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https://www.studioazzurro.com/opere/il-nuotatore-va-troppo-spesso-ad-heidelberg/

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The cities of Vilnius in Lithuania and Lublin in Poland unveiled mirror-like "portal" installations connecting both cities in real-time, a press statement by Vilnius Gediminas Technical University (Vilnius Tech) explains.

The sci-fi-like portals were designed to connect and unify people in different parts of the world amid the months of isolation caused by the pandemic, and the increasing "social polarization" of recent times.

The devices look like circular doors into another world, as imagined in many fictional worlds of fantasy and sci-fi. In fact, the team behind the project said it chose the circle as it is a well-known sci-fi symbol for an interactive "bridge." The minimalist design with LED lighting, meanwhile, was chosen to portray the image of a future city.

Source: Vilnius Gediminas Technical University

In this case, unsurprisingly, you can't step through the portal into another location, though you do get the next best thing.

Located 376 miles (606 kilometers) apart, both "portals" feature large screens, cameras, and an internet connection, allowing them to show what's happening in real-time at their parallel location - maybe one day we'll learn how to add those wormhole capabilities.

'A bridge to unity'

The project was designed and built by engineers from the LinkMenų fabrikas center atVilnius Tech, and it's not a one-time project - the team aims to eventually connect many cities, with the goal of highlighting global collaboration and harmony.

"That's why we've decided to bring the crazy idea of PORTAL to life - it is a bridge to unity, an invitation to rise above prejudices, above the disagreements that belong to the past, it's an invitation to rise above the illusion of us and them," Benediktas Gylys, the president of Benediktas Gylys Foundation, explained in the team's press statement.

The portal in Vilnius is located near the city's train station, while the one in Lublin was installed in the city's central square. The project took 5 years to organize, design, and build. Next, the team behind the project aims to build "bridges" to Reykjavik, Iceland, and London, England.

While the project obviously doesn't live up to the incredible capacity of the fictional portals it's designed to resemble, it does highlight the way that some of our technologies today were only recently imagined in science fiction. It's only through years of global collaboration, after all, that we could see a doctor perform surgery on a patient remotely in real-time.

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Futuristic Portal 'Brings Unity' to Vilnius and Lublin

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The cities of Vilnius in Lithuania and Lublin in Poland unveiled mirror-like "portal" installations connecting both cities in real-time, a press statement by Vilnius Gediminas Technical University (Vilnius Tech) explains. The sci-fi-like portals were designed to connect and unify people in different parts of the world amid the months of isolation caused by the pandemic, and the increasing "social polarization" of recent times.

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sensibile

rottura dello schermo

percezione

coscienza periferica

modifica dello spazio

coesistenza culturale

contatto con la natura

leggerezza

rimbombo del suono

ombre

indeterminatezza

punto di vista

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DA VICINO NESSUNO È NORMALE

Portatori di storie

Roma, Biblioteca Cencelli, Santa Maria della Pietà, Museo Laboratorio della Mente, 2012

A più di 30 anni dalla legge Basaglia, i servizi di salute mentale in Italia sono oramai ampiamente integrati nel Sistema Sanitario Nazionale. Nel complesso di Santa Maria della Pietà, ex-ospedale psichiatrico, il percorso del MUSEO LABORATORIO DELLA MENTE a piano terra, progettato da Studio Azzurro nel 2008, narra la storia dell'istituzione e le dinamiche dei manicomi. Da vicino nessuno è normale è un'anteprima del nucleo partecipativo del progetto per il secondo piano del museo, dedicato al racconto della rappresentazione sociale della malattia mentale, della discriminazione e dello stigma attraverso testimonianze dirette. L'opera è stata presentata nel novembre 2012 in una sede temporanea: le sale della Biblioteca Cencelli, nel Padiglione principale del complesso di Santa Maria della Pietà.

Da vicino nessuno è normale è un ambiente sensibile, uno spazio interattivo che permette di ascoltare le testimonianze di ex-internati, parenti, medici, operatori e infermieri dell'Ospedale Psichiatrico Santa Maria della Pietà, ma anche di decostruire preconcetti sulla malattia mentale.

Il visitatore è accolto in una sala della Biblioteca Cencelli, custode di un fondo con volumi che risalgono al XVI secolo. Tra gli scaffali vi è una lunga parete, su cui sono proiettate figure in cammino. Come in altre opere del ciclo Portatori di storie, il visitatore può scegliere di fermare un personaggio, toccandolo con la mano per ascoltarlo. Questi si arresta e gli rivolge alcune parole, una breve frase su di sè. Se il visitatore vuole udire il suo racconto può accompagnarlo verso la stanza affianco, conducendolo con la mano fino alla fine della parete. Lì il personaggio si mette in fila dietro le altre figure condotte dai visitatori e attende il suo turno. Questo gesto - accompagnare, attraverso il contatto fisico - stabilisce una dimensione personale e di relazione tra visitatore e personaggio. Quando la stanza si libera, la figura compare seduta dall'altra parte e, in una condizione più intima, inizia a raccontare la sua storia. Talvolta, ascoltandola, il visitatore si può trovare sorpreso ad avere scambiato, dall'apparenza e da quelle brevi parole udite poco prima, medici e internati. E si costringe, così, a ripensare le proprie categorie, la propria facilità di giudizio, le proprie considerazioni sulla malattia mentale.

4 programmi video
4 videoproiettori
2 computer
4 casse audio
1 sistema IR per superfici sensibili
2 pareti in legno

Progetto a cura di Studio Azzurro e UOS Centro Studi e Ricerche Museo Laboratorio della Mente ASL Roma E
Direzione scientifica Pompeo Martelli
Ideazione e Regia Paolo Rosa
Fotografia Fabio Cirifino
Coordinamento progetto e produzione esecutiva Olivia Demuro
Coordinamento ricerca tecnologica Marco Barsottini
Sviluppo e implementazione software Lorenzo Sarti
Operatore video Rocco Cirifino
Assistenza alla regia sul set Alice Fratti
Post-produzione e compositing Matteo Cellini, Mauro Macella, Salua Nardinocchi
Montaggio testimonianze Mauro Macella, Monica De Benedictis, Silvia Pellizzari
Progettazione sistemi di comunicazione Giorgia Borroni
Suono e musiche Tommaso Leddi, Yugen
Allestimento Diego Quagliarella
Coordinamento generale Reiner Bumke
Enti Promotori Assessorato alla Cultura, Spettacolo e Sport Regione Lazio, Azienda Unità Sanitaria Locale Roma E

Progetto per la raccolta delle testimonianze sui percorsi di cura e promozione della salute mentale in collaborazione con UOS Centro Studi e Ricerche Dipartimento Salute Mentale, Pazienti, Familiari, Operatori ASL Roma E

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DA VICINO NESSUNO È NORMALE | Studio Azzurro

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Portatori di storie Roma, Biblioteca Cencelli, Santa Maria della Pietà, Museo Laboratorio della Mente, 2012 A più di 30 anni dalla legge Basaglia, i servizi di salute mentale in Italia sono oramai ampiamente integrati nel Sistema Sanitario Nazionale.

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TAVOLI (Perchè queste mani mi toccano)

Videoambientazione interattiva

Milano, Triennale, "Oltre il villaggio globale", 1995

Sei tavoli comunicano attraverso immagini proiettate un senso di lentezza, ripetizione e staticità: una donna distesa, una mosca ronzante, una goccia d'acqua che cade ossessivamente su una ciotola. Questa sensazione di calma apparente viene bruscamente interrotta quando qualcuno tocca l'immagine: la figura reagisce, si attiva e mostra una piccola parte della propria storia.

Il rapporto tra reale e virtuale si sviluppa attraverso materiali familiari, senza nessun tipo di struttura tecnologica. Gli spazi si frammentano, ambiente fisico e progetto multimediale diventano tutt'uno. Il passaggio dell'immagine da oggetto di contemplazione a esperienza interattiva racchiude il senso di quest'opera.

6 programmi video
6 videoproiettori
6 lettori multimediali
1 computer
7 casse audio
progetto luci
6 tavoli di legno artigianali

Progetto e messa in scena Studio Azzurro
Ideazione Fabio Cirifino, Paolo Rosa
Regia Paolo Rosa
Collaborazione alla regia Paolo Ranieri
Fotografia Fabio Cirifino
Riprese video Mario Coccimiglio
Montaggio video Fanny Molteni, Paolo Ranieri
Suoni e musiche R. Benucci, A. Rigratti
Sistemi interattivi e tecnologici Stefano Roveda
Performer Angela Parmigiani

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TAVOLI (Perchè queste mani mi toccano) | Studio Azzurro

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Videoambientazione interattiva Milano, Triennale, "Oltre il villaggio globale", 1995 Sei tavoli comunicano attraverso immagini proiettate un senso di lentezza, ripetizione e staticità: una donna distesa, una mosca ronzante, una goccia d'acqua che cade ossessivamente su una ciotola. Questa sensazione di calma apparente viene bruscamente interrotta quando qualcuno tocca l'immagine: la figura reagisce, si attiva e mostra una piccola parte della propria storia.

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Era un normale lunedì di settembre. Esattamente il 19 settembre del 2005. Quel lunedì, che segnava il comune inizio di una lunga settimana, tuttavia, sarebbe destinato a rimanere una data storica per i turisti e la popolazione locale. In quel giorno, infatti, fece la sua comparsa un animale misterioso. Gli astanti rimasero scioccati nell'osservare qualcosa di insolito e divertente. Disteso lungo il pendio, ad una altezza di circa 1600 metri, i pochi fortunati avventori si trovarono a vedere qualcosa che avrebbe lasciato un segno indelebile nelle loro vite: il coniglio rosa gigante di Colletto Fava in Piemonte

Il coniglio rosa gigante di Artesina

Creato da un gruppo di artisti, i Gelitin, Il coniglio rosa gigante di Colletto Fava è stato cucito a maglia e lasciato sdraiato su una collina piemontese. Realizzarlo non è stato semplice: ci sono voluti un sacco di artisti e tantissimi aiutanti per far nascere questa creatura. Cinque anni di lavoro a maglia per la creazione del coniglio rosa, che, secondo le stime degli ideatori, dovrebbe essere lasciato in pace a riposare, sul fianco della collina, per almeno 20 anni, fino al 2025.
VEDI ANCHE: I MONUMENTI PIU' STRANI AL MONDO
Non si può trascurare il fatto che a causa della pioggia e della neve il grosso "animale" si sta, col trascorrere del tempo, deteriorando sempre più. Tuttavia, questo dato non preoccupa gli artisti, che ribattono: il naturale processo di decomposizione fa parte dell'idea originaria di creazione.

Dove si trova e com'è oggi?: Ecco ecco le coordinate!

I più audaci sono convinti che il coniglio sia così grande che possa essere visto dallo spazio, utilizzando foto satellitari. Ma per vedere con i vostri occhi questa stravagante opera, a meno che non vogliate viaggiare nello spazio per controllare di persona se sia visibile o meno, vi consigliamo di recarvi ad Artesina. Artesina, piccola città del Piemonte, si trova in cima al monte Colleto Fava, tra le Alpi, nota catena montuosa del nord Italia.

Oggi la gicantesca opera d'arte è in condizioni di avanzato deterioramento. Si possono intravedere iresti su su google maps inserendo le coordinate 44 14'39.77"N 7°46'10.71"E.

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Il coniglio rosa gigante di Colletto Fava in Piemonte

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Era un normale lunedì di settembre. Esattamente il 19 settembre del 2005. Quel lunedì, che segnava il comune inizio di una lunga settimana, tuttavia, sarebbe destinato a rimanere una data storica per i turisti e la popolazione locale. In quel giorno, infatti, fece la sua comparsa un animale misterioso.

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“Untitled” (Portrait of Ross in L.A.), 1991. 

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“Untitled” (Portrait of Ross in L.A.), 1991. 

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Tutti abbiamo amato. Tutti abbiamo avuto una persona che è riuscita a ridurre il mondo intero ad uno sguardo e farcelo bastare, e se ancora non vi è successo, fidatevi: succederà, e saprete di cosa sto parlando.

È questo il punto da cui vorrei partire per introdurre un artista cubano, attivo a New York durante gli anni '80 e la prima metà degli anni '90 che ha cantato e pianto l'amore per il compagno Ross morto prematuramente per AIDS, nel pieno dilagare della crisi che tanto ha dimezzato la comunità gay e artistica di quel periodo: Félix Gonzalez-Torres. Minimaliste e concettuali, le sue opere sono cariche di uno straordinario impatto emozionale. Facendosi metafore della coppia in ogni suo aspetto, esplorano ogni fase della conoscenza - dall'iniziale scoperta dell'altro ai momenti felici vissuti insieme, dall'avanzamento della malattia alla morte prematura.

Tra le opere più iconiche e delicate di Félix Gonzalez-Torres troviamo "Le Lampadine" - fili di luci che, scendendo dal soffitto, si appoggiano sul pavimento, illuminando la stanza. Si resta incantati dalla semplicità e dal calore che sembrano ispirare, ma i livelli su cui quest'opera lavora sono multipli e oltre l'istante si schiude una verità subconscia, la vita vissuta in virtù di una perdita personale. I momenti felici vissuti con qualcuno che si ama sono motivo di gioia e il loro ricordo ci porta a sorridere, ma quando la persona con cui li abbiamo condivisi ci viene strappata, questi diventano gli appigli più saldi per rimanere a galla. Utilizzando uno strumento così fragile e temporaneo come le lampadine, Félix le riveste di un carattere transitorio, ma solo nella loro materialità: come nel caso del suo Ross, la malattia può averlo sottratto nel corpo, ma ciò che di lui resta a livello emotivo rimane intatto e Ross continua a vivere attraverso l'opera.

Questo equilibrio tra materiale e incorporeo prende le forme anche di due orologi identici posti uno di fianco all'altro fermi sulla stessa ora. Le "paia" sono un tema ricorrente nella narrativa visiva di Félix Gonzalez-Torres, perché si rendono viceré della sua relazione anche dopo la morte di uno dei suoi componenti. Infatti, ciò a cui Félix dà forma non è la solitudine di chi è rimasto, ma l'assenza di chi se n'è andato. In questo senso, l'assenza del corpo assume particolare importanza nella serie di ventiquattro fotografie del letto disfatto che l'artista ha installato per tutta la città di New York nel 1991, in seguito alla scomparsa del compagno Ross.

Installando in un luogo pubblico l'intimità di un letto personale su cui si dorme, su cui si fa l'amore e - come nel caso del suo compagno - ci si spegne, Félix mette in discussione il confine tra pubblico e privato, ma soprattutto, crea un epitaffio che non può essere attaccato in quanto gay o legato all'AIDS: tutti possiamo gettare su quel letto le nostre proiezioni personali svincolate dall'idea iniziale dell'artista, così come possiamo vedere una coppia gay, lesbica o etero in ogni "paia", perché prima del nostro orientamento sessuale siamo questo: una coppia. E a prescindere dall'artista possiamo facilmente identificarci nei suoi lavori, in quanto persone che amano, hanno amato o hanno perso qualcuno.

Félix Gonzalez-Torres ci chiama a prendere parte attiva al suo intimo processo di elaborazione della vita e della morte, e con lo fa chiedendoci di distruggere lentamente la sua opera. Un'opera votata alla scomparsa. Come Félix stesso afferma in un' intervista Robert Storr per ArtPress nel gennaio 1995: " Volevo creare un'arte che potesse scomparire, che non fosse mai esistita, una metafora per quando Ross stava morendo... Avrei abbandonato il lavoro prima che il lavoro abbandonasse me. [...] Non volevo che durasse, perché così non mi avrebbe fatto soffrire. "

Come il titolo dell'opera suggerisce, questo cumulo di caramelle è in realtà un "Portrait" - un ritratto del compagno Ross, non alla vista ma nel peso. L'opera ogni giorno deve pesare 175 pounds (circa 80 chili), peso del compagno il giorno in cui morì. Per questo a fine giornata il peso dell'opera deve tornare a 175 pounds. Consumando l'opera, gli spettatori riproducono la lenta deplezione a cui l'AIDS sottopose il corpo di Ross: come le caramelle che vengono sottratte una ad una, il compagno veniva consumato di giorno in giorno dalla malattia. In chiave simbolica, il gesto di mangiare 'un pezzo di Ross' assume un ruolo quasi spirituale o religioso, elevandosi ad ostia profana, e al contempo denuncia sul ruolo centrale che i governi e la popolazione abbiano avuto nella morte di così tante persone, scegliendo di non vedere e di non dare importanza a ciò che stava succedendo attorno a loro.

Senza chiasso né provocazioni esplicite, Félix Gonzalez-Torres seppe introdurre sul piano artistico e culturale un argomento come l'AIDS in quegli anni, in un momento in cui né il governo né la società sembravano riconoscere l'urgenza e la gravità di una malattia che stava mietendo milioni di vittime in America e non solo. Ross continua a vivere tramite le opere di Félix, e noi tutti siamo quelli che continuiamo ancora oggi a tenerlo in vita semplicemente ammirando le opere o attraverso un gesto semplice, come portare a casa una manciata di caramelle. E mangiarle.

Per approfondire l'argomento e conoscere più a fondo Félix Gonzalez-Torres ecco alcuni siti che vi potrebbero essere utili (in lingua inglese):

Se siete a Milano, invece, vi consiglio di fare visita alla galleria d'arte Massimo de Carlo, dove è in corso una mostra curata dagli artisti Julie Ault e Roni Horn e divisa su tre città (le altre due sono a Londra da Hauser & Wirth e a New York da Andrea Rosen), dedicata esclusivamente a Félix Gonzalez-Torres, in cui potrete vedere una selezione di opere dell'artista.

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Félix Gonzalez-Torres: quando l'amore diventa arte e l'arte diventa carne - Gay.it

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È questo il punto da cui vorrei partire per introdurre un artista cubano, attivo a New York durante gli anni '80 e la prima metà degli anni '90 che ha cantato e pianto l'amore per il compagno Ross morto prematuramente per AIDS, nel pieno dilagare della crisi che tanto ha dimezzato la comunità gay e artistica di quel periodo: Félix Gonzalez-Torres.

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The Listening Post by Ben Rubin and Mark Hanson is an installation composed of 231 electronic displays (11 by 21) set into a grid onto a curved wall. However, it is primarily a sonic piece. It is a real-time visualization of thousands of ongoing online conversations. The screens display random words picked from these conversation, and these words are being told by a text-to-speech program as they change, all overlapping and creating strange harmonies. With each changing word comes a clicking sound, adding to the piece's sonic landscape. A last layer of sampled sounds and dreamy musical compositions match the action of the screens.

Ben Rubin explains that he sees this piece as collaborative storytelling that people engage in without being aware of it:

"When I watch the piece, it tends to get my imagination going, because you see these fragments of text and they're positioned next to each other as if they were in conversation or telling a story but you don't really know what the context was that these were plopped out of" (Rubin & Hansen, 2013). One emotionally-affecting movement filters for phrases beginning "I am" or "I like" or "I love". Sample phrases might be "I am in Chicago" or "I am really tired of this election season." Rubin offered an example, "'I am stuck again here.' Someone says something like that, and you wonder, Who are they? And where are they stuck? And why are they stuck again? To me, it's about where my imagination goes in trying to construct what the context for some of these disembodied statements might be"

(http://modes.io/listening-post-ten-years-on/)

The piece then sends its audience cues of fragmented, separated stories, that people can wonder about, or try and make sense of, using their imagination. This piece is also about people trying to connect through artificial means, as sentences are pulled from chat rooms, online forums, newsgroups and bulletin boards. Or, as Rubin explains:

"There are an untold number of souls out there just dying to connect, and we want to convey that yearning. I hope people come away from this feeling the scale and immensity of human communication" (Mirapaul, 2001).

The piece is also about surveillance, privacy rights, and data malleability. It shows how our online activity is basically public, and available for virtually anyone to use for any purpose. This online life and activity, which is mechanically compiled into sets of data, in which individuality and personality both get lost in translation. The piece also points at the political implication of compiling and using these sets of data, as this data ultimately contains personal stories that were not always meant to be shared with the world as they were created, or written. Hansen and Rubin explain it this way:

"As we become more adept at observing, measuring, and recording both our physical and virtual movements, we can expect to see a proliferation of large, complex data sets. These new digital records of human activity often force us to consider difficult societal questions. From the current debate over privacy on the Internet to ethical concerns over the use of genetic information, we recognize that the now simple act of compiling data has serious political implications. To further complicate matters, the scale and structure of these data make them difficult to comprehend in the large, relegating activities like data analysis to a select few (Hansen & Rubin, 2000)".

The Listening Post has a strong relevance both within the new media art field and its practices, as well as our surveillance, data-driven society. It has offered an innovative way of including real-time data into art for the time at which it was conceived (2001) and has been greatly influential to the new-media art field dealing with data visualization and sonification. For their ground-breaking use of real-time data, Rubin and Hansen have been cited in many academic and artistic follow-on studies and projects. Wes Modes goes as far as saying that "this piece is hailed as a new media masterpiece" ( http://modes.io/listening-post-ten-years-on/). The installation also came out at a time in which gathering of online personal data and its political implications was a very hot topic. The piece is still - if not more - relevant in this aspect as time goes by because online privacy rights have been a growing subject of controversy since 2001. As Modes puts it, "this (online privacy rights) has become ever more politicized since September 11th 2001, the PATRIOT Acts I and II, domestic spying, blanket wiretaps, FISA court abuses, recent NSA revelations, and so many government and corporate privacy abuses the media seem to have grown weary of dragging out George Orwell." ( http://modes.io/listening-post-ten-years-on/). The Listening Post merely relays these raw words and leaves to the audience the opportunity to use it as a conceptual base from which each individual can ask themselves whatever question is sparked in their mind. Do I care about my online privacy? Do I like that the Internet is a somewhat supervised and public virtual place, or should no one be allowed to look into it? Who is watching me, and why? Can this impact my "real" life, and if so, how?

Another artist who dealt with the theme of surveillance in his work is Steve Mann. He coined the term "sousveillance", which can be understood as "under-surveillance". Unlike the Listening Post's omniscient surveillance system, it breaks away from the idea of being watched from above and proposes a surveillance that is brought down to human level, both physically by bringing the surveillance tools down onto people rather than onto buildings, satellites or drones, as well as hierarchically: everyday people are doing the watching rather than it being only done by authorities. People are not being watched by an omniscient entity, like Rubin and Hanson suggest, but rather here Mann offers surveillance as an organic process in which all members of society engage in. From this concept, Mann came up with the Invisibility/Aposematic Suit. The suit has two screens on the front and back of the person. It can become transparent by showing what is behind the user, or "reflective" and show people in front of it a reflection of themselves. It hints at the ways surveillance can be stealthy, or on the contrary made completely obvious in order to let people know they are being observed and deter them from any wrongdoing. Another difference from the Listening post is that it shifts the concept of surveillance from an automated program, or computer which works on a systematic algorithm, to a more human surveillance in which choices are made by individuals, coining in the idea of individuals' agency and subjectivity in surveillance.

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The Listening Post - 21st Century Digital Art

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[youtube v="Sgxo4f0TRng"]

In 2001 I was commissioned by the Museum het Toreke in Belgium to create a musical installation for a retrospective exhibition of the work of Jan Mensaert, a local musician, poet and artist. They wanted it to be different and something that would draw people into the music. I came up with the idea of a multichannel installation. The concept behind the work was to create an interactive experience for museum visitors, which allowed them to mix the music.

I used DVD Audio technology, which plays full spectrum audio on each of the five channels. The video shows the development of the work and the interactive experience. The museum added the original work to their permanent collection. It was also accepted for exhibitions at Goldsmiths College in London, the SIGGRAPH ART Gallery, and the First Beijing International New Media Arts Exhibition. For these, I designed a small version of the piece using polished copper pipes with speakers in them and wooden cubes to conceal the speakers and provide a place to keep the balls used to interact with the piece.

It is difficult to compose music that can be listened to in real-time and have an infinite variety of mixes. Creatively, this poses a challenge that is not present in a live performance and expands my approach to making music and sound art.

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youtube v="Sgxo4f0TRng"] In 2001 I was commissioned by the Museum het Toreke in Belgium to create a musical installation for a retrospective exhibition of the work of Jan Mensaert, a local musician, poet and artist. They wanted it to be different and something that would draw people into the music.

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Il Tappeto Volante, ora posizionato nel Museo delle Trame Mediterranee al Baglio Di Stefano di Gibellina è il frutto di tre mesi di alacre lavoro realizzato da Ararat/Stalker ovvero venti ragazzi rifugiati curdi, una decina di giovani architetti/artisti/attivisti, Stalker, un ragazzo senegalese, Elaji, un ragazzo Rom, Pietro, sotto l'egida di una musa ispiratrice, Celeste Nicoletti e di un committente visionario e sognatore: Ludovico Corrao.

Celeste Nicoletti ha scritto: "[...] per una stagione affrettata e miracolosa di incroci e coincidenze, la terrazza assolata dell'Ararat, affacciata su Campo Boario, si trasformò in atelier operoso di km di corde e di ciondoli di rame (porto di arrivo o di partenza?), telaio di geometrie che rinascevano da mani esperte, viaggio a casa di gente che ritrovava i nodi della propria memoria. Si saliva all'Ararat, attraversando stanze a colori vivaci dove la vita, densa di generazioni e materassi, cercava in una lingua aspra un posto di dignità. A quei tempi , in modo solo apparentemente casuale e scanzonato, su quella terrazza passavano ondate elettriche di sperimentazioni di frontiera, di modalità di (ri)conoscersi e stare insieme, germe di una rete internazionale di affinità, ancora oggi attiva. Ogni tanto una pausa musicale, un accenno di danza, i bambini irrompevano, i bicchieri si riempivano. E il lavoro procedeva, fino al compimento della sua sfida spericolata.

Un tappeto-tenda-casa-tempio-giardino-piazza-porto-teatro, di dimensioni enormi, aveva preso forma, cominciava a...volare in casse di legno in tappe sempre più lontane e, sfuggendo spesso alla rigidità della sua missione di rappresentanza, è approdato in paesi e città ferite recentemente, o offese nella memoria, lambendo a volte l'epicentro del grande disastro del MO. In ogni tappa ha aperto nuovo spazio di incontro, si è imbevuto di lingue e suoni, ha accolto storie di erranza che hanno contribuito a scrivere e a disegnare anche le regioni di una geografia emozionale."

Aggiunge Lorenzo Romito, artista e attivista di Stalker: "[...]Stalker in quei tempi lavorava, partecipando di una incredibile sperimentazione di convivenza all'interno del Campo Boario, nell'ex Mattatoio di Roma dimesso dal 1975, insieme ad una comunità di rifugiati curdi, una comunità rom, i Calderash, diversi rifugiati senegalesi, un centro sociale, il Villaggio Globale e centinaia di cavalli, quelli delle carrozzelle per turisti, quelli da macello ed altri, tutti accuditi dai "cavallari"...L'esito dopo un lungo ma serratissimo lavoro di mesi ad Ararat è stupefacente per noi stessi e per i curdi. Il primo allestimento alla Fondazione Olivetti vede la partecipazione di un sottosegretario del Ministero degli Esteri, il quale si complimenta con i ragazzi curdi, spaesati e radiosi sotto i riflessi del Tappeto Volante appena ultimato. Ricordo bene questo magico momento, uno dei più bei risultati del Tappeto Volante, ridare per un attimo dignità e protagonismo a quei ragazzi, l'inaspettato complimento di una istituzione italiana dalla quale aspettavano da mesi, un' altro riconoscimento, l'asilo."

Soffitto e tappeto volante nello stesso tempo, il manufatto è composto da 41.472 corde di canapa con terminali in rame calati da un telaio sospeso, che avvicinano il pubblico alle articolate geometrie del soffitto ligneo della Cappella Palatina di Palermo che hanno reso questo elemento un simbolo e un messaggio di fratellanza; ha percorso tutte le principali capitali del mondo arabo, a iniziare dal Natale del 2000, quando venne allestito e presentato per la prima volta al pubblico alla Fondazione Olivetti a Roma, prima di partire per Tunisi, prima tappa della mostra "L'Islam in Sicilia". Prima di atterrare a Gibellina ha fatto un lungo viaggio, più di 30.000 km., passando per Roma, Tunisi, Venezia, Sarajevo, Tirana, Salonicco, Amman, Damasco, Cairo, Ryad, Sa'na, Abu Dabi, Doha, Muscat, Karachi, Islamabad, Otranto.

Cura la redazione del semestrale ArtApp e della sua piattaforma online, senza rinunciare a scrivere degli articoli sugli argomenti che l'appassionano, come la fotografia o il teatro. Collabora come editor per alcune case editrici e con tutti coloro che le chiedono un consiglio che li aiuti a scrivere in modo corretto e interessante.

Il Tappeto Volante, ora posizionato nel Museo delle Trame Mediterranee al Baglio Di Stefano di Gibellina è il frutto di tre mesi di alacre lavoro realizzato da Ararat/Stalker ovvero venti ragazzi rifugiati curdi, una decina di giovani architetti/artisti/attivisti, Stalker, un ragazzo senegalese, Elaji, un ragazzo Rom, Pietro, sotto l'egida di una musa ispiratrice, Celeste Nicoletti e di un committente visionario e sognatore: Ludovico Corrao.

Celeste Nicoletti ha scritto: "[...] per una stagione affrettata e miracolosa di incroci e coincidenze, la terrazza assolata dell'Ararat, affacciata su Campo Boario, si trasformò in atelier operoso di km di corde e di ciondoli di rame (porto di arrivo o di partenza?), telaio di geometrie che rinascevano da mani esperte, viaggio a casa di gente che ritrovava i nodi della propria memoria. Si saliva all'Ararat, attraversando stanze a colori vivaci dove la vita, densa di generazioni e materassi, cercava in una lingua aspra un posto di dignità. A quei tempi , in modo solo apparentemente casuale e scanzonato, su quella terrazza passavano ondate elettriche di sperimentazioni di frontiera, di modalità di (ri)conoscersi e stare insieme, germe di una rete internazionale di affinità, ancora oggi attiva. Ogni tanto una pausa musicale, un accenno di danza, i bambini irrompevano, i bicchieri si riempivano. E il lavoro procedeva, fino al compimento della sua sfida spericolata.

Un tappeto-tenda-casa-tempio-giardino-piazza-porto-teatro, di dimensioni enormi, aveva preso forma, cominciava a...volare in casse di legno in tappe sempre più lontane e, sfuggendo spesso alla rigidità della sua missione di rappresentanza, è approdato in paesi e città ferite recentemente, o offese nella memoria, lambendo a volte l'epicentro del grande disastro del MO. In ogni tappa ha aperto nuovo spazio di incontro, si è imbevuto di lingue e suoni, ha accolto storie di erranza che hanno contribuito a scrivere e a disegnare anche le regioni di una geografia emozionale."

Aggiunge Lorenzo Romito, artista e attivista di Stalker: "[...]Stalker in quei tempi lavorava, partecipando di una incredibile sperimentazione di convivenza all'interno del Campo Boario, nell'ex Mattatoio di Roma dimesso dal 1975, insieme ad una comunità di rifugiati curdi, una comunità rom, i Calderash, diversi rifugiati senegalesi, un centro sociale, il Villaggio Globale e centinaia di cavalli, quelli delle carrozzelle per turisti, quelli da macello ed altri, tutti accuditi dai "cavallari"...L'esito dopo un lungo ma serratissimo lavoro di mesi ad Ararat è stupefacente per noi stessi e per i curdi. Il primo allestimento alla Fondazione Olivetti vede la partecipazione di un sottosegretario del Ministero degli Esteri, il quale si complimenta con i ragazzi curdi, spaesati e radiosi sotto i riflessi del Tappeto Volante appena ultimato. Ricordo bene questo magico momento, uno dei più bei risultati del Tappeto Volante, ridare per un attimo dignità e protagonismo a quei ragazzi, l'inaspettato complimento di una istituzione italiana dalla quale aspettavano da mesi, un' altro riconoscimento, l'asilo."

Soffitto e tappeto volante nello stesso tempo, il manufatto è composto da 41.472 corde di canapa con terminali in rame calati da un telaio sospeso, che avvicinano il pubblico alle articolate geometrie del soffitto ligneo della Cappella Palatina di Palermo che hanno reso questo elemento un simbolo e un messaggio di fratellanza; ha percorso tutte le principali capitali del mondo arabo, a iniziare dal Natale del 2000, quando venne allestito e presentato per la prima volta al pubblico alla Fondazione Olivetti a Roma, prima di partire per Tunisi, prima tappa della mostra "L'Islam in Sicilia". Prima di atterrare a Gibellina ha fatto un lungo viaggio, più di 30.000 km., passando per Roma, Tunisi, Venezia, Sarajevo, Tirana, Salonicco, Amman, Damasco, Cairo, Ryad, Sa'na, Abu Dabi, Doha, Muscat, Karachi, Islamabad, Otranto.

Cura la redazione del semestrale ArtApp e della sua piattaforma online, senza rinunciare a scrivere degli articoli sugli argomenti che l'appassionano, come la fotografia o il teatro. Collabora come editor per alcune case editrici e con tutti coloro che le chiedono un consiglio che li aiuti a scrivere in modo corretto e interessante.

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Il Tappeto Volante di Gibellina, un cortocircuito culturale tra Orient

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Il Tappeto Volante, ora posizionato nel Museo delle Trame Mediterranee al Baglio Di Stefano di Gibellina è il frutto di tre mesi di alacre lavoro realizzato da Ararat/Stalker ovvero venti ragazzi rifugiati curdi, una decina di giovani architetti/artisti/attivisti, Stalker, un ragazzo senegalese, Elaji, un ragazzo Rom, Pietro, sotto l'egida di una musa ispiratrice, Celeste Nicoletti e di un committente visionario e sognatore: Ludovico Corrao.

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Aesthetic of Conjunction
Benjamin Chang

When looking for inspiration regarding aesthetics, I searched for artists I enjoy. Olafur Eliasson is such an artist that I find great inspiration from. Eliasson specializes in creating works of art that engage with the audience via a sense of space and feeling. Eliasson Exhibitions yield marvelous and mysterious works that play with the spirit and gives the audience a sense of reality. His work derives upon one central principle; This principle being 'conjunction', a place where two things merge together to become something else. This work is fascinating to me due to its unique take on reality and how we perceive the world in which we embrace. The visual space between us and everything else is a neglected reality that is often taken for granted. The work Eliasson presents challenges this notion by presenting our surroundings in a new light, granting us a moment to consider what is actually around us. In a journal published for the 'Logic of light technology and the human connection, Eliasson's work is broken down to explore this concept of conjunction. "A conjunction does not imply a value judgement, nor does it weight its relata (group of related things) on one or on its other pole. It is rather the independence of both related that gives a conjunction the power to discover something new in itself by way of the other," (Miriam Shuab,1967). The work focuses on the relationship of connection between the human physiological perception of space, and the forceful strategic use of space. The aim is to create an awareness to a user, so they may feel more consciously present with their surroundings. Eliasson focus's primarly on four mechanisms for turning atomized perceptions into impressions and ideas connected to each other. The first mechanism being "Spontaneous, Arbitrary, Active". The second being "Associatively",focusing on the imagination is indebted to the autonomous power of the idea. The third mechanism being, "Constant Repetition", focusing on solidifying habitual and conventional connections. And finally the fourth mechanism "No Casual Connection", this being the most important notion; the beauty of not having a reason to connect but connect just because, this mechanism is open to unknown possibilities without hesitations.

Eliasson also focuses on the idea of using 'Mise En Scene', or the arrangement of scenery in a setting. By manipulating the lighting in a given room, our perceptions of how we should view things becomes skewed. This alteration gives users a space to explore their minds or as Eliasson describes it as freeing one from an instrumental perception. From this principle, it can be noted that creating skepticism in our connection/perception to reality can reconstruct our view of what we know. This aesthetic I believe holds a mystical element, in it I find interest in the discovery of new things. In summary, conjunction yields an interesting potential for changing the way we look at things, and in this change the way we live.

References

Shuab, Mirjam. The Logic of Light Technology and the Human Connection. Walther Konig Verlag, 2009.

Images
"The Weather Project * Artwork * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur Eliasson, olafureliasson.net/archive/artwork/WEK101003/the-weather-project.

"Olafur Eliasson: In r... * Exhibition * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur Eliasson,

olafureliasson.net/archive/exhibition/EXH102539/olafur-eliasson-in-real-life#slideshow. "Olafur Eliasson: In r... * Exhibition * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur Eliasson, olafureliasson.net/archive/exhibition/EXH102539/olafur-eliasson-in-real-life#slideshow. "Rainbow Assembly * Artwork * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur

Eliasson, olafureliasson.net/archive/artwork/WEK110117/rainbow-assembly. "Suney * Artwork * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur Eliasson,

olafureliasson.net/archive/artwork/WEK101782/suney.
"Solar Compression * Artwork * Studio Olafur Eliasson." Studio Olafur Eliasson, Olafur

Eliasson, olafureliasson.net/archive/artwork/WEK110143/solar-compression.

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Aesthetic of Conjunction Benjamin Chang When looking for inspiration regarding aesthetics, I searched for artists I enjoy. Olafur Eliasson is such an artist that I find great inspiration from. Eliasson specializes in creating works of art that engage with the audience via a sense of space and feeling.

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Ryoji Ikeda data.path installation - Madrid

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The Floating Piers, Lago d’Iseo

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Lo Studio Olafur Eliasson è un laboratorio sperimentale per le ricerche spaziali situato a Berlino, diretto dal famoso artista di origine danese-islandese Olafur Eliasson, che funge da spazio inter-disciplinare alimentando un dialogo tra l'arte e tutto ciò che la circonda.

Già nell'antichità molti artisti venivano chiamati per realizzare stupefacenti scenografie per opere teatrali. Oggi gli artisti lo fanno per pura sperimentazione, ma il principio è lo stesso: ricreare gli effetti della natura per illudere gli spettatori e proprio in questo senso, Olafur realizza una delle sue installazioni più famose.

The Weather Project

L'opera "The weather project" riproduce il sole in scala, dal punto di vista estetico; l'intsallazione è stata pensata per instaurare un dialogo serrato con lo spazio espositivo da un lato e con il pubblico dall'altro.
Tenutosi presso la Tate Modern di Londra nel 2003, il "progetto" si presentava come la simulazione di un sole dalle sfumature giallo-aranciate, tipiche del tramonto, e dalla consistenza appena evanescente poiché celata da una sottile nebbia.

Eliasson crea quindi un artificio naturale collocato in una stanza - la Turbine hall - la cui spazialità viene amplificata da una moltitudine di specchi per stimolare la connessione sociale tra lo spazio stesso e l'uomo. L'installazione dei riflessi ha completato lo spettacolo di magia ricreando una doppia prospettiva: i visitatori possono vedere loro stessi mentre stanno guardando.
Gli specchi oltre ad allargare lo spettro d'azione e moltiplicare le figure e i raggi luminosi creano sempre nuove forme di aggregazione esistenziale ed atmosferica.

Lo stesso artista, d'altra parte, afferma: "La ragione per cui credo sia importante esercitarsi in fenomeni come questo della doppia prospettiva è che la nostra capacità di vedere noi stessi mentre guardiamo... oppure di valutare l'esperienza che stiamo vivendo uscendo fuori da noi stessi... questa particolare capacità è la stessa che ci rende in grado di capire noi stessi".

Eliasson monta poi 200 lampade dietro uno schermo semicircolare, creando l'effetto di un sole artificiale con questa luce gialla a monofrequenza. Il sistema di specchi ricopre quindi l'intero soffitto della sala, riflettendo questa luce monocromatica che a sua volta si mischia con il
vapore acqueo creato da apposite macchine; a seconda delle correnti d'aria e della temperatura, il vapore si addensa, generando "nuvole" dalle forme imprevedibili, l'elemento traslucido, rende il tutto più realistico per l'indeterminatezza dei particolari.

Il sole - che a Londra è un miraggio durante i mesi invernali - diventa così oggetto di contemplazione e si fa paradigma del tempo; gli specchi non contribuiscono solo alla dilatazione spaziale, ma divengono inoltre oggetto di divertimento per i visitatori che possono vedere se stessi immersi in un miscuglio suggestivo di luci colorate e ombre.

È grazie a opere come questa che finalmente l'arte contemporanea acquisisce un suo status, divenendo veicolo di comunicazione di un messaggio trasmissibile, e il museo conquista un proprio spazio all'interno del contesto urbano, configurandosi quale luogo didattico e della comprensione, ma soprattutto della condivisione, umana e sentimentale.

Ecco il video di questa luminosa installazione immersiva!

https://apparatocreativo.wordpress.com

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The Weather Project di Olafur Eliasson | Space in Art

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Lo Studio Olafur Eliasson è un laboratorio sperimentale per le ricerche spaziali situato a Berlino, diretto dal famoso artista di origine danese-islandese Olafur Eliasson, che funge da spazio inter-disciplinare alimentando un dialogo tra l'arte e tutto ciò che la circonda. Già nell'antichità molti artisti venivano chiamati per realizzare stupefacenti scenografie per opere teatrali.