# data[].attributes.body
Muerte de Bach

# data[].attributes.body
MUERTE DE BEETHOVEN

# data[].attributes.body
ESTILO SURGIDO EN FRANCIA

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.

Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Según Étienne-Jean Delécluze, el término "rococó" fue inventado en torno al año 1797 como una broma por Pierre-Maurice Quays, alumno de Jacques-Louis David. Supuestamente se trataría de una asociación de las palabras francesas " rocaille" y " baroque" ( barroco), la primera de las cuales designa una ornamentación que imita piedras naturales y ciertas formas curvadas de conchas de moluscos. El término "rococó" tuvo durante mucho tiempo un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX como un término propio de la historia del arte.

Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV. La transición del Rococó, también conocido como el " estilo Luis XV", a nuevas formas y expresiones artísticas empezó hacia 1720. Algunos historiadores del arte como Fiske Kimball establecen la génesis del rococó en diversos decoradores franceses, como Claude Audran III, Pierre Lepautre y Gilles-Marie Oppenordt.​

Este estilo, llamado en su tiempo "del gusto moderno", fue despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas con la palabra rococó, que es una composición de " rocaille" (piedra) y " coquille" (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras versiones buscan el origen en rocaille, un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento. Aunque el Rococó haya sido un arte convencionalista y cortesano, es un ejemplo de cómo el arte es expresión de la vida social y de cómo un estilo puede estar dirigido a individuos dentro de dicha sociedad y no a sus monarcas o dioses.

Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el "gusto a la griega", embrión del que, una vez consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI. Durante este periodo el Rococó mantuvo una gran hegemonía sobre los demás estilos.

Durante el reinado de Luis XV, la vida de la corte se desarrolla en el palacio de Versalles, extendiendo el cambio artístico del palacio real y permitiendo su difusión a toda la alta sociedad francesa. La delicadeza y la alegría de los motivos rococó han sido vistos a menudo como una reacción a los excesos del régimen de Luis XIV.

Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se expande el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida.

Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.

Fue rápidamente acogido en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue aplicado con entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornan los interiores con "nubes" de estuco blanco.

En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como "el gusto francés por el arte". Los arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisis de la belleza ( 1753) que la curva en S presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza.

El fin del Rococó se inicia en torno a 1760, cuando personajes como Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la " increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas" del arte contemporáneo. En 1780 el Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo neoclásico impulsado por Jacques-Louis David.

El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno napoleónico.

Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes por objetos rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia dan valor nuevamente al estilo.

La temática ligera pero intrincada del diseño rococó se adecúa mejor a los objetos de talla reducida que a la arquitectura y a la escultura. No sorprende por lo tanto que el Rococó francés fuera utilizado sobre todo en el interior de las casas. Figuras de porcelana, platería y, ante todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando la alta sociedad francesa quiere adecuar sus casas al nuevo estilo.

El Rococó aprecia el carácter exótico del arte chino y, en Francia, se imita este estilo en la producción de porcelana y vajilla de mesa.

Los diseñadores franceses, como François de Cuvilliés y Nicolas Pineau, exportan el estilo a Múnich y San Petersburgo, mientras el alemán Juste-Aurèle Meissonier se trasladó a París, si bien hace falta considerar a Simon-Philippe Poirier como el precursor del Rococó en París. El Rococó inglés tiende a ser más moderado. El diseñador de muebles Thomas Chippendale mantiene la línea curva pero menos ampulosa que la del mueble francés. El mayor exponente del Rococó inglés fue, probablemente, Thomas Johnson, un escultor y proyectista de muebles ubicado en Londres a mediados de 1700.

Una de las características del estilo rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. El interior será un lugar de fantasía y colorido muy recargado, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en las edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajas y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso en un parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio "bloque", propio de la etapa anterior.

En este momento la ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la puertaventana o "ventana francesa", obteniendo una interrelación entre interior y exterior que consigue la ideal fusión con la naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se descartan los marcos en ángulo recto, demasiado rígidos, y se adoptan ventanas arqueadas. Se elimina o reduce el uso de esculturas monumentales, limitándolas a la ornamentación de los jardines.

En cualquier caso, el aspecto más destacable de los interiores rococós es la distribución interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribución muy sencilla. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada funcionalidad, combina ornamentación, colores y mobiliario.

Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas tuvieron muy poco reflejo en las construcciones oficiales, fueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía, las clases más ansiosas de cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos para conseguirlo.

En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con mucha fuerza y supera las fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el estilo a construcciones religiosas que consiguió el Rococó alemán. Entre los autores de las obras más destacadas encontramos a artistas franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam, Charlottenburg en Berlín, los Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl, Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.

A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las artes decorativas, el estilo mostró su influencia también en la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década de 1730. Esta pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como Pintura Rococó, pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los pintores usaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.

El retrato también fue popular entre los pintores rococós, en el que los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación.

Jean-Antoine Watteau ( 1684- 1721) es considerado el más importante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico: las fêtes galantes (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 37 años, tuvo una gran influencia en sus sucesores, incluidos François Boucher ( 1703- 1770) y Jean-Honoré Fragonard ( 1732- 1806), dos maestros del periodo tardío. También el toque delicado y la sensibilidad de Thomas Gainsborough ( 1727- 1788) reflejan el espíritu rococó.

La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas del rococó. Étienne-Maurice Falconet ( 1716- 1791) es considerado uno de los mejores representantes del Rococó francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.

El estilo galante fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre la música barroca y la música clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras. La música rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en Francia. Puede ser considerada como una música muy intimista realizada de forma extremadamente refinada. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Christian Bach.

Francia es la cuna del estilo y desde aquí se expande al resto de Europa, especialmente a los países de lengua germánica, donde adquiere una fuerza extraordinaria debido a las fuertes relaciones de Federico II de Prusia con la corona de Francia.

El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses, alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva en tres dimensiones, donde las superficies embarnizadas se completaban con marquetería de bronce. La factura de estas obras corresponde, mayoritariamente, a Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise Oeben y Bernard van Risen Burgh.

En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente de madera, eran menos macizos y se presentaban como composiciones de motivos florales, escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra.

La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Los asientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendencia general a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a los salones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, a diferencia de la época anterior, en la que había sido obligatorio permanecer de pie por cuestiones de protocolo. Este nuevo concepto de la comodidad y una actitud más despreocupada respecto al cuerpo humano (al cual se permitía en momentos de intimidad evadirse y librarse de rígidas posturas), la inquietud por desarrollar actividades intelectuales y lúdicas en los espacios privados, propicia el desarrollo de nuevos diseños de muebles.

Con el alejamiento de la cultura de los palacios de la corte, las construcciones características de esta época fueron las casas alejadas del centro de ciudad o en medio del campo: " folies", " bergeries", " bagatelles" o " ermitages". En residencias urbanas, el " hôtel " o mansión en la ciudad, la planta se divide en unidades espaciales relativamente pequeñas con lo cual se obtienen ámbitos especializados, de diferente medida según su función: salón, comedor, cuarto, antecámara, galería, gabinete.

De esta forma apareció una distribución más práctica que la anterior de " enfilade", ahora las habitaciones serían independientes y con acceso individual. Se cortaron oblicuamente las esquinas de las habitaciones para colocar escaleras secundarias en los espacios ganados y estos se comunicaron entre sí mediante pasillos, corredores y galerías.

Entre los representantes más destacados encontramos a Jean Courtonne y a Robert de Cotte, nombrado arquitecto de la corte, y que intervino en la casi totalidad de las obras importantes que se hicieron en Francia durante 30 años.

Después de unos inicios difíciles (1741) en Vincennes, la Manufactura Real se trasladó a Sèvres en 1756. La porcelana de Sèvres se caracterizaba por sus dibujos rodeados de ornamentación de rocalla sobre fondo blanco, aunque este blanco pasó rápidamente a colores de tonos muy vivos como el bleu de Roi (posterior al Rococó), el amarillo vivo, el azul turquesa, y el rosa Pompadour (a partir de 1757), de moda durante diez años y que se denominó así como reconocimiento al interés personal de Madame Pompadour en el desarrollo de las Manufacturas.

A partir de la década de 1750 se puso de moda la colocación de placas de Sèvres como decoración de muebles pequeños o accesorios. Bernard van Risen Burgh fue el primero ebanista conocido que decoró sus obras con placas de porcelana, una práctica que rápidamente se hizo popular. Fueron muy utilizados por los ebanistas Martin Carlin y Weisweiler. La arquitecta Alpha Mariel Polanco ha hecho una gran investigación sobre el Rococó.

Las Guerras Italianas tuvieron como resultado la hegemonía del poder español sobre Italia. Aunque muchos estados, como por ejemplo Venecia, no pertenecieron a la corona española, Italia dependió de España para recibir protección de las agresiones externas. El control de España fue reemplazado con la hegemonía austriaca en el siglo XVIII a excepción de algunos pocos estados que permanecieron bajo el control español.

También en Italia, siguiendo el ejemplo francés, creó el Rococó una notable renovación, sobre todo en el sector de la decoración de interiores y en la pintura. Se dio sobre todo en la región del norte ( Liguria, Piamonte, Lombardía y Véneto), mientras que en la Italia central, por la influencia de la iglesia, el estilo no se desarrolla de forma sensible.

En cambio en Sicilia se desarrolló una evolución del Barroco de carácter propio, de gusto más españolizante, muy similar al plateresco.

Los mayores representantes estilo rococó en la arquitectura italiana son Guarino Guarini, muy activo en el Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mucho en Turín como arquitecto de la casa de Saboya.

Las obras más importantes de Guarino Guarini son: la iglesia de San Filippo, la iglesia de los Padres Somaschi y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la capilla del Santo Sudario de Turín y el palacio Carignano también en Turín.

En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar los artistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada .

Entre las figuras más importantes a considerar encontramos: Giovanni Battista Tiepolo de quien destaca el Retrato de Antonio Riccobono, San Rocco y Hércules sofoca a Anteo. Tiepolo pasó cuatro años en Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue a trabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente. Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, que realizó obras entre otras: Plaza de San Marcos, San Cristobal, San Miguel y Murano, Los caballos de San Marcos en la plaza, El campo de Rialto en Venecia y Paseo fluvial con columna y arco de triunfo. Canaletto también trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal. Francesco Guardi, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras entre las cuales destacan Milagro de un santo dominico, Concierto en el Casino de los Filarmonici y La Caridad.

En el sector de la escultura, el más pobre en este periodo, se distingue Giacomo Serpotta que, sobre todo en Palermo, realizó obras para varias iglesias de la ciudad, entre las que podemos citar los oratorios de Ciudad Santa, de San Lorenzo y del Rosario en San Domenico y la iglesia de San Francisco de Asís. Se puede considerar que algunos escultores que realizaron fuentes en Roma y en el palacio de Caserta se inspiraron en el estilo Rococó.

En el siglo XVIII, el barroco español camina hacia un estilo mucho más ornamentado. La escultura, la pintura y la talla se funden con la arquitectura, en ocasiones para animar los clásicos esquemas arquitectónicos que continúan vigentes en plantas y alzados. Frente a los exteriores, por lo general austeros, se crean interiores vibrantes. Este barroco tardío -que emplea con profusión motivos ornamentales como la hoja de acanto, de raíz clásica- comienza a impregnarse en la década de 1730 de la influencia del Rococó francés, ejemplarizada fundamentalmente en la difusión de un nuevo motivo ornamental: la rocalla (del francés rocaille), consistente en complicados juegos de "C" y "S" que generan formas asimétricas y que también recuerdan a formas marinas. La rocalla comenzó a conocerse en España a través de tres vías fundamentales: su difusión a través de los pattern books o libros de patrones, la importación de mobiliario y otras artes decorativas de Europa y su directa traída de mano de arquitectos foráneos, caso del portugués Cayetano de Acosta.

De este modo, para el caso español es difícil hablar de la existencia de un rococó puro sino, más bien, de un barroco tardío que toma prestados elementos del rococó francés. La genérica denominación de rococó para el arte español del siglo XVIII obedece a una trasnochada tendencia de considerar el rococó como la lógica evolución del barroco. Hay que tener en cuenta que el estilo nace en Francia, país en el que el arte del siglo precedente, conocido como el Grand Siécle, fue sustancialmente diverso al caso hispano, por su carácter más clasicista. Por tanto, el estilo nace más como reacción que como evolución del XVII francés. Por otra parte, el rococó es un arte eminentemente burgués y profano, difícilmente conciliable al arte religioso, el más abundante del barroco español. A esta tradicional confusión terminológica ha contribuido la presencia en el XVIII español de arquitectos italianos y soluciones traídas del barroco italiano (más movido en planta), ajenas al rococó pero confundidas con este.

Con todo, al margen de la discutible huella del rococó en el arte religioso español del siglo XVIII, es posible rastrear algunos ejemplos del rococó en España, fundamentalmente en las tipologías civiles y, sobre todo, en el ámbito cortesano, al calor de la nueva dinastía borbónica.

Pueden considerarse pintores de transición, pero ya con una atmósfera y una delicadeza cromática que anuncia la nueva sensibilidad rococó que estaba empezando a triunfar en Roma, Nápoles y Venecia, algunas de las obras de Miguel Jacinto Meléndez (1675-1734) o los jóvenes pintores de cámara Juan Bautista Peña (1710-1773) y, de forma más acusada, el aragonés Pablo Pernicharo (1705-1760), quienes, pensionados en Roma y discípulos de Agostino Masucci, muestran en sus obras de 1740 una simbiosis entre lo barroco académico y lo rococó.

Gaya Nuño, en un artículo de 1970,​ estimaba que la corriente rococó había tenido poca aceptación en España a causa del estorbo que le había hecho el último barroco español, genuina creación nacional a diferencia del importado rococó. En el, a su entender, escaso rococó español, la pintura se había desarrollado paradójicamente en pleno reinado de la Academia de Bellas Artes de San Fernando y se había manifestado de forma reducida y desdibujada en los cartones para tapices de Goya, de Francisco y Ramón Bayeu o de José del Castillo, y especialmente en un extraordinario pintor rococó, Luis Paret y Alcázar. Una década después Jesús Urrea esbozó una Introducción a la pintura rococó en España y defendía la existencia de tal corriente pictórica y daba algunas de las líneas de estudio e interpretación de la misma.​

Como pintores españoles del siglo XVIII, cercanos al Rococó pero de tendencia academicista, destacan Luis Meléndez y Luis Paret; también el italiano Giovanni Battista Tiepolo, que trabajó en España junto a Mengs.

Discípulo de José Luzán y luego de Corrado Giaquinto es el aragonés Juan Ramírez de Arellano (1725-1782), quien se muestra fuertemente influido por el último, pero dejó la pintura por la música. Pintor más joven que luego pasaría a la órbita de Mengs y se formó en el rococó fue el valenciano Mariano Salvador Maella; dentro de la estética rococó, pero al margen del ambiente creado por Giaquinto, se mueven en España dos pintores franceses llegados en momentos distintos; el primero fue Charles-Joseph Flipart (1721-1797), un pintor y grabador que vino a España en 1748 acompañando a su maestro Jacopo Amigoni y fue pintor de cámara en 1753; el otro fue Charles-François de la Traverse (1726-1787), que estuvo en Madrid acompañando al embajador de Francia marqués de Ossun y decidió quedarse; fue discípulo de Boucher, había residido en Roma pensionado y fue maestro de Luis Paret.

También cabe destacar la obra pictórica de Antonio Viladomat y de Francesc Tramulles Roig, discípulo del anterior y menos conocido debido al carácter efímero de su obra. Francesc Pla, conocido como "el Vigatà", mostró una leve influencia del Rococó en las pinturas del Palacio Moja de Barcelona, si bien el resto de su obra hay que ubicarla dentro de un lenguaje barroco. Otros pintores de esta tendencia fueron los hermanos de Antonio, Luis González Velázquez (1715-1763) y Alejandro González Velázquez (1719-1772), el madrileño de ascendencia aragonesa y discípulo de Giaquinto José del Castillo (1737-1793); el aragonés Juan Ramírez de Arellano (1725-1782) y el valenciano José Camarón y Boronat (1731-1803). En Sevilla el rococó se contagia del influjo murillesco en la obra de Juan de Espinal (1714-1783).​

En Valencia destaca el Palacio del Marqués de Dos Aguas (1740-1744), con fachada diseñada por el pintor y grabador Hipólito Rovira y ejecutada por Ignacio Vergara y Luis Domingo, sin duda uno de los edificios claves del Rococó español.

Respecto a la arquitectura de retablos, algunos de los retablistas que se dejaron seducir por la rocalla fueron Narciso Tomé y Cayetano de Acosta, siempre trabajando bajo una tipología tan característica del Barroco español como es el retablo.

Más allá de la escultura posbarroca de inspiración nacional conocida como churrigueresca (por los hermanos José Benito, Joaquín y Alberto Churriguera), la estética rococó se desarrolló en las artes decorativas y en el lujoso y suntuoso mobiliario de espejos monumentales y salones de porcelana como los que hay en los Palacios Reales de Madrid y Aranjuez. En cuanto a la talla en madera destaca el murciano Francisco Salzillo, inspirado en las formas delicadas del Rococó y famoso por sus belenes italianizantes; también puede incluirse a Francisco Hurtado Izquierdo, asimismo arquitecto del Churrigueresco. Por otra parte, la mayor concentración de escultura rococó en España se da en el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso, donde destacan las escenas mitológicas; y en el Paseo del Prado de Madrid, con las fuentes de Neptuno y de Cibeles, ambas fruto de la colaboración de varios talentos.

Destacan Joseph Anton (1696-1770) y el bávaro Johann Baptist Straub (1704-1784).

El rococó francés, al irrumpir en Alemania, se fusiona con el barroco germánico. Bebía también del barroco recargado y de procedencia italiana. Arquitectos como Borromini o Guarino Guarini sirvieron como fuente de inspiración a las pequeñas cortes alemanas que deseaban imitar lo francés y recurrían con frecuencia a arquitectos de dicha procedencia. Destacan la basílica de Ottobeuren (Baviera), el Palacio Solitude de Stuttgart, el palacio Augustusburg en Brühl o el palacio Falkenlust, también en Brühl; también se deja notar en iglesias y campanarios solos o en pareja, sobre todo en el sur del país, donde en contadas ocasiones dejaban entrever desde el exterior los esplendores que albergaban. Ejemplo de ello son la basílica de Ottobeuren, en Baviera, o la Wieskirche (iglesia del prado), proyectada por Dominikus Zimermann y situada en las proximidades de Füssen y Oberammergau, también al sur de Baviera. Fue el arquitecto François de Cuvilliés, el que realizó las obras más directamente relacionadas con los modelos franceses del rococó, tal y como hizo en la decoración del palacio de Nymphenburg. Otro arquitecto de reconocido prestigio fue Johann Balthasar Neumann, quien, apoyándose en los modelos de Guarino Guarini, levantó estructuras empleando entonces la decoración característica del rococó. Entre sus proyectos más destacados se encuentran la residencia del Obispo elector de Würzburgo y las iglesias de Neresheim y Vierzehnheiligen. En Potsdam, Georg Wenzeslaus von Knobelsdorf realizó para Federico el Grande el palacio de Sanssouci, a imagen y semejanza del Trianon. En Prusia, Matthaus Daniel Poppelmann (1662-1736), construye en Dresde el pabellón de fiestas del Zwinger, cuidando que armonice con el paisaje. Las escaleras con curvas en todos los sentidos dan alegría tanto al edificio como a los jardines mientras las grutas y fuentes albergan todos tipos de personajes mitológicos. El castillo del Belvédère, en Viena, es otra muestra de este estilo.

Se puede incluir en el rococó a Friedrich Hagedorns, Ewald Christian von Kleist y el suizo Salomon Gessner, famoso por sus Idilios, pero también como pintor. Hubo un grupo de poetas rococó en la Universidad de Halle que destacó por sus anacreónticas y pequeños poemas; fueron Johann Peter Uz, Johann Wilhelm Ludwig Gleim y Johann Nikolaus Götz.

Una visión crítica del Rococó en el contexto eclesiástico fue sostenida en la Enciclopedia católica. Para la iglesia, el estilo Rococó se podía asimilar a la música profana, contrapuesta a la música sacra. La carencia de simplicidad, la exterioridad y la frivolidad tenían el efecto de distraer del recogimiento y de la plegaria.

Con todo, eliminada su exterioridad más explícita, el resultado pudo ser aceptado como en consonancia con un ambiente dedicado al culto. En el desarrollo del Rococó, encontramos una decoración compatible con el aspecto sagrado de las iglesias.

Los artistas franceses parecen no haber considerado nunca la belleza de la composición del objeto principal, mientras que los alemanes hacen de la potencia de las líneas su característica principal. En el interior de las iglesias, el Rococó pudo ser tolerado, dado que los objetos eran pequeños como un vaso, una mesita de un corazón, una luz, una barandilla o una balaustrada y no eran demasiado evidentes a la vista. Resulta estar más en consonancia en la sacristía y en ambientes no propiamente de culto, más que en la iglesia propiamente dicha. El estilo Rococó se adapta muy mal al oficio solemne de la función religiosa, con el tabernáculo, el altar o el púlpito.

En el caso de grandes objetos, la escultura rococó resulta bella, pero a la vez se encuentra un parecido con el Barroco. Los elementos fantasiosos de este estilo no se adaptan a las grandes paredes de las iglesias. En cualquier caso, todo tiene que ser según la situación local y las circunstancias. Hay piezas del Rococó auténticamente bellas, mientras que algunas otras no responden a los cánones e intentan asimilarse a objetos sacros.

Entre los materiales utilizados en el estilo rococó figuran la madera tallada, el hierro y el bronce, utilizado en la construcción de balaustradas y portales. Un elemento distintivo es el dorado que cubre los fríos materiales metálicos, más aceptables para la implantación en ambientes no profanos.

Pal Kelemeen, 1967. Baroque and Rococo in Latin Americani.

Fiske Kimball, 1943. Creation of the Rococo (reeditado como The Creation of the Rococo Decorative Style, 1980).

Michael Levey, 1980. Painting in Eighteenth-Century Venice.

Arno Schönberger i Halldor Soehner, 1960. The Age of Rococo (publicado originalmente en alemán, 1959).

T. Hetzer, Die Fresken Tiepolos in der Würzburger Residenz, Fráncfort del Meno, 1943.

A. Morassi, Tiepolo i la Villa Valmarana, Milán, 1945.

A. Morassi, Giovan Battista Tiepolo, Londres, 1955.

A. Pallucchini, L'opera completa de Giambattista Tiepolo, Milán 1968.

A. Porcella, La giovinezza de Gianbattista Tiepolo, Roma 1973.

M. Gemin, F. Pedrocco, Giambattista Tiepolo. I dipinti. Opera completa, Venecia 1993.

Àgueda Viñamata, El Rococó, Ed. Montesions, Barcelona 1987.

J.J. Martín González. El retablo barroco en España. Madrid: Alpuerto, 1993.

A. Rodríguez G. de Ceballos. El siglo XVIII. Entre tradición y academia. Madrid: Sílex, 1992.

Morant, Henry de (1980). Historia de las artes decorativas. Madrid: Espasa Calpe. .

1. J. A. Gaya Nuño, "Rococó, Neoclasicismo y Prerromanticismo en el arte de la España del siglo XVIII", Cuadernos de la Cátedra Feijoo, 22, Oviedo, 1970, pp. 51-71

2. Jesús Urrea Fernández, "Introducción a la pintura rococó en España", en La época de Fernando VI, Oviedo: Cátedra Feijoo, 1981, pp. 315-336.

3. Arturo Ansón Navarro, "La pintura rococó en España", en Cuadernos de Arte Español núm. 96, Madrid: Historia 16, 1991

# data[].attributes.attachment_link.description
El rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos.

# data[].attributes.headline
ESTILO SENTIMENTAL O ESCUELA DE MANNHEIM

# data[].attributes.subject
ESTILO SENTIMENTAL O ESCUELA DE MANNHEIM

# data[].attributes.body
ESTILO MELÓDICO REFORMADO CON CORTES RÁPIDOS Y MOVIMIENTO MELÓDICO BAJO

# data[].attributes.attachment_link.title
Estilo sentimental - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El estilo sentimental (en alemán: Empfindsamer Stil ), es un estilo de composición musical y poesía desarrollado en el norte de Alemania durante el siglo XVIII, entre los años 1750 y 1780 aproximadamente.

# data[].attributes.attachment_link.title
Florian Gassmann   OPERA SERIA, Alexandrina Pendatchanska as Stonatrilla

# data[].attributes.attachment_link.title
Gianni Schicchi 2004 (Giacomo Puccini) - Subtitulos en Español

# data[].attributes.body
(COMPOSITOR DE LA ESCUELA DE VIENA)

# data[].attributes.body
(COMPOSITOR DE LA ESCUELA DE VIENA)

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Wolfgang Amadeus Mozart - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Retrato póstumo, obra de Barbara Krafft, 1819.

# data[].attributes.body
(COMPOSITOR DE LA ESCUELA DE VIENA)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Honorary citizen of Vienna

Franz Joseph Haydn ( pronunciado )​ ( Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732- Viena; 31 de mayo de 1809), conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo Clásico, además de ser conocido como el "padre de la sinfonía" y el "padre del cuarteto de cuerda" gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó al desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.​​

Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales, hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo: "forzado a ser original".​ En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.​

Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.

Franz Joseph Haydn nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau, una pequeña población cercana a Viena ( Austria), en aquella época capital del Sacro Imperio Romano Germánico, y muy próxima a la frontera con Hungría. Fue el segundo de los doce hijos de Mathias Haydn y Anna Maria Koller. Su padre era fabricante y reparador de carruajes al servicio del conde de Harrach, el aristócrata de la población, y también sirvió como Marktrichter, un cargo similar al de alcalde de pueblo. Su madre había trabajado previamente como cocinera en el palacio del conde Harrach. Ninguno de sus progenitores sabía leer música;​ sin embargo, Mathias fue un entusiasta músico folclórico y había aprendido a tocar el arpa de forma autodidacta durante la época que trabajó como oficial. Según los últimos recuerdos de Haydn, su infancia con su familia fue extremadamente musical y frecuentemente cantaban juntos y con sus vecinos.​

Los padres de Haydn se dieron cuenta de que su hijo tenía talento para la música y sabían que en Rohrau no tendría oportunidad de tener una educación musical adecuada. Por esta razón aceptaron la proposición de su pariente Johann Matthias Frankh, director de la escuela y maestro del coro en Hainburg, para que Joseph aprendiera en su casa y practicara como músico. Por tanto, con tan solo seis años, Haydn se marchó con Frankh a Hainburg (a once kilómetros de distancia de su pueblo natal) y nunca más vivió con sus padres.

Haydn formó parte del coro de la Catedral de San Esteban de Viena durante nueve años, de 1740 a 1749.

La vida en casa de Frankh no fue fácil para Haydn, quien después recordaría que pasaba hambre frecuentemente​ y era humillado constantemente por el estado asqueroso de su ropa.​ Sin embargo, comenzó sus estudios musicales allí y pronto pudo tocar el clavecín y el violín, así como cantar las partes de tiple en el coro de la iglesia de Hainburg.

Existen razones para pensar que el canto de Haydn impresionó a quienes lo escucharon porque pronto atrajo la atención de Georg von Reutter,​ el maestro de capilla de la Catedral de San Esteban de Viena, que estaba realizando un viaje por las provincias buscando nuevos talentos para el coro de niños. Haydn pasó con éxito una prueba de audición ante Reutter y en 1740 se trasladó a Viena, donde permaneció como corista durante los siguientes nueve años. A partir de 1745 su hermano menor, Michael, también se incorporó como miembro del coro.

Haydn vivió en la casa de Reutter junto a otros cinco chicos del coro. Recibió lecciones de latín y otras asignaturas, así como clases de canto, violín y teclado.​ Reutter fue de poca ayuda para Haydn en las áreas de teoría musical y composición musical, ya que solo le dio dos lecciones durante el tiempo que permaneció como corista.​ Sin embargo, dado que San Esteban era uno de los principales centros de la música de Europa, Haydn fue capaz de aprender sirviendo a los músicos profesionales que había allí.​

Como Frankh anteriormente, Reutter no siempre se aseguraba de que Haydn estuviera alimentado de forma correcta. Según afirmó más tarde el biógrafo Albert Christoph Dies, Haydn se sentía motivado para cantar muy bien, con la esperanza de obtener más invitaciones a las representaciones que se realizaban ante la aristocracia, donde normalmente se servían refrigerios a los cantantes.​

Mapa con la población natal de Haydn y las ciudades en las que vivió o que visitó.

En 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar los tonos agudos de las obras corales. Con este débil pretexto fue despedido de su trabajo en el coro. Se quedó en la calle sin ningún sitio al que ir.​ Sin embargo, tuvo la suerte de encontrarse con un amigo, Johann Michael Spangler, con quien compartió durante unos meses un cuarto en la atestada buhardilla de su familia. Haydn decidió inmediatamente iniciar su carrera como músico independiente.

Durante esos difíciles años, Haydn desempeñó muchos trabajos diferentes: profesor de música, cantante de serenatas callejero y finalmente sirviente y acompañante del compositor italiano Nicola Porpora, de quien más tarde diría que había aprendido "los verdaderos fundamentos de la composición".​

Cuando era corista, Haydn no recibió una enseñanza seria en teoría musical y composición, lo que percibía como una gran deficiencia. Para paliarla, trabajó en ese sentido a través de ejercicios contrapuntísticos sobre el texto Gradus ad Parnassum de Johann Joseph Fux y estudió detenidamente la obra de Carl Philipp Emanuel Bach, a quien después reconocería como una importante influencia.​

Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerda y su primera ópera, Der krumme Teufel, escrita para el actor cómico Johann Joseph Felix Kurz, conocido artísticamente como "Bernardon". La obra fue estrenada con éxito en 1753 pero pronto fue retirada por los censores.​ Haydn también notó, al parecer sin enfadarse, que las obras que había dado sin recibir remuneración estaban siendo publicadas y vendidas en las tiendas musicales.​

Gracias al incremento de su reputación, Haydn pudo obtener el mecenazgo de un aristócrata, crucial para el desarrollo de la carrera de un compositor en aquella época. La condesa Thun,​ tras ver una de las composiciones de Haydn, lo citó y contrató como su cantante y profesor de teclado.​ El barón Carl Josef Fürnberg empleó a Haydn en su hacienda campestre, Weinzierl, donde el compositor escribió el primer cuarteto para cuerdas. Fürnberg posteriormente recomendó a Haydn al conde Morzin, quien se convirtió en 1757​ en el primer mecenas de Haydn a tiempo completo.​

Nicolás Esterházy fue el mecenas más importante de Joseph Haydn.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante: la de maestro de capilla del conde Morzin, es decir, director musical. Al mismo tiempo componía sus primeras sinfonías para orquesta y dirigía el conjunto del conde. En 1760, con la seguridad que le proporcionaba su puesto como maestro de capilla, Haydn se casó. Su esposa fue Maria Anna Theresia Keller (1730-1800),​ la hermana de Therese (n. 1733), de quien Haydn había estado previamente enamorado. Haydn y su esposa no fueron un matrimonio completamente feliz,​ las leyes de la época no les permitieron separarse y no tuvieron hijos. Ambos tuvieron amantes; Joseph mantuvo una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, Luigia Polzelli, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.​

El conde de Morzin pronto sufrió dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del maestro de capilla de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del Imperio austríaco y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Cuando el viejo maestro de capilla, Gregor Werner, falleció en 1766, Haydn fue ascendido y ocupó dicho cargo.

Como miembro del servicio de la familia Esterházy, Haydn vestía librea y seguía a la familia cuando se trasladaban a sus palacios, el más importante de ellos era el ancestral Castillo Esterházy en Eisenstadt y después el Eszterháza, un gran palacio construido en la década de 1760 en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y dieron a Haydn todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Pál Antal Esterházy en 1762 y, muerto este en 1763, sirvió a su hermano Nicolás Esterházy, llamado el magnífico, durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, así como organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos óperas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados y conciertos de música de cámara diarios en los que el propio príncipe tocaba un inusual instrumento de cuerdas conocido como baritón, para el cual Haydn escribió numerosos tríos). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado.​

Haydn pasaba la mayor parte del año en Eszterháza, un gran palacio propiedad de la familia Esterházy construido en la década de 1760 en Hungría.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo, su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan importantes como sus Sinfonías de París (1785-1786) o Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz (1786) fueron compuestas en aquellos años.

Gradualmente Haydn también comenzó a sentirse más aislado y solitario, particularmente cuando la corte se desplazaba durante la mayor parte del año a Esterháza, lejos de Viena, en lugar de permanecer en Eisenstadt, que estaba más cercano a la capital.​ Haydn tenía muchas ganas de visitar Viena en particular porque sus amistades estaban allí.​ De estas amistades, fue particularmente importante la estrecha y platónica relación que mantuvo con Maria Anna von Genzinger (1750-93), esposa del médico personal del príncipe Nicolás en Viena, en 1789. Haydn escribía a la señora Genzinger con frecuencia, expresándole su estado de soledad en Eszterháza y su alegría por las pocas ocasiones en las que podía visitarla en Viena; más tarde, Haydn la escribió con frecuencia desde Londres. La muerte prematura de esta en 1793 fue un duro golpe para Haydn y puede que compusiera sus Variaciones en fa menor Hob. XVII:6 en respuesta a su muerte.​

Retrato de Ludwig van Beethoven en 1801. Haydn fue su profesor de contrapunto en Viena en el periodo intermedio entre sus visitas a Inglaterra.

Otro de sus amigos en Viena fue Wolfgang Amadeus Mozart, a quien Haydn conoció alrededor de 1784. Según el testimonio posterior de Michael Kelly y otros, los dos compositores interpretaron juntos cuartetos de cuerda ocasionalmente. Haydn estaba enormemente impresionado por las obras de Mozart y lo elogiaba pródigamente ante otras personas. Mozart, evidentemente, devolvió los honores que le había profesado Haydn con la dedicatoria de un conjunto de seis cuartetos de cuerda, llamados actualmente los Cuartetos de Haydn. Ambos pertenecieron a la misma Logia masónica, en Viena.​

En 1790, un año después de la Revolución francesa de 1789 que conmocionó a toda Europa, murió Nicolás, el patriarca de los Esterházy, y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo, aceptó la oferta de Johann Peter Salomon, un empresario musical alemán, para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país entre 1791 y 1792, repetida posteriormente entre 1794 y 1795, fue un gran éxito. Los conciertos de Haydn tuvieron una asistencia masiva y el compositor alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. Recibió el doctorado Honoris Causa en la Universidad de Oxford, e incluso contribuyó a salvar a su amigo, el editor William Napier, de la desesperada situación económica en la que se encontraba. Charles Burney describió así la impresión que le causó el primer concierto: "El propio Haydn lo dirigió desde el pianoforte y la visión de aquel renombrado compositor enalteció a la audiencia y provocó tal excitación, atención y placer como ningún músico había conseguido en Inglaterra".​

Musicalmente, las visitas a Inglaterra de Haydn también fueron muy importantes, ya que allí compuso algunas de sus obras más conocidas, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía Sorpresa, la Sinfonía Militar, la Sinfonía Redoble de timbal y la Sinfonía Londres), el Cuarteto Reiter o el Rondo gitano para trío con piano. El único traspié ocurrido durante sus viajes a Inglaterra fue la ópera Orfeo ed Euridice, también llamada L'Anima del Filosofo, por la que contrataron a Haydn, pero cuya representación fue vetada a causa de intrigas.​ Haydn hizo muchos amigos durante su estancia en la isla y mantuvo una relación romántica con Rebecca Schroeter.

Entre sus visitas, Haydn dio clases de contrapunto a Ludwig van Beethoven en Viena. Beethoven se mostró insatisfecho con la labor de Haydn como profesor y buscó la ayuda de otros; la relación entre ambos fue en ocasiones tensa.​

La casa donde vivió Haydn durante sus últimos años en Viena fue convertida en museo.

Haydn había considerado la posibilidad de quedarse en Inglaterra, pero finalmente volvió a Viena en 1795, donde se hizo construir una gran casa en el suburbio de Gumpendorf (el actual distrito de Mariahilf)​ y decidió dedicarse a la composición de obras sacras para coro y orquesta. Escribió sus más grandes obras sinfónico-corales, los oratorios La creación y Las estaciones, así como seis misas para la familia Eszterházy, que por aquella época estaba nuevamente encabezada por un príncipe con inclinaciones musicales. También compuso música instrumental, como el Concierto para trompeta y orquesta y los últimos nueve cuartetos de cuerda, entre los que se incluyen los conocidos como Quintas, Emperador y Amanecer.

A partir de 1802, una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer. Esto fue indudablemente muy difícil para él ya que, como reconoció, en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado por sus sirvientes y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música. Durante su enfermedad, a menudo se consolaba sentándose solo al piano e interpretando Gott erhalte Franz den Kaiser, que fue compuesta por él mismo en 1797 como un gesto patriótico.​ Esta melodía fue posteriormente usada como los himnos nacionales de Austria y Alemania.

Tumba de Haydn en el cementerio de Viena.

En 1806 se hizo imprimir unas tarjetas para declinar las invitaciones que recibía con el siguiente texto: " Hin ist alle meine Kraft, alt und schwach bin ich" ("Todas mis fuerzas se han ido, soy viejo y estoy cansado"), extraído de la canción El viejo, compuesta en 1796. Haydn falleció el 31 de mayo de 1809 a los 77 años de edad en Viena, mientras la ciudad era atacada por las tropas de Napoleón Bonaparte, durante la batalla de Aspern-Essling. Entre sus últimas palabras se encuentra el intento por calmar y tranquilizar a sus sirvientes cuando un disparo de cañón cayó en el vecindario.​ "Mis niños, no tengáis miedo, donde está Haydn, no puede haber daño".

El 26 de mayo, Haydn tocó tres veces su Dios salve a Francisco el Emperador ( Gott erhalte Franz den Kaiser), con un gusto inusual. La misma tarde se derrumbó y fue llevado a lo que resultó ser su lecho de muerte. Murió pacíficamente en su propia casa a las 12:40 de la mañana del 31 de mayo de 1809, a la edad de 77 años. Dos semanas después, el 15 de junio de 1809, tuvo lugar un servicio fúnebre en la Schottenkirche en el que se interpretó el de Mozart. Fue enterrado en el cementerio de Hundsturm (actualmente Haydnpark), el suburbio de Viena en el que había vivido. En 1820 el príncipe Nikolaus trasladó los restos de Haydn a Eisenstadt, donde reposan desde entonces en una capilla de la Bergkirche. Su cabeza tomó un derrotero diferente ya que fue robada por unos frenólogos poco después del entierro, y el cráneo no se reunió con los otros restos hasta 1954.

Retrato de Haydn ca. 1770, por Ludwig Guttenbrunn.

James Webster afirma sobre Haydn como personaje público lo siguiente:

La vida pública de Haydn ejemplificó el ideal de la Ilustración del honnête homme (hombre honesto): el hombre cuyo buen carácter y éxito mundano se permiten y justifican el uno al otro. Su modestia y probidad fueron conocidas en todos sitios. Estos rasgos no eran requisitos para el éxito como maestro de capilla, empresario y figura pública, pero contribuyeron a una recepción favorable de su música.​

Haydn fue especialmente respetado por los músicos de la corte de los Eszterházy, a los que dirigió, y mantuvo una atmósfera laboral cordial y representó con eficacia los intereses de los músicos con sus mecenas.​

Haydn tenía un gran sentido del humor, evidente en su amor por las bromas pesadas​ que a menudo aparecen en su música y tenía muchos amigos. Durante la mayor parte de su vida se benefició de su "temperamento alegre y feliz por naturaleza",​ pero en los últimos años de su vida, hay evidencias de que pasó periodos de depresión, particularmente en la correspondencia con la señora Genzinger y en la biografía de Dies, basada en las visitas efectuadas a Haydn en su vejez.

Haydn fue un devoto católico que a menudo recurría a su rosario cuando tenía problemas durante la composición, una práctica que habitualmente encontraba efectiva.​ Normalmente comenzaba el manuscrito de cada composición con la frase " in nomine Domini" ("en nombre de Dios") y lo finalizaba con " Laus Deo" ("gloria a Dios").​ Al igual que Mozart, Haydn también fue francmasón.​

Haydn era de corta estatura, quizás como resultado de haber estado desnutrido durante la mayor parte de su juventud. No era guapo y, como muchas otras personas de la época, sobrevivió a la viruela por lo que su cara estaba picada con cicatrices de esta enfermedad. Su biógrafo Dies escribió: "No podía comprender cómo le habían podido amar tantas mujeres bonitas en su vida. No podían haber sido cautivadas por mi belleza ".​

Haydn también sufrió poliposis nasal durante la mayor parte de su vida adulta y en ocasiones le impidió componer; esta fue una enfermedad que causaba debilidad y agonía a quien la padecía en el siglo XVIII.​

Porción de un manuscrito original de Haydn, actualmente en el Museo Británico, tomado de una biografía del compositor disponible en el Proyecto Gutenberg.

James Webster resume el papel de Joseph Haydn en la historia de la música clásica de la siguiente manera:

Destacó en todos los géneros musicales... Es familiarmente conocido como "el padre de la sinfonía" y, con gran justicia, podría ser considerado de igual forma respecto al cuarteto de cuerda; ningún otro compositor se acerca a su combinación de productividad, calidad e importancia histórica en estos géneros.​

Una característica fundamental en la música de Haydn es el desarrollo de estructuras más grandes en lugar de motivos muy cortos y simples, a menudo derivadas de las figuras de acompañamiento habituales. La música es con frecuencia concentrada de manera bastante formal y las partes importantes de un movimiento pueden desarrollarse rápidamente.​

La obra de Haydn fue fundamental en el desarrollo de lo que se denominó forma sonata. Sin embargo, su práctica difiere en algunos puntos de las de Mozart y Beethoven, sus coetáneos más jóvenes que también destacaron en esta forma de composición. Haydn fue particularmente aficionado a la llamada "exposición monotemática", en la que la música que establece la tonalidad dominante es similar o idéntica al tema de apertura. Haydn también difiere de Mozart y Beethoven en sus secciones de recapitulación, donde Haydn a menudo reorganiza el orden de los temas en comparación a la exposición y utiliza un amplio desarrollo temático.​

La inventiva formal de Haydn también lo llevó a integrar la fuga en el estilo clásico y a enriquecer la forma rondó con más cohesión tonal lógica. Haydn fue también el principal exponente de la forma doble variación (variaciones alternas sobre dos temas, que a menudo son los principales y en menor medida versiones el uno del otro).

Quizás más que cualquier otro compositor, la música de Haydn es conocida por su humor.​ El más famoso ejemplo es el repentino acorde agudo en el movimiento lento de su Sinfonía Sorpresa. Otras muchas bromas musicales de Haydn incluyen numerosos falsos finales (por ejemplo, en los cuartetos Op. 33. n.º 2 y Op. 50. n.º 3), y la notable ilusión rítmica en el trío del tercer movimiento op. 50 n.º 1.

Las primeras obras de Haydn datan del periodo en el que el estilo de composición del Barroco tardío (del que fueron máximos exponentes Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel) había pasado de moda. Esa era una época de exploración e incertidumbre y Haydn, nacido 18 años antes de la muerte de Bach, fue uno de los exploradores musicales de su época.​ Un viejo contemporáneo de Haydn cuyas obras este entendió como una importante influencia fue Carl Philipp Emanuel Bach.​

El resto de la obra de Haydn fue producido a lo largo de seis décadas (aproximadamente desde 1749 hasta 1802) y se aprecia un incremento gradual pero constante de la complejidad y sofisticación musical, que se desarrolló según Haydn fue aprendiendo de su propia experiencia o de otros de sus colegas. Se han observado varios hitos importantes, en la evolución de su estilo musical.

A finales de la década de 1760 y comienzos de la década de 1770 Haydn entró en un periodo estilístico conocido como Sturm und Drang (tempestad e ímpetu). Este término fue tomado del movimiento literario aparecido en la misma época, aunque parece que el movimiento musical apareció unos años antes que el literario.​ El lenguaje musical del periodo es similar al usado anteriormente, pero es desplegado en las obras con una mayor intensidad expresiva, especialmente en las obras en tonalidades menores. James Webster describe las obras de este periodo como "más grandes, más apasionadas y más audaces".​ Algunas de sus composiciones más famosas de esta época son la Sinfonía de los adioses, la sonata para piano en do menor (Hob. XVI/20, L. 33) y los Seis cuartetos de cuerda Op. 20 (los cuartetos "Sol"), todos ellos de 1772. En esa misma época Haydn comenzó a mostrar interés en la composición de fugas siguiendo el estilo Barroco y tres de los cuartetos de cuerda Op. 20 acaban con estas fugas.

Cuando el Sturm und Drang llegó a su culmen, Haydn volvió a su estilo más claramente entretenido y encendido. No hay cuartetos de ese periodo y las sinfonías incorporan algunos rasgos nuevos: el primer movimiento ahora contenía en algunas ocasiones introducciones lentas y la instrumentación a menudo incluía trompetas y timbales. Estos cambios suelen estar relacionados con un cambio importante en las funciones profesionales de Haydn, que se trasladó desde la música "pura" y fue hacia la producción de operas buffas, que eran muy populares en el siglo XVIII en Italia. Varias de estas óperas fueron obras propias de Haydn y rara vez son representadas en la actualidad. A veces Haydn recicló su música para ópera en obras sinfónicas,​ que le ayudaron a continuar su carrera como sinfonista durante esa agitada década.

En 1779 tuvo lugar un importante cambio en el contrato de Haydn que le permitió publicar composiciones sin la autorización previa de su mecenas. Puede que este hecho animara a Haydn a retomar su carrera como compositor de música "pura". El cambio se hizo más espectacular en 1781, cuando Haydn publicó los seis cuartetos de cuerda Opus 33, anunciando (en una carta a los potenciales compradores) que habían sido escritos de "una forma completamente nueva y especial". Charles Rosen ha argumentado que esta aseveración por parte de Haydn no solo habla de las ventas sino que también se refiere a un número importante de avances en la técnica compositiva de Haydn que aparecen en esos cuartetos, avances que advierten de la llegada del estilo clásico en su punto de mayor esplendor. Entre ellos se incluye una forma fluida de fraseo, en la que cada motivo emerge desde el anterior sin interrupción, la práctica de permitir que el material de acompañamiento se convirtiera en material melódico y un tipo de " contrapunto clásico" en el que cada parte instrumental mantiene su propia integridad. Estos rasgos continúan en muchos de los cuartetos que Haydn escribió después de los Opus 33.​

En la década de 1790, estimulado por sus viajes a Inglaterra, Haydn desarrolló lo que Rosen denomina como su "estilo popular", una forma de composición que, con un éxito sin precedentes, creó música que tuvo un gran apoyo popular pero manteniendo una estructura musical rigurosa y docta.​ Un elemento importante del estilo popular fue el uso frecuente de música tradicional o un material similar. Haydn tuvo cuidado de desplegar este material en los lugares apropiados, tales como al final de las exposiciones de las sonatas o en los temas de apertura y finales. En estos lugares, el material tradicional servía como un elemento de estabilidad, ayudando a anclar la estructura más amplia.​ El estilo popular de Haydn se puede escuchar virtualmente en todas sus obras posteriores, incluyendo las doce Sinfonías de Londres, los últimos cuartetos y tríos para piano y los dos últimos oratorios.

La vuelta a Viena en 1795 marcó el último punto de inflexión en la carrera del compositor. Aunque su estilo musical evolucionó poco, sus intenciones como compositor cambiaron. Mientras permaneció como sirviente, y después como ajetreado empresario, Haydn escribió sus obras rápidamente y con profusión, con frecuentes plazos de entrega. Como hombre rico, Haydn ahora sentía el privilegio de tomarse su tiempo y escribir para la posteridad. Esto se refleja en el tema de La creación (1798) y Las estaciones (1801), que abordan temas de peso como el significado de la vida y el objetivo de la humanidad y representa un intento de hacer lo sublime en la música. Las nuevas intenciones de Haydn también significaron que el compositor estaba dispuesto a pasar mucho tiempo en una única obra, ya que tardó más de un año en completar ambos oratorios. Haydn afirmó una vez que había trabajado tanto tiempo en La creación porque pensaba que sería su última obra.​

El cambio en el enfoque de Haydn fue importante en la historia de la música y otros compositores pronto siguieron su ejemplo. En particular, Ludwig van Beethoven adoptó la práctica de tomarse su tiempo en las composiciones y de fijarse grandes objetivos.​

Las obras de Haydn figuran en un catálogo elaborado por Anthony van Hoboken. Este recibe el nombre de catálogo Hoboken y asigna a cada obra de Haydn un número de identificación, llamado número Hoboken (cuya abreviatura es H. o Hob.). Los cuartetos de cuerdas también tienen número Hoboken, pero se identifican generalmente por su número de opus, que tiene la ventaja de indicar los grupos de seis cuartetos que Haydn publicó conjuntamente, por lo que, por ejemplo, el cuarteto de cuerdas Opus 76, n.º 3 es el tercero de los seis cuartetos publicados en 1799.

En la Haydn-Haus de Eisenstadt se exhibe ahora un fortepiano Anton Walter en Viena utilizado por el compositor.​ En Viena, en 1788, Haydn compró un fortepiano fabricado por Wenzel Schantz. Cuando el compositor estaba de visita en Londres por primera vez, un constructor de pianos inglés, John Broadwood, le proporcionó un piano de cola.​

Referencias

1. Aunque a veces es llamado Franz Joseph Haydn, el nombre "Franz" no fue usado durante la vida del compositor y es evitado por los estudiosos. Webster, James. "Haydn, Joseph". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. Archivado desde el original el 16 de mayo de 2008.

2. Hubo varias personas que ostentaron el título de "condesa Thun" en aquella época. Las posibles condesas que pudieron contratar a Haydn pudieron ser "la vieja condesa Maria Christine Thun", según Webster; o Maria Wilhelmine Thun, posteriormente famosa por regentar un salón y ser el mecenas de Wolfgang Amadeus Mozart, según (Volkmar Braunbehrens, 1990, Mozart in Vienna).

3. Webster, p. 8. Webster expresa dudas, por ser la fuente uno de sus primeros biógrafos, Nicolas-Étienne Framery, juzgado por Webster, p. 1 como uno de los primeros biógrafos de Haydn menos fiables.

4. Esta fecha es incierta, ya que uno de los primeros biógrafos da la fecha de 1759, según Griesinger. Para corroborar las pruebas el primer dato, véase Landon, p. 34 y Webster, p. 10.

5. La señora Haydn tuvo una relación sentimental en 1770 con Ludwig Guttenbrunn, un artista que realizó un retrato de su marido Landon, p. 109. Joseph Haydn tuvo una larga relación con la cantante Luigia Polzelli, que comenzó en 1779 y fue probablemente el padre de su hijo Antonio Landon, p. 116.

6. Esta visión es dada, por ejemplo, por Webster, p. 13 y Landon, p. 37.

7. Mozart y la Masonería: El gran arquitecto de la música Archivado el 3 de febrero de 2012 en Wayback Machine. Consultado el 17 de abril de 2011

8. El estreno de esta obra tuvo lugar en 1951, en el Festival de mayo de Florencia con Maria Callas en el papel de Eurídice. La ópera y su historia es discutida en Geiringer, pp. 342-343.

9. La casa, en Haydngasse 19, ha sido desde 1899 un museo dedicado al compositor: "Haydnhaus" (en inglés). Archivado desde el original el 22 de febrero de 2014.

10. Deutsch, Otto Erich (1966). Mozart: A Documentary Biography. Stanford University Press. p. 236. .: "El 11 de febrero de 1785 Haydn fue admitido en la logia Zur wahren Eintracht (Concordia verdadera) pero como nunca apareció por allí, nunca pasó del grado de aprendiz".

11. Discusión en "The Agony of Nasal Polyps and the Terror of Their Removal 200 Years Ago" por Jack Cohen, MD. Este artículo apareció en The Laryngoscope, 108(9): 1311-1313, septiembre de 1998.

12. Webster, James. "Haydn, Joseph". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. Archivado desde el original el 16 de mayo de 2008.

13. Sutcliffe, p. 343 menciona esto en una crítica a la interpretación contemporánea de Haydn:

La música [de Haydn] algunas veces parece "muy ansiosa" ... Es sobre todo en cuanto a que las representaciones de la música de Haydn a menudo fallan, porque la mayor parte de los intérpretes carecen de la agilidad mental para cambiar continuamente la "fisonomía" de la música de Haydn, que desemboca en cambio en una facilidad en la forma y un interés por los efectos más amplios que ellos han adquirido en su interpretación de las obras de Mozart.

14. Hughes, p. 112 escribe:

Habiendo comenzado a "desarrollarlo", no podía parar; sus recapitulaciones comienzan a tomar contornos irregulares, algunas veces bruscamente condensados, otras veces sorprendentemente dilatados perdiendo su primera simetría insulsa para recuperar un equilibrio mucho más alto y un orden más satisfactorio.

15. Rosen, p. 57 escribe:

El periodo desde 1750 hasta 1775 estuvo penetrado por la excentricidad, la experimentación poco científica, dando como resultado obras que aún son difíciles de aceptar actualmente por sus singularidades.

Comentarios similares se realizan en Hughes, pp. 111-112.

16. Véase Webster, p. 18:

El término había sido criticado: tomado del título de una obra de teatro de 1776 de Maximilian Klinger, que pertenece propiamente al movimiento literario de la mitad y finales de la década de 1770 en lugar de un movimiento musical entre 1768-1772.

17. Rosen afirma que el Opus 33 representa una "revolución en el estilo" (1971 y 1997, 116) puede ser encontrado en el capítulo III.1 de (Rosen 1971 y 1997). Para visiones distintas, véase Larsen, p. 102 y Webster.

Una traducción al inglés del original en alemán: Biographische Nachrichten von Joseph Haydn nach mündlichen Erzählungen desselben entworfen und herausgegeben. Camesinaische Buchhandlung, Viena. 1810. Una de las primeras biografías de Haydn, escrita basándose en 30 entrevistas durante los últimos años del compositor.

La primera edición fue publicada en 1946 con Karl Geiringer como único autor.

Una traducción al inglés del original en alemán: Biographische Notizen über Joseph Haydn. Leipzig. 1810. Como Dies, una biografía realizada a través de entrevistas en los últimos años de Haydn.

Hughes, Rosemary (1970). Haydn (Revisada edición). Nueva York: Farrar Strauss and Giroux. Publicado originalmente en 1950. Realiza una biografía comprensiva e ingeniosa de la vida de Haydn, con una revisión de su música.

Landon, H. C. Robbins (1976-1980). Haydn: Chronicle and Works. Bloomington, IN: Indiana University Press. Una extensiva compilación de fuentes originales en cinco volúmenes.

Capítulos de la biografía por Robbins Landon, extractos de Robbins Landon (1976-1980) y rico en documentos originales de la fuente. Análisis y apreciación de los trabajos por Jones

Larsen, Jens Peter (1980). "Joseph Haydn". New Grove Dictionary of Music and Musicians. Publicado por separado como libro:

Webster, James; Feder, Georg (2001). "Joseph Haydn". The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Publicado separadamente como libro: Actualizado por académicos con pocas modificaciones subjetivas.

Brendel, Alfred (2001). "Does classical music have to be entirely serious?". En Edna y Avishai Margalit, ed. Isaiah Berlin: A Celebration. Chicago: University of Chicago Press. pp. 193-204. . Sobre las bromas entre Haydn y Beethoven.

Hughes, Rosemary (1966). Haydn String Quartets. London: BBC. Una breve introducción de 55 páginas a los cuartetos para cuerda de Haydn.

Rosen, Charles (1997). The classical style: Haydn, Mozart, Beethoven (2ª edición). Nueva York: Norton. . Primera edición publicada en 1971. Cubre la mayor parte de la producción de Haydn y procura explicar el papel central de Haydn en la creación del estilo clásico. La obra ha sido influyente, provocando citaciones positivas y obras (por ejemplo, Webster 1991) escritas a posteriori.

Sutcliffe, W. Dean (1989). "Haydn's Musical Personality". The Musical Times 130: 341-344.

Webster, James (1991). Haydn's Farewell symphony and the idea of classical style: through-composition and cyclic integration in his instrumental music. Cambridge: Cambridge University Press. . Este libro se centra en una única obra, pero contiene muchas observaciones y opiniones sobre Haydn en general.

Enlaces externos

# data[].attributes.attachment_link.title
Joseph Haydn - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Honorary citizen of Vienna Franz Joseph Haydn ( pronunciado )​ ( Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732- Viena; 31 de mayo de 1809), conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco.

# data[].attributes.body
(COMPOSITOR DE LA ESCUELA DE VIENA)

# data[].attributes.attachment_link.title
Vicente Martín y Soler - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Vicente Martín y Soler o Vicent Martín i Soler ( Valencia, 2 de mayo de 1754 - San Petersburgo, 30 de enero de 1806), de nombre completo Atanasio Martín Ignacio Vicente Tadeo Francisco Pellegrin Martín y Soler, fue un compositor principalmente de óperas y ballets, de origen español y de reconocido prestigio internacional.