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Personagens com deficiência ganham espaço  na literatura

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Personagens com deficiência ganham espaço  na literatura

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Um livro lançado na Argentina, em 2013, chegou ao Brasil em novembro último trazendo as aventuras de três jovens: um em cadeira de rodas, outro surdo e uma menina cega.

"Agentes especiais e o mistério na fábrica de celulares", conta a história de heróis adolescentes que tiram proveito das próprias deficiências para desvendar um complicado caso que envolve a família de um deles e a exploração de pessoas que ganham implantes cocleares.

O autor é o brasileiro, Vinícius França, ator, escritor, apresentador de um programa no Disney Channel e professor de literatura no projeto "Carava das Artes". Lançada por aqui pela SESI-SP Editora, a obra tem como o objetivo principal divertir e emocionar o leitor. "Além de cumprir a função própria da literatura, ainda tenho dois desafios: o primeiro é possibilitar que pessoas com deficiência se reconheçam em personagens protagonistas, heróis, e sem nenhuma atitude vitimista ou de coitadinhos. Os jovens com deficiência precisam de referências positivas, inclusive na ficção", explica. "O outro, e de forma alguma menos importante que o primeiro, é desmistificar o olhar dos leitores em relação a essas pessoas e assim acabar com alguns preconceitos ainda existentes. São verdadeiros heróis no dia a dia, superam obstáculos enormes e poderiam contribuir muito mais com a sociedade se houvesse espaço para isso", conta o autor.

França afirma que sempre teve interesse pelo tema. Uma curiosidade que o fazia querer estar perto dessas pessoas e saber mais. "No jardim da infância, tive um amigo com Síndrome de Down, adorava aquele garoto, passava o tempo todo brincando com ele. Depois vieram os surdos que conheci no Recife/PE numa viagem, por meio da minha prima que era intérprete de Libras e percebi que precisava falar deste universo a outras pessoas que nem imaginavam o quão rico era. Quando comentava com meus amigos sobre os surdos, por exemplo, escutava comentários muito distantes da realidade, e uma curiosidade natural quando eu contava alguns acontecimentos. Percebi que muito mais gente poderia ser transformada por esse tipo de história", argumenta.

Para escrever o livro, ele se baseou em um documentário que realizou, o primeiro no Brasil sobre educação de surdos: "Este trabalho, feito na faculdade, me deu muito conhecimento sobre a surdez e as necessidades da comunidade surda brasileira. Para falar sobre os cegos e os cadeirantes pesquisei mais, pois meu conhecimento era somente de poucos contatos que havia tido com algumas pessoas", lembra.

O caso da fábrica de celulares é o primeiro a ser desvendado pelo time de detetives. O autor explica que a ideia é escrever uma trilogia com os personagens Phillip e sua cadeira de rodas, o surdo Nicolas e a cega Carla, dona do cão-guia Nex. Depois, acredita que personagens com deficiência sempre estarão em seu trabalho. "Não consigo escrever sobre personagens convencionais, loiros de olhos claros, felizes e bem sucedidos. O mundo alternativo sempre me seduziu muito mais e é o que me dá estímulo para continuar criando histórias". O livro está à venda em livrarias e no site: www.sesispeditora.com.br.
Audiolivro conta história de jovem cega

Thati conta a história de Lana, que fica cega depois de um grave acidente com o namorado, Lucas. Destinada a ultrapassar todos os obstáculos que a vida lhe impõe, ela ingressa na Companhia Raoul de Teatro - com a ajuda de seu irmão - sem que saibam de sua deficiência. Seus companheiros de trabalho parecem não facilitar a vida da moça, principalmente Arthur, que interpreta seu par romântico na peça. Lana vai descobrir que uma vida sem luz ainda pode lhe oferecer tudo que uma garota sempre sonhou. E que as aparências sempre enganam.

A autora está acostumada a fugir do padrão: com sistema imunológico autoimune, ela luta contra as doenças que podem atingi-la caso coma algo que possa infectá-la. Mesmo assim tem sobrepeso, o que a faz militar contra o preconceito sofrido por pessoas gordas. Com Lana, a autora trata sobre como os cegos são vistos pela sociedade. Ao escrever sobre estes temas, Thati trabalha a questão da representatividade e muitos acabam se identificando e se auto-reconhecendo nos personagens e descobrem que podem ser felizes. O livro foi narrado pela própria autora, com participação do ator e narrador Adriano Pelegrini. A plataforma está disponível para Web, iOs, Android e Windows Phone. Mais informações em: www.ubook.com.
Pedroca, o menino que sabia voar
O livro de Karolina Cordeiro, articulista da Revista Reação, e do ilustrador Jótah (José Roberto de Carvalho) está pronto para ser lançado. Na vida real, o filho dela, Pedro, tem a Síndrome de Aicardi-Goutières e o texto fala sobre o poder da imaginação e da criatividade dele. A ideia é mostrar como a vida pode ser bela dependendo da forma como a enxergamos e ninguém melhor que o Pedroca para dar exemplo disso.
Qual o limite da mente de uma criança que não fala, não anda, não se movimenta ?
Ao mesmo tempo, seus olhos demonstram luz, cor e alegria ao imaginar figuras imagináveis e inimagináveis. O livro é voltado especialmente para as escolas. Acompanha encarte sugerindo atividades em sala de aula, com desenvolvimento de trabalho manual com papéis coloridos, buscando estimular o "olhar que não se vê", demonstrando que, na diversidade, é possível enxergar potencialidades e talentos dos alunos. Os autores articularam um esquema de venda antecipada (R$ 30) para financiar a finalização da obra. Mais informações pelo site: www.projetoangelhair.com.br
Grito Silenciado: conceitualizações de Violência na Comunidade Surda
Um livro que fala sobre Libras - Língua Brasileira de sinais, principalmente no processo de língua oral, no caso, a tradução da língua portuguesa para a língua de sinais enfocando a temática da violência sob a perspectiva do próprio sujeito Surdo. O interesse por esta temática surgiu do envolvimento do autor - Nilton Câmara - desde 1998 com a Comunidade Surda e pessoas com deficiência, enquanto Intérprete de Libras e facilitador da inclusão e acessibilidade em nossa sociedade. Estudos como este servem de apoio para educar as pessoas a respeito da violência vivenciada por deficientes, bem como, demonstrar o que pode ser feito por uma variedade de agentes intervenientes, como, por exemplo, Governo e Prefeituras, provedores de serviços, sociedade civil e associações de pessoas com deficiência de modo geral, para acabar e/ou diminuir com a violência contra a pessoa surda, motivando agências que lidam com violência para que incluam a prevenção da violência contra os deficientes em seu trabalho, e de incentivarem as pessoas com deficiência para se protegerem contra os variados atos de violência.

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Personagens com deficiência ganham espaço na literatura

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Um livro lançado na Argentina, em 2013, chegou ao Brasil em novembro último trazendo as aventuras de três jovens: um em cadeira de rodas, outro surdo e uma menina cega.

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De volta com a série Cenas Inesquecíveis para falar de um filme especial e de grande significado para mim. Trata-se de uma obra que mostra o pior lado do ser humano, mas também o que de melhor temos dentro de cada um de nós. Falo de A Lista de Schindler (Schindler's List, 1993), obra-prima incontestável dirigida pelo mestre Steven Spielberg ( Lincoln).

O longa conta a trajetória real de Oskar Schindler (Liam Neeson), um alemão que enxergou na mão-de-obra judia uma solução viável e barata para abrir uma fábrica durante a 2ª Guerra Mundial. O que a princípio era puro interesse pessoal, acabou transformando-se em uma das maiores histórias de amor para com um semelhante já conhecida. Utilizando-se das facilidades que tinha como industriário e de sua boa relação com o partido nazista, Schindler gastou toda sua fortuna para "contratar" mais de mil judeus, salvando-os do extermínio promovido pelos alemães.

Escolhi para esse post a famosa cena da garotinha de vermelho. Oskar esta cavalgando, em um momento de lazer, quando se depara com uma invasão do exército nazista a um dos guetos judeus, presenciando parte das crueldades que eram cometidas ali. Em meio ao caos, ele enxerga uma garotinha, de vermelho, destacada da fotografia em preto e branco. A cena marca um ponto de virada na trama, simbolicamente mostrando o momento em que Schindler se deparou com a realidade que, de certa maneira, compactuava.

Se você ainda não assistiu A Lista de Schindler, saiba que é uma obra como poucas, difícil de se assistir, justamente por retratar um momento negro da história da humanidade, mas, ao mesmo tempo, assistir ao filme é importantíssimo, pois nos faz lembrar que coisas assim não podem acontecer novamente. É nosso papel impedir que aconteça novamente. Nunca mais.

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Cenas Inesquecíveis | A Lista de Schindler

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De volta com a série Cenas Inesquecíveis para falar de um filme especial e de grande significado para mim. Trata-se de uma obra que mostra o pior lado do ser humano, mas também o que de melhor temos dentro de cada um de nós.

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Arte-educadora, fotógrafa e artista visual

Forrest Gump, o Contador de Histórias (com título original Forrest Gump) é um filme norte-americano que marcou fortemente a década de 90, se tornando um grande sucesso de crítica e alcançando diversos prêmios.

Dirigido por Robert Zemeckis, a produção teve estreia em julho de 1994 e trouxe o ator Tom Hanks como o protagonista Forrest, um homem um tanto quanto limitado intelectualmente e que vive as mais incríveis situações.

Importante dizer que a história foi inspirada no livro homônimo Forrest Gump, de Winston Groom, lançado em 1986.

Sinopse e trailer

A narrativa se passa nos EUA e conta sobre a vida de Forrest Gump desde sua infância até a fase adulta.

Forrest é um menino que apresenta um modo diferente de enxergar o mundo e relacionar-se com as pessoas. Por conta disso, todos o apontam como um "idiota".

Apesar disso, ele sempre se considerou esperto e capaz, pois sua mãe o educou para ter autoconfiança e nunca deixar que os outros o convencessem de que ele era um inútil.

Assim, o garoto cresce cultivando seu "bom coração" e ingenuidade, e acaba envolvendo-se involuntariamente em momentos marcantes da história dos EUA.

Uma personagem importante também é Jenny, seu grande amor. A jovem, que o conheceu ainda criança, teve uma infância complicada, o que se reflete em sua vida.
(Atenção, o artigo contém spoilers!)
Trailer de Forrest Gump

Resumo e análise

O início do filme

A trama se inicia com a imagem de uma pena branca sendo levada pelo vento e delicadamente pousando aos pés de Forrest, que está sentado no banco de uma praça.

Aqui podemos interpretar essa pena como um símbolo da vida do próprio personagem, que se deixa levar pelas circunstâncias, sendo conduzido apenas por seu desejo de fazer o bem.

Cena inicial do filme, em que Forrest pega um pena que caiu aos seus pés

O homem tem nas mãos uma caixa de chocolates e oferece um bombom a cada desconhecido que se senta ao seu lado, inciando então uma conversa a fim de relatar uma passagem de sua vida.

Nesse primeiro momento é quando ele cita uma frase de sua mãe que será lembrada em outras ocasiões: "A vida é como uma caixa de bombons, você nunca sabe o que vai encontrar." Com esse pensamento, podemos deduzir que muitos fatos surpreendentes virão.

Dessa forma, a história começa a ser narrada em primeira pessoa, com o próprio protagonista contando sua trajetória desde a infância.

A infância e adolescência de Forrest Gump

Quando garoto, Gump foi diagnosticado com problemas de mobilidade e por conta disso usava um aparelho nas pernas que dificultava seu caminhar.

Além disso, tinha um QI abaixo da média e era bastante ingênuo, compreendendo as situações à sua volta de uma maneira bem peculiar.

No filme não se sabe exatamente qual é a limitação de Forrest, mas hoje em dia, analisando sua personalidade, pode-se especular que seria um tipo de autismo, como a síndrome de Asperger.

Forrest vive em uma pacata cidade no interior dos EUA com a mãe, que cuida do filho sem ajuda de ninguém, sendo o que convencionou-se chamar de "mãe solo".

A mãe é muito determinada em proporcionar condições boas para o menino e está sempre encorajando-o e incentivando sua auto-estima, o que se reflete em toda a sua vida.

É ainda na infância também que Forrest conhece sua amiga Jenny. Ela se torna a única companhia do menino e mais tarde vem a ser seu grande amor. A menina tem uma infância bastante cruel, com um pai abusador, e vê nessa amizade uma espécie de consolo.

Em dada ocasião Jenny o incentiva a correr de uns meninos que cometiam "bulling". Ele, com o aparelho nas pernas, inicia uma fuga que se transforma em uma corrida muito veloz. Assim, Forrest vence essa limitação e descobre seu potencial para correr.

O ouvir de Jenny "Corre, Forrest, corre", o garotinho consegue se libertar de seu problema de locomoção

Por conta dessa nova aptidão, mais tarde Gump é escalado para integrar o time de futebol americano de sua escola e depois a Universidade do Alabama.

Forrest na Guerra do Vietnã

Como curso natural dos acontecimentos, posteriormente ele é convocado a integrar o exército e vai para Guerra do Vietnã.

Lá, se torna amigo de Bubba, um colega negro que aparenta ter também alguma limitação intelectual e tinha fixação com camarões, tanto a pesca do crustáceo quanto as receitas que podem ser feitas com ele. Assim, os dois decidem que depois de liberados vão comprar um barco e pescar camarões.

Entretanto, Bubba é ferido na guerra, e mesmo com os esforços de Gump para socorrê-lo, morre em campo de batalha. É nesse confronto que o protagonista consegue salvar a vida do Tenente Dan, que termina por perder as pernas e revolta-se, pois acredita que seu destino era a morte.

Cena de Bubba ferido na Guerra do Vietnã

Gump também se fere e passa um tempo em recuperação, quando começa a treinar tênis de mesa como passatempo. Ele fica tão bom no esporte que consegue competir e vencer de grandes tenistas chineses. Por isso ganha dinheiro e fama.

Mais tarde, se envolve um em comício contra a guerra e lá encontra-se novamente com o Tenente Dan e com Jenny. Dan estava arrasado e deprimido.

Já Jenny, depois de afastar-se de Gump, ligou-se ao movimento hippie. Os dois passam alguns momentos juntos e pode-se perceber os rumos completamente distintos que suas vidas tomam.

Forrest e a pesca de camarão

Forrest decide então dar continuidade aos planos do amigo Bubba e compra um barco para pescar camarão junto com Tenente Dan. No início da empreitada nada dá certo.

Até que ocorre uma forte tempestade e os dois quase morrem, mas com a calmaria novamente, vem também muitos camarões nas redes de pesca.

Forrest deu o nome de "Jenny" ao seu barco

Assim, eles abrem um restaurante e ganham muito dinheiro, que investem na recém criada empresa de tecnologia Apple, o que rende ainda mais dinheiro.

Forrest corredor

Desiludido e sem saber o que fazer depois que Jenny recusa seu pedido de casamento, Forrest decide começar a correr. Ele simplesmente se levanta de uma cadeira na varanda, veste um boné e sai correndo por todo os EUA durante três anos e meio.

Aos poucos as pessoas começam a se perguntar o porquê dessa atitude e passam a segui-lo, tentando encontrar respostas como se ele fosse um líder ou espécie de guru. Entretanto, quando questionado sobre sua intenção, ele apenas diz: "Só me deu vontade de correr".

Aqui podemos perceber claramente como o protagonista age de forma espontânea, sem pensar muito em suas motivações, seguindo apenas seu impulso.

A tendência em nossa sociedade é acharmos que esse tipo de comportamento não leva a nenhum lugar, mas como Forrest sempre se guiou por sua vontade de ajudar os outros e por seus próprios desejos, acaba chegando a lugares inimagináveis e alcançando fama e estabilidade financeira.

Forrest Gump passa mais de três anos correndo pelos EUA e atrai uma multidão de seguidores

O casamento com Jenny e o desfecho da história

Um pouco antes de retornar da longa viagem, Forrest encontra-se com Jenny e ela lhe apresenta seu filho, fruto da única relação que tiveram anos antes.

Os dois conseguem se acertar e se casam em uma cerimônia em meio à natureza. Entretanto, o casamento dura pouco, pois Jenny estava muito doente e morre pouco depois.

Na trama não fica claro qual era a enfermidade dela, mas subentende-se que era hepatite C ou HIV.

Assim, Gump assume a responsabilidade de cuidar de seu filho, Forrest Gump Junior, um menino muito esperto, ao contrário do que temia seu pai.

Na cena final, o protagonista está sentado com o filho esperando o ônibus escolar e vemos que há uma pena branca em seu pés. A pena é levada pelo vento e sai flutuando, como na primeira cena. Podemos perceber assim que o ciclo se conclui.

Outras considerações

É interessante perceber como a história de Forrest Gump se entrelaça com a história de seu próprio país. O personagem, com seu jeito ingênuo, mas com muitas habilidades, envolve-se involuntariamente em vários fatos históricos norte-americanos.

Para tanto, a produção contou com um trabalho primoroso de efeitos visuais, o que permitiu que a imagem do ator fosse inserida em cenas marcantes da trajetória dos EUA.

Dessa forma, Forrest conheceu Jonh Lennon, os Pantera Negras, três presidentes, além disso, investiu na Apple, participou da Guerra do Vietnã, entre outros acontecimentos.

Podemos concluir que Forrest foi um sujeito sem grandes ambições, mas mesmo assim conquistou o mundo. Já Jenny, que tinha sede de liberdade e queria muito da vida, pouca coisa alcançou.

O filme ainda nos leva a questionar até que ponto as nossas escolhas determinam as nossas vidas, pois ao fazermos escolhas não temos noção de onde esses caminhos nos levarão.

Tom Hanks como Forrest Gump

Antes de Tom Hanks ser convidado para o papel, os atores John Travolta, Bill Murray e John Goodman foram chamados, mas não aceitaram o convite.

O ator é apenas dez anos mais novo que Sally Field, que interpreta sua mãe, mas o trabalho de caracterização ficou tão bom que convenceu o público.

Outra curiosidade envolvendo o astro de Hollywood é o fato dele ter ajudado o diretor a arcar com os custos de uma cena importante no longa, quando Forrest cruza o país correndo.

Tom Hanks foi tão essencial para o sucesso do filme, interpretando com sensibilidade e verdade, que ganhou o Oscar de melhor ator no ano seguinte.

O livro que inspirou o filme

A história de Forrest já havia sido escrita alguns anos antes do filme, quando em 1986, o romancista Winston Groom publicou o livro com o mesmo nome do filme.

Na obra literária, porém, o protagonista apresenta características bastante distintas das que foram evidenciadas no Forrest da trama audiovisual, em que o personagem é mais "certinho", não usa drogas, não fala palavrão e não faz sexo.

Além disso, no livro, Forrest tem mais consciência de sua condição intelectual e não é tão infantilizado, sendo inclusive muito bom em matemática e na música.

Algumas passagens que estavam presentes no livro não foram adaptadas na produção de Robert Zemeckis e outras cenas que não faziam parte do livro foram criadas para o filme.

Por conta dessas alterações na trama e também por conflitos financeiros, houve desavenças entre o autor do livro e os responsáveis pela produção cinematográfica. Tanto que Winston Groom não foi citado em nenhum discurso nas diversas premiações que o filme recebeu.

Ficha técnica e cartaz

Diretor

Robert Zemeckis

Baseado em

Forrest Gump (1986), livro de Winston Groom

Gênero

drama com toques de comédia

Elenco

Tom Hanks
Robin Wright
Gary Sinise
Mykelti Williamson
Sally Field

Prêmios

6 Oscars em 1995, incluindo as categorias: filme, diretor, ator, roteiro adaptado, edição e efeitos visuais.
Globo de Ouro (1995)
BAFTA (1995)
Prêmio Saturo (1995)

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Produção dirigida por Danny Boyle, Yesterday é uma carta de amor ao Quarteto de Liverpool sem a presença de John, Paul, Ringo e George

Pedro Antunes Publicado em 01/09/2019, às 12h00 - Atualizado em 21/12/2022, às 11h19

Pôster de 'Yesterday', com Himesh Patel (Foto: Divulgação)

Yesterday (2019) é uma carta explícita de amor aos Beatles. Derrama doçuras a cada minuto, a cada referência, a cada música apresentada. Danny Boyle ( Trainspotting), o diretor, faz um trabalho artesanal de dedicar cada ângulo, figurino, escolha de palavras à Paul McCartney, John Lennon, e Ringo Starr.

, o filme dos Beatles sem os Beatles, é feito para adultos chorarem. E também nos ajuda a festejar que os Beatles não existem nos dias de hoje. E, calma lá, isso não quer dizer que a obra do grupo de Liverpool deveria ser esquecida ou completamente apagada da existência, tal qual na mirabolante história contada por Boyle no filme que chegou recentemente aos cinemas brasileiros. Longe disso.
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Mas, antes, é importante entender do que trata . O filme apresenta Jack Malik (divertidamente vivido por Himesh Patel), um músico frustrado que, depois de mais um show para meia dúzia de gatos pingados, decide abandonar a carreira artística. Até que ocorre um apagão em escala global (sem qualquer explicação sobre o seu motivo), ele é atropelado por um ônibus e, quando retoma a consciência, percebe que vive em um mundo no qual os Beatles realmente não existiram.

Boyle é inteligente e ágil a mostrar como Malik, aos poucos, descobre que uma busca no Google pelo nome da banda resulta somente em artigos científicos sobre besouros e percebe como a sociedade tem ligeiras diferenças da qual vivia até pouco tempo antes - talvez a melhor notícia do desaparecimento dos Beatles sejam também a inexistência do Oasis, mas isso é motivo para outro texto.
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Malik decide, não tão benevolente quanto ele se engana a ser, gravar canções dos Beatles como se fossem dele. Em pleno 2019, ele canta músicas como "Back To U.S.S.R.", criada quando ainda existia uma União Soviética, curiosamente. Também quebrou rachou o coco para lembrar todos os versos da melancólica "Eleanor Rigby", e viajou até Liverpool para se "inspirar" nos lugares reais retratados em canções dos Beatles, como a avenida Penny Lane e os Strawberry Fields e tal.

As músicas dos Beatles são apetitosas em qualquer momento do espaço e do tempo, por isso eles são considerados a maior banda de todos os tempos (guardem seus chiliques para depois, fãs de Led Zeppelin, Rolling Stones ou de qualquer outra banda gigante que também transformou o rock). Difícil, mesmo, é vê-las construídas e consumidas pelo tempo no qual vivemos.
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Sim, estou falando do estado da música - e, ei, esse não é um tratado virginal sobre como era o mercado nos anos 1960 ou coisa do tipo. Os Beatles só se tornaram os Beatles porque eles entraram no jogo, na máquina de fazer dinheiro, adotaram o pop antes de romperem com tudo na segunda metade da década. Fizeram toneladas de dinheiro (gastaram boa parte dele, também, é verdade, em péssimas decisões financeiras) e deram um novo tamanho para o fanatismo com a Beatlemania. Mas havia algo mais verdadeiro ali, de certa forma.

Em dado momento, mostrado no trailer e, portanto, não pode ser considerado spoiler, Ed Sheeran se intromete no processo de composição de Malik de "Hey Jude". Por pressão do astro pop, da empresária toda-poderosa e da indústria, a canção se transforma em "Hey Dude". Risos nervosos, eu sei.
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Acontece que o mercado fonográfico passou por intensas transformações, principalmente na chegada da era digital, e nenhum (nenhum mesmo!) passo é dado dentro dessa indústria mainstream sem o apoio de time enorme de marketing, redes sociais, branding, entre outros termos pavorosos.

São cenas angustiantes nas quais Malik é questionado sobre suas opções de figurino (sempre inspirado nas roupas usadas pelos Beatles) ou tem as ideias dele para capa do álbum de estreia dilaceradas (também inspiradas em imagens icônicas, como dos discos Abbey Road, White Album, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band e por aí vai).
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Para quem perdeu a fé na honestidade da música pop, ver os Beatles dilacerados por essa indústria é aterrorizante, de fato. Possivelmente, se fossem lançados hoje, os Beatles certamente não teriam alcançado o patamar atingido quando a banda chegou ao fim, em 1970. Provavelmente jamais teriam saído da fase inicial, de hits fáceis e de refrãos cantaroláveis sobre segurar a mão da pessoa amada.

O certo é que não existe - dentro dessa música pop mainstream, é bom sempre lembrar - a espontaneidade musical e artística, embora há quem acredite nela, tal qual acredita em Papai Noel, Coelhinho da Páscoa e no choro dos integrantes do BTS a cada novo show para estádios lotados.
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O que mostra é que os Beatles foram gestados por um momento muito específico da história, quando o rebelde e artisticamente arisco John Lennon montou sua primeira banda, formou uma parceria de vida com Paul McCartney e viu as chegadas do novinho George Harrison e do bom baterista Ringo Starr.

Os Beatles tomaram o mundo porque, explique como quiser, era o momento perfeito para a sua existência. O mundo (e os Estados Unidos) estava de braços abertos para a euforia inicial, abertos às experimentações, entregues às pirações estética-sonoras do fim.
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É claro que há buracos em Yesterday na forma como o mundo é hoje sem a existência do Quarteto de Liverpool, porque a indústria não seria como a conhecemos se Paul, John, Ringo e George não tivessem passado aqueles anos 1960 juntos, fazendo música e brigando muito por elas também. Mas isso é fácil deixar passar, tudo bem.

é uma emocionante viagem por um universo interessante no qual conhecemos parte dele, mas não completamente. Nele, não existe Coca-Cola, nem cigarros!, mas a vida segue praticamente igual à nossa. Cada nova música dos Beatles apresentada por Malik é um convite à descoberta de novos sabores para as mesmas.
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E a verdade é que a vida seria imensamente menos fascinante se os Beatles não tivessem existido e, suas canções, viessem de um cantor solo, amparado por um time de especialistas de comportamento de consumidores da música por streaming, cujo único disco solo une cronologicamente músicas "I Want Hold Your Hand" e "She Loves You" a "Nowhere Man" e "The Long & Winding Road", como se fossem todas da mesma safra. O mundo seria realmente terrível, mesmo, se os estádios cantassem, a plenos pulmões, "hey, duuuuude".
*Pedro Antunes é editor-chefe da Rolling Stone Brasil, chorou duas vezes ao assistir Yesterday e depois disso voltou a ouvir os discos dos Beatles copiosamente

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Filme Yesterday mostra que, ainda bem, os Beatles não existem mais [ANÁLISE]

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Produção dirigida por Danny Boyle, Yesterday é uma carta de amor ao Quarteto de Liverpool sem a presença de John, Paul, Ringo e George Pedro Antunes Publicado em 01/09/2019, às 12h00 - Atualizado em 21/12/2022, às 11h19 Yesterday (2019) é uma carta explícita de amor aos Beatles .

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Dirigido por Guel Arraes. Com: Mattheus Nachtergaele, Selton Mello, Rogério Cardoso, Lima Duarte, Diogo Vilela, Denise Fraga, Paulo Goulart, Luis Mello, Marco Nanini, Maurício Gonçalves e Fernanda Montenegro.
Sempre fui fascinado por O Auto da Compadecida, um dos mais brilhantes textos já produzidos por um autor brasileiro. Minto: um dos mais brilhantes textos já produzidos, e ponto. Na verdade, tenho a mais absoluta convicção de que, se tivesse sido escrito por um dramaturgo de língua inglesa, este auto logo se tornaria uma das narrativas mais encenadas (e filmadas) da história. Infelizmente, o preconceito e a limitação imposta por obras produzidas em português são grandes. Se não fosse assim, Suassuna seria nosso Shakespeare - e O Auto da Compadecida, seu Romeu e Julieta (apesar do tom farsesco ser mais facilmente comparável a Sonhos de uma Noite de Verão).

A trama gira em torno de uma dupla de pobre-coitados, João Grilo e Chicó, que é obrigada a fazer de tudo para conseguir ganhar seu sustento. Para sorte de Chicó, Grilo é um sertanejo extremamente inteligente (pelo menos, no que diz respeito a conseguir o que precisa) e possuidor de uma presença de espírito inigualável. Para sorte de Grilo, Chicó é um sertanejo ingênuo, mas confiante - e o mais importante: está sempre disposto (mesmo sob protestos) a participar dos esquemas mirabolantes armados pelo amigo. A verdade é que não há praticamente nenhum objetivo que esteja fora do alcance de João Grilo: de padre a major, ele é capaz de enganar qualquer um.

Assim, quando o Padeiro da pequena cidade de Taperoá resolve contratar `dois ajudantes pelo preço de um`, Grilo não leva muito tempo para convencê-lo a contratar `quatro pelo preço de dois`. Pouco tempo depois, é a vez do Padre ser enganado: agora, o maniqueísta nordestino arranja uma forma de levá-lo a benzer a cachorrinha de sua patroa - e até mesmo a enterrá-la `em latim`. No entanto, as coisas começam a se complicar um pouco mais quando João Grilo resolve arrumar uma maneira de levar o amigo Chicó a se casar com a bela Rosinha, filha de um autoritário e violento Major. Some-se, a isso, um iminente ataque de cangaceiros, e o cenário está montado.

O texto de Ariano Suassuna atinge tantos níveis de interpretação que torna-se verdadeiramente impossível cobrir todas as nuanças de sua obra em um único artigo. O grupo de personagens criado por ele não é apenas maravilhosamente divertido; é, também, hábil ao representar praticamente todos os principais grupos sociais de um país notório por suas contradições neste âmbito: temos a pequena burguesia (o Padeiro e sua esposa; o clero (Padre João e Bispo; o poder político (o Major; e, é claro, a população predominantemente pobre e servil (João Grilo e Chicó). O Auto da Compadecida não é, portanto, apenas uma farsa divertida, mas um grande retrato crítico de nossa sociedade e das hipócritas relações estabelecidas entre seus membros (onde há uma grande diferença entre benzer a cachorrinha de um padeiro e a de um major, por exemplo).

Felizmente, a adaptação escrita por Guel Arraes, Adriana Falcão e João Falcão é hábil ao captar a `alma` da peça de Suassuna - e mesmo os cortes feitos na trama (senti falta do gato que descomia moedas) são corretos e não comprometem o espetáculo. É claro que, sendo montado a partir de uma versão produzida para a televisão, o filme ocasionalmente demonstra sua origem na falta de enquadramentos interessantes (boa parte do segundo ato se resume a planos e contra-planos), mas a história flui de maneira tão gostosa que isso se torna um mero pecadilho.

Mattheus Nachtergaele e Selton Mello, como João Grilo e Chicó, estabelecem uma química irresistível, que nada deixa a dever às grandes duplas cômicas do cinema, como Stan Laurel e Oliver Hardy ou Oscarito e Grande Otelo. As composições individuais de Nachtergaele e Mello, aliás, são formidáveis: enquanto este último cria um tipo de fala mansa, quase preguiçosa, o primeiro nos oferece um Grilo de olhos vesgos e ar de tonto (algo que realça ainda mais a inteligência do personagem ao torná-lo aparentemente `inofensivo`). Marco Nanini, por sua vez, desaparece sob a pele do violento cangaceiro Severino de Aracaju, numa grande composição. Na verdade, sou obrigado a ressaltar a homogeneidade do elenco, já que todos têm a oportunidade de se destacar em algum momento da trama (o capanga vivido por Enrique Diaz é um bom exemplo).

Infelizmente, a produção foi negligente ao se esquecer de que alguns defeitos menores, invisíveis na pequena tela de televisão, são escancarados na imensa tela do cinema. Assim, a maquiagem do Diabo interpretado por Luis Mello, aceitável para uma série de TV, causa má impressão na versão cinematográfica - e sua voz `distorcida`, idem. Para sorte de Arraes, no entanto, tais equívocos, que provocariam constrangimento em outras obras, acabam sendo absorvidos pelo tom teatral do texto de Suassuna - o que evita o vexame. Mais difícil de perdoar são os enquadramentos falhos, que acabam cortando a cabeça dos atores em várias cenas.

Seja como for, é realmente uma pena que O Auto da Compadecida não possa representar o Brasil no Oscar 2001, já que a Academia proíbe a inscrição de filmes que tenham sido exibidos na televisão antes de chegarem aos cinemas. De todo modo, creio que estaremos muito bem representados com - mas devo confessar que, no fundo, eu gostaria de ver a colossal obra de Ariano Suassuna encantando americanos e ingleses e mostrando a estes que nosso país também tem seu Shakespeare.

1o. de Outubro de 2000
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O Auto da Compadecida | Cinema em Cena - www.cinemaemcena.com.br

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Dirigido por Guel Arraes. Com: Mattheus Nachtergaele, Selton Mello, Rogério Cardoso, Lima Duarte, Diogo Vilela, Denise Fraga, Paulo Goulart, Luis Mello, Marco Nanini, Maurício Gonçalves e Fernanda Montenegro. Sempre fui fascinado por O Auto da Compadecida, um dos mais brilhantes textos já produzidos por um autor brasileiro.

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Gênero: Drama

Direção: Walter Salles

Roteiro: Marcos Bernstein, João Emanuel Carneiro, Walter Salles

Elenco: Fernanda Montenegro, Marília Pêra, Vinícius de Oliveira, Soia Lira, Othon Bastos, Otávio Augusto, Stela Freitas, Matheus Nachtergaele, Caio Junqueira

Duração: 110 minutos

Da dificuldade de comunicação ao afeto. Esse é o caminho trilhado por Central do Brasil. O filme conta a história de Dora, uma professora aposentada que complementa a sua renda escrevendo cartas na estação Central do Brasil, e Josué, um menino que acabara de perder a mãe e procura pelo pai que não conheceu. Na atualidade informatizada, imersa no mundo da internet, talvez o filme não faria muito sentido, uma vez que todos se procuram e se encontram online.

Mas não faz porque a realidade é outra. Porque os abismos sociais ainda são os mesmos e, ainda que o índice de alfabetização tenha aumentado, ainda há uma grande parcela da população que não sabe ler e escrever, assim como não são todos que tem o acesso à tecnologia. No filme, esse papel de comunicabilidade cabe à amargurada Dora, representante de outras classes menosprezadas pelo governo neoliberal que impera por aqui: professores e aposentados.

Central do Brasil faz sua crítica à exclusão na contradição das duas personagens protagonistas. Se ambas se igualam no lugar da solidão, se diferenciam no modo como querem viver as próprias vidas. Enquanto Dora é alguém que desistiu e se entregou, permitindo a corrosão do próprio caráter, Josué é cheio de esperanças, enxerga a vida com otimismo e carrega consigo a marca da delicadeza, até mesmo quando não está bem.

E nesse choque entre as diferenças que um começa a modificar o outro. Se a escrevinhadora de cartas não se importava com as pessoas que supostamente ajudava, com sua gaveta de cartas não enviadas e o lixo cheio de outras que ela achava que não mereciam ser postadas, agora tem que cuidar de um menino que apareceu em sua vida e ajudá-lo em sua jornada. O roteiro de Marcos Bernstein e João Emanuel Carneiro pontua diferenças com a presença de Irene, alguém como Dora, mas que não desistiu e tem em si muitas das características de Josué, e com a dupla de irmãos Isaías e Moisés, um reencontro com a desilusão e a esperança que antes representavam os dois protagonistas.

Em sua construção, Walter Salles possibilita a transmutação da realidade em ficção e, porque não dizer, também o inverso. São participações que se confundem na opção pelo realismo, sem nunca abandonar totalmente o tom documental. Seja na identificação das cartas-depoimento ou na própria credibilidade dos personagens que cria e entrega para um elenco competentíssimo, o diretor sabe que caminho trilhar.

E fica mais fácil para ele quando tem uma Fernanda Montenegro em estado de graça, talvez em sua melhor atuação no cinema, e sua química perfeita com o jovem Vinícius de Oliveira, um ex-engraxate descoberto pelo próprio Walter. Complementam o elenco, nas já citadas pontuações, Marília Pêra, Matheus Nachtergaele e Caio Junqueira, além de Othon Bastos e Otavio Augusto, em papéis complementares.

Além de toda a profundidade dos personagens, a abordagem e as atuações, o filme é de um acerto estético impressionante. A fotografia de Walter Carvalho vai clareando e abrindo espaço ao sair do tumulto escuro da capital e encontrar a vastidão empoeirada das entranhas do Brasil, representa não só a transformação de Dora, como o próprio país, em suas dicotomias e contradições. A bem empregada trilha musical de Jaques Morelenbaum e Antonio Pinto e a montagem precisa de Felipe Lacerda e Isabelle Rathery dão ritmo à jornada.

Ainda que apoiado no passado, Central do Brasil mantém-se atual. Lançado em 1998, ainda é um retrato de um Brasil enorme que faz questão, e agora mais do que nunca, de manter a separação e a exclusão, onde realidades são diametralmente opostas, maior parte da população é menosprezada e as oportunidades são para poucos.

Um Grande Momento:
Josué correndo no meio da procissão.

https://www.youtube.com/watch?v=xmMR46HsaBc

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Gênero: Drama Direção: Walter Salles Roteiro: Marcos Bernstein, João Emanuel Carneiro, Walter Salles Elenco: Fernanda Montenegro, Marília Pêra, Vinícius de Oliveira, Soia Lira, Othon Bastos, Otávio Augusto, Stela Freitas, Matheus Nachtergaele, Caio Junqueira Duração: 110 minutos Da dificuldade de comunicação ao afeto. Esse é o caminho trilhado por Central do Brasil.

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Está tudo mundo em choque, jornais no mundo inteiro e aqui no Brasil estão noticiando a trágica morte de Robin Williams, veja aqui.

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Mas não viemos aqui para falar disso, queremos prestar nossa homenagem postando o trecho final do filme sensacional John Keating, que com seu talento e sabedoria, inspira os seus alunos a perseguir as suas paixões individuais e tornar as suas vidas extraordinárias. No entanto, ainda que tentando seguir a máxima latina de "Sociedade dos Poetas Mortos", que acredito que a maioria de vocês tenham visto. Onde ele fez o papel do professor de poesia nada ortodoxo Carpe Diem, uma tragédia acaba por se abater sobre todos eles. Metaforicamente, um dos personagens principais, Neil Perry, é constantemente impedido de fazer o que deseja da sua vida (representar numa peça de teatro ou escrever num jornal, por exemplo) devido aos projetos que o seu pai tem para ele. Ele então se suicida. Revejam a cena final, onde todos os alunos da Sociedade, fazem sua última homenagem ao estimado professor interpretado brilhantemente por Robin Williamns.

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Relembre a cena antológica do filme "Sociedade dos Poetas Mortos" com Robin Williams | Razões para Acreditar

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Está tudo mundo em choque, jornais no mundo inteiro e aqui no Brasil estão noticiando a trágica morte de Robin Williams, veja aqui. PUBLICIDADE CONTINUE LENDO ABAIXO Mas não viemos aqui para falar disso, queremos prestar nossa homenagem postando o trecho final do filme sensacional John Keating, que com seu talento e sabedoria, inspira os seus alunos a perseguir as suas paixões individuais e tornar as suas vidas extraordinárias.

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Assisti ao filme 12 Anos de Escravidão em casa, acredito que umas três semanas atrás, mais, talvez, comecei esta resenha não sei quando, mas já faz um bom tempo. Em condições normais, eu assistiria ao filme no cinema, na verdade, estaria assistindo todos os filmes que pudesse no cinema. Infelizmente, não posso, assim, ou baixo da internet, ou só vou assistir ao filme sei lá quando. Espero que a informação não lhe incomode ao ponto de não ler o meu texto. Também, já vou me desculpando, porque vou transbordar para outras obras e personagens, afinal, não tem como não fazer referência à Escrava Isaura, a Luís Gama, ao filme Band of Angels e à E o Vento Levou. É preciso dialogar com eles para que eu consiga falar de 12 Anos de Escravidão. Dito isso tudo, vamos lá!

Fiquei sabendo da produção do filme 12 Anos de Escravidão há vários meses, acredito que tenha sido por causa do Benedict Cumberbatch, algum site de fãs do ator falou da produção. Fiquei interessada prontamente, e a história de Solomon Northup me pareceu digna de ser filmada. Como não tinham pensado nisso antes? Em resumo, sua história é a seguinte, o protagonista nasceu livre, filho de um escravo alforriado e de uma negra livre. Northup era capinteiro competente e constantemente contratado para tocar violino em festividades diversas. Casado com uma cozinheira de renome, residia em Saratoga com a esposa e dois filhos. Um dia, em 1842, quando a esposa estava fora da cidade a trabalho, Northup aceita fazer o mesmo, iria até Washington, capital dos EUA, trabalhar como músico por duas semanas. Chegando lá, seus dois contratantes o drogam e o vendem como escravo. Sim, simples assim.

Quando acorda, Northup ainda está em Washington, mas, agora, era parte do enorme grupo homens e mulheres negras traficados dentro dos EUA, gente que tinha sua identidade mudada, que, de repente, se tornava propriedade de alguém. Não adiantava dizer que era livre, não havia a quem recorrer e cada negativa da condição de escravo era retribuída com surras atrozes. Enviado para nova Orleans, espancado repetidas vezes, tem seu nome confiscado e é transformado em Platt, um escravo fugitivo da Georgia. A partir daí, ele terá vários senhores, do "bondoso" William Ford (Benedict Cumberbatch) até os doentios John Tibeats (Paul Dano) e Edwin Epps (Michael Fassbender). Na fazenda de Epps, Northup conhece Patsey (Lupita Nyong'o), a melhor catadora de algodão da propriedade, e vítima do assédio sexual do patrão e do ciúme doentio de sua esposa (Sarah Paulson). Northup sofre toda sorte de humilhações e violências até que encontra alguém que ouça a sua história, um carpinteiro canadense abolicionista (Brad Pitt), e seja resgatado da escravidão.

12 Anos de Escravidão mereceu o Oscar de melhor filme. Não vi os outros concorrentes, talvez algum deles, ou vários, merecessem o mesmo prêmio com toda justiça. Não se trata, portanto, de um Oscar para contornar uma acusação de racismo, embora possa ser usado para isso. Trata-se de um filme que se sustenta por si mesmo. Só que quem acompanha o Oscar ao longo dos anos sabe bem que alguns filmes são negligenciados, caso de Malcolm X, diretores e diretoras não recebem indicações merecidas, como Spike Lee e Barbra Streisand, e filmes medíocres e/ou reacionários são premiados. Ao premiarem 12 Anos de Escravidão, a Academia fez justiça, mas, também, um pouco de média, reconhecendo um enorme vazio.

Concordo com o diretor, Steve McQueen, quando ele afirma que Hollywood fala muito pouco da escravidão negra, de uma mácula de 400 anos. Naturaliza-se a escravidão negra, como um mal necessário, algo que, bem, ajudou no progresso de várias nações. Culpa-se a escravidão, e os negros e negras por tabela, pela Guerra de Secessão que dividiu uma nação. É nessa linha muitas obras do grande cinema americano operam. mas é exagero dizer que o tema não foi abordado. Há até filmes dos anos 1930 e 1940 que colocam abolicionistas como agitadores, gente que acabou com a beleza do Velho Sul. Querem ver? Dêem uma olhada em Santa Fe Trail (A Estrada de Santa Fé/1940) e They Died with Their Boots On (O Intrépido General Custer/1941). ambos com Errol Flynn, o primeiro ainda tem Ronald Reagan no elenco.
Assim, discordo do diretor quando ele diz que fala-se pouco da escravidão. O problema é como se fala e que nenhum grande filme tocou no assunto pelo ponto de vista do escravo, a questão era sempre apresentada a partir do olhar do homem ou da mulher branca, da ação do herói libertador (Lincoln), da apresentação da fratricida Guerra de Secessão. Mesmo Tempos de Glória, filme que considero obrigatório, tinha como protagonista não os negros soldados, ainda que Denzel Washington tenha levado seu Oscar para casa (*Vídeo aqui*), mas dois oficiais brancos. Mais inédito, é colocar como protagonista alguém que foi colocado em regime de escravidão sem ser escravo, legalmente falando.

Sim, é mais fácil imaginarmos a África até o século XIX como um passivo "depósito" de escravos (*em potencial*), muita gente encara a coisa desse jeitinho. Agora, assusta saber que homens e mulheres livres, nascidos assim, inclusive, podiam ser reduzidos tão facilmente a esta condição. Já tive mais de um aluno que perguntou "por que um escravo não fugia?" ou "quem ia saber que aquele homem ou mulher era escravo?". Alguns fugiam, claro, e se saiam muito bem, mas via de regra era a pessoa negra que tinha que levar consigo as provas de que era livre. E mais, alguém ainda poderia tentar ignorá-las ou destruí-las. Eis aí o caso de Northup e do nosso Luís Gama para provar.
Talvez você conheça este importante abolicionista, escritor, jornalista e rábula (*advogado prático*), talvez, não. Enfim, não vou dar muitos detalhes, mas a vida de Gama é filme ou minissérie pronta, basta escalar o Lázaro Ramos para o papel. Luís Gama nasceu livre; sua mãe era forra e participou da Revolta dos Malés; seu pai branco, o vendeu o filho para pagar suas dívidas. Simples assim. O caso de Northup deveria ser mais comum do que imaginamos, a questão é que ele sobreviveu para contar e sua história virou filme e este filme levou o Oscar e será lembrado.

Não sei, entretanto, se colocar um homem livre reduzido à escravidão vá fazer com que as pessoas que se consideram brancas se coloquem em seu lugar. Algumas, talvez, mas, para muita gente, negro e escravo ainda são quase sinônimos. É até curioso falar em escravidão romana para adolescentes e vê-los franzindo o cenho, porque, bem, é difícil aceitar que ao longo de boa parte da História humana, escravidão não teve cor, ainda que pudesse ter alguns povos a ela mais associados. Daí, eu entendo a força de A Escrava Isaura. O livro é profundamente bem intencionado e joga muito bem com o racismo da sociedade ao apresentar uma mulher branca, como o marfim das teclas do piano, prendada, gentil e, ainda assim, escrava por nascimento. Mas será que se Isaura fosse tão negra quanto os outros escravos a comoção seria tão grande? Claro que uma das coisas revoltantes em 12 Anos de Escravidão é ver um sujeito culto recebendo ordens e sendo humilhado por boçais, como Epps e Tibeats, (mal)tratado como um animal, encarado como uma besta sem raciocínio.

Talvez, se pensarmos 12 Anos de Escravidão associado ao tráfico de pessoas em nossos dias, algo que o diretor enfatizou em seu discurso ao receber o Oscar, a mensagem chegue mais forte. Afinal, trata-se de um drama contemporâneo, exposto em outros filmes e até novelas, vide Salve Jorge. Falando no diretor, não conhecia o diretor Steve McQueen, não assisti nada dele além de 12 Anos de Escravidão, mas ver o nome de Brad Pitt na produção era indício de que se tratava de um filme engajado politicamente, neste caso, em expor toda a violência da escravidão. Temos muitas cenas de espancamento e a nudez que enfatiza a redução de seres humanos, homens, mulheres, crianças, à condição de gado. A força e a fraqueza de 12 Anos de Escravidão repousam exatamente aí, na sua militância.

Dentre os exageros de 12 Anos de Escravidão, cito como exemplo, o assassinato do escravo que tentou defender uma companheira de infortúnio do estupro. Um marinheiro não desperdiçaria uma mercadoria tão preciosa, devemos lembrar que o Tráfico Atlântico estava condenado naquele momento, e que, além de tudo, não era sua. Uma punição exemplar, seria mais coerente, ou a cena poderia ter sido cortada. Seu objetivo, no entanto, é enfatizar a violência e a forma como os negros eram tratados. Mensagem entendida, ainda que pouco razoável.
Li na Wikipedia que o filme também foi acusado de mostrar o Cristianismo sob uma ótica negativa, enfatizando somente o uso da Bíblia pelos senhores para justificar a escravidão. Segundo a crítica, os abolicionistas eram igualmente cristãos. Sim, e há um filme excelente sobre os primórdios desse movimento, Amazing Grace, que eu resenhei aqui. Ainda que eu concorde que o foco seja negativo, é preciso recordar que o filme não é sobre a militância pró e contra a escravidão, que tinha brancos e brancas como principais protagonistas, mas sobre um homem livre transformado em escravo e sua experiência dentro do sistema. Dito isso, não considero o filme como anti-cristão, ainda que pudesse ser mais equilibrado nesse aspecto, é claro.

Agora, é fato que só existem maus senhores de escravos. Mesmo o "bondoso" Mr. Ford é incapaz de pensar um mundo sem escravos, ou de imaginar que pode ter comprado mercadoria de fonte ilícita, algo plenamente possível naquele contexto, e se esquiva de ouvir Northup. Ford é, pelo menos na forma como é apresentado, um fraco. Alguém que se deixa levar pelo sistema, sem grandes questionamentos. Segundo a Wikipedia, eu não li o livro para confirmar, Northup elogia Fod o tempo todo. Ele é pintado como um homem bom e um bom cristão, isso não é evidente no filme, pelo menos, para mim. Uma das cenas mais fortes de 12 Anos de Escravidão, a mais cruel, talvez, é a que Northup fica pendurado na corda, por um fio de ser enforcado, por horas e horas, sem que ninguém faça nada. Esperavam ou que ele se cansasse e morresse, ou que Mr. Ford aparecesse. E ele apareceu... Uma cena interessante da seqüência é quando a esposa de Ford aparece na varanda, essa mulher, quase uma sombra no filme, ela tem duas falas se muito, mas que dizem muita coisa sobre a condição das mulheres, mas volto a isso daqui a pouco.

12 Anos é um bom painel para vermos como a escravidão nos EUA era plural e que a vida dos escravos não era nada singela como os filmes dos anos 1930 e 1940, normalmente centrados nas belas damas sulistas, pintavam. Além da violência constante, da comida pouca e ruim, das longas jornadas de trabalho, do abuso sexual constante, o filme mostra formas diferenciadas de posse de escravos. Ford e John Tibeats (Paul Dano) eram donos de Northup. É isso, aliás, que salva o escravo da morte, porque Tibeats era um homem cruel e vingativo, mas pobre e semi-dependente do grande proprietário. Mais adiante, vemos que Epps, novo dono de Northup, precisa alugar seus escravos para um outro senhor quando a praga destrói sua plantação. é mostrado, também, que muitos dos escravos traficados eram realmente escravos de alguém, mas roubados. Um deles é resgatado pelo dono logo no início do filme. Ressalta-se ali o tratamento paternalista do dono. o escravo se derrama em lágrimas, agradece, e é tratado, pelo menos naquela cena, como uma criancinha ou um bichinho de estimação. O filme enfoca a infantilização dos negros e negras, sua bestialização, em várias cenas. As de violência não são as úncias.

Falando em Epps, interpretado brilhantemente por Michael Fassbender, indicado ao Oscar de coadjuvante, ele parece um sujeito no limiar da loucura, alcoólatra, e, não, alguém que tivesse plena consciência de seus atos. Em alguns momentos, inclusive, ele é conduzido a vilanias pela esposa, e a vítima é sempre Patsey. Talvez, Fassbender tenha dado à personagem uma fragilidade que consegue, pelo menos em mim, diluir o nojo e horror que ele inspira. Trata-se de um louco? Será? O fato, e isso, sim, me causou certo incomodo, é a forma como as mulheres brancas são retratadas.

As duas esposas, a de Ford e a de Epps, meio que conduzem seus maridos. Ambas são frias, cruéis com os escravos, manipuladoras, falsamente submissas, talvez. A de Ford, interpretada por Liza J. Bennett , não tem nome, ela é simplesmente "Mistress Ford". Só que é ela, por exemplo, que demonstra desprezo pela escrava que é trazida para a fazenda junto com Northup. A mulher foi separada de seus filhos, chora por eles, é depressiva; a senhora diz primeiro que ela "logo esquecerá deles", como se, por ser escrava, a mulher não tivesse apego ou sentimento por sua prole. Mais adiante, ela manobra para que ela seja mandada embora, afinal, o choro constante da escrava a irritava... Já Mary Epps parece vítima do marido, humilhada e traída, mas consegue conduzi-lo sem que ele perceba. É assim que ela se vinga de Patsey repetidas vezes... Ela também percebe que Platt, ou melhor, Northup, é um homem culto, mas se cala e parece não se importar, assim como Mistress Ford não se importa de ver Northup pendurado na corda. Saber ler e escrever poderia significar a morte de um escravo. Northup sabe que ela tem sua vida nas mãos.

É verdade que as mulheres dos plantadores tinham muito poder. Há trabalhos de historiadores norte americanos sobre isso e a força dessas mulheres está bem representada na mãe de Scarlett O'Hara no livro E o Vento Levou..., o filme dilui um pouco a coisa, só que o poder dessas damas era delegado por seus homens. Algo que me incomodou um pouco em 12 Anos de Escravidão é não ver nas mulheres brancas, especialmente na esposa de Ford, a humanidade que é mostrada nos homens. Elas aparecem menos e são pintadas de forma muito dura. Sim, Tibeats é mau sem apelação, mas temos outros homens para contrabalançar as coisas. Para as duas damas não há possibilidade de simpatia.

A terceira mulher branca não aparece em tela, trata-se da filha do dono de Eliza (Adepero Oduye), a escrava que foi companheira de infortúnio de Northup. Esta mulher foi capaz de vender não somente a amante do pai, mas, também, sua meia-irmã, Emily (Storm Reid). E, de novo, meio que se releva o papel do senhor, afinal, parece que sua filha pode fazer o que bem entender com a propriedade do pai. O drama de Eliza e Emily (*há um menino, também, mas ele parece não ser filho do senhor*) lembra um pouco a trama de Band of Angels (Meu Pecado foi Nascer/1957), que foi produzido já no final do gênero Southern movies da Era de Ouro do Cinema americano. Este filme, que é narrado do ponto de vista de uma mulher, tem como protagonista uma típica dama sulista que descobre, após a morte do pai, que é escrava e termina vendida pela madrasta. Seu destino fica bem claro, como é mestiça, quase branca, seria mandada para a prostituição. É o destino da menina Emily, para quem não entendeu direito o motivo dela ser tão cara.

Outro ponto importante do drama de Eliza e seus filhos é mostrar que mesmo um escravo com privilégios, ela era amante do senhor, foi servida por outros escravos, tinha do bom e do melhor, continuava propriedade e sua situação confortável sempre estava por um fio. E, sim, uma das coisas que 12 Anos de Escravidão derruba como um trator é o discurso "nós não somos uma nação mestiça" que é muito usado pelos racistas americanos. Muita gente, aliás, acredita nessa falácia, como se somente portugueses e espanhóis fossem dados à luxúria, mantivessem relacionamentos afetivos com mulheres não-brancas, e estuprassem índias e negras. Franceses, ingleses, holandeses, etc., também, faziam isso. Ser protestante não os isentava de prostituir negras, de cometerem adultério, de abusar sexualmente de suas escravas e por aí vai.
Uma das faces violentas da escravidão é o estupro sistemático das mulheres. Há quem queira ver tudo como afeto trocado, mas não existe troca entre seres em situação de tamanha desigualdade. Só que, para os americanos, a coisa ainda ganha outro tom, um artigo da revista Ms. fala que a Mammy, a versão americana da mãe-preta, a escrava gorducha, assexuada, que dá bronca na sinhazinha, mas faz tudo por ela, é uma fantasia e Patsey, a verdade. Eu diria que ambas são reais, a diferença é que a Mammy é mostrada madura e, não, uma mocinha atraente. Fora, que é meio complicado querer comparar 12 Anos de Escravidão com E o Vento Levou ou outros Southern movies clássicos protagonizados por mulheres. Eles eram produtos que tinham como objetivo vender o Sul como uma espécie de paraíso antes da guerra, só que para quem? Nem mesmo para as suas mocinhas. Vide a minha resenha de Jezebel. Um dia, espero fazer uma de E o Vento Levou. Nesses filmes, salvo em Band of Angels que tem um furioso e lindo Sidney Poitier, parece que felizes, de verdade, só os escravos...

12 Anos de Escravidão mostra bem o quanto as relações entre senhores e escravas eram pautadas pela violência sexual. Eliza foi amante até ser rejeitada e vendida, Patsey foi repetidamente estuprada e torturada por Epps, só Mistress Harriet Shaw (Alfre Woodard) parece ter virado a mesa. Apesar de ser rápida a sua aparição, Mistress Shaw é uma personagem curiosa, lembra um pouco Chica da Silva. Não sei se é ex-escrava, ou ainda cativa, não lembro se o filme diz, mas ocupa o lugar de dona da casa e esposa do seu senhor. Tem escravos, ou, pelo menos, utiliza sua força de trabalho, e, ao mesmo tempo, toma chá com Patsey e Northup. Sim, eles tinham um dia de folga. Sim, eles podiam fazer visitas e outras coisas que muita gente não imagina. Sim, eles não fugiam ou a maioria nunca tentava. Motivo? Lembrem da cena dos dois escravos fugitivos e da milícia. Não sei se mulheres como Mistress Shaw eram comuns no Sul dos EUA antes da Guerra (*depois então...*), acredito que não eram, mas o que o filme erode é essa idéia de que homens brancos sulistas não tinham interesse pelas mulheres negras para além do seu trabalho.

E, sim, é preciso falar de Lupita, a vencedora do Oscar de Melhor Coadjuvante. Se o protagonista é Chiwetel Ejiofor, foi ela que conquistou corações com sua sofrida Patsey. Depois da cena da forca, acredito que a maioria das cenas mais fortes foram com ela. Não que Northup não tenha grandes momentos, é que Patsey sofre tanto e brilha tanto que ela rouba muito da atenção. Há também o fato de várias de suas cenas serem com Northup, inclusive aquela que fala da suprema fuga do escravo, o suicídio.

Patsey quer morrer, que saída tem? Northup quer viver, quer voltar para os seus, e abomina a idéia. Não se discute a condenação cristã, dá-se a entender que é convicção pessoal do protagonista. Enfim, se fugir era quase impossível, o recurso do suicídio estava lá para os que tivessem coragem. Patsey não tem, ela precisa de ajuda e não a recebe. Enquanto para Northup há esperança, para Patsey há o desespero, a dor e a humilhação. Realmente não sei se 12 Anos de Escravidão cumpre a Bechdel Rule, mas isso importa pouco, já que oferece personagens femininas de grande riqueza e força dentro da história.

E há Brad Pitt, que faz o papel do salvador de Northup. Ele bancou a idéia do filme, sem ele, 12 anos de Escravidão continuaria só no papel. Agora, com três Oscars, contando com o de Melhor Filme, filme independente triunfa e entra para a História. Não sei se outros filmes sobre a escravidão pelo ponto de vista do escravo virão, espero que venham, mas já é reconfortante ver este filme, que não é perfeito, claro, sendo incluídos no currículo das escolas americanas. Talvez, no futuro, tenhamos mais material cinematográfico para discutir a escravidão, não somente nos EUA, mas aqui no Brasil.

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Comentando 12 Anos de Escravidão (12 Years a Slave)

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Assisti ao filme 12 Anos de Escravidão em casa, acredito que umas três semanas atrás, mais, talvez, comecei esta resenha não sei quando, mas já faz um bom tempo. Em condições normais, eu assistiria ao filme no cinema, na verdade, estaria assistindo todos os filmes que pudesse no cinema.

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Arte-educadora, fotógrafa e artista visual

Tempos Modernos foi produzido em 1936 pelo talentoso artista britânico Charles Chaplin, responsável pela direção, produção, roteiro e atuação do filme.

A película é considerada um clássico do cinema, pois conseguiu tecer uma severa crítica ao sistema capitalista e à Revolução Industrial de forma bem-humorada e com boas doses de drama, como é comum nas produções de Chaplin.

Análise do filme

A história se passa nos Estados Unidos, na década de 30, e narra a vida de um homem do povo, envolto nos dramas sociais da época.

Carlitos é o personagem principal, interpretado por Chaplin, e protagoniza a maioria dos filmes do artista. Essa figura cômica e carregada de inocência é também conhecida como " o vagabundo" e entrou pra história como a marca de Charles Chaplin.

Carlitos como operário

Em Tempos Modernos, Carlitos inicia a sua jornada trabalhando em uma fábrica onde sua única função é apertar parafusos, o que se mostra uma atividade alienante e cansativa.

Nesse ambiente fabril, ocorrem outras situações que demonstram a exploração dos trabalhadores. Um exemplo é a cena em que Carlitos é submetido a testes em uma "máquina alimentícia", que promete alimentar os operários enquanto eles continuam o seu trabalho.

Outra cena icônica é quando ele é engolido pela maquinaria e adentra as engrenagens, saindo de lá um tanto quanto perturbado. Por conta dessa crise nervosa, ele é obrigado a deixar a fábrica e é internado em um hospital.

Carlitos como agitador social

Quando sai da internação psiquiátrica, Carlitos está desempregado e sem perspectiva. Nesse momento, se depara com uma manifestação comunista que ocorria nas ruas e acaba se envolvendo no protesto, sendo confundido com o líder do movimento e sofrendo repressão, o que o leva à penitenciária.

Na cadeia, o homem vive outras situações tragicômicas. Em dado momento, ele ingere cocaína acidentalmente, mas ainda assim consegue sair da prisão.

Carlitos conhece o amor

Depois de libertado, Carlitos conhece a órfã Ellen, moça que acaba de roubar um pedaço de pão. Os dois se apaixonam e passam por várias peripécias.

Um desses momentos é quando o "vagabundo" consegue um emprego de garçom em um café e precisa também fazer uma apresentação de dança e canto. Entretanto, ele esquece a letra e se vê obrigado a improvisar. Essa é a primeira vez que a voz de Charles Chaplin é mostrada em uma película.

Confira a e cena da apresentação de Carlitos:

Ao final, o casal, que está foragido, caminha em uma estrada de mãos dadas e, mesmo com todas as adversidades, cultiva a esperança.

Contexto histórico

O filme se passa nos anos 30, logo após a crise de 29. Esse momento ficou conhecido também como a Grande Depressão, quando há uma grave recessão no modo de produção capitalista, o que deixa milhares de pessoas em situação vulnerável.

Nessa altura houve aumento de desemprego, fome e miséria, mas ainda assim, produtos são feitos em excesso e há queima de estoques, fruto das contradições do capitalismo.

Além disso, as tensões políticas se intensificam e culminam na Segunda Guerra Mundial. Paralelamente a isso há ainda o crescimento da industrialização e das pressões sobre os trabalhadores.

Chaplin retratou todas essas mazelas, contradições e questões sociais através de uma narrativa recheada da críticas e ironias, o que transformou essa obra do cinema em um retrato da realidade da época e da busca por melhores condições de vida.

Curiosidades sobre Tempos Modernos

Por escolha de Chaplin, o filme foi feito com uma tecnologia antiga para época. Em 1936, ano de estreia, já havia cinema falado e colorido. Entretanto, por escolha artística e conceitual, Tempo Modernos foi filmado em preto e branco e com recursos do cinema mudo em grande parte. Pode-se perceber que os trabalhadores não falam, mas o som das máquinas é evidenciado.

Assim que foi lançado, o filme não foi bem aceito e foi censurado na Alemanha Nazista. Anos mais tarde, porém, teve o reconhecimento merecido.

Quem foi Charles Chaplin?

Charles Spencer Chaplin nasceu em Londres, na Inglaterra, em 6 de abril de 1889.

Considerado um gênio das artes, eles exerceu diversas atividades, sendo realmente polivalente e atuando como produtor, roteirista, humorista, diretor, empresário, escritor, músico e dançarino. A produção do artista é marcada por questionamentos sociais, humor, drama e lirismo.

Chaplin viveu em uma época em que houveram grandes transformações na sociedade, e isso se refletiu em sua obra de forma crítica.

Assim, ele chegou a ser "acusado" de comunista e anarquista, sofrendo boicote e censura. Por conta disso, foi incluído na chamada Lista Negra de Hollywood. De qualquer maneira, seu sucesso foi tremendo e hoje ele é considerado um dos maiores cineastas do século XX.

Charles Chaplin faleceu na Suíça em 25 de dezembro de 1977, aos 88 anos, em decorrência de um derrame.

Filmes de destaque de Chaplin

O Vagabundo, 1915

Vida de Cachorro,1918

Carlitos nas Trincheiras, 1918

O Garoto, 1921

O Circo, 1928

Luzes da Cidade, 1931

Tempos Modernos, 1936

O Grande Ditador, 1940

Luzes da Ribalta, 1952

A Condessa de Hong Kong, 1967

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Arte-educadora, fotógrafa e artista visual Tempos Modernos foi produzido em 1936 pelo talentoso artista britânico Charles Chaplin, responsável pela direção, produção, roteiro e atuação do filme. A película é considerada um clássico do cinema, pois conseguiu tecer uma severa crítica ao sistema capitalista e à Revolução Industrial de forma bem-humorada e com boas doses de drama, como é comum nas produções de Chaplin.

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