# data[].attributes.body
Presentación de contenidos y contexto.

# data[].attributes.headline
Videos introductorios: Pamela Colman Smith

# data[].attributes.subject
Videos introductorios: Pamela Colman Smith

# data[].attributes.attachment_link.title
Gimnasia - ¿Quién creó las cartas del tarot? - Ver el documental completo | ARTE en español

# data[].attributes.attachment_link.description
Con un nombre tan artístico, Pixie podría haber tocado en una banda punk. Una cosa es segura, Pamela Colman Smith tiene una biografía fascinante, íntimamente ligada a las mundialmente famosas cartas del tarot de Rider Waite; pero su historia “oculta” mucho más.

# data[].attributes.body
Escultura y Códices medievales. Existe una clara relación entre las formas estéticas de las ilustraciones de las cartas del tarot y el resto de las artes.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
escultura: relieve en principio policromado

. En una de las bandas epigráficas que acompañan a las imágenes puede leerse:"¡Oh, pecadores!, si no reformáis vuestras costumbres, sabed que será duro vuestro juicio futuro". La salvación o condenación individual, presente en portadas y en los sermones litúrgicos, era motivo de preocupación para los campesinos ,pero teniendo en cuenta que no sabían leer el mensaje se transmitía a través de las imágenes muy expresivas del mal.

Descripción iconográfica :

- En la superior , dos ángeles sostienen la cruz; otros dos tocan las trompetas del día del juicio.

- En el centro de la banda siguiente , Cristo juez sentado rodeado de la mandorla ( aureola de la que emana luz en los personajes sagrados) . Su mano derecha señala al cielo y la izquierda al infierno. "Venid benditos de mi padre" está escrito en una cinta sobre su cabeza, "a tomar posesión del reino que os ha sido preparado"; y la otra dice "Apartaos de mi malditos". A sus pies, los muertos se levantan de sus tumbas. Se observan dos ángeles uno con un libro y otro con un incensario.

A su derecha y de forma ordenada , incluso espaciosa los bienaventurados encabezados por la Virgen María y San Pedro incluyendo un abad y un rey ,Se observa la mano de Santa Fe intercediendo.Las figuras disminuyen sus tamaños según nos acercamos el borde del tímpano, adaptándose al marco .

A su izquierda y en desorden, con formas retorcidas, desagradables y formas muy expresivas los condenados: monjes y caballeros ..., son alejados por ángeles con lanza y escudo. "Hombres perversos son, pues, lanzados al abismo" se lee en la inscripción

- En el centro el arcángel San Miguel y Lucifer pesan las almas, este último intenta hacer trampa poniendo un dedo en la balanza..

En el lado de nuestra izquierda bajo estructura en gablete y arcos y de manera serena aparece el reino de los Cielos, donde Abraham recibe a las almas de los justos acompañado entre otrasde vírgenes sabias, encima de él se observa como los muertos resucitan y a la izquierda la mano Santa Fe.

A nuestra derecha se representa el Infierno, donde Lucifer preside los horrores y torturas a los que son sometidos los condenados por sus faltas, vicios como la codicia o avaricia ( el condenado a llevar colgado de cuello un saco eternamente) la maledicencia o las habladurías ( un demonio que estira de la lengua a un condenado), un rey sin corona, un borracho, una adultera .. todo ello mediante formas feas, grotescas, desagradables , muy expresivas y en un ambiente de desorden que contrasta con el orden del Paraíso.

Figuras muy expresivas de facil mensaje especialmente LUCIFER Y LOS CONDENADOS con ello se expresa las consecuencias del mal .

III. COMENTARIO: Contexto, función , significados..

Época feudal con profunda fragmentación política por la existencia de los señoríos y de señores feudales tanto laicos como eclesiásticos. El el único vínculo de unión en este mundo dividido es la fe , de ahí la importancia de la iglesia y sobre todo de los monasterios .

La cultura gira en torno a Dios , por tanto cultura teocrática con culto a las reliquias y caminos de peregrinación como Santiago de Compostela.

La Función es d idáctica, moral , quedando patente la enseñanza de las consecuencias de las acciones la salvación o la condenación con horribles castigos por parte de las bestias infernales que es lo más expresivo.

El bien y el mal quedan expresados mediante lo bello y lo feo

Estamos en la entrada a la Jerusalén Celestial en una iglesia de peregrinación.

Significado y valoración Ejemplo de la plástica románica y de expresividad.

La iglesia de Santa Fe de Conques se encuentra en una de las vías del Camino de Santiago y estas imágenes preparaban al peregrino en su viaje .

# data[].attributes.attachment_link.description
escultura: relieve en principio policromado . En una de las bandas epigráficas que acompañan a las imágenes puede leerse:"¡Oh, pecadores!, si no reformáis vuestras costumbres, sabed que será duro vuestro juicio futuro".

# data[].attributes.body
El libro de Horas de Catherine de Cleves es una obra miniada con ilustraciones que conectan con las representaciones de las cartas de la Torre y el Diablo.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En la Morgan Library & Museum colecciones on line tienen un facsímil digital en flash player que ofrece 157 miniaturas y páginas de texto del Libro de horas de Catherine de Cleves. Creado en Utrecht, Países Bajos, en los alrededores de 1440, el manuscrito fue desmontado en algún momento antes de 1856. Sus hojas se mezclan y luego son encuadernadas en dos volúmenes. La primera parte fue adquirida por el duque de Arenberg, cuyos descendientes mantienen la propiedad hasta 1957, momento en que fue comprado por HP Kraus de New York, que lo vendió a Alistair Bradley Martin. Este volumen ha sido conocido por los estudiosos como "Horas de Catalina de Cleves".

Mientras tanto, la segunda parte había sido adquirida por la familia Rothschild, que lo mantuvo en secreto. En 1963, su volumen fue vendido a Morgan como otra edición de "Horas de Catalina de Cleves". Estudiando el libro recién adquirido (se convirtió en MS M.917), junto con el volumen de Martin, el conservador John Plummer de Morgan determinó que en realidad eran dos mitades de un mismo códice. En 1964, Morgan montó una exposición de los dos volúmenes, mostrando todas las miniaturas a través de transparencias en color. Cuando un facsímil del manuscrito fue publicado por George Braziller en 1966, la exposición se repitió. Finalmente, en 1970, Morgan fue capaz de comprar el volumen Martin (se convirtió en MS M.945), y así llegaron a poseer las dos partes del más grande de todos los manuscritos holandeses.

Esta presentación ofrece las miniaturas del original del siglo XV en la secuencia correcta. Esta obra es el mayor manuscrito iluminado holandés en el mundo, con sus miniaturas iluminadas por el maestro de Catalina de Cleves (activo entre 1435 y 1460), este artista es considerado el mejor y más original de la Edad Media en el norte de Holanda y este manuscrito es su obra maestra.

La obra es un libro de oraciones que contiene una serie de devociones ilustradas con miniaturas especialmente elaboradas, el agudo sentido del artista para la observación combinado con un interés por los objetos cotidianos resulta estar muy por delante de su tiempo (vendría a florecer en las pinturas de bodegones en el siglo XVII holandés). Todas las miniaturas están llenas de detalles sorprendentes, la narrativa también fue uno de los grandes talentos del maestro de Catalina de Cleves que elaboraba textos amenos. El codex Catalina también es muy famoso por la decoración de los bordes de página que resultan muy innovadores, no hay dos que sean iguales.

Catalina de Cleves (1417-1476) es conocido por dos cosas: su Libro de Horas y la prolongada batalla política en contra de su esposo. En 1430 se casó con Arnold de Egmond (1410 -1473), convirtiéndose en la duquesa de Güeldres. Aunque dio a luz a seis hijos, el matrimonio no fue feliz. En 1440 Catalina se negó a vivir con su esposo. La guerra entre esposo y esposa fue provocado porque Arnold desheredo a su único hijo vivo, Adolf (1.438-1.477); corría el rumor de que Adolf acusó a su padre de homosexual) El apoyo de Catherine a su hijo en el conflicto llevó a la anarquía. En 1465 madre e hijo encarcelan a Arnold, lo que le obligó a abdicar. Adolf, como duque, pasó seis años en lucha incesante con los partidarios de su padre. En 1471 Catalina vio con horror como Arnold consigue su libertad y recupera su título, mientras que Adolf fue encarcelado. Arnold murió en 1473, después de desheredar a su esposa e hijo. La muerte de Catalina en 1476 no le permitió ver la liberación de su hijo. La libertad de Adolfo fue de corta duración, pues murió al año siguiente.

Catherine, duquesa de Güeldres y condesa de Zutphen, encargó un libro ilustrado con las devociones para orar todo el día. Además de las horas tradicionales de la Virgen y el Oficio de Difuntos, contiene oraciones inusuales para las horas de cada día de la semana, complementado con una adecuada Misa votiva. El libro también incluye un conjunto extraordinariamente rico de cincuenta y siete sufragios, o peticiones a los santos individuales.

El Maestro de Catalina de Cleves era un iluminador anónimo, que lleva el nombre de esta obra maestra de la iluminación flamenca. El Maestro Cleves podría haber sido un miembro de la familia de los pintores Van Aken. Un estudio de las miniaturas indica que el Maestro de Cleves habría diseñado y pintado más las miniaturas de esta obra, así como la decoración principal de los marcos, con una ayuda mínima de dos auxiliares de taller. Es considerado el mejor iluminador y más original de los Países Bajos del norte. El suyo es un estilo equilibrado, casi clásico, con la misma atención otorgada a la representación naturalista y la armonía general de la composición y el color. Su interés en la representación realista de la luz y las texturas se deriva de sus predecesores, como Jan Van Eyck y Robert Campin.

El libro contiene:

Un calendario de días festivos,

El Pequeño Oficio de la Santísima Virgen María,

Las Horas de la Cruz,

Las horas de la Sabiduría Eterna,

Los oficios de los Muertos,

Los Siete Salmos Penitenciales,

Letanías y oraciones diversas,

Una serie de siete oficios para cada día, con una misa de acompañamiento y
Los sufragios, un Memorial de los Santos.

Los Libros de horas eran extremadamente populares en la época medieval tardía y en la fecha de este libro de oraciones, eran el vehículo más común para la iluminación de lujo. Los libros estaban destinados a un uso regular, por los laicos, que deseaban estructurar su vida devocional. Se basaban en la observación de las horas canónicas centradas en la recitación o el canto, de una serie de salmos, que se acompañan de oraciones, ateniéndose a las ocho horas del día litúrgico.

Las horas canónicas eran las siguientes:

Maitines: medianoche

Laudes: de madrugada, habitualmente sobre las 3:00

Prima: Primera hora después de salir el sol, aproximadamente las 6:00 de la mañana

Tercia: Tercera hora después de salir el sol, las 9:00

Sexta: mediodía, a las 12:00

Nona: sobre las 15:00

Vísperas: tras la puesta de sol, habitualmente sobre las 18:00

Completas: antes del descanso nocturno, las 21:00

El texto básico de un Libro de Horas es el Oficio corto de la Virgen, ilustrado con escenas de la vida de la Virgen. Esta serie de oraciones horarias se rezan a la Madre de Dios, que sirve de intermediaria y santifica las oraciones a Dios. Los salmos penitenciales se recitaban para ayudar a resistir la tentación de una comisión de cualquiera de los siete pecados capitales. Las oraciones en el oficio de difuntos se rezaban para acortar el tiempo de un ser querido en el purgatorio. Textos complementarios se añadían para la celebración de cualquier patrón personal, el santo de la familia, circunstancias especiales, o algún caso fortuito. Este modelo estándar de la oración diaria sirvió de marco para los esfuerzos de los artistas iluminadores.

Acceden a la presentación de la obra a través de este , van pasando las paginas con los botones arriba a la izquierda "Previous" y "Next", inmediatamente debajo tienen varios link a información sobre la obra, particularmente interesante el que dice "About this page", que les abre una ventanita con información de la pagina que están viendo. Para ampliar a pantalla completa y utilizar el zoom, observen el primer icono por la derecha en la parte baja de la ventana, al pulsarlo pasan a ese modo de presentación, para volver a la ventana pequeña pulsen la tecla "Esc" en su teclado.

También pueden acceder a una presentación con explicación verbal (en inglés) de partes seleccionadas de la obra por el Curator de la biblioteca Roger Wieck en este

A continuación les presento una selección aleatoria de las miniaturas de la obra, con texto explicativo. Para ampliarlas piquen sobre ellas.

001-002 Catalina de Cleves oración a la Virgen y el Niño- Anunciación a Joaquín-Horas de la Virgen: Maitines.

El libro de oraciones de Catherine de Cleves comienza con una imagen impactante. Lo primero que uno ve es a la misma Catherine orando con su libro ante la Virgen y el niño. A la derecha de la doble página la narración de la vida de María se inicia con un ángel anunciando al padre de la Virgen, San Joaquín que su esposa está embarazada. Los conejos simbolizan la fecundidad renovada del viejo. Simultáneamente la decoración iluminada de los márgenes proclama orgullosamente el noble linaje de Catherine, ocho de las armas de sus antepasados llenan las esquinas de los folios. Su propio escudo de armas como duquesa de Güeldres figura de manera destacada directamente debajo de la Virgen, en un acto de desafío heráldico no colocando el escudo de su marido sino el suyo propio, de la casa de Cleves.

003 Presentación de la Virgen en el Templo -José Designado como el Esposo de la Virgen-

Horas de la Virgen: Tercia.

El comienzo de cada una de las ocho horas de la Virgen esta marcado originalmente, como aquí, con una yuxtaposición de una imagen completa y una miniatura de media página. Como el tratamiento pictórico de la elaboración de las horas individuales es una de las señas de identidad del libro de oraciones de Caherine de Cleves. A la izquierda, la Virgen María sube las escaleras del templo, donde se unirá a dos doncellas dedicadas a tejer e hilar. A la derecha, el anciano José es designado como el esposo de María.

004 Natividad-huida a Egipto.

En esta Navidad, María y José se representan arrodillados venerando a su hijo, el Salvador. Aunque José sostiene una vela, su luz es en un tanto incongruente por el cielo radiante de luz de la que el ángel desciende para contar la buena nueva a los pastores que se encuentran cuidando sus rebaños en las colinas. Típico del interés del artista en detalles es el castillo lejano, rodeado por un muro en ruinas, al que un hombre se acerca a lo largo de un sinuoso camino. La miniatura más pequeña ilustra el viaje de la Sagrada Familia a Egipto para escapar de Herodes y de la masacre de todos los niños recién nacidos.

005 Agonía en el Huerto-Arresto de Cristo-Horas de la Pasión: Maitines.

Al igual que las Horas de la Virgen, las Horas de la Pasión marcan cada una de sus divisiones textuales con miniaturas yuxtapuestas a pagina completa y media página. Así, la pasión de Cristo se desarrolla con un amplio conjunto de dieciséis ilustraciones. El ciclo comienza con Cristo en el huerto de Getsemaní. Mientras los apóstoles duermen, el Salvador suplica a su padre para aceptar la copa delante de él. La copa, un cáliz que contiene una hostia, simboliza su muerte próxima y la Eucaristía. El tema de la Eucaristía es reiterado por la ornamentación del borde de la viñeta, un pelícano alimentando a sus crías con su propia sangre, un símbolo de la muerte sacrificial de Cristo en la Cruz. En la siguiente escena, después del beso de Judas, los soldados se apoderan de Cristo, que sustituye con calma la oreja que Pedro ha cortado a Malco.

006 -007 Los gobernantes de la Tierra adorando a la Trinidad-Misa de la Santísima Trinidad-detalle.

008-009 Lecho de muerte - Almas atormentadas en el Purgatorio-Lunes, horas de los Muertos: Maitines.

Las horas del lunes de los muertos, se abre con una de las imágenes más famosas del manuscrito de Catalina. La escena del lecho de muerte está llena de acción. Un hombre muere, su esposa le ofrece una vela, un médico examina su orina, y su hijo conspira contra él. Este heredero de mercenarios se muestra una vez más, asaltando las arcas de su padre en el borde inferior. A la derecha está el purgatorio, el lugar al que el moribundo espera ir. Allí, su alma, como esta descrito, se limpiará de pecado en una expiación, dolorosa mediante el fuego.

010 Almas del Purgatorio consoladas con la Ofrenda-Lunes, Horario de los Muertos: Vísperas.

011 San Miguel pesando las almas-Misa de difuntos-detalle del folio.

La miniatura de gran tamaño que abría la misa de los muertos se ha perdido. Su miniatura más pequeña sobrevive y se muestra aquí. El Arcángel Miguel es el pesador de las almas en el Juicio Final. Un alma desnuda se sienta en el platillo de la izquierda de la balanza, y es pesada con los buenos actos realizados en su vida. Un demonio de color naranja hace intentos de alterar el resultado tirando del otro platillo. Juiciosas observaciones de Miguel garantizan la recompensa celestial al hombre piadoso, alusión hecha por el ángel de la música en el borde derecho (en contraposición a la consternación del monstruo silbando en la parte inferior derecha).

012 Pentecostés-Juicio de Salomón-Martes, Horas del Espíritu Santo: Maitines.

Las horas del martes del Espíritu Santo comienzan con estas imágenes yuxtapuestas. A la izquierda esta Pentecostés, la venida del Espíritu Santo sobre los apóstoles, quienes se inspiraron para convertir el mundo. La miniatura más pequeña ilustra el primero de los siete dones del Espíritu Santo. La sabiduría, el primer don, es representado por la sagacidad de Salomón en la determinación de la verdadera madre de un niño en disputa con la amenaza de cortar el bebé en dos. (La verdadera madre del bebé renuncia a su reclamo, levantando la mano para evitar la muerte por la espada.) La resolución feliz del conflicto se ilustra en el borde inferior.

013 Martes Horas del Espíritu Santo: Nonas.

El conocimiento, el quinto don del Espíritu Santo, es representado por esta escena encantadora del aula. Inspirado por la paloma, el estudiante mayor de rodillas lee en un libro ofrecido por su maestro. La leyenda en la cinta sobre el joven revela su inspiración, cita del Salmo 2, versículo 12, que dice que la clave del conocimiento es el aprendizaje de la disciplina. El profesor sentado tiene un conjunto de interruptores, el instrumento de la amonestación y la atribuyen a los instructores en la Edad Media.

014 San Pedro confiere el Espíritu Santo-Simón el Mago intenta comprar el poder de Pedro-Misa del Espíritu Santo.

Esta pequeña miniatura que ilustra la Misa del Espíritu Santo representa el intento del mago Simón para comprar a San Pedro su poder (había visto al apóstol derramar el Espíritu Santo sobre las personas). La escena rara, es explicada por los textos (derivados de actos 8:19-20). Simón, empuja una bolsa de dinero hacia el santo, y le demanda, "Dame la gracia", a la que Pedro tranquilamente responde: "Tú y tu dinero se pierden".

015 Todos los Santos ante el Trono de Dios-Miércoles Horas de Todos los Santos: Maitines.

Las horas del miércoles de Todos los Santos se inicia con esta miniatura impresionante. Un Dios entronizado flota por encima de dos grupos de santos. A la izquierda, están a cargo de San Jorge, con un dragón pequeño muerto a sus pies, y el apóstol Tomás, sosteniendo una lanza. A la derecha están Ines, con un cordero al lado de sus pies pequeños, y Jerónimo, vestido como un cardenal y con su atributo, un león. La escena está enmarcada por nueve ángeles de fuego. Las estelas hablan de la herencia de Dios y el apoyo de sus santos.

016 San Miguel luchando contra un demonio-Miércoles Horas de Todos los Santos: Completas- detalle del folio.

La última de las miniaturas de las horas de Todos los Santos es inusual, con esta sorprendente imagen de Miguel comprometido en una lucha feroz con un demonio. (Todas las otras miniaturas de la serie representan la adoración silenciosa de la Trinidad.) La cara de Miguel parece mantener la calma, pero su ropa movida por el viento refleja el calor de su batalla contra un demonio de aspecto especialmente repugnante. Los zarcillos blancos del fondo, motivos decorativos, contribuyen a la sensación de agitación.

017 Cena en Emaús-Jueves Horas del Santísimo Sacramento: Vísperas- detalle del folio.

018 -019 La Última Cena-Misa del Santísimo Sacramento.

Esta miniatura grande de la misa del Santísimo Sacramento ilustra la Última Cena. Cristo da a Judas el bocado, por el cual es identificado como traidor, como Judas lo acepta, un pequeño demonio le entra en la boca. (Juan, apoyado en el pecho del Salvador, duerme durante el momento crítico, mientras que Pedro, a la izquierda de Cristo, parece aterrado).

020-022 La Boca del Infierno-La absolución final-Oficio de Difuntos.

No hay ninguna otra miniatura más terrorífica y con más inventiva en el libro de oraciones de Catherine que esta descripción a página completa del infierno. La boca de un león enorme abre sus labios de murciélago con garras puntiagudas, por dentro las fauces están al rojo vivo. El elenco de demonios lanza al horno del infierno a través de esta entrada aterradora a las almas condenadas, sobre él se eleva el castillo de la muerte, decorado con calaveras. En las torres hay calderas ardientes en las que las almas mutiladas son lanzadas. Una tercera boca forma el techo abovedado. En la parte inferior varios demonios transportan y martirizan a los condenados.

Las imágenes tienen copyright a favor de © The Morgan Library & Museum, lo que está indicado en cada una de ellas en el titulo, se exponen aquí a titulo pedagógico y no se permite su uso comercial o de otro tipo sin autorización expresa de la biblioteca.

Les recomiendo una prolongada visita al enlace indicado más arriba, para disfrutar de todos los detalles de esta magnífica obra.

Saludos.

# data[].attributes.attachment_link.description
Libros - Ilustraciones - Grabados - Ciencia - Historia - Rarezas - Curiosidades Y algunas otras cosas más

# data[].attributes.body
El Beato de Liébana de igual forma que el Libro de Horas de Catalina de Cleves, referencia la estética medieval de las cartas del Tarot.

# data[].attributes.body
Relevancia del Beato de Liébana en la historia de la Ilustración y sus influencias.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis. Beato de la Universidad de Valladolid del siglo X .

Beato de Liébana ( Liébana, c.-, c. 798), también llamado san Beato, fue un monje del monasterio de San Martín de Turieno (actualmente, Santo Toribio de Liébana), en la comarca de Liébana, estribaciones de los Picos de Europa de la actual Cantabria ( España). Entre sus escritos, su obra más conocida es el Comentario al Apocalipsis de San Juan (Commentarium in Apocalypsin), dividido en doce libros y miniado, de gran influencia durante la Alta Edad Media, en los campos de la teología, política y geografía.

Algunas fuentes no del todo fiables aseguran que Beato se retiraría posteriormente al monasterio de Valcavado en Palencia, donde sería nombrado abad -según Alcuino de York- y finalmente encontraría la muerte.[cita requerida]

En Cantabria, así como en Asturias, sienten una gran devoción por esta figura. Inscrito en el santoral católico, su festividad se celebra el 19 de febrero.

Algunos historiadores piensan que procedía de Toledo, o incluso de Andalucía.[cita requerida] Quizá eligió este monasterio de Liébana debido a la proximidad de Covadonga y Cosgaya,​ lugares que los cristianos de la época daban por milagrosos.

Su notoriedad tenía también otras causas además de su Comentario al Apocalipsis. Pensador militante y enérgico, combatió a los que se comprometen con los invasores musulmanes, comenzando por el arzobispo de Toledo Elipando de Toledo, a quien acusa de herejía por defender el adopcionismo.

Como ha destacado Eduardo Manzano Moreno, su Comentario sobre el Libro del Apocalipsis es una "interpretación de la difícil obra del apóstol San Juan. Uno de los temas que se desarrollaban en esa obra era el de la Jerusalén celeste". "Su comentario sobre el Apocalipsis adquirió una enorme resonancia y fueron numerosos los manuscritos que se hicieron de él; manuscritos muchas veces iluminados con fantásticas imágenes que componen todo un conjunto -los beatos- que constituye una de las cumbres de la iconografía medieval ".​

A finales del siglo VIII Elipando de Toledo, arzobispo de Toledo, entonces bajo dominio del Emirato de Córdoba, defendió el adopcionismo que afirmaba que el Padre había adoptado al Hijo, ya que la "naturaleza" de este no era divina sino humana al haber sido concebido por una mujer.​ Como el prestigio de la sede toledana todavía se mantenía en toda la península ibérica, a pesar de que estaba sometida al emir de Córdoba, la propuesta "adopcionista" de Elipando provocó una feroz respuesta en el Reino de Asturias que estuvo encabezada por el monje Beato de Liébana, posiblemente abad de un monasterio y muy bien relacionado con la reina Adosinda. Beato de Liébana acusó a Elipando de locura, herejía e ignorancia y llegó a llamarle "testículo del Anticristo". Según Eduardo Manzano Moreno, la polémica entre Elipando y Beato de Liébana fue "espoleada por la fuerte pugna entre una iglesia septentrional, cada vez más independiente, y la antigua iglesia visigoda, cuyos principales episcopados habían caído en territorio andalusí".​ En el año 794 el concilio de Fráncfort presidido por Carlomagno condenó el adopcionismo. En uno de sus cánones se decía que esta "herejía debería ser radicalmente extirpada de la Santa Iglesia".​

De indudable autoría de Beato es el Apologeticum adversus Elipandum, obra en dos volúmenes, escrita con Eterio de Osma, para enfrentarse a la herejía adopcionista del arzobispo de Toledo, Elipando.

El himno O Dei Verbum, que está formado por frases y conceptos tomados del Comentario para ensalzar y promocionar el patronazgo de Santiago sobre la Hispania cristiana septentrional, necesitada de la ayuda divina. Pocos años después, sería descubierta la tumba del apóstol en Santiago de Compostela.

Otra obra atribuida a Beato y que se conserva en un manuscrito fragmentario del siglo X (en Santillana del Mar), es un Liber Homiliarum de uso litúrgico. Son homilías que siguen las lecturas de la misa o el oficio de maitines, de acuerdo con el calendario mozárabe.

Beatus d'Urgell, folio 82v El Arca de Noé.

Se conocen como " beatos" a los manuscritos de los siglos X al XIII, más o menos abundantemente ilustrados, donde se copian el Apocalipsis de San Juan y los Comentarios sobre este texto redactados en el siglo VIII por Beato de Liébana. Escribió los Comentarios al Apocalipsis de San Juan ( Commentarium in Apocalypsin), en el año 776. Diez años después, en el 786, redactó la versión definitiva. En esta versión hacía frente a la crisis por la que pasaba la Iglesia en aquellos años e intentaba demostrar que estaba en posesión de la traditio sobre la llegada y predicación del Apóstol Santiago en Hispania. Para ello se basó en ciertos escritos del libro Breviario de los Apóstoles.

Estos Comentarios contienen también uno de los más antiguos mapamundis del mundo cristiano.

En el año 379, el emperador Graciano escogió a un general hispano, Teodosio (o Teodosio I, también conocido como Teodosio el Grande) para ocupar el trono del Imperio de Oriente. Éste, después de eliminar a un usurpador del trono de Occidente en 388, reinó sobre todo el Imperio romano.

Tras convertirse al cristianismo en 380, hizo de ésta la religión oficial del Imperio, prohibiendo la herejía arriana, los cultos paganos y el maniqueísmo.

La unificación del Imperio duró poco: a la muerte de Teodosio, el Imperio se dividió entre sus dos hijos.

El 31 de diciembre del año 406, diversos pueblos germánicos atravesaron la Galia. Los suevos se establecieron en Galicia (al noroeste de España), los vándalos y los alanos se establecieron en Andalucía.

Durante ese tiempo, Ataúlfo, jefe de los visigodos, y sucesor de Alarico I, se casó en el 414 con Gala Placidia, la hija del emperador Teodosio I el Grande. Pero, empujado por el gobierno de Rávena, se trasladó a Hispania, lo que causaría que las guerras entre los bárbaros se multiplicaran en la península ibérica.

Poco después, el rey de los Visigodos, Eurico, viajó a Hispania y se proclamó su primer rey independiente. El Imperio romano había dejado de existir. Eurico, fiel a las doctrinas de Arrio,​ instó al rey Suevo a convertirse al arrianismo.

En el 325, el obispo Osio de Córdoba fue convocado por el emperador Constantino al primer concilio ecuménico en Nicea para condenar las doctrinas de Arrio (Jesucristo siervo de Dios).

Tras esto, los clérigos católicos se refugiaron en los ámbitos rurales.

A comienzos del siglo VI, el rey visigodo Leovigildo contrajo matrimonio con Teodosia, la hermana de Isidoro de Sevilla.​ Isidoro intentó reconciliar a los Visigodos con los "hispano-romanos" y se muestra de acuerdo con el Símbolo niceno en lo que concierne a la naturaleza de Cristo. Uno de sus hijos casó con una nieta cristiana de Clodoveo. El otro, Recaredo, se convirtió al cristianismo en el 587 y abjura oficialmente del arrianismo en el concilio de Toledo ( 589), arrastrando con él a la reina, la corte y a los obispos visigodos herejes.

Pero los visigodos deben hacer frente a epidemias, hambres, incursiones de francos. Las guerras de sucesión devastan el país. Un aspirante al trono de Toledo, Agila II, refugiado en Ceuta ( Mauritania en la antigüedad), para garantizarse la victoria sobre su enemigo Rodrigo, pide la ayuda de tropas de el Magreb. Así pues, en 711, Táriq ibn Ziyad cruza el estrecho cuyo nombre en adelante se asocia al suyo​

Expansión del Islam y resistencia cristiana

En tres años fue ocupada la Península, a excepción de una parte de la cordillera Cantábrica (futuro reino de Asturias) que forma en el noroeste del país una especie de fortaleza cuyas cumbres alcanzan a menudo más de 2000 metros, e incluso más de 2600 metros en los Picos de Europa. Muy pronto acuden los cristianos a refugiarse allí, en particular de Toledo. Pelayo,​ se hace elegir jefe de los rebeldes con los que atacará las guarniciones berberiscas.

Beato de Urgell. Toma de Jerusalén por Nabucodonosor II.

Mientras que Asturias se refuerza cada vez más y se puebla, los cristianos que viven bajo el dominio musulmán se encuentran en la misma situación que antes bajo la dominación de los visigodos arrianos. Sujetos a impuestos que sólo se les aumentan a ellos, no tienen derecho a construir nuevas iglesias ni a fundar nuevos conventos. Una vez más, son numerosos los que se refugian en el campo, mientras los invasores permanecen en las ciudades. De nuevo las ermitas aparecen en lugares remotos. Los cristianos que viven en tierra musulmana no pueden practicar su religión excepto si antes juraron lealtad a un jefe moro.

En 791, el rey asturiano Alfonso II el Casto traslada la capital del reino a Oviedo.

En este contexto histórico, y en una región donde los huidos del islam estaban aportando una cultura muy rica, particularmente en el ámbito artístico, es en el que Beatus (Beato para los hispanos), monje en un convento del valle de Liébana, escribe su comentario del Apocalipsis.

El Comentario al Apocalipsis

Es una obra de erudición pero sin gran originalidad, hecha sobre todo de compilaciones. Beato toma extractos más o menos largos de los textos de los Padres y Doctores de la Iglesia; en particular, San Agustín, San Ambrosio, San Ireneo, San Isidoro. También está el comentario del Libro de Daniel por San Jerónimo.

Si bien la parte del Beato es muy reducida, la obra contiene por el contrario una traducción latina íntegra del Apocalipsis de Juan, lo que puede en parte explicar su notoriedad.

En el prólogo de esta obra figura un mapa del mundo, llamado Mapa Mundi, destinado a ayudar al lector a localizar los lugares mencionados en las Santas Escrituras.

El Apocalipsis de Juan es el último libro del corpus bíblico cristiano. La clase literaria apocalíptica (del griego apocalupteïn, revelar) que florece en el período intertestamentario (entre el siglo II y el siglo I a. C.) encuentra sus raíces, no en el Nuevo Testamento, sino en los últimos libros del Antiguo, en particular, algunas partes del Libro de Daniel (escrito hacia 167 antes del J.C.): el Apocalipsis​ tiene entonces más relaciones conceptuales y de contexto con la cultura semítica del Antiguo Testamento que con el mundo de los Evangelios. El Apocalipsis de Juan se redactó en el último tercio del siglo I, durante las persecuciones de Néron, después de la de Domiciano contra los cristianos que se negaban a rendir culto el Emperador.​

Un apocalipsis es un "descubrimiento" del futuro, revelado a un alma y transcrita bajo una forma poética más o menos críptica. Es un discurso escatológico.​ Se calificaron los Apocalipsis de "Evangelios de la Esperanza", ya que anuncian a poblaciones martirizadas que el mal histórico consigue una felicidad eterna. El texto parece generalmente oscuro a los que no están penetrados de la cultura bíblica: destinado solamente a los creyentes, hace referencia a la Historia Santa y a libros proféticos del Antiguo Testamento. Por eso su alcance "político" escapa a los perseguidores. Es pues una concepción de la Historia (una "Teología de la Historia", escribía Henri-Irénée Marrou) destinada a mostrar a los que sufren cómo el Bien Supremo se encontrará al término de una marcha históricamente necesaria a través del Mal.​

El Apocalipsis, que los arrianos se negaban a considerar como un libro revelado, y que se centra en la divinidad del Cristo, se convierte, a partir del siglo VIII, en el texto faro de los cristianos que resistían. El Apocalipsis es pues una obra de combate, verdadera arma teológica, contra todos los que no veían en Cristo una persona divina en el mismo plano que Dios Padre. El clero de Asturias reanuda la prescripción del IV Concilio de Toledo (633): so pena de excomunión, el Apocalipsis debe considerarse como un libro canónico; se leerá en la "Misa" entre la Pascua y Pentecostés. Tengamos en cuenta que tal obligación solo se refería, de la Biblia entera, a este único texto.

El Comentario del Apocalipsis menciona que Santiago es el evangelizador de Hispania.​ Algunos historiadores piensan incluso que Beato es el autor del himno O dei verbum, en el cual se califica a San Yago de santo patrón de España.

Al principio del siglo IX "se descubre" la tumba de Santiago en el "Campo de Estrella" (es decir, Compostela), que se convertirá en Santiago de Compostela. Allí se habrían transportado las reliquias del hermano de San Juan Evangelista un siglo antes, desde Mérida, para sustraerlos a los profanadores musulmanes.​ Dado que en la época se asignó el Apocalipsis a San Juan, Beato quiso quizá honrar también a su hermano Santiago el Mayor, y hacer de los dos hijos de Zebedeo los vectores de los valores de la España martirizada, resistente y gloriosa.

Beato muere en 798, antes de la primera mención a la tumba del "Matamoros".​

En 1924 tiene lugar en Madrid una exposición de manuscritos españoles con miniaturas ( Exposición de códices miniados españoles). Y si los Beatos son especialmente estudiados, es porque impusieron nuevas formas en el ámbito artístico.

Ya estos pintores del siglo X habían practicado una técnica de glacis.​ Gauguin, precedido de Matisse en las contracurvas,​ con sus contornos fluidos, inventando la expresividad realista de Picasso en las Señoritas de Aviñón. Y de hecho, (...) hasta el arte de los retratos cubistas no se volverá a ver el rostro a la vez de frente y de perfil,​ hasta la desmesura animal del pintor del Guernica, que no encuentra grandes deslumbramientos en estos miniaturistas que se anticiparon a su milenio.

Jacques Fontaine, El arte prerrománico hispánico II, el Arte mozárabe, col. Zodíaco, éd. del Pierre-Qui-Vire, 1977, p.305.

La fascinación por estos libros tiene pues una dimensión doblemente visionaria, como si las formas hubieran, ellas también, profetizado... ha parecido a muchos que los Beatos contenían la complejidad misma de lo que anunciaban, ofreciendo insuperables respuestas a cuestiones que aún balbuceaban en la época de su redescubrimiento.

Por supuesto, el arte mozárabe no nació de la nada: las raíces se encuentran en las corrientes visigóticas, carolingias, árabes, y hasta en el arte copto cuyas estilizaciones particulares son bien identificables.​

Y si los especialistas detectan incluso contribuciones más alejadas, mesopotámicas, sasánidas, eso no significa que el arte mozárabe no sea más que la producción de artistas de segundo orden, sin gran personalidad, diluyendo su falta de imaginación en el eclecticismo. Lejos ser una simple ilustración que no añadiría nada al texto, o incluso que desviaría al lector, la coloración mozárabe, a menudo en toda la página e incluso en doble página, como lo reconoce Jacques Fontaine, conducía el alma desde la lectura del texto hasta la profundización de su sentido en una visión.​

Entre las obras más notables (si se excluye el Beato), es necesario citar la Biblia miniada en 920 por el diácono Juan en el monasterio de Santa María y San Martín de Albares (dicha Biblia de Juan de Albares, se conserva en los archivos de la catedral de León.

¡"Qué audacia moderna en todos los trazados!" Abstracción de la figura, grafismo libre, decorado significativo: Juan de Albares es el más destacadamente moderno, el más excesivamente intrépido de los iluminadores mozárabes. "(Jacques Fontaine, obra citada , p. 350).

Al observar estas imágenes, no tenemos el sentimiento de que más de diez siglos nos separan.

Los reflejos de una liturgia

Quedan una treintena de manuscritos miniados del Comentario del Apocalipsis redactado por Beato en la Abadía de Santo Toribio de Liébana en 776, 784 y 786. De ellos, veinticinco están completos, veintidós tienen imágenes, pero solamente una decena pueden considerarse como antiguos. Según algunas hipótesis, el manuscrito se decoró desde el principio, como hacen pensar las partes insertadas en el texto, que hacen referencia a una imagen. Pero no se ha conservado ninguno de estos proto-Beatos.

Las imágenes impactan incluso a los que conocen bien el Apocalipsis. Pero no es subestimar el genio de los miniaturistas, reconocer la relación de muchos elementos con la realidad que los rodeaba. Si los decorados, los muebles, las actitudes parecen ser puros productos de la imaginación, es porque la liturgia que los suscitaba no nos es familiar; por eso atribuimos a la invención lo que estaba incluido en la observación. Una vez más conviene atender al talento literario y la precisión de Jacques Fontaine:

Hay quizás que esperar, de estas ilustraciones, visiones de las liturgias mozárabes que conservamos en las miniaturas, en particular las de los Beatos. Pues aqui se alimentan mutuamente cosas vistas y visiones. Si los fastos de la liturgia humana ya significan la realización imperfecta y figurativa de la gran liturgia celestial del Apocalipsis, es evidente, en el sentido más propio -el de una visión inmediata-, que el pintor Magius​ sus alumnos y sus imitadores no han podido imaginar lo que no veían más que a partir de lo que veían. De ahí tantos altares con cálices, coronas votivas suspendidas sobre estos altares, que son como la proyección onírica de lo que los monjes mozárabes veían en sus iglesias y vivían cada día, pero sobre todo en las grandes fiestas.

.

La vio cubierta de ramas de mirto y suntuosamente adornado, mientras que el sonido de las campanas resonaba en su oído, y que el resplandor de los cirios deslumbraba sus ojos." Se detuvo fascinado a pesar suyo, a la vista de la majestad y la alegría consagrada que irradiaba de este recinto; se acordó a continuación con admiración de la entrada del sacerdote y los otros adoradores de Jesucristo, todos revestidos de ornamentos admirables; el aroma del vino viejo que los ministros vertían en su cáliz y donde el sacerdote empapaba sus labios puros; el comportamiento modesto y la belleza de los niños y adolescentes que servían cerca del altar; la recitación solemne de los salmos y rezos consagrados; finalmente todos los demás ritos de esta ceremonia; la devoción y la alegría solemne al mismo tiempo, con que se desarrollaba, y el entusiasmo del pueblo cristiano...

in Jacques Fontaine, Obra citada , p.49

Si se excluyen algunas visiones trágicas de condenación eterna, algunas posturas de desesperación, así como lo observa Jacques Fontaine, "lo dominante en estas obras es una contemplación serena" (citada Obra, p. 361).

La humanidad e incluso el humor están presentes en los colofones.​ Así pues, en el Beato de Tábara, el pintor Emeterio, en un dibujo, representa la torre de la biblioteca y el propio scriptorium​ Contiguo, se representa él mismo y añade estas palabras: "Ô torre de Tábara, alta torre de piedra, tan alto que, Emeterio permaneció sentado, muy curvado sobre su tarea, durante tres meses, y que tuvo todos sus miembros baldados por el trabajo del cálamo.​ Este libro se terminó del 6 de las calendas de agosto el año 1008 de nuestra era ​ a la octava hora." (en Jacques Fontaine, Obra citada, p. 361).

Estos colofones no son en ninguna parte tan abundantes como en las obras mozárabes. Los Beatos pueden así asignarse y datarse con una gran precisión, lo que permite un estudio serio de las cuestiones de filiaciones estilísticas. Sabemos así como Magius realizó las pinturas del Beato de Pierpont Morgan Library, que una pintora llamada Ende​ ayudó a su alumno Emeterio en la realización del Beato de Gerona.

El soporte es generalmente el pergamino,​ y también el papel (presente en la península a partir del ).

El texto estaba escrito en tinta color pardo (o que se volvía parda). Los títulos están a menudo en rojo.​ Este color servía también para dibujar el contorno de los elementos de la página. Los pintores seguían en eso las recomendaciones de Isidoro de Sevilla extraídas de las Etimologías: se trazan en primer lugar los contornos, luego se procede al relleno de las figuras con ayuda del color.

Beato de Burgo de Osma, f°108 El 5.ª trompeta, los Caballos Infernales.

Los colores de las pinturas son el rojo (más o menos oscuro), el ocre, el verde oscuro, el rosa- malva, el azul oscuro, púrpura, a naranjado, y sobre todo el amarillo huevo muy luminoso, muy intenso, consustancial a la pintura mozárabe. Se emplea el negro también. El azul claro y el gris son raros.

Los colores "calientes" son los predominantes: rojo, anaranjado, amarillo. Aquí aún, los pintores siguen la enseñanza de Isidoro de Sevilla que hace una aproximación etimológica (pues, para él, fundado en la esencia de las cosas) entre las palabras color (latín color) y calor (latín calor): "Se nombran los colores así porque se elevan a su terminación (perfección) por el calor del fuego o el sol" (Etimologías, XIX, capítulo XVI).

Algunos manuscritos están inacabados, lo que, por otra parte, nos informa sobre las etapas de su elaboración. En el Beato de Urgell (ms 26, f°233) o en el de la Real Academia de la Historia de Madrid (ms 33, f°53), el dibujo solo está parcialmente coloreado.

Los colores son puros, sin medias tintas, sin mezclas, sin transiciones de uno a otro.

Mientras que en el primer Beato eran bastante mates, o, al menos, discretos, los Beatos de segundo estilo (mediados del siglo X) llaman la atención por la brillantez de sus colores. Sin duda se debe a la utilización, sobre un fondo barnizado a la cera, de nuevos ligantes.,​ como el huevo o la miel que permiten la obtención de transparencias y tonos vivos, luminosos.

Si se excluyen los refinamientos de los tonos del Beato de Pierpont Library (y, por supuesto el único exotismo del Beato de Saint Sever), los colores están distribuidos más bien en oposiciones intensas, y utilizados para contribuir a la irrealidad de las escenas.

"Digamos aquí que los tonos utilizados por los pintores mozárabes son bastante poco imitativos, y, al contrario, empleados generalmente para su propio impacto." Este aspecto del color, en la pintura figurativa, es el que se consideraba como normal, e incluso como fundamental, por Isidoro de Sevilla: "Por otra parte, se dicen que cosa pintada es cosa fingida;" ya que toda pintura es imagen fingida, y no realidad; (Mireille Mentré, Obra citada, p. 162).

Por supuesto, cuando Isidoro de Sevilla habla de verdad, la entiende como la conformidad con la realidad sensible. Pero como vimos con el problema del espacio, los pintores de los Beatos no buscan una adecuación con el mundo de la percepción. La realidad que dan a conocer es de carácter espiritual.

Los colores ni son mezclados, ni rebajados.​ El modelado, la sombra, el rebaje, solo aparecen en el Beato de Saint-Sever.

En los Beatos españoles, la vivacidad de los colores, sus contrastes, la violencia misma de algunas yuxtaposiciones, conducen extrañamente la mirada a no detenerse en una percepción global, sino hacia los elementos constitutivos de la página.

Aquí también, como con el tratamiento del espacio, el objetivo del pintor parece ser distraer al espíritu de las tentaciones de lo accidental para atraerlo a la esencia del relato ofrecida en la contemplación estética.

Una de las originalidades de muchas páginas de los beatos, es la presentación de las escenas sobre un fondo de amplias bandas pintadas, horizontales, que no corresponden a ninguna realidad exterior. No se trata del cielo, el agua, el horizonte o de efectos de aproximación o alejamiento. Se habló con mucha razón de un "desrealización" del espacio por el color.

"Como más tarde en El Greco, la pintura resulta aquí método espiritual", escribe Jacques Fontaine (Obra citada, p. 363). El mundo sensible se purifica de sus elementos anecdóticos solo para dejar sitio a la parte fundamental. Se trata de poner de manifiesto que pasa algo sin distraernos describiéndo el lugar dónde eso pasa. Los protagonistas del drama apocalíptico exploran aún más lo que pasa en su alma (o en la del lector), con "esta fijeza huraña que llega, a veces, hasta el éxtasis, y a la desmesura", para recoger la fórmula de Mireille Mentré.​

Las formas son geométricas, y la esquematización llega a veces hasta la abstracción. Así la representación de las montañas por círculos superpuestos. Estas convenciones son comunes a varios manuscritos.

Sin embargo lo decorativo nunca triunfa sobre lo simbólico: a pesar de la simplificación de las formas, de la multiplicidad de los ángulos de visión en una misma escena, las imágenes siguen siendo eminente y claramente la referencia. El esquematismo y la ornamentación nunca predominan sobre la legibilidad​

Algunos manuscritos llevan "páginas-tapices", páginas completas situadas generalmente al principio del libro,​ dónde se encuentra, entre motivos geométricos y laberínticos, la información sobre el escriba, el pintor o el destinatario del manuscrito. Estas páginas imitan las encuadernaciones (contemporáneas del libro, pero también parece coptas), y se asemejan a veces a alfombras persas o turcas​

En el Beato de Saint-Sever, al cual se reservará una parte especial, se encuentran páginas-tapices donde los entrelazados parecen de inspiración irlandesa.

Es necesario volver de nuevo sobre la importante cuestión de los ángulos de visión. No hay perspectiva en la pintura mozárabe ni, en particular, en el Beato. Además, la bidimensionalidad de las figuras conduce a representarlas simultáneamente bajo varias caras, -lo que es también una particularidad del arte copto. Pero, mientras que el recortado y el tres-cuartos están presentes en las representaciones coptas, los manuscritos mozárabes rechazan todo lo que podría bosquejar una tridimensionalidad. No sólo una figura puede componerse de una cara y de un perfil, sino establecer los detalles de cada uno de estos dos aspectos de un elemento y pueden establecerse de manera al parecer incoherente de cara o perfil.

El ejemplo más típico es el de la representación de las almas de los mártires bajo el altar en el fragmento del Beato conservado en Silos." El altar, en la alta parte de la imagen, se ve de cara; este mismo altar, en la parte baja, se ve desde arriba; los cuerpos descabezados de los mártires, en la parte superior de la ilustración, se ven desde arriba; las cabezas de los mártires se colocan completamente en paralelo a la página; se ve a los pájaros, que simbolizan las almas, de perfil; se colocan, en la zona superior, junto al altar y vistas de cara, y, en la zona inferior debajo del altar, se ven algunas coronas votivas desde abajo; la cabeza del Cristo se ve de frente y en perspectiva de dignidad.

Mireille Mentré, Obra citada, pp 156-157.

El Beato de Urgell presenta una imagen similar.

A veces una página muestra una ciudad cuyas murallas se ven de frente y arriba se ve lo que se encuentra dentro del recinto. Lo que importa al pintor, es representar todos los elementos esenciales de una visión, como si el espectador se encontrara al mismo nivel con cada uno ellos.

Observemos por ejemplo la plaga del Apocalipsis donde el cuarto ángel que toca oscurece la luna, el sol, los astros, tal como se manifiesta en el Beato del Pierpont Morgan Library (ms 644, f° 138v): es necesario, teóricamente, colocarse de frente a los astros y luego muy exactamente frente al ángel, y finalmente en frente de la tierra, ya que cada una de estas figuraciones debe comprenderse directa e independientemente, y todas son iguales con relación al ojo del espectador." Se tiene así una visión parcelada a nivel óptico, pero ordenada a nivel de concepto.

Mireille Mentré, Obra citada, p. 158.

El autor de esta tesis sobre la pintura mozárabe destaca que lo que importa realmente para el artista, es la cohesión conceptual y no la cohesión perceptiva. Cada elemento está en relación directa con el espectador, pero no mantiene relación estructural con los otros elementos. La imagen no es el lugar donde se organizan los conjuntos de objetos para ofrecer la representación de una escena real; es la disposición de los elementos del relato, tomado uno a uno, lo que debe afectarnos por su dimensión simbólica.

"La síntesis perceptiva no se hace en los objetos, ni tampoco en los conjuntos;" e incluso probablemente no tiene que hacerse del conjunto, en imágenes de este tipo. Las perspectivas utilizadas y las relaciones instauradas entre los motivos y figuras están incluidas en los criterios, finalmente, que pueden apenas darse por perceptivos - si se entiende por percepción la síntesis que hacemos de los datos ofrecidos a la vista. Las artes clásicas ofrecen un material que permite reconstruir esta síntesis, o incluso haciéndola, más o menos ilusoriamente, para nosotros. La pintura mozárabe no parte de estas preconcepciones. La cohesión de la imagen funciona al nivel, esencialmente, de los conceptos, más que en las realidades tangibles; la figuración sobre todo es un apoyo a la comprensión y a la reflexión, más que un lugar probable para una escena real.

Mireille Mentré, Obra citada, p. 159.

El Beato ofrece así una audaz desmultiplicación de las escenas destinada a favorecer la lectura espiritual.

Las figuras deben leerse según el orden del pensamiento y no según el orden de una realidad sensible incluida en un lugar, un tiempo, un espacio únicos y sintetizados.

Mireille Mentré, Obra citada, p. 154

El arte, aquí, se hace auxiliar del sentido profundo de un texto. La visión apocalíptica no es la simple obra de arte: es tentador decir que el viaje místico en el Beato es indispensable para completar y purificar nuestra intelección de la palabra de San Juan.

De los modelos a los ejercicios de escuela

Todos los artistas de talento no son necesariamente genios creativos. Estos últimos fueron los que produjeron obras originales, no en el sentido vulgar del término, sino en que ellas fueron el origen de otras obras y de nuevas maneras de plantear y solucionar problemas estéticos. Así determinados Beatos proceden de un pensamiento fundador, mientras que otros, solo son suntuosos ejercicios de escuela.

Es el caso del Beato pintado por Facundo para Fernando I de León y la reina consorte Sancha de León, y acabado en 1047. Las miniaturas no tienen originalidad en la composición. La obra nos encanta por sus colores brillantes debidos sobre todo a un notable estado de conservación, y también por la elegancia de las formas. No obstante, es necesario reconocer que Facundo sigue meticulosamente, en cuanto a la estructura, las miniaturas del Beato de Urgell realizado en La Rioja o León en el año 975.

Basta con comparar el f° 19 de Urgell (el Cristo portador del Libro de Vida) con el f° 43 de Facundo; la doble página 140v 141 de Urgell (la Mujer y el Dragón) con la doble página 186v 187 de Facundo; la doble página 198v 199 de Urgell (la Nueva Jerusalén) con la doble página 253v 254 de Facundo. Podríamos enumerar bastantes más páginas aún.

Facundo se inspira también en gran medida en el Beato de Valladolid, terminado por el pintor Oveco en 970. Se compara el f° 93 del Beato de Valladolid y el f° 135 de Facundo; el f° 120 del Beato de Valladolid comparado al f° 171 de Facundo.

Facundo también está muy influido por el arte de Magius (Beatus de Pierpont, acabado en 960), todas estas obras presentan una evidente filiación con el Codex biblicus legionensis, biblia mozárabe de 960 pintada por Florentius y conservada en la colegiata de San Isidoro de León.

Facundo no inventa. Suaviza las líneas, confiere más finura a sus personajes y propone imágenes que nos parecen más seductoras. Pero la seducción no es el fin del arte, y algunos especialistas dirán que su obra indica una pérdida de sabor con relación a la estética de los Beatos previos.

Un manuscrito aparte: el Beato de Saint-Sever

Ya mencionamos este manuscrito cuya especificidad es necesario destacar. Se conserva en la Biblioteca Nacional de Francia (sigla Ms Lat. 8878).

1. Los Evangelistas y sus símbolos.

2. La genealogía del Cristo (aquí muy detallada).

3. El Comentario del Apocalipsis.

4. El Comentario del libro de Daniel.

En los 292 folios, hay 108 miniaturas, 84 de las cuales historiadas (entre ellas, 73 páginas completas y 5 en doble página). Las páginas miden 365 x 280 mm.

Se realizó durante el mandato de Gregorio de Montaner que duró 44 años (de 1028 a 1072), por lo tanto hacia mediados del siglo XI. Conocemos el nombre de un escriba, que era quizá también pintor: Stephanius Garsia. Las diferencias estilísticas inclinan a pensar que hay varios escribas y pintores. Pero a pesar de eso las imágenes presentan una determinada unidad:

1. Son de estilo románico francés, y si algunas páginas-tapices dan prueba de una influencia extranjera, ésta sería más bien irlandesa.

2. Sin embargo, la estructura de las imágenes es la de los manuscritos mozárabes. Entre otras, se puede indicar la relación estructural de las páginas dobles presentando a los 144.000 elegidos en el Beato de Urgell y en el de Saint Sever, los altares en T, etc.

Este carácter se ve, por ejemplo, en la representación de la Nueva Jerusalén: como en todos los manuscritos mozárabes, está constituida por un cuadrado, pero en Saint Sever, las arquerías son románicas, de curva entera, y no visigóticas con arcos de herradura.

Los artistas del Beato quisieron evitar un exceso de imágenes redundantes con relación al texto, recalcadas sobre las palabras, las reemplazan en nuestra percepción.​ Los artistas de los siglos X y XI, lo vimos, solucionaron el problema irrealizando las escenas, renunciando a todo elemento de decorado inútil con el fin de no sumergir la mirada del lector en todo lo que descartaría el espíritu de la parte fundamental. Entonces las miniaturas se liberan, purificadas de todo lo que puede darse por anecdótico.

El artista puede también agregar a la figuración de una visión datos resultantes del comentario de Beato. Es lo que se puede ver en el Beato de Osma (f° 117v) y en el Beato de Facundo (f° 187), donde al Diablo se le presenta encadenado en el infierno y donde los Ángeles reúnen a los que barrió la cola del Dragón.​ Aquí la miniatura se apropia el comentario de Beato que, con motivo del libro XII del Apocalipsis, se anticipa al libro XX donde se menciona que se encadenó a Satanás.

El trabajo del pintor puede ser más complejo aun cuando, en una misma miniatura, procede a una audaz síntesis de varios pasajes. Debe entonces renunciar a la transcripción literal. Si los 24 Ancianos (o Sabios, o Viejos) corren el riesgo, en un espacio reducido, de causar un bullicio que encubriría otros datos esenciales... ¡se representan 12! Poco importa: ¡sabemos que son 24, puesto que los textos lo dicen y que otras páginas los muestran al completo! Se aclaran un poco las filas, se suprimen algunas alas en otra parte, y así se tiene el lugar suficiente para ofrecer una visión global extraída de dos capítulos. Es lo que se puede ver en la admirable miniatura del f° 117v del Beato de Facundo:

La síntesis de los pasajes IV-4 y V-2 del Apocalipsis es muy frecuente. Se la encuentra incluso en a los folios 121v y 122 del Beatus de Saint Sever.

El gran historiador del arte medieval francés Émile Mâle creía ver la influencia del Beato en los capiteles de la torre-soportal de Saint-Benoît-sur-Loire​ (antiguamente Fleury-sur-Loire), y María- Madalena Davy concede un cierto crédito a esta tesis​ Pero Eliane Vergnolle, en su obra principal sobre Saint-Benoît-sur-Loire​ pone de manifiesto de manera completamente convincente que las capiteles historiados de la torre del abad Gauzlin,​ se inscribían en la tradición carolingia -algunos recuerdan incluso las formas de las miniaturas del Apocalipsis de Tréveris, o del Comentario sobre el Apocalipsis de Aymon de Auxerre (este último manuscrito conservado en la Bodleian Library en Oxford).

Sabemos también que Gauzlin extendió la influencia de la abadía de Fleury hasta Italia, de ahí hizo venir a un pintor llamado Nivard para representar escenas del Apocalipsis en las paredes de la iglesia​ -lo que confirma la orientación iconográfica carolingia, más bien que mozárabe, de los decorados de la abadía. La cuestión sería más propensa a controversia por lo que concierne al segundo gran edificio al que Émile Mâle se refiere: el Tímpano de San Pedro de Moissac. Como tantos otros, Margarita Vidal sigue con determinación la lección de Émile Mâle​ y piensa que este tímpano ofrece indicios fiables de la presencia de un manuscrito iluminado del Comentario sobre el Apocalipsis de Beato de Liébana en la biblioteca de la Abadía. Sin embargo, por lo que se refiere al tema de este artículo, se imponen reservas:

Para Émile Mâle, el más bello de los Beatos, y más susceptible de ejercer influencia, es el de Saint Sever sobre la Adoración,​ y si el maestro del Tímpano de Moissac tiene una deuda, no puede ser hacia un pintor mozárabe.

En cualquier caso la argumentación de Emile Mâle sigue siendo un tanto peligrosa. ¡En efecto, mantiene que si algunos detalles del tímpano difieren demasiado de las imágenes del Beato de Saint Sever, es porque el escultor solo tuvo bajo sus ojos una copia que presentaba variantes, pero de la que no queda ni rastro! Resumidamente, afirma, sin que nada pueda apoyar esta tesis, que un escultor desprovisto de genio inventivo sacó su inspiración de un manuscrito del que nunca nadie habría oído hablar.

Sería por lo menos extraño que un escultor haya tomado como modelo un manuscrito presente en la biblioteca, y lo haya reconocido como una obra principal, mientras que ningún libro conocido procedente del scriptorium de Moissac niega una relación con el Beatus de Saint Sever (no más que con los otros Beatos).

Finalmente, ¿por qué querer hacer del escultor un simple copista capaz de efectuar una adaptación de un modelo sobre un soporte diferente? Para retomar a André de Malraux, el tímpano no es una iluminación esculpida. A este respecto, la fotografía nos equivoca, ya que permite colocar lado a lado una miniatura y una escultura. Estas dos artes difieren en muchos puntos... hasta los destinatarios no pertenecen al mismo mundo.​

No obstante, es necesario reconocer algunas analogías estilísticas inquietantes entre la doble página 121v-122 del Beato de Saint Sever] y el Tímpano de Moissac. Hay, por ejemplo, en las dos obras el audaz giro de la cabeza del toro en tensión adorante en dirección al Cristo.

Sin embargo, si hay algunas semejanzas entre los Veinticuatro Sabios del Beato (misma doble página) y los del tímpano (peinados, cítaras, cortes), estos últimos ofrecen una alegre animación no sin nobleza, -mientras que los del Beato parecen una banda de graciosos que alzan sus copas durante una canción tabernaria: la majestad de Moissac no debe nada al alboroto de Saint Sever... Lo que no priva de nada a la innegable belleza de tantas otras páginas de ese mismo manuscrito. En cuanto a los Beatos mozárabes, no se deben despreciar porque no hagan de modelos para otras artes. No tienen la amplitud de su difusión y de su posible influencia. Y aunque no tuvieran ninguna posteridad, seguirían siendo, en nuestra percepción estética, monumentos tan grandiosos que, como las enigmáticas estatuas de la isla de Pascua, tienen el poder de hacer brotar en nosotros los sueños de otro universo.

Para Hegel, la filosofía es la más alta actividad del espíritu, ya que traduce a conceptos lo que la religión dice en relatos, que, ellos mismos, tenían en palabras lo que el arte presentaba en imágenes. Ciertamente, para él la verdad se hace perceptible en la belleza de una forma sensible; no obstante el espíritu solo reconquista el ser en su totalidad comprendiendo que la Naturaleza no es más que el espíritu que se exilia de sí y que hay una consubstancialidad de lo real y lo racional. Todo es comprensible por el espíritu porque, en el fondo, todo es espíritu.

El examen de la pintura mozárabe trastorna esta jerarquía. Viajando en las páginas de los Beatos, no estamos ante realidades sensibles aún próximas a las realidades naturales. Estamos en un mundo de imágenes que hablan mejor al alma que lo harían las palabras apoyando los conceptos, y que, al contrario, facilitan por su abstracción el acceso a la verdad del relato, sin por ello favorecer una pura seducción estética por la preponderancia de la ornamentación. Como si estallara en colores de fuego el momento mudo de un éxtasis, el inefable sentido del texto encontrándose cristalizado en formas y colores "surreales".

El término de ilustración no conviene absolutamente para nombrar producciones artísticas que son obras de arte de pleno derecho. En convento San Marco de Florencia, Fra Angélico no ilustra los Evangelios: al mismo tiempo que nos da la belleza de sus frescos, ofrece a nuestra inteligencia el fruto de su meditación sobre los textos.

Los Beatos no son una inútil paráfrasis del Apocalipsis (o de su comentario por el monje de Liébana): son visiones nacidas de una visión, de nuevas capas de verdad añadidas al texto profético. Así la Belleza no es más que una etapa en la ruta que conduce a la Verdad: el fuego de los colores se mezcla en el brasero de las palabras para lanzar en nuestros almas deslumbradas nuevas gavillas de significados.

Los principales Beatos

Entre los 31 Beatos (de algunos de los cuales no quedan más que fragmentos), es necesario distinguir:

Beato de Cirueña. Siglo IX. Biblioteca del Monasterio de Santo Domingo de Silos. Frag. 4.​

Beato del San Millán del Cogolla (valle del Ebro). Hacia 930. Madrid, Real Academia de la Historia. Ms. 33.

Beato de San Millán. Hacia 950/ 955. Monasterio de El Escorial. Real Biblioteca de San Lorenzo. Ms. y II. 5..225 x 355 mm. 151 hojas. 52 iluminaciones.

Beato Morgan (cerca de León. Hacia 960. J. Pierpont Morgan Library, Nueva York. Ms 644. 280 x 380 mm. 89 iluminaciones. Pintado por Magius, archipintor.

Beato de Valcavado. Hacia 970. Valladolid. Biblioteca de la Universidad. Ms. 433 (ex ms 390). 97 iluminaciones restantes. Pintado por Oveco para el abad Semporius.

Beato de Tábara. Hacia 975. Catedral de Gerona. Archivos. Ms. 7. 260 x 400 mm. 280 hojas. 160 iluminaciones. Pintado por Emeterius (alumno de Magius) y por la pintora Ende.

Beato de San Millán. 2.º tercio del siglo X Madrid. Biblioteca Nacional. Ms. Vit. 14.1.

Beato. 1086. Catedral de El Burgo de Osma.. Cod. 1. 225 x 360 mm. 166 hojas. 71 iluminaciones. Escriba: Petrus. Pintor: Martinus

Beato de Saint-Sever de la Abadía de Saint-Sever (Landas). 1060 / 1070. París. Biblioteca Nacional de Francia. Ms. Lat. 8878.

Beato Corsini (actualmente en Roma, Biblioteca Corsiniana, Academia dei Lincei, 369 (4O.E.6)

Beato de Lorvao, Archivo Nacional de la Torre do Tombo. Lisboa. Siglo XII. 1189.

Beato de Turin, situado en la Biblioteca Nazionale, Turín

Beato de Manchester, actualmente en la John Rylands Library (Mánchester).

Beato navarro, conservado en Biblioteca Nacional, París. Adquirido en 1366.

Beato de San Andrés del Arroyo, actualmente en la Bibliothèque Nationale, París.

Beato de San Pedro de Cárdenas, realizado entre 1175 y 1180. Archivo del Museo Arqueológico Nácional, Madrid​

Beato de Medina de Rioseco, fragmento encontrado en México (siglo XIII)

El Mapamundi de Beato de Liébana

Beato de Liébana, es reconocido internacionalmente por los historiadores de geografía y cartografía. Se considera que su trabajo influyó de gran manera en este campo durante siglos con el tipo de Mapa de T en O

Notas y referencias

1. Con los episcopados sucesivos de dos hermanos, Leandro (579-600) e Isidoro (600-636), Sevilla gozó de gran prosperidad. Isidoro es autor de las Etimologías, 20 volúmenes que constituyen un resumen de todos los conocimientos de su tiempo: geometría, astronomía, arquitectura, gramática, metafísica, literatura, teología, etc.

2. Encontramos, en los escritos intertestamentarios, entre otras cosas: los Testamentos de los doce Patriarca s, el Apocalipis griego de Baruch, el Libro de los secretos de Enoch, el Apocalipsis sirio de Baruch, el Apocalipsis de Abraham, el Apocalipsis de Elías

3. La filosofía de Hegel se hará eco - en apariencia racional - de este pensamiento apocalíptico. Lo que, en el pensamiento cristiano, era un misterio de la Historia, se hace en Hegel una concatenación: el Espíritu gobierna el Mundo y lo lleva hacia su último final que es la conciencia de la identidad de lo real y de lo racional y la sumisión de todo acontecimiento a la Razón. Es necesario distinguir bien la dialéctica hegeliana de la esperanza kantiana. Para Kant, no es posible saber si hay un desarrollo necesario en sí de la Historia en la cual la Razón y el Bien serían el término. Es el historiador filósofo quien elige los acontecimientos de tal modo que descubre en su progreso motivos de esperanza.

4. San Julián, arzobispo de Toledo, y San Isidoro, arzobispo de Sevilla, habían rechazado estas afirmaciones. Clemente VIII (papa entre 1592 y 1605) hasta hará suprimir del breviario una frase introducida por san Pío V (papa entre 1566 y 1572) que decía que "San Yago recorrió Hispania y predicó allí el Evangelio"

5. Para ser preciso, tengamos en cuenta que la "doble cara" tal como se lo encuentra en la iluminación mozárabe está en realidad más próxima a las obras post cubistas de Georges Braque (como La Gran Paciencia), que de las obras cubistas propiamente dichas de este pintor. En cuanto a Picasso, sus "cara y perfil" son la mayor parte del tiempo muy diferentes.

6. (Así, es nombrado por su alumno Emeterio el pintor del Beato de San Miguel de Escalada (en 962, Ms 644, Pierpont Morgan Library, Nueva York). Trabajaba también sobre el Beato de San Salvador de Távara (o Tabara) cuando la muerte interrumpió su trabajo, proseguido entonces por Emeterio.)

7. El lugar donde los monjes copiaban y adornaban los manuscritos. En su novela, El nombre de la rosa , Umberto Eco coloca la intriga esencialmente en el scriptorium y la biblioteca de una Abadía imaginaria. Las descripciones son excelentes. Umberto Eco, que publicó un largo estudio del Comentario del Apocalypse de Beato de Liébana (1972, éd. Ricci, y 1983 para la traducción francesa), conocía la obra de Emétérius y se ha inspirado ciertamente en esta torre de Távara cuando colocó la biblioteca de la Abadía en tal lugar.

8. Ensayo sobre el Simbolismo románico, ED Flammarion, París 1955, p. 69. Edición revisada y ampliamente ampliada bajo el título Iniciación al Simbolismo románico, ED Flammarion, París 1964, p. 131.

9. Quercy románico, ED Zodíaco, el Pierre-qui-vire, (2e éd.), 1969, p. 100.

10. Silva Verástegui, Silvia (1993). "Los beatos en La Rioja". Beato. Ilustración apocalíptica en la España Medieval.

11. http://www.man.es/man/dam/jcr:814322b9-637b-4c76-8dc4-f15a5fbbbb51/man-bol-1995-alonso-cardona.pdf

Bible, Ancien Testament, Livre de Daniel, Paris 1959, Ed. Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade.

Bible, Nouveau Testament, Apocalypse de Jean, Paris 1971, Ed. Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade.

Bible, Écrits intertestamentaires, Paris 1987, Ed. Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade.

Divers auteurs, Dictionnaire culturel de la Bible, Paris 1990, Ed. Cerf / Nathan.

Divers auteurs, Dictionnaire culturel du Christianisme, Paris 1994, Ed. Cerf / Nathan.

André-Marie Gérard, Dictionnaire de la Bible, Paris 1989, Ed. Robert Laffont, coll. Bouquins.

Divers auteurs, Grand Atlas de l'Histoire mondiale, Encyclopaedia Universalis et Albin Michel.

Danielle Gaborit-Chopin et François Heber-Suffrin, Enluminure et arts précieux autour de l'An Mil, in Christian Heck (sous la direction de), Moyen Âge, Chrétienté et Islam, Paris 1996, Histoire de l'Art Flammarion.

Jacques Fontaine, L'Art préroman hispanique, vol. 2: L'Art mozarabe, 1977, Ed. de la Pierre qui Vire, coll. Zodiaque.

Henri Stierlin, Le livre de Feu, Genève 1978, Ed. Sigma (Paris, Bibliothèque des Arts).

Mireille Mentré, La peinture mozarabe, Paris 1984, Presses universitaires de Paris Sorbonne (version remaniée de la Thèse de Doctorat d'État soutenue par l'auteur en 1981).

Mireille Mentré, Création et Apocalypse, histoire d'un regard humain sur le divin, Paris 1984, Ed. O.E.I.L.

Les jours de l'Apocalypse, 1967, Ed. de la Pierre qui Vire, coll. Zodiaque - Les points cardinaux.

Carl Nordenfalk, L'Enluminure au Moyen Âge, 1988, Genève, Ed. Albert Skira S.A.

Paul-Albert Février, Art carolingien, in Histoire de l'Art, vol. 2, l'Europe médiévale, sous la direction de Jean Babelon, Paris 1966, Ed. Gallimard, Encyclopédie de la Pléiade.

Articles de l'Encyclopaedia Universalis: Apocalypse, Apocalypse de Jean dans l'art, Espagne (Des Wisigoths aux Rois Catholiques).

Françoise Henry, L'Art irtlandais, 3 volumes, 1964, Editions de La-Pierre-Qui-Vire, Collection Zodiaque, La Nuit des Temps.

Bernard Meehan, The book of Kells, 1994, Londres, Thames and Hudson Ltd, - ou traduction française: Le livre de Kells, Paris, 1995, Thames and Hudson SARL.

Emile Mâle, L'art religieux du siglo XII en France, Paris, 1923.

Emile Mâle, L'art religieux du siglo XIII en France, Ed. Ernest Leroux, Paris, 1898.

Eliane Vergnolle, Saint-Benoît-sur-Loire et la sculpture du siglo XI, publié avec le concours du CNRS, Ed Picard, Paris 1985.

Raymond Oursel, Floraison de la sculpture romane, 2 volumes, Ed. Zodiaque, La Pierre-qui-vire, 1976.

Enlaces externos

# data[].attributes.attachment_link.title
Beato de Liébana - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Beato de Liébana ( Liébana, c.-, c. 798), también llamado san Beato, fue un monje del monasterio de San Martín de Turieno (actualmente, Santo Toribio de Liébana), en la comarca de Liébana, estribaciones de los Picos de Europa de la actual Cantabria ( España).

# data[].attributes.body
El programa iconográfico de la escultura románica tiene los mismos criterios que la iconografía de las ilustraciones del Tarot de la época.

# data[].attributes.body
Desde la Edad Media hasta la edad contemporánea se han realizado este tipo de ilustraciones.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Las barajas de tarot han sido desde siempre, objetos esotéricos de grande misticismo, y resultan ser un excelente regalo para muchas personas. Existen muchos tarots artísticos, como los diez que veremos aquí. Cada mazo está formado por 78 cartas o laminas, que sirven para develar (adivinar) el futuro y/o recibir consejos a través de los denominados Arcanos Mayores (las cartas principales que son 22) y de los Arcanos Menores (que vendrían siendo secundarios). Su simbolismo es tan importante y profundo, que muchos artistas se han decidido a crear sus barajas y plasmar con sus pinturas / ilustraciones, figuras y escenarios distintos a los clásicos a los que estamos acostumbrados, como los dibujos medievales, por ejemplo, de la baraja del Tarot de Marsella.

El arte en las pinturas de las cartas del Tarot

Un clásico del tarot es la baraja Rider-Waite creada por la artista: Pamela Colman Smith, éstas son las cartas del tarot más conocidas y usadas en el mundo.

El tarot de Salvador Dalí

Tarot DALI. Son muchos los artistas que han adaptado los arcanos y los cuatro palos (oro, copa, espada y basto) creando un estilo muy particular. Tal vez uno de los grandes que han hecho esto, fue el genio Salvador Dalí, motivado por la afición de su esposa Gala, quien siendo amante del esoterismo, le influenció, ilustró a los Arcanos del tarot con sus pinturas surrealistas. Es tal vez de los tarots artísticos, el más preciado por muchos. Él mismo hizo un autorretrato muy famoso, para el diseño de la carta número uno: "El Mago". El pintor catalán realizó muchas de sus creaciones artísticas, con estrecha influencia de lo esotérico y onírico.Sus 78 pinturas del "Dali Tarot", son cuadros inspirados en las imágenes del tarot de Rider-Waite de Pamela Colman. Este tarot lo puedes probar en línea en una tirada a través del sitio: dalitarot.com

Además de Dalí, estos son otros artistas plásticos que han creado su propio tarot:

El titulado: Tarot 25th Century de Ayla El-Moussa, son en realidad una serie de fotografías que representa originalmente a cada arcano.

Haitian Ghetto Tarot. El también conocido como "Ghetto Tarot" es de la autoría de Alice Smeets es, producto de una colaboración con la cooperativa de artistas de Haití Atis Rezistans. Igual que la de Ayla, mencionado arriba, esta baraja esta hecha con fotos reales sobre cada escena, pensadas y preparadas obviamente con antelación.

La Maja del Tarot (obra de 1965) de Leonora Carrington, artista surrealista igual que Dalí. La pintora inglesa que fue refugiada en México fue asesorada también por Alejandro Jodorowsky. Leonora (casada con el fotógrafo Chiki Weiz) hacía lecturas adivinatrias en la cocina de su casa de la Colonia Roma. Durante la creación de su tarot, fue motivada por amistades y personalidades que serían parte de la representación artística, como la actriz María Félix. En el cuadro de La Doña , se logró representar a una figura mágica que fue inspirada en un sueño de la actriz, contado a la pintora Carrington.

Black Power Tarot de King Khan, Alejandro Jodorowsky y Michael Eaton. Esta baraja es creada por el aclamado músico King Khan quien imaginó las figuras plasmadas, en un sueño. Los personajes pintados en este caso, representan a personalidades reales: 19 músicos afroamericanos, 2 magos afroamericanos, que son Marie Laveau La Papesse y Black Herman "the Magician"; y 1 cómico. Fue asesorado por el estudioso del tarot y cineasta: Alejandro Jodorowsky y por el diseñador Michael Eaton.

El tarot de Remedios Varo. Esta pintora surrealista dedicó gran parte de su obra al psicoanálisis y adaptó sus cuadros oníricos, con símbolos místicos y esotéricos, elementos del tarot. Su obra guarda muchas referencias a la cartomancia.

Arthur Rackham , ilustrador muy famoso de libros infantiles, llevó sus fantásticas ilustraciones al mazo del tarot, con la baraja de las cartas Rackham, Creando su propia versión del tarot.

Aleister Crowley, gran ocultista, eligió bien a través de un concurso artístico a Lady Frieda Harris, artista plástica inglesa, creo a sus 60 años el celebre Tarot del Thoth ilustrando las 78 cartas, llenas de símbolos mágicos, espirituales y científicos.

The Great Unknown de Kim Krans. El artista Kim Krans, plasmó la naturaleza del mundo, en esta magnífica baraja de cartas con dibujos de plantas y animales.

Además de los tarots artísticos diseñados por pintores famosos, existen barajas clásicas como el tarot egipcio. Te recomendamos leer también:
La pintura egipcia y sus reglas de la proporción

El tarot de Remedios Varo

Existen cientos de diseños de tarots artísticos realizados por creadores plásticos. A ti, ¿Cuál te gusta más?

Con información de http://tarotgratis.mx/
Si quieres saber más sobre el tarot, qué significan las cartas, orígenes, e incluso obtener tiradas gratuitas en línea, visita ese sitio web.

# data[].attributes.attachment_link.title
10 Tarots artísticos de grandes pintores como Dalí - Zygnus Gallery

# data[].attributes.attachment_link.description
Diez Tarots artísticos, como el de Salvador Dalí, el de Remedios Varo o Leonora Carrington, creados por celebres artistas plásticos. Descubre sus representaciones místicas.

# data[].attributes.body
Las cartas del Tarot siguen siendo un tema clave para el diseño gráfico y la ilustración contemporánea, interpretándolas con las claves del presente, pero con sin renunciar a la simbología tradicional.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El trabajo de la ilustradora inglesa retoma el grabado tradicional y lo combina con un ocultismo más contemporáneo

Desde el siglo XIV se tiene evidencia del Tarot, baraja de cartas mística usada para la adivinación. Con el paso de los siglos, diversos tipos de diseños y barajas han acompañado su evolución hasta la actualidad. Los artistas tuvieron una gran importancia en este desarrollo del Tarot, siendo una de las más relevantes Lady Frieda Harris, que pintó el Tarot de Thoth para Aleister Crowley con el objetivo de actualizar su simbolismo pictórico tradicional.

El misticismo y la iconografía del Tarot llamaron la atención de Sophy Hollington, joven ilustradora inglesa, que se dejó fascinar por la riqueza visual de las cartas y lo mucho que podían contar. Así que se impregnó de su estética y temática y la aplicó a su trabajo.

The Autonomic Tarot es su propia reinvención de la baraja, cargada de pocos pero llamativos colores y la esencia del glam-punk de mediados de los setenta. Los símbolos, estampados y personajes de las cartas abren las puertas a la imaginación, por lo que pueden ser interpretadas de diversas formas dependiendo de quién las mire.

Para la creación de la baraja no sólo toma la influencia del misticismo medieval y de su folclore sino que también retoma sus procesos de creación. Por ejemplo, utiliza técnicas tradicionales de impresión en relieve, como el linograbado, para darle más distinción a su obra, cuyo proceso de creación se convierte en un "todo o nada". Planea una imagen acorde a algún tema, hace un boceto de cómo se verá la pieza impresa y la escanea e imprime para transferirla al linóleo usando papel carbón. Finalmente, comienza a tallar y es ahí cuando la pieza ya no puede cambiar.

Estas técnicas de impresión también las lleva al resto de su trabajo, que aborda cualquier tema, idea o historia, desde la cosa más aterradora que sufrió Sophy en su infancia, hasta cuentos populares ingleses, incluyendo un sinfín de comisiones para The New York Times, V&A London, Esquire, Bloomberg, The New Yorker, y bandas como The National, Kikagaku Moyo y Django Django.

Sophie Hollington es parte de una nueva generación de diseñadores que está trasladando la imagen del Tarot a este nuevo siglo de cartomancia. El acabado texturizado, la tinta, el grano del papel y las imperfecciones conviven con el ocultismo que emana de sus piezas, mismos elementos análogos que Ustudio nos enseña con rotuladores, espátula, rodillo y tinta en su curso ' Ilustración tradicional y digital: del boceto a la impresión'.

# data[].attributes.attachment_link.title
El Tarot se reinventa con ilustraciones de Sophy Hollington | Blog | Domestika

# data[].attributes.attachment_link.description
El trabajo de la ilustradora inglesa retoma el grabado tradicional y lo combina con un ocultismo más contemporáneo Desde el siglo XIV se tiene evidencia del Tarot, baraja de cartas mística usada para la adivinación. Con el paso de los siglos, diversos tipos de diseños y barajas han acompañado su evolución hasta la actualidad.

# data[].attributes.body
Muchos artistas han ilustrado este tipo de cartas, imprimiéndoles un estilo propio. Algunos de ellos puedes conocerlos a través de estos enlaces.

# data[].attributes.attachment_link.description
Andrea Mantegna fue un pintor del Quattrocento italiano.

# data[].attributes.body
Los surrealistas fueron algunos de los movimientos de vanguardia del siglo XX que sintieron interés por las ilustraciones del Tarot. Se realizaron interesantes producciones que se pueden ver a continuación.

# data[].attributes.attachment_link.description
Varados en la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas franceses crearon su propia versión del eterno juego de cartas que es un espejo de la psique humana y su rueda de la fortuna

# data[].attributes.body
Tarot Visconti Sforza

Es uno de los más reconocidos y copiados.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Tarjetas del mazo de cartas Pierpont-Morgan Bergamo

El nombre de tarot Visconti-Sforza se usa de manera genérica para referirse a varios conjuntos incompletos de aproximadamente 15 cartas o tarjetas que datan de mitad del siglo XV, ahora localizados en varios museos, bibliotecas y colecciones privadas alrededor del mundo. Ningún mazo completo ha sobrevivido; más bien, algunas colecciones presumen unas cuantas cartas o tarjetas de figuras, mientras que otras constan de una sola carta o tarjeta. Son los más antiguos mazos supervivientes de tarot y datan del periodo inicial cuando el tarot era todavía llamado trionfi ("triunfos"), y se utilizaba para el juego​​​ cotidiano. Estos tarot fueron encargados por Filippo Maria Visconti, duque de Milán, y por su sucesor y yerno Francisco I Sforza. Tuvieron un impacto significativo en la composición visual, numeración e interpretación de los modernos mazos de cartas.​

Las cartas supervivientes son de interés histórico particular debido a la belleza y detalle del diseño, el cual era a menudo ejecutado en materiales preciosos; con frecuencia reproducen a miembros de las familias Visconti y Sforza, de acuerdo a las vestimentas y ambientes decorativos del periodo. Consiguientemente, las cartas también ofrecen una visión de la vida nobiliaria en el Milán del Renacimiento, hogar de los Visconti desde el siglo XIII.

Las tres colecciones más famosas son la Pierpont-Morgan Bergamo, la Cary-Yale y la Brera-Brambilla. Todas se discuten con más detalle a continuación.

Esta baraja, también conocida como Colleoni-Baglioni y Francesco Sforza, fue producida alrededor de 1451.​ Originalmente estaba compuesta por 78 naipes; ahora solo contiene 74 (20 triunfos, 15 cartas de figuras o arcanos mayores, y 39 cartas " pip" o palos menores). La biblioteca Pierpont-Morgan en la ciudad de Nueva York tiene 35, la Accademia Carrara tiene 26 en su catálogo, mientras que las restantes 13 están en la colección privada de la familia Colleoni en Bérgamo. Triunfos y arcanos tienen un fondo dorado, mientras que los naipes " pip" o menores están pintados en color crema con motivos de flores y parras. Los dos triunfos desaparecidos son el Diablo y la Torre. Modernas reproducciones que se han publicado de esta baraja normalmente contienen intentos de reconstrucción de los naipes desaparecidos.

Las figuras del palo de bastos o bastoni lucen indumentaria plisada de plata y llevan un bastón largo; un barco grande corona los extremos excepto el naipe del Rey, cuyo bastón tiene un florón en la parte superior.

Los naipes con figuras del palo de copas llevan indumentaria dorada, embellecida por un motivo heráldico de sol y rayos; cada figura lleva un cáliz grande, como es habitual en este palo. El palo de espadas representa a las figuras vestidas con armadura completa y llevando una espada grande. Curiosamente, los caracteres representados en el palo de oros o denari llevan indumentaria decorada con cintas azules amarradas alrededor de soles circulares. El Caballero de este palo es el único que no lleva una corona ducal.

Nombrado en honor de la Colección Cary, incorporada a la Biblioteca Universitaria Yale en 1967, es también conocido como el conjunto Visconti di Modrone, y ha sido fechado alrededor de 1466.​ Algunos académicos, en cambio, han sugerido que este puede ser de hecho el más antiguo mazo de cartas existente, quizás encargado por Filippo Maria Visconti al inicio de su gobierno. Consta de 67 cartas o tarjetas (11 triunfos, 17 tarjetas de figuras y 39 tarjetas "pip") supervivientes, lo cual ha llevado a la (discutida) sugerencia de que, dada la distribución del mazo Pierpont-Morgan, el número total de cartas, en la época en que fue producido, pudo haber llegado a 86.​

El Cary-Yale es el único mazo histórico occidental con seis categorías de naipes, ya que la "Damisela" y la "Dama a caballo" complementan al tradicional Rey, Reina, Caballero y Sota o Paje. Sus rangos pueden ser determinados por sus posiciones: de pie, montados a caballo, o entronizados. Los triunfos también contienen las tres Virtudes teologales qué aparecen sólo aquí y en las barajas de Minchiate. Todas las cartas de triunfo tienen un fondo dorado, mientras las pip o menores lo tienen de plata.

Este conjunto es nombrado por Giovanni Brambilla, quién adquirió los naipes en Venecia en 1900.​ A partir de 1971, el mazo se encuentra en el catálogo de la Pinacoteca de Brera en Milán. Aparentemente encargado a Bonifacio Bembo por Francisco I Sforza en 1463, ahora consta de 48 cartas con tan solo dos triunfos - el Emperador y la Rueda de la Fortuna. Todos muestran un fondo dorado, mientras los naipes menores tienen el fondo plateado.

Las siete cartas restantes son: Caballero y Paje de copas; Caballero y Paje de oros; Caballero, Paje y Reina de bastos. Casi todas las cartas menores han sobrevivido, solo se perdió el cuatro de oros.

# data[].attributes.attachment_link.title
Baraja de tarot Visconti-Sforza - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El nombre de tarot Visconti-Sforza se usa de manera genérica para referirse a varios conjuntos incompletos de aproximadamente 15 cartas o tarjetas que datan de mitad del siglo XV, ahora localizados en varios museos, bibliotecas y colecciones privadas alrededor del mundo.

# data[].attributes.body
https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/16168-las-surrealistas-cartas-de-tarot-de-dali-de-los-1970-se-publican-completas.html

# data[].attributes.body
Osvaldo Menegazzi: relaciona el simbolismo y la iconografía tradicional con conceptos modernos.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
C'è chi afferma che le carte da gioco usate anche per scopo divinatorio si siano diffuse in Europa dal mondo arabo attraverso la Spagna. Altri ne individuano le origini in certi libri, in voga nel 1500 soprattutto in Germania, ma anche in Italia, nei quali i semi erano raffigurati agli angoli delle pagine. Sfogliando in modo casuale, il lettore poteva ottenere, per gioco, una generica predizione del proprio futuro. L'evoluzione successiva vede dapprima un mazzo di carte con numeri romani da utilizzare unitamente ad un "libro di risposte" e successivamente delle carte specializzate per le predizioni, stampate a partire da incisioni. Nel tempo, oltre ai mazzi decorati solo da numeri, i tarocchi figurativi hanno dato origine a tutti gli altri tipi di carte e le tecniche e la fantasia degli stampatori hanno prodotto svariati tipi di tarocchi.

Oggi viviamo nell'era dell'intelligenza artificiale e dell'indifferenza, ma il fascino di quelle carte resta immutato. Se passeggiando per la città incrociamo con lo sguardo un cartomante, la tentazione di fermarci è forte. In città molto attraversate come Roma, per esempio, è consueto trovare dei cartomanti posti in punti strategici. Un cartello e un mazzo di carte collocato su un tavolo improvvisato sono sufficienti per attirare l'attenzione dei passanti, spesso turisti. C'è da chiedersi che tipo di risposte cerchino, questi ultimi, e cosa si aspettino. Riconquistare un amore perduto? Ottenere un nuovo lavoro? Trovare la chiave della felicità? Nei versi di una delle sue canzoni più famose, il cantante italiano Francesco de Gregori dice "chi mi ha fatto le carte mi ha chiamato vincente, ma uno zingaro è un trucco". C'è sempre un fondo di scetticismo e di diffidenza, ma forse è proprio quello il sapore dello strano richiamo.

Che ci si creda o meno, quelle figure incorniciate da un rettangolo, indipendentemente dalla possibilità che qualcuno o qualche forza misteriosa possa anticipare il nostro futuro, esercitano l'attrazione dell'enigma e soprattutto l'incanto per la bellezza delle immagini in sé. Ecco, c'è un aspetto dei Tarocchi che è percepibile da tutti.

Nella vivace città di Milano, c'è un posto dove il tempo segue un altro ritmo, un laboratorio in cui i protagonisti delle carte dei tarocchi prendono vita grazie all'abilità di un esperto artigiano, Osvaldo Menegazzi. Da anni Osvaldo realizza a mano carte da gioco e tarocchi per appassionati e collezionisti. E' figlio e nipote di una famiglia che si dedica a questa rara forma d'arte da ben tre generazioni. Nel 2013 è stato invitato a riprodurre le carte dei tarocchi più antiche del mondo, custodite nella famosa Pinacoteca di Brera.
Osvaldo non improvvisa. Ogni dettaglio è studiato con attenzione. Dalla scelta del cartone appropriato, fino ai nastri e alle scatole per raccogliere le carte, passando per la pittura rigorosamente manuale di ogni esemplare.
Persone provenienti da tutto il mondo visitano il suo laboratorio per comprare quelli che sono oggetti d'arte, ma anche solo per conoscere il suo talento. Grazie alla collaborazione con un'esperta di storia dell'arte, chi visita lo studio di Osvaldo può conoscere meglio l'iconografia dei tarocchi e vedere come vengono interpretati i desideri dei clienti, realizzando carte che sono uniche.

Per chi crede nella cartomanzia, per chi è scettico e per chi apprezza l'artigianato, osservare Osvaldo Menegazzi al lavoro è certamente un'esperienza interessante. È possibile prenotare questa esperienza sul sito di Italian Stories.

Forse, nel mio piccolo, posso già leggere il futuro di molti lettori. Chi si troverà a passare da Milano probabilmente si ritaglierà un po' di tempo per una visita che dura circa due ore e costa 15 euro a persona.

(leggi l'articolo in portoghese: Milão: o mágico ateliê dos tarôs realizados à mão)

# data[].attributes.attachment_link.title
Milano: la magica bottega dei tarocchi fatti a mano

# data[].attributes.attachment_link.description
C'è chi afferma che le carte da gioco usate anche per scopo divinatorio si siano diffuse in Europa dal mondo arabo attraverso la Spagna. Altri ne individuano le origini in certi libri, in voga nel 1500 soprattutto in Germania, ma anche in Italia, nei quali i semi erano raffigurati agli angoli delle pagine.

# data[].attributes.body
Tarot de artistas surrealistas: Remedios Varo, Leonora Carrington y Dalí.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El juego de adivinación que data en el siglo XIV, ha hecho volar la imaginación de quienes lo han ilustrado.

Leonora Carrington, Remedios Varo y Salvador Dalí, son tan solo algunos de los artistas que encontraron en el tarot una profunda forma de ver la vida.

A ellos se suman Lady Frieda Harris, Pamela Colman Smith y Arthur Rackham, quienes dieron significado a las 78 cartas de Arcanos Mayores y Menores.

Leonora Carrington

La colección completa de 22 cartas de Tarot y La Maja del Tarot, son las obras de Leonora Carrington inspiradas en el mazo.

La inglesa refugiada en México mantuvo una relación estrecha con el escritor y cineasta Alejandro Jodorowsky a quien enseñó el arte del tarot.

Se dice que Carrington realizaba sus lecturas en la cocina de su casa en La Roma, cuando estaba casada con el fotógrafo Chiki Weiz.

La Maja del Tarot, de 1965, es la obra que realizó a petición de otra de sus grandes amistades, la actriz María Félix. En el cuadro, la Doña representa una figura mágica inspirada en un sueño que le contó a Carrington.

Remedios Varo

Otra de las artistas que mantuvo una relación cercana a Carrington y el tarot, fue Remedios Varo.

La española estudió el psicoanálisis, la alquimia y el esoterismo que trasladó a sus cuadros con símbolos y elementos del tarot.

Sus alusiones a los Arcanos son constantes en sus pinturas oníricas, místicas y mágicas.

Varo utilizó la simbología de los naipes en sus obras, como una plataforma alquímica para desvelar el inconsciente.

Salvador Dalí

Influenciado por la afición de su esposa Gala al esoterismo, Salvador Dalí, fue otro de los artistas en ilustrar a los Arcanos Mayores y Menores del tarot.

El pintor catalán conocido por sus referencias esotéricas y oníricas pintó 78 minicuadros inspirados en las imágenes del tarot de Rider-Waite.

Pamela Colman Smith

Pamela Colman Smith, también conocida como Pixie, es una de las ilustradoras más reconocidas del tarot.

La artista inglesa nacida en 1878, es la pintora del mazo más conocido, el Rider-Waite.

Desde muy joven se interesó en el teatro, la pintura y el arte. Su pasión por estas técnicas y su vida nómada la hicieron enfocarse en un arte espiritual.

Lady Frieda Harris

La artista plástica inglesa Lady Frieda Harris, es conocida por haber diseñado el tarot de Thoth.

El influyente ocultista, escritor y místico, Aleister Crowley, pidió ayuda para encontrar a alguien que ilustrara las 78 cartas.

Lady Frieda Harris fue la elegida luego de que dos artistas no aparecieran para realizar el proyecto. Tenía 60 años cuando diseñó el mazo influenciado en ideas ocultistas, mágicas, espirituales y científicas.

Arthur Rackham

El célebre artista de principios del siglo XX, Arthur Rackham, fue otro de los pintores que dio magia a esta baraja.

El ilustrador de libros como Peter Pan y Los cuentos de hadas de los hermanos Grimm logró transportar a sus lectores a tierras mágicas y encantadoras.

Lo mismo hizo con el puño de cartas en el que transmite a sus consultantes, el mundo mágico de las hadas y los duendes.

# data[].attributes.attachment_link.title
La magia del tarot ilustrado por Carrington, Varo y Dalí

# data[].attributes.attachment_link.description
Leonora Carrington, Remedios Varo y Salvador Dalí, son tan solo algunos de los artistas que encontraron en el tarot una profunda forma de ver la vida y que ilustraron con sus obras.

# data[].attributes.body
Tarot de París

Junto al Tarot Visconti Sforza es uno de los más copiados y referenciados.

# data[].attributes.body
El Tarocchi Francesi es uno de los Tarot que referencia el Tarot de Paris, pero con personalidad propia.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
One of the oldest complete French decks that still exists, the very quirky Tarot de Paris was printed in Paris about 1650. Only one example has survived-a complete deck in the Bibliothèque Nationale de France. Until now, there has been only one other version on the market, a facsimile published in 1985 by Grimaud for André Dimanche and reissued by Editions-sivilixi. Now we have a fresh opportunity to acquire this hard-to-find deck. A good deal of thought went into designing this unique deck, but the stenciling was a bit sloppy, making some of the lines hard to read. The Museo dei Tarocchi's deck (Tarocchi Francesi) is ideal for studying card details as the images are sharper, the colors brighter and the cards enlarged, without sacrificing historic authenticity.

For some reason, the deck's creator failed to put his name on it. The Two and Three of Cups have Faict a Paris Par (Made in Paris by) running up the left side. There's room on the right side for the printer's name, so its omission is mysterious. There's evidence that he was making cards in Paris about 1650 at the same time as Jacques Vievil and Jean Noblet. It's hard to imagine who, if anyone, actually used this deck. Since the cards display influences from several countries, perhaps the printer hoped to produce an international deck that would transcend borders and sweep throughout Europe. (Read more about this in the Comments below.)

The suit cards are a jumble of influences from Italy, Spain and Germany. The swords are curved scimitars and the batons are rough branches. The Aces depict a rearing animal holding a flag with the suit symbol. The coins display the arms of various cities and noble families from throughout Europe. Intriguingly, the Three of Coins (Shown at bottom) has a magical seal covered in sigils, hinting that there might be other occult references in this deck. (As someone pointed out in the comments below, I Iet my imagination run away with me here. It's actually a coat of arms on the 3 of Coins, and it's doubtful the printer was hiding a secret code in the deck.) Many court cards resemble their Tarot de Marseille counterparts. All of them are in motion and have definite personalities. I'm very happy to see so many strong women in this deck, from the sassy Empress to the Amazon Queen of Swords.

The trump cards are named and numbered as in the standard Tarot de Marseille pattern, but many are unique. Il Bagatto (center back wearing ass's ears) is playing a game with beareded men, rather than children, as in some early Italian cards. Under the table, a monkey scratches a dog's back. The Popess holds her book away from her body with her fingertips as if it were something disgusting she hated to touch. The Moon depicts a man with a harp serenading a naked woman on her balcony. The Sun card show a woman with very long hair looking in a mirror held by a monkey, with what seems to be an Ace of Batons behind her.

The bilingual book (Italian and English) that accompanies the deck is the result of two years' research by the authors, Morena Poltronieri and Ernesto Fazioli. They cleared up my confusion over some of the jumbled images in the facsimile, especially La Foudre, Temperance and Sun. But I was left with several questions. Why are geese or swan pulling the chariot? Why two faces - a woman and a bearded man - on the figure of Justice? I'm not satisfied with their explanation that it's Athena being born from Zeus's head. They misread the sphinx at the Emperor's feet as a dog, making their interpretation of this card totally irrelevant. I wonder why the names of some cards are badly misspelled or broken in strange places: Lan Pereut, Ler Mite, A Trempance, Les Toilles. Surely the printer knew better. Is it some kind of code?

Inexplicably, the authors refer to the Popess and Pope as the High Priestess and Hierophant, tipping us off that they're steeped in esoteric tarot. This influence seeps into their card discussions and colors their divinatory meanings. The suits are given Golden Dawn associations with the elements and seasons. The list of keywords for each suit card is taken straight from the Waite Smith deck with no reference to the actual seventeenth-century cards. I have no idea why Italian card makers recreating a 350-year-old French deck would use late 19 th-century English occult divinatory meanings. Perhaps they hoped to make the deck more marketable by pandering to an audience who only understands tarot through the Waite Smith lens.

At left is La Foudre, the card I had the hardest time understanding. This card is traditionally a lightning-struck tower or tree; but in this deck it's a Hell mouth, shown here in the 1984 Grimaud facsimile and the larger Museo dei Tarocchi restoration. In the newer deck, the images have been enhanced, although in some cards the image has been very slightly clipped along the edge. The borders and the cartouche at top center have been standardized in all the cards; but unless you compare the two decks closely, you probably won't notice these differences.

This is a wonderful opportunity to own a hard-to-find deck. I'm very happy I purchased it. Comparing the two versions has helped me see the facsimile with new eyes and discover things I missed before.

This edition of 200 is printed on sturdy, smooth card stock. The deck and book are housed in a handsome black box with a satin finish, and a card is pasted to the cover. A signed and numbered slip of paper is enclosed. The deck comes in a heavy green velour bag and the 127-page book is included in the box.

If you are in the US, order here from Arnell Ando. See many more pictures on this web page.
http://www.arnellart.com/museodeitarocchi/msdk60.htm?fbclid=IwAR1cgmayiAs8NsMSMv8olJax-7Xuc0HsBM8l9XYtrSeiyvae9gfeaXslTak
Everyone else email Morena Poltronieri at: Museodeitarocchi @ gmail.com

# data[].attributes.attachment_link.title
Tarocchi Francesi (The Anonymous Tarot de Paris) Restored by Il Museo dei Tarocchi

# data[].attributes.attachment_link.description
One of the oldest complete French decks that still exists, the very quirky Tarot de Paris was printed in Paris about 1650. Only one example has survived-a complete deck in the Bibliothèque Nationale de France. Until now, there has been only one other version on the market, a facsimile published in 1985 by Grimaud for...

# data[].attributes.body
https://www.pinterest.es/pin/215539532141500520/

https://www.pinterest.com.mx/pin/27303141482853516/

https://www.pinterest.es/pin/165999936245685290/

https://clasebcn.com/es/tips/black-power-tarot/

https://www.pinterest.es/pin/475059460693227531/

https://www.pinterest.es/pin/662451426437504480/

https://www.pinterest.es/pin/1096204365524002830/

# data[].attributes.body
Una misma carta, múltiples estilos para interpretarla.

Revisión de las diferentes estéticas con distintos autores.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Is it just me (here in Salem) or is Tarot experiencing a major resurgence? If so, I would point to our own anxieties and its flexibility, which encourages and drives myriad interpretations and paths: the Economist kicked off the year with its annual predictions issue featuring a spread of Tarot cards suggesting a dystopian future for "Planet Trump". Regardless of their meaning, I love visual metaphors that are enduring and flexible, or so flexible that they are enduring: reflective of a particular era's beliefs and values time and time again. One Tarot card that seems to represent this genre well is trump XII, The Hanged Man, which can represent a state of suspension, punishment, suffering, self-sacrifice, and also a critical crossroads at which one has the opportunity to change course. In the first Tarot decks, produced in fifteenth-century Italy and France, he was simply the traitor, perhaps reflecting contemporary "shame paintings" of conspirators and criminals, who were hanged by one leg for all to see.
Hanged Men from the Visconti-Sforza deck, c. 1428-50, The Hanged Man in a Flemish Tarot deck from the eighteenth century, and Oscar Wirth's 1889 deck, British Museum. A century of Hanged Men: Pamela Coleman Smith, from the Rider-Waite deck, 1909; Aleister Crowley and Lady Frieda Harris, 1969; Dürer & Bruegel Hanged Men by Giocinto Gaudenzi, 1989, and Pietro Alligo & Guido Zibordi Marchesi, 2003 accessed from this amazing site which showcases Tarot through the ages; the Housewives Tarot by Jude Buffum and Paul Kepple for Quirk Books, 2003; Woodcut @ HorseAndHair, 2013; photographs by Ayla El-Moussa for 25th Century, 2016; and Jim Bostick of Salem, 2017. Cary Collection of Playing Cards, Beinecke Rare Book and Manuscript Library, Yale University and Morgan Library & Museum ; Samuel Y. Edgerton's CLASSIC book on pittura infamante, with one of Andrea del Sarto's drawings (Galleria degli Uffizi, Florence) on the cover and inside.
The hanged man crosses the alps and is presented as Le Pendu in Tarot decks produced in early modern France and Flanders in the characteristic hanging-by-one-leg pose, (sometimes with bags of coins weighing him down in reference to the ultimate traitor, Judas). It's important to note that before the end of the eighteenth century and the publication of French occultist Antoine Court de Gébelin's The Primitive World Analyzed and Compared with the Modern World (1773-1782), Tarot cards were merely for play. The Primitive World asserted an ancient Egyptian lineage and ascribed much more power to all of the cards, and replaced the Hanged Man dangling from a rope to Prudence in the presence of a snake. A few years after the publication of de Gébelin's tome, Jean-Baptiste Alliette reinforced and popularized his claims and offered up a more practical approach to Tarot practice in How to Entertain Yourself with the Deck of Cards called Tarot (1785), completing its transition to an occult art. The Hanged Man reappears in the nineteenth century, looking much the same as his pre-modern form but with enhanced powers and meaning.

The troubled twentieth century was a golden age for Tarot, beginning with the deck that popularized and standardized its "divinatory meanings": the Rider-Waite Deck, with illustrations by Pamela Coleman Smith, which was first published in 1909 and reissued in a major way in 1970. In A.E. Waite's accompanying Pictorial Key to the Tarot, the Hanged Man is described as "a card of profound significance, but all the significance is veiled.....the face expresses deep entrancement (represented by the saintly halo), not suffering...the figure, as a whole, suggests life in suspension, but life and not death". While Tarot meanings were widely disseminated and standardized by Rider-Waite, the archetypal images were subjected to a range of modern interpretations over the next century. Perhaps the second most influential deck of the twentieth century was the "Thoth Tarot", a collaboration between Aleister Crowley and Lady Frieda Harris which was published in 1969, well after both artists' deaths. Much more multidisciplinary, the Thoth Deck broke the mold and inspired decades of creative interpretations-"traditional" (whatever that means when referencing Tarot), commercial, allegorical and abstract. Several Crowley-Harris paintings, the Hanged Men among them, were exhibited at the Venice Biennale in 2013, which I think began this current preoccupation with Tarot. There have been several Tarot exhibitions over the past few years, encompassing everything from emblematic installations to hooked rugs, as the Tarot cards are "reimagined" over and over again. Right here in Salem, photographs from Jim Bostick's "Salem Arcanum" Tarot series, featuring a Hanged Man who seems both traditional and modern and definitely illustrates "life in suspension", are currently on view in the October exhibition at the Mercy Tavern.

# data[].attributes.attachment_link.description
Is it just me (here in Salem) or is Tarot experiencing a major resurgence? If so, I would point to our own anxieties and its flexibility, which encourages and drives myriad interpretations and paths: the Economist kicked off the year with its annual predictions issue featuring a spread of Tarot cards suggesting a dystopian future for "Planet Trump".

# data[].attributes.body
Más estéticas que referencian las producciones gráficas con esta temática.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tarot (The Library of Esoterica) / / Taschen Reviews

# data[].attributes.headline
Pamela Colman Smith "Pixie"  y el tarot moderno

# data[].attributes.subject
Pamela Colman Smith "Pixie"  y el tarot moderno

# data[].attributes.body
Realiza el Tarot Rider-Waite. Simplifica el número de cartas.

Amiga de Bram Stoker, ilustra su libro La guarida del gusano blanco (1988).

Más información en:

https://nodoartes.wordpress.com/2021/04/21/pamela-colman-smith/

http://www.heroinas.net/2022/08/pamela-colman-smith-ilustradora.html

https://academia-lab.com/enciclopedia/pamela-colman-smith/

https://www.gutenberg.org/files/45299/45299-h/45299-h.htm

http://mujericolas.blogspot.com/2016/02/pamela-colman-smith-artista-ilustradora.html

# data[].attributes.body
¿Qué cartas van a representar?

¿Cómo se representa la simbología de cada una de ellas?

¿En quién te vas a inspirar? ¿En un artista o varios?

# data[].attributes.body
Tarot de Arthur Rackham, principios siglo XX.

# data[].attributes.body
Tarot de Dalí de 1970

# data[].attributes.body
Tarot Black Power de Michael Eaton, 2015.

# data[].attributes.body
Tarot de Marsella, alrededor de finales del siglo XIV y principios XV.

# data[].attributes.body
Tarot Frida Harris, años 60.

# data[].attributes.body
Tarot Rider Waite, por Pamela Colman Smith 1909

# data[].attributes.body
Tarot de Mantegna, de 1470

# data[].attributes.body
Tarot Remedios Varo, movimiento surrealista, 1957.

# data[].attributes.body
Tarot Leonora Carrington, años 50, surrealismo

# data[].attributes.body
Tarot Visconti Sforza, de 1473

# data[].attributes.body
En el Tarot de Michael Eaton se utiliza el "Black Power" para transformar la estética de las cartas. La fuerza, aparece representada con Tina Turner, esto significa que se ha reinterpretado la simbología de la fuerza a través de un icono contemporáneo.

¿Has hecho lo mismo? Explica a través de una presentación en Canva el proceso de trabajo. Tiene que ser visual y aparecen las tres cartas diseñadas. A través de la presentación, se justifica la parte investigada y la creativa.

# data[].attributes.attachment_link.description
Canva is a free-to-use online graphic design tool. Use it to create social media posts, presentations, posters, videos, logos and more.

# data[].attributes.body
En la presentación tiene que quedar reflejado los contenidos de la investigación previa realizada, los referentes y fuentes de inspiración en las que se basan las tres cartas del tarot.

Hay que enviar el enlace o la presentación al Classroom.

No se admiten fotos pixeladas, o de mala calidad en la presentación.

No se admiten distintos tipos de letra.

Las presentaciones tendrán entre 10 y 15 páginas (sin incluir portada de presentación y despedida).

En ninguna página habrá más de 5 líneas de texto.

El proyecto debe demostrar que se tiene conocimiento de los artistas investigados.

Tiene que haber coherencia entre las imágenes, el breve texto que las acompaña y la exposición oral.

La presentación tiene que ser muy visual.

# data[].attributes.body
Ten en cuenta la fecha de entrega.

# data[].attributes.attachment_link.title
Cómo exponer en clases: 8 Pasos - wikiHow

# data[].attributes.attachment_link.description
Exponer en clases puede ser algo que te ponga nervioso o que no te animes a hacer. Ya sea que tengas que exponer un tema que te asignen o uno que tú mismo escojas, lo esencial es que te prepares y sientas que tienes los conceptos bajo...