# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=2RyQdBfieG0

# data[].attributes.attachment_link.title
JACKSON POLLOCK, EXPRESIONISMO ABSTRACTO Y LA CIA

# data[].attributes.body
https://www.worldhistory.org/trans/es/1-19089/miguel-angel/  https://www.youtube.com/watch?v=LwxXShzlhG4

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Miguel Ángel (1475-1564) fue un artista, arquitecto y poeta italiano considerado como uno de los personajes más importantes e influyentes del Renacimiento. Sus creaciones más célebres, de entre un portafolio impresionante de obras maestras, incluyen los frescos en la bóveda de la Capilla Sixtina en Roma y la estatua gigante de David, hecha en mármol, que reside hoy día en la Galería de la Academia en Florencia.

Reputado por sus contemporáneos como el supremo artista vivo, Miguel Ángel influyó tremendamente en los estilos artísticos del Alto Renacimiento, del Manierismo y del Barroco. Todavía hoy, las obras de este gran hombre continúan causando fuertes emociones entre los amantes del arte del mundo entero; esto es explícitamente lo que él quiso producir en todo su arte, independientemente del material: admiración de la forma y movimiento, sorpresa y asombro.

Juventud

Su nombre completo en italiano es Michelangelo di Lodovico Buonarroti. Miguel Ángel nació en 1475 en Caprese, una pequeña localidad cerca de Florencia, Italia. A diferencia de otros artistas famosos, Miguel Ángel nació en el seno de una familia próspera. A los trece años fue enviado a Florencia para que estudiara con el célebre pintor de frescos Domenico Ghirlandaio (c. 1449-1494). El joven artista no sólo pasó dos años como aprendiz de Ghirlandaio sino que también visitó muchas iglesias en la ciudad, pasó tiempo estudiando y dibujando las obras de arte. La gran oportunidad de Miguel Ángel se dio cuando su trabajo fue notado por Lorenzo de Médici (1449-1492), jefe de la importante familia florentina que lleva ese nombre y que además era un mecenas generoso. Fue en el impresionante jardín de esculturas de Lorenzo donde el joven artista pudo estudiar de primera mano las obras de los grandes escultores de la Antigüedad, especialmente los sarcófagos romanos decorados en alto relieve; y fue allí donde aprendió con el conservador artístico y escultor Bertoldo di Giovanni (c. 1420-1491). Años después, Miguel Ángel creó la tumba de mármol de Lorenzo de Médici en la sepultura familiar de los Médici en la iglesia de san Lorenzo en Florencia.

MIGUEL ÁNGEL SE ESFORZÓ POR CREAR UN MUNDO MÁS BELLO DEL QUE PUDIERA EXISTIR EN REALIDAD.

La influencia que estas obras clásicas tuvieron en Miguel Ángel es evidente en las figuras retorcidas de sus primeras obras maestras, la escultura en relieve conocida como La batalla de los centauros y los lápitas; hoy día se exhibe en el Museo de la Casa Buonarroti en Florencia. En la primera mitad de su carrera, la preocupación del artista por la Antigüedad es muy evidente en su trabajo; también se manifiesta en las numerosas tentativas de hacer pasar algunas esculturas como si fuesen realmente antiguas. En 1496, por ejemplo, esculpió el Cupido durmiente (que ahora está perdido), el cual fue "envejecido" para hacerlo pasar como una obra antigua auténtica; con éxito, este fue vendido al cardenal Rafael Riario.

Miguel Ángel ya estaba entonces enfocando su atención en la técnica llamada disegno, mediante la cual el artista se concentraba sobre todo en tratar de captar la forma, la musculatura y las poses del cuerpo humano; primero se esbozaban las obras clásicas en papel para luego ser transformadas en una escultura o pintura totalmente nueva. Miguel Ángel también acrecentó su herencia artística con la pasión por la representación de sus figuras en poses dramáticas, y lo hizo a escala monumental, lo que quizás explique su propia preferencia por la escultura a otros materiales. En todas sus obras, independientemente del material utilizado, la marca distintiva del maestro fue la combinación de una ejecución realista hecha con grandeza y dinamismo, ya que se esforzó por crear un mundo más bello del que pudiera existir en realidad.

El artista principal del Renacimiento

LAS OBRAS GRANDIOSAS DE MIGUEL ÁNGEL HABLABAN POR SÍ SOLAS Y AQUELLOS QUE NO PUDIERON VERLAS EN PERSONA LAS ADMIRARON Y ESTUDIARON POR MEDIO DE LOS MUCHOS GRABADOS QUE SE HICIERON.

En 1496, Miguel Ángel se instaló en Roma, lo que le dio aún más posibilidades de estudiar modelos clásicos de arte y de arquitectura. Fue en ese período que creó otra de sus obras maestras, la Piedad (véase abajo). Alrededor de 1500 cuando volvió a Florencia, el artista ya estaba bien establecido y le encargaron que creara una figura, nada menos que para la catedral de Florencia. A Miguel Ángel le dieron un bloque descomunal del tan preciado mármol de Carrara que nadie sabía exactamente que hacer de él. El resultado fue otra obra maestra, probablemente esta sea la escultura más famosa de todas: David (véase abajo). La obra que le sigue es una chef-d'oeuvre representada en pintura, lo que demuestra que Miguel Ángel no estaba en modo alguno limitado a la escultura. La Sagrada familia o Tondo Doni fue pintada en 1503, y la obra se encuentra hoy día en la Galería Uffizi en Florencia. Después tuvo lugar una reunión muy curiosa entre grandes genios cuando Miguel Ángel y Leonardo da Vinci (1452-1519) estuvieron trabajando en los frescos del Palacio Viejo, lo que hoy es el Ayuntamiento, en Florencia. El sujeto del fresco de Miguel Ángel era la Batalla de Cascina, pero en este caso, al igual que el esfuerzo de Leonardo, la obra se quedó inacabada. Ahora sólo se pueden hacer conjeturas sobre lo que cada uno de estos dos grandes artistas pudo haber aprendido del otro.

¿Te gusta la historia?

¡Suscríbete a nuestro boletín electrónico semanal gratuito!

Miguel Ángel regresó a Roma para trabajar en la tumba del papa Julio II (pontífice entre 1503 y 1513), y luego se le asignó un encargo, quizás el más desafiante: pintar la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano (véase abajo). A pesar de que prácticamente trabajó solo, y muy a menudo en una posición incómoda encima de un andamio, la bóveda fue terminada con sorprendente rapidez. Para 1512, cuando la obra llegó a su término, ésta no fue del agrado de todos en la Iglesia, pero la representación central de Dios entre la nubes extendiendo su brazo para tocar el dedo de Adán se ha convertido en una de las imágenes más reproducidas de todos los tiempos.

Miguel Ángel continuó esculpiendo, aunque pintó muy raramente, durante el resto de su vida. Continuó escribiendo sus sonetos tan admirados, que solía dedicar a la poeta Vittoria Colonna (1490-1547), no obstante, muchos fueron escritos con descuido en la parte de atrás de dibujos o en pedacitos de papel. En el ejemplo que sigue, el Soneto 151 (c. 1538-1544), el artista compara el fracaso del arte para resguardarse de la muerte con la búsqueda del amor verdadero:

No tiene el mejor artista ningún concepto

que un mármol en sí no circunscriba

dentro de su exceso; y sólo a eso arriba

la mano que obedece el intelecto.

El mal del que huyo, y el bien que me prometo

dentro de ti, mujer grácil, divina y altiva,

se esconde; y para que yo más no viva,

contravienes el arte del deseado efecto.

Así que no hay amor, ni en tu beldad,

o dureza, o fortuna, o gran desprecio,

Culpable de mi mal, o de mi destino, o de mi suerte;

Si dentro de tu corazón muerte y piedad

llevaste un tiempo, y que mi bajo ingenio

no sepa, ardiendo, extraer más que muerte.[1]

(Paoletti, p. 404)[2]

También llevó a cabo muchos proyectos arquitectónicos importantes, como la Biblioteca Laurenciana, anexo a la Basílica de san Lorenzo en Florencia, con su sala de lectura de 46 metros (150 ft) de largo, una combinación estética y funcional triunfal. Otros proyectos incluyen el nuevo diseño de la Colina Capitolina en Roma (que comenzó en 1544); la cúpula de la Basílica de Roma que se elevaba hacia el cielo (los trabajos comenzaron en 1547 pero no fueron completados sino en 1590) para la cual Miguel Ángel rechazó aceptar un salario; y la capilla sepulcral de los Médici en Florencia. Como corresponde, durante el siglo XVI, la capilla de los Médici se convirtió en un lugar frecuentado por los aspirantes a artistas, quienes iban a admirar y aprender de este maestro su combinación única y visionaria de arquitectura y escultura. Miguel Ángel murió en Roma el 18 de febrero de 1564 y fue enterrado con ceremonias solemnes en la Basílica de la santa Cruz en Florencia.

Reputación y legado

Este gran artista fue representado en varias obras de arte que han sobrevivido. Un ejemplo impresionante es el busto de bronce creado alrededor de 1564 por su compatriota Daniele da Volterra (1509-1566), que reside hoy día en el Museo del Bargello en Florencia. La escultura es realista y muestra a un Miguel Ángel barbudo, con abundantes arrugas y con la nariz ligeramente aplanada; el artista Pietro Torrigiano (1472-1528) le rompió la nariz cuando ambos eran jóvenes y desde entonces la tuvo así (por lo expuesto, Torrigiano fue desterrado de Florencia).

Un registro más detallado de Miguel Ángel se conserva en dos biografías que fueron escritas en vida del artista, una por Giorgio Vasari (1511-1574) y la otra por Ascanio Condivi (1525-1574). En 1550, el artista toscano Vasari completó su libro Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos, pero luego en 1568 no sólo revisó extensamente su obra literaria sino que también la expandió. Las vidas es un registro monumental de los artistas del Renacimiento, entre otros, de sus obras y contiene anécdotas asociadas a ellos, por lo que a Vasari se le considera uno de los pioneros de la historia del arte. Por otra parte, el artista italiano Condivi, su discípulo en Roma, fue quien en 1553 escribió la Vida de Miguel Ángel Buonarroti[3]. Esta obra fue supervisada por el mismo maestro (lo que quizás explique un número de elementos ficticios o exagerados).

Estas dos biografías sirvieron para establecer la reputación de Miguel Ángel como una leyenda viva, tanto que otros artistas reconocieron su genio y contribución al resurgimiento del arte durante el Renacimiento. Naturalmente, las importantes obras de Miguel Ángel hablaban por sí solas, y aquellos que no pudieron verlas en persona las admiraron y estudiaron por medio de los muchos grabados que se hicieron y que fueron distribuidos por toda Europa. Su fama llegó más allá de Europa. El sultán del Imperio Otomano Bayezid II (que reinó entre 1481 y 1512) supo de las habilidades del artista y lo invitó a su corte, sin éxito. Aún más, las obras de Miguel Ángel estaban siendo coleccionadas, especialmente en Francia. En resumidas cuentas, Miguel Ángel era considerado nada menos que divino -un término que se solía utilizar durante la vida del artista- y poseedor de un poder artístico impresionante, al cual sus contemporáneos llamaron terribilità. La luz que este gran hombre arrojó sobre el arte y la cultura occidental continuó brillando mucho después de su muerte, y su obra influyó en el desarrollo del manierismo y del subsecuente estilo barroco.

Obras maestras
Piedad
La Piedad es una representación en mármol de la Virgen María que llora la muerte de Jesucristo, cuyo cuerpo descansa sobre su regazo. La obra fue encargada por un cardenal francés para su tumba en una capilla de Roma; esta fue terminada entre 1497 y 1500. La escultura tiene 1,74 metros (5 ft 8 in) de altura, y hoy día reside en la Basílica de san Pedro en Roma. La obra combina todos los aspectos del arte escultórico: una representación hiperrealista del cuerpo humano, un conjunto complejo de pliegues en el drapeado, la cara serena y contemplativa de María, el cuerpo lánguido e inerte de Jesús y una composición que recuerda a las estatuas devocionales norteñas, pero ofrece algo jamás visto antes en el arte italiano. La evidencia de que Miguel Ángel estaba altamente satisfecho con el resultado está en su firma; cuenta una anécdota que él la añadió después de que un artista rival quiso adjudicarse la creación.
David
Como se mencionó antes, la ofrenda que Miguel Ángel dio a la catedral de Florencia fue una escultura de mármol del bíblico rey David quien, en su juventud, como es bien sabido, mató al problemático gigante Goliat. La figura es mucho más alta que el tamaño natural -aproximadamente 5,20 metros (17 ft) de altura- y es tan grande que no pudo ser colocada sobre el edificio como se quería inicialmente, sino que fue puesta en la plaza, frente a la catedral. Miguel Ángel recibió alrededor de 400 florines por el trabajo que había iniciado en 1501 y que terminó en 1504. Hoy día, el David está de pie en la Galería de la Academia en Florencia, mientras que una réplica de tamaño real ha sido ubicada al aire libre en el Palacio de la Señoría.

Hoy la estatua es toda blanca, pero originalmente tenía tres elementos dorados: el tocón del árbol que le sirve de soporte, un cinturón de hojas y el adorno que lleva en la cabeza. La única identificación de que esta estatua representa a David es la honda que sujeta sobre el hombro izquierdo. Además, la madurez del cuerpo que debería haber sido el de un joven, junto con la desnudez de la figura, sin duda nos hacen recordar las estatuas colosales de la Antigüedad, especialmente la de Hércules. No es una coincidencia que Hércules también aparecía en el sello oficial de la ciudad de Florencia. Entonces, aquí había un mensaje artístico que indicaba que la ciudad se creía igual, o quizás mejor que cualquier ciudad de la Antigüedad. Claramente, Miguel Ángel fue más allá de las restricciones impuestas a la escultura clásica y creó una figura cuya tensión es palpable; este efecto se acentúa aún más por el ceño fruncido de David y por su mirada decidida.
La Capilla Sixtina
Como hemos visto antes, Miguel Ángel recibió el encargo de pintar la bóveda de la Capilla Sixtina, un edificio que sólo fue terminado en 1480. En 1504, el techo se había agrietado gravemente y tuvo que ser reparado. Así pues, esta fue una oportunidad para añadir nuevas obras a las impresionantes decoraciones ya existentes en el interior. Miguel Ángel estaba muy poco entusiasmado con el proyecto que lo ocuparía desde 1508 hasta 1512 -a menudo hubieron acaloradas discusiones con el papa-, pero hoy en día es una de sus obras distintivas. Los frescos están pintados con colores muy vivos y para ayudar al espectador que debe estar parado algunos metros abajo, Miguel Ángel usó la técnica de contraste de colores que interactúan uno al lado del otro.

La bóveda cubre en su totalidad un área que mide 39 x 13,7 metros (128 x 45 ft). Cada panel muestra por separado un ciclo de episodios de la Biblia, narrando de esta manera, desde la Creación hasta los tiempos de Noé, el Diluvio Universal. Es interesante notar que la Creación de Eva, y no la Creación de Adán, es la que ocupa el panel central, aunque esto podría deberse simplemente a que las escenas comienzan por orden cronológico a partir de la pared del altar. También hay siete profetas, cinco sibilas y cuatro ignudi que no tienen nada que ver con la narrativa religiosa, pero que muestran el amor de Miguel Ángel por la representación audaz de las figuras en poses dramáticas.

La obra fue un éxito inmediato con casi todos los que la vieron, pero hubo algunas muestras de descontento. La objeción principal fue la cantidad de desnudos y la representación de los genitales en unas cuantas figuras. Además, la sección de El Juicio Final que fue agregada mucho más tarde, entre 1536 y 1541, tampoco fue bien recibida por algunos miembros del clero. El hecho de que Jesús no tuviera su barba convencional y porque lucía más joven de lo usual fueron puntos específicos de controversia. El conocimiento del artista de teología esencial, o quizás su poca preocupación por el tema ya que se distinguía por su piedad, y luego con la aparición de más genitales, fueron la causa de que algunos clérigos llegaran hasta el punto de declarar que su obra era una herejía. Hasta hubieron llamados a destruirla. Afortunadamente para la posteridad, una estrategia más moderada fue adoptada, y se decidió cubrir los elementos de desnudez ofensivos. La tarea de retocar los frescos se le asignó a Daniele da Volterra, y por consiguiente, este artista adquirió el apodo desafortunado de Il Braghettone, o sea, el pinta braguetas.
Moisés
Como ya se ha mencionado, en 1505 Miguel Ángel fue encargado por Julio II de diseñar una tumba imponente para el líder de la Iglesia Católica Romana. Comenzó en papel como un monumento grandioso y finalmente, la tumba fue terminada en 1547 después de que muchas de las extravagancias planeadas fueran abandonadas. Una de las partes sobrevivientes es la estatua que representa a Moisés sentado. Esculpida por Miguel Ángel, esta muestra la figura bíblica sosteniendo su báculo y luciendo su larga e imponente barba, aparentemente para demostrar su temor a Dios. La estatua fue hecha de manera que fuese vista desde abajo y para eso, Miguel Ángel incorporó varias correcciones ópticas. La estatua, que mide 2,35 metros (7 ft 9 in) de alto, fue terminada alrededor de 1520 y hoy día reside en la Basílica de san Pietro in Vincoli en Roma.

# data[].attributes.attachment_link.description
Miguel Ángel (1475-1564) fue un artista, arquitecto y poeta italiano considerado como uno de los personajes más importantes e influyentes del Renacimiento. Sus creaciones más célebres, de entre un portafolio impresionante de obras maestras, incluyen los frescos en la bóveda de la Capilla Sixtina en Roma y la estatua gigante de David, hecha en mármol, que reside hoy día en la Galería de la Academia en Florencia.

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=_0puQhDY5qo&t=23s

# data[].attributes.attachment_link.title
José Guadalupe Posada - 55 obras de arte - ilustración

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=3pGDzZP3KNo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Eugène Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Claude Monet

Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Émile Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.

La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su iniciador, Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño.

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.

Mujeres en el jardín (1866), de Claude Monet

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

Impresión, sol naciente (1872)

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

El primero de los ismos modernos tenía ya denominación y Monet era considerado jefe del grupo. De 1878 a 1881 el artista permaneció en Vétheuil, trabajando en la línea iniciada en Argenteuil, sin participar en la quinta y sexta exposiciones impresionistas de los años 1880 y 1881. Después de una estancia en Poissy, que se prolongó hasta 1883, Monet, en compañía de su segunda esposa, Alice Hoschedé, se trasladó a Giverny, donde vivió hasta su muerte.

A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales. Efecto de nieve (1891, National Gallery of Scotland, Edimburgo), Almiares (1891, Museo de Orsay, París) y Almiares, puesta de sol (1890-1891, The Art Institute, Chicago) son obras que forman parte de algunas de sus primeras series.

Sin embargo, la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó: "Podría haber realizado cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."

Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en torno a su jardín de agua de Giverny. En un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo construyó un exuberante jardín en el que un gran estanque, colmado de nenúfares de todos los colores y rodeado por sauces y árboles exóticos, se cruzaba por un pequeño puente, de forma ovalada, que aparecería en numerosas pinturas de la época, como en El estanque de las ninfeas (1900, Museo de Orsay, París) o la lírica composición titulada El puente japonés (1918-1924, Museo de Orsay, París).

El puente japonés

Todo el tiempo y el dinero que Monet invirtió en la construcción de este jardín se vio compensado por las pinturas que de él surgieron; el agua era nuevamente un espejo cuya apariencia se modificaba con los efímeros e imprevisibles cambios del cielo que en él se reflejaban.

Allí nacieron también las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Vasili Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso y Georges Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa. Las Ninfeas: paisaje acuático (1903, Bridgestone Museum of Art, Tokio), Nenúfares al atardecer (1916-1922, Kunsthaus, Zurich) o Ninfeas (1919-1920, Museo Marmottan, París) son obras de gran formato que, en cierto modo, pueden ser contempladas por el espectador contemporáneo como pinturas abstractas.

Menúfares (Las nubes), de 1903

Cézanne aludió a la capacidad del artista para captar objetiva e inmediatamente la realidad. Sin embargo, su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza, y empleaba la memoria visual como recurso imprescindible para el acabado de sus composiciones. Las imágenes que se forman en la memoria son percepciones, igual que las determinadas por la visualización de las cosas, y entre ambas puede surgir, como ocurrió en la pintura de Monet, una nueva concepción de la imagen pictórica de la realidad. En sus últimas composiciones de lirios de agua, la forma está prácticamente disuelta en manchas de color, lo que, de algún modo, resulta una anticipación de lo que sería más tarde el arte abstracto.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

# data[].attributes.attachment_link.description
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Eugène Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

# data[].attributes.body
Video: https://youtu.be/mY3oTDCK1I4

# data[].attributes.attachment_link.title
Andy Warhol, el artista más icónico del ‘pop art’

# data[].attributes.attachment_link.description
Controvertido y enigmático, Andy Warhol fue uno de los artistas más importantes y con más carisma del siglo XX. Nadie como él ha sabido plasmar el espíritu del ‘pop art’ y vender su obra como un producto más de la sociedad de consumo que era el objeto de sus críticas.

# data[].attributes.body
https://infoeducacion.es/primaria/biografia-de-pablo-picasso-para-ninos/

https://www.youtube.com/watch?v=uhGrpx0emr4

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En la clase de hoy vamos a conocer un poco más sobre la historia y biografía de Pablo Ruiz Picasso para niños, el pintor español es uno de los más conocidos del mundo y sus cuadros están repartidos por los principales museos de arte.

Su nombre completo es Pablo Ruiz Picasso y nación en Málaga en 1881 y después una larga vida, pues vivió hasta los 92 (1973) años, murió en una ciudad de Francia llamada Moulins.

Picasso de niño

El padre de Picasso era profesor de dibujo y esto sin duda influyó en el pequeño Pablo, que ya desde pequeño disfrutaba dibujando, tanto es así que con 8 años ya pinto algún cuadro, y a los 15 ya tenía su propio taller donde pasaba las horas creando.

Más tarde consigue ingresar en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y es aquí donde decide romper con las técnicas de la época y desarrollar poco a poco un nuevo estilo. El éxito a Picasso no le llegó por casualidad, fue fruto de su esfuerzo pues pintaba mucho y se inspiraba en las vivencias que vivía en sus viajes sobre todo a París y en nuestro país, España. Y es en París donde descubre un modo de vida que le gusta, la vida bohemia, que no es otra cosa que vivir un poco al margen de la sociedad, sin reglas.

La juventud de Picasso

Con unos 20 años vive una época un tanto amarga, sobre todo provocada por la muerte de una de sus hermanas y el suicidio de un buen amigo, además todavía no consigue ganar dinero con la venta de sus cuadros. Esta amargura la plasma en sus cuadros, en los que usa tonos azules (en inglés blue significa también tristeza).

Con 23 años se instala en Montmartre, una ciudad de París, en la que frecuenta un taller donde muchos artistas acuden para crear, compartir y debatir. Picasso disfruta de esta época en la que se vuelve algo más optimista y esto le hace cambiar ligeramente su estilo, usando sobre todo tonos rosas, tonalidades más pálidas y ligeras y líneas más finas. Y es al final de este período cuando consigue vender sus cuadros y su nombre empieza a coger fama.

Su ganas de inventar y de crear y de no conformarse con la realidad le llevan a hacer muchas pruebas en sus pinturas. El diseño de unas máscaras provenientes de África que se mostraban en un museo de París le llamó mucho la atención. Así llega a crear un estilo nuevo conocido como el cubismo, su primer cuadro de este estilo fue Las Señoritas de Aviñón, Picasso tenía ya 26 años.

Unos años después pasa por un periodo conocido como " Metamorfosis " en la que los colores y formas son cada vez más extraños, algo que asombra a los espectadores.

Tras un golpe de estado que hubo en España en 1936 Picasso pinta varias escenas de guerra, indignado por las injusticias usa sus obras como acto de denuncia, fue en esta época cuando pintó uno de sus cuadros más famosos el "Guernica". Este cuadro permanece en el Museo Reina Sofía de Madrid y es enorme.

Ya con 60 años y con más de 20.000 obras creadas, y ya con 4 hijos llamados Paulo, Maya, Claude y Paloma, decide instalarse en la Costa Azul, cerca de Niza (Francia), dónde pasará sus últimos años, pintado cerámicas con sus dibujos.

Libro de Pablo Picasso para niños

Este libro es ideal para que los más pequeños conozcan la historia de Pablo Picasso con mucho más detalle.

Puedes verlo en Amazon aquí y su precio es inferior a los 10 euros.

# data[].attributes.attachment_link.title
Biografía de Pablo Picasso para niños - infoeducacion.es

# data[].attributes.attachment_link.description
En la clase de hoy vamos a conocer un poco más sobre la historia y biografía de Pablo Ruiz Picasso para niños, el pintor español es uno de los más conocidos del mundo y sus cuadros están repartidos por los principales museos de arte.

# data[].attributes.body
Video: https://youtu.be/eDqnCOZPC6E

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Salvador Dalí nació en Figueres, en la provincia de Gerona, el 11 de mayo de 1904. Fue un pintor genial, aunque muchas veces fuse más reconocido por sus excentricidades que por su trabajo artístico. Aunque su faceta más conocida es la de pintor, Dalí también explore otros campos y no dudó a la hora de colaborar con otros artistas. En especial, sus incursiones en el mundo del cine fueron famosas: sobre todo, sus colaboraciones con su amigo Luis Buñuel, que resultaron en dos de las películas más aclamadas del surrealismo, Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), o su participación en Recuerda ( Spellbound, 1945), de Alfred Hitchcock, en la que realizó los decorados para la escena del sueño.

Como muchos otros intelectuales españoles de principios del siglo XX, Salvador Dalí acudió a estudiar pintura a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde se alojó en la renombrada Residencia de Estudiantes en 1922. Esta institución, de marcado carácter progresista, invitaba a dar conferencias y organizar exposiciones a algunos de los más brillantes intelectuales de la época: Juan Ramón Jiménez, Severo Ochoa, Miguel de Unamuno, Manuel de Falla, Ortega y Gasset, Marie Curie, Louis Aragon o Le Corbusier pasarían por allí antes de 1936. En medio de este entorno de libertad y efervescencia creativa, Dalí trabó amistad con varias figuras de la que más tarde se denominaría la Generación del 27, como los poetas Federico García Lorca o Luis Cernuda, el cineasta Luis Buñuel o el ingeniero Pepín Bello, quien no desarrolló una carrera artística pero poseía una personalidad ocurrente y creativa y era a menudo el responsable de las ideas que inspiraban a sus compañeros.

En 1926 realizó su primera visita a París, durante la que conoció al pintor Pablo Picasso gracias a las referencias positivas que el pintor Joan Miró le había dado. Son unos años inquietos, en los que conoce sus primeros éxitos en exposiciones, pero es también expulsado de la Academia de Bellas Artes de San Fernando debido a su carácter rebelde, que le lleva a afirmar que el tribunal que debe examinarlo no es competente para ello. En un nuevo viaje a París en 1929, y de nuevo a través de Joan Miró, entra en contacto con los círculos surrealistas y dadaístas.

Son los años formativos para el pintor, en los que es como una esponja que absorbe las influencias de muchos tipos de arte, desde el formalismo académico más clásico a las vanguardias más rupturistas, que mezcla sin esfuerzo en sus obras. En la década de los 30, con un estilo propio consolidado y una posición firme dentro del grupo surrealista, se produce su consagración como pintor: el año 1931 realiza su primera exposición individual en París, en la galería Pierre Colle, en la que muestra una de sus obras más conocidas y reproducidas, La persistencia de la memoria.

En 1932, Dalí contrajo matrimonio con Gala, a quien había conocido durante unas vacaciones en 1929 en Cadaqués (Girona) cuando estaba casada con el poeta surrealista francés Paul Éluard. Pese al escándalo inicial, la oposición del padre de Dalí y la diferencia de edad -Gala era más de diez años mayor-, ambos formaron una sólida pareja sentimental y profesional, en la que ella asumió el papel musa y también agente del pintor, gracias a su mayor sentido práctico.

Ya antes de la Segunda Guerra Mundial, Dalí empezó a tener choques cada vez más fuertes con André Breton y su entorno a causa de su falta de compromiso político. La mayoría de los creadores surrealistas se habían posicionado a favor de las ideas izquierdistas y en contra del gobierno nazi alemán, pero Dalí, que se consideraba apolítico, se negó a condenar de forma pública el régimen nazi. Esto condujo a su famosa expulsión del movimiento surrealista en 1934 y a una serie de desencuentros con sus antiguos compañeros.

En 1940, Dalí viajó a Estados Unidos junto con Gala, escapando de la guerra que estaba arrasando Europa en aquellos años, y residió allí durante ocho años. Durante esta época, redescubrió su fe católica, se afianzó en sus actitudes apolíticas, se dedicó prolíficamente a la pintura, la ilustración y la escritura, y realizó una colaboración truncada con Walt Disney, entre otras actividades en las que se difuminaba la línea entre consumo y arte. Son también los años en que se cimenta su reputación excéntrica, que seguiría creciendo hasta el fin de su vida.

Dalí regresó a Cataluña en 1949, lo que le convirtió de nuevo en blanco de las críticas entre sus antiguos colegas, que lo acusaron de apoyar la dictadura franquista. Este enfrentamiento ideológico llevó a la ruptura definitiva con Breton y buena parte del círculo surrealista de su juventud; sin embargo, su carrera artística no dejó de prosperar. Dalí ramificó su producción en actividades muy diferentes a la pintura, creando artefactos surrealistas tan famosos como el teléfono-langosta, piezas de joyería y escenografías.

A partir de 1980, su salud se deterioró gravemente. La enfermedad de Parkinson afectó a su capacidad para pintar, y el fallecimiento de Gala en 1982 lo sumió en una depresión. Dalí se mudó al Castillo de Púbol, que había comprado para ella, y allí sufrió una severa deshidratación -al parecer, intencionada- que agravó su estado.

En estos años Dalí volvió a estar en el centro de la polémica, cuando se empezó a cuestionar la autoría de sus obras más tardías. Muchos denunciaron que algunos de sus amigos le habían hecho firmar lienzos en blanco, con el objetivo de venderlos como pinturas auténticas.

El 23 de enero de 1989 Dalí murió víctima de un fallo cardiaco a los 84 años, poniendo fin al despliegue de arte surrealista que había sido su propia vida. Fue enterrado en la cripta de su museo de Figueres, a poca distancia de su casa natal y de la iglesia de Sant Pere, en la que había sido bautizado. Dejó todo su legado al Estado español.

SALVADOR DALÍ OBRAS

Su obra es muy extensa y tocó temas diferentes. Entre sus obras destacan:

El gran masturbador (1929)

La persistencia de la memoria (1931)

Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) (1936)

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944)

Los elefantes (1948)

La Última Cena (1955)

Rinoceronte vestido con puntillas (1956)

# data[].attributes.attachment_link.title
Salvador Dalí - Pintor Surrealista Español | don Quijote

# data[].attributes.attachment_link.description
Salvador Dalí nació en Figueres, en la provincia de Gerona, el 11 de mayo de 1904. Fue un pintor genial, aunque muchas veces fuse más reconocido por sus excentricidades que por su trabajo artístico. Aunque su faceta más conocida es la de pintor, Dalí también explore otros campos y no dudó a la hora de colaborar con otros artistas.

# data[].attributes.body
https://www.facebook.com/watch/?v=2056487347983358

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Carlos Alberto García Moreno (23 de octubre de 1951), mejor conocido como Charly García, es un cantante, compositor, productor y músico. Nació en Buenos Aires, Argentina. Considerado como uno de los máximos exponentes en la historia del rock argentino y latinoamericano.

Primeros años

Charly García es el primer hijo de la relación entre Carlos Jaime García Lange y Carmen Moreno (Tiene tres hermanos menores). Estudió en la escuela primaria pública N°3, Primera Junta. Terminó sus estudios en la escuela Aeronáutica Argentina.

Desde muy pequeño se interesó y desarrolló su habilidad en la música; a la edad de dos años tocaba la citarina. Después su abuela le dio un piano para niños, siendo este el primer instrumento que aprenió a tocar con propiedad.

En 1956, sus padres lo ingresaron al Conservatorio Thibaud Piazzini. Su madre arregló todo para que Charly tuviese las clases de música y piano en su hogar, con su profesora Julieta Sandoval. El cantante amaba la música clásica, estuvo practicando y hasta tuvo sus primeras presentaciones. Él empezó a desarrollar interés por componer, pero su profesora le cohibía. La actitud de ella no lo detuvo del todo, a los 9 años empezó a componer, pero no se lo enseñó a nadie.

Carrera musical

Puede considerarse que la carrera musical de Charly García tiene un origen a la edad de 14 años cuando aceptó la invitación para integrar "To Walk Spanish", una banda integrada, además, por Alejandro "Pipi" Correa, Alberto "Beto" Rodríguez y Juan Bellis; en donde interpretaban versiones de The Beatles y The Rolling Stones.

Sui Generis: 1968-1975

La banda fue compuesta por Nito Mestre, Beto Rodríguez, Alejandro Corra, Carlos Piegari, Juan Bellia y Charly García. Luego, Alejandro Correa sale del grupo, e ingresa Rolando Fortich. Dos años después, Beto Rodríguez sale de la banda y lo reemplaza Francisco "Paco" Prati. La banda debutó en la graduación de la escuela donde estudiaban. Tras el ingreso y salida de varios integrantes, Charly y Nito Mestre deciden continuar como un dueto.

De la mano de Sui Generis editó su primer disco, Vida (1972); luego lanzó Confesiones de invierno (1973) e Instituciones (1974). A causa del conflicto político y dictaduras en Latinoamérica, Sui Géneris de disuelve. El espectáculo Adiós Sui Géneris aglomeró a más de 25.000 personas.

El dueto de Nito Mestre y Charly, deciden reunir a Sui Géneris de nuevo en el 2000.

"He muerto muchas veces acribillado en la ciudad, pero es mejor ser muerto que un número que viene y va".

Canción Para Mi Muerte (Sui Generis)

En 1971, Charly García fue citado para prestar servicio militar. El cantante se negaba a estar en ese sitio, por eso cuando ya fue reclutado, fingió enfermedades físicas y episodios mentales. Los superiores lo remiten al Hospital Militar; tanto era el estrés y las ganas de no estar en ese sitio, que Charly se toma un tarro de anfetaminas. La sobredosis lo llevó a un estado de alerta, lo puso a pensar que estaba a punto de morir. Es ahí cuando Charly García escribe una de sus canciones más conocidas: "Canción Para Mi Muerte".

PorSuiGieco: 1975-1976

En 1975, formó PorSuiGieco, grupo que no duró mucho. Sus integrantes fueron: León Gieco, Raúl Porchetto, Nito Mestre, María Rosa Yorio y Charly García.

Cuando lanzaron el disco con el mismo nombre, el grupo Triple A (Alianza Anticomunista Argentina) les prohibió que en el disco saliera el tema "El fantasma de Canterville". No editaron el cd, sólo no pusieron el título de la canción en el listado.

La Máquina de Hacer Pájaros: 1975-1977

Más tarde, para el año 1975, conforma una nueva banda, "La Máquina de Hacer Pájaros". Los integrantes fueron: Oscar Moro, Carlos Cutaia, José Luis Fernández, Gustavo Bazterrica y Charly. A causa de diferencias y encontrones, el cantante en muy poco tiempo deja la banda, para el año 1977.

En esa época, Argentina vivía momentos muy difíciles, y no era nada descabellada la forma excéntrica de actuar de García. El cantante empezó a asistir con el psicoanalista porque seguía presentando episodios de angustia. Sus días pasaban con él encerrado en el departamento, creando música y sin hablar con la gente.

En 1977, viaja junto a su amigo David Lebón, hacia Búzios, Río de Janeiro. En el año siguiente vivía junto a su novia; se centraron en vivir rodeados de la naturaleza.

Serú Girán: 1978

De vuelta a Argentina, Charly llega con la mentalidad de formar una nueva banda. Los integrantes fueron: Oscar Moro, Pedro Aznar, David Lebón y Charly.

Sus inicios fueron un poco mal recibidos, pues la gente esperaba que fuesen un renacimiento de Sui Géneris. Al pasar de los días fueron mejorando y la gente les fue aceptando y cambiando sus opiniones. La banda se disuelve a causa de que Pedro Aznar pasó a ser parte de la banda de Pat Metheny.

Carrera solista: Charly García

Charly García saca el disco "Yendo de la Cama al Living". Los músicos que le ayudaron con las melodías de ese cd fueron Cacharro López, Gustavo Bazterrica, Willy Iturry y Andrés Calamaro (que a veces era sustituido por Fito Páez).

Charly sacó una trilogía, conformada por "Yendo De La Cama Al Living", "Clics Modernos" y "Piano Bar".

En 1984, se une junto a Spinetta para hacer un dúo, pero este dueto no sobrevive a más de un año. Todo terminó por diferencias en sus personalidades que causaron la separación; el dúo sólo grabó una canción: "Rezo por Vos", un himno del rock argentino y latinoamericano.

Grabó el álbum "Lo Que Vendrá" en 1988. Este álbum fue parte de la banda sonora de la película "Lo Que Vendrá", película en la que también actuó Charly y fue galardonado con el premio al Mejor Actor de Reparto.

Luego de pasar por etapas y procesos diferentes, en 1990 contacta a sus amigos músicos para que le ayuden a grabar este nuevo disco. Para poder sacar el disco, se tuvo que encarar a un juicio por ofensa a los símbolos patrios. Los tribunales le autorizaron el uso de la esa versión del himno nacional argentino. Tres años después compuso la banda sonora de la película "Funes, un gran amor".

"Alta Fidelidad" es el álbum en el que trabajaron Mercedes Sosa y Charly. Ambos se conocían desde que él era pequeño, puesto que la mamá de él trabajaba en la radio, estaba rodeado de cenas con gente conocida, entre estas personas ,Mercedes.

García se tomó un descanso de la grabación de música nueva. Por seis años decidió frenar, pero seguía haciendo presentaciones en varios países.

El artista sufrió de la difusión ilegal de su disco "Kill Gil" (2006), denunciando públicamente haber sido traicionado e insinúa que puede que su hijo haya hecho eso. Es por ello que esperó cuatro años para lanzar oficialmente ese disco. Como bonus, la edición lanzada en el 2010 contaba con: 11 canciones y un DVD que tenía animaciones pintadas por Charly.

Polémicas

Periodistas

Tuvo problema con el periodista Mauro Viale.

Mantuvo varias discusiones con la periodista argentina Susana Giménez. En esas ocasiones, el artista le destrozó las hojas en la que la periodista tenía sus apuntes. En otra entrevista, Susana le dijo a García que estaba más gordo, a lo que él le respondió "vos también".

Tras agredir a un paparazzi en Uruguay, se le prohibió por un tiempo el ingreso a dicho país.

"Cocalombia"

Charly García viaja a Colombia para presentar un concierto en Bogotá. El artista decidió dar un saludo que a muchos les pudo hacer gracias, pero a una buena cantidad de colombianos no les pareció gracioso, puesto que ese país lleva años en una lucha contra ese estigma.

"Feliz de llegar a Cocalombia".

García aclara días después en una rueda de prensa: "No hay que entusiasmarse. Si piensan que fue un insulto, no lo fue. Me gustan los juegos de palabras. (...) Fue una expresión y pensar no es una prohibición".

Mendoza: Denuncia de cinco mujeres

Estuvo en compañía de cinco trabajadores sexuales, quienes decidieron denunciarlo en la fiscalía. Cuentan las mujeres que no quiso pagar el dinero y las encerró en la habitación del hotel.

Una de las mujeres contó que, al cobrarle, el artista les dijo: "Muratorio invitó, cóbrenle a él".

Vida personal

Cuando Charly era pequeño, sus padres hicieron un viaje a Europa. Él y sus hermanos se quedaron al cuidado de su abuela y varias niñeras. A causa de esto, Charly sufrió de estrés, el cual le generó una crisis nerviosa. Todo esto aportó para que apareciese el vitíligo como reacción a sus episodios de estrés.

Charly conoce a María Rosa Yorio mientras estaba en un concierto, empezaron a salir, pero García tenía en ese entonces una pareja llamada Maggie. María Rosa se cansó y lo puso a elegir entre ella y Maggie. Tiempo después se van a vivir junto en una pensión cerca al hogar de los padres del cantante.
En 1976, María Rosa Yorio queda en embarazo de su primer y único hijo, Migue García.
A los meses del nacimiento del hijo de estos dos artistas, deciden separarse. Tiempo después, María empieza a salir con el amigo cercano de Charly, Nito Mestre.

Su siguiente pareja fue Marisa Zoca, una brasileña que conoció cuando estaba junto a su exesposa. Esta relación duró hasta finales de los 80's. Él le escribió la canción "Zocacola"; a los meses de ser lanzada la canción, Zoca lo deja.

Está en una relación con Mecha Iñigo, a quien Charly le lleva 37 años.

En noviembre del 1994, Charly García fue internado en contra de su voluntad en una clínica psiquiátrica. Luego de ser dado de alta, se va de viaje a Brasil. Charly fue protagonista de una pelea a mediados del 2008; la policía se tuvo que presentar en el sitio, porque el artista estaba fuera de sí. Lo subieron a la fuerza y fue internado al Hospital Central. Los medios difundían que muy posiblemente todo esto fue debido a una sobredosis de una mezcla de alcohol y drogas. Su salud decayó a causa de una neumonía. Posteriormente, fue internado en un instituto neuropsiquiátrico en donde inició un tratamiento por excitación psicomotriz.

García habla de cómo el cantante Palito Ortega salva su vida. Luego de presentarse en un recital en el 2009, se reúne con Ortega y este lo traslada a su hogar y lo inicia en un proceso de desintoxicación. La prensa y la población argentina en general, quedaron sorprendidos al ver imágenes de Charly. Había perdido 15 kilos. Luego de un periodo de tratamiento, su salud mejoró. Celebró sus 57 años acompañado de amigos y gente cercana. Estuvieron en la celebración León Gieco y su exrepresentante, entre otros. A parte de la música otra de sus pasiones es el River Plate (equipo del cual es hincha).

En el 2020, Charly sufre un traumatismo en la cadera a causa de un accidente casero.

Cuenta con más de 580 mil seguidores en Instagram.

Discografía
Álbumes de Charly García con Sui Géneris:
"Vida" (1972):

"Confesiones De Invierno" (1973):

"Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" (1974):

"Alto En La Torre" (1975):

"Adiós Sui Géneris, parte I" (1975):

"Adiós Sui Géneris, parte II" (1975):

"Adiós Sui Géneris III" (1996):

"Sinfonías Para Adolescentes" (2000):

"Si-Detrás de las paredes" (2001):
CD 1 CD 2 Álbumes de Charly García con PorSuiGieco:
"Porsuigieco" (1976):
Álbumes de Charly García con La Máquina de Hacer Pájaros:
"La Máquina de Hacer Pájaros" (1976):

"Películas" (1977):
Álbumes de Charly García con Serú Girán:
"Serú Girán" (1978):

"La Grasas de las Capitales" (1979):
Los trabajos realizados como solista son:

"Música del alma" (1980).

"Yendo de la cama al living" (1982).

"Clics modernos" (1983).

"Piano bar" (1984).

"Parte de la religión" (1987).

"Cómo conseguir chicas" (1989).

"Filosofía barata y zapatos de goma" (1990).

"La hija de la lágrima" (1994).

"Estaba en llamas cuando me acosté" (1995).

"Hello! MTV Unplugged" (1995).

"Say no More" (1996).

"El aguante" (1998).

"Demasiado ego" (1999).

"Influencia" (2002).

"Rock and Roll YO" (2003).

"Kill Gil" (2010).

"Random" (2017).

"La lógica del Escorpión" (2022).

"Tango" (1986).

"Radio Pinti" junto a Enrique Pinti (1991).

"Tango 4" junto a Pedro Aznar (1991).

"Alta fidelidad" junto a Mercedes Sosa (1997).

# data[].attributes.attachment_link.description
Biografía de Jackson Wang Jackson Wang (28 de marzo de 1994) cantante de Kpop, bailarín y modelo. Nació en Kowloon Tong, Hong Kong. Forma parte de Got7 bajo el sello discográfico JYP Entertainment. Su familia le leó una compañía: TEAM WANG del cual es CEO. Es una compañía de prendas de vestir.

# data[].attributes.body
Video:
https://www.youtube.com/watch?v=imlVc3DD9M8

Artículo: https://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/

# data[].attributes.attachment_link.title
🎨 PABLO PICASSO - Vida y arte | En 6 minutos

# data[].attributes.body
https://mymodernmet.com/es/miguel-angel-vida/

# data[].attributes.attachment_link.title
Michelangelo breve biografía y sus obras. Ideal para niños

# data[].attributes.body
https://historia-arte.com/artistas/pablo-picasso
Pablo Picasso

# data[].attributes.attachment_link.title
🎨 PABLO PICASSO - Vida y arte | En 6 minutos

# data[].attributes.body
https://www.descubrirelarte.es/2019/06/20/rembrandt-un-genio-del-claroscuro.html

vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=mId2KhJKQ9c

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Descubrir el Arte, la revista líder de arte en español

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La celebración del 350 aniversario de la muerte del maestro holandés invita a sumirse de nuevo en la creación de este genial pintor y figura estelar del Siglo de Oro en los Países Bajos. Además, el 1 de julio Yelmo Cines estrena en España el documental Rembrandt Encore (los interesados, pueden conseguir una invitación en nuestro concurso). Ofrecemos un extracto de su biografía, que forma parte del amplio dossier que dedicamos al pintor en la revista de febrero de 2019

Holanda celebra por todo lo alto el 350 aniversario de la muerte de Rembrandt con un amplio programa de eventos y exposiciones en diferentes ciudades del país. Entre ellos, a principios de julio comenzará la restauración de La ronda de noche en el propio museo que atesora esta obra: el Rikjsmuseum, un proceso de trabajo que el público podrá seguir en directo tanto in situ como on line. Finalmente, en otoño, de nuevo el Rijksmuseum ofrecerá una interesante confrontación entre dos genios con la exposición Rembrandt-Velázquez, del 11 de octubre de 2019 al 19 de enero de 2020.

A continuación ofrecemos un extracto de la biografía escrita por Marie-Claire Uberquoi, un artículo que formaba parte del amplio dossier que publicamos en el número 240 (febrero de 2019), a los que su suman también un artículo sobre el joven Rembrandt y su etapa de formación en Leiden (María Cóndor), su faceta como grabador (Luis Reyes) y al contexto y mercado artístico de la Holanda de esa época (Francisco Carpio).

Las conmemoraciones ofrecen siempre un buen motivo para analizar de nuevo desde la distancia el impacto de la obra de un artista tan excepcional como es el caso de este artista. Curiosamente, la trayectoria de Rembrandt Harmenz Van Rijn (Leiden, 1606-Ámsterdam, 1669) resulta en cierta manera atípica. Desde los inicios de su carrera, el autor de La ronda de noche consiguió conquistar a un público entusiasta, alcanzando la cima de la celebridad a los treinta años. Pero luego su manera de pintar experimentó un cambio radical, lo que le valió cierto desprecio de la sociedad de su tiempo; aunque, de forma paradójica, sería esencialmente la obra realizada durante los veinte últimos años de su vida la que consagraría definitivamente su grandeza a los ojos de la posteridad.

El realismo naturalista de su primera etapa, su gusto innato por la expresión psicológica de sus retratos y el extraordinario virtuosismo de su técnica llamaron muy pronto la atención de sus contemporáneos. Sin embargo, al llegar a la madurez, Rembrandt no se conformó con este reconocimiento y quiso marcar distancia con los cánones artísticos de su época, creando un estilo claramente diferente e inmediatamente reconocible. Entonces su audacia le llevó a practicar una pintura casi expresionista que desconcertó a los críticos, que le reprocharon "su burda indiferencia hacia el decoro estético", tal y como cuenta Simon Schama en la biografía Los ojos de Rembrand t publicada en España por Aerte en 2002.

Espíritu libre, Rembrandt tuvo la suerte de nacer en el seno de una familia burguesa acomodada que le permitió cursar una carrera en lugar de seguir con el negocio familiar. Su padre, dueño de un próspero molino situado a orillas del Rin -de allí el apellido de Van Rijn inmortalizado por su hijo-, le mandó a la escuela latina y después a la Universidad de Leiden.

Al parecer, el joven Rembrandt abandonó muy pronto sus estudios para seguir su precoz vocación artística. Durante tres años realizó un primer aprendizaje con Jacob van Swanenburgh, un artista local muy apreciado por la sociedad de Leiden. Después pasó seis meses en el taller de Pieter Lastman en Ámsterdam, un prestigioso pintor de historia cuya enseñanza resultó determinante para la formación del joven Rembrandt. De regreso a su ciudad natal en 1625, Rembrandt, que no pertenecía a ningún gremio, se estableció por cuenta propia, algo bastante inédito en aquella época. Empezó a desarrollar una intensa actividad pictórica, realizando retratos y numerosos cuadros protagonizados por filósofos y apóstoles siempre envueltos en una discreta penumbra. En las escenas inspiradas en la historia o en la Biblia intentaba insuflar vida y sensibilidad a las figuras humanas, una característica que sorprendió gratamente al público. De este periodo prometedor destacan entre otros cuadros Tobías, Ana y el chivo (1626) del Rijksmuseum de Ámsterdam, Sansón y Dalila (1628) de la Gemäldegalerie de Berlín y, muy especialmente, La cena de Emaús (1628) del Museo Jacquemart-André (París). Aquí está el gran tema de su vida: el claroscuro.

Animado por sus primeros éxitos, en 1631, Rembrandt decide instalarse en Ámsterdam. Esta ciudad opulenta y tolerante se convirtió en una gran oportunidad para la carrera del pintor que rápidamente consolidó su posición como retratista de la alta sociedad, intentando emular a uno de sus grandes rivales, Anton van Dyck (1599-1641). Como testimonio de esta brillante actividad podemos citar los imponentes retratos del matrimonio Maerten Soolmans y Oopjen Coppit, adquiridos conjuntamente por el Rijksmuseum y el Louvre en 2016, y el del poderoso patriarca Johannes Uytenbogaert (1633), propiedad también del Rijksmuseum.

Rembrandt renovó las convenciones del retrato y nadie en su siglo supo observar el rostro humano con tanta intensidad y reflejar la personalidad del modelo con una penetración tan conmovedora. Lo mismo puede decirse de los numerosos autorretratos que Rembrandt realizó a lo largo de su vida, en los que aparece con atuendos y expresiones muy diferentes. En los últimos, marcados por el peso de los años, el artista ofrece una imagen de sí mismo sincera y profundamente humana como en el emotivo autorretrato del Mauritshuis de La Haya pintado poco antes de su muerte en 1669.

El tema del retrato cobra una nueva dimensión en las grandes composiciones de grupos como La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632), del Mauritshuis, y muy especialmente con La Ronda de noche pintada diez años después en 1642. Esta pintura monumental, cuyo titulo original es La compañía del capitán Frans Banning Cocq y del teniente Willem van Ruyteburgh, fue un encargo de la corporación de los Arcabuceros de Ámsterdam para el gran salón de su sede, el Kloveniersdoelen y hoy es la estrella indiscutible del Rijksmuseum. Rembrandt no dudó en vulnerar las reglas del retrato colectivo -un género muy en boga en el Siglo de Oro holandés, creando una composición dinámica, en la que la luz y los sorprendentes efectos de claroscuro desempeñan un papel fundamental.

Por esa época había comprado una inmensa casa por 13.000 florines (hoy la casa-museo Rembrandthuis) y dirigía un importante taller con numerosos alumnos y ayudantes que querían aprender "la manera" de Rembrandt. Algunos de ellos se convirtieron con el tiempo en destacados pintores como Govert Flinck, Ferdinand Bol, Samuel van Hoogstraten, Nicolas Maes y Carel Fabritius, el autor del popular cuadro El jilguero (1654) del Mauritshuis de La Haya que inspiró a Donna Tartt su novela homónima. A menudo Rembrandt retocaba algún cuadro de sus alumnos y no dudaba en venderlo como una obra suya.

El artista holandés ganaba entonces mucho dinero, llevando una existencia opulenta junto a su esposa Saskia, invertía grandes sumas en comprar pinturas, esculturas, grabados, dibujos -en particular de artistas italianos como Tiziano- y todo tipo de objetos exóticos para su colección particular. Pero este fastuoso periodo se truncó por una serie de graves problemas personales y financieros que llevó a Rembrandt a la ruina más absoluta. En 1658, su mansión fue subastada y el artista tuvo que trasladarse a una casa de alquiler en el Roszengracht donde residió hasta su muerte en una situación de gran precariedad.

Estas desgracias, sin embargo, apenas afectaron el ritmo de su trabajo y su capacidad creadora. De hecho, a partir de la década de 1640, Rembrandt, que se encontraba ya en el apogeo de su madurez, intensificó su producción, realizando sus obras maestras más innovadoras.

# data[].attributes.attachment_link.description
La celebración del 350 aniversario de la muerte del maestro holandés invita a sumirse de nuevo en la creación de este genial pintor y figura estelar del Siglo de Oro en los Países Bajos. Además, el 1 de julio Yelmo Cines estrena en España el documental Rembrandt Encore (los interesados, pueden conseguir una invitación en [...]

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=Uk8Fpi9LDI4

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Eugène Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Claude Monet

Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Émile Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.

La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su iniciador, Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño.

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.

Mujeres en el jardín (1866), de Claude Monet

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

Impresión, sol naciente (1872)

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

El primero de los ismos modernos tenía ya denominación y Monet era considerado jefe del grupo. De 1878 a 1881 el artista permaneció en Vétheuil, trabajando en la línea iniciada en Argenteuil, sin participar en la quinta y sexta exposiciones impresionistas de los años 1880 y 1881. Después de una estancia en Poissy, que se prolongó hasta 1883, Monet, en compañía de su segunda esposa, Alice Hoschedé, se trasladó a Giverny, donde vivió hasta su muerte.

A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales. Efecto de nieve (1891, National Gallery of Scotland, Edimburgo), Almiares (1891, Museo de Orsay, París) y Almiares, puesta de sol (1890-1891, The Art Institute, Chicago) son obras que forman parte de algunas de sus primeras series.

Sin embargo, la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó: "Podría haber realizado cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."

Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en torno a su jardín de agua de Giverny. En un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo construyó un exuberante jardín en el que un gran estanque, colmado de nenúfares de todos los colores y rodeado por sauces y árboles exóticos, se cruzaba por un pequeño puente, de forma ovalada, que aparecería en numerosas pinturas de la época, como en El estanque de las ninfeas (1900, Museo de Orsay, París) o la lírica composición titulada El puente japonés (1918-1924, Museo de Orsay, París).

El puente japonés

Todo el tiempo y el dinero que Monet invirtió en la construcción de este jardín se vio compensado por las pinturas que de él surgieron; el agua era nuevamente un espejo cuya apariencia se modificaba con los efímeros e imprevisibles cambios del cielo que en él se reflejaban.

Allí nacieron también las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Vasili Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso y Georges Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa. Las Ninfeas: paisaje acuático (1903, Bridgestone Museum of Art, Tokio), Nenúfares al atardecer (1916-1922, Kunsthaus, Zurich) o Ninfeas (1919-1920, Museo Marmottan, París) son obras de gran formato que, en cierto modo, pueden ser contempladas por el espectador contemporáneo como pinturas abstractas.

Menúfares (Las nubes), de 1903

Cézanne aludió a la capacidad del artista para captar objetiva e inmediatamente la realidad. Sin embargo, su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza, y empleaba la memoria visual como recurso imprescindible para el acabado de sus composiciones. Las imágenes que se forman en la memoria son percepciones, igual que las determinadas por la visualización de las cosas, y entre ambas puede surgir, como ocurrió en la pintura de Monet, una nueva concepción de la imagen pictórica de la realidad. En sus últimas composiciones de lirios de agua, la forma está prácticamente disuelta en manchas de color, lo que, de algún modo, resulta una anticipación de lo que sería más tarde el arte abstracto.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

# data[].attributes.attachment_link.description
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Eugène Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=hID133POgP8

# data[].attributes.attachment_link.title
Andy Warhol, el artista más icónico del ‘pop art’

# data[].attributes.attachment_link.description
Controvertido y enigmático, Andy Warhol fue uno de los artistas más importantes y con más carisma del siglo XX. Nadie como él ha sabido plasmar el espíritu del ‘pop art’ y vender su obra como un producto más de la sociedad de consumo que era el objeto de sus críticas.

# data[].attributes.body
https://mymodernmet.com/es/kehinde-wiley-pinturas/
https://www.youtube.com/watch?v=CaadyBGVsQo

# data[].attributes.attachment_link.title
Kehinde Wiley, el pintor que mezcla la estética clásica con sujetos actuales

# data[].attributes.attachment_link.description
Wiley, conocido por pintar el famoso retrato de Obama, se inspira en la obra de los grandes maestros para dar vida a sus pinturas.

# data[].attributes.attachment_link.title
Salvador Dali y el surrealismo | The Dalí Universe

# data[].attributes.attachment_link.description
Salvador Dalí es considerado uno de los principales representantes del movimiento surrealista. Una de sus obras más famosas es "La persistencia de la memoria".

# data[].attributes.body
Video: https://www.youtube.com/watch?v=svNjf3KEPRs

# data[].attributes.body
articulo: https://mymodernmet.com/es/keith-haring/

video: https://espanol.cgtn.com/n/2022-03-24/GbcJEA/beijing-organiza-una-exposicion-con-obras-de-keith-haring/index.html

# data[].attributes.attachment_link.title
7 Datos sobre Keith Haring, pionero del arte callejero

# data[].attributes.attachment_link.description
Keith Haring es famoso no solo por su estilo pop, sino también por ser un gran defensor de varias causas sociales cercanas a su corazón.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ansel Adams
Ansel Easton Adams

Fotógrafo estadounidense

Nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, Estados Unidos.

En el año 1916 viaja y realiza sus primeras fotografías en el Yosemite National Park de California.

En sus trabajos se aprecia un fuerte contraste de luces y de sombras, montañas peladas, nubes enormes y gigantescos árboles. Realizó un gran número de fotografías muchas de las cuales representan hitos fundamentales en la historia de esta disciplina artística.

En 1932, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crea el f/64, grupo de fotógrafos que apoyan el detalle y la estética naturalista, la llamada fotografía directa, que tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.

En el año 1939 expone por primera vez en San Francisco. Fundó el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y editó la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. Colaboró en la organización del departamento de fotografía del museo de Arte moderno de New York ( MOMA), donde también dictó cursos y conferencias.

Trabajó para la fundación Guggenheim documentando parques nacionales y monumentos. Hacia 1941 desarrolla su " sistema de zonas", un método para calcular el tiempo de exposición y de revelado que debía aportar una gradación óptima a los valores del gris.

Ansel Adams falleció en Monterey el 22 de abril de 1984, de un fallo cardíaco.

*buscabiografias.com

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otros

# data[].attributes.attachment_link.description
Ansel Adams Ansel Easton Adams Fotógrafo estadounidense Nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, Estados Unidos. En el año 1916 viaja y realiza sus primeras fotografías en el Yosemite National Park de California. En sus trabajos se aprecia un fuerte contraste de luces y de sombras, montañas peladas, nubes enormes y gigantescos árboles.

# data[].attributes.headline
Alana: Yo aprendí que Frida encantaba rodearse de mascotas exóticas como monos, arañas y perros. 

# data[].attributes.subject
Alana: Yo aprendí que Frida encantaba rodearse de mascotas exóticas como monos, arañas y perros. 

# data[].attributes.body
https://www.pbs.org/weta/fridakahlo/life/index_esp.html

# data[].attributes.attachment_link.title
La vida y la época de Frida Kahlo . Vida de Frida Kahlo | PBS

# data[].attributes.attachment_link.description
Si esta mentira tan obvia nos resulta necia e incongruente, incomprensible en contraste a su desenvuelto candor, ello sólo proyecta, por un momento, la yuxtaposición de imágenes que encontramos en sus pinturas. Frida nunca se detuvo ante los hechos tangibles para llegar y expresar su propia verdad;…

# data[].attributes.attachment_link.title
Biografía de Diego Rivera Resumida | Diego Rivera Biografía

# data[].attributes.body
https://historia-arte.com/artistas/vincent-van-gogh

# data[].attributes.attachment_link.title
La vida y el triste final de Julio Iglesias

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(1886/12/08 - 1957/11/24)

Pintor mexicano

"El arte es como el jamón: nutre a las personas"
Diego Rivera

Diego Rivera nació el 8 de diciembre de 1886 con su gemelo Carlos María en Guanajuato.

Familia

Hijo de Diego Rivera y María del Pilar Barrientos. Un año y medio después de nacido, murió su hermano, mientras él padecía raquitismo.

En 1892 se trasladó a la Ciudad de México con su familia.

Estudios

Estudió en la academia de San Carlos y en el taller del grabador José Guadalupe Posada, cuya influencia fue decisiva. En la Academia de 1896 a 1902, donde tomó clases con Santiago Rebull, Salomé Piña, Félix Parra, José María Velasco y Antonio Fabrés, abandonó a los dieciséis años debido -según sus propias palabras- a que el sistema de enseñanza de pintura solo estaba dirigida a la reproducción fiel de los objetos. De 1907 a 1921 estudió pintura en Europa.

Pintor

En 1921 regresó a México donde participó en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno.

Partido Comunista Mexicano

Rivera fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano.

Murales

En México su primer mural fue La creación (1922), destinado al anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria. Ese mismo año, el pintor fue uno de los organizadores de la Unión de Trabajadores Técnicos y Plásticos.

Pintó grandes frescos, sobre la historia y la sociedad de su país en los techos y paredes de edificios públicos. De 1923 a 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de Educación en la ciudad de México, aunque su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza. Pintó murales en el Palacio de Cortés, en Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.

Expuso y trabajó en Estados Unidos; su obra allí incluye un mural (1932-1933) para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, y destruido poco después de su realización porque contenía, un retrato de . Un año más tarde, lo reprodujo para el Palacio de Bellas Artes de México.

En 1935 terminó los frescos para la escalera monumental del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su propia interpretación de la historia de su país. En la década de 1940 Diego Rivera pintó dos grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología (1944), y otro gran mural para el Hotel del Prado, Sueño de la Alameda (1947), de tema histórico-crítico.

Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales, como las del Estadio de la ciudad universitaria de México o el del Teatro Insurgentes. Legó a México una importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México.

Reconocimiento

Recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes (1950).

Mujeres e hijos

La primer compañera y amante reconocida de Diego Rivera fue la artista emigrante rusa Angelina Belloff, con quien procreó un hijo que murió poco después. Más tarde nació su primera hija, Marika, producto de los amoríos que tuvo con la pintora rusa, Marievna Vorobiev-Stebelsca. La segunda esposa de Diego fue Guadalupe Marín, modelo de sus retratos y con quien se casó en la iglesia de San Miguel de la ciudad de Guadalajara. De esta relación nacieron dos niñas: Guadalupe y Ruth.

Asimismo, otra de las musas de Diego fue Tina Moddotti, quien aparece en murales como La tierra dormida, Germinación y Los frutos de la tierra, entre otros. Mantuvieron una relación amorosa que perduró hasta 1927.

Frida Kahlo

El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera se casó con Frida Kahlo, 24 años menor que él. Su relación fue muy abierta y extraña, pues ambos se autorizaron a tener relaciones sexuales fuera del matrimonio. En 1939 se divorciaron, pero se volvieron a casar después de un año y esta vez la relación perduró hasta la muerte de ella, en 1954.

El 29 de julio de 1955, casi un año después de la muerte de Frida Kahlo, Diego Rivera contrajo matrimonio por cuarta vez, con Emma Hurtado, quien era mucho más joven que él y amiga suya desde hacía diez años. Ella permaneció a su lado hasta su muerte.

Muerte

Diego Rivera falleció el 24 de noviembre de 1957, a causa de un cáncer, en la Ciudad de México.

Sabías que...

*buscabiografias.com

Artículo: Biografía de Diego RiveraAutor: Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otrosWebsite: Buscabiografias.comURL: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5600/Diego%20Rivera Publicación: 2009/03/10 -dateModified-Última actualización: 2021/03/05

# data[].attributes.attachment_link.description
(1886/12/08 - 1957/11/24) Diego Rivera Diego Rivera nació el 8 de diciembre de 1886 con su gemelo Carlos María en Guanajuato. Hijo de Diego Rivera y María del Pilar Barrientos. Un año y medio después de nacido, murió su hermano, mientras él padecía raquitismo. En 1892 se trasladó a la Ciudad de México con su familia.

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=UBq_GAh12Sk

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Esta biografía no es de ninguna manera una exploración completa y abarcadora de la vida de Vincent van Gogh. Es simplemente una visión general de algunos de los acontecimientos importantes en la crónica de la vida de Van Gogh. En mi sección de "Libros" tengo una página dedicada específicamente a las biografías de Van Gogh y allí recomiendo algunas de las mejores. La primera y por mucho la mejor de ellas es la de de Jan Hulsker, Vincent y Theo Van Gogh: Una Biografía Dual, ampliamente recomendada.

Para obtener una referencia cronológica de la vida de Van Gogh, por favor visita la sección de Cronología.

Los Primeros Años

Vincent van Gogh nació en Groot Zundert, Holanda, el 30 de Marzo de 1853. El nacimiento de Van Gogh aconteció un año después de que su madre dió a luz a su primer hijo, un bebé que nació muerto, llamado también Vincent. Ha existido mucha especulación sobre si Vincent van Gogh sufrió algún trauma psicológico como resultado de sentirse "el bebé de reemplazo" y por haber tenido un hermano muerto con el mismo nombre y la misma fecha de nacimiento. Sin embargo, esta teoría se mantiene sin justificar, y no existe ninguna evidencia histórica que la apoye.

Van Gogh fue hijo de Theodorus van Gogh (1822-85), un pastor de la Iglesia Reformada Holandesa, y de Anna Cornelia Carbentus (1819-1907). Desafortunadamente no existe prácticamente ninguna información relacionada con los primeros diez años de vida de Vincent van Gogh. Van Gogh estuvo dos años en un internado en Zevenbergen y posteriormente estudió dos años más en la secundaria King Willem II en Tilburg. En aquel año, 1868, Van Gogh dejó sus estudios cuando tenía 15 años para no volver.

En 1869 Vincent van Gogh comenzó a trabajar en la compañía Goupil & Cie., empresa de vendedores de arte en La Haya. La familia Van Gogh estuvo durante mucho tiempo relacionada con el arte: los tíos de Vincent, Cornelis ("Tio Cor") y Vincent ("Tio Cent"), fueron vendedores de arte. Theo, su hermano menor, desarrolló su vida de adulto trabajando como vendedor de arte, por lo que tuvo una tremenda influencia durante la última etapa de la vida artística de Vincent.

Vincent era relativamente exitoso como vendedor de arte y permaneció con Goupil & Cie. durante siete años más. En 1873 fue transferido a la sucursal en Londres, donde rápidamente se enamoró del clima cultural de Inglaterra. A fines de Agosto, Vincent se cambió al No. 87 de Hackford Road donde vivió con Ursula Loyer y su hija Eugenie. Vincent, según se dice, estuvo enamorado de Eugenie, pero muchos biógrafos han cambiado el nombre de Eugenie por el de su madre, Ursula. Además de las largas décadas de confusión con los nombres, evidencia reciente parece indicar que Vincent tampoco estuvo enamorado de Eugenie, aunque aparentemente sí lo estuvo de una mujer holandesa llamada Caroline Haanebeek. La verdadera historia permanece inconclusa.

Vincent van Gogh permaneció dos años más en Londres. Durante ese tiempo visitó la mayor cantidad de galerías y museos que tuvo oportunidad, y llegó a ser un gran admirador de escritores británicos como George Eliot y Charles Dickens. Van Gogh también fue un gran admirador de los grabadores británicos cuyos trabajos ilustraron revistas como The Graphic. Estas ilustraciones inspiraron e influenciaron a Van Gogh en su vida artística posterior.

La relación entre Vincent y las galerías Goupil se deterioró conforme pasaban los años y en mayo de 1875 fue transferido a la sucursal de París. En el siguiente año de trabajo, quedó claro que Vincent no estaba contento vendiendo pinturas que eran poco atractivas con relación a sus gustos. Vincent dejó Goupil a fines de marzo de 1876 y regresó a Inglaterra donde sus dos años en esa ciudad fueron, durante la mayor parte del tiempo, felices y gratificantes.

En abril, Vincent van Gogh empezó a dar clases en la escuela del reverendo William P. Stokes en Ramsgate. Era responsable de 24 muchachos con edades entre 10 y 14 años. Sus cartas sugieren que a Vincent le gustaba la enseñanza. Posteriormente, comenzó a dar clases en otra escuela para muchachos, esta vez dirigida por el reverendo T. Slade Jones en Isleworth. En su tiempo libre, Van Gogh continuó visitando galerías y admirando las obras que encontraba. También se dedicó a estudiar la biblia, utilizando muchas horas para leer y releer el evangelio. El verano de 1876 fue verdaderamente un tiempo de transformación religiosa para Vincent van Gogh. A pesar de haber crecido en una familia religiosa, no fue hasta esta época en que comenzó a considerar seriamente el dedicar su vida a la Iglesia.

Como medio de transición de profesor a clérigo, Vincent solicitó al reverendo Jones que le diera más responsabilidades relacionados con el clero. Jones estuvo de acuerdo y Vincent comenzó a hablar en las reuniones de oración en la parroquia de Turnham Green. Estas charlas fueron un medio importante en la preparación de Vincent para la tarea que largamente había esperado: su primer sermón dominical. A pesar del entusiasmo de Vincent acerca de sus posibilidades de ser ministro, sus sermones eran poco brillantes y sin vida. Como su padre, Vincent tenía pasión por predicar pero carecía de entrega apasionada.

Vincent eligió permanecer en Holanda luego de visitar su familia en Navidad. Después de trabajar brevemente en una librería en Dordrecht a principios de 1877, Vincent partió a Amsterdam el 9 de Mayo para prepararse para el examen de ingreso a la universidad donde pensaba estudiar teología. Vincent recibió lecciones de griego, latín y matemáticas, pero su falta de destreza finalmente lo impulsó a abandonar sus estudios luego de quince meses. Vincent luego describiría este período como "el peor lapso de mi vida". En Noviembre Vincent fracasó al calificar para la escuela misionera en Laeken luego de un período de prueba de tres meses. Sin dejarse persuadir por la adversidad, eventualmente Vincent van Gogh hizo arreglos con la iglesia para comenzar un período de prueba para predicar en una de las regiones más inhóspitas y empobrecidas de Europa occidental: el districto carbonífero de Borinage, Bélgica.

En enero de 1879, Vincent comenzó sus deberes de predicador con los mineros de carbón y sus familias en la aldea minera de Wasmes. Vincent sentía una relación íntima emocional con los mineros. Comprendió sus terribles condiciones de trabajo e hizo su mejor esfuerzo, como su líder espiritual, para facilitar la carga de sus vidas. Desafortunadamente, este deseo altruista alcanzaría proporciones fanáticas cuando Vincent comenzó a repartir la mayor parte de su alimento y ropa a la gente pobre bajo su cuidado. A pesar de las intenciones nobles de Vincent, los representantes de la iglesia desaprobaron el ascetismo de Van Gogh y lo removieron de su puesto en Julio. Rechazando dejar el área, Van Gogh se movió a una aldea cercana, Cuesmes, y permaneció allí en completo estado de pobreza. Durante el siguiente año, Vincent luchó para vivir la vida diaria y, aunque no fue capaz de ayudar oficialmente a la gente de la aldea como clérigo, eligió seguir siendo un miembro de su comunidad. Un día Vincent sintió la obligación de visitar el hogar de Jules Breton, pintor francés que admiraba, y fue así como con solamente diez francos en su bolsillo recorrió los 70 kilómetros hasta Courrières, Francia, para ver a Breton. Al llegar, sin embargo, Vincent fue demasiado tímido para tocar a la puerta de su casa y se regresó a Cuesmes completamente desanimado.

Fue entonces que Vincent comenzó a dibujar a los mineros y a sus familias, desarrollando una cronología de sus duras condiciones de vida. Fue durante este tiempo que Vincent van Gogh eligió su próxima y última carrera: la del artista.

En otoño de 1880, después más de un año de su vida como un indigente en el Borinage, Vincent se fue a Bruselas para comenzar sus estudios de arte. Vincent se inspiró para comenzar estos estudios como resultado de la ayuda financiera de su hermano, Theo. Vincent y Theo habían estado siempre cercanos desde niños y a través de la mayor parte de sus vidas, manteniendo una correspondencia continua y conmovedoramente reveladora. Es a través de estas cartas (existen más de 700) es que se ha obtenido la mayor parte de nuestro conocimiento de los comentarios de Van Gogh acerca de su propia vida y obra.

1881 sería un año turbulento para Vincent van Gogh. Vincent presentó su solicitud para estudiar en la Ecole des Beaux-Art en Bruselas, aún cuando los biógrafos Hulsker y Tralbaut difieren con respecto a los detalles. Tralbaut sugiere un breve tiempo de estancia en la escuela, mientras que Hulsker mantiene que Vincent no fue admitido. Cualquiera sea el caso, Vincent continuó aprendiendo solo a dibujar, tomando ejemplos de libros tales como Travaux des champs por Jean-François Millet y Cours de dessin por Charles Bargue. En el verano Vincent vivió de nuevo con sus padres, quienes vivian en Etten, y durante ese tiempo conoció a su prima Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee). Kee (1846-1918) había enviudado recientemente y educaba a su joven hijo. Vincent se enamoró de Kee y quedó devastado cuando ella rechazó sus intentos de enamorarla. El episodio desafortunado concluyó con uno de los incidentes más memorables de la vida de Van Gogh. Después de ser despreciado por Kee, Vincent decidió visitarla en la casa de sus padres. El padre de Kee no dejó que Vincent viera a su hija y Vincent, determinado como siempre, puso su mano sobre el quinqué de una lámpara de aceite, quemándosela. La idea de Vincent era sostener su mano en la llama hasta que se le permitiera ver a Kee. El padre de Kee terminó rápidamente con la situación, apagando la lámpara y Vincent dejó la casa humillado.

A pesar de los problemas sentimentales con Kee y las tensiones personales con su padre, Vincent encontró el apoyo de Anton Mauve (1838-88), su primo político. Mauve estaba establecido como un artista famoso, y desde su casa en La Haya, suministró a Vincent su primer juego de pinturas de acuarela, dando así la primera oportunidad a Vincent para trabajar con colores. Vincent era un admirador de la obra de Mauve y estaba profundamente agradecido de cualquier enseñanza que Mauve le pudiera dar. Su relación fue placentera, pero comenzó a ponerse tensa cuando Vincent se fue a vivir con una prostituta.

Vincent van Gogh conoció a Clasina Maria Hoornik (1850-1904) a fines de febrero de 1882, en La Haya. Cuando Van Gogh la conoció, esta mujer, conocida como "Sien", estaba esperando a su segundo hijo, pero se fue a vivir con Vincent casi inmediatamente. Vincent vivió con Sien durante un año y medio. Su relación fue tormentosa, parte debido a las vólatiles personalidades de los dos, y parte a causa de la extrema pobreza en la que vivieron. Las cartas de Vincent a Theo muestran su dedicación a Sien, especialmente a los niños, pero su obra era siempre su primera pasión, excluyendo cualquier otra cosa, incluso la comida. Sien y sus hijos posaron para docenas de dibujos de Vincent, y su talento creció considerablemente durante este período. Sus primeros, más primitivos, dibujos de los mineros en el Borinage cambiaron por un trabajo más refinado y lleno de emoción. En el dibujo Sien, Sentada en una Canasta, con una Niña, por ejemplo, Vincent encontró con maestría su vida hogareña, así como un sentido de desesperación, sentimientos que fácilmente describen los 19 meses que vivió Vincent con Sien.

1883 fue otro año de transición para Van Gogh: tanto en su vida personal como en su vida artística. Vincent comenzó a experimentar con óleos en 1882, pero no fue hasta 1883 cuando comenzó a trabajar con este medio más y más frecuentemente. Conforme sus habilidades para dibujar y pintar se incrementaban, su relación con Sien se deterioraba hasta que finalmente en Septiembre se separaron. Como con su fracaso en el Borinage, Vincent decidió recuperase de su relación fallida aislándose completamente. Con mucha tristeza, particularmente por sus sentimientos hacia los hijos de Sien, Vincent dejó La Haya a mediados de septiembre para viajar a Drenthe, un distrito casi desolado de Holanda. Durante las siguientes seis semanas, Vincent vivió más bien como nómada, moviéndose por toda la región y dibujando y pintando los paisajes lejanos y a sus habitantes.

De nueva cuenta, Vincent regresó a casa de sus padres, ahora en Nuenen, a finales de 1883. Durante el año siguiente, Vincent van Gogh continuó refinando su arte. Produjo docenas de pinturas y dibujos durante esa época: tejedores, hilanderos y otros retratos. Los campesinos locales resultaron ser su tema favorito, en parte debido a que Van Gogh sentía una fuerte afinidad hacia los trabajadores pobres y parcialmente debido a su admiración hacia el pintor Millet quien también había hecho muchas pinturas sensibles y llenas de compasión de los trabajadores del campo. La vida romántica de Vincent tuvo otro giro drámatico y desafortunado durante ese verano. Margot Begemann (1841-1907), cuya familia vivía en la casa de al lado de los padres de Vincent, se había enamorado de Vincent, y en un momento de desesperación de esa relación Margot trató de suicidarse con veneno. Vincent estuvo bastante perturbado por el incidente. Margot se recuperó con el tiempo, pero el episodio trastornó a Vincent de tal manera que lo mencionó en sus cartas varias veces.

Durante los primeros meses de 1885 Van Gogh continuó su serie de retratos de campesinos. Vincent veía estos trabajos como "estudios", que le servirían para mejorar su técnica y preparar su obra más ambiciosa realizada hasta esa fecha. Vincent trabajó durante marzo y abril en estos estudios, aunque tuvo una breve distracción en su trabajo debido a la muerte de su padre el 26 de marzo. Vincent y su padre habían mantenido una relación muy forzada durante los últimos años pero, aunque ciertamente no estaba feliz por la muerte de su padre, Vincent pudo separarse emocionalmente y continuar con su trabajo.

Todos los años de trabajo duro, de continuo refinamiento de su técnica y de aprender a trabajar con un medio diferente, sirvieron de escalones intermedios para lograr la primera obra importante de Vincent van Gogh:Los Comedores de Papas.

Vincent trabajó en Los Comedores de Papas durante Abril de 1885. Había hecho varios bocetos como preparación para esta obra, un óleo sobre tela. El cuadro de Los Comedores de Papas es reconocido como la primer obra maestra de Vincent van Gogh, y el resultado lo alentó. Aún cuando se molestó y enojó debido a una crítica del trabajo (a Anthon van Rappard, amigo y compañero de Vincent, no le gustaba la obra y sus comentarios causaron que Vincent terminara con su amistad), Vincent estaba contento con lo obtenido y así comenzó una nueva etapa de su vida profesional, con mayor confianza y más técnica.

Van Gogh continuó con su trabajo durante 1885, pero nuevamente estuvo inquieto y requirió de un nuevo estímulo. Se inscribió durante un breve tiempo en la Academia en Amberes a principios de 1886, pero la dejó cuatro semanas después porque se sentía sofocado por los métodos rígidos y limitados de sus instructores. Como lo demostró con frecuencia durante su vida, Vincent sentía que el estudio formal era un pobre sustituto de la práctica en el trabajo.Vincent había trabajo durante cinco años difíciles para pulir su talento como artista y con la preparación de Los Comedores de Papas se probó a sí mismo como un pintor de primera clase. Pero Vincent procuró mejorar continuamente, obtener nuevas ideas y explorar nuevas técnicas con el objeto de llegar a ser el artista que él realmente quería ser. En Holanda había logrado todo lo que era capaz. Era entonces el tiempo adecuado para buscar nuevos horizontes y comenzar una nueva jornada que le ayudara a refinar sus habilidades. Vincent dejó Holanda para buscar las respuestas en Paris . . . y en la compañía de los impresionistas.

Vincent van Gogh escribió a su hermano Theo durante toda la primera parte de 1886 en un esfuerzo por convencerlo de que París era el lugar al que él pertenecía. Theo estaba completamente consciente de la personalidad algo abrasiva de su hermano y resistió. Como siempre, Vincent estaba determinado y simplemente llegó a París sin anunciarse, a principios de Marzo. Theo no tuvo otra alternativa que acogerlo.

El período París de Van Gogh es fascinante por la importancia de su rol en tanto transformador de Vincent como artista. Desafortunadamente, los dos años en París es uno de los períodos menos documentados de su vida, concretamente porque los biógrafos son demasiado dependientes de los hechos proporcionados por las cartas entre Vincent y Theo, que concluyeron al momento en que los hermanos viveron juntos en el departamento de Theo en la rue Lepic número 54 del distrito de Montmartre.

Aún así, la importancia de ese tiempo en París es clara. Theo, como todo vendedor de arte, tenía muchos contactos y Vincent se volvería familiar con los nuevos artistas del París de ese tiempo. Los últimos años de Van Gogh en París los pasó visitando las primeras exhibiciones de los impresionistas (que mostraban trabajos de Degas, Monet, Renoir, Pissarro, Seurat y Sisley). No hay duda que Van Gogh fue influenciado por los métodos de los impresionistas, pero él siempre permaneció fiel a su propio estilo único. Durante los dos años Van Gogh incorporaría alguna de las técnicas de los impresionistas, pero nunca dejó que la poderosa influencia de éstos lo abrumara.

Vincent disfrutó pintar en el ambiente de París durante todo 1886. Su paleta comenzó a moverse fuera de los colores más oscuros y tradicionales de su Holanda natal e incorporaría los tonos más vibrantes de los impresionistas. Para agregar algo más al complejo tapiz del estilo de Van Gogh, fue en ese punto en París que Vincent se interesó en el arte japonés. Japón sólo recientemente había abierto sus puertas a los extranjeros luego de siglos de bloqueo cultural y, como resultado de ese aislacionismo mantenido durante tanto tiempo, el mundo occidental estaba fascinado con todas las cosas japonesas. Van Gogh comenzó a adquirir una colección sustancial de impresos en madera (ahora en la colección del museo Van Gogh en Amsterdam) y sus pinturas durante ese tiempo (El retrato de Père Tanguy, por ejemplo) reflejaría tanto el uso vibrante de colores favorecido por los impresionistas, como las claras alusiones japonesas. A pesar que Van Gogh sólo produjo tres copias de las pinturas japonesas, la influencia de Japón en su arte sería evidente en formas sutiles durante todo el resto de su vida.

1887 en París marcó otro año en el que Vincent evolucionó como artista, pero también se cobró su parte, tanto psíquica como emocionalmente. La personalidad volátil de Vincent agregó tensión a sus relaciones con Theo. Cuando Vincent insistió en mudarse con Theo, éste accedió con la esperanza de que podrían manejar mejor sus gastos y que Vincent podría dedicarse más fácilmente a su arte. Desafortunadamente, vivir con su hermano también resultó en una mayor tirantez entre ellos. Como si fuera poco, París misma no estaba carente de tentaciones, y gran parte de esos dos años de Vincent estuvo agobiado por extremos malsanos: nutrición pobre y una exceso de bebida y tabaco.

Como un motivo repetido a lo largo de su vida, el tiempo miserable durante el invierno dejó a Vincent irritable y deprimido. Nunca Vincent fue más feliz que en ese entonces cuando estaba a la intemperie, en plena comunión con la naturaleza y el clima estaba en su mejor momento. Sea pintando o simplemente haciendo largas caminatas, Vincent van Gogh vivía para el sol. Durante los pálidos meses de invierno en el París de 1887-88, Van Gogh se alteró, y el mismo patrón estaba reemergiendo. Los dos años de Van Gogh en París tuvieron un impacto tremendo en su actual evolución como artista. Pero él había adquirido lo que estaba buscando y era tiempo de moverse. Nunca del todo feliz en las grandes ciudades, Vincent decidió dejar París y seguir al sol y a su destino, hacia el sur.

Vincent van Gogh se mudó a Arles a principios de 1888, impulsado por un número de razones. Harto de la frenética energía de París y los largos meses de invierno, Van Gogh buscó el cálido sol de Provence. Otra motivación fue el sueño de Vincent de establecer una especie de comunidad de artistas en Arles donde sus camaradas parisinos buscarían refugio y donde podrían trabajar juntos y apoyarse mutuamente hacia una meta común. Van Gogh tomó el tren de París a Arles el 20 de Febrero de 1888 alentado por sus sueños de un próspero futuro y entretenido por los momentáneos paisajes que él sentía parecer más y más japoneses cuanto más al sur viajaba.

No hay duda que que Van Gogh quedó decepcionado por Arles durante sus primeras semanas allí. En busca del sol, Vincent encontró a Arles inusualmente fría y sucia de nieve. Esto debe haber sido descorazonador para Vincent, que dejó a todo el mundo que él conocía para buscar calidez y renovación en el sur. Aún así, el duro clima fue corto y Vincent comenzó a pintar algunos de los trabajos más preciados de su carrera.

Una vez que la temperatura levantó, Vincent no perdió tiempo para empezar sus trabajos al aire libre. Notar los dos trabajos complementarios: el dibujo Paisaje con Camino y Arboles Desmochados y la pintura Camino a través de un Campo con Sauces. El dibujo fue producido en Marzo y los árboles y el paisaje parecen descoloridos luego del invierno. La pintura, sin embargo, ejecutada un mes más tarde muestra los primerísimos brotes en los árboles. Durante este tiempo Van Gogh pintó una serie de huertos florecientes. Vincent estaba complacido por su productividad y, como los huertos, se sintió renovado.

Los meses que siguieron serían felices. Vicent tomó una habitación en el Café de la Gare en el 10 de Place Lamartine a principios de Mayo y alquiló su famosa "Casa Amarilla" (Place Lamartine número 2) como estudio y lugar de almacenamiento. Vincent no se mudaría en realidad a la Casa Amarilla hasta Septiembre, en preparativas para establecerla como base de su "Estudio del Sur".

Vincent trabajó diligentemente toda la primavera y el verano y comenzó a enviar a Theo despachos con sus trabajos. Van Gogh es percibido a menudo hoy como una figura irritable y solitaria. Pero él realmente disfrutó la compañía de gente e hizo su mejor esfuerzo durante esos meses para hacer amigos, tanto para compañía como para que posen como preciados modelos. Aunque profundamente solo de a ratos, Vincent hizo amistad con Paul-Eugène Milliet y otro soldado Zouavo y pintó sus retratos. Vincent nunca perdía la esperanza en el prospecto de establecer la comuna de artistas y comenzó una compaña para alentar a Paul Gauguin a que se una con él en el sur. El prospecto parecía poco probable, sin embargo, porque la mudanza de Gauguin requeriría aún más asistencia financiera de Theo, que había llegado a su límite.

A finales de Julio, sin embargo, el tío de Van Gogh llamado Vincent murió y le dejó una herencia a Theo. Este influjo financiero habilitaría a Theo a patrocinar la mudanza de Gauguin a Arles. Theo fue motivado como un hermano preocupado a la vez que como un hombre de negocios. Theo sintió que Vincent sería más feliz y más estable en la compañía de Gauguin y también tenía esperanzas que las pinturas que recibiría de Gaguin, a cambio de su apoyo, darían algún rédito. A diferencia de Vincent, Paul Gauguin comenzaba a ver un cierto grado de éxito en sus obras.

Pese a la mejoría de los asuntos financieros de Theo, Vincent no obstante permaneció fiel a su estilo y gastó una cantidad desmesurada de su dinero en provisiones de arte en vez de las necesidades básicas de vida. Desnutrido y abrumado con el exceso de trabajo, la salud de Van Gogh declinaba a principios de Octubre, pero fue animado al recibir la confirmación de que Gauguin iría al sur con él. Vincent trabajó duro para preparar la Casa Amarilla para hacer sentir bienvenido a Gauguin. Gauguin llegó a Arles en un temprano tren el 23 de Octubre.

Los siguientes dos meses serían pivotales y desastrosos, tanto para Vincent van Gogh como para Paul Gauguin. Inicialmente Van Gogh y Gauguin se llevaron bien juntos, pintando los bordes de Arles, discutiendo su arte y diferenciando técnicas. A medida que las semanas pasaban, sin embargo, el clima se deterioraba y la pareja se encontró obligada a permanecer en el interior más y más frecuentemente. Como siempre, el temperamento de Vincent (y muy probablemente el de Gauguin también) fluctuaba para equiparar al clima. Forzados a trabajar adentro, la depresión de Vincent fue mitigada, sin embargo, cuando fue animado y estimulado por una serie de retratos que emprendió. "He hecho retratos de una familia completa . . ." escribió a Theo ( Carta 560). Esas pinturas, de la familia Roulin, permanecen entre sus trabajos más preciados.

La relación entre Van Gogh y Gauguin se deterioraba a lo largo de Deciembre, sin embargo. Sus odiadas discusiones se hacían más y más frecuentes, "eléctricas", como Vincent las describiría. Las relaciones entre la pareja declinaron en tándem con el estado de salud mental de Vincent. El 23 de Diciembre Vincent van Gogh, en un acto de locura irracional, mutiló la porción inferior de su oreja izquierda. Se cortó el lóbulo con una navaja, la envolvió en un paño y la llevó a un burdel, presentándosela a una de las mujeres del lugar. Luego Vincent se volvió tambaleando a la Casa Amarilla donde colapsó. Fue descubierto por la policía y llevado al hospital Hôtel-Dieu en Arles. Luego de enviar un telegrama a Theo, Gauguin partió inmediatamente a París, escogiendo no visitar a Van Gogh en el hospital. Van Gogh y Gauguin cambiarían correspondencia una que otra vez, pero nunca se volverían a encontrar en persona nuevamente.

Durante su estadía en el hospital, Vincent estaba bajo el cuidado del doctor Felix Rey (1867-1932). La semana que siguió a la mutilación de la oreja frue crítica para Van Gogh, mental y psíquicamente. Tuvo una gran pérdida de sangre y continuó sufriendo serios ataques en los cuales quedaba incapacitado. Theo, quien se apresuró a venir desde París, estaba seguro que Vincent moriría, pero para el final de Diciembre y los primeros días de Enero, Vincent casi estaba completamente recuperado.

Las primeras semanas de 1889 no serían sencillas para Vincent van Gogh. Luego de su recuperación, Vincent volvió a su Casa Amarilla, pero continuó visitando al doctor Rey para análisis y para que le cambie las vendas. Vincent fue alentado por su progreso luego del trastorno, pero sus problemas de dinero continuaban y se sintió particularmente deprimido cuando su amigo cercano Joseph Roulin (1841-1903), decidió aceptar una posición mejor paga y mudarse con su familia a Marsellas. Roulin había sido un querido y fiel amigo de Vincent durante la mayor parte de su tiempo en Arles.

Vincent estaba bastante productivo en términos de su arte por todo Enero y principios de Febrero, produciendo algunos de sus trabajos más conocidos, como La Berceuse y Girasoles. El 7 de Febrero, sin embargo, Vincent sufrió otro ataque en el que se imaginó a sí mismo siendo envenenado. Una vez más, Vincent fue llevado al hospital de Hôtel-Dieu para observarlo. Van Gogh fue mantenido en el hospital por diez días, pero regresó a la Casa Amarilla, en principio, "espero que definitivamente" ( Carta 577)

Por este tiempo, sin embargo, algunos ciudadanos de Arles se habían quedado alarmados por el comportamiento de Vincent y firmaron una petición detallando sus preocupaciones. La petición fue enviada al mayor de Arles y eventualmente al superintendente de policía quien ordenó que Van Gogh sea readmitido en el hospital Hôtel-Dieu. Vincent permaneció en el hospital por las próximas seis semanas, pero se le permitió salir en excursiones supervisadas, para pintar y poner sus posesiones a resguardo. Fue un tiempo productivo, aunque emocionalmente desalentador para Van Gogh. Idénticamente al año anterior, Van Gogh volvió a pintar los huertos florecientes de los alrededores de Arles. Pero aunque estaba produciendo algunos de sus mejores trabajos, Vincent se dio cuenta que su posición era precaria y, luego de discusiones con Theo, acordó confinarse voluntariamente en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence. Van Gogh dejó Arles el 8 de Mayo.

Al llegar al asilo, van Gogh fue puesto al cuidado del doctor Théophile Zacharie Auguste Peyron (1827-95). Luego de examinar a Vincent y reveer el caso, el doctor Peyron se convenció de que su paciente estaba sufriendo de un tipo de epilepsia: un diagnóstico que permanece entre las posibilidades más verosímiles, aún hoy. El asilo no era de ninguna manera una "cueva de serpientes", pero van Gogh estaba desanimado por los gritos de los otros residentes y la mala comida. Encontró deprimente que los pacientes no tuvieran nada que hacer durante todo el día, sin estimulación de ningún tipo. Parte del tratamiento de van Gogh incluía "hidroterapia", una inmersión frecuente en una gran bañera de agua. Sin ser esta "terapia" cruel en ninguna forma, no fue tampoco benéfica en términos de ayudar a Vincent a recuperar su estado de salud mental.

Con el pasar de las semanas, el bienestar mental de Vincent permaneció estable y se le permitió volver a pintar. El personal fue animado por el progreso de Van Gogh (o al menos el que no sufriera ningún ataque adicional) y a mediados de Junio Van Gogh producjo su trabajo más conocido: Noche Estrellada.

El estado mental relativamente tranquilo de Van Gogh no duró, sin embargo, y fue incapacitado por otro ataque a mediados de Julio. Durante este ataque Vincent intentó ingerir sus propias pinturas y por esa razón fue confinado sin acceso a sus materiales. A pesar que se recuperó bastante rápidamente del incidente, Van Gogh fue desalentado al ser privado de la única cosa que le daba placer y distracción: su arte. Luego de otra semana, el doctor Peyron cedió y permitió a Van Gogh reanudar su pintura. Este recomenzar de su trabajo coincidió con una mejoría en su estado mental. Vincent envió cartas a Theo detallando su precario estado de salud, mientras que al mismo tiempo Theo tenía problemas similares con los que lidiar. La salud de Theo fue a menudo delicada y había estado enfermo durante gran parte de los comienzos de 1889.

Por dos meses Van Gogh fue incapaz de dejar su habitación y le escribió a su hermana: " . . .cuando estoy en los campos me abruma un sentimiento de soledad a un punto tan horrible que me acobarda salir . . ." ( Carta W14) En las siguientes semanas, sin embargo, Vincent vencería sus desasosiegos y reanudaría el trabajo. Durante este tiempo Vincent comenzó a planear su eventual partida del asilo en Saint-Rémy. Expresó esos sentimientos a Theo, quien comenzó a hacer averiguaciones sobre las posibles alternativas para el cuidado médico de Vincent, esta vez mucho más cerca de París.

La salud de Theo se había recuperado mayormente y, mientras preparaba un hogar con su nueva esposa, Theo también estaba ayudando a Octave Maus, quien estaba organizando una muestra en Bruselas, Les XX, en la que seis pinturas de Vincent serían expuestas. Vincent pareció entusiasmado acerca de la tentativa, y permaneció bastante productivo a lo largo de este tiempo. La correspondencia corriente entre Vincent y Theo arregló muchos de los detalles de la muestra de Vincent dentro de la exhibición.

El 23 de Diciembre de 1889, exactamente un año después del incidente de la oreja, Vincent sufrió otro ataque: una "aberración", como refiere él mismo ( Carta 620). El ataque fue serio y duró cerca de una semana, pero Vincent se recuperó razonablemente rápido y volvió a pintar, esta vez principalmente copias de trabajos de otros artistas, a causa de su confinamiento bajo techo, tanto por su estado de salud mental como por el clima. Tristemente, Van Gogh sufrió más ataques durante los primeros meses de 1890. Estos ataques se produjeron más frecuentemente y dejaron a Vincent más incapacitado que cualquiera de los anteriores. Irónicamente, durante este tiempo cuando Van Gogh estaba probablemente en su peor momento y en el estado mental más desesperado, sus trabajos comenzaron a recibir finalmente aplausos de la crítica. Noticias de este tenor, sin embargo, sólo sirvieron para deprimir más a Vincent y renovar sus esperanzas de dejar el asilo para retornar al norte.

Luego de hacer algunas averiguaciones, Theo sintió que el mejor curso de acción sería que Vincent regresara a París y entrara a cuidado del doctor Paul Gachet (1828-1909), un terapeuta homeopático que vivía en Auvers-sur-Oise, cerca de París. Vincent estuvo de acuerdo con los planes de Theo empacó sus cosas en Saint-Rémy. El 16 de Mayo de 1890 Vincent van Gogh dejó el asilo y tomó un tren nocturno a París.

El viaje de Vincent a París no tuvo incidentes y fue recibio por Theo al llegar. Vincent se quedó con Theo, su esposa Johanna y el hijo que acababan de tener, Vincent Willem (bautizado en honor a Vincent) por tres placenteros días. No siendo en absoluto un amante del ajetreo y el alboroto de la vida de la ciudad, de alguna forma Vincent sintió cierta tensión al regresar y optó por dejar París en pos de un destino más tranquilo, Auvers-sur-Oise.

Vincent se encontró con el doctor Gachet poco tiempo después de su llegada a Auvers. Aunque inicialmente quedó impresionado por Gachet, Vincent expresaría más tarde graves dudas acerca de su competencia, yendo tan lejos como para comentar que Gachet parecía estar "más enfermo de lo que yo estoy, creo, o diríamos igual de enfermo" ( Carta 648). A pesar de su aprehensión, sin embargo, Vincent se las arregló para encontrar una habitación para él en una pequeña posada cuyo dueño era Arthur Gustave Ravoux e inmediatamente comenzó a pintar el ámbito de Auvers-sur-Oise.

En el curso de las próximas dos semanas, la opinión de Van Gogh sobre Gachet se aplacó un poco y quedó totalmente absorbido por la pintura. Vincent estaba complacido con Auvers-sur-Oise, que le permitió la libertad que le fue negada en Saint-Rémy, mientras que al mismo tiempo le proveía con amplias temáticas para sus pinturas y dibujos. Las primeras semanas de Vincent en Auvers pasaron agradablemente y sin incidentes. El 8 de Junio Theo, Jo y el bebé vinieron a Auvers para visitar a Vincent, y Gachet y el pintor pasaron un día muy deleitable con su familia. En todas las apariencias, Vincent parecía totalmente recompuesto, mental y psíquicamente.

Durante todo Junio, Vincent permaneció de buen talante y fue notablemente productivo, pintando algunas de sus obras más famosas (Retrato del Doctor Gachet y La Iglesia de Auvers, por ejemplo). La tranquilidad inicial del primer mes en Auvers fue interrumpida, sin embargo, cuando Vincent recibió noticias de que su sobrino estaba seriamente enfermo. Theo había estado pasando por un momento muy difícil durante los meses anteriores: incertidumbre acerca de su propia carrera y futuro, problemas actuales de salud y finalmente la enfermedad de su propio hijo. Luego de que el bebé se recuperó, Vincent decidió visitar a Theo y su familia el 6 de Julio, tomando un tren temprano. Se sabe muy poco de esta visita, pero Johanna, escribiendo años después, sugeriría que el día fue bastante tenso. Vincent eventualmente se sintió abrumado y regresó rápidamente al más tranquilo santuario de Auvers.

Durante las siguientes tres semanas Vincent reanudó su pintar y, como sus cartas sugieren, estaba razonablemente feliz. Le escribió a su madre y hermana: "Por el momento me siento mucho más calmado que el año pasado, y realmente el agitación de mi cabeza se ha aquietado grandemente" ( Carta 650) Vincent fue absorbido en los campos y praderas de los alrededores de Auvers y produjo algunos paisajes brillantes a lo largo de Julio. Para Vincent la vida aparentemente se había establecido en un productivo y, si no feliz, al menos estable patrón.

Aunque los detalles puestos en las diversas crónicas conflictúan, los hechos básicos del 27 de Julio de 1890 están claros. En la noche de ese Domingo, se encaminó, con su atril y sus pinturas, al campo. Allí tomó un revólver y se disparó en el pecho. Vincent se las arregló para volver tambaleante a la posada Ravoux donde colapsó en una cama, donde fue descubierto por Ravoux. El doctor Mazery, el practicante local, fue llamado, al igual que el doctor Gachet. Se decidió no intentar sacar la bala del pecho de Vincent, y Gachet escribió una carta urgente a Theo. Desafortunadamente, el doctor Gachet no tenía la dirección de la casa de Theo, y le tuvo que escribir a la galería donde él trabajaba. Esto no causó una demora importante: Theo llegó la tarde siguiente.

Vincent y Theo permanecieron juntos por las últimas horas de la vida de Vincent. Theo se dedicó totalmente a su hermano, abrazándolo y hablándole en holandés. Vincent pareció resignado a su destino y Theo más tarde escribió: "El mismo quería morir; cuando me senté a su cabecera y dije que trataríamos que mejore y que esperábamos que nos ahorre este tipo de desesperación, dijo 'La tristesse durera toujours' ('La tristeza durará por siempre.') Entiendo qué es lo que quería decir con esas palabras." Theo, siempre el más grande amigo y soporte de su hermano, sostenía a Vincent cuando dijo sus últimas palabras: "Desaría morir así".

Vincent van Gogh murió a la 1:30 AM el 29 de Julio de 1890. La iglesia católica de Auvers se negó a permitir que enterraran a Vincent en su cementerio, debido a que Vincent había cometido suicidio. El ayuntamiento cercano de Méry, sin embargo, estuvo de acuerdo en permitir el entierro y el funeral fue realizado el 30 de Julio. Un amigo de mucho tiempo de Vincent, el pintor Emile Bernard, escribió acerca del funeral en detalle a Gustave-Albert Aurier:

El ataúd ya estaba cerrado. Llegué demasiado tarde para ver de nuevo al hombre que me dejó cuatro años atrás tan lleno de expectativas de todo tipo . . .

En las paredes de la habitación donde descansaba su cuerpo, sus últimos lienzos estaban colgados haciendo una suerte de halo para él, y el brillo del genio que irradiaba de ellos hizo su muerte aún más dolorosa para nosotros los artistas que estábamos allí. El ataúd fue cubierto con una simple tela blanca y rodeado con ramos de flores, los girasoles que él amaba tanto, dalias amarillas, flores amarillas por todas partes. Era, recordarás, su color preferido, el símbolo de la luz que él soñó, de estar en los corazones de la gente así como en obras de arte.

Cerca suyo, también en el piso frente al ataúd, estaba su atril, su silla plegable y sus pinceles.

Llegó mucha gente, principalmente artistas, entre los cuales reconocí a Lucien Pissarro y Lauzet. No conocía a los demás, también alguna gente del lugar que lo había conocido un poco, visto una que otra vez y que le tenían aprecio porque él era tan bueno de corazón, tan humano . . .

Ahí estábamos, completamente silenciosos todos juntos alrededor de este ataúd que poseía a nuestro amigo. Observé los estudios; uno muy hermoso y triste basado en La vierge et Jésus de Delacroix. Convictos caminando en círculo rodeados por los altos muros de la prisión, un lienzo insipirado por Doré de una ferocidad aterrorizadora y que es también símbolo de su final. ¿No fue la vida así para él, una alta prisión como ésta con muros así de altos? Tan altos . . . y estas personas caminando infinitamente alrededor del foso, ¿no eran ellos los pobres artistas, las pobres almas condenadas caminando más allá debajo del látigo del Destino?

A las tres en punto su cuerpo fue retirado, amigos suyos llevándolo al coche fúnebre, un número de personas en la compañía estaban llorando. Theodore Van ghogh [sic], quien estaba dedicado a su hermano, quien siempre le dio apoyo en su lucha para mantenerlo con su arte estaba sollozando lastimosamente todo el tiempo . . .

El sol estaba terriblemente caliente afuera. Trepamos la colina en las afueras de Auvers hablando de él, acerca del audaz impulso que le dio al arte, de los grandes proyectos que él siempre estaba urdiendo, y acerca del bien que nos hizo a todos nosotros.

Llegamos al cementerio, un pequeño cementerio nuevo constelado con nuevas tumbas. Está en la pequeña colina sobre los campos que estaban maduros para la cosecha bajo el amplio cielo azul que él todavía habría amado . . . tal vez.

Entonces fue bajado a la tumba . . .

Cualquiera hubiera comenzado a llorar en ese momento . . . el día estaba demasiado hecho para él para que uno no se imagine que él estaba aún vivo y disfrutándolo.

El doctor Gachet (quien es un gran amante del arte y posee una de las mejores colecciones de pintura impresionista al día de hoy) quiso decir unas pocas palabras de homenaje acerca de Vincent y su vida, pero él también estaba lamentándose a tal punto que sólo pudo balbucear un muy confuso adiós . . . (tal vez ésa fuera la forma más hermosa de hacerlo).

Dio una breve descripción de las luchas de Vincent y sus logros, relatando cuán sublime eran sus objetivos y cuán grande era la admiración que sentía por él (a pesar que lo conoció por un corto período de tiempo). El fue, dijo Gachet, un hombre honesto y un gran artista, que sólo tenía dos propósitos: humanidad y arte. Fue el arte lo que él preció sobre todo y lo que hará vivir su nombre.

Entonces volvimos. Theodore Van ghog [sic] estaba quebrado del dolor, todos los asistentes estaban muy emocionados, algunos volviendo al campo abierto mientras que otros se encaminaban a la estación.

Laval y yo regresamos a la casa de Ravoux, y hablamos acerca de él . . .¹

Theo van Gogh murió seis meses después de Vincent. Fue enterrado en Utrecht, pero en 1914 la esposa de Theo, Johanna, una mujer que apoyó dedicada e incansablemente el trabajo de Vincent, hizo que enterraran nuevamente el cuerpo de Theo en el cementerio de Auvers al lado del de Vincent. Jo pidió que una rama de hiedra del jardín del doctor Gachet fuera plantada entre las lápidas. La misma alfombra de hiedra que hoy persiste en las tumbas de Vincent y de Theo.

1. Cahier Vincent 4: 'Un gran artista está muerto': Cartas de Condolencia sobre la muerte de Vincent van Gogh por Sjraar van Heugten y Fieke Pabst (eds.), (Waanders, 1992), páginas 32-35.

Referencias

Traducción cortesía de Leandro Fanzone (Argentina).
Regresar a la página con la cronología de Van Gogh
Regresar a la página principal de Van Gogh

# data[].attributes.attachment_link.description
Esta biografía no es de ninguna manera una exploración completa y abarcadora de la vida de Vincent van Gogh. Es simplemente una visión general de algunos de los acontecimientos importantes en la crónica de la vida de Van Gogh.

# data[].attributes.body
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2028/Julio%20Iglesias

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(1943/09/23 - Unknown)

Cantante español

"He respetado a las mujeres desde el principio de mi vida"
Julio Iglesias

Julio Iglesias nació el 23 de septiembre de 1943 en Madrid, España.

Familia

Hijo de Julio Iglesias Puga (1915-2005) y María del Rosario de la Cueva y Perignat (1919-2002). Hermano de Carlos Luis.

Fútbol

Se inició en el mundo de la fama no como cantante, sino como deportista. Quiso ser futbolista profesional mientras estudiaba Derecho en el Colegio Mayor de San Pablo. Jugó como portero en el equipo de fútbol del Real Madrid.

Cuando tenía veinte años, el 22 de septiembre de 1962, sufrió un accidente de tráfico que le dejó semiparalítico durante un año y medio. El enfermero que lo cuidaba le regaló una guitarra. Julio pasaba horas enteras oyendo radio y escribiendo poemas. Versos tristes y románticos que preguntaban por la misión de los hombres en la vida.

Nunca había pensado ser cantante tras ser rechazado en el coro de su colegio.

Canciones

Poco a poco aprendió a tocar la guitarra, para matar el tiempo. Cuando se recuperó, comenzó de nuevo con sus estudios y viajó a Londres para estudiar inglés, primero en Ramsgate y luego en el Bell's Language School en Cambrige. Algunos fines de semana cantaba en el Air Port Pub, canciones que eran populares por entonces de , Engelbert Humperdinck, The Beatles... y fue allí, en Cambrige, donde conoció a Gwendolyne Bollore quien sería su novia y más tarde uno de sus éxitos musicales con una canción dedicada a ella, Gwendolyne.

Llevó su primera canción a una casa de discos para que se la dieran a un cantante. Cuando el gerente la escuchó le dijo: "¿Y por qué no la cantas tú?", y respondió: "Porque yo no soy cantante". Al final lo convencieron y el 17 de julio de 1968 ganó el Festival de Benidorm con la canción La vida sigue igual, después firmó un contrato con Discos Columbia. Al año siguiente, participó en el Festival de Brassow ( Rumania) y realizó su primera gira por América; cantó en el Festival de Viña del Mar ( Chile) y grabó su primera película: La vida sigue igual.

Julio Iglesias participó en el Festival de Eurovisión en 1971 mientras es número uno en las listas de todo el mundo, desde México a Argentina y desde España hasta Japón. Pese a no ganar el festival grabó su " Gwendolyne" en cuatro idiomas y ocupó el primer lugar en las listas de éxitos de España y América Latina.

Grabó en japonés su canción Como el álamo al camino (Anataro Uramo) en 1971. Al año siguiente grabó su primer disco en alemán, en 1978 firmó contrato con CBS Internacional y grabó su primer disco en francés, y en italiano. En 1979 grabó su primer álbum en portugués. Se convirtió en el cantante que más idiomas canta: alemán, inglés, francés, italiano, portugués, español, tagalog y japonés.

Reconocimientos

El Libro Guinness de los Récords le entregó, en París (1983), el Disco de Diamantes por haber vendido más de cien millones de discos en seis idiomas.

En 1984 le concedieron la Estrella de la Fama siendo inmortalizado en el Hollywood Walk of Fame. En 1997 logró el Premio Mónaco de La Música como el Mejor Cantante Latino y ha sido el primer artista extranjero en la historia de China que ha recibido el prestigioso Golden Record Award, en 1995.

Julio Iglesias se convirtió en uno de los artistas más populares en todo el mundo habiendo vendido 300 millones de sus más de 80 álbumes, logrando más de 1000 discos de oro y 500 de platino. El 1 de abril de 2013, recibió dos galardones; uno como primer y más popular artista internacional de todos los tiempos en China, y el otro, el Récord Mundial Guinness como el artista latino más vendedor del mundo, que otorga el Guinness World Records.

Vida privada

El 20 de enero de 1971 contrajo matrimonio en la Illescas, Toledo, con Isabel Preysler. Fruto de esa unión son sus tres hijos "" María Isabel, Julio José y Enrique Miguel. En el año 1978 el matrimonio decidió separarse.

El 7 de septiembre de 1997 nació su cuarto hijo, Miguel Alejandro, fruto de su noviazgo con Miranda, una bella y joven modelo holandesa. El 3 de abril de 1999 Miranda dio a luz a su segundo hijo con Julio Iglesias, Rodrigo, y en 2001 tuvieron gemelas. En 2007 tuvo a su hijo Guillermo.

El 18 de mayo de 2004, cuando tiene 61 años nació Jaime Iglesias, su segundo hermano, hijo del Dr. Iglesias y de Ronna Keitt.

Julio Iglesias se casó el 24 de agosto de 2010 en Marbella con Miranda Rijnsburger, su compañera sentimental desde hacía veinte años.

En 2019, una sentencia de un tribunal de Valencia, España, reconoció su paternidad sobre Javier Sánchez Santos, hijo de la bailarina María Edite Santos.

Sabías que...

Discografía

*buscabiografias.com

Artículo: Biografía de Julio IglesiasAutor: Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otrosWebsite: Buscabiografias.comURL: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2028/Julio%20Iglesias Publicación: 2003/04/26 -dateModified-Última actualización: 2022/03/30

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otros

# data[].attributes.attachment_link.description
(1943/09/23 - Unknown) Julio Iglesias Julio Iglesias nació el 23 de septiembre de 1943 en Madrid, España. Hijo de Julio Iglesias Puga (1915-2005) y María del Rosario de la Cueva y Perignat (1919-2002). Hermano de Carlos Luis. Se inició en el mundo de la fama no como cantante, sino como deportista.

# data[].attributes.body
https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41847-kaws-biografia-obras-y-exposiciones

# data[].attributes.attachment_link.title
DE LAS CALLES A LAS GALERÍAS DE ARTE / ¿QUIEN ES KAWS?

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=mY3oTDCK1I4
https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/andy-warhol-biografia-y-obras-mas-famosas-del-artista

# data[].attributes.attachment_link.title
Andy Warhol. Información básica sobre su vida y obra.

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=tYoxLvwqCXw
https://lacarnemagazine.com/drake-biografia-de-una-estrella/

# data[].attributes.attachment_link.title
Drake | Antes De Que Fueran Famosos | Biografía

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=k9lB1wLH0ZQ
https://www.dosde.com/discover/biografia-de-antoni-gaudi/

# data[].attributes.attachment_link.title
♛ Antoni Gaudi. Biografía y obras del arquitecto + Análisis de la Casa Milà

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=3uAvqXb7VPQ
https://historia.nationalgeographic.com.es/personajes/leonardo-da-vinci

# data[].attributes.attachment_link.title
Leonardo da Vinci | Biografía en cuento para niños | Shackleton Kids

# data[].attributes.headline
Yo aprendí que Frida Kahlo era comunista. (Noelle)

# data[].attributes.subject
Yo aprendí que Frida Kahlo era comunista. (Noelle)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La pintora nace el 6 de julio de 1907 tres años antes de la Revolución Mexicana, sin embargo, como anécdota narra que es hija de la revolución y que su año de nacimiento corresponde a 1910.

A una edad muy joven sufre un accidente ferrovial, empero, esto la acerca a la esfera artística desde una posición experimental y naif. A sus diecisiete años pertenece a la juventud comunista de México y se convierte en una activista del movimiento nacionalista en pro de los campesinos y obreros mexicanos. Posteriormente, en 1929 contrae matrimonio con el muralista Diego Rivera (1886-1957). Ambos cónyuges tienen como afinidad política el marxismo, y ya desde 1928 Frida Kahlo era parte del Partido Comunista.

La obra titulada "El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) proyecta la posición política de la artista. En seguida se deconstruye la obra artística para proceder a un análisis político y contrastar la referencia del Manifiesto del Partido Comunista (1848) de K. Marx y F. Engels en la elaboración simbólica de la pieza pictórica.

La pintura se caracteriza por representar de forma icónica a Frida Kahlo con un libro rojo en su mano izquierda (aspecto significativo respecto a la ideología política que pregona). Según Gisela Von Wobeser (2015) para el año de la elaboración del cuadro, la artista se encontraba en silla de ruedas porque le habían emputado una pierna y estaba enferma de una afectación pulmonar, no obstante, se presenta el 2 de julio de 1954 durante una manifestación de protesta en contra de la intervención norteamericana.

Desde esta perspectiva, la obra nace en un período de enfermedad, aspecto que la hace significativa, puesto que emerge en un momento de incertidumbre, en cuanto a la salud como derecho humano. A la vez, su postura respecto a la intervención de los Estados Unidos en Guatemala involucra una disputa en contra de la capitalización y la lucha de clases. De hecho, en la obra "El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) se observa un cuervo con un rostro que simula la cara del Tío Sam; una imagen que personifica a los Estados Unidos desde 1852, y cuyo eslogan menciona: "Te quiero a ti para el Ejército de los Estados Unidos. Puesto de reclutamiento más cercano".

En el trabajo artístico de Frida Kahlo, el cuervo es tomado por una mano que sale del rostro de Marx. A este respecto, hay una interpretación de repudio ante el sistema capitalista, el cual Marx en conjunto con Engels critica en el Manifiesto del Partido Comunista (1848) al advertir que:
La industria moderna ha transformado el pequeño taller del maestro patriarcal en la gran fábrica del capitalista industrial. Masas de obreros, hacinados en la fábrica, son organizados militarmente. Como soldados rasos de la industria, están colocados bajo la vigilancia de toda la jerarquía de oficiales y suboficiales. No son solamente esclavos de la clase burguesa, del Estado burgués, sino diariamente, a todas horas, esclavos de la máquina, del capataz y, sobre todo, del burgués individual, patrón de la fábrica. Y este despotismo es tanto más mezquino, odioso y exasperante, cuanto mayor es la franqueza con que proclama que no tiene otro fin que el lucro (Marx &Engels, 2011, p. 40).
Este fastidio ante la desigualdad de clase se proyecta en la pintura de Frida Kahlo, pues de forma sutil disgrega al cuervo (Estados Unidos) análogo a la manifestación del proletariado en contra del sistema aburguesado y mercantil. Por ende, la obra de Kahlo retoma de forma irónica elementos cristianos para rememorar un sincretismo de adoración e importancia ideológica al marxismo. En seguida, Antonio de Toro y René Ceballos (2004) en Frida Kahlo 'revisitada'. Estrategias transmediales- transculturales- transpicturales de forma muy acertada destacan:
En el autorretrato con Marx se percibe esta alusión a símbolos religiosos, se puede interpretar la disposición de las figuras de la paloma, Frida y Marx como un eco a la divina trinidad cristiana (con la figura del capitalismo-buitre ahogado por la mano que sale de la cabeza de Marx) y el libro rojo, probablemente El Capital de Carlos Marx, en la mano de Frida haciendo eco de Jesús remitiéndose a la Escritura. El corsé de Frida puede ser visto, en este juego interpretativo, como una cifra de las tablas de ley de Moisés y al mismo tiempo restringiendo a la artista-profeta (p. 169).
Tal comparación con atribuciones cristianas alude de forma muy estratégica a la negación de Dios, pues el mundo material para Marx responde a lo perceptible por los sentidos y, por lo tanto, la única realidad. A este respecto, la artista mexicana sustituye la trinidad cristiana por sujetos reales y deja atrás la simbolización del apoyo divino en problemas sociales. Así, al sustituir iconos religiosos por personajes comunistas, la artista juega con la oposición y trasmite un mensaje disruptivo en pro de los lacónicos marxistas presentes en el Manifiesto del Partido Comunista (1848).

Asimismo, es primordial señalar que el comunismo fue comprendido como un movimiento laico y antagónico a los fundamentalismos religiosos3. Igualmente, para Marx la religión es un dispositivo empleado por la burguesía para emular el sufrimiento humano, ya que "El socialismo cristiano no es más que el agua bendita con que el clérigo consagra el despecho de la aristocracia" (Marx &Engels, 2011, p.61).

De allí que la obra de Frida Kahlo4 se orienta a una función pedagógica, considerando que integra el espíritu crítico de la historia (particularmente mexicana). En más, su arte socialista edifica una forma de pensar, a la vez, de fomentar criticidad en una sociedad capitalista, consumista y progresista. También, la artista vivencia la representación de su propia realidad, la cual coopera con la educación como una función social y cultural, y con ello, se garantiza una nueva relación entre la artista y el colectivo. Por consiguiente,
Desde el punto de vista del desenvolvimiento de la creatividad de la personalidad, en las condiciones de la revolución técnica en el socialismo, el arte deviene de una manifestación específica de aquella regularidad dialéctica que Marx y Engel expusieron en el Manifiesto Comunista: "En lugar de la vieja sociedad burguesa con sus clases y contradicciones de clase, se instaura una asociación en la que el libre desarrollo de cada uno es la condición para el libre desarrollo de todos". La dialéctica del desenvolvimiento de lo individual y del progresivo perfeccionamiento humano de la colectiva deviene una esfera esencial en la que se realiza la función cultural del arte (Redeker et al., 1975, p. 133).
En síntesis, la obra "El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) presume la posición socialista de la artista, pero a la vez, y de forma muy etérea somete los ideales del marxismo; principalmente el uso del sincretismo y sustitución religiosa como crítica a la iglesia y su correspondencia con la burguesía. Además, del repudio al sistema capitalista norteamericano. De ese modo, la obra de arte refleja la realidad y, por esta razón, fomenta el pensamiento crítico en una sociedad enajenada por la promoción desmesurada de la burguesía y su mercadotecnia.
"El corsé marxista" (aproximadamente 1950) el ícono revolucionario
El papel de la revolución es crucial en el Manifiesto del Partido Comunista (1848) de K. Marx y F. Engels, así como en la obra de Frida Kahlo, dado a que: "La revolución comunista es la ruptura más radical con las relaciones de propiedad tradicionales; nada de extraño tiene que en el curso de su desarrollo rompa de la manera más radical con las ideas tradicionales" (Marx &Engels, 2011, p.56). Por eso, "el corsé " (aproximadamente 19505) incorpora la hoz y el martillo como símbolos del marxismo. Es más, una fotografía de Antonio Kahlo (aproximadamente década de los años cuarenta) muestra a la pintora con su corsé ortopédico. La imagen enfatiza su afición con los fundamentos socialistas y participante activa del movimiento comunista mexicano.

En consecuencia, la artista agrega otras valías simbólicas, por ejemplo, una estrella y un niño. Muchos de estos símbolos tienen que ver con una conceptualización personal, la cual se vincula con su militancia política. Incluso, lo maternal y el discurso del renacimiento se convierten en emblemas del sufrimiento humano, a la vez, de significar la regeneración de un México sedicioso de justicia. Entonces, la creadora mexicana exalta la lealtad al pueblo y, de ese modo, reinventa pictóricamente la Revolución Mexicana, pues como enfatiza F.G Haghenbeck (2012):
Cada vez que lucha con el lienzo crea una guerra. Cuando se habla de arte revolucionario sólo puedo pensar en dos tipos de fenómenos artísticos: las obras cuyos temas reflejan la revolución, y obras que, sin estar vinculadas a la revolución por el tema, están profundamente imbuidas, coloreadas por la nueva conciencia que surge de la revolución (p. 210).
Cabalmente, Frida Kahlo captura y proyecta los ideales revolucionarios que se afianzan con los fundamentos socialistas6. El "corsé" proyecta no solo aspectos íntimos de la artista, sino que interactúa como soporte ideológico, del mismo modo critica el concepto canónico de la Escuela Nacional de Bellas Artes de México, en cuanto a la representación de un arte académico propio de la sociedad moderna y mecanizada. De acá que persiste un paralelismo con la proclama de Marx y Engels al advertir:
Como resultado de la creciente competencia de los burgueses entre sí y de las crisis comerciales que ella ocasiona, los salarios son cada vez más fluctuantes; el constante y acelerado perfeccionamiento de la máquina coloca al obrero en situación cada vez más precaria; las colisiones entre el obrero individual y el burgués individual adquieren más y más el carácter de colisiones entre dos clases. Los obreros empiezan a formar coaliciones contra los burgueses y actúan en común para la defensa de sus salarios (Marx &Engels, 2011, p.42).7
A este propósito el escenario político y artístico mexicano están asociados al discurso capitalista y, por ende, a la complacencia de la burguesía. Por cierto, al artista mexicano se le impone un discurso- máquina que limitaba lo manual y lo artesanal, es decir, se implanta un gusto estético. Inicialmente, esta lucha es enfrentada por Clemente Orozco (1883- 1949) y David Sequeiros (1896-1974) al fomentar un arte libre que concilia lo popular, lo manual y lo nacional.

Esta nueva conciencia estética es promulgada por Frida Kahlo, pues su estilo naif y surreal8 proyecta un discurso transgresor con respecto a los estándares académicos; dado que, prosigue un planteamiento marxista en su obra política, ya que destaca la lucha como proceso social para la reivindicación del campesino, obrero, artesano, entre otros. De acuerdo con esto, su obra converge con la postura del Manifiesto del Partido Comunista de Marx y Engels, al destacar:
Si en la lucha contra la burguesía el proletariado se constituye indefectiblemente en clase, si mediante la revolución se convierte en clase dominante y, en cuanto clase dominante, suprime por la fuerza las viejas relaciones de producción, suprime, al mismo tiempo que estas relaciones de producción, las condiciones para la existencia del antagonismo de clase y de las clases en general, y, por tanto, su propia dominación como clase (2011, p.58).
El "corsé" de la artista representa una lucha alegórica entre sus emociones internas y la realidad política mexicana. Ella misma se constituye como un sujeto revolucionario en el marco de los acontecimientos sociales y en la abstracción simbólica de su particular biografía empañada de dolor, tragedia y desolación.

En consecuencia, el enfoque marxista de Frida Kahlo alcanza una estética peculiar, la cual surge de una autoconciencia humana y su entorno. De tal forma, "El arte encuentra, pues, en la realidad misma una base objetiva de la perdurabilidad de sus creaciones típicas; pero el que los tipos conformados cristalicen y perduren es resultado de la actividad propia del arte" (Lukács,1965, p.307).

Al mismo tiempo, la obra pictórica de la artista inicia con una posición subjetiva (intención) y al exponer mencionada conciencia dimensiona el carácter objetivo, es decir, el problema social del pueblo mexicano. De hecho, la pintura política de Frida Kahlo invita a reconocer una relación histórica y que, de ella, devenga un espíritu de crítica y lucha consistente. Si bien es cierto, la obra de la artista mexicana se caracteriza por introducir acertijos y símbolos muy personales, logra transmitir el ideal socialista, y con ello establece una reflexión de la realidad. De la misma manera, ejerce una función social que viene estructurada por significantes ideológicos, artísticos y sociales. En virtud de ello, se da una colaboración entre el artista y el pueblo, pues como señala A. Egórov (1978) "(...) la fuerza con la que una obra de arte influye en las masas se halla en dependencia directa del grado de ligazón del artista con la experiencia del pueblo y con su lucha por los ideales sociales avanzados (p.150).

En definitiva, la obra "corsé " evoca a una filiación de lucha por parte de Frida Kahlo, a la vez, de articular un discurso de oposición al arte hegemónico e impuesto por la burguesía mexicana. Por cierto, la obra imprime las particularidades emotivas de la artista en conjugación con los ideales revolucionarios, por lo cual se circunscribe y toma como referencia los fundamentos teóricos del Manifiesto del Partido Comunista (1848) de K. Marx y F. Engels.
El "marxismo" de Lenin, Trotsky y Stalin en la obra pictórica de Frida Kahlo
A finales de 1920 los fundamentos marxistas son continuados por otras figuras, las cuales enfatizan en la base científica promulgada por Karl Marx y F. Engels. Asimismo, dichos planteamientos adquieren una nueva perspectiva a partir de la muerte de Lenin9, entonces se establece el marxismo-leninismo cuya base es el marxismo originario y la propuesta del líder bolchevique (este término fue acuñado por Stalin).

Desde esta perspectiva, los ideales marxistas adquieren nuevas apropiaciones, por ejemplo, ambiciones nacionales del bloque soviético (URSS) que internacionales. En ese caso, se da la polémica si realmente Stalin llevó a cabalidad la propuesta procedente del marxismo. Mencionada posición adquiere contrincantes entre ellos, León Trotsky. Se da una división del bloque marxista entre estalinistas y trotskistas. Estos acontecimientos políticos fueron vivenciados por Frida Kahlo y su esposo Diego Rivera quienes se unen para brindar asilo político a León Trotsky. Precisamente,
En México, el muralista Diego Rivera, y Frida con él, se unen a favor de Trotsky en contra de Stalin. Diego Rivera y Frida Kahlo intervienen con el presidente de México, Lázaro Cárdenas, quien acepta su solicitud para conceder asilo a León Trotsky, a su esposa Natalia y el hijo de ambos (García, 2012, p.132).
Incluso, Frida Kahlo regala un autorretrato a Trotsky en el día de su cumpleaños con la siguiente dedicatoria " Para León Trotsky con todo cariño, dedico esta pintura, el día 7 de noviembre de 1937. Frida Kahlo. En San Ángel. México ". Según Mayayo (2008) "La artista se yergue en el centro de la composición en una postura rígida y algo forzada, con la mirada dirigida hacia nosotros, como si se tratase de una interprete que saluda al público después de una función" (p.195). Este énfasis teatral alude a la crítica sobre la verdadera posición de Frida respecto al trotskismo como se analizará más adelante.

Entre los fundamentos perseguidos por el matrimonio Rivera Kahlo con los ideales de León Trotski es la consigna de una revolución permanente y universal, de acá que se esboce el ideal de K. Marx y F. Engels en el Manifiesto del Partido Comunista (1848) al advertir:
En fin, los comunistas trabajan en todas partes por la unión y el acuerdo entre los partidos democráticos de todos los países. Los comunistas consideran indigno ocultar sus ideas y propósitos. Proclaman abiertamente que sus objetivos sólo pueden ser alcanzados derrocando por la violencia todo el orden social existente. Las clases dominantes pueden temblar ante una revolución comunista. Los proletarios no tienen nada que perder en ella más que sus cadenas. Tienen, en cambio, un mundo que ganar (p.75). ¡Proletarios de todos los países, uníos! (Marx &Engels, 2011, p.75).
De este modo, los trotskistas encuentran en la posición de Stalin a un revolucionario a la inversa, en vista de que no prosigue las bases del marxismo e instala una autocracia. El maridaje Rivera Kahlo amparan la posición de León Trotsky, pero este es asesinado en Coyoacán México el 20 de agosto de 1940. Así, la lealtad de Frida, en su inicio, acontece de una posición política impregnada por las bases marxistas.

Empero, en la década de los años cincuenta, el enfoque ideológico de Frida respecto al marxismo toma un giro a la representación de Stalin y otros personajes que han tenido como estandarte político las convicciones del Manifiesto del Partido Comunista (1848) de K. Marx y F. Engels, así como otras corrientes derivadas de esta propuesta.
O bien pensaba, ya hacia el final de su vida, cuando se puso a pintar algunos cuadros donde aparecía Marx, banderitas, consignas, palomas de la paz, o el retrato (inacabado) de Stalin, que este era el verdadero "realismo revolucionario" que respondía a las líneas trazadas por el Partido Comunista (Citado en Bartra, 2005, p. 71).
Igualmente, en una de las páginas de su diario enfatiza que nunca fue trotskista. Esta posición a derivado en una serie de críticas e interpretaciones respecto a la relación afectuosa entre la artista mexicana y Trotsky, pues dejando a un lado mencionada correspondencia, la artista siempre fomentó una posición propia. De modo que, la autora del presente artículo concuerda con la posición de Salber al sostener,
Arrojando una mirada retrospectiva hacia su producción artística, Frida lamentaba no haber contribuido más a la causa comunista. Se propone poner sus obras, hasta entonces una franca representación de sí misma, al servicio del comunismo, y confeccionar cuadros que sean útiles a la sociedad, todo lo cual suena a una especie de confesión con propósito de enmienda (2006, p.157).
De acuerdo con esto, el juicio que Frida Kahlo tiene de la política es ideológica. De esta forma, su obra representa la lucha comunista y toma como referencia las personalidades y símbolos del marxismo. Todavía más, la pintura "Autorretrato con Stalin" (1954) resguarda paralelismo con la obra "El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) debido a que emplea acervos místicos para la representación ideológica, ya que "este retrato es comparable a la del Autorretrato con el retrato de Dr. Farill, donde el médico desempeña la función del salvador. Aquí ocupa Stalin el lugar del santo. Se pone en manifiesto una creencia casi religiosa en el comunismo" (Kettenmann, 2016, p. 89).

Análogamente, persiste un carácter personal y devoto pues la creadora mexicana se representa en la pintura, se autorretrata. Este "estar en la obra" involucra un sentido de pertenencia ideológica. Además, las obras anteriormente aludidas, son las últimas elaboradas por Frida Kahlo, pues fallece ese año.

Por último, en su "Diario" (1953) realiza una serie de bocetos en torno al ambiente político, por ello en la página 114 la artista mexicana esboza los siguientes nombres: Marx, Engels, Lenin, Stalin, Mao como pregoneros de la corriente que difunde. En la parte central de la página se ubica un círculo rojo y el símbolo de la hoz. Esta obra es realizada en 1953 y otorga un tributo muy particular a Lenin. En tal sentido, es crucial mencionar que Frida Kahlo exterioriza su admiración al marxismo- leninismo como la mezcolanza de los principios marxistas con los ideales de Vladimir Lenin dirigente de la Revolución Rusa en octubre de 1917, y que años más tarde Stalin anuncia ser su sucesor.

Igualmente, en la página 115 del Diario (1953) la artista simboliza la pirámide de la luna y el sol, a la vez, un ideograma de su cuerpo titulado "yo" con un signo de interrogación. Vale decir que el arraigo a su nación y su afinidad a la cultura prehispánica es un motivo sincretista que Frida Kahlo somete a su obra. Este énfasis en lo autóctono adquiere una vinculación con la postura marxista, considerando que la burguesía y el sistema capitalista despoja al trabajador de su cultura. "Del mismo modo que ha subordinado el campo a la ciudad, ha subordinado los países bárbaros o semi-bárbaros a los países civilizados, los pueblos campesinos a los pueblos burgueses, el Oriente al Occidente" (Marx &Engels, 2011, p. 36) y con ello, un saqueo a la identidad.

Resumiendo, la postura ideológica de Frida Kahlo respecto a las ideas centrales del marxismo es representada desde una visión personal. Para ello somete una simbólica de los principales emblemas del movimiento comunista como la hoz, el martillo y el color rojo con su concepción de lucha, revolución y justicia. Más aún somete su juicio político con un profesar identitario como arraigo cultural.
Notas
2 Es fundamental aclarar que el siguiente artículo enfatiza sobre la vida política de Frida Kahlo y su obra artística. No se toma en consideración datos biográficos sobre su vida personal en el ámbito emocional y familiar (muchos de estos datos son insignificantes, cuando el principal objetivo es el legado de su obra pictórica).

3 En ese sentido, es interesante señalar que Lázaro Cárdenas promueve en México una educación socialista (1934-1940) como un instrumento de reforma social. Dicho antecedente, sopesa en la representación visual de Frida Kahlo.

4 Otra de las obras que incorpora la efigie de Carlos Marx es "Moisés o núcleos solar" (detalle del panel izquierdo) (1945). El presente artículo no discute esta obra, puesto que la iconografía de la pintura es diversa y se centra en otros significantes de la artista. Empero, la representación de Marx en la obra implica su relevancia política en la concepción artística de Frida Kahlo.

5 A partir del accidente, la artista utilizó un corsé como dispositivo médico. La función del corsé fue ortopédica, en cierta medida, la artista otorga una interpretación simbólica al pintarlo con su ideología política.

6 Por ejemplo, entre los fines de la Revolución Mexicana se encuentran: evitar la reelección política como forma dictatorial del poder, la defensa del campesino y el alcance de derechos como la educación. Como se puede observar mencionados guarece paralelismo a lo demandado por el marxismo, el cual implica una lucha de clases.

7 La situación del artista y del obrero en el contexto mexicano fue análoga al pasaje del Manifiesto del Partido Comunista (1848) de K. Marx y F. Engels. Por ejemplo, al sustituir la palabra obrero por artista en la cita empleada, se observa la convergencia en cuanto a la lucha contra el sistema burgués.

8 Es fundamental descartar que esta etiqueta fue otorgada por André Bretón al comparar la obra de la artista con el surrealismo europeo, principalmente el español. Frida Kahlo estuvo en desacuerdo con la catalogación de su obra ha mencionado movimiento artístico.

9 Revolucionario comunista de la Revolución de octubre de 1917 y precursor de los ideales de K. Marx y F. Engels.
Referencias
Bartra, E. (2005). Frida Kahlo, mujer, ideología y arte. Barcelona: Icaria Editorial.

De Toro, A; Ceballos, R. (2014). Frida Kahlo 'revisitada'. Estrategias transmediales- transculturales- transpicturales. New York: Teoría y Crítica de la Cultura y Literatura.

Egórov, A. (1978). Problemas de la Estética. Moscú: Editorial Progreso.

García, R. (2012). Frida se confiesa. Canadá: Trafford.

Gulian, C; Hrusovsky, I; Konrad, N; Kloskowska, A; Pavlóv, T; Redeker, H, et al. (1975). Cultura, ideología y sociedad. Antología de estudios marxistas sobre la cultura. Habana: Editorial Arte y Literatura.

Haghenbeck, F. (2012). El libro secreto de Frida Kahlo. New York: Atria Español.

Kettenmann, A. (2016). Frida Kahlo (1907-1954) Dolor y pasión. Hohenzollernring: Taschen.

Lukács, G. (1965). Prolegómenos a una estética marxista (Sobre la categoría de la particularidad). Distrito Federal: Editorial Grijalbo

Marx, K; Engels, F. (2011). El Manifiesto del Partido Comunista. Distrito Federal: Centro de Estudios Socialistas Carlos Marx.

Mayayo, P. (2008). Frida Kahlo. Contra el mito. Madrid: Ensayos Arte Cátedra.

Salber, L. (2006) Frida Kahlo. Madrid: Editorial Edaf.

Sánchez, A. (2010). Las ideas estéticas de Marx. Distrito Federal: Siglo XXI Editores.

Von Wobeser, G. (2015). Vidas Mexicanas: Diez biografías para entender México. Distrito Federal

Seremos directos: te necesitamos para seguir creciendo.

Manteniendo independencia económica de cualquier empresa o gobierno, Izquierda web se sustenta con el aporte de sus propios lectores. Sumate con un pequeño aporte mensual para que crezca una voz anticapitalista.

Me quiero suscribir

include("suscripciones.php"); echo "HOLA MUNDO";?>

# data[].attributes.attachment_link.title
Frida Kahlo: La influencia del Manifiesto Comunista en su pintura - Izquierda Web

# data[].attributes.attachment_link.description
Lucha de clases y conciencia social: "El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) La pintora nace el 6 de julio de 1907 tres años antes de la Revolución Mexicana, sin embargo, como anécdota narra que es hija de la revolución y que su año de nacimiento corresponde a 1910.

# data[].attributes.body
Un marca de Frida Kahlo es la fisonomía cejijunta y el traje tradicional mexicano en su arte.

# data[].attributes.headline
kate-Yo aprendí sobre los materiales Frida usó. Frida usó pintura al óleo y tableros de masonita

# data[].attributes.subject
kate-Yo aprendí sobre los materiales Frida usó. Frida usó pintura al óleo y tableros de masonita

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Question:

What materials did Frida Kahlo use?

Elements of Kahlo's Work:

Frida Kahlo was a surrealist artist during the first half of the 20th century. Born and raised near Mexico City, she incorporated her heritage into her artwork and into the style of clothing she wore each day. Her compositions expressed pain, loss, and strength through various subject matters, particularly when she painted self-portraits.

Answer and Explanation:

Frida Kahlo most often created her paintings using oil paint and Masonite boards. Oil paints are slow-drying paints made from powdered pigment mixed...

See full answer below.

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
what materials did frida kahlo use?  | homework.study.com

# data[].attributes.attachment_link.title
What materials did Frida Kahlo use? | Homework.Study.com

# data[].attributes.attachment_link.description
What materials did Frida Kahlo use? Frida Kahlo was a surrealist artist during the first half of the 20th century. Born and raised near Mexico City, she incorporated her heritage into her artwork and into the style of clothing she wore each day.

# data[].attributes.body
Yo aprendí que los pinturas de Frida Kahlo Quedó en el museo de de Young hasta 2020. También ella viajaba a San Francisco Porque personas queraron ver el icónico cuadras en persona.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida Kahlo: Las apariencias engañan"Pies para qué los quiero,
Si tengo alas para volar" - Frida Kahlo
de Young museum \ Del 25 de septiembre de 2020 al 7 febrero de 2021
SAN FRANCISCO-En 1930, Frida Kahlo salió de México por primera vez y viajó a San Francisco. Esta experiencia ejerció una profunda influencia en la formación de su identidad y en el lanzamiento de su trayectoria artística. En otoño de 2020, Kahlo regresa a San Francisco en la exposición íntima Frida Kahlo: Las apariencias engañan en el de Young museum. La exposición brinda una perspectiva sobre la icónica artista desconocida por muchos, al tiempo en que revela los modos en que la política, el género, la discapacidad y la identidad nacional moldearon la vida de Kahlo, su arte y su polifacética creatividad. Por vez primera en la Costa Oeste, FridaKahlo: Las apariencias engañan incluirá una selección de las pertenencias de Kahlo halladas en su hogar de toda la vida, La casa azul, ahora Museo Frida Kahlo en la Ciudad de México. Sellados y guardados después del fallecimiento de Kahlo en 1954, estos conmovedores objetos fueron revelados en 2004, cincuenta años después de su muerte. La exhibición presentará estas pertenencias personales-incluyendo fotografías, cartas, joyas, cosméticas, corsés médicos y atuendos excepcionales-junto a 34 dibujos y pinturas de Kahlo, y una litografía, que abarcan toda su vida adulta.

"Fortaleciendo los prolongados y duraderos lazos de nuestra institución con México, estamos infinitamente honrados y emocionados de presentar Frida Kahlo: Las apariencias engañan en el de Young museum", señala Thomas P. Campbell, Director Ejecutivo de Fine Arts Museums de San Francisco. "Esta histórica exhibición traza un retrato polifacético de una de los artistas más innovadores del siglo XX, cuya obra vívida nos provee importantes miradas hacia la cultura mexicana, y cuya figura extraordinaria continúa siendo una fuente de inspiración para tantas personas".

Hoy en día Kahlo es reconocida tanto por su característico estilo personal como por su extraordinario arte. Cuidó rigurosamente de su aspecto y construyó su imagen personal tan meticulosamente como sus pinturas. Su imagen, inmortalizada en sus autorretratos y el lente de fotógrafos como Nickolas Muray, Imogen Cunningham, Edward Weston, Gisèle Freund y Lola Álvarez Bravo, es ya reconocible al instante. Desde el momento de su muerte, Kahlo se ha convertido en un ícono, reproducido en libros, murales, bolsos de compra, calcetines e, incluso, una controversial muñeca Barbie, producida por Mattel.

"Esta exposición ofrece una experiencia muy personal con los profundamente singulares objetos en exhibición. Kahlo nunca permitió que sus discapacidades la definieran, fue ella quien se definió en sus propios términos", señala Circe Henestrosa, curadora invitada de esta exposición. "Kahlo decoró y pintó sus corsés, a tal punto que daba la impresión de que hubiera elegido llevarlos deliberadamente. Los incluyó en su arte y en la construcción de su estilo como un elemento esencial de su atuendo, casi como una segunda piel".

La apariencia física de Kahlo estuvo muy marcada por su herencia mexicana y sus creencias políticas. Su decisión de llevar vestidos tehuanos refleja su profunda e inquebrantable devoción por su país natal. Su modo de vestir y otros proyectos de creación también fueron utilizados para ocultar los traumas físicos y emocionales que moldearon su vida. A la edad de seis años contrajo la polio, enfermedad que la dejó encamada durante varios meses y causó daños a su pierna derecha. A los dieciocho años, Kahlo sufrió un accidente de autobús casi fatal, que la dejó discapacitada y con complicaciones médicas y dolor crónico por el resto de su vida. En esta exposición, artículos tales como corsés de yeso y de cuero, zapatos ortopédicos hechos a la medida (diseñados para compensar el tamaño de su pierna derecha más corta), y una extremidad prostética (hecha después de la amputación de su pierna), dan cuenta de la gravedad de los traumas que Kahlo debió padecer. Al tiempo en que Kahlo elaboraba su estilo personal de pies a cabeza para ocultar su discapacidad, exploraba y revelaba sus yos más íntimos a través de la mirada directa de su arte.

"Kahlo compuso conjuntos de sastrería importantes y únicos, y posó para fotógrafos que capturaron su icónica figura, tal como queda evidenciado en los vestidos coloridos y las deslumbrantes fotografías incluidos en exhibición en esta exposición", dice Gannit Ankori, curadora asesora de la exposición. "Ella escondió sus discapacidades detrás de fachadas tan cautivadoras, mientras cumplía el papel de la extravagante mujer mexicana. Pero en sus pinturas y dibujos, Kahlo expone deliberadamente sus luchas, traumas y 'yoes' alternativos, aun cuando desafiaba las normas sociales, las convenciones de género y las tradiciones históricas del arte".

Si bien Kahlo es hoy conocida como un ícono internacional y una destacada pintora, durante su vida no fue tan famosa como su esposo, el muralista mexicano Diego Rivera. Fue en San Francisco que Kahlo empezó a cultivar su ahora icónico estilo de tehuana y su identidad como pintora.

"San Francisco tuvo un profundo impacto en Frida Kahlo. Mientras estuvo aquí, Kahlo vio a gente en nuestra diversa ciudad llevar sus vestidos étnicos y, al darse cuenta de la afirmación que ello implicaba, comenzó a desarrollar su estilo como una expresión de su mexicanidad", explica Hillary Olcott, Associate Curator of the Arts of Africa, Oceania, and the Americas. "Kahlo amaba San Francisco. El tiempo que pasó aquí, así como en otros lugares de Estados Unidos (o 'Gringolandia', como ella llamaba a Estados Unidos) fue formativo y complejo".

Esta celebrada exposición se originó en el Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México en 2012. Se siguió desarrollando en el Victoria and Albert Museum de Londres en 2018 e hizo su debut americano en el Brooklyn Museum of Art en 2019. La presentación en el museo de Young incluye pinturas y dibujos de museos y colecciones privadas de Estados Unidos y México. La mayoría de las obras de arte son exclusivas para esta exhibición, incluyendo una selección de dibujos de Kahlo que se exhiben en público por vez primera y que destacan el tiempo que pasó Kahlo en San Francisco. Esta exposición también presenta obras de arte mexicanas de la colección permanente de Fine Arts Museums of San Francisco, incluyendo esculturas prehispánicas y obras en papel de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros.

Frida Kahlo: Las apariencias engañan es organizada por la curadora invitada Circe Henestrosa, curadora independiente de moda y directora de la School of Fashion en LASALLE College of the Arts en Singapur, junto a la curadora asesora Gannit Ankori, académica de renombre internacional, especialista en Frida Kahlo y Professor of Fine Arts, Women, Gender, and Sexuality Studies en Brandeis University. Hillary Olcott, Associate Curator of the Arts of Africa, Oceania, and the Americas en Fine Arts Museums of San Francisco, es la curadora de coordinación de la exhibición en el de Young museum. Esta exposición estará a la vista del público en las galerías superiores del de Young museum.

En profundidad
Esta exposición está dividida en seis secciones. Comienza con una mirada a las raíces familiares de Frida Kahlo y las experiencias de sus años formativos. Los visitantes son recibidos por fotografías de la artista y su familia tomadas por su padre Guillermo (Wilhelm) Kahlo, junto a selecciones de sus primeros bocetos, incluyendo un dibujo en el que Kahlo visualiza su traumático accidente de 1925. Luego pasan hacia una introducción al arte y la política de la Revolución mexicana (1910-1920)-el telón de fondo de la infancia y la adolescencia de Kahlo-y el subsiguiente renacimiento cultural. Los visitantes ven cómo la herencia familiar de Kahlo y sus años formativos, así como la política de su tiempo, influyeron en la construcción personal de su identidad y en el lanzamiento de su trayectoria artística.

De ahí los visitantes pasan a La casa azul, lugar donde Kahlo nació, vivió la mayor parte de su vida y murió. Su padre construyó la casa en 1904; Kahlo y Rivera la renovaron antes de mudarse en los años 1930. Dado que Kahlo estaba con frecuencia confinada a su casa debido a su condición médica, transformó su hogar en un microcosmos de su amado México. Llenó su hogar de diversas obras de arte mexicanas, incluyendo arte folclórico, cerámica y pinturas votivas. Llenó el jardín de árboles cítricos, flores coloridas, estatuas arqueológicas y una amalgama de mascotas. La casa azul se convirtió en un centro cultural que atrajo luminarias de México y el extranjero, y es otra expresión más de la mexicanidad y el brillante poder creativo de Kahlo.

La exposición examina luego las dos visitas de Kahlo a San Francisco. Kahlo viajó primero a "Gringolandia" (como llamaba a los Estados Unidos) en 1930, acompañando a su esposo Diego Rivera cuando pintaba murales en San Francisco, Nueva York y Detroit. En San Francisco, Kahlo hizo amigos por toda la vida, comenzó a crear su estilo tehuano y a pintar seriamente. En 1940 Kahlo regresó a San Francisco para recibir tratamiento médico y casarse nuevamente con Rivera, de quien se había divorciado el año anterior. Aquí los visitantes tendrán la oportunidad de ver algunas de las obras menos conocidas de Kahlo, pintadas en San Francisco (todas conservadas en colecciones del Área de la Bahía de San Francisco): Retrado de Mrs. Jean Wight (1931, colección de Gretchen y John Berggruen); Retrato del Dr. Leo Eloesser (1931, UCSF School of Medicine Dean's Office en Zuckerberg San Francisco General Hospital and Trauma Center); y Frida y Diego Rivera (1931, San Francisco Museum of Modern Art).

En la sección siguiente, los visitantes se encuentran con una visión rara e íntima de la artista. Aquí se exhiben medicinas, cosméticos, accesorios, aparatos ortopédicos y corsés de yeso de Kahlo pintados a mano, junto a fotografías de la artista y sus pinturas y dibujos. Los visitantes pueden ver cómo Kahlo se construyó y deconstruyó, escondiendo y revelando facetas de su identidad y de su aspecto. Esto se muestra lúcidamente en el dibujo Las apariencias engañan (ca. 1946, Banco de México Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo), donde Kahlo revela que su vestido de tehuana camufla su cuerpo herido. Kahlo también utilizaba su arte para expresar y explorar sus experiencias con la discapacidad y el dolor, al tiempo en que demostraba su resiliencia y habilidad para crear belleza, alegría y arte hasta el final de su vida.

La exposición culmina en la galería final sobre arte y vestidos, donde los visitantes encuentran la personal expresión sartorial de Kahlo-sus cautivadores atuendos-junto a su selección de accesorios y sus inigualables e icónicos autorretratos. Impresionantes pinturas como Autorretrato (1948, colección privada), en el cual Kahlo se pinta a sí misma llevando un resplandor (un tocado ceremonial llevado por mujeres de Tehuantepec en ocasiones especiales). El conjunto real que compone el tocado de Kahlo, está en exhibición a unos metros de distancia. En la fotografía de Lucienne Bloch, Frida con botella de Cinzano, Nueva York (1935, colección de la familia Hecksher), Kahlo viste un bolero moteado que luego lleva en la pintura rara vez vista Memoria (el corazón) (1937, colección privada). Junto con la fotografía y la pintura, el vestido de tehuana que sostiene en su mano izquierda también está cerca en exhibición. El imponente Autorretrato dedicado al Dr. Leo Eloesser (1940) fue pintado después de casarse por segunda vez con Rivera en San Francisco, para Eloesser, su doctor, mejor amigo y confidente.

Sobre Frida Kahlo
La artista Frida Kahlo (mexicana, 1907-1954) es hoy una figura icónica, reconocida tanto por su innovadora obra de arte como por su impresionante aspecto. Kahlo comenzó a pintar mientras se recuperaba de un accidente de autobús casi fatal en 1925, que le causó complicaciones médicas, discapacidades y dolor crónico por el resto de su vida. En 1929, a sus 22 años, Kahlo se casó con el muralista mexicano de 43 años de edad Diego Rivera (1886-1957). Su unión fue tumultosa y poco convencional, se divorciaron en 1939 y se volvieron a casar trece mesas más tarde en San Francisco. Siempre compartieron una profunda devoción por el arte, por México y sus polifacéticas culturas, y por la política revolucionaria. Muchas de las 200 pinturas, aproximadamente, de Kahlo exploran sus complejas identidades y abordan temas de discapacidad, género y política. Sus pinturas eluden las definiciones. A veces vinculada al surrealismo, Kahlo se resistía a esa categorización, indicando que sus pinturas eran "la más franca expresión de su ser". En el momento de su muerte en 1954, por órdenes de Rivera, muchas de sus posesiones personales fueron selladas y guardadas en La casa azul, el hogar donde nació, vivió la mayor parte de su vida y murió. Hoy en día, La casa azul, ubicada en Coyoacán, Ciudad de México, alberga el Museo Frida Kahlo donde el extraordinario tesoro de objetos que había sido escondido durante 50 años, fue revelado. Dibujos, documentos, accesorios y los originales y llamativos atuendos de Kahlo de La casa azul-junto con una selección de pinturas de Kahlo y artículos de la colección del Fine Arts Museum of San Francisco-constituyen el corazón de esta exposición.

Visitas \ de Young
Golden Gate Park, 50 Hagiwara Tea Garden Drive, San Francisco. Abierto de 9:30 am a 5:15 pm, de martes a domingo. Abierto ciertos días festivos; cerrado la mayoría de los lunes.

lunes, 28 de septiembre \ Episodio 1: Conoce al artista Rio Yañez: Rio Yañez (anfitrión de la serie) cuenta la historia de su cómo su padre, René Yañez, luchó por inaugurar la primera exposición de Frida Kahlo en una galería de la Costa Oeste, aquí en San Francisco.

lunes, 5 de octubre \ Episodio 2: Twin Walls Murals Company: Elaine Chu y Marina Perez-Wong, de Twin Walls Murals Company, hablan sobre su amistad de más de 20 años y la influencia de Frida Kahlo y otras poderosas artistas mujeres locales, en sus trayectorias como mujeres en el arte.

lunes, 12 de octubre \ Episodio 3: Fernando Escartiz: Fernando Escaritz, un escultor local, ha creado instalaciones de gran tamaño inspiradas en sus experiencias vividas y su amor por la cultura mexicana. Recuerda su infancia en Coyoacán y la influencia que el hogar de Frida Kahlo, La casa azul, ejerció en la construcción de su oficio artístico.

lunes, 19 de octubre \ Episodio 4: Linda Gamino: Linda Gamino, Associate Director of Ensambles Ballet Folklórico de San Francisco, habla abiertamente sobre la historia de un accidente trágico que marcó su vida, y el impacto que Frida Kalho ha tenido en el proceso de superar su discapacidad.

lunes, 26 de octubre \ Episodio 5: Astrosagas: Astro Sagas, productora de videos y astrónoma local, habla sobre la trayectoria de sus padres, su amor por San Francisco y la influencia de Frida Kahlo en el arte y la política.

lunes, 2 de noviembre \ Episodio 6: Marilet Martinez: Marilet Martinez, actriz y comediante local, comparte historias sobre su crianza como chicana en el distrito Mission y su carrera, inspirada en mujeres latinas fuertes e impávidas como Frida Kahlo.

lunes, 9 de noviembre \ Episodio 7: Jean Franco: Jean Franco, doble local de Frida Kahlo, ha viajado alrededor del mundo llevando un poco de la querida artista a cada lugar. Conocemos cómo fue descubiertx y sobre su trayectoria como sosías de un ícono.

lunes, 16 de noviembre \ Episodio 8: The Great Tortilla Conspiracy: Rio Yañez presenta The Great Tortilla Conspiracy (La gran conspiración de la tortilla), un colectivo de grabadores de tortilla, que comenzó su trabajo en el de Young Museum en 2007, y que desde entonces ha estado serigrafiando la imagen de Frida sobre tortillas. Nos cuenta sobre su singular proceso artístico y sus últimas novedades.

Boletos
Para más información sobre boletos, visita deyoungmuseum.org.

7 de octubre - Rio Yañez en conversación con Twin Walls Murals Company \ Tortilla Conspiracy

14 de octubre - Rio Yañez en conversación con Fernando Escartiz \ Linda Gamino

21 de octubre - Rio Yañez en conversación con Astrosagas y Marilet Martinez

28 de octubre - Rio Yañez en conversación con Yolanda López

Voces locales
"Local Voices" (Voces locales) es una nueva serie de podcasts del Fine Arts Museums of San Francisco, dedicada a celebrar el arte y la creatividad del Área de la Bahía. "Local Voices" destaca perspectivas únicas de artistas visuales, músicos, académicos, líderes comunitarios y pensadores, con el objetivo de repensar exposiciones y colecciones a través de narrativas locales. A través de estos puntos de acceso diversos, invitamos a la comunidad del Área de la Bahía de San Francisco, y demás comunidades, a participar de narrativas significativas e inspiradoras.

Los miércoles por la noche
Celebra en mitad de la semana con una programación virtual única de nuestros museos, cada miércoles a las 5PM. Acompáñanos a construir relaciones a través de diálogos y experiencias innovadores. Conoce a artistas y pensadores de una amplia gama de disciplinas, trasfondos, identidades, habilidades y sensibilidades.

Organización de la exposición
Esta exposición tuvo su origen en la investigación exhaustiva de las posesiones personales de Frida Kahlo halladas en baúles, armarios, gavetas, baños y sótanos de La casa azul, que permanecieron cerrados por más de cincuenta años antes de ser exhibidos por primera vez en el Museo Frida Kahlo (2012-2014) y, posteriormente, en el V&A de Londres. Patrocinadores presentadores: John A. y Cynthia Fry Gunn y Diane B. Wilsey. Patrocinio principal provisto por The HarrisFamily; The Bernard Osher Foundation y The Michael Taylor Trust. Patrocinio significativo provisto por Ray and Dagmar Dolby Family Fund. Patrocinio generoso provisto por Janet Barnes and Thomas W. Weisel Family; George and Marie Hecksher. Patrocinio adicional provisto por Susie and Fred Harburg en memoria de Zvi Ankori; Alec y Gail Merriam; y Paul A. Violich. El Museo Frida Kahlo agradece al Fideiscomiso del Banco de México; a su Comité Técnico y a su presidente Carlos García Ponce; a su Director General Carlos Phillips Olmedo; a ADABI y su Presidenta Isabel Grañen Porrúa; al Sr. Alfredo Harp Helú; y a Hilda Trujillo, Perla Labarthe, Laura Zavala, Xochiquétzal González, Claudia Romo, Luanda López, Circe Henestrosa, y a los investigadores que participaron. Un agradecimiento especial para el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, y el Instituto Nacional de Antropología e Historia.

Programas de acceso
Frida Kahlo: Las apariencias engañan incluye un retrato en braille de Kahlo en la exposición. Los visitantes ciegos o que tienen visión reducida podrán pasar sus dedos sobre el retrato para sentir el contorno de su cara, el cual incluye texto en braille que identifica sus cejas, orejas, nariz, ojos y boca. Conoce más sobre nuestros programas de acceso aquí.

Sobre Fine Arts Museums of San Francisco
Fine Arts Museums of San Francisco se compone de los museos de Young en Golden Gate Park y Legion of Honor en Lincoln Park. Es la institución pública de arte más grande de San Francisco y una de las instituciones de arte más visitadas de Estados Unidos.

El de Young museum tiene su origen en la California Midwinter International Exposition de 1894 en Golden Gate Park, y fue fundado como el Memorial Museum en 1895. Posteriormente pasó a llamarse de Young, en honor de Michael H. de Young, quien encabezó los esfuerzos de creación. El edificio histórico actual revestido en cobre, diseñado por Herzog & de Meuron, fue inaugurado en 2005. Refleja un activo diálogo entre culturas, perspectivas y periodos históricos, y sus colecciones en exhibición incluyen pintura americana, escultura y artes decorativas del siglo XVII al XXI; artes de África, Oceanía y las Américas; vestidos y artes textiles; y arte internacional moderno y contemporáneo.

Consultas de medios de comunicación
Press@famsf.org \ 415.465.3531

# data[].attributes.attachment_link.title
Frida Kahlo: Inauguración de Las apariencias engañan en la Costa Oeste en el de Young museum

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo: Las apariencias engañan "Pies para qué los quiero,Si tengo alas para volar" - Frida Kahlo de Young museum \ Del 25 de septiembre de 2020 al 7 febrero de 2021 SAN FRANCISCO-En 1930, Frida Kahlo salió de México por primera vez y viajó a San Francisco.

# data[].attributes.headline
Aprendí que Frida fue un pionero para otras artistas mujeres como no hube muchas en este epoca.

# data[].attributes.subject
Aprendí que Frida fue un pionero para otras artistas mujeres como no hube muchas en este epoca.

# data[].attributes.body
https://historia-arte.com/artistas/frida-khalo

-Sylvia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra. Los surrealistas quisieron ver en a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró reticente por un motivo: Frida no pinta sueños... pinta su realidad. "No sabía que era surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo".

Su vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de su infancia y sobre todo un terrible accidente de autobus dejó secuelas que cambiaron su vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar...), pero que también la iniciaron el el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital Frida Kahlo realiza sus primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó su vida y obra fue el (los) matrimonio(s) con Diego Rivera, toda una institución en Mexico, que resultó una influencia masiva en el arte de Frida.
Aunque Kahlo era polígama y bisexual, las infidelidades de su promiscuo marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura de la artista.

La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo negara, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en Mexico). También un evidente influjo expresionista.

Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïf del francés, aunque Kahlo, como Rivera buscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un arte que expresara la afirmación nacional mexicana.

Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa... Es por ello una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza.

Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra:
El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso: locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

# data[].attributes.attachment_link.description
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra.

# data[].attributes.headline
kate-Yo aprendí que Frida Khalo no es todo de su nombre. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón fue su nombre legal  

# data[].attributes.subject
kate-Yo aprendí que Frida Khalo no es todo de su nombre. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón fue su nombre legal  

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida Kahlo es una pintora mexicana de renombre mundial. El arte de Kahlo representa la importancia de las culturas indígenas. Aunque su imagen y obras de arte son reconocidas mundialmente, muchas personas no conocen mucho sobre su vida personal. Para darte una introducción breve a esta artista icónica, a continuación te damos 5 datos interesantes sobre Frida Kahlo:

1. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nació en Coyoacán, México el 6 de julio de 1907. El padre de Frida era alemán y su madre era de ascendencia española e indígena. Kahlo hablaba español, inglés y alemán con fluidez.

2. El objetivo profesional de Kahlo era estudiar medicina, pero un trágico accidente cambió su camino. En 1925, Kahlo sufrió un terrible accidente de autobús que la mantuvo postrada en cama durante muchos meses. Fue durante ese tiempo que comenzó a pintar.

3. Kahlo estaba casada con el famoso pintor mexicano Diego Rivera. Una relación que a menudo se describe como tumultuosa. A lo largo de su matrimonio, tanto Rivera como Kahlo tuvieron varios amantes. Rivera incluso tuvo un romance con la hermana menor de Kahlo. Kahlo, como mujer bisexual, tuvo aventuras románticas tanto con hombres como con mujeres, entre ellos un romance con el revolucionario marxista ucraniano-ruso León Trotski.

4. El billete de 500 pesos mexicanos contiene el retrato de Frida en un lado y el de Diego Rivera en el otro.

5. Muchas de las pinturas de Kahlo son autorretratos. Como ella dijo, "Me pinto a mi misma porque soy a quien mejor conozco".

Si quieres aprender más sobre esta gran artista, te invitamos a que explores los libros que te presentamos a continuación

Frida Kahlo: una biografía

Este libro explora la influencia de la cultura y tradición mexicana, la casa azul y otros lugares que Frida Kahlo llamó hogar, a lo largo de su vida y su trabajo. La casa azul, ahora uno de los museos más visitados en la ciudad de México, fue el lugar de nacimiento de la artista y el hogar donde creció, vivió con su esposo Diego Rivera por varios años, y también donde murió. Ella pasó largos períodos de tiempo en la casa convaleciente, primero en 1918 cuando ella contrajo polio y otra vez, en la edad de 18, después del accicente de carro. Completamente ilustrado, el libro presenta las pinturas de Frida junto con imágenes de archivo y fotografías familiares, objetos y artefactos que recogió, y fotografías del paisaje.

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo es una pintora mexicana de renombre mundial. El arte de Kahlo representa la importancia de las culturas indígenas. Aunque su imagen y obras de arte son reconocidas mundialmente, muchas personas no conocen mucho sobre su vida personal.

# data[].attributes.body
https://www.capitalmexico.com.mx/conoce/el-gran-legado-de-frida-kahlo/

Ella tuvo una vida único y por eso no hay nadie que puede recrear su arte. Ellos necesitartían los emocións y experiencías que ella tuvo.

# data[].attributes.body
Frida tuve una vida interesante porque ella cambió su trabajo por un accidente y la romance vida de Frida y Rivera fue muy complicado.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida Kahlo es una pintora mexicana de renombre mundial. El arte de Kahlo representa la importancia de las culturas indígenas. Aunque su imagen y obras de arte son reconocidas mundialmente, muchas personas no conocen mucho sobre su vida personal. Para darte una introducción breve a esta artista icónica, a continuación te damos 5 datos interesantes sobre Frida Kahlo:

1. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nació en Coyoacán, México el 6 de julio de 1907. El padre de Frida era alemán y su madre era de ascendencia española e indígena. Kahlo hablaba español, inglés y alemán con fluidez.

2. El objetivo profesional de Kahlo era estudiar medicina, pero un trágico accidente cambió su camino. En 1925, Kahlo sufrió un terrible accidente de autobús que la mantuvo postrada en cama durante muchos meses. Fue durante ese tiempo que comenzó a pintar.

3. Kahlo estaba casada con el famoso pintor mexicano Diego Rivera. Una relación que a menudo se describe como tumultuosa. A lo largo de su matrimonio, tanto Rivera como Kahlo tuvieron varios amantes. Rivera incluso tuvo un romance con la hermana menor de Kahlo. Kahlo, como mujer bisexual, tuvo aventuras románticas tanto con hombres como con mujeres, entre ellos un romance con el revolucionario marxista ucraniano-ruso León Trotski.

4. El billete de 500 pesos mexicanos contiene el retrato de Frida en un lado y el de Diego Rivera en el otro.

5. Muchas de las pinturas de Kahlo son autorretratos. Como ella dijo, "Me pinto a mi misma porque soy a quien mejor conozco".

Si quieres aprender más sobre esta gran artista, te invitamos a que explores los libros que te presentamos a continuación

Frida Kahlo: una biografía

Este libro explora la influencia de la cultura y tradición mexicana, la casa azul y otros lugares que Frida Kahlo llamó hogar, a lo largo de su vida y su trabajo. La casa azul, ahora uno de los museos más visitados en la ciudad de México, fue el lugar de nacimiento de la artista y el hogar donde creció, vivió con su esposo Diego Rivera por varios años, y también donde murió. Ella pasó largos períodos de tiempo en la casa convaleciente, primero en 1918 cuando ella contrajo polio y otra vez, en la edad de 18, después del accicente de carro. Completamente ilustrado, el libro presenta las pinturas de Frida junto con imágenes de archivo y fotografías familiares, objetos y artefactos que recogió, y fotografías del paisaje.

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo es una pintora mexicana de renombre mundial. El arte de Kahlo representa la importancia de las culturas indígenas. Aunque su imagen y obras de arte son reconocidas mundialmente, muchas personas no conocen mucho sobre su vida personal.

# data[].attributes.body
Frida y Diego tuvieron un realción más toxico porque ellos no tuvieron cerca en años. Tambien, Diego tuvo un relación con la hermana de Frida.

# data[].attributes.attachment_link.title
Porqué Frida Kahlo y Diego Rivera tuvieron la relación más ‘tóxica’ del mundo

# data[].attributes.attachment_link.description
Estas son algunas de las razones por las que la relación entre los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo fue la “más tóxica” del mundo.

# data[].attributes.body
yo aprendí que Frida tenía un nombre differente y era Frieda pero no quiero énfasis a la ortografía alemana y la cambió a Frida.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
10 Things You Didn't Know About Frida Kahlo

Tags: artist, baby shower, biography, board book, celebrated artist, Diego Rivera, early learning, female artist, Frida Catlo, Frida Kahlo, Frida Kahlo Museum, history, humor, La Casa Azul, Mexican artist, Mexican history, Mexican painter, Museo Frida Kahlo, non-fiction, painter, puns, unique board books for babies, Wild Bios

# data[].attributes.attachment_link.title
10 Things You Didn't Know About Frida Kahlo - Silver Dolphin Books

# data[].attributes.attachment_link.description
10 Things You Didn't Know About Frida Kahlo Tags: artist, baby shower, biography, board book, celebrated artist, Diego Rivera, early learning, female artist, Frida Catlo, Frida Kahlo, Frida Kahlo Museum, history, humor, La Casa Azul, Mexican artist, Mexican history, Mexican painter, Museo Frida Kahlo, non-fiction, painter, puns, unique board books for babies, Wild Bios

# data[].attributes.body
https://www.ngenespanol.com/el-mundo/huellas-de-frida-kahlo-en-nueva-york/

ella fue el estados unidos a pintar una mural en rockefeller center. el arte fue sobre comunistas y ella vio los amigos comunista en nueva york. ella se quedaron en el hotel llama barbizon plaza

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida Kahlo en Nueva York consolidó sus lealtades políticas y lanzó su carrera pública como artista. Aquí le realizaron un icónico retrato

Mucho se habla de esta pintora mexicana, sus cuadros se exponen en todo el mundo. Pero ¿conoces la historia de Frida Kahlo en Nueva York?

En 1931, Frida Kahlo viajó a esta ciudad de Estados Unidos con Diego Rivera, con quien se casó en 1929. Ya que a su marido le habían encargado pintar un mural en el Rockefeller Center. Sin embargo, lo despidieron del proyecto en 1934 por incluir una imagen de Vladimir Lenin, el comunista, revolucionario y líder de la Unión Soviética.

La pareja se hospedó en el Hotel Barbizon Plaza, que está localizado en Central Park South, entre la Sexta y la Séptima Avenida.

Como resultado de estos eventos y las importantes disparidades de clase que vio de primera mano en Estados Unidos, Frida Kahlo, que era un miembro activo del partido comunista, reafirmó sus creencias políticas y se sintió inspirada a enmarcar su ropa como abiertamente política, nacionalista y en apoyo a la Revolución mexicana.

En 1938, el poeta surrealista André Breton organizó la primera muestra en Nueva York de Frida Kahlo en la influyente Galería Julien Levy. El resultados fue todo un éxito crítico y lanzó su carrera a nivel internacional.

Ahí se mostraron 25 de sus cuadros y se vendieron la mitad de ellos.

El fotógrafo Nickolas Muray capturó un icónico retrato de Frida en lo alto de un edificio de Greenwich Village, en 1939, y documenta este período en Nueva York.

En su vida personal, Kahlo llegó a definirse a sí misma a través de su etnicidad, discapacidad (pues tenía un problema en la columna vertebral) y política, todas las cuales estaban en el corazón de su trabajo como artista.

Nacida de un padre húngaro alemán y de una madre tehuana mitad indígena y mitad española, el estilo personal cuidadosamente orquestado de Kahlo hizo una declaración audaz sobre identidad cultural, nacionalismo y género.

En los años posteriores a la Revolución mexicana (1910-20), la celebración de la diversidad regional se convirtió en un símbolo del orgullo nacional.

Kahlo veneraba este vestido tradicional por la belleza de su cultura y el poder que confiaba a las mujeres. Las faldas largas hasta el suelo de las tehuanas, las blusas ondulantes y los sombreros elaborados se convirtieron en la firma sartorial de Kahlo y sirvieron para reafirmar sus creencias políticas y su orgullo por la cultura mexicana, particularmente en la década de 1930 a medida que su política se radicalizaba.

¡No te pierdas "Frida Kahlo: Las apariencias engañan" este 2019 en Nueva York!

Esta muestra será la primera en Estados Unidos en mostrar una colección de sus posesiones personales de la Casa Azul, el museo de Frida Kahlo. Es importante resaltar que este era el hogar de la artista en la Ciudad de México. Toda la información la encuentras en este enlace.

TE RECOMENDAMOS: Las pinturas de Frida Kahlo
10 frases inspiradoras de Pablo Picasso sobre el arte

# data[].attributes.attachment_link.title
Frida Kahlo en Nueva York, tras las huellas de la artista

# data[].attributes.attachment_link.description
Mucho se habla de esta pintora mexicana, sus cuadros se exponen en todo el mundo. Pero ¿conoces la historia de Frida Kahlo en Nueva York? En 1931, Frida Kahlo viajó a esta ciudad de Estados Unidos con Diego Rivera, con quien se casó en 1929.

# data[].attributes.headline
Una cosa que aprendí sobre Frida Kahlo fue como ella usó su arte a dar el contrasto entre sus culturas differentes. 

# data[].attributes.subject
Una cosa que aprendí sobre Frida Kahlo fue como ella usó su arte a dar el contrasto entre sus culturas differentes. 

# data[].attributes.body
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3494/Frida%20Kahlo

-Sylvia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(1907/07/06 - 1954/07/13)

Artista mexicana

"Nunca pinto sueños o pesadillas. Pinto mi propia realidad"
Frida Kahlo

Frida Kahlo nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, al sur de Ciudad de México.

Familia

Fue la tercera de las cuatro hijas de Matilde Calderón y del fotógrafo judío-alemán Guillermo Kahlo.

Sus hermanas mayores fueron Luisa (nacida en 1894), Matilde (nacida en 1899) y Adriana (nacida en 1902); después de ella nació su único hermano, Guillermo, que sobrevivió solo unos días. En 1908, nació su hermana menor, Cristina.

En 1913 sufrió un ataque de poliomielitis que afectó permanentemente el uso de su pierna derecha.

Estudios

Siendo una joven de dieciséis años, cuando realizaba estudios en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad conoció a Diego Rivera, que estaba pintando su mural La Creación en la escuela. Allí tenía un grupo de amigos que se hacían llamar "Los Cachuchas", conocidos por su rebeldía política. Su primer amor, Alejandro Gómez Arias formaba parte del grupo.

Antes de convertirse en pintora, fue estudiante de medicina.

Accidente

Durante 1925 resultó fatalmente herida cuando el autobús en el que ella viajaba fue arrollado por un tranvía. Sufrió múltiples fracturas en su cuerpo que necesitaron más de treinta operaciones quirúrgicas a lo largo de su vida.

Artista

En su recuperación, fue cuando Frida se inició en la pintura. En septiembre de 1926 pintó su primer autorretrato al óleo que dedicó a su novio Alejandro Gómez Arias.

Diego Rivera

Unos años más tarde presentó a Diego Rivera algunos de sus primeros trabajos y este la animó a continuar pintando. El 21 de agosto del año 1929 contrajeron matrimonio. Ella tenía veintiún años y él, cuarenta y seis.

La obra de Rivera influenció su trabajo, dio color a zonas amplias y sencillas en forma intencionadamente ingenua. Deseaba como su marido, que su pintura fuera la evidencia de lo mexicano recurriendo con frecuencia a temas del folklore y del arte popular de su país. Después introduce el factor de lo fantástico en introspección libre con yuxtaposición de objetos incongruentes que realzan el impacto de su obra, a la que se relacionó con el movimiento surrealista.

Autorretratos

De las 143 pinturas de Frida Kahlo, 55 son autorretratos. Sus cuadros exponen fundamentalmente los aspectos dolorosos de su vida, en gran parte postrada en una cama. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral.

Su dolor ante la incapacidad de la maternidad lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se aprecia a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, esparcidos en una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Unos cuantos piquetitos lo pinta en 1935, (colección Dolores Olmedo).

Relaciones

Frida fue bisexual y mantuvo romances tanto con hombres como con mujeres, entre los que se encuentran el escultor estadounidense Isamu Noguchi, la cantante Chavela Vargas, y la cantante y bailarina francesa Josephine Baker.

Su matrimonio fue complicado entre otras cosas por las constantes infidelidades de ambas partes. Uno de las peores fue el engaño de Diego con la hermana menor de Frida, Cristina Kahlo. En 1939, se divorció de Diego Rivera (aunque volvieron a casarse en 1940), año en que ejecuta su obra Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) otra pintura reseñable es Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

Exposiciones

Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México.

Muerte

En la noche del 13 de julio de 1954 falleció en Coyoacán a los 47 años a causa de una trombosis pulmonar. Sus últimas palabras fueron: Espero alegre la salida y espero no volver jamás.

El día de su entierro, el féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista.

Partido Comunista Mexicano

El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. La casa que la pintora habitó durante su vida conyugal con el célebre pintor fue donada por este a la nación y transformada en el Museo que lleva el nombre de Frida Kahlo.

Obras seleccionadas

*buscabiografias.com

Artículo: Biografía de Frida KahloAutor: Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otrosWebsite: Buscabiografias.comURL: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3494/Frida%20Kahlo Publicación: 2005/06/11 -dateModified-Última actualización: 2021/07/06

# data[].attributes.attachment_link.description
(1907/07/06 - 1954/07/13) Frida Kahlo Frida Kahlo nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, al sur de Ciudad de México. Fue la tercera de las cuatro hijas de Matilde Calderón y del fotógrafo judío-alemán Guillermo Kahlo.

# data[].attributes.body
Una vez, Frida dibujó una pintura para Leon Trotsky, como un regalo. La pintura tenía mensajes ocultos (hidden messages) para Trotsky.

https://artsandculture.google.com/story/MwISAVsIDncgLQ?hl=es

# data[].attributes.attachment_link.title
Los significados ocultos de las pinturas de Frida Kahlo - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
Explora increíbles detalles de las obras de la artista gracias al Art Camera

# data[].attributes.body
Frida fue un feminista y ella estaba muy honesta.
https://www-soundoflife-com.translate.goog/blogs/people/how-frida-kahlo-broke-all-conventions-and-shaped-feminism?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=rq#:~:text=Despite%20the%20harsh%20gender%20inequality,refused%20to%20alter%20her%20features.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Spirited, unyielding and bold. Frida Kahlo was a woman who dared to defy the circumstances of her unfortunate life. Her works of art may have showcased great talent, but it was her tenacity in the face of hardship and a gender-biased society that have become valuable inspiration for many.

Rallying The Call Of Feminism

Today, Kahlo is remembered for being a woman who broke all social conventions. Her defiance against needing to fit in is nothing less than admirable - both back then and even now. Even Madonna - the great feminist of our time - has said that she admires Kahlo. The American singer-songwriter's Bedtime Story video has lots of imagery inspired by the surrealist movement and is filled with references to the works of Kahlo.

Despite the harsh gender inequality of the 1900s, Kahlo was honest about being a woman. And that is what that puts her, even now, at the forefront of being a feminist. Never once did she hide, cower or expect to be shielded from the harsh realities of her life.

She refused to alter her features. These included her mono-brow and faint moustache, which were labelled as inappropriately "masculine". She even exaggerated them more in her self-portraits. Nevertheless, Kahlo was not afraid to be herself - a woman. She embraced colours, wearing bright and bold dresses, as well as not thinking twice about adorning herself with flowers and ribbons.

Her paintings touched on female issues such as abortion, miscarriage, birth, breastfeeding and much more. These were things considered to be strictly taboo and never spoken of at all in public back then.

Kahlo was also open about her sexuality. She was never ashamed to admit that she was a bisexual, nor did she ever feel the need to apologise for her choice of bed partners. One of her notable affairs was with American-born French entertainer Josephine Baker.

Rising Up And Standing Tall

Born in Mexico in 1907, Kahlo was said to have been a promising student headed for medical school. But life apparently had a different path for her to take - one that she was seemingly forced down on.

Kahlo suffered from polio when young and the illness caused her right leg to be thinner than her left one. She was later dealt a second blow as a teenager, whereby a serious bus accident left her unable to walk for three months. She reportedly broke her back and pelvis, as well as fractured her collarbone and two ribs. Her right foot was also crushed and her right leg broken in 11 places. A piece of handrail even impaled her.

The terrible accident also caused Kahlo to live her life in chronic pain. Not only did she need frequent surgery to help with her spinal injuries, she was largely confined to spending her days in bed. It was in her bedridden state that Kahlo discovered a love for painting. She had a specially-made easel that enabled her to paint in bed, and a mirror placed above it so she could see herself.

Yes, some of her greatest artworks were self-portraits - a total of 55 out of 143 paintings, to be exact. They are noted as an expression of her internal struggles and physical and mental suffering. "I paint self-portraits because I am so often alone, because I am the person I know best," Kahlo once stated. "I am not sick. I am broken. But I am happy to be alive as long as I can paint."

She also said, "I never paint dreams or nightmares. I paint my own reality. The only thing I know is that I paint because I need to, and I paint whatever passes through my head without any other consideration."

A Surrealist At Heart

Kahlo's works have been described as surrealism at its finest. She experimented with many varied styles and motifs - often shocking the art world with paintings filled with sexual references. Her subject matters were symbolic. The themes she focused on proved to be deeply personal in nature too. Her heritage for instance, or her long struggles with childlessness and femininity.

The one titled Self-Portrait With Thorn Necklace And Hummingbird (1940) is probably one of Kahlo's most widely-recognised self-portraits. It shows her in between a stalking panther and a monkey, wearing a necklace of a dead hummingbird. Kahlo completed the piece in 1940, one year after her divorce from Mexican muralist Diego Rivera (who she remarried a year later). As such, it is believed to reflect her emotional state during a dark, tumultuous life period.

The Two Fridas (1939), on the other hand, tells the story of Kahlo's emotional struggle with herself. On the left, she depicted herself clad in a traditionally European gown. On the right, her heart is whole, and she is wearing in modern Mexican dress. While initially saying that the painting originated from her memory of an imaginary childhood friend, she later admitted that it expressed her desperation and loneliness with the separation from Rivera.

A still life piece, Weeping Coconuts (1951), represents Kahlo's projection of pain. The fruits in this piece are literally weeping. A small Mexican flag bearing the words "Painted with all the love. Frida Kahlo" is stuck into a prickly pear. There are many who believe that Kahlo was signalling the deterioration of her health with this particular painting. And it may be true - it was completed just three years before she died in 1954.

Her art drew from music too. The popular Mexican song Cielito Lindo is believed to have touched Kahlo so much that she named one of her paintings Arbol De La Esperanza, Mantente Firme (1946), which is a line from this song.

And in turn, Kahlo became an inspiration for many other musicians. British rock band Coldplay stated that the idea behind their album Viva La Vida is Kahlo's unwavering strength in facing hardships. Incidentally, her last painting before she died was named Viva La Vida, Watermelons (1954).

During her last years, Kahlo painted mostly fruit and flowers with political symbols such as flags or doves. She was very much concerned about being able to portray her political convictions at that time. It is said that she also altered her painting style: her brushstrokes, previously delicate and careful, were hastier, her use of colour more brash, and the overall style more intense and feverish.

Kahlo never backed down, and she never apologised for just wanting to survive. As she so succinctly put it, "They thought I was a surrealist, but I wasn't. I never painted dreams. I painted my own reality."

In recent years, Kahlo's influence has only grown thanks to the coming-together of social media and a new awareness of female power; in some aspects, she has been reborn as a feminist icon for a new generation. Over half a century after her death, the myth of Kahlo remains as alive as ever-on Instagram, her official account boasts a following of 1.2 milllion strong, while 2020 saw the release of a feature-length documentary by filmmaker Ali Ray re-examining her life and legacy.
For more articles celebrating women and the arts, read about:
Cover Image: Bettmann / Getty Images
Writer | PY Cheong PY Cheong has plied the trade of words long enough to recognise the difference between writing and storytelling. Believes in always dressing up his prose. Living and breathing the work he does.
$$shop

Related articles

# data[].attributes.attachment_link.title
How Frida Kahlo Broke All Conventions And Shaped Feminism

# data[].attributes.attachment_link.description
Spirited, unyielding and bold. Frida Kahlo was a woman who dared to defy the circumstances of her unfortunate life. Her works of art may have showcased great talent, but it was her tenacity in the face of hardship and a gender-biased society that have become valuable inspiration for many.

# data[].attributes.headline
los dos fridas es una pintura que tiene mucho significa de su herencia y su relacion con diego rivera

# data[].attributes.subject
los dos fridas es una pintura que tiene mucho significa de su herencia y su relacion con diego rivera

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Revisado por Catalina Arancibia Durán

Máster en Literatura Española e Hispanoamericana

Actualizado en

El cuadro Las Dos Fridas de Frida Kahlo (1907-1954) es un autorretrato doble pintado en óleo y terminado en 1939, año en que la artista se divorció del muralista mexicano Diego Rivera.

Las dos Fridas (173x173 cm.)
Museo de Arte Moderno, Ciudad de México

Se pueden encontrar dos imágenes de la artista. Ambas están sentadas en un banco y tomadas de la mano. La Frida del lado derecho está vestida con un traje simple mexicano de estilo tehuano, mientras la Frida del lado izquierdo lleva un vestido blanco de estilo europeo.

Si bien las dos tienen el corazón expuesto, apuntan a distintos dolores. La arteria del corazón de la Frida mexicana acaba en un pequeño retrato de Diego Rivera, y la arteria del corazón de la Frida europea termina derramando sangre en la zona púbica, cortada intencionalmente con una tijera quirúrgica.

Esta obra representa temas claves y transversales en la trayectoria de la artista. Así, se pueden encontrar referencias a la identidad, la herencia mestiza y la represión de la mujer. De igual manera, es un cuadro bastante autobiográfico, en el que prima la simbología que le otorga a los objetos y a su propia anatomía.

Autorretrato y surrealismo

Se define a Frida Kahlo como surrealista, ya que la realidad que representaba se encuentra en el ámbito onírico. De esta manera, Las dos Fridas es un reflejo de la situación emocional que vivía en aquel momento.

La artista empezó a pintar después de un accidente de autobús que sufrió a los 18 años. Esta situación la obligó a quedarse en cama durante mucho tiempo y el arte se transformó en el medio para expresar su mundo interno.

El autorretrato va acompañado de representaciones anatómicas de sus órganos vitales. Esto se justifica por la enorme cantidad de operaciones y problemas médicos que sufrió la mexicana a lo largo de su vida, pero también se relaciona con los sentimientos, el espíritu y lo intangible del ser. Ambas dimensiones se conectan con lo físico, el cuerpo y lo material.

También te puede interesar: Surrealismo: características y principales artistas

La dualidad

El tema de la dualidad, es decir, la presencia de dos naturalezas dentro de un ser, es recurrente en las obras de Frida Kahlo. Así, la oposición de las energías que se complementan es representada a través de las dos Fridas con sus corazones expuestos pero unidos por arterias, venas y sangre.

Vestuario y simbología

Frida Kahlo es reconocida por un estilo de vestir en el que resaltaba su herencia. Por ello, el traje de tehuana representa tanto la herencia mexicana oaxaqueña de su madre, como un llamado a las raíces matriarcales que caracteriza a los pueblos situados en el istmo de Tehuantepec.

En el cuadro la Frida de la derecha viste este traje mexicano, pero también es ella quien sostiene en sus manos el retrato de Diego Rivera. Así, aunque se asume como una presencia poderosa y orgullosa de sus orígenes, tambien muestra la dependencia y sumisión de la mujer.

Por su parte, la Frida del lado izquierdo está vestida con un traje blanco de estilo europeo que contrasta con la Frida mexicana. A pesar de esta diferencia, están unidas tanto emocionalmente (a través del corazón), como racionalmente (a través del acto de las manos tomadas).

El vestido blanco sugiere una cierta inocencia inmaculada que es manchada con la sangre que derrama la arteria de su corazón ingenuo. El corte de la arteria es un acto premeditado, que podemos observar a través de la tijera en su mano derecha.

El lugar en que cae la sangre derramada también resulta bastante simbólico. La artista soñaba con ser madre, pero debido a sus problemas médicos nunca lo logró y sufrió varios abortos. Además, se encuentra a la misma altura que el retrato de Diego Rivera, señalando que ambos dolores son igual de fuertes.

Vea también:

# data[].attributes.attachment_link.title
Cuadro Las Dos Fridas de Frida Kahlo: significado y análisis

# data[].attributes.attachment_link.description
El cuadro Las Dos Fridas de Frida Kahlo (1907-1954) es un autorretrato doble pintado en óleo y terminado en 1939, año en que la artista se divorció del...

# data[].attributes.headline
la pintura de frida mas caro es 34 millones dolares

# data[].attributes.subject
la pintura de frida mas caro es 34 millones dolares

# data[].attributes.body
https://www.altonivel.com.mx/estilo-de-vida/frida-kahlo-cuanto-valen-los-cuadros-y-cuales-son-sus-pinturas-mas-caras/#:~:text=La%20obra%20de%20Frida%20Kahlo%20ha%20sido%20ofrecida%20en%20subasta,los%2034%20millones%20de%20d%C3%B3lares.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Frida Kahlo es una de las artistas mexicanas más importantes del Siglo XX. Este personaje de la cultura mexicana trascendió no solamente por su obra, sino por su vida apasionada, fuertemente marcada por el amor y las tragedias personales.

Sus cuadros se exhiben en galerías de arte alrededor del mundo y algunas de sus pinturas están cotizadas en millones de dólares, haciéndola una de las artistas latinoamericanas mejor valuadas en el orbe.

Casas de subastas como Christie's y Sothebys han subastado obras de Frida Kahlo, cuyo precio inicial se eleva bastante hasta alcanzar cifras de seis y siete dígitos.

Sin duda, poseer una pintura de Frida Kahlo está al alcance de muy pocos, pero también es una reserva de valor que bien puede valer la inversión. ¿Te has preguntado cuáles son los cuadros de Frida Kahlo más caros? Aquí te contamos.

¿Quién fue Frida Kahlo?

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació el 6 de julio en 1907 en la Ciudad de México, en la famosa casa azul ubicada en Coyoacán, que era de sus padres Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. Tenía raíces húngaro-alemanas por el lado de su papá y oaxaqueñas, de parte de su madre.

Tuvo tres hermanas, Matilde, Adriana y Cristina.

A lo largo de su vida pasó por varios problemas de salud. Tuvo poliomielitis a los 6 años de edad, cuya consecuencia fue dejarle una pierna más larga que la otra. En 1925, cuando tenía 18 años de edad, tuvo un accidente a bordo de un autobús que fue impactado por un tranvía, ocasionándole diversas fracturas y lesiones en la columna que le causaron inmovilidad en diferentes momentos de su vida. Fue después de esa experiencia traumática cuando empezó a pintar, aún postrada en la cama, y definitivamente influyó en el resto de su obra.

En 1929 se casó con el pintor y muralista Diego Rivera, cuya relación fue turbulenta. Se dice que Rivera le fue infiel a Frida varias veces, hasta con una de sus hermanas. En 1930, Frida quedó embarazada, pero tuvo un aborto. En su vida intentó embarazarse otras dos veces, pero con resultados infructuosos. Estas experiencias traumáticas también quedaron plasmadas en su obra.

Kahlo estuvo afiliada al Partido Comunista Mexicano, casada con el pintor y acogió al revolucionario soviético León Trotski en su casa de Coyoacán, durante su exilio mexicano.

Frida y Diego se divorciaron en 1939, aunque un año después volvieron a casarse.

Debido a complicaciones de salud, Frida fue internada en el Hospital Inglés en 1950 hasta 1951. En 1953 le amputaron la pierna derecha. El 13 de julio de 1954 Frida Kahlo murió de tromboembolismo pulmonar en la Casa Azul, el mismo lugar donde nació. Su féretro fue cubierto con una bandera del Partido Comunista Mexicano.

¿Cuántas pinturas de Frida Kahlo existen?

La obra de Frida Kahlo consiste en más de 150 pinturas que hizo a lo largo de su carrera. Varios de sus cuadros son autorretratos de ella que reflejan sus emociones y varios episodios de su vida, también plasmó en el óleo su relación con Diego Rivera y el amor que le profesaba.

Cuadros de Frida Kahlo y Diego Rivera

La artista mexicana plasmó en varias de sus obras la relación que tuvo con Diego Rivera, su admiración y también las turbulencias que pasaron. Algunos de los cuadros más famosos en los que aparecen ambos son "Frida y Diego Rivera" (1931), "Diego en mi pensamiento" (1943) o "El abrazo del amor del universo (1949).

¿Cuánto valen sus cuadros?

La obra de Frida Kahlo ha sido ofrecida en subasta varias veces y en un gran rango de precios, desde los 84 dólares hasta los 34 millones de dólares.

¿Cuáles son los cuadros más caros?

La obra que ha establecido un récord en valuación fue la pintura "Diego y yo", un autorretrato que fue subastado por la casa Sotheby's en noviembre de 2021 por 34.9 millones de dólares. La última vez que se puso en puja, también en un remate de Sotheby's, fue en 1990. La pintura le perteneció al magnate inmobiliario Harry Macklowe y a su esposa Linda, una experta en arte. Estos son algunos de los retratos de Frida Kahlo:

Otra obra bien cotizada se llama "Autoretrato (muy feo)", vendido por la casa Chritie's en 8.6 millones de dólares el 16 de noviembre de 2022.

La obra "Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)" alcanzó los 8 millones de dólares el 11 de mayo de 2016. Forma parte de una distinguida colección de arte americano.

El "Retrato de una mujer en blanco" fue vendido en 5.8 millones de dólares el 20 de noviembre de 2019 y es propiedad de la colección de la Dra. Helga Pringitz-Poda.

La pintura "Canasta de flores" fue vendida la misma fecha que "Retrato de una mujer en blanco" por 3.1 millones de dólares y forma parte de la colección de James y Marilynn Alsdorf.

"Sobreviviente", un pequeño cuadro de 12 por 17 centímetros, fue subastado por 1.17 millones de dólares el 26 de mayo de 2010.
MÁS NOTICIAS:

Alto Nivel Equipo de jóvenes periodistas cuyo objetivo es explicar las noticias más relevantes de negocios, economía y finanzas. Nos apasiona contar historias y creemos en el periodismo ciudadano y de servicio.

# data[].attributes.attachment_link.title
Frida Kahlo, ¿cuánto valen sus cuadros y cuáles son las pinturas más caras? - Alto Nivel

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo es una de las artistas mexicanas más importantes del Siglo XX. Este personaje de la cultura mexicana trascendió no solamente por su obra, sino por su vida apasionada, fuertemente marcada por el amor y las tragedias personales.

# data[].attributes.headline
Una cosa que aprendí ser las infidelidades en el matrimonio de Frida y Diego 

# data[].attributes.subject
Una cosa que aprendí ser las infidelidades en el matrimonio de Frida y Diego 

# data[].attributes.attachment_link.title
La historia de amor de Frida Kahlo y Diego Rivera

# data[].attributes.attachment_link.description
Frida Kahlo y Diego Rivera se casaron dos veces, los protagonistas de una relación amorosa empañada por las infidelidades.

# data[].attributes.headline
Cia: Frida Kahlo pintó sus primeros trabajos artísticos durante el periodo de convalecencia en el hospital. 

# data[].attributes.subject
Cia: Frida Kahlo pintó sus primeros trabajos artísticos durante el periodo de convalecencia en el hospital. 

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra. Los surrealistas quisieron ver en a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró reticente por un motivo: Frida no pinta sueños... pinta su realidad. "No sabía que era surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo".

Su vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de su infancia y sobre todo un terrible accidente de autobus dejó secuelas que cambiaron su vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar...), pero que también la iniciaron el el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital Frida Kahlo realiza sus primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó su vida y obra fue el (los) matrimonio(s) con Diego Rivera, toda una institución en Mexico, que resultó una influencia masiva en el arte de Frida.
Aunque Kahlo era polígama y bisexual, las infidelidades de su promiscuo marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura de la artista.

La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo negara, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en Mexico). También un evidente influjo expresionista.

Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïf del francés, aunque Kahlo, como Rivera buscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un arte que expresara la afirmación nacional mexicana.

Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa... Es por ello una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza.

Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra:
El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso: locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

# data[].attributes.attachment_link.description
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas de y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra.

# data[].attributes.body
Una tema que Frida usabas en su arte fue la tema de la cultura mexicana y como su cultura mexicano fue más differente que la cultura americana.

# data[].attributes.headline
frida tenía muchas relaciones con hombres y mujeres diferentes durante su vida iba a lugares diferentes

# data[].attributes.subject
frida tenía muchas relaciones con hombres y mujeres diferentes durante su vida iba a lugares diferentes

# data[].attributes.body
https://mxcity.mx/2016/08/las-y-los-amantes-de-frida-kahlo-un-recorrido/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Para muchos antropólogos, el hombre es resultado de su cultura. Como si no hubiese nada dado por la naturaleza (salvo los instintos) parece que las creencias son resultado, todas, de la cultura que nos rodea.

Sin embargo, aunque la cultura prohiba, limite, o incluso promueva ciertas creencias, en ocasiones sentimos emociones que no van de acuerdo lo que "se usa". En este sentido, ¿Será que somos capaces de enamorarnos de cualquier ser humano más allá de lo heterosexual-homosexual? Existen personajes cuya vida romántica parece apuntar a ello.

A inicios del siglo pasado, cuando la liberación sexual comenzó a manifestarse, personajes como Virgina Woolf en Inglaterra o Anaïs Nin en Francia, fueron una prueba de ello. En México, Frida Kahlo también formó parte de esta tendencia que iba desvelándose. Hoy, incluso podría decirse que la bisexualidad está de moda (tristemente, y quizá, en perjuicio de su autenticidad).

Se sabe que Kahlo tuvo amantes durante toda su vida, hombres y mujeres, aún cuando estuviera casada con Diego Rivera. Si lo hizo como una defensa emocional ante las infidelidades de su esposo (como en ocasiones se apunta), o si fueron enamoramientos auténticos, ello nunca lo sabremos.

Entre los romances de Kahlo están los siguientes:
Alejandro Gómez Arias
Era el novio de Frida a sus 18 años. El día que sufrió su trágico accidente, el 17 de septiembre de 1925, que resultó en una salud precaria para toda su vida, iba acompañada de él. Luego del accidente Frida continúa su relación y existen cartas que le dirige incluso dos años después.
Alex: Ya quiero que te vengas, no sabes cómo te he necesitado este tiempo y cómo, cada día te quiero más. Estoy como siempre, mala, ya ves qué aburrido es esto, yo ya no sé qué hacer, pues ya hace más de un año que estoy así y es una cosa que ya me tiene hasta el copete.
(10 de enero de 1927)
Leo Eloesser
Frida conoció a su querido médico, amigo, y amante, por Diego. Con el tiempo, y por el modo de vida que llevaba (rodeada de ayuda médica) Eloesser se convirtió en su confidente, para el 15 de junio de 1931 habían ya iniciado un intercambio epistolar que inició como el de médico a paciente. Fue un gran apoyo en su vida, probablemente uno de los más entrañables personajes que conoció.
León Trostsky
Una de las figuras fundamentales para el triunfo de la Revolución y el ascenso del comunismo en Rusia, fue uno de los grandes amores de Frida. El propio Diego había intercedido ante el presidente Lázaro Cárdenas para que México le diera asilo luego de que se le persiguiera en Rusia. Frida y Diego lo alojaron; luego este último descubrió que su esposa y Trotsky tenían un romance. Diego enfurecido dejó de darle alojamiento aunque él y Kahlo continuaron una amorosa correspondencia que terminó en 1940 cuando su amante, filósofo político, y enamorado, murió asesinado. Se cree que este romance Frida lo llevó a cabo en venganza, o defensa, de las infidelidades de Diego.

Al contemplar esta noche tu rostro de cervatillo he descubierto que jamas conseguire hacerte a un lado de mi cabeza no se diga de mi Corazón. (fragmento de carta de Trotsky a Frida).
Chavela Vargas
Cuando Frida conoce a la legendaria Chavela Vargas, en una carta que dirigió a Carlos Pellicer, se expresa así de esta última: ""extraordinaria, lesbiana, es más... se me antojó eróticamente" (?) si me lo pidiera "no dudaría un segundo en desnudarme ante ella.Cuantas veces no se te antoja un acostón y ya. Ella repito es erótica. Acaso es un regalo que el cielo me envía". Luego de esa primera vez que se conocieron en una fiesta que organizó Frida, justo el día que llegara Trotsky a la Casa Azul, Frida y Vargas formaron una de las amistades más profundas y hermosas. Amantes, quizá, pero sobre todo amigas de por vida.

Jaqueline Lamba

Esta figura francesa del movimiento surrealista en la pintura fue también esposa del icónico Andre Breton. Fueron amigas y por algunos fragmentos de cartas, muy amorosos, incluso pasionales, es presumiblemente, otra de las mujeres amores de Frida:

Desde que me escribiste, en aquel día tan claro y lejano, he querido explicarte, que no puedo irme de los días, ni regresar a tiempo al otro tiempo. No te he olvidado ?las noches son largas y difíciles-. (Fragmento de carta de Frida a Lamba).
Nickolas Muray
Uno de los más famosos fotógrafos de su época, fue amante de Kahlo por muchos años. Por su intercambio epistolar se denota que Murray estuvo ilusionado mucho tiempo con la idea de que Kahlo dejara a Diego y pudiera irse a vivir con ella a México. Suceso que nunca ocurrió, por su puesto.
Isamo Noguchi
Se dice que Diego encontró a este escultor y a Frida en el departamento de este y con pistola en mano exigió a los dos terminar su romance. Noguchi había llegado a México por invitación de Diego para intervenir el interior del mercado Abelardo L. Rodríguez.
José Bartolí
Un amor revelado por el intenso intercambio epistolar que hicieron. Bartolí fue un pintor barcelonés con una vida inusual; estuvo en campos de concentración en la Segunda Guerra Mundial de los que consiguió huir. Cuando llegó a México retomó su obra pictórica y conoció a Kahlo y se convirtieron en amantes. Entre agosto de 1946 y noviembre de 1949 intercambiaron hasta 25 cartas en más de 100 hojas de el amor de Frida para con uno se sus amantes más queridos.

Twitter de la autora: AnaPauladelaTD

# data[].attributes.attachment_link.title
Las y los amantes de Frida Kahlo, un recorrido

# data[].attributes.attachment_link.description
Para muchos antropólogos, el hombre es resultado de su cultura. Como si no hubiese nada dado por la naturaleza (salvo los instintos) parece que las creencias son resultado, todas, de la cultura que nos rodea. Sin embargo, aunque la cultura prohiba, limite, o incluso promueva ciertas creencias, en ocasiones sentimos emociones que no van de acuerdo lo que "se usa".

# data[].attributes.headline
Frida Kahlo cambió su nombre en 1937. El nombre era Frieda Kahlo y ella cambió a Frida Kahlo.

# data[].attributes.subject
Frida Kahlo cambió su nombre en 1937. El nombre era Frieda Kahlo y ella cambió a Frida Kahlo.

# data[].attributes.body
https://noticias.imer.mx/blog/siete-datos-que-no-sabias-de-frida-kahlo/#:~:text=Frida%20no%20fue%20su%20nombre,el%20nombre%20que%20todos%20conocemos.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Hace 115 años, nació la pintora mexicana, Frida Kahlo, en Coyoacán. Por ello, te contamos algunas curiosidades sobre su vida y obra que tal vez no conocías. Julián Vásquez
Frida no fue su nombre hasta los 28 años

El nombre que su madre y padre le pusieron al nacer fue Magdalena Carmen Frieda Kahlo. Pero, en 1937 cambió su nombre de Frieda a Frida. Así nació el nombre que todos conocemos.

La mayoría de las personas saben sobre su romance con el pintor mexicano Diego Rivera. Sin embargo, pocos conocen el resto de parejas que tuvo, entre ellas, varias mujeres.

Frida Kahlo mantuvo relaciones sentimentales con la cantante, Chavela Vargas, la pintora francesa Jaqueline Lamba y la artista estadounidense, Georgia O'Keeffe.

Frida tenía una pierna más delgada

A los seis años, Frida Kahlo padeció poliomielitis. Esta enfermedad le dejó secuelas permanentes, entre ellas, la de la pierna derecha más delgada que la izquierda.

La primera artista latina en Louvre

En 1939, Frida Kahlo montó una exposición sobre el arte mexicano en el Museo del Louvre en Francia.

La obra tuvo gran aceptación que el museo adquirió su obra El marco (1938) y convirtió a Frida en la primera persona de América Latina en ese lugar.

Frida casi estudió medicina

A los 15 años, Frida comenzó sus estudios de bachillerato en la Escuela Nacional Preparatoria con la intención de ingresar a la Facultad de Medicina.

No obstante, tres años después sufrió un accidente automovilístico que le provocó fracturas en la columna vertebral y pierna.

Durante el periodo de recuperación, entró en contacto con el arte y comenzó a pintar de manera profesional.

Su primera obra profesional

Un año después de su accidente, Frida realizó su primera obra: Autorretrato (1926).

La obra la realizó para su novio , Alejandro Gómez Arias. Esta obra está disponible en La Casa Azul, museo de Frida Kahlo, en Coyoacán.

Es la artista de América Latina más cara

En 2019, su obra (1949), la casa de subastas Sotheby's en Nueva York la vendió por 34.9 millones de dólares.

Esto la posiciona como la artista de América Latina con la pintura más cara, por encima de Diego Rivera cuya obra Dos desnudos en el bosque estuvo valuada en 7.79 millones de dólares.

El universo de Frida Kahlo en las páginas de un libro

# data[].attributes.attachment_link.title
Siete datos que no sabías de Frida Kahlo - IMER Noticias

# data[].attributes.attachment_link.description
Hace 115 años, nació la pintora mexicana, Frida Kahlo, en Coyoacán. Por ello, te contamos algunas curiosidades sobre su vida y obra que tal vez no conocías. Julián Vásquez Frida no fue su nombre hasta los 28 años El nombre que su madre y padre le pusieron al nacer fue Magdalena Carmen Frieda Kahlo.

# data[].attributes.body
El amor de Diego River y Frida Khalo fue un tormento. También Frida y Diego divorcar un vez y se casaden otra vez.
https://www.lanacion.com.ar/cultura/la-historia-de-amor-pasion-y-tormento-de-frida-kahlo-y-diego-rivera-todavia-no-termino-nid21112021/#:~:text=La%20historia%20de%20amor%20de,a%C3%B1o%20en%20que%20estuvieron%20divorciados.

-Ramzy

# data[].attributes.attachment_link.title
La historia de amor, pasión y tormento de Frida Kahlo y Diego Rivera todavía no terminó

# data[].attributes.attachment_link.description
Amantes y contendientes, los mexicanos se reencontrarán en la colección de Eduardo Costantini; para ella, dueña ahora del récord mundial, podría significar la emancipación post mortem del hombre del que era dependiente - LA NACION

# data[].attributes.headline
frida tenía una buena relacion con su papa, y estuve la hija favorita 

# data[].attributes.subject
frida tenía una buena relacion con su papa, y estuve la hija favorita 

# data[].attributes.body
https://www.sopitas.com/cine-y-tv/relacion-frida-kahlo-padre-guillermo-kahlo-pintura-fotografia/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Aprovechando que el 6 de julio se celebró su natalicio, y que hoy se cumpliría un año más de su muerte, queremos contarles un poco sobre la relación entre Frida Kahlo y su padre, Guillermo Kahlo, quien era originario de Alemania y que en México se ganó el reconocimiento de todos por su técnica en la fotografía.

¿Quién era Guillermo Kahlo?

De acuerdo con DW, Carl Wilhelm Kahlo llegó a México cuando tenía 19 años de edad, en 1891, después de que su madre falleciera y su padre volviera a casarse. Sí, él no se llevaba bien con su madrastra, y como su familia tenía bastante dinero, le ayudaron para que viajara hasta nuestro país. No sabía que nunca volvería a su tierra natal, cambiaría su nombre a Guillermo Kahlo, y aunque aprendería español, conservaría su acento alemán.

En un principio, comenzó a trabajar con otros alemanes, pero tras la muerte de su primera esposa, se casó con Matilde Calderón, quien lo impulsó a practicar la fotografía. Fue así que el padre de Frida Kahlo, Guillermo Kahlo, empezó su carrera como fotógrafo capturando imágenes de paisajes, edificios e iglesias.

Ya para 1904, consolidó su carrera como fotógrafo y compró tierras en Coyoacán, en las afueras de la Ciudad de México. Para estos años, Guillermo y Matilde ya habían tenido a sus dos primeras hijas, y tres años después, en 1907, por fin nacería Frida Kahlo.

El fotógrafo alemán

Según la Mediateca INAH, el padre de Frida Kahlo se especializó en el registro arquitectónico, tanto de edificios comerciales, como de industriales y públicos. Por ejemplo, tomó fotografías del nuevo Teatro Nacional y también de la Oficina de Correos. Además, parte de su trabajo apareció en la sección "México Moderno" de la publicación "El Mundo Ilustrado", así como en otras revistas y diarios de la época.

El padre de Frida igualmente fue comisionado por el entonces secretario de Hacienda, José Yves Limantour, para tomar fotos de los bienes de propiedad federal, las cuales servirían para publicar una serie de álbumes conmemorativos por el Centenario de la Independencia. Incluso, fue parte del proyecto "Iglesias de México", también financiado por la Secretaría de Hacienda, en el cual participaron otros personajes como Dr. Atl y Manuel Toussaint.

La relación artística entre padre e hija

Desde que Frida Kahlo era una niña, posó para la cámara de su padre, con lo que le ayudó a comenzar a construir su imagen artística, desafiante y singular que trazaría en sus cuadros años después. "Más tarde da forma a esta imagen a través de su elección de ropa y su pintura, especialmente en sus autorretratos, ambos impulsados por sus compromisos culturales y políticos", comentó Ana Baeza Ruiz, investigadora del Victoria and Albert Museum, a DW.

Un ejemplo de la influencia que tuvo Guillermo Kahlo en Frida, es un retrato familiar tomado por él donde se puede ver a la pintora, con tan solo 17 años de edad, vestida con un traje de hombre, que de acuerdo con la inscripción posterior que tenía, pertenecía a su padre.

Luego, 10 años después de la muerte de Guillermo, Frida Kahlo pintaría "Retrato de mi padre", como una especie de homenaje, donde se podía ver al fotógrafo alemán posando junto a su cámara, resaltando el trabajo que realizó hasta sus últimos días.

De hecho, en la dedicatoria que se encuentra en la parte inferior de la pintura, Frida escribió lo siguiente: "Pinté a mi padre, Wilhelm Kahlo, de origen húngaro-alemán, artista fotógrafo de profesión, de carácter generoso, inteligente y fino; valiente por que padeció durante sesenta años epilepsia, pero jamás dejó de trabajar y luchar contra Hitler. Con adoración, su hija, Frida Kahlo".

"Frieducha adorada": Las cartas de Guillermo a Frida Kahlo

Según historiadores, Frida Kahlo era la hija favorita de Guillermo. Señalan que eran bastante cercanos porque mientras padecieron de difíciles enfermedades, siempre se apoyaron y cuidaron; su padre sufrió de epilepsia durante 60 años y ella contrajo poliomielitis desde que tenía seis.

Aunque Guillermo tenía que sobrellevar su enfermedad, nunca dejó de cuidar de la pintora: cuando era niña, a pesar de que tenía una de sus piernas más pequeña que la otra, siempre la impulsó para que se mantuviera activa. Y luego de su accidente en un tranvía, que la dejó con heridas en la columna vertebral y en otras partes del cuerpo, él la convenció de que pintara mientras pasaba meses en cama.

También el cariño que se tenían se puede ver en cartas que envió Guillermo a Frida de 1932 a 1933, que en ese entonces estaba en Estados Unidos con Diego Rivera. Por ejemplo, de acuerdo a Annette B. Ramírez de Arellano y a Servando Ortoll, en el artículo "'¡Queridísima Frieducha!'... Cartas de Guillermo Kahlo a su hija Frida", en estas misivas se puede ver a un padre afectuoso.

Una muestra de esto, es la manera en que el fotógrafo llamaba a su hija: "Mi querida Frieda" o "Querida Frieducha". Además, siempre le expresaba el dolor que tenía cuando no estaba y la alegría que le provocaba saber de ella: "Acuérdate, Friducha, que cada vez, cuando recibo una carta tuya, me da mucho gusto y a la vez tristeza, favor de no olvidar eso", se lee en una de las cartas.

En fin, que siempre encontraban una manera de darse todo el amor que sentían uno por el otro; ya fuera cuidándose mutuamente al estar enfermos, a través de palabras y buenos deseos, o retratándose con pinturas o fotografías.

# data[].attributes.attachment_link.title
"Mi Frieducha": La relación entre Frida Kahlo y su padre, Guillermo Kahlo

# data[].attributes.attachment_link.description
Aprovechando que el 6 de julio se celebró su natalicio, y que hoy se cumpliría un año más de su muerte, queremos contarles un poco sobre la relación entre Frida Kahlo y su padre, Guillermo Kahlo, quien era originario de Alemania y que en México se ganó el reconocimiento de todos por su técnica en la fotografía.

# data[].attributes.headline
Cia: Frida siempre vistió con el traje típico de las indias doncellas de méxico.

# data[].attributes.subject
Cia: Frida siempre vistió con el traje típico de las indias doncellas de méxico.

# data[].attributes.attachment_link.title
La vida y la época de Frida Kahlo . Vida de Frida Kahlo | PBS

# data[].attributes.attachment_link.description
Si esta mentira tan obvia nos resulta necia e incongruente, incomprensible en contraste a su desenvuelto candor, ello sólo proyecta, por un momento, la yuxtaposición de imágenes que encontramos en sus pinturas. Frida nunca se detuvo ante los hechos tangibles para llegar y expresar su propia verdad;…

# data[].attributes.body
Una tema relevante de la vida de Frida es su exploración de la identidad. También, usabas este tema en su arte.

# data[].attributes.body
Investigué porque Frida Kahlo pintaba muchos autorretratos. Ella decía, "Pinto autorretratos porque paso mucho tiempo sola. Me pinto a mí misma, porque soy a quien mejor conozco”. Frida Kahlo pintaba autorretratos porque cuando ella estaba en su cama recuperando del accidente, ella no tenía nada más pintar. Leí eso aqui: https://www.eluniversal.com.mx/entrada-de-opinion/colaboracion/hilda-trujillo/cultura/2017/07/5/el-autorretrato-en-la-obra-de-frida/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En la producción de Frida Kahlo1 -un acervo de menor cantidad si se compara con el de otros artistas- destaca de manera singular un género: el autorretrato. No hay manera de negar que este rubro predomina en su obra. Algunas piezas de esta categoría son sugestivas en grado sumo. Aunque no necesariamente las únicas ni tampoco las mejores, sí son de las más reconocidas y las que mayor influencia han tenido en otros artistas.

Por largo tiempo se ha argumentado en distintos textos que la reiteración del autorretrato en Frida Kahlo estaba ligada a su postración en cama. No está de más recordar que la artista, cuando estudiaba hacia 1925 en la Preparatoria 1 -ubicada en el magnificente edificio jesuita de San Ildefonso-, sufrió un terrible accidente al regresar de clases a su casa en Coyoacán.

Este argumento no deja de ser cierto, pero sólo en parte. Frida misma decía: "Pinto autorretratos porque paso mucho tiempo sola. Me pinto a mí misma, porque soy a quien mejor conozco". Estas piezas son testimonio de esos días y noches interminables en cama pintándose a sí misma, gracias al famoso espejo que su madre mandó colocar en el techo de la cama que Frida utilizaba durante el día, y que hasta la fecha se puede apreciar en la Casa Azul, su museo. También se sabe, por cartas que ella escribió, de los colores y el atril proporcionados por el padre, el famoso fotógrafo Guillermo Kahlo.

Sin embargo, habría otro elemento importante a la hora de considerar este tema. En 2003, en roperos, baúles y cajones del Museo Frida Kahlo se encontraron miles de fotografías, entre las cuales se distingue una treintena de autorretratos del padre. En una de estas imágenes, Guillermo Kahlo posa desnudo, como un modelo para la realización de una escultura griega. Uno puede imaginarse la apertura mental que esta acción significa para las postrimerías del siglo XIX. El hallazgo ha dado pistas para demostrar la inclinación que el padre tenía por el género del autorretrato, y que la hija heredó.

Guillermo Kahlo idolatraba a su hija -la llamaba "la más querida"- y, por su parte, ella le correspondía en no menor medida. Su padre, un hombre amoroso, inteligente, culto y sensible, le despertó la inquietud por las ciencias y las artes. Es decir, ejerció en ella una fuerte y determinante influencia.

No debemos olvidar el origen de don Guillermo. De acuerdo con una investigación de Gaby Franger y Rainer Huhle, el fotógrafo era alemán, aunque la propia Frida le señalaba raíces húngaras-alemanas. Véase para corroborar esta afirmación el retrato que ella hace de su padre. A la manera de los exvotos en los que frecuentemente se inspiraba, la artista escribe en la parte inferior de la obra: "Pinte (sic) a mi padre Wilhelm Kahlo de origen húngaro alemán, fotógrafo de Profesión, de carácter generoso, inteligente y fino valiente, porque padeció durante sesenta años la epilepsia pero jamás dejó de trabajar y luchó contra Hitler. Con adoración, su hija Frida Kahlo".2

Más allá de los dos elementos que se han mencionado -la postración en cama y el gusto del padre por el autorretrato-, ¿qué expresa la recurrencia de este género en la producción de Frida Kahlo? ¿Se trata de un ejercicio de autocompasión? ¿Es, acaso, una muestra de narcisismo? ¿De autoanálisis? Quizá involucra todo, aunque dudo que tenga que ver con la vanidad, pues Frida Kahlo era suficientemente inteligente para permitirse la vanagloria.

Puede decirse, con mayor certeza, que estamos ante una exploración de sí misma. Hay aquí un miedo cotidiano al dolor y la muerte. De hecho, ella lo expresa mejor: "Cada tic-tac es un segundo de la vida que pasa, huye y no se repite. Y hay en ella tanta intensidad, tanto interés que el problema es sólo saberla vivir. Que cada uno lo resuelva como pueda".

Guillermo Kahlo llegó a México a probar fortuna y logró ser uno de los grandes fotógrafos de la arquitectura del país en la época de Porfirio Díaz. Al caer la dictadura, perdió el empleo y se vio obligado a dedicarse al retrato, lo que detestaba. Solía decir: "¿por qué he de retratar a gente fea?".

Kahlo padecía epilepsia y pedía a Frida ("la más inteligente de sus hijas", como la llamaba) que lo acompañase. En caso de un ataque, él requería de un asistente que cuidara la cámara y lo auxiliara en la recuperación. Este periodo de la vida de Frida le dará la experiencia y la fortaleza para no temerle a la cámara, y explicaría la actitud que exhibe en sus autorretratos, así como en los retratos que le conocemos, realizados por destacadísimos fotógrafos de la talla de Nickolas Muray, Martin Munkácsi, Lola Álvarez Bravo, Gisèle Freund, Imogen Cunningham, Bernice Kolko, Lucienne Bloch y muchos otros.

En estas imágenes, ella posa frente a la cámara, la "seduce", la reta sin recato ni miedo alguno. Sabe cuál es su mejor ángulo, sabe qué quiere expresar y qué espera de los demás, y lo hace de una manera determinante: puede vencerlo todo, incluyendo su discapacidad y su condición de mujer. Su mirada directa a la lente lo prueba: ella puede enfrentar la adversidad, al destino demoledor que abruptamente cambia sin cesar el rumbo de su vida: "una vida abierta".

Entre otros, uno de los autorretratos fascinantes de Frida es aquel en el que expresa su admiración por León Trotsky, personaje a quien con este cuadro quizá también le está haciendo un homenaje por una relación más estrecha. Frida regala al intelectual y político un autorretrato con vestido rosa y rebozo (1937), que hoy se halla en el Museo de la Mujer en Washington.

Otro ejemplo notable de esta clase de obras surge a partir de que la artista concluye su relación con Nickolas Muray. Su querido y atractivo amante ha decidido dejarla después de que vivieron juntos unos meses en Nueva York, mientras ella estaba divorciada de Diego Rivera. Ella le obsequia el autorretrato con mono y gato (1940). En el cuadro se aprecia al primate tejiéndole un collar de espinas. El rostro de Frida tiene lágrimas por la dolorosa pérdida. Hoy esta valorada obra es parte de la colección de la Universidad de Austin, Texas.

Se pueden citar todos sus autorretratos -al fin no son tantos-, pero sin duda hay unos más intensos y atractivos que otros. En cada obra hay un universo que merece ser explorado. Sólo citaré algunos a modo de ejemplo: Las dos Fridas (1939), Diego en mi pensamiento (1943), Pensando en la muerte (1943), El sueño (1939), Desnudos (1939), El corazón (1937), Autorretrato dedicado al doctor Leo Eloesser (1940).

Frida Kahlo es una de las artistas más reconocidas a nivel internacional, como muy pocas mujeres en el mundo del arte. También es un ejemplo de creatividad, de libertad, de audacia. Ella no se constriñó a atadura social alguna y eso le permitió ser ella misma hasta el límite, en todo momento. Hoy, Frida Kahlo es el ejemplo de una mujer libre, audaz, inteligente, de sobresaliente inquietud intelectual, que tuvo la entereza para desafiar la adversidad y vencer los miedos.

En nuestro tiempo, Frida es un ejemplo de fortaleza: una mujer que supo transformar el dolor en obra de arte, que supo vivir y enfrentar la vida. Así lo dicen, muy claramente, sus autorretratos.
*Directora de los Museos Diego Rivera Anahuacalli y Casa Azul 1. Coyoacán, México, 1907-1954. 2. Retrato de mi Padre Guillermo Kahlo, 1952. Obra del Museo Frida Kahlo. Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

# data[].attributes.attachment_link.title
El autorretrato en la obra de Frida Kahlo | El Universal

# data[].attributes.attachment_link.description
En la producción de Frida Kahlo1 -un acervo de menor cantidad si se compara con el de otros artistas- destaca de manera singular un género: el autorretrato. No hay manera de negar que este rubro predomina en su obra. Algunas piezas de esta categoría son sugestivas en grado sumo.

# data[].attributes.body
Después de su muerte en 1954, en los 1970s, había un movimiento de feminismo. Con este movimiento, porque ella dibujó muchas pinturas sobre el cuerpo y feminismo, ella se hizo asociado con el movimiento.

https://www.poresto.net/hiperviral/2021/7/13/como-se-hizo-famosa-frida-263222.html

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La carga emocional, los colores, el toque mexicano y la creatividad que envolvía a las representaciones de sí misma, la inmortalizaron en el mundo del arte. Foto: Internet

martes, 13 de julio de 2021 · 07:00

Frida Kahlo tomó relevancia mundial después de dos décadas tras su fallecimiento, durante los años 70 mientras Estados Unidos y Europa retomaban su imagen, gracias a varios elementos que transmitían sus obras, sobre todo el sufrimiento reflejado en sus cuadros.

Su muerte llegó a mitad del siglo, en 1954 y en los 70's surgió su despertar frente al mundo y renaciendo como todo un fenómeno que además se vio relacionado con un movimiento feminista que se desplegó internacionalmente en esta época.

Noticias Relacionadas

Las características únicas de sus cuadros, le dieron un estilo que era fácilmente reconocible en cualquier parte, entre la carga emocional, los colores, el toque mexicano y la creatividad que envolvía a estas representaciones de sí misma, la convirtieron en una artista reconocida no sólo por su pintura, sino también por su trágica historia.

Síguenos en Google News y recibe la mejor información

Su propia persona y excentricidad también hicieron que el mundo volteara a verla, pues el hecho de haberse casado con un hombre 20 años mayor que ella, su manera de vestir con elementos folclóricos de su país, resaltando la cultura mexicana, sus cejas sin depilar, entre una gran cantidad de historias sobre ciertas partes de su vida, la hicieron un ícono que incluso al día de hoy, muchas personas admiran y quieren imitar.

Noticias Relacionadas

Por otra parte, una de las piezas clave de la fama de Frida Khalo, sin duda fue su esposo Diego Rivera, quien también era uno de los artistas más reconocidos y al acompañarlo en sus viajes regulares hacia los Estados Unidos a una edad muy temprana, comenzó a darse a conocer, incluso antes de pensar en que se volvería toda una leyenda en la historia del arte y de México.

MA

# data[].attributes.attachment_link.description
martes, 13 de julio de 2021 · 07:00 Frida Kahlo tomó relevancia mundial después de dos décadas tras su fallecimiento, durante los años 70 mientras Estados Unidos y Europa retomaban su imagen, gracias a varios elementos que transmitían sus obras, sobre todo el sufrimiento reflejado en sus cuadros.