# data[].attributes.body
El frotado, también conocido como frottage, es una técnica artística que se originó en la década de 1920 y fue popularizada por el artista surrealista Max Ernst. Esta técnica consiste en colocar una hoja de papel sobre una superficie texturizada o en relieve y frotarla con lápiz, carboncillo o crayón para capturar los detalles de la superficie.

Por ejemplo, un artista podría realizar un frottage sobre una malla metálica, una hoja de árbol, una baldosa cerámica o cualquier objeto con texturas interesantes. Al deslizar el lápiz sobre el papel, las irregularidades y patrones de la superficie se transfieren al papel, creando una obra de arte única.

Max Ernst, pionero de esta técnica, utilizó el frottage en sus obras surrealistas, explorando la espontaneidad y la automatización del proceso creativo. Sus creaciones a menudo contenían elementos fantásticos y oníricos, ampliando así los límites de la imaginación.

Hoy en día, la notación rub ha evolucionado con la incorporación de nuevas tecnologías. Algunos artistas combinan el frottage con la fotografía digital y exploran la fusión de lo analógico y lo digital en sus obras. Esta integración amplía las posibilidades creativas y le permite experimentar con diferentes capas visuales. Además, la técnica del frottage no se limita al papel tradicional; Algunos artistas exploran superficies tridimensionales, ampliando las posibilidades creativas.

Esta forma de expresión artística se ha convertido en una herramienta versátil para artistas contemporáneos que buscan explorar nuevas dimensiones visuales y narrativas en sus obras. En definitiva, el marcado por frotado es una técnica que va más allá de la mera representación visual y abre un espacio a la experimentación, la conexión entre lo tangible y lo imaginario y la evolución constante de la mano de artistas innovadores.

# data[].attributes.headline
Tecnica Mural                                              Leisy

# data[].attributes.subject
Tecnica Mural                                              Leisy

# data[].attributes.body
Un mural o pintura mural es una técnica artística pintada o aplicada directamente sobre un muro o pared,¹​ bien sea piedra o algún tipo de construcción. Los modelos históricos más habituales son de composiciones pictóricas, o también realizados en mosaico, cerámica o esgrafiado.En la actualidad, esta disciplina es la representación artística que se realiza sobre una pared, muro o fachada que destaca por la monumentalidad y que tiene un objetivo artístico, decorativo o, incluso, didáctico. La pintura mural, por definición, es aquella obra de arte que forma parte inseparable de los espacios arquitectónicos. No nos referimos a una composición plástica independiente, más cercana a la pintura de caballete, sino que se encuentra profundamente vinculada a los muros de la arquitectura sobre los que se asienta. Se pueden utilizar diferentes herramientas para pintar murales tales como pinceles, brochas y rodillos, aerosoles, aerógrafos e incluso rotuladores de pintura.

Las ventajas de la pintura mural son que Ayudan a romper con la monotonía cromática, de texturas o materiales de un espacio, haciéndolo visualmente más interesante y llamativo. Dan cohesión al espacio. Cuando repiten color, textura, material o estampados de otros elementos del mismo espacio, dan unidad visual al conjunto.

Los siguientes pintores practican la pintura mural.

José Clemente Orozco

Roberto Montenegro

Diego Rivera. Mexican

Saturnino Herrán.

Rufino Tamayo

David Alfaro Siqueiros

Y muchos más.

También hay varias obras con esta técnica. El mural más importante del mundo es ‘Julio César', ubicado en Lugo y firmado por el artista Diego As, encabeza la lista de los mejores murales del mundo en 2021 elaborada por Street Art Cities.

# data[].attributes.body
El grafiti es una técnica pictórica de muy reciente creación y que consiste en pintar con pintura de spray en paredes, objetos urbanos, medios de transporte urbanos y otros elementos de la ciudad. Inicialmente, es una expresión rápida para dejar escrito un mensaje, una protesta, una idea o solo el nombre de alguien.
La evolución comienza cuando el grafiti se empieza a usar como firma (los “tag”) y para señalar la presencia de alguien en un sitio. El grafiti deja de expresar una idea concreta, algo sobre alguien, y se centra en el autor que ha pintado una firma, sabiendo que esa firma se hace famosa, ya que está en un sitio donde mucha gente la puede ver.  A partir de aquí evoluciona la estética de la tipografía, se trabaja más el diseño de las formas, los colores y la composición. Todo esto unido a la ilustración y las pinturas.

principalmente las ilustraciones expresan dos movimientos culturales muy fuertes: el punk y la cultura Hip Hop.

El estilo punk hace ilustraciones más agresivas y pintura más desbordante, dibujos no bien definidos y elementos como borrones, tachaduras y nerviosismo pictórico.

El estilo hip hop en grafiti genera:

2.1 – Dibujos de personas vestida al “estilo afro”, con gorras, zapatillas de deporte, pantalones anchos, etc. (El estilo callejero hip hop proviene de los afroamericanos).

2.2 – Juventud rebelde, bailes, música y relaciones en la calle.

2.3 – Los gestos corporales provocadores. Y con ello también las forma o deformaciones expresivas y rebeldes.

Por supuesto las ilustraciones van acompañadas de las firmas.

El estilo de ilustración del Grafiti o pintadas ha ido evolucionando y ha sido ampliado por muchos artistas “grafiteros”, de modo que hay una gran diversidad. Cada artista le aporta su propio estilo personal. Por lo tanto, concretar este estilo excluye muchísimas otras formas que también utilizan la técnica del grafiti.

# data[].attributes.body
Swipe Painting o pintura de desplazamiento es una técnica pictoreca , que consiste en colocar la pintura en el lienzo y la barrerla (swipe) como hacen las escobas en el suelo. La pintura se aglutina en pisos y capas. Poco a poco los colores inferiores salen a la superficie originando un espectáculo.Depende el material que utilices para hacer el barrido, ocasionará diferentes efectos. El uso de una servilleta húmeda absorbe más pintura. Es un barrido más anclado y fuerte, pero en ocasiones debes realizar un barrido a un lado y a otro. Una hoja de papel barre la pintura de la superficie. Esto permite que los colores del fondo se mantengan en su lugar sin necesidad del dobel barrido

# data[].attributes.body
El linograbado es una variante del grabado en la que una hoja de Linóleo (a veces montada en un bloque de madera) se utiliza como matriz. El diseño se graba espejado y en negativo sobre la superficie de linóleo con un cuchillo afilado, gubia, o cincel en forma de V. La hoja de linóleo se entinta con un rodillo (llamado Brayer), y, a continuación, se imprime sobre papel o tela. La impresión puede hacerse a mano o con una prensa.

El linóleo es un material compuesto de aceite de linaza oxidada, y también contiene corcho, yute y pigmentos en su composición; además, su uso como revestimiento de suelo se remonta al 1860. La técnica de impresión linograbado se utilizó por primera vez por los artistas de Die Brücke entre 1905-13 en Alemania, donde se usaba de forma similar para la impresión de papel mural. En un principio sus obras fueron descritas como xilografías.

El material se distingue porque al ser tallado no tiene dirección particular, no tiene grano ni fibra que pudiesen tender a dividirse; es más fácil obtener determinados efectos artísticos con linóleo que con la mayoría de las maderas, aunque las impresiones resultantes pueden carecer del carácter granulado -a menudo angular- de xilografías y grabados. El linóleo es mucho más fácil de cortar que la madera, especialmente cuando se calienta, pero la presión del proceso de impresión degrada la placa más pronto, además de que es difícil crear grandes obras debido a la fragilidad del material en grandes superficies.

También se pueden elaborar matrices mediante la aplicación cuidadosa de hidróxido de sodio en pasta sobre partes de la superficie de linóleo. De este modo se crea una superficie similar a la de un grabado de fondo blando, obteniendo planchas de linóleo cáustico, que pueden aplicarse en forma de relieve, grabado o como impresión simultánea en color.

El linóleo en color se puede hacer mediante el uso de un bloque distinto para cada color como en un grabado en madera. Pablo Picasso demostró de manera muy eficaz que tales impresiones también se pueden lograr con el mismo segmento de linóleo, en lo que se denomina el método "reduccionista" de impresión. En esencia, después de imprimir el primer color en varios papeles, el artista limpia la placa de linóleo y corta lo que no se estampará con el color aplicado posteriormente. Así cada color se imprime en forma sucesiva sobre el papel o la tela.

La técnica de grabado en linóleo es muy estimada y utilizada por los artistas plásticos en el presente y por sus características es una actividad muy apropiada para realizar en las aulas de artes plásticas.

# data[].attributes.body
La serigrafía, también conocida como silk screen, es una técnica de impresión que utiliza una malla para transferir tinta a una superficie, dejando pasar la tinta solo a través de áreas específicas. Originaria de la antigua China, la serigrafía ha evolucionado hasta convertirse en una forma de expresión artística contemporánea.

Con esta técnica se pueden experimentar con una variedad de materiales, desde papel y tela hasta madera y metal. La clave de la serigrafía radica en el proceso de preparación, donde se crea una plantilla o pantalla que determina las áreas por donde la tinta será transferida.La serigrafía es un método de impresión que utiliza una malla para transferir tinta a una superficie, dejando pasar la tinta solo a través de áreas específicas definidas por una plantilla. Este proceso se utiliza comúnmente en la impresión de textiles, como camisetas, pero también se extiende a la creación de obras de arte, carteles, etiquetas y más.

El proceso de serigrafía comienza con la creación de una plantilla, generalmente hecha de seda o materiales sintéticos, que se estira sobre un marco. Luego, se aplica una capa fotosensible sobre la malla y se expone a luz ultravioleta con un diseño o imagen negativa, que endurece las áreas no expuestas. Después, se lava la malla para eliminar las áreas no endurecidas, creando la plantilla.

Una vez preparada la plantilla, se coloca sobre la superficie a imprimir. La tinta se aplica y se extiende sobre la malla con una espátula, forzándola a pasar a través de las áreas abiertas de la plantilla y depositándola en la superficie de impresión. Este proceso se repite para cada color en la obra, permitiendo la creación de imágenes complejas y vibrantes.

La serigrafía es apreciada por su versatilidad, ya que puede imprimir sobre una variedad de materiales, incluyendo papel, cartón, tela, metal y madera. Además, permite trabajar con una amplia gama de tintas y colores, ofreciendo oportunidades creativas ilimitadas.

Este método ha sido utilizado históricamente en la producción comercial, pero también ha encontrado un lugar destacado en el ámbito artístico, donde artistas experimentan con sus posibilidades expresivas, creando obras únicas y reproducibles al mismo tiempo.

# data[].attributes.body
El collage construye una imagen con la suma de otras imágenes. En cambio, el décollage crea otro estilo arrancando o rasgando partes de la original, viéndose parte de la imagen de atrás. Así como en la imagen.

Estás técnicas se desarrollaron en épocas diferentes.

El décollage se puso de moda en los años sesenta, cuando la técnica se hacía fundamentalmente con los afiches que había pegados, unos sobre otros, en los carteles publicitarios de las paradas del bus y otros lugares.

El origen de la técnica está entre Pablo Picasso y Georges Braque. En 1912 ambos incluyeron papeles, trozos de mantel y envoltorios a sus obras. A partir de ahí, la técnica ha pasado por diversos movimientos. Pero, no es del todo su mérito porque ya en el siglo XII en poemas japoneses. Además, Mary Delany en el siglo XVIII creó más de 1000 collages botánicos con pedazitos de papel.

Estás dos técnicas se logran de manera muy fácil, se necesita:

Tijera

Adhesivo

Cartón fino

Elementos para poder recortar

Utilizando solo estos materiales podremos crear un collage y si lo rasgamos, hasta un decollage.

Artistas y sus obras:

Juan Gris "La botella de anís" de 1914.

Este artista nacido en Madrid el 1887 es consideraba un maestro del cubismo. Desarrolló sus técnicas en París como el collage que utilizó en este cuadro. Pegó la etiqueta de una botella, papel que imita la madera y papel de periódico. Y consiguió un resutado cubista con el significado en sus recortes.

"Naturaleza muerta con silla de rejilla" de Pablo Picasso, de 1912.

El que se consideran el primer collage. Pablo Picasso nació el 1881 en Málaga. Fue un pintor y escultor español, creador del cubismo. Este collage lo hizo con óleo, un recorte de hule impreso con una imagen industrial de una rejilla, papel encolado y una cuerda que hace de marco.

"Jacques villeglé the wailers and bob marley, agen" de Jacques Villeglé en 1998.

Jacques fue un artista francés y famoso por su alfabeto con letras simbólicas y escote con carteles rasgados o lacerados. Nació en París en el año 1916. Esta obra llama la atención por sus diferentes rasgados, colores, letras...

# data[].attributes.attachment_caption
Obras más importantes de Jackson Pollock: 

# data[].attributes.body
Esta técnica consiste en dejar gotear la pintura sobre una pieza de cerámica, un lienzo o cualquier superficie y, de esta manera, conseguir crear diferentes formas y jugar con los colores. Todo de una manera muy espontánea.

El creador de está tecnica fue Jackson Pollock que fue un pintor estadounidense y precursor del Expresionismo Abstracto. Pollock hizo del papel un material de expresión. En él, uso su método de verter, gotear y lanzar la pintura, y estas técnicas libres formaron como contenido artístico: remolinos, puntos, chorros, pinceladas, gotas y graffiti.

Esta técnica al revés de las demás, que se trabajan con caballete, se ponen telas directamente en el suelo y se utiliza pintura industrial, con la que se salpica, derrama o lanza por encima.

# data[].attributes.body
El ensamblaje es una forma o medio artístico que generalmente se crea en una base definida que consiste en elementos tridimensionales que se proyectan desde o hacia la esencia. Es similar al collage, solo que este es realizado en un medio bidimensional. Es parte de las artes visuales y normalmente utiliza objetos encontrados, pero no se limita a estos materiales.

El origen y uso de esta palabra (en su sentido artístico) puede tener su origen en unas pequeñas obras de Dubuffet, que él realizó en agosto de 1953, con alas de mariposa. El artista siguió aplicando el término, en noviembre del mismo año, para unas obras donde corta, pega papel y hace uso de tinta litográfica, la textura que creó de esta forma y con esos materiales, fué transferida por el artista a la piedra litográfica para hacer unas impresiones. En diciembre vuelve hacer el proceso de cortar y pegar, pero esta vez con un papel ordinario y tinta china. El término usado por Dubbufet, assemblage, para las obras antes mencionadas, fue el que adoptó la exposición "The Art of Assemblage" en 1961.

​

El pintor Armando Reverón es uno de los pioneros en la técnica del ensamblaje al emplear materiales desechables como el Bambú, hilos, alambres o papel kraft. En los años 30 fabricó un esqueleto con alas de murciélago, adoptando este estilo años antes que otros artistas. Posteriormente Reverón fabricó instrumentos y piezas escenográficas como un teléfono, un sofá, una máquina de coser, un piano e incluso libros de música con sus partituras.

En 1961, se organizó la muestra "The Art of Assemblage" (del 4 de octubre al 12 de noviembre) en el Museo del arte moderno de Nueva York (MoMA) en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y el Museo de Arte de San Francisco. El creador fue William Seitz, del Departamento de Exhibiciones de Pintura y Escultura del MoMA. En total fueron 250 obras de 130 artistas. La exposición mostró el trabajo de una serie entera de jóvenes artistas de Europa, así como: Braque, Dubffet, Marcel Duchamp, Picasso, y Kurt Schwitters, tanto como los americanos Man Ray, Joseph Cornell y Robert Raushenberg. También pudieron tomar parte otros artistas del assemblage menos conocidos provenientes de la costa oeste americana como Wallace Berman, Bruce Connor, Edward Keinhold y William C Seitz, organizador de la exposición, describió el assemblage como el arte de realizar manufacturas a partir de materiales naturales, objetos o fragmentos desprovistos de calidad artística.

# data[].attributes.body
El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; en inglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque no cumplen una función artística en lo cotidiano, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue uno de los pioneros de su establecimiento a inicios del siglo XX.

El arte encontrado deriva su identidad como arte del nombre que se le da por el artista. El arte encontrado tuvo como antecedente al cubismo. El contexto en el que se ubica, generalmente una galería o museo, es también un factor muy relevante. La idea de dignificar objetos cotidianos de esta manera era originalmente un desafío chocante para la distinción hasta entonces es aceptada entre lo que se consideraba arte en oposición a lo que no era arte.

Precedentes históricos

En obras de arte medievales se introducía directamente el oro, presente por sus cualidades innatas, por lo que puede considerarse un «objeto encontrado», lo mismo que se introducían piedras preciosas. La diferencia esencial entre esta forma antigua de introducir objetos directamente en el cuadro y el «objeto encontrado» actual es el valor de los materiales introducidos directamente. En el pasado se incrustaban objetos valiosos (oro, joyas), mientras que en el arte moderno lo que se usan son principalmente objetos cotidianos, vulgares, que se elevan a un estatus especial al emplearse en una manifestación artística. Hay excepciones, como el uso que hicieron en 2003 los Hermanos Chapman de un conjunto de grabados de Goya, Los desastres de la guerra, que ellos «adaptaron» colocando en las figuras rostros de payasos y marionetas de manera que las láminas fueron valiosas ya por derecho propio como arte