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https://www.annitaromano.com/

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https://www.manmadediy.com/2842-hand-sewn-artist-embroiders-portraits-into-his-own-skin/?chrome=1

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I remember when I got my first splinter. We were camping, and I picked it up from an old, weather-worn picnic table. I ran to my mom, who immediately began to ask around for a needle. "A needle?" I thought. "For what?"My five-year-old brain could not wrap itself around the idea that it was even a reasonable option to choose to stick a needle in your hand.

But, of course we know that the top several layers of your hand skin is rather tough, and with care (as I mindlessly end up demonstrating on many an extended conference call...) you can stick a needle in your hand...um, safely.

Spanish artist David Cata can attest as well as any. In his series "Under the Skin," he hand embroiders his, uh, hand with the images of those who've made a major impact on his life.

David says (through Google translate): "Under the Skin" is an autobiographical diary in which my body is support. On it I write the story of my life. By actual sewn performed on the palm of my hand, picture the faces of all those people who, somehow, have marked me throughout my life, family, friends, couples, teachers ... Their lives are interwoven with mine to build my story, a story that ends when I run out of leaves to write about.

Previoiusly, David experimented with portraits and hand embroidery in his series, " Neither With Nor Without Me "

See more at We the Urban and at David's site: DavidCata.com

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Hand Sewn: Artist Embroiders Portraits into His Own Skin

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I remember when I got my first splinter. We were camping, and I picked it up from an old, weather-worn picnic table. I ran to my mom, who immediately began to ask around for a needle. "A needle?" I thought.

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tricot qui décongèle /photographie numérique

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Géant qui vient, à propos de la chaussure de Patrick Tosani - ViteVu

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Patrick Tosani, #Moitié I, 2009, 240 X 540 cm, C. print, courtesy galerie C. Papillon, Paris. Est-ce parce que l’époque fait de la chaussure un usage politique que celle de

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Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l'aiguille et du fil est associé à l'univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C'est l'ambivalence de ce médium, à la fois symbole d'exclusion et savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur la scène des avant-gardes au cours du 20e siècle et jusqu'à nos jours encore.

Lire la 1ère partie

Lire la 2e partie Dentelle utérine
La lutte féministe menée par les artistes-femmes ne se cantonne pas au discours social et politique. L'art devient l'espace d'une visibilisation du corps féminin, où sexe et sexualité sortent de l'invisibilité imposée par le tabou. Dès la fin des années 1960, tandis que dominent dans l'art abstrait les formes géométriques ou minimalistes, apparaissent dans les œuvres d'artistes européennes, comme Magdalena Abakanowicz (1930-2017), et états-uniennes, comme Claire Zeisler (1903-1991), des formes saillantes ou ovoïdes, plus que suggestives, que l'on peut qualifier de vulvaires ainsi qu'une large prédominance de la couleur rouge.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) Abakan Red , 1969, Présenté anonymement en 2009, sisal et métal, 405 x 382 x 400 cm, Londres,
Tate Modern Gallery

Judy Chicago (née en1939), figure du féminisme états-unien, laisse affleurer dans ses toiles abstraites la forme du sexe féminin dans des compositions colorées et symétriques. On ne peut s'empêcher de rapprocher ces peintures de celles réalisées dans les années 1920 par Georgia O'Keeffe, qui, malgré des formes tout aussi suggestives refusait qu'on taxe son travail de féministe ou de féminin !

Dans les années 1980 le propos de Chicago devient nettement plus explicite et politique. En 1982, avec Birth Tear de la série Birth Project, elle représente par un travail de broderie sur velours, une femme parturiente se tenant les jambes ouvertes, déchirée en deux par une fente qui tient autant de la vulve que de la blessure sanglante.

Mais Judy Chicago n'a pas seulement créé : elle a formé une génération de femmes-artistes en ouvrant au début années 1970, avec la Canadienne Miriam Shapiro (1923-2015), le premier département des études féministes de l'art au California Institute of the Arts. Les deux consœurs encouragent leurs étudiantes à se tourner vers des moyens d'expression kitsch ou domestiques, dénigrés par les hommes et méprisés par l' establishment artistique. Et pour leur donner un espace d'expression, elles créent en 1972 la Womanhouse. C'est là, aux côtés d'œuvres subvertissant l'univers féminin - cuisine à tétons, salle de bain à menstruations, etc. - que l'on trouve la Womb Room (chambre utérine) encore appelée Crocheted Environment (" environnement au crochet ") de Faith Wilding, grande hutte réalisée au crochet dont les fils tissés évoquent autant le cocon protecteur que l'endomètre. Le travail actuel d'une Sheila Pepe (née en1959), qui tisse avec virtuosité des installations suspendues en forme de sexe féminin comme Mr. Slit (" M. Fente ", 2007) est certes plus impertinent, voire insolent, mais par la technique et la démarche très proches de Faith Wilding.

Le sang menstruel devient le vecteur d'un message politique : déjà en 1971, Judy Chicago avait montré l'in-montré dans une photographie iconique au titre humoristique, Red Flag, s'exhibant en gros plan extirpant un tampon sanglant de son vagin. C'est elle aussi qui avait conçu la salle de bain de la Womanhouse, d'un blanc hygiéniste tout en la souillant de tampons usagés. L'œuvre avait choqué, mais dès 1972, l'artiste lesbienne australienne Frances Budden Phoenix enfonçait le clou avec son ex-voto brodé de l'inscription Mary's blood never failed me (" le sang de Marie ne m'a jamais manqué ") orné de deux tampons suspendus, pied-de-nez au christianisme.

Le sujet reste encore aujourd'hui transgressif. Sarah Naqvi, étudiante en art textile à New Delhi, brode des perles et des paillettes rouges sur des serviettes hygiéniques et des tampons dans un pays où le sujet est largement tabou.

L'artiste portugaise Joana Vasconcelos (née en 1971), présente en 2005 à la Biennale de Venise un gigantesque lustre dans le style vénitien qui devait être ensuite installé au château de Versailles. Or, ce n'est pas au château qu'il fut exposé mais finalement au 104, car la direction du monument s'était aperçue que le somptueux lustre était constitué de centaines de tampons hygiéniques...

Casting off my womb est la dernière performance marquante en date. En 2013, la craftiviste et australienne Casey Jenkins, durant vingt-huit jours s'est assise au Darwin Visual Arts Association pour tricoter un fil de laine enfoncé chaque matin dans son vagin, période de règles incluse. La longue écharpe de quinze mètres qui en résulte tient ainsi le journal de son cycle menstruel. Les réactions outrées suscitées par sa performance révèlent que, quarante ans après les œuvres de Judy Chicago, les mentalités en la matière n'ont guère évolué.
Du fil à retordre
Le parti-pris radical de l'exhibition du corps féminin, organique et sexué, ne pouvait manquer de susciter de vives réactions dans le monde de l'art largement dominé par les hommes, mais, de manière peut-être plus inattendue parmi les féministes. The Dinner Party (1974-1979) a en ce sens fait date. L'œuvre se présente comme une installation : sur chaque côté d'une grande table triangulaire dont la forme symbolise le sexe féminin, sont installés treize couverts composés d'une cuillère, d'une fourchette et d'un couteau, d'un calice et d'une assiette décorée d'une forme vulvaire, posés chacun sur un chemin de table brodé au nom d'une femme célèbre : Sappho, Judith, Virginia Woolf, la déesse primordiale, Emily Dickinson, Aliénor d'Aquitaine ou Artemisia Gentileschi, etc. Sur le socle en céramique de la table sont inscrits 999 noms de femmes.

L'œuvre, conçue et signée par Judy Chicago, a été réalisée de manière collective par une équipe de bénévoles, hommes et femmes, de son département d'études féministes. Chaque objet - chemin de table et assiette - fait à la main et conçu en fonction du personnage auquel il est dédié, nécessitait une parfaite maîtrise des techniques de la broderie et de la céramique.

Or, l'œuvre a fait polémique : très mal reçue par la critique d'art officielle qui a hurlé à " la pornographie en relief et en céramique " mais, également mal reçue par un certain nombre de féministes. Certaines critiquaient violemment le fait de réduire ces femmes d'exception, dont beaucoup étaient des intellectuelles, à leur vulve quand d'autres reprochaient à Chicago de n'avoir pas fait une place plus grande aux lesbiennes ou aux noires. Chicago rétorqua avoir voulu non pas faire œuvre de mise en lumière de femmes méconnues, mais un état des lieux de celles qui avaient marqué l'histoire. Son projet affirmait-elle était d'emboîter le pas à l'historienne de l'art féministe Linda Nochlin (1931-2017) qui dans un article au titre sarcastique (" Pourquoi n'y a-t-il pas de grande femme artiste ? ") avait dénoncé le rejet et l'invisibilisation des femmes dans l'art par la domination phallocrate.

En outre, des antagonismes se manifestèrent à l'intérieur même de l'équipe : Frances Budden Phoenix, alors étudiante, fait partie des bénévoles et se plaint de l'autoritarisme de Judy Chicago. Elle brode le napperon " No goddesses. No Mistresses ", version anarcho-féministe du " ni Dieu, ni maître " qu'elle tente de placer sous une des assiettes en signe de protestation, mais Chicago le remarque et le retire. Ainsi, l'œuvre fait débat à bien des niveaux : provocation ou avant-garde ? Création individuelle ou collective ? Art ou artisanat ? The Dinner Party est en cela une œuvre maîtresse de la modernité en ce qu'elle brouille toutes les frontières jusqu'alors établies.

Judy Chicago ouvre ainsi la voie à tout un courant artistique de la représentation du sexe féminin, dont Georgia O'Kieffe avait été l'in-assumée précurseuse. Quelques-unes de ses élèves constituent alors, dans les années 1970 le Cunt Art (art du" con ") mouvement tant artistique que politique. L' iconographie vaginale, selon la dénomination anglo-saxonne, essaime, par tous les mediums dont l'art textile : parmi ces œuvres, Kunda (1976), un napperon en forme de cœur avec une fermeture éclair qui représente la vulve sans ambigüité. Frances Budden Phoenix le réalise toujours dans la plus pure tradition du crochet.

Ainsi, la génération des anti-Pénélope des années 1970 pose les fondations de l'actuel Fiber feminist art et le travail des plus jeunes fait explicitement référence aux aînées : l'Islandaise tricote des vulves qu'elle met en scène dans des photographies. L'afro-états-unienne Senga Nengudi (née en 1943) coud, à son tour, un zip sur une forme d'entrejambe réalisée avec des collants de femmes, son matériau de prédilection. Pascaline Rey combine - comme Joana Vasconcelos - céramique et dentelle, Sarah Naqvi utilise du tulle, Cécile Dachary la maille pour représenter de manière plus ou moins explicite le sexe féminin. Visibilité de la différence, refus du tabou, humour, bravade et provocation, l' iconographie vaginale reste l'emblème d'œuvres " coup-de-poing ".

Ýr Jóhannsdóttir dite YRURARI (1992),
Génitalia,
2015, porte-monnaie en tricot et fermeture éclair.

Sarah NAQVI (née en 1997), Vulva, 2017, tulle et broderie.

Quand les coutures craquent
Il serait cependant réducteur de limiter l'iconographie féministe au seul appareil reproducteur. Le corps féminin dans son ensemble constitue le lieu d'investigation de la condition féminine. , artiste égyptienne (née en 1963), reprend en broderies, les icônes pornographiques de la femme objet pour les dupliquer, les déformer, les biffer... les critiquer. Elle dit : " Coudre pendant des jours des images de femmes tirées de revues pornographiques destinées aux hommes est une aberration. Ici je participe de la double soumission de la femme : la femme qui coud et la femme qui coud sa propre image déformée. "

Annegret Soltau coud des photographies de corps de femmes de la même famille pour les hybrider, mêlant corps jeunes et vieux. La couture, telle une cicatrice, abîme et relie. Elle suture tout autant qu'elle dévoile le dessous de la peau. L'artiste produit ainsi des images monstrueuses et glaçantes : des portraits où des tétons en gros plans prennent la place des visages, où deux corps de femmes cousus ensemble forment une araignée, où encore des sexes sur-dimensionnés ont pris la place du buste. Soltau taille et recoud opposant la réalité du corps aux injonctions sociales de beauté, de grâce et de pudeur.

La traversée des apparences mène aussi à exposer l'intérieur du corps féminin. Ana Teresa Barboza exhibe la réalité anatomique des veines, cœur, estomac et intestins, par un travail de broderie virtuose sur des photographies de femmes nues. Cécile Dachary tricote des organes qu'elle met sous cloche, image anti-féminine et pourtant éminemment féministe, tandis que la jeune belge Élodie Antoine (née en 1980) coud sur le juste-au-corps d'un joli tutu rose, à la manière des déguisements de super-héros, des rembourrages qui modèlent des organes ( La Crise d'appendicite).

Élodie ANTOINE (née en 1980), La Crise d'appendicite, 2015, broderie sur justaucorps matelassé, coll. privée.

Pilar Albarracín (artiste espagnole née en 1968) se photographie quant à elle en uniforme de femme de chambre brodé des organes ou encore dans une robe de flamenco brodée d'intestins. Cette mise en scène du corps disséqué ne manque pas de rappeler la tradition des cires anatomiques qui, aux XVIII e et XIX e siècles, exhibaient à l'attention des étudiants en médecine les organes de jeunes Vénus aux poses lascives et extatiques. Or les œuvres de ces artistes-femmes semblent prendre le contre-pied de ces représentations à la fois fascinantes et perverses. Leur traversée des apparences rapporte la femme à l'universel de la condition humaine.

Pilar ALBARRACIN (née en 1968), Visceras Por Tanguillos, série Anatomia Flamencas,
2018, photographie, 187 x 125 cm, coll. privée.

Vénus de Médicis, vers 1798, Musée La Specola, Florence, musée d'Histoire naturelle de Florence.

Ainsi, l'art textile apparaît comme le lieu d'une double émancipation : émancipation des femmes-artistes qui utilisent, dès le début du XX e siècle, des savoir-faire transmis par des générations successives de femmes pour affirmer leur identité au sein d'un champ artistique dominé depuis toujours par les hommes ; émancipation de techniques et de mediums qui jusqu'alors n'étaient pas admis dans le champ de l'art officiel. En effet, les artistes du Soft Art décident de faire des pratiques populaires méprisées leur moyen d'expression par excellence, et ce, quand d'autres femmes-artistes préfèrent investir des disciplines reconnues pour y gagner une place légitime. Ce qui jusqu'alors n'était considéré que comme une occupation domestique et une discipline où s'exerçaient la dextérité, le bon goût et la vertu a pu devenir le terrain de revendications féministes virulentes, d'œuvres transgressives, et d'une mise en jeu radicale du corps de la femme, en s'inscrivant de façon pertinente et avant-gardiste dans une histoire contemporaine de l'art qui voit de façon générale les pratiques vernaculaires accéder au rang légitime de moyens plastiques.

Chiharu SHIOTA (née en1972), Me Somewhere Else, fil noué, pieds en bronze, installation du 28 novembre 2018 - 19 janvier 2019, Londres, Blain|Southern.

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Femmes et fil. Les anti-Pénélope (partie 3)

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Laura Bernard Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l'aiguille et du fil est associé à l'univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C'est l'ambivalence de ce médium, à la fois symbole d'exclusion et savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur ...

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Femmes et fil. Les anti-Pénélope (Partie 2)

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Laura Bernard Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l’aiguille et du fil est associé à l’univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C’est l’ambivalence de ce médium, à la fois symbole d’exclusion et savoir-faire spé…

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Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l'aiguille et du fil est associé à l'univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C'est l'ambivalence de ce médium, à la fois symbole d'exclusion et de savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur la scène des avant-gardes au cours du XXe siècle et jusqu'à nos jours encore.

Homère, dans l' Odyssée,donne à travers le personnage de Pénélope une représentation archétypale du travail féminin : ouvrage tissé et détissé ad libitum, le travail de Pénélope, certes virtuose, est parfaitement improductif et qui plus est, invisible.

Les travaux de tapisserie et d'aiguille sont traditionnellement emblématiques du travail des femmes : école de la patience, de l'obéissance, et de la modestie - c'est le linceul de son beau-père Laërte que Pénélope tisse pieusement pour le jour de sa mort - ils ont longtemps été constitutifs de l'éducation féminine, les techniques étant transmises de mère en fille. Les abécédaires méticuleusement brodés par des générations de petites filles font partie aujourd'hui d'une mémoire commune dont les artistes-femmes se sont emparées. Cette mémoire est à bien des égards paradoxale : elle rend compte d'une culture et d'une sociabilité féminines dont témoigne par exemple Cotton Fields, Sunflowers, Blackbirds and Quilting Bees (1997) de Faith Ringgold (née en 1930), réalisée en patchwork - technique que l'artiste a apprise de sa mère avec laquelle elle ne cessa de travailler - en figurant une assemblée de femmes autour d'un ouvrage. Ces moments de travail collectif favorisent, de fait, la liberté de parole entre femmes, mais ils sont aussi représentatifs d'une séparation à laquelle l'ordre patriarcal les soumet. C'est ce que rappelle Carolle Bénitah, artiste française d'origine marocaine en brodant sur une photographie d'elle à 14 ans les motifs floraux que l'on voit sur le papier peint en arrière plan. En cousant son portrait à ce fond, l'artiste exprime le sentiment douloureux qu'elle avait alors d'être comme épinglée, assignée à un quotidien qu'elle n'avait pas choisi.

Carolle Bénitah, Photosouvenirs Tapisserie, 2014, broderie sur photographie.

Il s'agira donc de se demander comment les artistes-femmes détournent le travail du fil, instrument d'oppression, pour en faire l'instrument de leur libération.

On peut mobiliser, en préambule, un autre mythe lié au tissage : celui d'Arachné, condamnée à être transformée en araignée et à devoir tisser toute sa vie un unique fil. Le mythe renvoie à la démesure (l' hybris) de l'artiste-créateur qui défie les dieux, mais nous pouvons aussi bien le lire comme le châtiment de la femme-artiste qui veut dépasser le cadre que les hommes lui imposent. Annette Messager (née en 1943) s'est emparée du mythe avec humour, fabriquant une araignée avec des soutiens-gorge, mais c'est évidemment à Louise Bourgeois (1911-2010) que l'on pense lorsque l'on évoque ce motif récurrent dans son œuvre. L'araignée pour Louise Bourgeois est un animal positif qu'elle appelle " maman " en hommage à sa mère qui était restauratrice de tapisseries anciennes. De fait, c'est toute une génération d'artistes nées à partir des années 1930 qui s'est saisie de ce travail féminin, non plus pour broder sagement penchées sur l'ouvrage, mais d'une manière personnelle mettant en jeu tout le corps - et non les doigts seuls.

Louise BOURGEOIS (1911-2010), Maman,
1999-2005, bronze, hauteur : environ 10 m, Ottawa, National Gallery of Canada.

Annette MESSAGER (née en 1943), Dessus Dessous : Les Soutiens-gorge, 2015, installation, textiles prêt-à-porter, Calais, Cité de la Dentelle, © Marc Domage.

On retrouve la démesure d'Arachné dans des œuvres sur-dimensionnées comme les tapisseries de Sheila Hicks (née en 1934), et dans le détournement de la technique traditionnelle. C'est ce qu'Aline Dallier (née en 1927), une des premières historiennes de l'art en France à s'intéresser à l'art des femmes, nomme dans les années 1960 " l'art textile " ou le" Soft Art ", et les femmes qui le pratiquent, les Nouvelles Pénélope. L'histoire de l'art a retenu comme dénomination de ce courant artistique la Nouvelle tapisserie.
Ne plus faire tapisserie
L'une des premières caractéristiques formelles des œuvres de La Nouvelle tapisserie est leur dimension sculpturale. Non seulement ces artistes-femmes empruntent à la sculpture sa monumentalité, mais aussi la tridimensionnalité, et ce alors que traditionnellement les travaux d'aiguille et de tissage se font à plat. On penserait au premier regard que les œuvres monumentales et blanches de Simone Pheulpin (née en 1941) sont sculptées dans la pierre. Or, elles ne sont faites que de bandes de coton très fin épinglées. Ses sculptures mobilisent des milliers d'épingles désormais invisibles, excepté dans leurs radiographies qu'elle présente désormais. Simone Pheulpin dit de ses œuvres qu'elles sont à son image : très douces à l'extérieur, mais piquantes à l'intérieur.

Simone PHEULPIN (née en 1941),(à gauche) Croissance IV, 2016 coton et aiguilles. // (à droite) radiographie de Croissance © Julien Cresp

Les œuvres de Jagoda Buić, artiste croate née en 1930, sont d'une échelle qui impose le travail collectif. Afin de réaliser le fin travail de feuilletage, l'artiste fait appel à des tisserandes dont elle met en valeur les savoir-faire, se replaçant dans la tradition de la transmission féminine des techniques. De même, la colombienne Olga de Amaral (née en 1932), venue à l'art après une formation d'architecte, réalise des tapisseries immenses où courent des fils d'or et d'argent.

Jagoda Buić (née en 1930) photographiée avec ses collaboratrices au début des années 1970.

Ainsi, faire grand pour une artiste-femme, c'est sortir du cadre qu'on lui a fixé - la sphère domestique - et affirmer une présence dans l'espace public dont les femmes avaient été exclues. La conquête de l'espace extérieur se présente alors comme un en jeu d'émancipation artistique. L'artiste péruvienne Ana Teresa Barboza (née en 1980) joue du cadre et de sa transgression. Elle présente des paysages enfermés dans leur tambour à broder, mais les fils colorés débordent du cercle, dévalent du mur, envahissent le sol. Orly Genger (états-unienne née en 1979), travaille à une échelle plus grande encore, tressant de la grosse corde de marin pour investir des parcs et des jardins d'œuvres qui atteignent une dimension architecturale. Quant à la New-Yorkaise d'origine polonaise, Olek (née en 1978), elle habille maisons, trains et édifices de textiles colorés réalisés au crochet, en faisant appel à la main d'œuvre féminine qu'elle trouve sur place. Elle crochète tout, envahit tout, et n'hésite pas à accompagner son travail de messages féministes et politiques. Lors des élections états-uniennes en 2016, on a pu voir se dresser un immense panneau de soutien à Hillary Clinton, " I'm with her ", intégralement réalisé en crochet. L'on constate ainsi que lorsque les femmes s'emparent du dehors, c'est très fréquemment de manière collective et solidaire.

Orly GENGER (née en 1979), Red, Yellow and Blue, 2013, filet de pêche et peinture, New York, installation au Madison Square Park.

Agata OLEKSIAK, dite OLEK (née en 1978), The Train, 2013,
crochet, Pologne, Lodz

La trame
Le textile est intimement lié à l'art occidental depuis la Renaissance dès lors que la toile est devenue le support de la peinture. L'entrecroisement de fils qui la constitue forme une trame si ce n'est une grille. Ce motif abstrait devait être promis à un large succès dans l'art moderne tant pour son ouverture à toutes les interprétations plastiques que pour sa charge symbolique en ce qu'il évoque la prison, l'enfermement.

Dès les années 1930, Pierrette Bloch (1928-2017) travaille la maille, le crin de cheval, dans des compositions abstraites. Mais c'est certainement Anni Albers (1899-1994), artiste du Bauhaus exilée aux États Unis, première femme à bénéficier d'une exposition monographique en 1949 à New York, qui a porté l'art textile à la reconnaissance institutionnelle et au rang des Beaux-Arts, avec des compositions abstraites où la géométrie n'occulte jamais l'orthogonalité de la trame. Le choix du matériau, dans son cas, était pourtant un choix contraint : au Bauhaus, où l'on se targuait pourtant d'abolir la hiérarchisation entre les arts et entre les individus, les femmes étaient le plus souvent dirigées vers l'atelier tissage ! " Tisser, dit-elle, je pensais que le tissage était trop efféminé. Je cherchais un vrai travail. Je suis arrivée au tissage sans grand enthousiasme comme étant le choix le moins insupportable. " Or, elle découvre très rapidement les potentialités plastiques du matériau et se consacre à les explorer. Même Louise Bourgeois, à la fin de sa vie, revient à l'abstraction dans l' Ode à l'oubli, livre de tissu et de papiers, réalisé avec des morceaux de vêtements qu'elle portait dans les années 1920.

Pierrette BLOCH (1928-2017), Sans titre,
1995, crin fixé sur panneau recouvert de papier, 60 x 58 cm, Genève, Fonds cantonal d'art contemporain

Anni ALBERS (1899-1994), Tapisserie, 1948, lin et coton tissés à la main, 41,9 x 47,6 cm, New York, the MoMA

À cette génération de " nouvelles Pénélope ", s'introduisant dans le champ artistique par l'entrée qu'on leur avait réservée quitte à l'investir pleinement et de manière très personnelle, a suivi celle qu'on pourrait qualifier " d'anti-Pénélope ", ouvertement contestataires et politiques. On retrouve ainsi le motif de la grille en 1971, avec Jeu de Dames de Raymonde Arcier (née en 1939) dont elle dit : " J'ai décrit également avec crudité et ironie, le lien qui unit la ménagère à la serpillère, en cousant une serpillère propre à une sale jusqu'à concurrence de 16 serpillères. D'où mon Jeu de dames. Je nettoie, ils salissent. Je salis sans qu'ils nettoient. J'interdis de salir " , ou chez (1936-2017), qui de manière à la fois poétique et subversive, brode du grillage en fil de fer.
Le canevas, le cercle
Le tambour - ou cercle à broder - prend dans nombre d'œuvres du Soft Art la place du cadre traditionnel pour tableau. L'iconographie du sein dont la rondeur fait écho à la forme du tambour à broder est dominante si bien que support et corps ne font plus qu'un. En ce sens, Mammary (2017) de la britannique Rebecca D. Harris (née en 1977) peut être considérée comme un manifeste : tendu sur un cadre doré, un buste en nylon présente à la place d'un des deux seins un tambour à broder encerclant une délicate broderie florale. L'association d'un cadre, symbole de l'art officiel, essentiellement masculin, et d'un cercle à broder féminin, l'affichage du corps de la femme tout autant que l'usage d'un textile emblématique de la garde-robe féminine, affirment la conquête de l'art par les femmes. Harris se sert du tambour à broder pour circonscrire des bustes en textile comme des morceaux de peau. Elle représente des seins gonflés ou flétris, rappelant l'infinie variété des corps et dénonçant ainsi les diktats de la mode. Sa compatriote Sally Hewett (née en 1980) reprend le téton comme motif décoratif de travaux de broderie, dans des réalisations parfois gracieuses, mais souvent plus graves et dérangeantes comme PIP, du nom des prothèses mammaires défaillantes qui avaient fait scandale en 2012, figurant un sein recousu, ou Acid Attack (2017), seins roses à la peau rongée évoquant certains actes de terrorisme masculin vis-à-vis des femmes.

Sally HEWETT (née en 1980), Sisters under the skin 1, 2013, Lycra, broderies de soie, rembourrage, cercle à broder, 48 x 48 x 20cm, coll. part.

Toutefois le sein n'est pas le thème exclusif : toutes les parties du corps féminin se trouvent cadrées par le tambour, la toile devenant peau et la peau délimitée comme une toile. Rebecca D. Harris représente un bas-ventre mutilé par des opérations dont le pubis noir constitue le centre du cercle, ou encore un ventre tailladé par des vergetures. Mais c'est l'anglaise Eliza Bennett (née en 1980) qui accomplit in fine la fusion entre la peau et le canevas en brodant sa main à même la peau pour l'œuvre A Woman's Work Is Never Done (2012).

Eliza BENNETT (née en 1980 ),
A Woman's Work Is Never Done,
2012, chair et fils.

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Femmes et fil. Les anti-Pénélope (partie 1)

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Laura Bernard Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l'aiguille et du fil est associé à l'univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C'est l'ambivalence de ce médium, à la fois symbole d'exclusion et de savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé ...

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couture, tissage, tricot et crochet 140 x 130 cm

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Rechercher sur Internet des courts-métrages réalisés par des artistes plasticiens ne permet pas souvent d'en trouver d'aussi faciles accès. Francis Alÿs, artiste belge expatrié au Mexique depuis plusieurs années, en a une opinion différente. Exposé notamment à la Tate Modern à Londres ou encore au Centre Pompidou à Paris, il laisse ses vidéos visualisables en ligne et disponibles en Creative Commons. Pratique qui en dit long sur sa vision du cinéma, proposition volontariste d'obtenir une portée aussi large que possible.
Reel Unreel (2011) de Francis Alÿs. En collaboration avec Julien Devaux et Ajmal Maiwandi. Vidéo, 20 min. Une production du Musée Jenisch Vevey (Suisse)

" Reel Unreel " évoque autant d'allégories que de vérités sur une situation chaotique en Afghanistan. Francis Alÿs rappelle par bribes, une situation, un état. Un fil rouge, incarné par la bobine de film (reel), à travers la capitale de l'Afghanistan qui nous questionne sur ce qu'est le " réel " et " l'irréel " !

Personne ne songe à arrêter ces enfants traversant la ville via des rues parfois délabrées. Quelques curieux par-ci par-là regardent le déroulement du film. Et c'est par celui-ci que l'on découvre la vie, les habitants, les hélicoptères tournoyant, les soldats, le marché de la ville, une roulotte et ses chevaux, une djellaba, des cyclistes, un 4×4 ou encore la police. Comme un visionnage abstrait, une non projection de cette pellicule. C'est une projection de l'état d'un Etat, C'est le " réel " qui est ici présent. La guerre est là, les rues sont sales et la poussière est vivace.

Lorsqu'un brûlot enflamme une partie de la pellicule, les enfants continuent sur leur lancée, et l'on ne peut s'empêcher de penser aux talibans qui brûlèrent, en 2001, les films de la Cinémathèque de Kaboul et qui déclenchèrent un incendie de 2 semaines. Ce passage marque une rupture dans le processus d'enroulage et de déroulage du film. Commence alors dans notre regard de spectateur l' " unreel ", et toutes ses métaphores qui nous viennent alors, les allégories à cette guerre. La vie qui se déroule sous nos yeux est un film implicite. Le film est brûlé, mais il continue de tourner dans sa bobine (reel en anglais). L'unreel, c'est tout ceci, tout ce qui est évoqué en arrière, d'une manière abstraite et que l'on comprend.

Kaboul est une salle de cinéma dans lequel le spectateur, par la course de ces enfants, regardent la vie se dérouler. La bobine de film est métaphore de la vie, la vie est métaphore du film.

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Reel Unreel de Francis Alÿs - Format Court

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Rechercher sur Internet des courts-métrages réalisés par des artistes plasticiens ne permet pas souvent d'en trouver d'aussi faciles accès. Francis Alÿs, artiste belge expatrié au Mexique depuis plusieurs années, en a une opinion différente. Exposé notamment à la Tate Modern à Londres ou encore au Centre Pompidou à Paris, il laisse ses vidéos visualisables en ligne et disponibles en Creative Commons.

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Polvo de Gallina Negra — AWARE Women artists / Femmes artistes

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Polvo de Gallina Negra, founded in 1983, was the first self-described feminist art collective in Mexico. Over the course of a decade the group created a number of innovative public and participatory works involving performance and media interventions that disrupted patriarchal systems and attempted…

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Postface d'Audrey Muratet et Manuel Joseph.

Cet ouvrage est publié dans le cadre du " 1% artistique " du collège Sólveig Anspach, appliqué par le département de la Seine-Saint-Denis en collaboration avec la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France et le groupe Fayat. Il a également reçu le soutien de la coopérative de recherche ESACM (2016), ainsi qu'une bourse de la région Île-de-France (2019). Il a en partie été conçu dans le cadre d'une résidence au Crédac, le Centre d'art contemporain d'Ivry.

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Postface d'Audrey Muratet et Manuel Joseph. Cet ouvrage est publié dans le cadre du " 1% artistique " du collège Sólveig Anspach, appliqué par le département de la Seine-Saint-Denis en collaboration avec la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France et le groupe Fayat.

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Sha-kkei ou Emprunter le paysage | Monumenta 2012 - Daniel Buren

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En 1985, Daniel Buren est l'invité du festival d'Ushimado au Japon. Il est frappé par le site exceptionnel, ses nombreuses îles, son relief accidenté, contrastant avec l'impressionnante jetée du XVIe siècle, parfaitement rectiligne et de 400 mètres de long, qui se déploie dans le port.

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École nationale supérieure d'art et de design de Nancy

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Calendrier

Jusqu'au 29 mars 2022 Inscription et formulation des vœux sur Parcoursup

1er avril 2022 date limite des inscriptions "hors Parcoursup"

7 avril 2022 Confirmation des vœux

14-15 avril 2022 Réception du mail contenant les sujets des épreuves de culture générale et épreuve plastique

20 avril 2022 Réception d'un mail avec la date et l'horaire de l'entretien

25 avril 2022 Dépôt en ligne des réponses aux sujets de l'épreuve plastique, de culture générale et du dossier de travail personnel

02/05 -> 06/05/ 2022 Entretien avec le jury en visioconférence

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Admission en année 1 - École nationale supérieure d'art et de design de Nancy

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Calendrier Jusqu'au 29 mars 2022 Inscription et formulation des vœux sur Parcoursup 1er avril 2022 date limite des inscriptions "hors Parcoursup" 7 avril 2022 Confirmation des vœux 14-15 avril 2022 Réception du mail contenant les sujets des épreuves de culture générale et épreuve plastique 20 avril 2022 Réception d'un mail avec la date et l'horaire de l'entretien 25 avril 2022 Dépôt en ligne des réponses aux sujets de l'épreuve plastique, de culture générale et du dossier de travail personnel 02/05 -> 06/05/ 2022 Entretien avec le jury en visioconférence

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Composition du portfolio :

- Une page de garde notifiant vos nom, prénom, numéro de dossier Parcoursup, date de naissance, adresse, dernier établissement fréquenté

- 6 travaux plastiques légendés et commentés (matériaux, démarche et origine du projet, influences, artistes de référence). Ces travaux peuvent être des dessins, des collages, des photographies, des peintures, des éditions, des vidéos, ou du son avec un lien internet,...

- Une explication commentée et argumentée des références culturelles qui nourrissent votre univers, marquent ou ont marqué votre pratique : artistes, événements culturels, livres, films, expositions, festivals, etc. Nous serons attentifs à la variété de vos exemples et à l'intérêt que vous porterez à la création contemporaine. >> 8 à 10 lignes par commentaire

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Le dossier devra être accompagné d’une page maximum présentant les intentions des travaux, et si possible avec des références les nourrissant.

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École Nationale Supérieure d'Art de Bourges

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Store photos and docs online. Access them from any PC, Mac or phone. Create and work together on Word, Excel or PowerPoint documents.

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« Pour moi, le travail de la Mappa brodée est l'idéal de la beauté. Pour ce travail, je n'ai rien fait, rien choisi, en ce sens que : Le monde est fait comme il est, non pas comme je l'ai conçu (…) ; lorsque l'idée de base, le concept, émerge, tout le reste ne nécessite pas de choix ».

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IAC — Institut d’art contemporain — Villeurbanne/Rhône-Alpes

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Alighiero Boetti ← Artistes ← IAC — Institut d’art contemporain — Villeurbanne/Rhône-Alpes

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tissage de fil en papier journal et de fil en coton

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tissage d'épluchures séchées de pomme de terre

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L'École nationale supérieure d'art et de design de Nancy (Ensad Nancy) est un établissement d'enseignement supérieur du ministère de la Culture. Elle délivre des diplômes valant grade Licence et Master en Art, Communication visuelle et Design.

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Faux Roman Opalka (Collection Henryk Opalka), Varsovie

Si, à ma connaissance, la galerie Napiorkowska a pris toutes les précautions nécessaires pour ne pas vendre de faux Opalka, il en va différemment pour la galerie Stalowa qui, malgré mes avertissements, continue de proposer des travaux non certifiés.

Marie-Madeleine Opalka

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Roman Opalka Site Officiel Je compte de manière continue de 1 à l'infini sur des toiles de mêmes dimensions, à la main, au pinceau et à la peinture blanche, sur un fond uni recevant pour chaque tableau environ 1% de blanc supplémentaire.

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Hans Richter, Rhythmus 21, 1921 (Colle du 03.01 PJJ)

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Hans Richter, Rhythmus 21, 1921 (Colle du 03.01 PJJ)

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En regard avec votre série de photographie d'intérieur d'objets (tuyaux, pots en verre etc) et sur la question de la suggestion de la profondeur par des jeux de valeurs et de dimensions à l'intérieur du cadre.
Dans votre travail les objets photographiés nous font basculer dans un environnement abstrait créant des jeux formels. Dans le travail de Richter, la manipulation de la lumière (lors de la fabrication) donne l'illusion d'objets réels qui se déplacent dans un espace sombre (lors de la projection).

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En regard avec votre travail photographique qui montre une série de prises de vues intérieures d'objets (tuyaux, pots en verre etc).
Sur la question de la série et du travail typologique, Bernd et Hilla Becher entreprennent de documenter méthodiquement l'architecture des bâtiments industriels des xixe et xxe siècles en Europe et en Amérique du Nord, avec un protocole toujours identique: vue frontale, centrage du sujet, utilisation du télé objectif pour éviter toute déformation, temps gris pour isoler le sujet du fond etc).
> https://www.laboiteverte.fr/bernd-et-hilla-becher/

L'artiste Idris Khan rendra hommage au Becher en proposant une nouvelle version de leur série: une impression pigmentaire sur aluminium superposant l'ensemble des photographies d'une même série.
> https://www.saatchigallery.com/artist/idris_khan