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La fusione carnale tra l’uomo e la donna, che alimenta l’albero della vita, formato da fronde spiraliformi è dominata da simboli femminili, che sono superiori a quelli maschili – quadrati, triangolari o rettangolari e, comunque, geometrici -. Il pittore aumenta la potenza del maschio dipingendo un uccello e un pesce – che sono simboli sessuali – proprio all’altezza dei bacini congiunti di uomo e donna. La potenza dell’abbraccio è sottolineata da Klimt dalla stesura di elementi geometrici quadrati sull’arto che stringe la ragazza.

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Il dipinto è realizzato in "stile aureo", definito in questo modo data la notevole presenza di oro nello sfondo e nel soggetto.Raffigura un uomo e una donna nell'atto dell'abbraccio. L'espressione della giovane donna è di quasi abbandono verso la spalla dell'uomo, girato di spalle.

Le decorazioni dei vestiti variano: sulle vesti dell'uomo sono presenti soggetti più grandi e squadrati, in una tunica stilizzata e lineare; la veste della donna è ondeggiante e morbida con decorazioni più minute e curate. La differenza nelle vesti sottolinea i diversi caratteri dell'uomo e della donna e il loro ruolo nella coppia.

Lo sfondo si presenta composto da spirali dorate su sfondo giallo-arancione.

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Innanzitutto l'albero è un simbolo ancestrale, comune e ricorrente nella cultura di più popolazioni, come quella egizia, alcune antiche civiltà mesopotamiche, islamiche, Sudamericane, indiane, ebraiche, bizantina...
In particolare, nella cultura ebraica e cristiana, ove è rigidamente simmetrico,ha caratteristiche ben connotate e di elevato valore simbolico.
In generale rappresenta il significato biblico de "L'albero della conoscenza".

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L’albero della vita figura quindi come congiunzione tra l’attesa e la riconciliazione. Spezza la freddezza della solitudine della prima donna con il calore dei due amanti. La differenza lampante tra il primo e il secondo pannello appare anche nella geometria delle vesti: la prima donna presenta motivi rigidi, triangolari, mentre le due figure sono contraddistinte dalla concentricità del cerchio.  Tra una marcata solitudine inquieta e un abbandono pervaso dall’estasi. Sui rami dell’albero vi è appollaiato un uccello nero che spicca quasi al centro dell’opera per la sua mancanza di colore. Questi altri non è che la figura della morte, la minaccia sempre presente che, seduta, attende.

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La struttura: mosaico di marmi, pietre dure, maioliche e corallo.
Il motivo centrale, nel pannello centrale è ciò che dà il nome al capolavoro.
E' il simbolo di tanti temi cari all'autore, che li riunifica in un'opera unica: motivi floreali, la figura femminile, la morte della vegetazione, la rinascita attraverso il ciclo delle stagioni, la rigenerazione, l'energia vitale.
Su di esso è appollaiato un uccello, che rappresenta la minaccia della Morte, contrastata e minimizzata dalla rigogliosità dei rami; oltre allo sviluppo della forma, è anche il fatto che sia d'oro, e quindi "inscalfibile" dall'uccello, che così viene degradato da minaccia in semplice fastidio.

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Sul pannello di sinistra si presenta sulla scena una figura femminile con il capo volto a destra. Questa parte dell’opera, di splendente impatto e bellezza anche presa singolarmente, è chiamata L’attesa. L’innaturale posizione della donna, la sua acconciatura, i suoi abiti e la sua bellezza orientale, ci rimandano subito al mondo egizio e allo stile figurativo di quel mondo lontano. La ragazza è una danzatrice, il suo corpo non ha dimensione ed è ricoperto di gioielli e di colori.

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Palazzo Stoclet, tre opere, lunghe circa sette metri che si fondono per crearne una unica, maestosa

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Kllimt fu ricercato soprattutto come ritrattistadi figure femminili della ricca borghesia industriale viennese che ritrasse con immagini eleganti e languide, simili a preziosi lavori di orafi che rivelano un erotismo intenso e rispecchiano il temperamento appassionato dell’artista. La donna di Klimt è sempre in sospeso fra la sacralità e la crudeltà, spesso presentata in posa frontale come un’icona da rispettare o da temere, dispensatrice di felicità, come nel quadro Il bacio, o causa di distruzione, come Giuditta I.
Anche qui l’attenzione del pittore è rivolta verso la figura femminile, incarnazione del male e simbolo della femme fatale che porta alla rovina e alla morte il suo amante, secondo un luogo comune della letteratura tra il 1890 e i primi decenni del ‘900. Una considerazione della donna in netto contrasto con la lotta per l’emancipazione femminile e per la parità dei sessi condotta dal movimento delle “suffragette” proprio in questi anni.

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Klimt nei suoi primi lavori mostra una precisione di disegno e di esecuzione assolutamente straordinarie, ponendosi però in un filone di eclettismo storicistico tipico di una certa cultura del secolo scorso. Ma la svolta che portò Klimt al suo inconfondibile stile avvenne dieci anni dopo con il quadro «Giuditta (I)» del 1901. Da questo momento il suo stile si fa decisamente bidimensionale, con l’accentuazione del linearismo e delle campiture vivacemente decorate. Due viaggi compiuti a Ravenna nel 1903 diedero a Klimt ulteriori stimoli. Da quel momento l’oro, già presente in alcune opere precedenti, acquista una valenza espressiva maggiore, fornendo la trama coloristica principale dei suoi quadri. Il periodo aureo di Klimt si concluse nel 1909 con il quadro «Giuditta (II)». Seguì un periodo di crisi esistenziale ed artistica dal quale Klimt uscì dopo qualche anno. Il suo stile conobbe una nuova fase. Scomparsi gli ori e le eleganti linee liberty, nei suoi quadri diviene protagonista il colore acceso e vivace. Questa fase viene di certo influenzata dalla pittura espressionista che già da qualche anno si era manifestata in area tedesca. E Klimt l’aveva conosciuta soprattutto attraverso l’attività di due artisti viennesi, già suoi allievi: Egon Schiele e Oscar Kokoschka. Klimt basa il proprio stile sulla linea, morbida e ondeggiante, combina astrazione, sintesi e decorazione con grande armonia e naturalismo; abile paesaggista

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La vicenda artistica di Gustav Klimt (1862-1918), coincide quasi per intero con la storia della Secessione viennese. Con il termine Secessione si intendono quei movimenti artistici, nati a fine ’800 tra Germania ed Austria, che avevano come obiettivo la creazione di uno stile che si distaccasse da quello accademico. Questa coscienza della fine, tratto comune a molta cultura decadentista di fine secolo, pone anche la Secessione viennese nell'alveo della pittura simbolista. E tale caratteristica è riscontrabile anche nella pittura di Klimt che rimane il personaggio più vitale ed emblematico della Secessione viennese. Gustav Klimt frequentò la Scuola di arti e mestieri a Vienna. Insieme al fratello ed un amico, diede vita alla prima società artistica, procurandosi commissioni per decorare edifici pubblici. Nel 1897 fu tra i fondatori e primo presidente della Secessione, partecipando sempre attivamente alle attività del gruppo da cui si distaccò in polemica nel 1906 per fondare una nuova formazione: la Kunstschau.
La sua attività si interruppe nel 1918, quando a cinquantasei anni morì a seguito di un ictus cerebrale.

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-Realizzato da Joseph Maria Olbrich nel 1898
-Spazio espositivo per gli artisti secessionisti
-Pianta quadrata, interno privo di decorazioni o altri ingombri per permettere di modificare lo spazio secondo le varie necessità di allestimento
-Cupola di rame, traforata a motivi floreali e con lamine d'oro
-Edificio consono alla sua funzione

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Nella storia dell'arte la secessione (in tedesco: Sezessionstil) è riferita allo sviluppo di stili artistici, sviluppatisi fra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX secolo, a Monaco di Baviera e Berlino in Germania ed a Vienna in Austria. L'ufficializzazione di questo movimento avvenne con la cosiddetta Wiener Secession (Secessione viennese), che consistette nella creazione di un'associazione di 19 artisti, tra cui pittori e architetti, che si staccano dall'Accademia di Belle Arti per formare un gruppo autonomo, dotato di una propria indipendenza e anche di una propria sede: il Palazzo della Secessione Viennese. L'ideale di Gesamtkunstwerk: l'opera d'arte totale, è esaltato da questi artisti che progettano, dipingono, decorano in vista di una fusione completa delle arti.

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ha un formato perfettamente quadrato, di 180x180 cm. In pieno accordo con i canoni del liberty l'opera presenta un intenso uso del colore oro, questa tecnica ricorda molto da vicino quella dei mosaici bizantini, che Klimt poté conoscere e apprezzare a Ravenna nel 1903.

Dal punto di vista stilistico, il quadro si inscrive felicemente nel «periodo aureo» della produzione klimtiana, così definito per l'intenso utilizzo del colore oro, . Per quanto riguarda la luce, questa non proviene da una fonte esterna bensì è emanata dalla stessa coppia: le tinte sono altrettanto calde e luminose, fatta eccezione per le cromie verdi del prato che esaltano per contrasto il «caldo» amore dei due giovani

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i simboli appartengono a una comunicazione pre-linguistica

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Sulla donna invece appaiono composizioni circolari che fin dall'antichità rappresentano il sesso femminile

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rappresentazione simbolica del maschio, attraverso rettangoli di foglia d’oro e nero, rappresentano nel nero e, nella durezza dei segni, la spigolosità e la forza del corpo virile.

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(1907-08)
il bacio rappresenta il trionfo dell'eros nonostante il netto contrasto