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1.작가
2.작품제목
3.작품크기
4.제작연도
5.재료
6.작품의 외적인 특징(색상, 구도, 조형요소와 원리, 재료의 쓰임 등)
7.작품관련내용
8.작가설명
9.작품에 대해 느낀점.

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1. 고흐
2.별이 빛나는 밤에
3. 73.7 x 92.1 cm
4. 1889년
5. 유화
6. 색상은 블루 계열로 밤을 표현 한 거 같고 재료의 쓰임은 캔버스에 유채를 한 것이다 그리고 초기에는 하층민의 생활과 풍경을 어두운 색조로 그리다가 자신만의 색의 대조, 강렬한 붓 터치와 색감을 완성 했다
7. 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다
8.반 고흐는 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었다
9. 오늘날에 못 보는 별을 이 그림으로라도 봐서 정말 좋았다 그리고 블루계열과 밤을 좋아해서 이 그림을 고르기도 했다

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1.빈센트 반 고흐
2.해바라기
3.93X73CM
4.1888
5.캔버스에 유채
6.고흐는 물감을 두껍게 칠해 입체적으로 표현했다. 해바라기뿐만 아니라 뒤로 보이는 벽도 노란색으로 칠했고, 탁자와 화병도 한 가지 색으로 단순하게 색칠해서 해바라기 꽃이 더욱 눈에 띌 수 있도록 했다.
7.《해바라기》는 빈센트 반 고흐가 그린 정물화이다. 이 그림은 두 가지 버전이 있는데, 첫 번째는 1887년 파리에서 그린 바닥에 놓여있는 해바라기이며, 두 번째는 1년 뒤 아를에서 그린 꽃병에 담긴 해바라기이다
8.네덜란드 출신의 프랑스 화가. 네덜란드 시절에는 어두운 색채로 비참한 주제를 특징으로 작품을 선보였다. 1886~1888년 파리에서 인상파, 신인상파의 영향을 받는다. 주작품은 ‘해바라기’, ‘아를르의 침실’, ‘의사 가셰의 초상’ 등이 있다
9.해바라기를 하나 하나 섬세하게 그린것이 예쁘다.

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1. 조르주 피에르 쇠라
2. 그랑드 자트 섬의 일요일 오후
3. 207.5 x 308.1 cm
4. 1884~1886년
5. 캔버스에 유채
6. 다양한 색채와 빛, 형태들을 점묘 화법을 통해 꼼꼼하게 표현했다. 색을 섞지 않고 멀리서 봤을 때 섞인 색으로 보이도록 표현했다.
7. 당시 파리지앵들의 휴식처인 그랑드 자트의 풍경을 정밀하게 그리려고 노력했고, 작품을 완성한 뒤에도 계속해서 수정을 하였다.
8. 인상주의의 색채의 원리를 과학적으로 체계화하고 화면의 조형질서를 다시 구축한 신인상주의 화가이다.
9. 큰 그림을 점으로 하나하나 채운 게 대단하다.

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1. 마르크 샤갈

2. 나와 마을
3. 1.92m x 1.51m

4. 1911년–1911년

5. 유성페인트
6. 소·바이올린·잉어·닭·꽃다발 등 모두 샤갈이 자랑으로 여기는 조형 언어이며, 그의 소는 이집트의 천국의 소와 같이 행복한 상징이라고도 말한다.
7. 여기에는 입체파에 대한 관심도 엿보이며 원형, 삼각형이 교차하는 형식이 두드러진다. 집과 농부가 거꾸로 서 있는 것도 과연 그다운 착상이며 이것은 하늘로 나는 인간이나 떨어진 목 등과 같아서 비합리를 유머러스하게 표현해 보인다. 그러나 에콜 드 파리의 많은 고향 상실자에게는 이러한 비합리적인 꿈만이 생활의 지주이며 신화였을 것이다.
8. 마르크 샤갈(Marc Zakharovich Chagall, 1887년 7월 7일 ~ 1985년 3월 28일)은 러시아 제국(현 벨라루스)에서 태어난 프랑스의 화가이다. 파블로 피카소와 함께 20세기 최고의 화가로 불린다.
9. 각각 개성있는 그림을 융화시키니까 기분이오묘하다

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1. 클로드 모네
2. 흰색 수련 연못
3. 89 x 93 cm
4. 1899년
5. 캔버스에 유채
6. 이 작품은 근경이 많은 요소들로 가득 채워져 있으며, 더욱 활력 있는 느낌을 준다. 층층이 가로 선을 이루고 있는 물의 표면은 캔버스의 절반 이상을 차지하고 있으며, 이 반복적인 가로줄 형태로 인해 거리감을 느끼게 된다. 야외에서 빛에 의해 생기는 색체를 순간적으로 이미지를 잡아내어 그림으로 그리는 특징이 있다.
7. 이 작품에서 모네는 하늘을 생략하고 매우 근접한 거리에서 대상을 보았으며, 다리 뒤편에 가득 들어차 있는 식물과 나뭇잎을 표현하였고, 앞쪽에 위치한 기슭조차 생략하였다. 전통적인 풍경화에서는 잘 나타나지 않는 이와 같은 시점을 취한 <흰색 수련>은 한편으로는 추상미술의 등장을 예고하기도 한다.
8. 프랑스의 인상파 화가. 인상파 양식의 창시자 중 한 사람으로, 그의 작품. ‘빛은 곧 색채’라는 인상주의 원칙을 끝까지 고수했으며, 연작을 통해 동일한 사물이 빛에 따라 어떻게 변하는지 탐색했다. 말년의 《수련》 연작은 자연에 대한 우주적인 시선을 보여준 위대한 걸작으로 평가받는다.
9. 정교한 붓터치가 추상화적이며 색감이 예쁘다. 정원에 일본식 다리를 놓은것에 대하여 흥미롭다.

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1.작가:모네
2.작품제목:인상,해돋이
3.작품크기:63 x 48 cm
4.제작연도:1872년
5.재료:캔버스의 유채
6.작품의 외적인 특징:일상을 밝고 아름다운 색채로 그려내 해돋이라는 이름에 맞게 해돋이가 매우 아릅답고 눈에뛴다
7.작품과관련내용:그는 이그림으로 인하여 인상파화가들에가 그는 매우 독보적이라 했다.
8.작가설명:  유년 시절을 보낸 르아브르 항구의 해 뜨는 찰나의 풍경을 야외에서 즉흥적으로 담아낸 그림이다
9.작품에 대해 느낌점: 확실이 여려가지 색깔을 이용한걸보아 다른화가들과는 다른 아름답고 독특한 그림이 나온다 그림의 색들이 서로서로 잘어울어 지는겄도 모네의 장점인거 같다.

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1.     외젠 들라크루아

2.     민중을 이끄는 자유의 여신

3.     2.6m x 3.25m

4.     1830년

5.     유성페인트

6.     정확한 묘사를 요구하는 그 시대의 예술기준을 거부하고 자유로운 붓질을 특징으로 삼았다. 구도는 왼쪽에서 오른쪽으로 향하는데 이것은 미래를 지향하고 있다. 또 전체적인 색상은 어두운 계열인데 이것은 그들의 슬픔과 고통을 나타낸다.

7.     흔히 프랑스 대혁명을 상징하는 그림으로 알고 있지만, 정확히는 샤를 10세가 물러나는 7월 혁명을 기념하기 위해 그려진 그림이다.

8.     프랑스의 화가이다. 19세기 낭만주의의 대표적인 화가이다. 색과 운동에 대한 강조에서 영감을 얻었다.

9.     프랑스 혁명을 그린 그림이 아니였다는 것이 놀랍다.

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작가: 반 고흐
제목: 가셰 박사의 초상
작품크기:67 cm × 56 cm (23.4 in × 22.0 in)
제작연도: 1890년 6월에 완성되었다.
재료:유성페인트(유채물감,유화)
특징:이 초상화는 파리 근교의 오베르에서 그려졌다. 그림 속의 가셰 박사는 현삼과 식물인 디기탈리스를 들고 있다. 박사는 죽기 전의 고흐를 잘 돌봤으며, 그림 그리기가 취미여서 고흐에게 좋은 친구가 되었다. 디기탈리스는 심장의 통증을 치료하는 강심제의 재료가 되므로 가셰 박사를 상징한다.
내용:가셰 박사 초상을 우울한 모습으로 보이게 마쳤어. 누가 보면 인상 쓰고 있다고 느껴질 정도야… 슬프지만 점잖다.
작가:(, 1853년 3월 30일 ~ 1890년 7월 29일)는 네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다
느낌점: 슬퍼보였다 생각이많아보였다 풀을 만지며 자기의 우울감을 덜어네는 느낌

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1. 프라고나르
2. 그네
3. 81x64.2cm
4. 1767~1768년
5.캔버스에 유채

6. 색상이 화려하며, 발에서는 신발이 날아가고 있다. 밑에 있는 남자는 여성의 치마속을 훔쳐보고 있다. 밝은 색과 어둠침침한 색의 대비로 더욱 드라마틱 한 분위기를 만든다.

7.  이 작품은 불륜을 나타내는데 뒤쪽에서 그네를 밀고 있는 남성은 그네를 타는 여성의 남편이며, 그네 아래에 누워 치마를 보고있는 남성은 그네를 타는 여성의 애인이다. 완전 내로남불이다.

8. 18세기 프랑스에서 발전한귀족  취향의 미술 양식인 로코코에 관한 그림을 그렸다.프랑스 혁명 이후는 넉넉치 못하여 루브르 궁내의 주거하다가 사망했다.

9. 그네를 타는 여성이 즐거워보였지만 작품의 주제를 알고 내용을 알고나니까 충격적이다.

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1. 존 에버렛 밀레이
2. 오필리아
3. 76cm x 1.12m
4. 1851년–1852년(라파엘 전파)
5. 유화
6. 셰익스피어의 묘사를 따라 꽃을 식물학적으로 정확하게 묘사하고 빅토리아 시대의 꽃말에서 다른 예를 추가하면서 팬지(헛된 사랑), 제비꽃(충절), 쐐기풀(고통), 데이지(순수), 페즌트 아이(슬픔), 물망초와 양귀비(죽음)을 그려 넣었다
그녀가 꺾은 꽃을 쥔 듯 띄운 듯 물 위에 누운 채 이승을 하직하려 하고 있고, 눈동자는 먼 하늘을 향하고 있다
옷은 풀어지는 영혼처럼 물속으로 번져가듯이 어두운 물빛에 강하게 대조는 하얀 목과 핏기 없는 얼굴로 순수하다

7. 《오필리아》는 자신의 아버지가 연인 햄릿에게 살해되자 강물에 몸을 던져 스스로 목숨을 끊는 장면을 그린 것이다. 젊고 아름다운 여인이 손에 꽃을 꺾어 들고 강물 위에 누워있는 양 죽음을 맞고 있는 이 작품은 셰익스피어의 희곡 《햄릿》의 한 장면을 묘사한 것으로 라파엘 전파의 정신을 가장 잘 드러낸 수작으로 손꼽힌다.  라파엘 전파의 화가들은 셰익스피어의 문학에서 많은 영감을 얻었는데 특히 오필리아의 비극적이고 낭만적인 내용은 자주 애용되었다.
밀레이는 이러한 비련의 여주인공 오필리아의 모습을 청초하고 아름답게, 또 극적이고 관능적으로 묘사하였다.

8. 1848년 19세에는 윌리엄 홀먼헌트와 단테 가브리엘 로세티라는 두 미술가와 함께 라파엘 전파협회를 결성했다
일찍부터 천재의 면모를 드러낸 화가로 '오필리아'를 그릴 당시에도 겨우 스물두 살이었다
1851년 여름에 그는 그림의 배경을 그리는 것부터 시작했는데, 이를 위해 영국 서리 근교의 어느 강가에 몇달을 머물면서 수많은 종류의 꽃과 식물을 아주 세심하게 담아내는 작업에 몰두하였다
배경을 완성한 밀레이에게 남은 것은 그 안에 오필리아를 그려 넣는 일이었다
이 작업에서도 중요한 것은 라파엘로 전파가 우선시하는 사실성이었고, 그래서 1852년 겨울에 그는 라파엘로 전파 화가들의 뮤즈였던 엘리자베스 시달에게 모델을 부탁해 흙탕물을 가득 채운 욕조에서 몇 시간이나 포즈를 취하게 했다

9. 처음 이 그림을 봤을떄 홀린 듯이 몇 분씩 보고있었다. 죽음을 묘사하는 그림이라는 것을 알게 되었을 때 기묘하고 소름이 돋았으며 한편으로는 편안한 죽음을 묘사한 듯한 느낌이 들었다

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1. 레오나르도 다 빈치
2. 최후의 만찬
3. 880 x 700 cm
4. 1490년
5. 유채
6. 다빈치는 가능한 한 매끄럽게 만든 석고벽에 달걀 흰자등의 캴슘액을 입히고 그 위에 유화를 그리는 템페라 기법을 이용했다
7. 레오나르도 다 빈치의 작품은 대부분 미완성이여서 몇 안되는 완석작이지만 레오나르도 다 빈치의 작품중에 가장 손상이 많다
8. 레오나르도 디 세르 피에로 다 빈치는 이탈리아 르네상스를 대표하는 석학이다. 화가이자 조각가, 발명가, 건축가, 해부학자, 지리학자, 음악가였다
9. 인터넷으로만 볼때는 크기를 몰랐지만 찾아보니까 생각보다 크기가 컸고 그림속에 있는 인물들의 묘사가 대단하다

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1. 빈센트 반 고흐
2.아를의 별이 빛나는 밤
3.92 x 72.5 cm
4.1888년경
5.캔버스에 유채
6.노란색 붓 터치를 이용하여 일정 간격으로 작은 불빛들을 찍어 표현함으로써, 아를이라는 도시를 떠올리게 하는 빛나는 요소를 작품 속에 투영했다.
7.그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다
8.네덜란드의 화가. 27세에 그림을 그리기 시작했으며 주로 남프랑스에서 작품 활동을 했다.
9.밤하늘이 너무 이쁜것같다

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빈센트 반 고흐
자화상
캔버스의 유채
35.1×44.1
1889년
고흐는 양복과 모자를 사용하여서 본인을 중산층으로 표현하였다 고흐의 자화상운 파스텔쪽에서 푸른색과 어두운 색으로 칠했다 반 고흐의 조합과 전혀 다른 조합이고 그 조합을 맞추기 위해 자신의 눈 색깔인 초록색에서 회색과 푸른색을 섞어서 사용하였고 수염은 붉은색을 사용하였다
고흐는 살아서는 인정 받지 못하였다가 죽어서 인정받은 작가이다
고흐가 자신을 그리기 위해 좋은거울을 샀다는게 의외다

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1. 페르디난트 호들러
2. 밤
3. 299 x 116.5 cm
4. 1889년 ~ 1890년
5. 유화
6.  그림은 사실적 묘사에도 불구하고 대칭을 이루는 모습이 현실같아 보이지 않고, 신비하며 철학적인 느낌을 가지게 한다
7. 다들 편안히 자고 있는 모습인데 가운데 남자만 놀란듯 깨어난다 그를 깨운것은 그의 위에 올라 앉아 있는 검은물체로 그것은 죽음의 사신으로 해석되고 있는 존재이다.
8. 그는 자신의 생각을 정확히 표현을 하고 색채도 명확히 표명할 것을 요구하며 구도를 굉장히 중요시하는 상징주의 화가이다.
9. 죽음은 조용히 온다는 것과 크기가 은근 커서 신기했다.

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1.빈센트 반 고흐

2.감자 먹는 사람들
3.82cm x 1.14m

4.1885년

5.유성페인트

6.이 작품의 재료는 농민이다

7.1885년 3월, 어느 날에 고흐는 호르트라는 농부네 집을 지나치다가 그 집에 들어갔다. 그때 호르트 가족들은 석유램프 불빛 아래서 감자를 먹고 있었는데 이걸 그린 그림이 바로 이것이다.

8.네덜란드 후기 인상주의 화가이다

9.빈센트 반 고흐가 인상주의 화가로 알고있었는데 사실주의 작품을 보고 새로웠다

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1. 클로드 오스카 모네
2. 화가의 지베르니 정원
3. 81x92 cm
4. 1900년
5. 캔버스에 유화

6. 서로 다른 색채들을 병합시켜 정원에 가득 핀 꽃들과 나뭇잎을 표현

구도는 비스듬하게 분할되어 있고, 공통적 색채의 배열을 통해 화면은 역동성을 획득

빛과 그늘을 확실하게 드러냄

7. 이 그림은 꽃으로 가득 덮인 모네의 정원에 담긴 의미를 보여주고자 했음

이 그림은 정원을 그렸다기보다 정원이라는 시공간에 깃든 빛의 흔적을 화폭에 담은 것

모네에게 지베르니의 정원은 색채의 변화무쌍함을 그려내는 자연의 팔레트였음

8. 프랑스의 인상파 화가. 인상파 양식의 창시자 중 한 사람

‘빛은 곧 색채’라는 인상주의 원칙을 끝까지 고수했음

9. 이 정원에 직접 가보고 싶다는 생각이 들었음
색채들을 병합시켜 빛의 흔적으로 표현하고 담아냈다는 것이 신기하다.
그림이 꽤 커서 놀랐음

# data[].attributes.body
작가
:  피에르 오귀스트 르누아르

작품제목
: 피아노 치는 소녀들

작품크기
: 110 x 90 cm

제작년도
: 1892년

재료
: 캔버스, 유채물감

작품의 외적인 특징
: 붉은색, 푸른색, 노란색, 초록색 등 원색을 기초로 하나의 통일성을 띄고 있다 여러가지 선들이 곡선으로 르누아르 작품중에서도 매우 섬새한 필치로 그려진 것이 특징이다 복잡하지 않은 배경과 단조로운 색감이 화면속 꽉차게 등장하는 소녀들에게 더욱 시선이 가도록 짜여져있다

작품 관련 내용
: [피아노 치는 소녀들]은 1892년 초반, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림을 요청받아 제작하게된 작품이다 이때 그림 구매를 담당한 문화부 공무원은 한 비평가에게 작품을 만들 화가를 의뢰했고 그 비평가와 친분이 있던 르누아르에게 작품을 의뢰하게 된 것이다 때문에 당시 나눴던 편지에서 [피아노 치는 소녀들]의 제작과정이 상세히 담겨져 오늘날 알려지게 되었다

작가설명
: 인상주의 화가 이며 인상주의 시대에서 상당히 많은 비중을 차지한 화가이다 1841년 프랑스 리모주에서 태어나 1919년 프랑스 카뉴쉬르메르에서 생을 마감하였다 르누아르의 작품들은 서로 맞닿는 부분의 색채들이 흐릿하지만 전체적으로 봤을 때 전혀 섞이는 감 없이 부드럽지만 명확한 그림으로 표현된다 여성 육체를 묘사하는데 특수한 표현을 사용했으며 풍경화에도 아주 뛰어났다 당시 인상파 화가들 중 가장 아름답고 뛰어나게 화려한 멋을 보인다는 평을 받고있다

작품에 대해 느낀점
: 르누아르 특유의 색감과 채색기법이 보는이로 하여금 부드럽고 따듯한 느낌을 전해준 것같다 작품속 두 여자아이들은 이 작품 외에도 같이 등장하는데 서로간의 우정과 친근감이 작품 너머까지 느껴지는 것 같다

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1. 레오나르도 다 빈치
2. 최후의 만찬
3. 460x880
4. 1495년
5. 벽화(템페라)
6. 가능한 한 매끄럽게 만든 벽에 달걀 흰자 등의 칼슘액을 입히고 그 위에 유화를 그리는 템페라 기법을 활용했다화면의 구도는 대단히 수학적인 구조로 이루어져 있다
7.

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1. 라파엘로
2. 성모 마리아의 결혼
3. 117×170cm
4. 1504년
5. 패널의 유채
6. 능숙한 원근법의 사용과 더불어 인물, 공간, 건축물 사이의 조화를 성공적으로 규현하였다
7. 광활한 광장에서 마리아와 요셉이 결혼식을 올리고 있다. 화면 가운데 있는 사제는 두 사람의 손을 잡아 요셉이 마리아에게 반지를 끼워주도록 이끈다. 부부의 양 옆에 각각 다섯명의 남녀가 무리지어 있는데 마리아 곁에 서 있는 처녀들은 다소곳한 자세로 의식을 바라보고 있다
8. 라파엘로는 이탈리아 전성기 르네상스의 가장 중요한 인물 중 하나이다
9. 다른 작품들도 다 뛰어나고 예뻤지만 이 작품이 특히나 눈길이 가서 이 작품을 골랐다

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1. 빈센트 반 고흐
2. 별이 빛나는 밤에
3. 73.9cm | 세로=92.1cm
4. 1889년
5.유화
6. 동적인 곡선의 자유로운 붓터치가 역동적인 율동감과 힘을 느끼게 하고
큰 사이프러스 나무와 멀리 있는 나즈막한 마을 풍경이 광활한 하늘 만큼 넓은 공간감을 만들어냄. 밤하늘은 남색과 노란색의 보색대비로 햇살처럼 눈부신 달빛과 별빛을 만들었다.
7. 정신병을 앓고 있을 당시의 고흐가 그린 작품이며, 1889년 상 레미의 정신병원에서 나와 기억으로 그린 그림이지만, 당시 고흐는 정신장애로 인한 고통을 떠올려 그림속의 소용돌이로 묘사했다
8. 네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 그는 그의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(측두엽 기능장애로 추측됨)을 앓고 자살을 감행하기 전의 단지 10년 동안에 만들어냈다. 그는 생존기간 동안 거의 성공을 거두지 못하고 사후에 비로소 알려졌는데, 특히 1901년 3월 17일 파리에서 71점의 반 고흐의 그림을 전시한 이후 그의 명성은 급속도로 커졌다.
9. 동료를 잃은 슬픔과 정신병을 앓았을때의 고통을 저 그림 하나로 느낄수있는거같아 대단한것같다.

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1.클로드 오스카 모네
2. 지베르니 부근의 센 강변
3. 75 x 92.5 cm
4. 1897년
5. 캔버스에 유채
6. 이 작품에서 초기 인상주의작품에서 사용되던 짧게 끊어지는 터치를 통해 작품의 분리된 영역들을 동일한 느낌으로 통일시키는 효 과가를 주고있으며, 모네는 이 작품에서 마치 색채에 취해있는 듯한 인상을 주고 있으며, 이것을 감상하는 사람들은 그가 추상적인 작품세계로 나아가고 있다는 것을 느낄 수 있다. 이전작품들에 비해 <지베르니 부근의 센 강변>에서는 표면을 처리하는 기술이 중요시되고 있으며, 풍경의 형태의 중요성은 점점 경시되고 있다. 색채의 느낌이 대상을 해체하기 시작한 것이다. 대상의 윤곽을 나타내는  선은 거의 찾아볼 수 없으며, 섬세한 변화와 미세한 색채의 조절만이 셀 수 없는 붓터치를 통해 표현되고 있다. 작품의 투명한 느낌과 정지되어있는 듯한 느낌은 캔버스의 사각형의 형태를 통해 더욱 강화된다. 물과 빛, 그리고 물에 비친 반영은 그의 후기작품들에서와 마찬가지로 이 작품의 지배적인 주제를 이룬다. 반영과 실제, 진실과 환영은 서로 얽혀있고, 조화를 이루며, 또한 서로를 변화시킬 수 있는 것처럼 보인다. 이 작품에 나타나는 안개가 자욱한 풍경과, 거의 파악할 수 없는 대기의 다양한 효과들에 집중하였다
7.지베르니의 정원 안에 있는 독립된 건물 안에 마련한 두 번째 스튜디오로 작업실을 옮겼다. 그는 이곳에서 봄, 여름에 시작했던 작품들을 마무리할 수 있었는데, 이 작품들에 <지베르니 부근의 센 강변>도 포함된다. 이 작품은 1896년 여름에 시작하여 1897년에 완성되었다. 56세의 모네는 지베르니를 흐르는 센 강의 지류를 새벽 풍경에 담아 연작으로 그리기 시작했다. 60이 다 된 나이에도 불구하고 모네는 태양이 뜨기 이전의 모습을 담기 위해 새벽 3시 30분에 일어나 이슬이 맺힌 평원을 가로질러 걸었다. 오직 이 방법을 통해서만이 하늘의 색채가 변화하고, 안개가 아직 남아있는 새벽의 순간을 포착해낼 수 있었다.
8.모네는 1840년 프랑스 파리에서 태어났다. 유년시절을 보낸 노르망디의 항구도시 르아브르에서 화가 외젠 부댕을 만나 외광 풍경화를 그리기 시작했고 네덜란드 화가 용킨트로부터 대기 중의 빛의 포착하는 기법을 익혔다. 1862년 파리로 간 모네는 샤를 글레르의 화실에서 르누아르, 시슬레, 바지유, 피사로를 만났고, 이들과 함께 교외에서 그림을 그리며 우정을 키워나갔다. 1869년 르누아르와 파리 근교 라그르누이예에서 작업하며, 짧게 끊어지는 거친 붓질로 빛의 변화를 표현하는 새로운 기법을 선보이며 인상파 양식의 등장을 알렸다
9.선명하지않고 뿌옇게보이는것이 이 작품을 기억남게했다. 뿌옇게 흐리면서도 실제강에 안개가 낀 것처럼 느껴지게 하고 누군가 와서 배를 탈 것 같이 생생하다

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1. 빈센트 반 고흐
2.별이 빛나는 밤에
3. 73.7 X 92.1
4. 1889년도
5. 유화
6. 파랑쪽 계열에 소용돌이 모양으로 격정적으로 부는 바람을 표현을 했고, 그 소용돌이를 이용하여 빈센트 반 고흐의 감정 그당시에 감정을 알수있을것같다.
7. '별이 빛나는 밤'은 고흐가 스스로 들어간 정신요양원에서 그림 그림중 하나 입니다. 그는 자신의 정신을 자기도 버틸 수 없었기에 동생 '테오 반 고흐' 에게 부탁하여 정신요양원에 입원하였습니다. 동생은 형의 모든 작품활동을 도와주고 있고 뒷바라지를 다 해주었습니다. 그런 형이 자진입원을 한다니 걱정이 될 수 밖에 없었을 것입니다. 그래서 그는 형이 좋아하는 작품활동을 원없이 할 수 있게 지원해주었습니다.
8. 1853년 3월 30일에 태어나 1890년 7월 30일에 사망한 네덜란드의 화가입니다.

인상파와 일본 우키요에의 영향으로 강렬한 색채와 격렬한 필치를 사용하여 자신만의 작풍을 확립하였고,

작품에는 아를의 방, 별이 빛나는 밤, 밤의 카페 테라스 등이 있습니다.

주로 캔버스에 유화로 그림을 그렸고, 노란색, 파란색 등의 원색물감을 많이 사용했습니다.
9. 그 당시에 고흐의 감정 고흐가 이 그림을 그린 장소나, 어떻게 그렸는지 알게되었는데 이그림이 매우 복잡하고 그러면서도 재미있는 그림이란것을 느꼈다.