sans temps mort. The Gift se compose de cinq musiciens anglais et d'un claviériste italien, particulièrement inspiré Gabriele Baldocci. Les deux membres fondateurs de The Gift sont respectivement le chanteur Mike Morton et le guitariste (très doué) Dave Lloyd, ils forment avec les autres le sextet idéal pour ce genre d'entreprise périlleuse que représente l'élaboration d'un album de cette trempe.

Le chiffre six se confirme dans le nombre de morceaux figurant sur ce disque - tous très bons au demeurant - seul le magnifique titre d'ouverture " " se voit repris en conclusion de l'album. Il est à préciser aussi que deux guitaristes de génie ( Steve Hackett et Anthony Phillips) font partie du line up, et si ils ont répondu présent, c'est qu'ils sentaient bien qu'il y aurait de la matière, ces deux virtuoses ne se déplacent pas pour rien. Mais le jeu en valait la chandelle. Ils n'interviendront d'ailleurs uniquement que sur le quatrième morceau " The Tallest Tree ", donnant une ampleur genesissienne à cette composition déjà hyper mélodique à la base. Mais c'est très certainement la pièce maitresse de plus de vingt minutes " All These Things " qui marquera le plus les esprits. C'est à coup sûr cette composition " fleuve " qui déterminera la puissance de cet album, et ce par la force déployée - l'intensité de cette compo à tiroirs, et ses nombreux rebondissements, s'inscrit d'emblée au panthéon des " épics " qui ont jalonné la musique progressive toutes périodes confondues.

La force de The Gift réside dans le fait que les musiciens s'imprègnent musicalement de leurs ainés en y incluant leur modernité (relative), puis en y insufflant leur inspiration " post/prog ". On peut imaginer, voire souhaiter un début de mouvement qui évoluerait dans ce sens, et qui incarnerait cette forme de progrès. The Gift en serait un de ses représentants les plus brillants et un des magnifiques fleurons de cette nouvelle école anglaise, pourtant déjà tellement riche, mais on est rassurés, la source n'est pas tariee.

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[Album] - The Gift - Why the Sea is Salt (★★★★) - Amarok Magazine

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Voici un disque qui ne quitte pas ma platine depuis que je l'ai découvert un peu par hasard il y a un mois, en effet The Gift est un groupe dont j'ignorais totalement l'existence mais qui avec ce premier album Why The Sea Is Salt aura gagné toute ma confiance et suscitera aussi chez vous je l'espère de la curiosité.

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[Album] - Troy Donockley - Messages (2012) - Amarok Magazine

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[Album] - Troy Donockley - Messages (2012) - Amarok Magazine

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T roy Donockley traverse le celtique sans s'y arrêter, s'affranchissant des murs avec un bonheur contagieux. Membre incontournable de la formation irlandaise Iona, qu'il quittera en 2009, il enchaîne sur des projets très différents comme une tournée avec Nightwish ou la bande originale du Robin des Bois signé Ridley Scott. A l'aise dans des styles très différents, Troy Donockley a aussi livré trois superbes albums solos : The Unseem Stream (1998), The Pursuit of Illusion (2003) et The Madness of Crowds (2009) situé à un niveau d'altitude assez exceptionnel. Une trilogie qui a tout du grand dessein musical et qui méritait une petite mise au point.

C'est chose faite avec ce , compilation un peu ceinturée, qui aurait pu viser plus large mais qui parvient à couvrir l'œuvre avec choix. Cette mise en musique en appelle à l'émotion, l'inspiration, la sincérité et une virtuosité jamais prise en défaut (la reprise de " Finlandia " de Sibélius). Le disque est dénué de clichés, sans tension, d'une sensualité débordante. Cet éclatement discret des frontières imposées par les genres abordés (rock, celtique, classique) se fait autour de silhouettes musicales gracieuses, parfois bordées de nuages (" Orkahaugr "), sans jamais faire totalement disparaître la lumière de l'ensemble. Un inédit au programme (" Dunmail Rising ") et des caisses de passion ponctuent cette entrée dans l'univers de Troy Donockley. Courrez-y vite !

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[Album] - Troy Donockley - Messages (2012) - Amarok Magazine

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T roy Donockley traverse le celtique sans s'y arrêter, s'affranchissant des murs avec un bonheur contagieux. Membre incontournable de la formation irlandaise Iona, qu'il quittera en 2009, il enchaîne sur des projets très différents comme une tournée avec Nightwish ou la bande originale du Robin des Bois signé Ridley Scott.

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Lee Abraham - The Seasons Turn (2016) // Amarok Magazine

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Lee Abraham - The Seasons Turn (2016) // Amarok Magazine

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Abraham avec son The Seasons Turn reprend un peu l’esprit musical  et les mêmes codes qu’un Alan Parsons Project.

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Le nouvel album de Lee Abraham The Seasons Turn ne quitte pas ma platine depuis que j'en ai fait l'acquisition. C'est bien là un signe me direz-vous, mais très certainement, car cet album me procure un bonheur intense et indéfinissable à chaque écoute. Je connaissais bien Lee Abraham, car ce multi instrumentiste et ex bassiste du groupe Gallahad avait déjà sorti quatre très bons albums en solo qui m'avaient vraiment emballé, et le dernier en date Distant Days donnait un vague aperçu de ce qui nous attendait avec ce nouvel opus - qui lui est bien plus riche à mon sens et très proche au niveau des vocaux des Moody Blues, cet excellent combo des seventies qu'on a eu un peu tendance à oublier, voire à sous-estimer.

La belle pochette hivernale dans les tons violet nous laisse déjà supposer que mister Abraham va nous cajoler durant cette petite heure, et effectivement on se sent glisser vers une sorte de " nirvana " auditif dont on a du mal à s'extirper. Abraham s'appuie sur de solides bases en débutant cet album par le titre éponyme frisant les vingt-cinq minutes, cette magnifique compo donnant le ton à un superbe album, hyper mélodique et qui est tout dédié comme il se doit au mouvement des saisons. Et comme sur son précédent opus Abraham s'est entouré d'une belle équipe de musiciens issus de la scène " néoprog ", tous assez talentueux et qui ont bien contribué à la réussite de cet album tout en finesse.

Comme autre point d'ancrage, Abraham avec son The Seasons Turn reprend un peu l'esprit musical et les mêmes codes qu'un Alan Parsons Project, toutes proportions gardées, mais comme lui, Abraham renoue magnifiquement avec " la mélodie " au sens noble du terme, flattant de fait notre orgueil de mélomane. Ces belles nappes de synthés doublées de mellotron viennent étayer et agrémenter les cinq morceaux présents sur ce disque, sans oublier les parties de six cordes d'un dénommé Harrison (tiens, comme c'est bizarre ! Non ?). Ce sont à coup sûr le premier titre " The Seasons Turn " ainsi que le titre final " The Unknown ", lui un peu plus " enlevé ", qui tous deux emporteront la palme de cet album addictif au plus haut point.

Avec The Seasons Turn , Abraham fait la démonstration d'une " force tranquille " et néanmoins redoutable par son efficacité mélodique, qui fait la nique à bon nombre de musiciens contemporains. Et rien que pour ces deux titres, le dernier Abraham vaut le détour et ne pourra que ravir et enchanter les amoureux de " vraie " musique, celle qui est intemporelle et indémodable, faisant fi de tous les hit-parades, mais touchant au plus près nos cœurs, et comme chantait jadis le bon Fish dans notre belle langue " J'entends ton cœur ".

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Lee Abraham - The Seasons Turn (2016) // Amarok Magazine

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Le nouvel album de Lee Abraham The Seasons Turn ne quitte pas ma platine depuis que j'en ai fait l'acquisition. C'est bien là un signe me direz-vous, mais très certainement, car cet album me procure un bonheur intense et indéfinissable à chaque écoute.

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Interview - Marillion (Steve Rothery) - Amarok Magazine

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Interview - Marillion (Steve Rothery) - Amarok Magazine

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L'air de rien, Marillion compte désormais 18 albums studio au compteur. Et contrairement à de nombreux groupes qui n'en finissent pas de finir, les cinq compères poursuivent leur chemin avec la conviction des débutants. F.E.A.R. témoigne de cette volonté de vouloir faire ce qui leur plait avant tout et de raconter sans fard les interrogations d'un Steve Hogarth plus bavard que jamais. Une étonnante alchimie s'est opérée entre les quatre musiciens et le chanteur depuis maintenant presque 30 ans. Pour nous en parler, Steve Rothery, l'un des guitaristes les plus emblématiques du genre, était sur Paris et c'est avec une extrême courtoisie qu'il s'est prêté au jeu des questions-réponses.

Steve Rothery : On ressent la même chose en Amérique du sud, au Mexique, c'est extraordinaire aussi pour nous de voir que notre musique touche les gens à ce point, partout. C'est un sentiment fantastique. Pour revenir à ta question, Internet, les réseaux sociaux, Youtube, tous ces nouveaux médias nous aident aussi à rester indépendants en parlant de nous, pas uniquement financièrement. Les conventions et précommandes représentent à peu près 70% de nos revenus. Le reste vient des ventes et des tournées. Nous employons aussi un peu de monde et devons assurer des revenus, surtout en tournée. On n'est pas riches, mais on se débrouille et ça tourne bien comme ça.

Steve Rothery : En tout cas c'est une des raisons pour lesquels on est toujours là... ( il sourit) finalement ce qu'il te faut pour durer ce n'est pas uniquement l'argent c'est le temps. Le temps de faire les choses. Quand on a quitté EMI on faisait un album tous les ans, ou presque. On a fait de très beaux morceaux, et d'autres qui auraient pu être mieux... si on avait eu plus de temps. Mais on devient vieux, on n'a plus forcément beaucoup de temps, peut-être 2 ou 3 albums encore à ce rythme... et on viendra sur scène en chaise roulante ( tout le monde éclate de rire). C'est très important que les albums qu'on fait désormais soient bons, c'est notre héritage en quelque sort, ce qu'on laissera derrière nous. C'est ma philosophie sur ce qu'on fait et ce qu'est le groupe aujourd'hui.

Steve Rothery : Ah ça dépend ! Sur " The Leavers" , c'est vrai que le texte est dense, mais c'est l'histoire qui veut ça. Mais sur " New Kings " par exemple il y a beaucoup de passages instrumentaux qui font respirer le morceau. Quand une section chantée s'arrête et qui tu as un développement instrumental, lorsque le chant reprend, le texte peut paraitre encore plus fort, le contexte du morceau décide de tout.

2016 Marillion Steve Rothery

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Interview - Marillion (Steve Rothery) - Amarok Magazine

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L'air de rien, Marillion compte désormais 18 albums studio au compteur. Et contrairement à de nombreux groupes qui n'en finissent pas de finir, les cinq compères poursuivent leur chemin avec la conviction des débutants. F.E.A.R. témoigne de cette volonté de vouloir faire ce qui leur plait avant tout et de raconter sans fard les interrogations d'un Steve Hogarth plus bavard que jamais.

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Voilà plusieurs années que nous suivons de près l'actualité du groupe Marillion. Nous nous étions entretenu s avec leur chanteur Steve Hogarth à l'occasion de la sortie de l'album Sounds That Can't Be Made en 2012. Depuis quelques jours, leur nouvel album FEAR est disponible dans les bacs. Nous avons pu cette fois nous entretenir avec leur guitariste, Steve Rothery, membre du groupe depuis leurs débuts en 1979.
Marilion vient tout juste de démarrer la promo pour ce nouvel album. Quels sont les retours de la presse, sachant que vos fans ne l'ont pas encore entendu ? Quels ont été les premiers retours de la presse avant la sortie de l'album ?
Steve Rothery : Les retours de la presse sont phénoménaux. A la sortie d'un album, tu ne peux jamais prévoir quels en seront les retours. Nous sommes donc très contents.
Quelle importance portes-tu aux critiques, sachant que Marilion a de très nombreux albums à votre actif ?
Steve Rothery : Nous faisons de la musique avant tout pour nous. Nous espérons bien évidemment que nos fans l'apprécient ! Nous ne nous préoccupons pas vraiment des critiques. Nous ne nous posons aucune limite artistique. Mais je ne te cache pas que c'est tout de même agréable d'avoir de bons retours de la part de la presse, d'autant plus que nous avons travaillé très dur sur cet album. Il faut savoir que nous avons été longtemps ignorés par la presse, cela nous fait donc très plaisir d'avoir des retombées positives.
Quatre années se sont écoulées depuis la sortie de votre précédent opus Sounds That Can't Be Made A l'écoute de l'album, je ressens une forte mélancolie dans votre musique. D'où provient-elle ? . Que s'est-il passé pendant tout ce temps ? De nombreuses critiques font le lien entre cet album et des albums comme Afraid Of Sunlight Peux-tu rapidement parler des sujets abordés dans leur ensemble sur cet album. et J'avais été très impressionné par le morceau Gaza Tu annonces déjà le projet d'un futur album ? sur votre précédent album. Je suis de l'avis que vous vous êtes une nouvelle fois surpassés avec les titres Les deux titres principaux, The New Kings et Eldorado, sont divisées en plusieurs morceaux. Pour quelle raison avoir fait ce choix ? (Je ne comprends pas ta question : c'est quoi " les deux pièces principales ? ", tu parles d'une maison ? ) Eldorado Comment vous y êtes-vous pris pour l'écriture des morceaux sur FEAR ? et L'Elysée Montmartre vient de rouvrir ses portes. Vous allez vous y produire prochainement. Que vous procure-t-il de vous produire à Paris ? Que ressentez-vous à l'idée de vous produire de nouveau à Paris ? The New Kings J'ai sélectionné deux albums live. J'aimerais que tu me dises quelques mots à leur sujet. . D'où vient cette inspiration ? Marbles Brave Live 2013 : . Comment expliques-tu cela ? Avez-vous déjà testé l'un des nouveaux morceaux sur scène ?
Steve Rothery : Nous avons passé six mois sur les routes pour promouvoir l'album. Nous n'avons pas chômé. Aussi, nous organisons des conventions. Celles-ci durent tout un weekend. Nous en organisons quatre cette année : aux Pays-Bas, au Royaume-Uni, en Pologne et au Chili. Cela demande de nombreuses semaines de préparation et de répétitions car à chaque convention nous faisons trois concerts avec des setlists qui diff è rent totalement.
Quel est ton album préféré de l'ère de Steve Hogarth ?
Steve Rothery : Notre musique est très cinématographique. Les paroles sont assez sombres globalement, surtout sur des morceaux comme Eldorado et The New Kings qui traitent de sujets politiques. Notre musique a toujours intégré cette dimension mélancolique. Cela nous vient tout naturellement au stade de composition, peut-être parce que c'est plus poignant à l'écoute. Nous sommes vraiment très fiers de ces nouveaux morceaux.
Propos recueillis par Thorsten Wollek
Steve Rothery : Peut-être est-ce dû à leur aspect accompli. A chaque enregistrement d'un morceau, tu de demandes si tu en as tiré le potentiel maximal. Le rythme, la tonalité sont-elles bonnes ? Y ai-je passé suffisamment de temps ? Voilà des questions que nous nous posons constamment. Afraid Of Sunlight et Marbles rassemblent des morceaux très variés qui sont proches de la perfection. Je pense que nous pouvons être fiers du travail accompli sur ces trois albums.

Steve Rothery : Les paroles ont été écrites, en partie, il y a maintenant trois ans en réaction à ce qui se passait dans le monde à ce moment-là. Elles sont en partie un pressentiment de ce qui allait advenir et du prix que nous payons aujourd'hui. Eldorado parle de la participation de la Grande-Bretagne dans la guerre d'Irak et des répercussions : la crise des immigrants et le terrorisme. The New Kings parle des milliardaires russes qui détiennent les réserves de gaz. Ce morceau traite plus globalement des institutions qui exploitent le monde sans penser aux conséquences à long terme. Nous sommes attristés par tout cela.

Steve Rothery : La magie opère dans le groupe. Nous croulons sous les idées. Nous enregistrons beaucoup plus que ce dont nous avons besoin pour un album. Il nous reste de fabuleuses choses à exploiter dans le cadre d'un prochain album.

Steve Rothery : Je ne sais pas trop (rires). Mais j'aimerais que nous sortions notre 21 ème album un jour. Cela n'est donc pas impossible mais pas avant les trois ou quatre prochaines années.

Steve Rothery : Le fait que les morceaux soient divisés est lié à l'industrie musicale. A l'ère d'ITunes de nombreuses personnes ne souhaitent écouter qu'une partie des morceaux. Nous devons donc leur en donner la possibilité. Certains groupes le font d'ailleurs depuis le début des années 70 mais pour d'autres raisons. Ils étaient payés selon le nombre de morceaux inclus sur l'album. Telles étaient les mécaniques de l'industrie musicale.

Steve Rothery : Quand nous composons de nouveaux morceaux, nous improvisons pendant plusieurs mois et enregistrons les meilleures idées. Nous les stockons sur un Soundcloud afin que nous puissions les écouter chez nous. A la suite, chacun d'entre nous doit établir son Top 10 ou 20. Nous réduisons de moitié et nous nous servons du reste pour aller en studio. Nous sommes ainsi sûrs d'être tous inspirés sachant que ces idées ont été sélectionnées par tous les membres du groupe au préalable. Certains morceaux mettent beaucoup de temps à voir le jour. Dans le cas de The New Kings, les premières idées ont germé il y a trois ans.

Steve Rothery : Paris est l'une de nos villes préférées dans le monde. Tous nos concerts ont été fabuleux depuis les premiers ayant eu lieu dans de minuscules clubs jusqu'au passage à Bercy devant 15 000 personnes en 1987. Cela a toujours été magique. Cela transcende les concerts habituels. Nous vivons la même chose aux Pays-Bas. Cela est assez difficile à expliquer. Quelque chose d'unique nous lie au public.

Made Again, sorti en 1996 :

Steve Rothery : Il s'agit du premier album live avec Steve. (Hogarth). C'était peu avant la fin du contrat avec EMI. C'était un très bon live. C'est assez étrange d'écouter certaines (manque un E) des versions car nous les jouions plus vite que nous le faisons aujourd'hui. Nous revenons ainsi à leur rythme d'origine.

Steve Rothery : Il a été enregistré lors d'une convention. C'est un exercice difficile que de réapprendre à jouer l'album dans son intégralité. Nous y prenons plaisir mais cela représente un vrai challenge. A la différence d'autres groupes, je nous considère comme étant plus performant sur scène. Il arrive qu'un morceau joué en live surpasse la version de l'album. Je pense que cela a été le cas sur cet enregistrement.

Steve Rothery : Oui absolument ! Nous avons joué The New Kings cet été. Cela s'est très bien passé, même si là aussi le challenge est assez important car le morceau dure 17 minutes. A Barcelone, nous avons eu droit à une standing ovation.

Steve Rothery : C'est une question difficile. J'en citerais plusieurs : notre nouvel album FEAR, Marbles, Afraid Of Sunlight... ( il marque une courte pause). Il faut savoir qu'avec le départ de Fish fin des années 80, la plupart pensaient que le groupe n'avait plus d'avenir. Nous sommes donc fiers d'avoir pu sortir des albums de ce calibre à la suite.

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Voilà plusieurs années que nous suivons de près l'actualité du groupe Marillion. Nous nous étions entretenu s avec leur chanteur Steve Hogarth à l'occasion de la sortie de l'album Sounds That Can't Be Made en 2012. Depuis quelques jours, leur nouvel album FEAR est disponible dans les bacs.

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Rock progressif suédois et vintage puisant son inspiration dans les seventies (E.L.P., Deep Purple, U.K., Eloy et Genesis)

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Dans la série des grands noms du prog rock nordique, Opeth se pose là. Pas ici, ni ailleurs, mais bien là. La bande à Mikael Åkerfeldt, chanteur et compositeur charismatique, poursuit son travail de patte à modeler permanente en poursuivant une mue largement entamée depuis Ghost Reveries (2005), Watershed (2008) et Heritage (2011).

Avec Pale Communion, leur onzième album, les suédois font un bond en arrière, non pas pour retrouver le son d'un Blackwater Park (2001) mais plus globalement pour mettre les pieds dans les seventies, celui de ELP, Deep Purple, U.K., Eloy et même Genesis dont on sent l'influence sur le rêveur " Elysian Woes ", enrobé de guitares de velours. Avec Steven Wilson aux manettes (celui de The Raven That Refused to Sing, pas celui de Porcupine Tree), le son prodigué ressemble à un labyrinthe organique, clean et ambitieux, recouvrant les mélodies d'un drapé luxuriant.

On passe sans temps mort du contre temps de " Eternal Rains Will Come " (les claviers de Joakim Svalberg y sont magnifiques) au groove " Cusp of Eternity " en passant par la montagne russe " Moon Above, Sun Below ", cinq sections et onze minutes au compteur avec trompette, vibraphone, percussions tibétaines, piano Rhodes, guitare acoustique, basse virtuose et orgue bien balancé. La ligne de fuite est parfaite. Si l'on ajoute l'instrumentale " Goblin ", qui flirte entre hard rock et jazz fusion (si, si), et la ballade acoustique à 12 cordes " River " (on pense à Wishbone Ash), la coupe est (presque) pleine. Reste du syncopé en mode dramatique (" Voice of Treason ") - Mellotron en appui - et l'ultra mélodique " Faith in Others " pour faire de ce Pale Communion une réussite complète, bourrée de références tout en respirant exclusivement le parfum de Opeth.

C'est là toute la force de cet album que de regarder dans le rétroviseur tout en préservant sa propre identité. La greffe prend mieux que sur le précédent Heritage, peut-être trop abstrait. Ici, la rugosité et les mélodies l'emportent sur le concept. Et au bout du compte, Pale Communion est un album qui compte.

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Dans la série des grands noms du prog rock nordique, Opeth se pose là. Pas ici, ni ailleurs, mais bien là. La bande à Mikael Åkerfeldt, chanteur et compositeur charismatique, poursuit son travail de patte à modeler permanente en poursuivant une mue largement entamée depuis Ghost Reveries (2005), Watershed (2008) et Heritage (2011).

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Opeth - Sorceress (2016) - Amarok Magazine

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Opeth - Sorceress (2016) - Amarok Magazine

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Avec Pale Communion, les suédois d' Opeth semblaient avoir mis la main sur la recette déjà entendue mais diablement bien exploitée du revival seventies à la sauce Åkerfeldt. Du très bon ! Changement de label oblige ( Nuclear Blast dorénavant), nos amis reviennent avec un douzième opus intitulé Sorceress, défini par le chanteur comme un " bon petit album " et, logiquement, son " préféré à ce jour " avec un mélange de " calme et de heavy ". De fait, l'album commence sur l'instrumentale " Persephone ", portée par une guitare classique et une voix féminine qui actionnent le côté mystique de l'ensemble. Le tout, renforcé par les aspérités sombres et mélancoliques qui font bon ménage. Puis vient le morceau titre, qui semble tout droit échappé du précédent album, avec son rythme de feu, ses claviers vintage, sa guitare bien trempée, une intro crimsonienne avant de faire débouler un riff carabiné qui semble jouer à la marelle avec ses références caméléon, puis son final débridé qui compresse ce qui aurait pu être une suite à tiroirs en moins de six minutes survitaminées.

La suite sera du même tonneau. Entre fièvre et tranquilité. Que ce soit " The Wilde Flowers " et sa science du tempérament à choix multiple (on passe d'une mélodie légère à un lointain cousin des Mars Volta façon jazzy déglingué) ou " Crysalis " qui parvient à cristalliser cette envie de frapper dur tout en pétillant dans un psychédélique délicat. Extirpées de cette démonstration de force, les plages acoustiques sont pourtant les plus réussie. De l'exquis " Will O The Wisp " au lumineux " The Seven Sojourn " (on pense aux aspérités orientales de Lunatic Soul), ces plages évitent la surcharge de chevrotine et donne dans la respiration inspirée. Car " Strange Brew " (et son cri symbolique) ou " Era " (très Deep Purple) frappent dur, elles aussi. Upercuts soniques achevées par la coda " Persephone (Slight Return) " qui nous abandonne dans le calme et la sérénité.

Avec ses textes qui brillent tels des ampoules de sombre, Mikael Åkerfeldt et sa bande reviennent partiellement à un métal classieux mais classique. En variant autant les ambiances, prend surtout le pari de donner le sentiment d'un manque de cohérence. Il faut pourtant considérer cet album comme un voyage, une virée dans le nouveau monde d' Opeth. Un univers aux paysages irréguliers, chaotique, où le paisible gagne la partie. Haut la main.

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Opeth - Sorceress (2016) - Amarok Magazine

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Avec Pale Communion , les suédois d' Opeth semblaient avoir mis la main sur la recette déjà entendue mais diablement bien exploitée du revival seventies à la sauce Åkerfeldt. Du très bon !

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Kansas - The Prelude Implicit (2016) / Amarok Magazine

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Kansas - The Prelude Implicit (2016) / Amarok Magazine

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Très bonne chronique en français du 15e album de Kansas

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16 années se seront donc écoulées entre Somewhere to Elsewhere et The Prelude Implicit, quinzième opus signé de la formation créée en 1973 à Topeka... au Kansas. On ne reviendra pas sur la carrière de l'un des groupes prog-rock nord-américain les plus influents et successful (plus de 30 millions d'albums vendus), ni sur le standard " Dust in the Wind " qui gangrène encore aujourd'hui une discographie d'une assez grande richesse pour leur permettre de se produire continuellement sur scène. L'idée d'une nouvelle étape dans leur histoire pouvait légitiment laisser dubitatif, surtout après le départ de Steve Walsh il y a deux ans. Non.

S'il ne reste plus des membres fondateurs que Rich Williams (guitare) et Phil Ehart (batterie), la première impression laissée par ce nouvel album est un retour aux sources seventies à ce son typique qui fit tout le charme de Kansas. Des mélodies bien troussées, des musiciens qui ne cherchent jamais l'excès, préférant l'harmonie au grand déballage sonique (" Rythm of the Spirit "), la voix de Ronnie Platt assure le boulot, les arpèges et le violon de David Ragsdale sont toujours là pour faire vibrer la chose d'une beauté intérieure (" Refugee ") ou à coup de heavy maitrisé (" Camouflage ").

S'il ne s'agit pas d'une révolution, il faut reconnaître la forme et le brillant de l'affaire. Même lorsqu'il sagit d'aborder les huit minutes de " The Voyage of Eight Eighteen ", Kansas impose, sans jamais rien forcer, son rythme cool, ses accents crunchy, ses soli question-réponse avec un sens de la séduction toujours agréable. Cette petite dizaine de chansons ciselées avec soin démontre que le groupe n'a pas perdu son talent rythmique (" Summer ", " Crowed Isolation ") ni à fouiller les atmosphères douces, hirsutes, luxuriantes ou nostalgiques sans jamais tomber dans un quelconque passéisme, ni un passéisme quelconque d'ailleurs. The Prelude Implicit dépasse cela. Il nous offre un bol de poussière, un petit vent chaud (tiens, donc) et la preuve que l'alchimie authentique de Kansas reste vivante.

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Kansas - The Prelude Implicit (2016) / Amarok Magazine

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16 années se seront donc écoulées entre Somewhere to Elsewhere et The Prelude Implicit , quinzième opus signé de la formation créée en 1973 à Topeka... au Kansas.

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Steven Wilson - Transience - Amarok Magazine

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Steven Wilson - Transience - Amarok Magazine

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Intéressante chronique du disque de Wilson

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L a transcience peut être rapprochée de l'impermanence et caractérise ce qui est éphémère ou transitoire. Au petit jeu des explications de texte, cette compilation uniquement accessible en vinyle et signée Steven Wilson tire sur la période 2003-2015 et principalement ses quatre premières embardées solo : Cannot. Erase (2015). Ceci posé, il faut reconnaître à l'objet une certaine classe malgré le défaut habituel d'une sélection discutable, malgré qu'elle fût effectuée par Wilson himself, d'autant que de nombreux titres perdent un peu de saveur sortis du contexte conceptuel de leur univers d'origine. Les 13 titres se répartissent sur 3 faces et font le tour de la question en passant de la puissance pure (" Harmony Korine ") à des ballades en apesanteur (" Poscard ", " Hand. Cannot. Erase. ") et bien entendu quelques extraits de prog-rock typique (" Index ", " The Pin Drop "). Focalisé sur la brièveté des choses, certaines chansons se sont vues raccourcies pour entrer dans le cadre. Cela permettra à certains de se familiariser avec l'univers du bonhomme mais frustrera forcément les connaisseurs (" Transience ", " Happy Return "). Notons également une reprise de Alanis Morisette (" Thank You ") issue des Wilson Covers ainsi qu'une nouvelle version de " Lazarus ", initialement publiée sur Deadwing ( Porcupine Tree, 2005) et réenregistrée lors de la dernière tournée pour un résultat moins émouvant, peut-être trop travaillé. Malgré tout, et en finissant par le chef-d'œuvre " Drive Home ", Steven Wilson échappe partiellement à l'hagiographie primaire et au nombrilisme trop souvent perçus dans ce genre d'exercice - bien qu'à l'occasion de la pochette, il se soit fait tiré le portrait de face... pour la première fois. En organisant les choses assez intelligemment mais un peu plombé par le principe des titres courts, Transience constituera une porte d'entrée plutôt sympathique, mais réductrice, du travail hyper-productif et varié du musicien anglais.Insurgentes (2009), Grace For Drowning (2011), The Raven That Refused to Sing (2013) et

Side 1:
1. Transience (Single Version) (3.10)
2. Harmony Korine (5.07)
3. Postcard (4.27)
4. Significant Other (4.31)
5. Insurgentes (3.54)

Side 2:
1. The Pin Drop (5.01)
2. Happy Returns (Edit) (5.11)
3. Deform to Form a Star (Edit) (5.53)
4. Thank You (4.39)

Side 3:
1. Index (4.47)
2. Hand. Cannot. Erase. (4.13)
3. Lazarus (2015 Recording) (3.57)
4. Drive Home (7.33)

Side 4:
Etching

- Steven Wilson / vocals, acoustic guitar, keyboards
- Nick Beggs / chapman stick
- Guthrie Govan / slide guitar
- Adam Holzman / piano, hammond organ
- Marco Minnemann / drums

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Steven Wilson - Transience - Amarok Magazine

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L a transcience peut être rapprochée de l'impermanence et caractérise ce qui est éphémère ou transitoire. Au petit jeu des explications de texte, cette compilation uniquement accessible en vinyle et signée Steven Wilson tire sur la période 2003-2015 et principalement ses quatre premières embardées solo : Cannot. Erase (2015).

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Kansas - The Prelude Implicit (Album Review) — Red Guitar Music

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Kansas - The Prelude Implicit (Album Review) — Red Guitar Music

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Chronique fouillée du 15e album de Kansas

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Sixteen years since their last studio album is an awfully long time but for Kansas, who can chart their history back to 1970 and released their debut album in 1974, it just feels like a small part of the overall plan. With a quite staggering 30,000,000+ album sales worldwide Kansas are one of the biggest acts of the classic rock era but for all such acts, Journey instantly spring to mind, longevity is a double edged sword as the sands of time can catch up with a band, members leave for a variety of reasons and the musical landscape is forever changing. Kansas have kept themselves busy as they still play around a hundred shows a year and recent releases have included a feature length documentary 'Miracles Out Of Nowhere' that charts their long career. Founder members Richard Williams (guitar) and drummer Phil Ehart don't look to be retiring anytime soon and on the strength of 'The Prelude Implicit' it looks like the band are about to embark on an impressive new chapter in their illustrious career.

Putting together 'The Prelude Implicit' can have been no easy task as I'm sure the average Kansas fan has been listening to the band for a lifetime while such radio staples as 'Dust In The Wind' and 'Carry On Wayward Son' set the bar very high indeed for the more casual listener. Kansas are obviously very aware of the situation and 'The Prelude Implicit' is a wide-ranging affair that should leave no Kansas fan disappointed.

For many fans who've not been lucky enough to catch the band live in the last couple of years the new album will be their introduction to singer/ keyboardist Ronnie Platt who joined the band in 2014. Platt doesn't have the easiest task replacing the retiring Steve Walsh (and to a lesser extent another fine singer John Elefante who fronted the band in the early 80's) but he really sounds like a perfect fit. Interestingly in a six degrees of separation moment Ronnie Platt spent four years (2007-2011) fronting the excellent Kansas City, Missouri act Shooting Star who, when they first signed to Virgin in the UK back in 1979, were often compared to Kansas due to their use of a violinist which is an integral part of the Kansas sound to this day.

Produced by Williams, Ehart and new guitarist Zak Rizvi (who has been around the Kansas scene for nearly 20 years) the album sounds terrific with opener 'With This Heart' a perfect summation of Kansas in 2016. Driven by the pounding, rhythmic drum work of Phil Ehart and with the twin guitars of Rizvi and Williams adding some grit and edge to proceedings the keyboards of David Manion are allowed room to shine while violinist David Ragsdale steps up to take a fine solo. The vocal from Platt is quite superb, blessed with range and power I'm pleased to report the vocalist position with Kansas is in very safe hands. If David Manion is a new name to you he also joined the band in 2014 and has a Kansas connection for his work alongside bassist Billy Greer on his Seventh Key side project.

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Kansas - The Prelude Implicit (Album Review)

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Sixteen years since their last studio album is an awfully long time but for Kansas, who can chart their history back to 1970 and released their debut album in 1974, it just feels like a small part of the overall plan.

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The Prelude Implicit Review | Kansas | Compact Discs | Reviews @ Ultimate-Guitar.Com

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The Prelude Implicit Review | Kansas | Compact Discs | Reviews @ Ultimate-Guitar.Com

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Chronique fouillée du 15e album de Kansas

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Kansas: The Prelude Implicit | Reviews @ Ultimate-Guitar.com

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After 16 years since they last put out an album, and dealing with some very major personnel changes, Kansas puts out some surprisingly top-notch prog-rock on "The Prelude Implicit."

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KANSAS The Prelude Implicit reviews / from Progarchives.com, the ultimate progressive rock website

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Kansas – “The Prelude Implicit” Album Review – That Mixtape Will Rock…

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Kansas – “The Prelude Implicit” Album Review – That Mixtape Will Rock…

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Kansas - "The Prelude Implicit" Album Review

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The Prelude Implicit Released: September 23, 2016 Genre: Progressive Rock/Hard Rock Label: Inside Out Music OVERVIEW It has been 16 years since the American rock band Kansas released their last album - "Somewhere to Elsewhere" (2000). Now, finally, after the longest wait in history, we get to enjoy their latest effort titled "The Prelude Implicit"....

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Kansas | The Prelude Implicit - CD Review

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Kansas | The Prelude Implicit - CD Review

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Kansas | The Prelude Implicit - CD Review

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The Prelude Implicit Kansas The Prelude Implicit, the 15th studio album by Kansas, is a first in many ways. It is the first studio album from the band

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Kansas on New Album, Reviving 'Leftoverture' - Rolling Stone

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Kansas on New Album, Reviving 'Leftoverture' - Rolling Stone

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Interview de Phil Ehart, batteur de Kansas, à propos du groupe et du dernier album, par RollingStone

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"What you're hearing wasn't exactly sat down and mapped out ahead of time," Kansas drummer Phil Ehart says, laughing, "but it was miraculous how it just fell into place." Ehart, one of two remaining Kansas founders along with guitarist Rich Williams, is well acquainted with serendipity - not for nothing was a 2015 documentary film about the band's unlikely late-Seventies ascent to superstardom named after a song on Leftoverture, the band's 1976 breakthrough LP: "Miracles Out of Nowhere."

The miracle to which Ehart is referring now is The Prelude Implicit, due September 23rd on Inside Out Music and the first Kansas album to feature new material since 2000's Somewhere to Elsewhere. That album, which reunited the classic Seventies lineup, turned out to be a swan song for the group's principal songwriters: guitarist/keyboardist Kerry Livgren, who returned to solo work and side projects, and vocalist Steve Walsh, who continued to tour with Kansas until retiring in 2014.

Ehart and Williams had ventured into the studio in 2008 with Kansas bandmates David Ragsdale on violin and Billy Greer on bass, recording under the name Native Window. But with a transfusion of new blood - vocalist Ronnie Platt, keyboardist Dave Manion, and guitarist Zak Rizvi - came a fresh start and, eventually, fresh songs. Bringing the saga full circle, Kansas will introduce material from The Prelude Implicit during a fall tour marking the 40th anniversary of Leftoverture with the first-ever complete live performances of that album. Speaking by telephone from Atlanta, Ehart describes how all the parts came together for the new album, and how celebrating a classic LP might be the best way for Kansas to promote a new one.

The Prelude Implicit presented a situation different than anything Kansas had faced previously since your main songwriters, Steve Walsh and Kerry Livgren, were no longer involved. How did you approach starting over?
You're 100 percent correct, and you have to kind of look back - we hadn't done any new material in 16 years. It wasn't like we were coming out of a recently penned album by Kerry and Steve, or we were coming off the heels of Leftoverture. So in a way it wasn't like we weren't following in any footsteps, but at the same time, we had to deliver. It had to be strong, and it had to be Kansas. We had the pressure of living up to our past, but also sounding like ourselves.

How you determine that Zak Rizvi was the producer you needed?
Zak was an engineer, producer and guitar player who we had worked with up in New Jersey on a number of Kansas projects, the Native Window project - we'd known him for 10, 12, 13 years. Just a real talented musician, great engineer, perfect to produce the record. He comes on board, and he goes, "Phil, you may not remember, but a number of years ago I played some songs for you that I had written for Kansas, but at the time you weren't into doing anything new. I still have those songs." I remembered them being pretty good. He played them for us, and we're all going, "Oh, my God, this is perfect for what we need." So now we have a guy who's in the studio writing the material along with us. We're contributing arrangement-wise, Ronnie's writing lyrics, and it's starting to come together. That's really the first time that we all looked at each other and went, "This is going to be awesome." [ Laughs]

You've made Zak a full-time Kansas member on guitar now, including onstage.
The original Kansas with Kerry and Rich, we came in with two guitars blazing. So to have that going again, as well as Dave Manion on keyboards playing the Hammond B-3, it's such vintage Kansas now. The fans are listening to it and going, "This is what Kansas was about, that big wall of sound with the two guitars, the keyboards and everything else."

Listening to The Prelude Implicit, you hear echoes of everything that Kansas has been - the heartland prog-rock group, the rowdy bar band, the group with the chart hits, the hard-edged version from the late Eighties - yet it also sounds fresh. No wonder you stuck a phoenix on the front cover.
[ Laughs] You got it, that's exactly it. It's rising out of the ashes.

Kansas was never totally ashes, though, was it?
Before this newest reincarnation, it was very close, with Steve losing his ability to sing the way he wanted to sing. It was hard to watch one of your best friends, and one of your bandmates from the beginning, having a hard time doing what he used to be the absolute, to me, one of the best in the world at doing. It never really got to the point where, "Well, heck, we're going to throw in the towel," but with nothing on the horizon, it got dark at times. When Steve retired, we put the period at the end of the sentence, ended that chapter and started a new chapter in the book of Kansas.

In the search that led you to Ronnie Platt, you weren't looking for someone who sounded exactly like Steve, but a voice of similar character, correct?
Yes, it was very important to us. I'm not saying that we wouldn't have taken somebody that sounded exactly like Steve. We knew from watching Ronnie sing on YouTube in his band that he was not exactly like Steve, but he was a great singer. I mean, we couldn't hire a baritone; it's not like we could get a guy out of the Oak Ridge Boys or something like that [ laughs]. Not that they're not great singers! But it had to fit stylistically and age-wise and the whole thing. And Ronnie being from the Midwest, it was just a no-brainer.

Did writing lyrics seem to come easily to him?
There was nothing in making this record that was easy. There wasn't one thing where we went, "This is no big deal." As far as looking over the lyrics and going, "We've got Kerry Livgren lyrics we've got to live up to" - well, I don't think anybody could actually write lyrics as good as Kerry Livgren's, but we still had that bar to reach. So Ronnie got started, and he'd bring the lyrics in. We'd look at 'em, make suggestions here and there, move things, suggest this word over that word. There was a lot of collaboration. But it was something where he really came out of this saying, "I can do this."

Michael Putland/Getty

What was the starting point for "Visibility Zero"?
Musically, it was Zak Rizvi; Zak had written that song two years ago with just a melody that he played on a guitar. The next thing was, I had come up with a title, "Visibility Zero." The crux of what that meant I sent to Ronnie, and just said, "It's amazing how people sometimes cannot see things that are right in front of their eyes." So he started working on it, and when it was done, we all just kind of stood back and said, "Whoa ... this is strong in a lot of different ways." So that's kind of where it started from, lyrically. I just kind of threw the seed out there; he's the one who did all the work and made it grow.

The lyrics are open to interpretation, but the video emphasizes one particular take: the idea that people have looked to charismatic salesmen and strongmen for guidance and protection since the dawn of civilization. Did someone have this election cycle in mind?
No, we didn't, because this was quite a long time ago that we were knocking this around. I won't say that it doesn't apply to today, but if you look at the video, it applies across the history of the world. There's really no part of humanity that it doesn't apply to. Could it apply today? Yeah. Is that why we wrote the song? Not necessarily. A lot of Kansas music is like that: You can take "Dust in the Wind" - that was written 30-some years ago, and it still makes sense today. "Carry On Wayward Son" still makes sense today.

Still, you can't get much more in your face than Hitler, Mao, North Korea and an atomic bomb. You're from the heartland, and Kansas has plenty of red-state fans. Are you concerned about how this might play there?
Are there going to be people that bitch at us? Yeah. Are there going to be people that are upset with us? Yeah. But if you look at it, it goes across the spectrum. We're very, very careful not to take a left lean, not to take a right lean - we're not leaning at all. It's just meant to make you think, and as you said, it's open to interpretation. It's really more about politicians, what they have done and what they've not done, what they've promised and what they haven't promised, and how their laws, across the world, have affected all of humanity.

"It's no secret, people just don't buy music anymore. That's not an earth-shattering statement."

When you hit the road, you're playing the new material alongside Leftoverture in its entirety. What parts of that album have you never done onstage before?
We have never played "Questions of My Childhood." That's it. But a lot of it we've not played in a long time, and we're looking forward to it.

How do you account for that album's extraordinary staying power?
Obviously it's the music; I mean, what else could it be? It's got an OK cover; it's memorable [ laughs] But I think we didn't realize at the time - I mean, who would? - how timeless that record would be. I've been around musicians that I respect very much, and they've flat-out told me, "I think Kansas has made one of the best rock albums ever made." Of course, over the years, as new styles of music came up and we continued to become smaller and smaller, and disappeared, finally - the kind of thing where the band is out there just playing gigs, because nobody's interested in anything new from you anymore - a lot of us from that era became dinosaurs. Then all of a sudden, it's "classic rock," so here comes Journey again, here comes Styx, and here comes Kansas. One thing that strikes me is the young age of our audience now, compared to what it was 10 years ago. The show Supernatural has adopted "Carry On Wayward Son" as its unofficial theme song, and millions of these younger people that are watching the show hear the song. They go to YouTube, they go to Google, whatever, and listen to it, and start coming to our shows only knowing that song, and now starting to know other stuff about Kansas.

You have this new album that you want get in front of people. Radio isn't what it was in your heyday, and MTV changed direction a long time ago. Where do you start? Is playing Leftoverture part of the strategy?
Yeah, there's a bit of a purpose to that. The way we're going to get people into the door to hear four or five new songs that they're probably not even aware of and not familiar with is to bring them in on the coattails of Leftoverture. That's why they come in, and that's when we expose them to the new music. Of course, that's very difficult, because they only get to hear it once in the middle of about 20 other songs you're playing that night, and you hope something about those songs that gets their attention. ... Plus, it's no secret, people just don't buy music anymore. That's not an earth-shattering statement: People do not buy music anymore. They stream it, or they go to YouTube and watch it, or whatever. That's why the music business is dying - that's not a secret either. I'm not saying music is dying, but the business of selling music is pretty much toast.

That must feel a bit discouraging when you've just made an album that you're really excited about.
We're just as surprised as everybody else by this record. I've had so many people say, "No offense, but when guys your age put out an album, they're always kind of pitiful, and this is not a pitiful album - you guys did a great job." [ Laughs] What we need is a couple hundred thousand people that feel that way and can get the word out, because there's really no other way to do it.

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Kansas on Reviving 'Leftoverture,' Why Music Business Is 'Toast'

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"What you're hearing wasn't exactly sat down and mapped out ahead of time," Kansas drummer Phil Ehart says, laughing, "but it was miraculous how it just fell into place."

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Chronique très fouillée du dernier album de Marillion

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Marillion have long since been pioneers of sailing your own ship. Advocates of crowdfunding before crowdfunding was even a thing, they are ambassadors for the freedom of speech and creativity that can only be found in not having to tow the line. It's no surprise then, that Marillion's 18 th studio album F.E.A.R. (Fuck Everyone And Run) covers subjects such as ageing, the transient existence of life on the road and a healthy dose of social commentary examining the migrant crisis in Britain today and the crippling effect of global capitalism. This is Marillion after all, and they have a lot to say.

F.E.A.R. splits into five separate parts, to call them tracks wouldn't be entirely correct given three of these parts split themselves into multiple segments to form a whole but each one examines a different facet of what it is to be a disillusioned adult in Britain today if you will.

Opening part 'El-dorado' begins with an almost dream like vision of an England which exists on the verge of extinction, and progresses with a sense that in our green and pleasant land things are about to change. As the clouds roll in on a wave of keys and guitars, at times reminiscent of a Division Bell era Pink Floyd, an examination of the lyrics reveals that this is in effect a commentary on our handling of change as a country and how a 'not in my back yard' mentality appears to have been given sway.

It's clear from this opening part that F.E.A.R. is not an album for those who like to sit back and let the music wash over them without any emotional involvement and the intricate layering and intertwining of keys from Mark Kelly, guitars from Steve Rothery, bass from Pete Trewavas and drums from Ian Mosley support Steve Hogarth's vocal and invite you not just to listen, but to hear.

The second part of F.E.A.R. - the stand alone piece 'Living in Fear' acts as a counterbalance to the issues raised in El-dorado and is in effect a song inciting us to stand together against many of the questions raised in this album. If Marillion did anthems for peace, Living in Fear is that anthem.

The third part entitled 'The Leavers' steps away from wider world issues for the moment and gives us instead a very personal insight into life for those who are always moving and for me, this is the stand out section of the album. Beginning musically with an almost transient feel perfectly echoing the fact that we are lyrically dissecting life on the road, Mark Kelly's effervescent keys push the first element 'Wake Up In Music' relentlessly along. There is a sense of longing to stand still by the time we get to 'Vapour Trails in the Sky' and an almost ethereal quality to Hogarth's vocals here which complements perfectly the sense of fleeting existence experienced by someone who arrives but never stays. Steve Rothery's guitar comes to the fore in 'Jumble of Days', almost like a monologue to homeward thoughts. Just when we think that Marillion are telling us they want to go home though, to settle and stay, comes the sting in the tail that is 'One Tonight' which brings with it the realisation that for all the longing to stand still, when all you know how to do is move, the struggle to adapt to a sedentary life when the call of the road pulls you back demonstrates a vicious circle of longing to be home yet needing to be away.

The shorter section 'White Paper' concludes this introspective element of F.E.A.R. by lastly asking the question what happens when you still have that desire to live a colourful life but find that advancing years mean you have become an observer of life rather than a participant. A sombre thought perhaps that with age comes experience but also invisibility. Hogarth's vocal is again tinged with a sense of displacement and echoed by Mark Kelly's fragile, piano led lament before the section picks up with a harder accompaniment, a sense of bitterness at fading youth perhaps. A sense of resignation certainly.

We are back on the world stage for the final part of F.E.A.R. with 'The New Kings', exploring capitalism and the effect the few who have much have over the many who have little. After the self-searching translucence of the previous two sections, The New Kings carries with it a hard hitting punch, and certainly leaves you with the feeling that in no uncertain terms, this is musically a dark as night vision of the world according to Marillion.

Marillion are never ones to back away from saying what they want to say, and this is their strength, to fly in the face of convention under their own banner and to use their musical and artistic freedom to challenge. It comes as no surprise at all then, that, eighteen albums in, F.E.A.R. does just that, far from mellowing with age, Marillion have proved that they are just as ready as ever to stand up and be counted.

Marillion - F.E.A.R (Fuck Everyone And Run)
Track Listing

El Dorado (I) Long-Shadowed Sun
2. El Dorado (II) The Gold
3. El Dorado (III) Demolished Lives
4. El Dorado (IV) F E A R
5. El Dorado (V) The Grandchildren of Apes
6. Living in F E A R
7. The Leavers (I) Wake Up In Music
8. The Leavers (II) The Remainers
9. The Leavers (III) Vapour Trails in the Sky
10. The Leavers (IV) The Jumble of Days
11. The Leavers (V) One Tonight
12. White Paper
13. The New Kings (I) F*** Everyone and Run
14. The New Kings (II) Russia's Locked Doors
15. The New Kings (III) A Scary Sky
16. The New Kings (IV) Why is Nothing Ever True?
17. The Leavers (VI) Tomorrow's New Country

Marillion - F.E.A.R (Fuck Everyone And Run)

Release Date 23/09/2016

Label - Ear Music

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Marillion have long since been pioneers of sailing your own ship. Advocates of crowdfunding before crowdfunding was even a thing, they are ambassadors for the freedom of speech and creativity that can only be found in not having to tow the line. It's no surprise then, that Marillion's 18 th studio album F.E.A.R.

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Marillion – F E A R (Fuck Everyone And Run) | Echoes And Dust

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Marillion – F E A R (Fuck Everyone And Run) | Echoes And Dust

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Remaining resolutely unfashionable and determinedly dogged in their refusal to change, Marillion have slowly become something of an institution to those in the know. Over the course of seventeen albums they have continually pushed forward with what progressive music means, and also changed the way in which a band can survive in the music industry with their much vaunted crowd-funding scheme, a scheme which they continue to this day. Now, they return with their eighteenth album, , and once again it seems that fire is still raging in the progressive belly.

(or Fuck Everyone And Run as the acronym stands for) is an album of big themes. Never ones to shy away from stories of emotional impact ('King Of Sunset Town', 'Gaza'), this time they set their sights on modern life with capitalism, politics and the movement of people all being broached. For themes of such grandeur, it would be all too easy to slip up and turn into some po-faced nonsense but Marillion are the kind of band who thrive off this sort of challenge. Determined not to preach to the listener, they instead lay out the threads of the songs allowing us as listeners to hear and make our own minds up.

It's this subtle way of opening up their music, and if anything is done subtly it is the pastoral Englishness of the opening of 'Eldorado', that leads the listener into their nest of emotional corners. Marillion have always had layers, here they have layers upon layers yet through front-man Steve Hogarth, they have a master ringleader who lays out the path for you to follow. It is then left to the masterful musicianship of Mark Kelly (keys), Pete Trewavas (bass), Ian Mosley (drums) and Steve Rothery who's guitar forms that integral part of the Marillion sound to create the emotional maelstrom.

Not that you can single out any band member here as is a tour-de-force from a unit who are at the peak of their powers. As 'Eldorado' unfurls its wings, you never know quite which way they are going to take you next. Unashamedly progressive, it's the human aspect which makes you wonder why this band aren't playing to sold out stadiums. As it stands, their devoted fan-base continues to fund their albums and Marillion return the favour by never letting them down.

At five songs long, and three of those broach the 15 minute mark, it may be too much for the casual listener but for those willing to offer up their time they will get the aforementioned 'Eldorado', which explores notions of political entitlement with gold being the symbol of power, wealth and greed. It explores how political parties will rule by fear with key lines such as "we can't keep letting them in" and "the haves and the haves not" providing a frightening vision of a country which is more unstable than ever. Deep themes yet you are left to make your own mind up as H gets increasingly angry and desperate toward the final denouement.

'Living With FEAR' is a brief respite after this and sets itself up in familiar anthemic territory of which Marillion do so well. Simple, yet powerfully delivered, you can almost feel the futility of it all as H turns the a famous man made object into a symbol of diminished power and energy. We may live in scary times but we have throughout history too and in the end it doesn't really make a difference.

The true emotional heart of the album lies with the twenty minute centrepiece 'The Leavers', which focuses on the lives of transient people and how that affects the ones they leave behind. Rather timely with the EU Referendum, this song is actually nothing about that although comparisons will no doubt be raised. Instead you get a suite which allows the band to display the entire breadth of their experience yet its the simple piano moments of Mark Kelly which deliver the true moments of reflection. Musically this song drifts from shimmering synths, turning almost European, before answering itself (in the voice of the Remainers) as a delicate sadness. Where the Leavers of the song are gathering huge life changing experiences, matched by the pounding rhythm section of Trewavas and Mosley, the Remainers play with lost emotions set out on simple piano lines. In rather stunning style Rothery takes us out in what shall be left as a surprise for listeners in what may come to be known as Marillion's masterpiece.

The capitalist rant of 'The New Kings' has already been heard by fans and in the context of the album it becomes all the more vitriolic with H taking great delight in getting into character, a trait which has become his hallmark. Crafty, sly, and then explosively angry, it's a turn which shows Marillion to be a band so alive and full of vitality.

For a band who are eighteen albums down the line, one might almost forgive Marillion for resting on their laurels yet with they have released an album which is dense, emotional, cathartic and explosive. Rarely has a band sounded so on tune and what is all the more remarkable is that stands side by side with anything they have ever done before. Indeed, you can file this album alongside and for its sheer scope and emotional impact and in time may become regarded as their best yet. For a band best known for a hit song back in 1985 maybe it is time for everyone to get reacquainted with them. Marillion remain our best kept secret and with they remain truly at the top of the prog game.

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Marillion - F E A R (Fuck Everyone And Run)

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For a band who are eighteen albums down the line, one might almost forgive Marillion for resting on their laurels yet with 'F E A R' they have released an album which is dense, emotional, cathartic and explosive.

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Discographie en français du groupe. On y trouve les paroles en anglais, parfois traduite en français. 
Une mine de renseignements sur le groupe.

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The Web France, Fan-club francophone officiel de Marillion.

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Interview Steve Hogarth (Marillion) 2013

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Interview Steve Hogarth (Marillion) 2013

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"J’explique la situation du point de vue d’un enfant qui grandit à Gaza. J’ai passé de nombreux week-ends à rentrer en contact avec des personnes habitant Gaza via Skype afin rassembler des éléments objectifs. Je leur ai donc posé des questions sur les conditions de vie et  ce qu’ils pensaient des israéliens. J’ai ainsi pu me rendre compte que ces témoignages ne reflétaient pas ce que nous disaient les médias car à la différence de ce que l’on peut penser, ils ne haïssent pas les israéliens. Donc tout ce que je dit dans cette chanson est basé sur les témoignages recueillis. Les critiques sont inévitables car il existe trois points de vue différents sur le sujet : celui des occidentaux, celui des palestiniens et celui des israéliens. J’ai tenté de donner une version plus universelle sur le sujet."

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Interview de Steve Hogarth

Le groupe Marillion serait l'un des secrets les mieux gardés de la scène musicale British. Marillion fait carrière depuis déjà plusieurs décennies . Plus connu pour son style rock progressif dans les années 80, Marillion a su se réinventer après le départ du charismatique Fish avec le chanteur Steve Hogarth pour revenir à un style plus accessible. Leur nouvel album Sounds That Can't Be Made fait des heureux parmi leurs fans, car il s'agit certainement de l'un de leurs meilleurs albums de ces dernières années. Steve Hogarth a accepté de nous recevoir à deux pas du Trianon où le groupe se produira les soirs suivants. Magnéto...
Rock'nConcert : Comment expliques-tu que Marillion soit encore capable de délivrer un album d'une telle qualité ? Rock'nConcert : ... la magie a de nouveau opéré.
Rock'nConcert : Vous êtes déjà en pleine tournée pour le nouvel album. Comment se passe-t-elle pour l'instant ?
Rock'nConcert : De quoi parle le morceau Montreal ?
Rock'nConcert : Dès la première écoute du titre Gaza qui ouvre l'album, on a l'impression d'une pierre angulaire dans la carrière de Marillion. Rock'nConcert : Gaza aborde le conflit entre Israéliens et Palestiniens autour de la bande de Gaza. Les critiques semblent inévitables sur le sujet. Rock'nConcert : Justement, comment as-tu abordé le sujet tout en gardant une certaine neutralité ? Rock'nConcert : Gaza et Montreal sont les moments forts de cet album avec des durées qui dépassent les 15mn. Comment compose-t-on ce type de chansons ?
Rock'nConcert : N'auriez vous pas envie de refaire un concept album, car il semble que ce sont les albums que préfèrent vos fans, notamment Marbles et Brave ? Rock'nConcert : En allant sur votre site Internet, j'ai vu que vous proposiez gratuitement un best-of en format MP3 ou sur CD (http://marillion.com/music.htm). C'est assez unique comme cas. Pourquoi avoir fait cela ? Rock'nConcert : Justement, ne souffrez vous pas un peu du fait que vous n'ayez pas plus d'attention de la part des médias ? Rock'nConcert : Vous jouez au Trianon à Paris pour deux dates qui affichent complet. Attirez-vous plus de public qu'avant ? Steve, nous te remercions pour cet entretien. Propos recueillis par Thorsten Wollek - Photographe Carsten Wilde Marillion sur Amazon :
Steve Hogarth : En fait, on a pris tout notre temps. On a commencé l'écriture début 2010. Et à vrai dire cela n'a pas été simple au début , la magie n'a pas opéré dans l'immédiat au sein du groupe. Du coup on s'est séparé quelques mois , nous n'étions tout simplement pas prêts à ce moment là. On s'est à nouveau réunis à l'automne 2010 pour jouer et improviser ensemble. Et là...

Steve Hogarth : Oui, mais c'est également grâce au contrôle de la qualité. La partie créative est assez réduite par apport au contrôle opéré sur la qualité. Il faut savoir que pour chaque seconde de musique sur l'album, nous avions plusieurs heures d'improvisations. Il y a une équité dans le groupe qui permet à chacun des membres de s'exprimer. Ainsi, si l'un de nous n'aime pas quelque chose, nous ne le gardons pas. Et c'est le cas en général (rires). Du coup c'est vraiment un miracle que nous arrivions à pondre des albums.

Steve Hogarth : Ca se passe vraiment très bien. Nous avons même été étonnés par les réactions du public dans certains endroits, notamment à New York. Il y a vraiment eu de belles surprises, notamment à Los Angeles et Mexico City. A Santiago, Chile on a eu pas moins de 4 000 fans excités. C était étonnant , car ce n'est pas comme si nous passions à la télévision ou à la radio là-bas.

Steve Hogarth : Il s'agit tout simplement d'un extrait du journal que je tiens. J'ai pour habitude de tenir un journal quand nous sommes en tournée. Il m'arrive même d'en citer des extraits entre les chansons à certains de nos concerts. Je retiens à peu près tout ce qui se passe quand nous sommes sur les routes. Donc tout ce que je raconte dans ce titre s'est réellement passé. C'est la première fois que je me sers de mon journal pour écrire les paroles. C'est plutôt amusant.

Steve Hogarth : D'après les membres du groupe il s'agit de l'un des titres les plus importants et puissants que nous n'ayons jamais écrit. Nous sommes fiers de commencer les concerts de cette tournée avec Gaza. Peu de groupes peuvent se permettre de démarrer leurs concerts avec une chansons qui dure 17 minutes.

Steve Hogarth : J'ai en effet reçu de nombreuses critiques. Mais ce qui est intéressant, c'est que les critiques émanent de territoires non concernés par ce conflit. D'après certains, il s'agirait d'un propos anti-israélien disant que je tiens les israéliens pour responsables du conflit. Tout ce que je peux répondre, c'est qu'ils me le prouvent en me montrant ces passages dans les paroles.

Steve Hogarth : J'explique la situation du point de vue d'un enfant qui grandit à Gaza. J'ai passé de nombreux week-ends à rentrer en contact avec des personnes habitant Gaza via Skype afin rassembler des éléments objectifs. Je leur ai donc posé des questions sur les conditions de vie et ce qu'ils pensaient des israéliens. J'ai ainsi pu me rendre compte que ces témoignages ne reflétaient pas ce que nous disaient les médias car à la différence de ce que l'on peut penser, ils ne haïssent pas les israéliens. Donc tout ce que je dit dans cette chanson est basé sur les témoignages recueillis. Les critiques sont inévitables car il existe trois points de vue différents sur le sujet : celui des occidentaux, celui des palestiniens et celui des israéliens. J'ai tenté de donner une version plus universelle sur le sujet.

Steve Hogarth : Toutes les chansons naissent à partir d'improvisations. On se réunit tous les jours et jouons ensemble. On se laisse porter par la musique. Pendant ces improvisations, j'essaye de mettre des mots sur la musique. On enregistre tout cela pendant plusieurs semaines. Il va sans dire qu'il y a beaucoup de choses à jeter, ce qui est généralement le cas lors d'improvisations. Il faut trier et ne retenir que les bons moments. On récupère donc une compilation avec nos meilleures idées qui deviennent ensuite nos chansons.

Steve Hogarth : Les concepts de ces deux albums sont nés tout à fait par hasard. Nous n'avions pas prévu d'en faire des concepts albums. Le fil conducteur de ces albums est arrivé au fur et à mesure de l'écriture. Mais pour tout dire, j'ai un peu de mal avec ce genre d'albums dans la veine de War Of The Worlds de Jeff Wayne (rires). Mais quand un concept commence un surgir, nous le retenons.

Steve Hogarth : Je pense que nous avons vraiment fait de la bonne musique ces dernières années. Malheureusement ces chansons n'ont pas eu la chance de passer à la radio ou à la Télévision. Et donc, il nous semblait logique de laisser une chance à nos morceaux préférés de se faire connaître, sans faire payer pour autant.

Steve Hogarth : Si, on en souffre énormément (rires). Mais si les médias ne veulent pas passer notre musique sur leurs ondes, c'est ainsi. En même temps, nous avons des libertés créatives que d'autres groupes n'ont pas. Très peu de groupes peuvent se permettre ce que nous faisons. Je ne voudrais certainement pas être à la place de Britney Spears (rires).

Steve Hogarth : Nous avons appris que nous étions place 23 dans le classement des ventes d'albums en France. Il y a certainement plus d'intérêt pour notre musique. On vient d'enregistrer un set acoustique sur RTL2, ce qui ne s'est pas produit depuis bien longtemps. Ce soir nous passons en direct sur OuiFm.

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Interview Steve Hogarth (Marillion) 2013

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Interview de Steve Hogarth Le groupe Marillion serait l'un des secrets les mieux gardés de la scène musicale British. Marillion fait carrière depuis déjà plusieurs décennies . Plus connu pour son style rock progressif dans les années 80, Marillion a su se réinventer après le départ du charismatique Fish avec le chanteur Steve Hogarth pour revenir à un style plus accessible.

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Chronique Marillion : Sounds That Can’t Be Made

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Chronique Marillion : Sounds That Can’t Be Made

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Dès le premier morceau de l’album, la couleur est annoncée. Gaza, d’une durée de plus de 17 minutes, tantôt brutal ,tantôt doux, mélange du rock progressif, de belles envolées à la guitare et des sonorités indiennes. Marillion signe avec Gaza un titre engagé, abordant le problème de la bande de…Gaza.

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Chronique Marillion : Sounds That Can t Be Made (2012)

Qualifié de "Trésor National", Marillion fait la fierté des anglais depuis plus de 30 ans en tant que groupe de néo-prog britannique. Séparés de leur chanteur charismatique " Fish " à la fin des années 80, Marillion trouve en Steve Hogarth un leader qui amène le groupe vers un style plus pop. Le 8 octobre paraitra leur 17 ème album Sounds That Can't Be Made.

Au grand bonheur des fans de Marillion, on retrouve sur Sounds That Can't Be Made les sonorités très atmosphériques de certains de leurs précédents albums Afraid Of Sunlight, Marbles. Pas d'évolution musicale notoire sur cet album, à part qu'il s'agit là de l'un de leurs meilleurs albums. Complexe et abordable à la fois dès la première écoute, les morceaux sont entrecoupés de passages pop, progressifs et psychédéliques. Sur les 8 morceaux de l'album, 3 dépassent la barre des 10 minutes, dont les deux meilleurs morceaux de l'album " Gaza " et " Montréal ", qui feront incontestablement partie des favoris à l'avenir lors de leurs concerts. Très atmosphériques, ces morceaux culminent lors de magnifiques envolées à la guitare.

Dès le premier morceau de l'album, la couleur est annoncée. Gaza, d'une durée de plus de 17 minutes, tantôt brutal ,tantôt doux, mélange du rock progressif, de belles envolées à la guitare et des sonorités indiennes. Marillion signe avec Gaza un titre engagé, abordant le problème de la bande de...Gaza. Dans la même veine, Montréal, plus calme et moins riche musicalement que Gaza, nous séduit par sa beauté, ce particulièrement sur la fin.

D'un genre plus pop par leur durée et leur construction, les six autres morceaux s'imposent avec difficulté aux côtés des deux morceaux épiques : le très sympathique Pour My love, le morceau titre aux nappes de clavier envoutantes Sounds That Can't Be Made. Power et le très floydien Lucky Man sont les titres les plus accessibles de l'album avec leurs refrains accrocheurs, Invisible Link n'a pas laissé indemne les cordes vocales de Steve Hogarth, et finalement The Sky Above The Rain qui clôt admirablement l'album.

Marillion signe avec " Sounds That Can't Be Made " une de leurs meilleures œuvres, aux côtés des albums Brave, Afraid of Sunlight et Marbles. Nous avons hâte de découvrir " Sounds That Can't Be Made " lors de leurs 2 dates parisiennes en janvier prochain.

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Chronique Marillion : Sounds That Can't Be Made

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Chronique Marillion : Sounds That Can t Be Made (2012) Qualifié de "Trésor National", Marillion fait la fierté des anglais depuis plus de 30 ans en tant que groupe de néo-prog britannique. Séparés de leur chanteur charismatique " Fish " à la fin des années 80, Marillion trouve en Steve Hogarth un leader qui amène le groupe vers un style plus pop.

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Critique de l'album The Raven That Refused to Sing (And Other Stories) de Steven Wilson § Albumrock

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Critique de l'album The Raven That Refused to Sing (And Other Stories) de Steven Wilson § Albumrock

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On peut être heureux de vous annoncer l’une des plus grandes nouvelles de 2013 : le rock progressif vient de ressusciter, et avec un brio proprement époustouflant.

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On ne donne que rarement la note maximale à un album chroniqué en nouveauté, et à chaque fois, ça ne loupe pas : que ce soit pour avec The Hunter en 2011 ouBand avec Blues Funeral en 2012, le disque a terminé numéro un des charts de la rédaction pour nos traditionnels classements rétrospectifs annuels. Même si on ne s'avancera peut-être pas trop dans le cas présent (eut égard au genre abordé), on peut néanmoins être heureux de vous annoncer l'une des plus grandes nouvelles de 2013 : le rock progressif vient de ressusciter, et avec un brio proprement époustouflant.

Pour vous qui nous lisez depuis des années,n'est probablement pas un inconnu. Cela fait maintenant près de vingt cinq ans que le discret acharné du prog-rock opère en sous-marin un travail de sape gigantesque pour redonner toutes ses lettres de noblesse à un genre qui se trouvait en état de mort clinique au début des années 90. On l'a vu opérer seul dans son coin avec les moyens du bord (IEM, Bass Communion), transformer un projet psyché loufoque en pop cérébrale puis en metal sensible au sein d'un groupe devenu au fil des années l'un des plus beaux fers de lance du metal prog (Porcupine Tree), exalter un rock lyrique et émotif (Blackfield), soutenir à bras le corps les expérimentations art-rock de son collègue Tim Bowness (No-Man), arracher à la sueur de son front des galons de producteur et d'ingénieur du son enviés par les plus grands techniciens des années 2000 (avec un Grammy Award technique à la clé), contribuer à la création et à l'alimentation de l'un des labels alternatifs les plus ambitieux du moment (Kscope) et surtout, surtout, inspirer sans le vouloir toute une frange de nouveaux groupes fiers d'appartenir à une fratrie qui n'a jamais eu autant le vent en poupe. Aujourd'hui, le pari de Wilson est gagné : le terme progressif n'est plus tabou, à tel point que l'on a vu la BBC elle-même soutenir les nouvellement créés Progressive Music Awards l'an passé. Partout l'engouement autour du chevelu à lunettes est en train de s'emballer : Zegut himself fait de la pub pour SW et ne cache pas son admiration pour le bonhomme, tandis que The Raven That Refused To Sing (And Other Stories), indépendamment de ses brillantes qualités, a réussi à trouver une oreille attentive dans de nombreux médias généralistes, Guardian, Pop Matters, Q, Mojo, Examiner, Allmusic, sans même parler des médias metal acquis depuis quelques années déjà à sa cause. Il ne lui manquait plus qu'un chef d'oeuvre pour asseoir cet engouement de façon définitive, et Alan Parsons vient de le lui offrir.

Qu'on ne se méprenne pas : Wilson n'avait aucunement besoin du mythique producteur et ingé-son de The Dark Side Of the Moon pour accoucher d'un grand disque, se plaçant déjà lui-même parmi les meilleurs à ces postes techniques. Et pourtant, la présence de Parsons dans le staff de ce troisième album solo change tout. En le déchargeant de tout l'encadrement formel, de la prise de son et du mixage, alors que son talentueux backing band le déchargeait de toute implication technique, en terme musical, dans la mise en forme des chansons,a pu librement se recentrer sur l'écriture, les arrangements et le chant de ces six nouvelles compositions sans se fixer la moindre limite. The Raven est donc un disque qui respire la maîtrise dans tous les domaines, et c'est cet aspect le plus important. Jusqu'à ce jour, même si Wilson a très fréquemment excellé dans ce qu'il entreprenait, on pouvait toujours trouver à redire sur des petits points de détails - notamment en ce qui concernent les albums de Porcupine Tree, blindés jusqu'à l'os d'idées magnifiques mais truffés ça et là de petits déchets dommageables. Quand on s'attaque à la discographie solo du bonhomme, on reprochera immanquablement à Insurgentes son éclatement et sa volonté obsessionnelle de s'essayer à de nouveaux genres, et à Grace For Drowning son hommage quasi-maladif au Roi Crimson et ses délayages parfois pesants. Rien de tout cela ici : des premiers coups de boutoirs de basse de "Luminol" aux dernier éclats de claviers de "The Raven...", tout respire la force sereine, le contrôle et la finition léchée dans ses moindres détails. Plus encore, Alan Parsons imprime fermement sa patte à l'oeuvre Wilsonienne en dispersant les instruments et les volumes sonores de façon presque extrême, créant des gradients d'intensité qui nous forcent à plonger corps et âmes dans le disque, à monter le volume à fond pour nous délecter des passages les plus placides et à en prendre plein les mirettes dès que les artistes envoient du bois.

Le corbeau qui refusa de chanter est un recueil de six chansons conçues comme autant de contes anglais de l'ère victorienne, affichant une certaine noirceur dans l'exposition des tourments de l'âme humaine que ne renierait pas un certain Edgar Allan Poe, auteur d'un poème intitulé "The Raven", et ce n'est pas une coïncidence. Mais au delà des thèmes abordés, l'album est en premier lieu le théâtre de joutes musicales de très haut niveau. On le sait, Wilson a composé ce disque en essayant de magnifier au mieux les talents des musiciens qui l'ont accompagné tout au long de sa tournée de support à Grace For Drowning, et le moins que l'on puisse dire, c'est que l'animal s'est totalement lâché et a ainsi offert à Guthrie Govan (guitare), Nick Beggs (basse), Adam Holzman (claviers), Marco Minnemann (batterie) et au fidèle TheoTravis (flûte traversière, saxo) l'occasion de se transcender. Techniquement, The Raven... est impressionnant, au bas mot, et il serait vain de lister ici les prouesses de chacun des protagonistes investis. Autre particularité de ce disque : le brassage extrêmement vaste de nombreuses couleurs 70's. On entend pêle-mêle, au fil des écoutes, des échos de(un peu partout) mais aussi de Jethro Tull ("The Watchmaker") ou de ("Luminol"), mais toujours surnage la patte indéfectible de Steven Wilson, son sens très personnel d'aborder les mélodies et les accords, ses brusques revirements d'ombre à lumière et sa sourde mélancolie. Enfin délivré de toute nécessité (ou fausse nécessité) de prouver son talent et sa crédibilité d'artiste solo, Wilson s'arrache à ses multiples influences pour en ressortir un album d'autant plus personnel qu'il ne se trouve ici nullement emprisonné par ses propres limitations instrumentales.

The Raven..., comme tous les grands disques, comporte ses moments purement anthologiques que mettent en relief des titres plus retenus mais non moins réussis. Premier à ouvrir la danse, "Luminol" vaut à lui seul l'achat du disque. Progressif extrêmement racé, ligne de basse décapante, jazz-rock en chute libre, flûte insaisissable, riffs à très forte percussion, moment de flottement magique au coeur de l'engin, c'est probablement le meilleur titre jamais accouché par SW. Autre ambiance avec "Drive Home", très Blackfield dans l'esprit, grande ode pop désespérée relevée par un solo de guitare déchirant comme jamais, le titre ayant essentiellement vocation à apaiser les esprits après le tourbillon qui le précède. Puis c'est au ténébreux "The Holy Drinker" d'entrer en scène, introduction perclue de saxos et clarinettes surnageant au sein d'un maëlstrom de cordes désemparées, couplet-refrain en mode Porcupine Tree, chorale grandiose et enfiévrée, voilà encore un morceau qui marque les esprits. Plus simple dans la conception, "The Pin Drop" voit Wilson monter entorche vers les cieux, balancer ses lignes de chant en haute altitude pour plonger derechef dans le chaos en une lente chute inexorable : c'est peut-être le titre le moins indispensable du lot, mais il fait néanmoins largement honneur au disque tout en introduisant à la perfection la deuxième pièce époustouflante de la gallerie, "The WatchMaker". Là encore, on touche au sublime. Jamais Steven Wilson n'avait autant dégagé de grâce que dans les choeurs rayonnants et possédés de ce morceau, précédés par une extraordinaire introduction bucolique, presque celtique par moments, avant de ployer le chef sous les coups de boutoir macabres de sa portion finale. L'apothéose prend enfin la forme du fameux corbeau refusant de chanter, Wilson essayant de l'amadouer au piano puis le suppliant de succomber à ses désirs avant de laisser place à des envolées orchestrales radieuses. Rideau, standing ovation.

En 1975 est paru Wish You Were Here, dernier manifeste authentiquement prog deet dernier chef d'oeuvre du rock progressif à avoir vu le jour, tous les autres ayant été commis entre 1969 et 1974. Il aura donc fallu attendre 38 ans pour qu'un disque de la trempe de Red, de Fragile, de The Dark Side Of The Moon, de Selling England By The Pound ou de Brain Salad Surgery voie le jour, et ce disque, c'est The Raven That Refused To Sing (And Other Stories), permettant enfin à Steven Wilson d'atteindre les plus hautes sphères du genre après une carrière absolument exemplaire. Une juste récompense, et amplement méritée. Respect, Mr Wilson.

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Critique de l'album The Raven That Refused to Sing (And Other Stories) de Steven Wilson § Albumrock

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On ne donne que rarement la note maximale à un album chroniqué en nouveauté, et à chaque fois, ça ne loupe pas : que ce soit pour avec The Hunter en 2011 ouBand avec Blues Funeral en 2012, le disque a terminé numéro un des charts de la rédaction pour nos traditionnels classements rétrospectifs annuels.

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Interview avec Steve Rothery de Marillion - Art'n'Roll WebzineArt'n'Roll Webzine

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Interview avec Steve Rothery de Marillion - Art'n'Roll WebzineArt'n'Roll Webzine

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Interview sur le dernier album de Marillion

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Art'N'Roll : Le 23 septembre 2016, sort " F.E.A.R. ", le 19e album studio de Marillion depuis sa formation en 1979. F.E.A.R. est l'acronyme de " F*** Everyone and Run " : c'est l'état actuel de notre Monde qui vous fait soudainement employer des gros mots ?
Steve Rothery : (Rires) Alors, nous ressentons une grande tristesse vis-à-vis des gens, des grandes entreprises et des gouvernements. L'exploitation des choses en général. Alors, nous avons composé ce " Protest Album ", le thème de ce disque est assez sombre. Oui, nous sommes moins positifs que nous l'avons été de par le passé.
ANR : En dépit des sujets abordés, la totalité des morceaux sonne apaisée, planante, pas une once de rudesse musicale...
SR : Oui, c'est notre identité musicale. C'est ce qui créé un contraste entre les thèmes et notre approche.
ANR : Les trois titres " El Dorado ", " The Leavers " et " The New Kings " sont tous trois divisés en cinq, cinq et quatre sous-titres. Donc, quatorze morceaux au total sur les dix-sept, font partie de ces trois titres. Quel serait la symbolique de cette division capitulaire ?
SR : C'est une mise aux normes, c'est la manière dont fonctionne l'industrie musicale. Elle n'apprécie pas les titres d'une durée de seize minutes. Nous avons divisé ces trois titres en petites parties afin de nous conformer à ses canons. Surtout ceux de l'Amérique du Nord. Si tu regardes les disques des années soixante-dix, la plupart des morceaux étaient très longs. Donc il nous est apparu naturel de faire long comme auparavant et de créer des sous-divisions dans nos titres. C'est la " mécanique de l'industrie du disque ".
ANR : Ma quatrième question portait sur la durée relativement courte des morceaux de votre album, donc... Cinquième question : est-ce que le morceau " The Leavers. iii. Vapour Trails in the Sky " a pour sujet la théorie conspirationniste dite des " Chemtrails " ?
SR : Non, c'est sur la symbolique du voyage. Nous nous sommes inspirés d'une chanson de Joni Mitchell nommée " Amélia ", dont nous apprécions les paroles (NB : " I was driving across the burning desert / When I spotted six jet planes / Leaving six white vapor trails across the bleak terrain "). C'est à propos de la vie en tournée. C'est sur un voyage conscient. Quand tu fais partie d'un Road Crew, les lumières ne s'éteignent jamais. La vie d'un artiste est en fait un voyage conscient : jour après jour, une nouvelle ville, un nouveau pays, tu ne laches jamais ta valise. Nous avons tourné en tout pendant trente-deux ans, alors (rires) ça fait une très longue durée passée à voyager à travers le Monde. C'est parfois très dur de rentrer chez soi, surtout pour nous dans les années 1980, période durant laquelle nous n'avons cessé de tourner.
ANR : Tout cela fait penser à la chanson de Motörhead " (We are) The Road Crew "...
SR : (Rires) Bien sûr (hilare)... nous vivons une vie étrange.
Et qu'évoquerait " The New Kings. ii. Russia's Locked Doors " ? La situation géopolitique de la Russie ? Culturelle ?
SR : C'est sur la nouvelle Russie, qui s'est engagée dans une sorte de cercle vicieux, avec de nouvelles façons de penser...
ANR : La Mafia ?
SR : (Rires) Oui tu peux dire ça (rires), je ne sais pas...
ANR : " F.E.A.R. " est disponible en trois supports : Vinyle, CD Standard et CD Spécial. On se souvient que c'est un " Progger " (NB : Rocker progressif) notoire, Monsieur Phil Collins, qui a pour la première fois innové en sortant un disque sans format vinyle (NB : " But Seriously ", en 1989), quel est votre point de vue sur le grand retour du disque vinyle ?
SR : Je pense que c'est une chose formidable. C'est mon support original, celui des années soixante-dix. Le Dolby y est meilleur. Tu prends le plaisir de changer de face. C'est magique, ça me rappelle ma jeunesse. La musique devrait être un évènement, et ce retour du vinyle constitue un évènement.
ANR : Passons à la tournée de Marillion en cours. Le 11 juillet 2016, vous avez entamé une tournée mondiale à Barcelone, et à partir du 21 octobre vous entreprendrez les USA puis le Canada. Le 2 novembre, vous vous produirez à Québec. Percevez-vous une différence culturelle ou de comportement, entre vos publics Francophone et Anglophone ?
SR : A travers les années, nous avons beaucoup tourné sur le continent Nord-Américain, notamment à Montréal et à Québec, qui sont toujours des sommets dans nos tournées. Je pense que ces deux publics ont une attitude très profonde vis-à-vis de notre musique, peut-être plus que le public Européen. Je me souviens de nos premiers concerts là-bas en 1984, il y a des Conventions Marillion organisées chez eux.
ANR : La différence entre les publics serait donc plus entre Europe et Amérique du Nord...
SR : Oui et non nous sommes aussi allés jouer à Toronto, mais je constate que les publics de Montréal et de Québec possèdent une amplitude différente. Nous avons aussi joué à Vancouver dans les années 1980, quel bel endroit d'ailleurs...
ANR : Le phénomène des " Conventions Marillion " est très intéressant : vous êtes un des seuls groupes, avec KISS notamment, à avoir ce type de rencontres de fans... D'ailleurs, certaines des dates européennes sont complètes bien à l'avance (par exemple : Utrecht les 6 et 7 décembre, et Paris le 10 décembre 2016). Comment expliquez-vous la fidélité des spectateurs vis-à-vis d'un groupe plutôt discret médiatiquement ?
SR : Nous avons joué dans des salles de différentes tailles à Paris, nous avons rempli Bercy, le Zénith, Paris est un des temps forts de nos tournée, nous avons une solide assise en terme de fans ici. Lille, aussi, est bon pour nous. Nous jouerons également à Lyon.
ANR : L'Elysée-Montmartre, cette salle de bal crée en 1807 a rouvert ses portes mi-septembre, après cinq années de reconstruction suite à un incendie en 2011. Avez-vous déjà joué là-bas ?
SR : Oui, oui, plusieurs fois.
ANR : A ce propos, le premier artiste Rock qui s'est produit à l'Elysée-Montmartre est le Français Michel Polnareff, pour un spectacle intitulé " Rabelais " en 1968. Michel Polnareff est un chanteur de variétés, qui est assez proche du Rock Progressif de par ses mélodies et arrangements. Le connaissez-vous ?
SR : (Rires) J'ai cru que tu allais me dire que c'était Johnny Hallyday (Rires) Un Progger ? Intéressant...
ANR : Oui, ses mélodies haut-perchées, " La la la la la la "...
SR : Je vois... des mélodies plus complexes que le reste de la variété Française. Il y a quelques années, en 1984, nous avons assisté à un concert de Johnny Hallyday au Zénith de Paris, celui où il commence son concert en sortant d'un poing géant... Alors, ouais... Que puis-je dire ? (Rires) C'est la France... Avec Johnny Hallyday (Rires).

ANR : Merci... MAGMA, GONG, ZOO, ANGE, etc... La France est également un pays qui a enfanté un certain nombre de groupes progressifs à partir de 1970. Connaissez-vous notre scène prog' ?

SR : Oui, un petit peu. Le batteur de MAGMA est un grand artiste...
ANR : Quels sont vos trois albums de Rock Progressif préférés de tous les temps ?
SR : Parmi les albums... Je dirais probablement Pink Floyd " Wish you were Here " (Rires) Kate Bush " Hounds of Love "... et peut-être l'album solo de Peter Gabriel.
ANR : Comptez-vous participer à des festivals en 2017, en Europe et / ou en France ?
SR : On en déjà fait quelques-uns cette année, avec Foreigner, nous sommes allés en Allemagne et en Suisse aussi avec Queen. Oui, probablement dans la seconde moitié de juillet 2017.
ANR : Ce serait bien de venir au Hellfest...
SR : (Enthousiaste) OUI, ce serait possible...
ANR : Tout à l'heure, nous avons parlé de la vie d'un Road Crew, et de la manière de vivre Rock'n'Roll... Les dix derniers mois ont été marqués par la disparition, puis par une série d'hommages à la personne de Lemmy Kilmister. Certes, il évoluait loin de l'univers paisible et onirique de Marillion, il a donné dans le prog Rock en tant que bassiste pendant cinq ans d'Hawkwind. L'avez-vous rencontré ? Avez-vous, peut-être, une anecdote Marillion - Lemmy ?
SR : Oui, nous avons rencontré Lemmy bon nombre de fois depuis le début des années 1980, quand il avait l'habitude de trainer autour du Marquee Club de Londres, à la BBC aussi, à Top of the Pops, quand il était au sommet des ventes de disques. La dernière fois que nous l'avons vu, c'était il y a une quinzaine d'années, à Los Angeles. Je me souviens de son mode de vie incroyable, dans les hôtels, entre drogue et alcool, Lemmy était un véritable miracle médical...
ANR : Peut-être le fait d'être Anglais, du Nord...
SR : Ouais...
ANR : Et vous, vous êtes d'où ?
SR : Je suis aussi du Nord de l'Angleterre, de toute façon la plupart des groupes Anglais viennent du Nord. Je me souviens bien de sa période Hawkwind, c'était du " Space Rock ", assez facile à jouer...
ANR : Peut-être le truc le plus intéressant dans Hawkwind, c'était la danseuse Hippie aux seins nus...
SR : (Rires) C'était Stacia (Rires)....
ANR : Ça sera tout, merci Monsieur Rothery.
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Interview avec Steve Rothery de Marillion - Art'n'Roll Webzine

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Art'N'Roll : Le 23 septembre 2016, sort " F.E.A.R. ", le 19e album studio de Marillion depuis sa formation en 1979. F.E.A.R. est l'acronyme de " F*** Everyone and Run " : c'est l'état actuel de notre Monde qui vous fait soudainement employer des gros mots ?