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작성요령1. 원시미술 

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작성요령

1. 원시미술 빌렌도르프 비너스의 특징은 ~~~이다.
2. 고대 그리스 밀로의 비너스의 특징은 ~~~~이다.
3. 두 작품의 차이점은 ~~~~이고 공통점은 ~~~~~이다.
4. 이러한 차이점과 공통점이 나는 이유는 내가 생각했을때
빌렌도르프의 비너스는 ~~~~이유로 그렇게 표현된것 같고
밀로의 비너스는 ~~~~~이유로 그렇게 표현된 것 같다.
5. 내가 생각하는 현대의 미의 가치기준은 ~~~~이다.
왜냐하면 ~~~~~이기 때문이다.

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고대 조각상을 통해 본 미의 가치기준 토론 및 발표

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고대 조각상을 통해 본 미의 가치기준 토론 및 발표

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-원시미술의 조각상과 고대그리스 조각상을 비교
-미의 가치기준의 변화와 시대적 배경과 문화, 경제적 환경에 의해 변화하는 미의 가치기준 발표
-지금의 미의 가치기준에 대해 자신만의 비젼 제시

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1강 원시시대미술~고대그리스로마

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1강 원시시대미술~고대그리스로마

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원시시대미술~고대그리스로마
교과서 P99~

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1강 명화로 해석해보는 그리스 로마 미술

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미술 감상과 비평(p99~)

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2022여름 미술사강의 일정

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1. 원시미술 빌렌도르프 비너스의 특징은 주술적인 상징성이다.
2. 고대 그리스 밀로의 비너스의 특징은 인간 중심적인 사실의 재현이다.
3. 두 작품의 차이점은 인간 묘사 정도와 주술성 여부이고 공통점은 여성성강조이다.
4. 이러한 차이점과 공통점이 나는 이유는 내가 생각했을때
빌렌도르프의 비너스는 생존이 제일 중요한 선사시대가 배경이라는 이유로 그렇게 표현된것 같고
밀로의 비너스는 인간의 아름다움이 최고다라는 가치관이 팽배하는 시대였다는 이유로 그렇게 표현된 것 같다.
5. 내가 생각하는 현대의 미의 가치기준은 자신감이다.
왜냐하면 자신의 주관을 뚜렷하게 드러내고 사회에 당당하게 알릴 수 있는 자신감이 필요하다고 생각하기 때문이다.

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1. 원시미술-빌렌도르프의 비너스는 조각에서 가슴이 차지하는 부피가 크고 살집있는 몸매와 부풀어오른 배가 인상적이다. 얼굴을 표현하지 않아 전체적인 신체에 초점을 둔 것 또한 특징이다.

2. 고대 그리스-밀로의 비너스는 생동감 있고 굴곡진 머리카락의 표현과 가슴부터 허리까지의 여성이 가진 몸매의 기본적 요소가 특징이다. 또한 이상적인 인간의 비율을 표현함과 동시에 인간 본연의 아름다움을 나타내고 있다.

3. 두 작품의 공통점은 각 시대의 이상적인 여성상을 나타내었다는 것이고 사실적 묘사 정도의 측면에서 차이가 있다.

4. 내가 생각했을 때 빌렌도르프의 비너스는 생식과 출산 및 생존, 다산을 중요시 여기는 선사 시대의 시대적 특성의 이유로 표현된 것 같고 밀로의 비너스는 고대 그리스에서 나타난 헬레니즘을 통해 인간의 감정인 사랑과 사랑의 본연적 요소인 미를 나타내기 위한 이유로 표현된 것이다. 이상적인 인간의 비율로 미를 극대화하기 위해 1:1.618의 황금 비율을 사용한 것 또한 고대 그리스의 시대적 특성이 드러난다.

5. 내가 생각하는 현대의 미의 가치 기준은 '개인의 존재 가치'이다. 현대에는 직업적 및 사회적 가치 측면에서 남녀의 성에대한 구분이 고대에 비해 극소화되었고 그로 인해 '성(性)'은 현대의 미의 가치를 충족 시키기에 적절하지 않다고 생각한다. 그렇기에 신체적 특성에 초점을 맞추는 것이 아닌 사람 그 자체에 초점을 맞추는 것이 이상적이라고 생각한다. 현대에는 개인의 역량, 가치관, 개성 등을 발전시켜 자신만의 존재 가치를 빛내는 것이 '미(美)'라고 생각한다. 개인의 가치관과 성향, 더 나아가 한 사람의 삶은 외적인 측면에서 많은 부분을 드러낼 수 있다. 그렇기에
이러한 현대의 미의 가치 기준으로 작품을 제작한다면 다양하고 이색적인, 틀에 갇히지 않은 자유로운 결과물이 완성될 것이다.

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1. 원시미술-빌렌도로프 비너스의 특징은 얼굴이 안보이고 몸이 굉장히 정상적인 사람과 다른 것 이다.

2. 고대그리스 밀로의 비너스의 특징은 이목구비가 선명하고 몸매가 약간 통통한 것 이다.

3. 두 작품의 차이점은 외모를 보는가, 안 보는가 이고, 공통점은 몸매의 중요성을 중요하게 생각하는 것 이다.

4. 내가 생각했을때 빌렌도르프의 비너스는 풍요와 다산같은 주술적 이유로 표현된 것 같고 밀로의 비너스는 외모와 건강한 몸매 같은 조건적 이유로 표현된것 같다.

5. 내가 생각하는 현대의 미의 가치 기준은 개성이다. 요즘사회에 아름답지 않아도 자신의 능력이나 독창성이 있으면 충분히 아름답고, 미의 가치에 인정을 받기 때문이다.

예를 들어 현대미술을 예시로 들 수 있다. 언제나 르네상스 시대의 그림같은 현실주의가 주목을 받았지만 현대미술은 실력보다 개성을 추구하는 시대가 되었다.
이런 시대는 곧, 다양한 실기를 요구하는 현대 미술실기과 비슷하다고 생각이 된다.
그래서 현대 미는 교육과 관련이 있다고 생각된다.

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제가 본 빌렌도르프 비너스의 특징은 " 다산 " 의 말과 같이 뚱뚱하고 몸집이 크며 얼굴에 미가 치중된것이 아닌 신체의 미 인거같습니다.
고대그리스 밀로의 비너스의 특징은 약간은 살집이있는 몸에  오목조목한 눈코입이 특징인거 같습니다. 두작품의 차이점으로는 원시미술에는 뚱뚱하고 몸집이 큰것을 미 라고 칭했다면 고대그리스에는 황금비를 미에서 중요하게 여긴거같습니다. 공통점으로는 둘다 미 를 상징하고 있다고 할 수 있습니다. 미의 가치기준은 끊임 없이 변화 하고있습니다. 제가 생각하는 미의 가치기준은 개성이라고 생각합니다 개성과 특징이 뚜렷하면 저는 그것이 예쁨이라고 생각합니다. 개성은 자신을 나타낼 수 있는 하나의 도구이자 나자신입니다. 개성이 뚜렷할수록 나자신 그대로를 보여주는 것이 기에 저는 개성이 현대의 미 라고 생각합니다. 또한 미래에는 누가더 개성있는지가 중요해질것 같습니다.

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1. 원시미술 빌렌도르프 비너스의 특징은 풍만함과 포근함이다.

2. 고대 그리스 밀로의 비너스의 특징은 자연스러움과 몸의 선, 우아함이다.

3. 두 작품의 차이점은 옷과 얼굴의 유무이고 공통점은 두 작품 모두 누드이고 전신을 조각했다는 점이다.

4. 이러한 차이점과 공통점이 나는 이유는 내가 생각했을때

빌렌도르프의 비너스는 원시시대의 사회상을 보았을 때 모든 면에서 풍족함이 중요했기 때문에 그렇게 표현된것 같고

밀로의 비너스는 그리스시대에 인간을 중심으로한 미술이 발전했었기 때문에 인간의 아름다움을 더 사실적이고 아름답게 표현하고 싶었다고 생각한다.

5. 내가 생각하는 현대의 미의 가치기준은 행동이라고 생각한다.

왜냐하면 행동은 그 사람이 가진 습관을 바탕으로 하는 것이기 때문에 그 행동의 결과와 행동을 보았을 때 느끼는 모든 것들이 다른 사람이 생각했을 때 아름답다고 생각하게 할 수 있기  때문이다.

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2강 건축물을  통해 해석해 보는 중세미술사

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2강 건축물을  통해 해석해 보는 중세미술사

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2강 건축물을 통해 해석해 보는 중세미술사(8.12)

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1. 작가이름

미켈란젤로 부오나로티

2. 생애

1475.3.6 ~ 1564.2.18

3. 대표작(1~2편)

《다비드》 《최후의 심판 Last Judgment》

4. 대표작 설명

(시대적 배경, 작품의 조형적 특징, 작품에 얽힌 이야기등)

《다비드》 (1113신은서 조사)

-다비드는 1501년 26살 시절 미칼란젤로가 피렌체대성당에 있던 어떤 조각가가 50년 전 예언자 상을 만드려고 준비해 두었던 5m가넘는 거대한 대리석으로 다비드를 만들어 달라는 지도자들의 의뢰로 만든 조각 작품이며 3년에 걸쳐 5.17m의 크기로 만들어 졌다. 성서에 나오는 이스라엘 목동 다비드를 성경에 나오는 그대로 소년의 모습으로 표현하지 않고 청년의 모습에 고대 영웅 이미지를 덧붙여 이상적인 인체상을 표현했다고 한다.

완성된 다비드상은 막 돌을 던지려고 하는 나체의 청년상이다. 몸 전체의 근육이 단단하게 긴장되어 있고, 노기 띤 얼굴은 왼쪽을 향하고있다. 몸 오른편은 손과 발이 모두 수직으로 지면에 고정되어 있지만, 왼손은 돌팔매를 잡기 위해 올려져 있고 왼발도 약간 움직여 다음행동에 대비하는 움직임을 나타낸다.

완공 당시는 압제자에 대한 공화국의 승리의 상징으로 피렌체공화국 시청사 입구에 놓이게 되었다다가 현재는 보존상의 이유로 이 상의원작품은 시청 앞에서 피렌체 아카데미 건물 내부로 옮겨져 있다.

《최후의 심판 Last Judgment》 (1215장서윤 조사)

-시대적배경

1533년 중순 당시의 교황 클레멘스 7세가  신성로마제국군에 의한 로마의 점령과 약탈 등 재난의 연속에 대한 분노의 감정을 달래기 위해 시스티나 성당의 제단 위 벽에 최후의 심판도를 그리라는 명을 받았다.

하지만 1534년 교황의 사망으로 이 작업은 일단 중지된 것처럼 보였다.

그러나 뒤를 이어 교황이 된 바오로 3세가 다시 이 작업을 의뢰함으로써 1535년 4월 16일 작업이 시작되었다.

-조형상특징

시각적 표현에 의하여 심판자 그리스도를 중심으로 해 천상계, 튜바 부는 천사들, 죽은 자들의 부활, 승천하는 자들, 지옥으로 끌려가는무리들을 5개 부분으로 나누어

천상의 세계에서 지옥의 세계로 차례를 매겨 나간 것이 특징이다.

-작품에 얽힌 이야기

중앙의 그리스도는 이제까지 흔히 그려졌던 모습과는 사뭇 다르게, 수염도 나지 않은 당당한 나체의 남성상으로 표현되어 있다. 그 곁에는 성모 마리아가 앉아 아래 있는 인류를 부드러운 눈빛으로 내려다 보고 있다. 두 사람 주위를 성자들이 거의 원형으로 둘러싸듯 서 있다. 여기는 천사에 가까운 성자들의 세계이다. 그 주변에서 죽은 자들이 살아나, 혹은 천상으로 올라가고, 혹은 지옥으로 떨어진다.

공식적인 낙성식이 거행된 1541년 10월 31일, 이 작품은 전 로마 시민의 경악과 찬탄의 표적이 되었다. 작품 속의 인물은 처음에는 모두 나체였다. 그러나 1564년 1월 트리엔트공의회에서 "비속한 부분은 모두 가려져야 한다"는 칙령이 반포되어 생식기 부분에 덧그림이그려졌다.

5. 화가에 대한 평가(모둠별 토의 결과)

다비드를 보면 다부진 몸과 어울리지 않는 남성을 상징을 보아 미켈란젤로는 고대 그리스 미술의 특징이었던 인간 중심의 헌세적 종교관을 바탕으로 조각하였던 것 같다.

또한 다비드를 보았을 때 어릴 때 부터 그림에 대한 천재적인 재능을 보였다. 또 콘트라포스토를 사용한 것을 보아 인체에 대한 섬세한표현을 잘하고 이상적인 비율을 추구하는 것 같다.

미칼렌젤로는 종교에 대한 작품을 많이 만드는 것 같고,

90세의 나이로 세상을 뜨기 전까지 작품을 그리고 있었다는 사실을 알고보니 한 작품마다 오랜 시간을 공들여 정성히 표현하는 만큼 열정이 대단한 예술가인 것 같다고 생각했다.
또한 젊은 시절 부조 작품에서부터 산 피에트로의 피에타, 브뤼헤의 성모, 그리고 만년의 피에타 작품에 이르기까지 미켈란젤로의 예술 인생에 끝과 시작을 같이 한다는 점을 보았을 때 성모마리아에 대한 신앙심이 깊었던 것 같다고 생각했다.

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1. 레오나르도 다빈치 ( Leonardo da Vinci )
2. ( 1452~ 1519 ) 이탈리아 인
사생아 였던 다빈치는 15살에 피란체로
가서 안드레아 델 베로키오 의 공방에가
그림을 배웠다 , 그러곤 피렌체 화가 조      합 에 들어가서 예술가의삶을 살았다.
3. 대표작
모나리자 , 최후의 만찬
4. 대표작 설명
1 . 모나리자
-시대적 배경: 1503~1506년경 완성

-작품의 조형적 특징 1)미소가 1:1.618 황금비율로 이루어졌다
2)스푸마토 기법을 사용하였다 3)유채 패널화

-작품에 얽힌 이야기 1) 작품에서 ‘모나’는 유부녀 이름앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고 ‘리자’는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다
2)다른 작품들을 제치고 레오나르도의 대표작이 된 가장 큰 이유는 레오나르도가 죽을때까지 항상 가지고 있었기 때문이라고 한다
3)도난당한 적고 있는데 복제품이 너무 많아 진품을 찾지 못하다가 레오나르도의 지문이 묻은 것을 찾아 다시 전시했다고 한다

2.최후의 만찬
-시대적 배경:1490년

-작품의 조형적 특징: 화면이 중앙으로 집중하여 원근법을 나타내고 있고, 인물들의 의상이 주로 붉은 색과 청색으로 한난대비를 만들고 잇음

-작품에 얽힌 이야기 1)예수가 체포되기 전날 밤에 제자들과 함께 식사를 하였다
2)당시 유행하던 프레스코화 기법이 아닌 템페라 기법을 활용해 훼손이

5. 화가의 대한 평가
레오나르도 다빈치는 그림 뿐만 아니라 사람, 동물 해부도 많이하고 압력에대해 깊게 탐구하며 해부학과 비행기의 원리 등이 발전하는데 큰 영향을 끼친 것으로 보아 머리가 확실히 이과쪽이였던 것 같다. 하지만 이를 위해 많은 사람과 동물들의 몸을 해부했다는 점에서 생명을 존중하는 윤리적인 태도가 조금 부족했을 것 같다고 생각한다.
인체를 세세하게 그리는것이 굉장히 집요적이고 또 한편으로는 천재적이라고 생각이든다. 또한 그는 "나는 내게 주어진 시간을 허비했다”고 한탄하던 그는 어쩌면 ‘지나치게’ 천재적인 인물의 전형이었을 지도 모르겠다고 생각한다.
모나리자라는 작품에 나타난 것처럼 뒤에있는 물체를 흐릿하게 표현하는 원근법을 사용한 것을 보아 사람이 굉장히 현실적이였던거 같다는 생각이 들었다

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이름
라파엘로

생애
라파엘로는 전성기 르네상스의 중요한 이탈리아 인물 중 하나이며 문화 중심지였던 우르비노에서 어린 시절을 보냈다. 피에트로 페루지노의 공방에서 도제 수업을 받을 무렵 교황청에서 프레스코를 완성하며 크게 성공했으며 이후 페루자에서 유명세를 얻어 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로가 미술의 경계를 확장시키고 있던 피렌체로 간다. 라파엘로는 4년간 머무르며 미켈란젤로의 작품에서 인체 해부학, 레오나르도 다빈치의 작품에서 스푸마토 기법 등을 익히며 호소력 짙은 작품을 창안해냈다. 이후 교황의 부름을 받아 교황의 화가로서 작품을 제작해 나간다. 37살의 이른 나이에 죽음을 맞이하며 화려한 장례식으로 판테온에 묻히며 생애를 맞이했다

작품
1.성모와 아기 예수
1)시대적 배경(제작 배경)
라파엘로에게 직접적인 영향을 준 작가는 종교화를 주로 그리던 프라 바르톨로메오(Fra Bartolomeo, 1472-1517)였다. 프라 바르톨로메오는 이탈리아 르네상스 화가였지만, 베네치아를 여행하면서 베네치아 화파의 화려한 색채와 뚜렷한 명암대비로 자신만의 기법을 창안한 화가이다. 그가 그린 <두 성자가 있는 성모자>(1509)는 라파엘로의 <성모와 아기예수>의 전례라 할 수 있다.

2)표현
<성모와 아기예수>는 위의 내용과 같이 프라 바르톨로메오의 <두 성자가 있는 성모자>와 매우 흡사하다. 작품에 등장하는 성모는 아기 예수를 품에 안고 사랑스러운 눈빛으로 바라본다. 그러나 아기 예수는 작품의 바깥을 응시하고 있어 성모자가 있는 공간이 감상자가 머무는 공간까지 확대되는 느낌을 주게 된다고 한다. 이는 그림을 감상하는 예배자의 신앙심을 고취시키는 종교화의 전통적인 방식 중 하나이다.
화면 상단에 좌우로 늘어뜨린 장막은 그림의 구도를 안정시키는 동시에 성모의 옷 주름과도 자연스럽게 이어져 통일감을 느끼게 해준다. 화려한 색채와 붉은색과 푸른색의 뚜렷한 명암대비는 베네치아 화파에서 연유한 프라 바르톨로메오의 기법을 그대로 적용한 것이다.

2.아테네 학당
1)시대적 배경(제작 배경)
16세기 초, 교황 율리우스 2세(Pope Julius II, 1443-1513)는 라파엘로에게 바티칸 궁의 방들을 장식하는 일을 맡겼다.
르네상스 시대에는 고대의 문명과 지식에 바탕을 둔 인문주의가 발달했는데, <아테네 학당>은 이러한 시대 분위기를 반영하여 고대 그리스의 철학자들과 현인들을 한 자리에 모아 진리를 향한 이성적인 탐구를 찬양하고자 했다.

2)표현
라파엘로는 프레스코화의 기법으로 작품을 제작하였다. 프레스코화는 소석회(消石灰)에 모래를 섞은 모르타르를 벽면에 바르고 수분이 있는 동안 채색하여 완성하는 회화로 14∼15세기 이탈리아에서 최성기를 이루었다.
하늘이 개방된 둥근 천장 및 아폴론(Apollo)과 미네르바(Minerva)의 조각상을 안치한 벽감 등이 웅장한 느낌을 준다. 라파엘로는 완벽한 원근법을 구사하여 산만하고 복잡한 느낌 없이도 많은 등장인물들을 조화롭게 배치할 수 있었다.

평가 (모둠 토의 결과)
라파엘로는 르네상스의 절정을 이룬 화가답게 그의 그림은 고전 미술의 완성을 보여주고 있다. 견고한 선과 형태, 선면한 색체, 기품 있는 인물의 자세 연출, 완벽한 배치와 구도 등으로 이상적인 회화를 완성해냈다. 또한 라파엘로는 미켈란젤로와 레오나르도 다빈치 등의 대가들의 영향을 흡수하는 능력 뿐만 아니라, 다빈치의 한계를 꿰뚫고 그를 능가하는 능력을 보여주었다는 것에서 그의 예술성을 높이 살 수 있다 다른 화가의 특기를 흡수 하여 성장하는 모습이 라파엘로의 큰 장점이라고 생각되며 짧은 생애에도 불구하고 많은 작품들을 창안해낸 모습이 대단하게 느껴진다 또한 그의 성실함과 사교적인 성품이 그를 르네상스 3대 거장으로 만든 이유 중 하나가 아닐까 추측하게한다

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4강 바로코와 로코코, 근대미술

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4강 바로코와 로코코, 근대미술

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1. 자신이 맡은 이즘의 대표적 작가와 엽서에 실을 작품을 올려주세요.

신은서-자연주의
장서윤-신고전주의
황지영-사실주의
이진주-사실주의
이선빈-자연주의
김시윤-낭만주의
박민경-낭만주의
반유진-신고전주의

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화가 탐구 보고서 작성

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화가 탐구 보고서 작성

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1. 작가이름

2. 생애

3. 대표작(1~2편)

4. 대표작 설명
(시대적 배경, 작품의 조형적 특징, 작품에 얽힌 이야기등)

5. 화가에 대한 평가(모둠별 토의 결과)

*그 밖에  작가에 대해 나누고 싶은 이야기 해도 됩니다.

*조사내용 누가 했는지 이름도 올려주세요. 본인이 조사한걸 발표하도록 합니다.

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(자연주의) 장 바티스트 카미유 코로-<요정들의 춤>

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사실주의 예술가인 장 프랑수와 밀레의 [ 이삭줍기 ]  이다.

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자연주의
코로/모르트퐁텐의 기억

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카스파르 다피트 프리드리히 <안개바다 위의 방랑자>
낭만주의의 대표적 작가는 고야

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[낭만주의]
조르주 앙투안 로슈그로스 - 꽃밭의 기사

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다비드 <나폴레옹 대관식>

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사실주의-만종(장 프랑수아 밀레)

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신고전주의 - 다비드<소크라테스의 죽음>

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19세기 근대미술을 상징하는 다양한 이즘에 대한 전시가 이루어졌다고 가정하자. 여러분은 미술관에 작품을 관람하러 온 많은 관객들에게 판매될 아트 엽서를 제작 기획하는 디자이너이다. 어떤 방식으로 엽서를 디자인하여 판매할 것인가? 다양한 앱을 활용하여 자신만의 아트엽서를 디자인 해보자.

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언뜻 보기엔 그냥 작품 그대로 떼온거 아냐? 라고 하실 수 있는데
이작품엔 하늘이 없습니다. 이 엽서를 들고 실제 하늘에 비추면 비로소
배경이 완성되는것이죠 , 사실주의는 객관적사물을 있는 그대로 정확히
재현하려는것 으로 실제하늘을 비추어 이것을 그대로 담아내는것으로
사실주의를 표현하고싶었습니다.

# data[].attributes.body
자연주의를 표현하기 위해 나뭇잎을 포인트로 넣었습니다. 앞면은 작품을 넣어 간단하게 디자인 하고 뒷면은 화가에 대한 소개와 전시회라면 개최가 된 이유 그리고 일시일을 넣었습니다.

# data[].attributes.body
뒷면입니다.

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신고전주의는 고전적 내용, 역사적 내용, 엄숙함, 공공을 위해 개인을 희생하는 모습, 애국심, 영웅적 모습 등을 강조하는데 고전적이고엄숙함을 나타내기 위해 어두운 갈색을 배경으로 넣고

당시 회화의 특징이 연극무대처럼 한정된 공간, 단순한 구도가 많았기 때문에 한정된 공간을 표현하기 위해 겉 장식을 넣고 단순하고 깔끔하게 엽서를 디자인 해 보았습니다.

뒷면은 작가와 간단한 작품 소개를 넣었고 글을 쓰는 옆 쪽엔 소크라테스가 작품 속의 상황이었을 때 마지막으로 했던 '악법도 법이다'라는 명언을 넣었습니다.

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밀레의 '만종'이라는 작품과 밀레의 명언을 같이 넣어서 엽서를 구성해 보았습니다.

# data[].attributes.body
이 작품은 ‘나폴레옹의 대관식’이라고 하는 다비드의 신고전주의 작품으로 역사적 사실을 담고 있습니다.
저는 사진테두리 안쪽에 neo-classicisme(신고전주의)라는 글자와 masterpiece(걸작)이라는 단어를 집어넣어 작품의 특징을 부각했습니다. 물론 이 작품이 나폴레옹에 의해 편집된 그림이긴 하지만 걸작인것은 틀림없는 사실이기 때문에 걸작이라고 표현했습니다. 그리고 작은 글씨로 다비드의 풀네임 (Jacques-Louis David)와 나폴레옹대관식의 영어이름(The Coronation of Napoleon)을 넣어 이 작품을 나타냈습니다.

# data[].attributes.body
뒷면입니다

# data[].attributes.body
뒷면입니다!

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왼쪽 위에 작가와 작품의 제목, 화가가 자연을 인간이 극복해야할 대상으로 여긴다 하여 가운데 풀잎을 X자로 넣었고, 왼쪽 하단에 받는 사람의 이름을 넣는 칸을 화살 촉이 없는 화살로 넣었다. 우표를 붙였을 때 주변에 디자인이 보여 액자 같은 느낌을 준다.

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자연주의 사조의 대표작품인 장 바티스트 카미유 코로의 <요정들의 춤>을 중심으로 엽서를 제작하였습니다. 엽서의 앞면에서 춤추는 인물(요정)들을 가장 크게 배치하고 그 주변을 나무로 감싸 작품을 엽서에 담아냈습니다. 또한 단순히 작품을 엽서에 담는 것으로 끝맺지 않고 엽서의 중심에 라인을 넣어 줄타기를 하며 춤을 추는 듯한 이미지를 연상시켜 우리 전통을 담고자 했습니다. 우측 상단에는 기쁠 흥(嬹)을 배치해 표현했습니다. 엽서의 뒷면 우측 상단에는 기쁠 흥(嬹) 대신 근본 본(本)을 배치해 '있는 그대로의 자연의 아름다움이나 개성을 재현하는 것을 예술의 목적으로 하는 주의'라는 자연주의의 의미를 담았습니다

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엽서 뒷면입니다.

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표현주의

배경 - 1910년을 전후하여 프랑스와 독일에서 등장한 미술 운동으로

프랑스에서 시작되었으나 다른 나라에서도 거의 동시에 전개되었다.

프랑스의 야수파, 북독일의 다리파로 나눌 수 있다.

야수파는 후기 인상주의의 두 갈래는 20세기 전반에서도 계속 두 갈래로 나뉘어 발전하였고, 그 중 고흐나 고갱이 추구하던, '내면의 진실을 강조'하는 양상이 표현주의로 발전하였다.

당시 독일 사회는 늦어진 통일로 인해 경제, 산업화, 식민지 개척에 뒤쳐져 있었다. 다리파는 이러한 도덕률, 피동성, 억압적 분위기에 반발하면서 새로운 미술을 추구해

1933년 나치의 탄압으로 해체되기 전까지 다른 어떤 나라보다 표현주의가 발전했다.

표현주의 특징

눈에 보이지 않는 불안, 공포, 기쁨, 슬픔 등 미술가의 감정이 강하게 드러나도록 그렸다. 표현주의 작가들은 형태를 왜곡하기도 하고, 색채도 실제보다 더 강하게 과장해서 표현했다.

주요작가와 작품

-케테 콜비츠

현실을 직시하여 노동자, 농민, 군인 같은 억압 받는 민중의 모습을 검은색, 회색, 흰색의 선 굵은 판화로 강렬하게 표현하였다.

주요 작품으로는 <농민전쟁>, <직공들의 반란>, <전쟁은 이제 그만> 등이 있다.

-에밀 놀데

원시예술의 단순 소박한 형식 가운데에 화려하고 기괴한 생명력의 표현을 흡수하여, 그것을 그의 주요한 모티프인 가면과 인형에 관한 제작의 영양분으로 삼았다. 자연에 대한 깊은 신앙과 넓은 붓질로 물감을 두껍게 칠한 강렬한 색채의 연속이 작품의 특징이다.

주요 작품으로는 <황금 송아지를 에워싼 춤>, <최후의 만찬> 등이 있다.

---> 사회현상과 같은 사회분야 쪽으로 진로를 정하고 싶기 때문에 아직까지도 진행되고 있는 러시아와 우크라이나 전쟁, 사회적인 차별이나 현상들 중 하나를 정해 주제로 할 예정이다. 케테 콜비츠의 검은색, 회색, 흰색의 선을 넣고 에밀 놀데와 같이 넓은 붓질로 물감을 두껍게 칠해 디자인 할 예정이다.

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입체주의

1. 20세기 초반에 시작된 서양미술 사조 갈래 중의 하나. 폴 세잔이 입체주의의 동기를 제공한 것을 시작으로 동시대 많은 예술가들이 이러한 사조를 다양하게 시도하고 거쳐갔다

2. 입체주의는 1900~1914년 파리에서 일어났던 미술 혁신 운동으로, 유럽 회화를 르네상스 이래의 사실주의적 전통에서 해방시킨 회화 혁명으로 지칭되고 있다.
이 운동은 르네상스 이후 서양 회화의 전통인 원근법과 명암법, 그리고 다채로운 색채를 쓴 순간적인 현실 묘사를 지양하고, 야수주의의 주정적(主情的)인 표현을 폐기한 대신 시점(視點)을 복수화하여 색채도 녹색과 황토색만으로 한정시켰으며, 자연의 여러 가지 형태를 기본적인 기하학적 형상으로 환원, 사물의 존재성을 이차원의 타블로로 구축적(構築的)으로 재구성하고자 했다.

3. 조르주 브라크
작품 : 에스타크의 집, 의자에 앉은 여인, 에스타크
파블로 피카소
작품 : 우는 여인, 꿈, 마리 테레즈 발테르의 초상

4. 입체파는 크게 다음의 세 시기를 거치며 발전했다.
- 초기 입체파
1907년부터 1909년까지 이어진 단계. 자연을 원기둥, 구, 원뿔과 같은 형태로 처리해야 한다고 본 폴 세잔의 영향에 따라 대상의 형태를 단순화하고, 원근법의 1점 투시가 아닌 복수의 시점을 화면에 표현하려 하였다.

-분석적 입체파
1910년부터 1912년까지 이어진 단계. <아비뇽의 처녀들>을 비롯한 초기 입체파 작품에서는 어떤 대상인지 직관적으로 비교적 쉽게 파악할 수 있으나, 이 단계에서는 본격적으로 대상을 기하학적인 단위로 해체하여 재구성하는 수준에 이른다. 또한 명암과 원근 뿐만 아니라 색채 역시 배제되어 녹색과 황토색 등으로 한정되었다.

-종합적 입체파
1912년부터 1914년경까지 이어진 단계. 이 단계에 이르면 형태의 해체가 극단적으로 진행되었고 이에 따라 원래 무슨 물체인지 알아볼 수 없는 단계에 이르렀다. 브라크는 이를 극복하기 위해 현실의 다양한 오브제를 붙이는 콜라주, 파피에 콜레(papiers colle)의 기법을 도입했다. 형태를 그대로 묘사해서 현실감을 부여하는 것이 아니라 실제 사물의 소재를 연상시키는 오브제를 붙이므로써 실제 사물의 느낌을 주는 것이다.

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초현실주의

1.시대적 배경: 다다이즘이 기원이다. 다다이즘은 제1차 세계대전 후의 기성의 전통•질서에 대한 파괴운동이었던 만큼 비합리를 예찬하고 때로는 비윤리적인 방향으로 흐르며, 콜라주와 같은 새로운 기법, 오브제와 같은 직접적인 표현도 채택했으며, 초현실주의의 강력한 무기인 에로티시즘에 이르러서는 다다이즘의 비도덕적인 자세을 그대로 이어받았다고 할수 있다.

또한 더욱 나아가 초현실주의의 기원을 더 먼 곳에서 찾아보면, 그것은 입체주의 운동으로 거슬러 올라가야 한다. 이는20세기 예술운동 속에서 야수파나 표현주의 이상으로, 입체주의는 혁신적인 공간의식을 지니고 있기 때문이다.

2.사조의 특징: 콜라주, 오브제, 혁신적인 공간의식을 지님, 원근법(폴 세잔이 추구), 공간파악(입체주의 계열을 이음),

3.주요작가와 작품: 독일낭만파(노발리스-‘푸른꽃’, L.티크-‘프란츠 슈테른발트 여행’, W.H.바켄로더-‘예술환상’), 프랑스 낭만주의 거장 V.위고 - 초현실주의의 자동기술법(오토마터즘)에 가까운 방법 사용, 도밍게스-데칼코마니, 에른스트-프로타주, M.라리오노프와 N.S.곤차로바- 레요니슴

4.기타(이후 영향 준 사조 or 작가): 문화•예술에 한정하지 않고, 윤리•종교•정치의 면에 있어서도 기성관념에 대한 수정을 가하는 하나의 주의로서 형성되었다. 초현실주의와 초합리주의가 일체를 이루는 즈르통과 엘뤼아르의 공동작 ‘무원죄수태’ , 브르통의 대표시집 ‘자유로운 결합’이 간행되었다. 그러나 이 일파의 혁명적 야심은 점차 인간의 미적•윤리적 개념의 전복만으로는 만족하지 않고, 정치면에서 직접 행동으로 옮아갔으나, 초현실주의의 이론과 공산주의 이론의 일치에실패하여, 이 운동은 분열하지 않을 수 없었다. 후에 초현실주의는 국제전선운동으로 나타나, 36년에는 런던에서, 1938년에는 파리에서 앙그레 보르통, 폴 엘뤼아르가 중심이 되어 ‘국제쉬르레알리슴전’이 열렸다. 제 2차 세계대전까지의 기간은 프로이트의 정신분석의 영향이 초현실주의 운동의 재창조라기보다는 오히려 비평과 신화의 인식과의 방향으로 쏠렸다. 대전중에 브르통, 베레, 달리 등은 미국으로 건너가 해외에서 초현실주의의 선전을 계속하였다. 유파로서의 초현실주의는 일단 이론적인 면에서는 그 역할을 다했다고 볼 수 있으며, 미학적인 면에서 영향은 오늘날에 와서도 여전히 크다.

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표현주의

:정서적 효과를 위하여 색채와 형태를 과장하고 왜곡하는 미술을 가리키는 미술사조

1. 배경: 표현주의가 명확하게 자리잡기 시작한 것은 1905년경 부터이지만, 1880년대부터 그 전조가 나타났다. 표현주의는 프랑스에서 시작되었으나 다른 나라에서도 거의 동시에 전개되었다. 특히 독일의 경우, 1933년 나치의 탄압으로 해체되기 전까지 다른 어떤 나라보다 표현주의가 발전했다

2. 특징: 표현주의는  그뤼네발트Mathis Grünewald(c.1470~1528)나 엘 그레코 El Greco(1541~1614) 같은 화가들에게 적용함으로써 용어 사용에 약간의 혼란을 가져왔고, 더 넓은 의미로는 낭만주의나 바로크와 유사한 미학, 비평 용어로 통용되기도 했다
19세기 말 이전엔 형식의 아름다움이나 구성의 조화가 감성적인 메시지의 명료한 전달에 종속되어 있었기 때문에 전통적 규범(관습)의 완전한 파괴는 없었다. 그러므로 일반적인 의미에서 광범위하게 통용되고 있는 ‘표현주의’와 20세기 예술의 한 경향으로서의 ‘표현주의’는 구별되어야 한다.

3. 주요 작가와 작품: 키르히너-《마르첼라 Marzella》(1909~1910), 《거리의 다섯 여인들 Five Women on the Street》(1913), 《베를린의 거리 풍경 Berlin Street Scene》(1913), 《군인 차림의 자화상 Self-Portrait as a Soldier》(1915), 《할레의 붉은 탑 The Red Tower in Halle》(1915)

에밀 놀데- 『그리스도의 생애』의 토리프디카(1911~1912)

4. 표현주의의 여러 특징은 현대 미술에서도 많이 추구되고 있다. 타시슴과 추상표현주의는 표현주의의 직속 후예라 할 수 있으며 많은 그룹들이 야수주의와 다리파의 방법을 지금까지도 따르고 있다.

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1.시대적 배경

초현실주의는 제1차 세계대전 이후 1942년부터 제2차 세계대전 발발 직후까지 약 20년 동안 프랑스를 중심으로 일어난예술 운동인 다다이즘에서 시작된다. 다다이즘은 이성의 지배를 거부하고 비합리적인 것, 의식 아래의 무의식을 표현하는 예술 혁신 운동이다. 전쟁에서 살아남은 사람들은 전쟁의 원인이 이성에 의한 합리주의라고 생각해 이성과 현실에 대한 도피로서 무의식과 꿈의 세계를 표현하기 시작한 것이다.

2.사조의 특징

1)의식과 무의식응 혼합한 초현실을 창조

: 초현실주의란 현실을 초월한 미술이라는 의미를 지니고 있다. 비현실적이고 있을 법하지 않을 일 등을 그림으로 나타내무의식의 세계, 꿈과 같은 세계를 표현하고자 한 것이다.

2)새로운 기법의 창조

: 초현실적인 그림을 그리려면 그림의 내용뿐만 아니라 새로운 표현 방법을 창조해야 했다. 당시 창조된 기법으로는 무의식의 이미지를 기록하는 자동 기술법, 비논리적 상황을 표현하는 데페이즈망 그리고 우연적인 효과를 가져다 주는 콜라주, 앗상블라주, 프로타주, 데칼코마니 등이 있다.

3.주요 작가와 작품

1)살바도르 달리(1940. 05. 11. ~1989. 01. 23.): 무의식을 탐구한 20세기 초현실주의 화가

-기억의 지속(The persistence of memory)

-나의 욕망의 수수께끼(The Enigma of my Desire

2)르네 마그리트(1898. 11. 21. ~1967. 08. 15.): 표현이 서툴고 우스꽝스러운 그림을 그린 벨기에의 초현실주의 화가

-이미지의 번역(La trahison des images)

-골콩드(Golconde)

4.기타-마그리트의 생애

2)마그리트: 일반적으로 생각하는 화가들의 생애와는 비교적 평탄한 삶을 살았다. 성격이 좋은 편이라 인간관계가 원만하고 낭만적인 기질이 다분해 부부 사이 금슬도 매우 좋았다고 알려져 있다. 어렸을 때 만성 정신병을 앓던 어머니가 자살하여 마음에 큰 상처를 받기도 하였으나, 가정사가 불행한 경우가 많은 다른 화가들과 달리 그의 아버지는 어린 시절부터어머니를 잃은 아들에게 많은 사랑을 주고, 그의 재능을 인정하고 응원과 지원을 아끼지 않아 정서가 안정된 사람으로 성장할 수 있었다.

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<시대적 배경>
제1차 세계대전이 벌어지기 전 · 후로 인간 소외, 이성 중심, 합리적 가치관에 대한 반발로 서양 미술의 전통을 거부한 추상미술이 등장한다.

<특징>
추상미술은 결국 색채, 질감, 선, 창조된 형태 등의 추상적 요소로만 작품을 표현하게 되는 것이다.
눈에 보이는 현실이나 사물을 묘사의 대상으로 하지 않는다. 내면의 느낌이나 감흥을 표현하거나 사물을 의도적으로 왜곡하거나 재구성한다.
추상미술에는 순기하학적 ·주지주의적 경향과 낭만주의적 ·표현주의적 경향이 있다. 전자는 들로네와 몬드리안 등이고, 후자는 칸딘스키와 클레 등을 예로 들 수 있다. ‘뜨거운 추상’이 표현주의적이며 격렬한 색채의 약동을 추구하고, 한편 ‘차가운 추상’이 이지적인 공간을 추구한다, 추상미술이 지성에 중점을 두는가, 감정에 중점을 두는가에 따라서 크게 나누어지는 것을 알 수 있다.

<주요작가와 작품>
칸딘스키
음악에서 영감을 받아 예술활동을 함 비정형적 서정적. 표현적 뜨거운 추상
- <노랑 빨강 파랑>

몬드리안
작품의 표현을 최소한도의 기본적인 형태와 색채로 한정 수평과 수직선, 색 등을 조화시켜 화면을 구성한 차가운 추상
- <빨강, 파랑, 노랑의 구성>

말레비치
자연에 없는 원, 사각형, 삼각형등으로 이루어진

절대의 세계란 현실에서는 존재하지 않는

'관념의 순수 이데아'임을 강조함

- <검은 사각형>

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2015개정_고등학교 미술 감상과 비평_미진사 교과서

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표현주의

1. 시대적 배경
표현주의는 독일을 중심으로 1905년에서 1930년 사이에 일어난 미술사조이다. 시기를 딱 보면 알겠지만 1차세계대전을 거쳐 2차세계대전 전에 끝난다. 표현주의는 프랑스에서 시작되었으나 다른 나라에서도 거의 동시에 전개되었다. 특히 독일의 경우, 1933년 나치의 탄압으로 해체되기 전까지 다른 어떤 나라보다 표현주의가 발전했다.

2. 특징
표현주의자들은 감정과 감각을 직접적으로 표현하는 것을 중심으로 뒀다. 이들에게 선, 형태, 색채 등은 감정을 표현하기 위한 수단일 뿐이었으며, 구도나 구성의 균형과 아름다움같은 이전 회화의 전통은 감정을 더욱 강력하게 전달하기 위해 무시되고 왜곡되었다.

3. 주요작가와 작품
- 빈센트 반 고흐
표현주의의 시작이라고 할수있다. 그는 병으로 인해 그림이 어둡고 굉장히 추상적일 뿐만 아니라 강렬한 인상을 주는 화풍으로 유명하다.
그의 대표작은 < 별이 빛나는밤 >< 아를르의 포룸 광장의 카페테라스 ><해바라기 > 등등이 있다.

- 폴 고갱
빈센트 반 고흐와 같이 표현주의의 시작을 알린 화가로써 강렬한 색채의 실험으로 종합주의를 선도하고 그후 많은 화가에게 영향을준 화가이다.
그의 대표작은 < 타히티의 여인들 >< 황색의 그리스도 >< 황색의 그리스도가 있는 자화상 >< 이아 오라나 마리아 > 등등 이있다.

-> 폴고갱의 강렬한 색채실험이 인상깊다고 생각이 든다 당시 미술은 사진을 대변했엇는데 그러한 시대가 지나고 자신만의 화풍으로 표현하는 것 을 한번 해보고싶다 강렬한 색감과 추상적인 표현으로 나의 마음을 그려내볼 것이다.

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지원 학과 : 금속조형디자인과

생기부 비밀번호 : 001121

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미술활동보고서 일반적 양식

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미술활동보고서 일반적 양식

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미술활동보고서 - 홍익대 양식1

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- 불꽃놀이

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작품명-숲속에서

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작품명-영원한 안녕

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작품명 - 기묘한 감정의

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과정

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완성

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5강 신고전주의 후기인상주의

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5강 신고전주의 후기인상주의