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Liliana Cinetto

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LA INMISCUSIÓN TERRUPTA Como no le melga nada que la contradigan, la señora Fifa se acerca a la Tota y ahí nomás le flamenca la cara de un rotundo mofo. Pero la Tota no es inane y de vuelta le arr

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Diario de Lectura "Mientras no muera tu nombre"

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Diario de Lectura "Mientras no muera tu nombre"

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Proyecto de lectura - Documentos de Google

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Cosmovisión Ruptura - Documentos de Google

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TP1-Cosmovisión de Ruptura y experimentación

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Trabajo recuperatorio  para quienes tienen que rehacer el trabajo de la IA

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Trabajo recuperatorio  para quienes tienen que rehacer el trabajo de la IA

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Quienes tengan que rehacer el trabajo práctico sobre “La inteligencia artificial” lo harán a partir del siguiente texto con las consignas que abajo se detallan. Recuerden que las respuestas las deben responder ustedes, no está permitido el uso de la inteligencia artificial (se utiliza un detector de IA en cada trabajo)

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Trabajo final de Unidad. Entrega 11 de julio. Lee atentamente las consignas. 

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Trabajo final de Unidad. Entrega 11 de julio. Lee atentamente las consignas. 

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Roberto Fontanarrosa - Las malas palabras

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Roberto Fontanarrosa - Las malas palabras

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Roberto Fontanarrosa - Las malas palabras

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"Para el filósofo francés Henri Bergson, la risa es cosa de listos" Por Juan Yuste

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"Para el filósofo francés Henri Bergson, la risa es cosa de listos" Por Juan Yuste

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¿Por qué se hacen chistes en los velorios? | Pablo Vasco | TEDxMarDelPlata

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¿Por qué se hacen chistes en los velorios? | Pablo Vasco | TEDxMarDelPlata

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¿Por qué se hacen chistes en los velorios? | Pablo Vasco | TEDxMarDelPlata

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LA HISTORIA DEL HUMOR EN LA TV ARGENTINA: MINGUITO, OLMEDO, FRANCELLA, CHA CHA CHA Y... TINELLI.

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LA HISTORIA DEL HUMOR EN LA TV ARGENTINA: MINGUITO, OLMEDO, FRANCELLA, CHA CHA CHA Y... TINELLI.

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LA HISTORIA DEL HUMOR EN LA TV ARGENTINA: MINGUITO, OLMEDO, FRANCELLA, CHA CHA CHA Y... TINELLI.

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Enfrentando la muerte con humor | Sebastian Corona

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Enfrentando la muerte con humor | Sebastian Corona

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Enfrentando la muerte con humor | Sebastian Corona

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Actividad 28 de junio!  Grupal, máx cuatro integrantes. Es con nota! Háganla a conciencia!

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Actividad 28 de junio!  Grupal, máx cuatro integrantes. Es con nota! Háganla a conciencia!

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Se hace y se entrega el mismo día, el jueves. En la carpeta tienen el material necesario para resolver. Organicen el tiempo. Tienen dos horas.

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Actividades de contingencia para la continuidad pedagógica (1)

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El humor es un perro mutante. Hernan Casciari

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El humor es un perro mutante. Hernan Casciari

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La risa. Ensayo sobre el significado de la comicidad. -Fragmento-

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La risa. Ensayo sobre el significado de la comicidad. -Fragmento-

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La risa. Ensayo sobre el significado de la comicidad. -Fragmento-

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San Juan: suspenden a un profesor por leer a sus alumnos un cuento de Hernán Casciari

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San Juan: suspenden a un profesor por leer a sus alumnos un cuento de Hernán Casciari

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El Ministerio de Educación de la provincia de San Juan apartó al docente de teatro Juan Nicolás Esquibel. Ocurrió en el colegio Normal Superior Sarmiento, donde el profesor leyó un fragmento del cuento "Canelones", de Hernán Casciari, que contenía palabras inapropiadas según el criterio de padres y madres de algunos alumnos.

Según las versiones de los padres, el docente invitó a los estudiantes, de segundo año, a ver un video personal que no era apropiado para la edad de ellos y además les entregó un texto con contenido sexual.

María Buttazzoni, directora de Educación Secundaria del Ministerio de Educación, aseguró en una charla con radio Sarmiento que se trató de un caso que preocupa, dada la complejidad. "Según nos informaron, el profesor entregó un texto con contenido sexual y sobre homosexualidad a sus alumnos. A su vez, los habría invitado a los chicos a ver un video en una cuenta personal en la que presenta un monólogo en el que habla de contenido inapropiado para ellos", relató.

Qué dijo Casciari

El propio Hernán Casciari, autor del texto, reconstruyó lo ocurrido. Se comunicó con el docente Juan Nicolás Esquibel y con Marcela Herrera, rectora de la Escuela Normal Sarmiento.

Casciari también logró contactarse con Cecilia Trincado, Ministra de Educación de la provincia de San Juan.Y según el escritor, la charla fue "muy surrealista", puesto que la funcionaria reconoce la importancia del ejercicio, pero al mismo tiempo procede con la suspensión.

La rectora habló con Casciari y explicó que fue contactada por las autoridades del Ministerio, que están "muy preocupadas por que no estalle el escándalo. Pero los padres van a decir cualquier cosa, y los medios empiezan a replicar y perseguir. Hay autoridades del Ministerio que me están presionando desde el jueves a la noche para que empiece a explicar lo que hice". En este sentido, resaltó que primero habló con el docente, y ante la explicación de Esquibel, procedió con todas las presentaciones burocráticas.

Qué dijo el docente

También habló el docente, quien se mostró sorprendido por la repercusión del caso. "La semana pasada tenía que dar un ejercicio, y los chicos estaban bastante negados. Yo les comenté que estaba en la producción de "Canelones", mientras charlábamos de Fontanarrosa. Y les propuse leerles el cuento. A muchos chicos les encantó, lo fueron a buscar... y ahora estoy saliendo en todos los medios. Usan videos míos viejos, que hacía cuando era estudiante, para escracharme", dijo.

Tres "malas palabras"

El propio Casciari aclaró que en la versión leída en clase no había "malas palabras". Y contó que algunos alumnos se interesaron tanto en el cuento que fueron a buscar la versión original en sus casas por internet, "cosa que ya a esa altura deberían darle el premio al profesor porque sus alumnos fueron a internet a buscar algo", enfatizó.

En el relato original hay tres malas palabras ("culo", "teta" y "poronga") y el docente, siempre según el autor del cuento, no las leyó en clase.

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San Juan: suspenden a un profesor por leer a sus alumnos un cuento de Hernán Casciari | Ciudadanos | La Voz del Interior

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El docente de teatro había leído en clase el cuento "Canelones". Según los denunciantes, el relato tenía "contenido inapropiado".

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Hernán Casciari: "Memorias de un jugador de rugby"

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Bibliotecas UNAM, DGBSDI - ¿Cómo hacer citas y referencias en formato APA?

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En este Portal, puedes encontrar los datos de cada una de las Bibliotecas que integran el Sistema Bibliotecario y de Información de la Universidad Nacional Autónoma de México. Además puedes acceder a los Catálogos de cada una de las Bibliotecas y a sus respectivos sitios Web (en caso de contar con uno).

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Tu opinión es muy importante para mí. Esta encuesta tiene como objetivo recoger tus ideas, impresiones y sugerencias sobre mis clases. Las respuestas son completamente anónimas y serán utilizadas para mejorar la experiencia de aprendizaje y crecer como docente. Gracias por tu colaboración!

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Pega en el 'jamboard' tu imagen alegórica creada con inteligencia artificial

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Pega en el 'jamboard' tu imagen alegórica creada con inteligencia artificial

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En los comentarios copia el link o pega un video/imagen que te resulte verdaderamente graciosa

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Fau, Mauricio Enrique ( 2011). Cómo hacer una monografía. Buenos Aires, La Bisagra Editorial.

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Con la ayuda de una inteligencia artificial generadora de imágenes, tales como: DALL-E 2 (OpenAI), Midjourney Stable Diffusion, Ideorgam, DeepArt.io, Artbreeder, Runway ML, NightCafe Studio, Craiyon (anteriormente DALL-E Mini), Deep Dream Generator, VQ-VAE-2 (DeepMind). Generar imágenes alegóricas a partir de los siguientes conceptos. A sorteo. Pegar en el padlet. Sin decir que es alegoría. Los compañeros deberán interpretar.

1. La Muerte

2. El Poder

3. La Justicia

4. El Conocimiento

5. La Vanidad

6. La Guerra

7. La Paz

8. El Amor

9. La Libertad

10. El Tiempo

11. La Esperanza

12. La Naturaleza

13. El Destino

14. La Sabiduría

15. La Fe

16. La Abundancia

17. La Resiliencia

18. La Verdad

19. La Corrupción

20. La Redención

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EL CONSUMO DE NUESTROS ÍDOLOS. SOBRE “CARNE” DE MARIANA ENRÍQUEZ

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EL CONSUMO DE NUESTROS ÍDOLOS. SOBRE “CARNE” DE MARIANA ENRÍQUEZ

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Joselo G. Ramos

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Joselo G. Ramos

En este siglo los hitos culturales más expresos pertenecen a las masas, puesto que es donde encuentran a sus primeros Símbolos. ¿Cuáles son los hitos culturales de nuestra época? La invención de la imprenta, a mediados del siglo XV, fue uno que dio apertura y facilitó el acceso a los conocimientos universales, por ende, se revelaron sus Mitos, así como se multiplicaron las significaciones individuales. En la actualidad la palabra escrita parece estar relegada y es por medio de otros hitos, como la música ―por su expansión global― que los Símbolos llegan a presentarse. Es así que, en el ámbito musical, el hito cultural son las estrellas del rock: las que resignifican, por medio de melodía y lírica, la vida de las masas. En tal sentido, el hito cultural son las grandes figuras de la música contemporánea, en este caso una estrella de rock que, a partir de sus letras y la interpretación de sus escuchas, puede ser el Mito, se puede convertir en Símbolo. Con tales razones se expone la siguiente reflexión: son aquellos constantes escuchas y estudiosos de una estrella de rock, popularmente conocidos como fanáticos, los que ven un texto simbólico en la obra musical del artista, en pos de elevarlo al grado del Símbolo. Para ensayar dicha propuesta se perseguirán los acontecimientos del cuento "Carne" de Mariana Enríquez. Es necesario acotar que se parte de la episteme presente en El demonio de la interpretación. Hermetismo, literatura y mito (2017) de Gonzalo Lizardo y en variadas notas periodísticas que aluden al hurto de los restos de una estrella del rock de los noventas.

En primera instancia, el relato cuentístico, como toda obra de arte, descarga niveles de realidad. Por este medio se presentan una y otra vez los acontecimientos que conforman nuestro mundo. Tal reiteración es la que permite rememorar, conocer y dar significado a los acontecimientos narrativos que, a su vez, son los que moldean la historia, cultura y realidad. Mariana Enríquez (Buenos Aires, 1973) expone a las fans de una estrella de rock como intérpretes de su obra, cuya única verdad es el llamado que ésta, por medio de su música, ha hecho para ellas. En el mundo de "Carne" es notoria una sociedad afectada por la trágica muerte del rockero Santiago Espina. Sin embargo, no es sólo el fallecimiento del excéntrico músico lo que provocó la conmoción, sino el peculiar homenaje que le rindieron, en específico, Mariela y Julieta, fanáticas de Espina. El principal atractivo en los medios radiofónicos, televisivos e impresos son el par de chicas, que apenas pasarán a la mayoría de edad, residentes del suburbio Mataderos, en Argentina. El acto que las llevó a los reflectores de los medios internacionales fue usurpar la tumba de Espina para comer la carne de su ídolo. Aunque la prensa catalogó el hecho como un atroz caso de fanatismo adolescente, la deliberación de Mariela y Julieta tuvo un precedente en concreto. Fueron el exitoso álbum Carne y su canción homónima lo que impulsaron a las fanáticas. Sin duda, Mariana Enríquez no sólo expuso un efímero acto de canibalismo, mucho menos un impulso fanático. Es una lectura, una interpretación y una comunión entre Mariela, Julieta y Santiago Espina, que la sociedad y los medios quizá nunca podrían comprender.

El mundo que nos rodea está conformado por una serie de eventos que posteriormente tendrán un significado. En tal sentido dichos eventos, de forma ascendente, poseerán un sentido "[...] metafórico, uno alegórico y uno simbólico que conducirá hacia el anagógico, el más profundo [...]" (Lizardo, Gonzalo, El demonio de la interpretación. Hermetismo, literatura y mito, Siglo Veintiuno Editores, México, 2017, p. 44). Esta relación puede encontrarse en un crimen cuya víctima, Hipatia, se convirtió en un Mito que podría considerarse el de: la muerte del conocimiento; la caída de la sabiduría ante el poder, entre muchos otros ( Ibidem, pp. 50-51). El asesinato de Hipatia y el acto caníbal en "Carne" tuvieron por impulso un hecho en común. Fue la interpretación de un texto bíblico lo que permitió que se arremetiera contra la maestra neoplatónica; asimismo, fue determinada lectura "[...] donde el Espina susurraba 'Si tenés hambre, comé de mi cuerpo. Si tenés sed, bebé de mis ojos' [...]" (Enríquez, Mariana, Los peligros de fumar en la cama, Anagrama, Barcelona, 2020, p. 133) la invitación a Mariela y Julieta para hacer del músico Santiago Espina un Mito ―en este caso― descarnado. Nada alejado de la ficción que presenta Enríquez, algo similar ocurrió en mayo de 2008 cuando alguien robó las cenizas de Kurt Cobain, cantante de Nirvana, icono del rock en los noventa. Parte del cuerpo incinerado de Cobain terminó en manos de Natascha Stellmach, una artista australiana, quien anunció públicamente que, durante una exposición artística, fumaría las cenizas mezcladas con marihuana. Al igual que en "Carne", las intenciones de Stellmach eran las mismas que impulsaron a las fanáticas de Espina. Para ella, las cenizas llegaron a ella para cumplir un acto especial: "Vinieron a mí. Y yo lo voy a liberar" ("¿Quién se fumó las cenizas de Kurt Cobain?", RockPress, 2018). Es así que estos eventos pudieron tomar el significado del Mito, donde una comunión entre la muerte y la devoción resignifican los actos en lecturas e interpretaciones, trascendencia y unión entre hitos culturales modernos con sus seguidores.

ENRÍQUEZ, Mariana, Los peligros de fumar en la cama, Anagrama, Barcelona, 2020.

LIZARDO, Gonzalo, El demonio de la interpretación. Hermetismo, literatura y mito, Siglo Veintiuno Editores, México, 2017.

RockPress, "¿Quién se fumó las cenizas de Kurt Cobain?", 2018.

Joselo G. Ramos (Zacatecas, México, 1990). Es narrador y ensayista, licenciado en Letras por la Universidad Autónoma de Zacatecas. Autor de los libros de cuentos Más inquietante (2017) y Mal viento (2020). Ha publicado en distintos medios impresos y virtuales, como Punto en Línea, Punto de Partida, Círculo de Poesía y Efecto Antabús. Fue becario del Festival Interfaz "Desdibujando Límites", en la ciudad de Monterrey, N. L. (2017). Participó en el X Encuentro Nacional de Escritores Jóvenes, en la ciudad de Monterrey, N. L. (2019). Decano del Taller Literario "Roque Dalton", en Guadalajara, Jalisco (2019).

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El consumo de nuestros ídolos. Sobre "Carne" de Mariana Enríquez

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Joselo G. Ramos En este siglo los hitos culturales más expresos pertenecen a las masas, puesto que es donde encuentran a sus primeros Símbo...

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A TECNOLOGÍA MODERNA: LA NUEVA CUEVA DE PLATÓN

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A TECNOLOGÍA MODERNA: LA NUEVA CUEVA DE PLATÓN

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ALTERCULTURA

POR: LUIS ALBERTO HARA - 06/01/2018

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Hace unos días el Times de Londres publicó esta genial ilustración de Ella Baron, con la siguiente cita de la alegoría de la cueva que aparece en el libro séptimo de La república de Platón:
¿Cómo podrían ver otra cosa más que las sombras si no se les permitía mover las cabezas?
En la alegoría de la cueva Platón habla de unos prisioneros "que son como nosotros", que viven encadenados (hoy diríamos "conectados") y que sólo observan las sombras que proyecta en la pared el paso de diferentes objetos y estatuas que llevan otros humanos que se mueven en la parte superior de la cueva. Pasan la vida viendo una especie de espectáculo de marionetas. "Hombres como estos mantendrían que la verdad no es más que la sombra de cosas artificiales", dice el filósofo.

Con la alegoría de la cueva Platón pretendió explicar la educación, o la falsa educación que recibe el hombre en el mundo. Quizás hoy en día podríamos llamar "información" a esta falsa educación, en oposición a lo que Platón llama el conocimiento del alma. Se educa dando acceso a información - data- y no enseñando a pensar críticamente y a desarrollar lo que Platón llamó el ojo de la mente. Platón sugiere que la verdadera educación es voltear de todo el alma hacia la luz, hacia "aquello que es", con lo que se refiere a las ideas y particularmente a la idea del bien, que en el mundo "visible engendró a la luz". Podemos entender esto, tomando de la alegoría, diciendo que la verdadera educación y la vida filosófica consisten en contemplar la fuente o esencia y no las proyecciones o sombras. Es decir, en contemplar la realidad y no la virtualidad. Quizás se permita otra analogía: hoy en día consumimos información novedosa, predigerida y diluida pero no conocemos las fuentes, los clásicos. El mundo -la cueva- nos presenta distracciones que nos hipnotizan de tal forma que nos quedamos embotados presenciando un simulacro, sin siquiera pensar que existe otro mundo posible.

En el estado ideal de Platón, la labor de los adeptos -de los filósofos- era ascender hacia la luz de las ideas eternas, pero no quedarse en la dicha de la contemplación, sino regresar a la cueva e instruir a los demás. Estos filósofos, que eran capaces de recordar el ascenso del alma, debían gobernar la ciudad, ya no dormidos -como suelen gobernarse las ciudades, según Platón- sino despiertos y con una visión clara. Esta visión aristocrática o meritocrática de Platón ha sido especialmente criticada en la modernidad. Hoy en día, donde gobierna la opinión pública, la "sociedad" y lo políticamente correcto, todas las opiniones cuentan igual y una turba en las redes sociales puede acabar con un rey-filósofo.

Esta ilustración se combina perfectamente con la lectura de la monografía de W. Giegrich " The Occidental Soul's Self Immurement in Plato's Cave", en la que sostiene que la cueva de Platón hoy en día ha sido introyectada y se ha vuelto portátil y autoinmersiva. Nuestra tecnología hace que mediemos nuestra interacción con el mundo real a través de una especie de cueva platónica que llevamos con nosotros. Un ejemplo de esto es el hombre que va corriendo por la naturaleza oyendo música en unos audífonos con un smartphone, los cuales son "instrumentos para la introyección voluntaria... hacia la interioridad de una cueva, aquí un cuerpo sutil, una cueva de música". El ser humano se retira a un mundo interior, pero ese mundo interior no es el mundo de su alma; es un mundo artificial, un mundo de imágenes secundarias, sombras o simulacros de la realidad primaria. Llevamos nuestra cueva con nosotros: nuestras pantallas son como esa ubicua pared en la cual se proyectan sombras de baja resolución de realidad y que no dejamos de mirar nunca. En este caso, estamos voluntariamente conectados. Tal vez estas analogías sean un poco hiperbólicas, pero el estado actual de la dependencia tecnológica admite o incluso requiere urgentemente de este tipo de comparaciones radicales para sacar a alguno que otro del sopor de la cueva cotidiana.

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La tecnología moderna: la nueva cueva de Platón

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Hace unos días el Times de Londres publicó esta genial ilustración de Ella Baron, con la siguiente cita de la alegoría de la cueva que aparece en el libro séptimo de La república de Platón: ¿Cómo podrían ver otra cosa más que las sombras si no se les permitía mover las cabezas?

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Charly en el país de las Alegorías de Mara Favoretto

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Charly en el país de las Alegorías de Mara Favoretto

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Por: Jorge González

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El arte de contar historias está profundamente arraigado en la naturaleza humana y se practica desde tiempos inmemoriales. Inicialmente, la gente usaba bocetos y pinturas como lenguaje visual para transmitir mensajes religiosos o políticos. Como resultado, estos trabajos tenían que ser concisos y fáciles de comprender. Sin embargo, las historias a menudo son más que simples cuentos; también pueden ser alegorías.

Por lo tanto, el uso de la alegoría en el arte es un tema fascinante tanto para los historiadores del arte como para los entusiastas. La pinturas alegórica es una fuente de asombro, ya que contiene elementos que representan algo más y, en última instancia, forman una metáfora extendida. El deseo de percibir el mundo de una manera que supere los límites lógicos, físicos o materiales inspiró a muchos artistas a organizar los componentes de sus obras de arte para crear piezas con significados ocultos.

Las pinturas alegóricas ocultan el mensaje para amplificar su poder, lo que permite a los artistas construir un complejo reino de narrativas y símbolos. Por lo tanto, la alegoría en el arte ha enriquecido al mundo con interpretaciones multifacéticas e historias intrincadas. Además, ha permitido a los artistas ejercitar su creatividad e ingenio para producir obras de arte verdaderamente notables.

El de la pintura alegórica es un mundo fascinante del que aprenderemos más al respecto en esta publicación.

¿Qué es la pintura alegórica?

Alegoría se deriva del término latin allegoria, que a su vez se deriva de la palabra griega que significa "lenguaje velado".

¿Podría haber un enfoque más vívido para explicar el arte alegórico que el concepto de un lenguaje disfrazado? La alegoría se usa en una variedad de campos creativos, incluida la literatura, donde toma la forma de fábulas, parábolas, poemas o cuentos cortos con una historia específica en mente. La alegoría se diferencia del mundo de los símbolos y el simbolismo.

¿Cómo? A diferencia de los símbolos, que usan un objeto, figura o diseño para representar otra cosa, las alegorías en las pinturas usan diferentes aspectos para contar una historia diferente a la que ofrecen los pintores. ¿Qué queremos decir exactamente? Considera la conocida pintura Primavera del maestro italiano Sandro Botticelli (puedes ver y conocer más sobre esta y otras obrasde Botticelli en nuestra publicación " Obras de Botticelli: 20 de las pinturas que lo hicieron famoso a lo largo de su vida").

Es una de las representaciones más reconocidas de una imagen alegórica y mitológica, y ha sido descrita a lo largo de la historia como uno de los casos más comentados de pintura al temple. Los académicos y los historiadores del arte pueden leerlo de infinitas maneras porque la obra en si misma puede servir para referenciar mucha literatura clásica y contemporánea.

Una interpretación común de la obra de arte representa a un grupo de personajes mitológicos en un entorno natural, que simboliza la llegada de la primavera. Otros sugieren que la pintura sirve como metáfora del concepto de amor neoplatónico. Si bien algunos pueden ver la pintura como un ejemplo de pintura de figuras impresionantes, otros pueden cuestionar qué significados ocultos están presentes, particularmente con respecto a la figura central de Venus de pie debajo de su arco. El deseo de comprender plenamente todos los elementos que componen la composición es lo que alimenta la búsqueda de nuevos significados y revela la belleza de la alegoría.

Lo que la pintura alegórica oculta

La alegoría tiene el potencial de congelar la temporalidad de un mensaje, lo cual es muy fascinante. Esto puede parecer un desafío para las personas que disfrutan de una buena historia y siempre están buscando un mensaje. Debido al concepto del paso del tiempo, el rico significado de una persona, flor u otra pieza en particular que forma la composición a veces puede eludirnos. En tales casos, los significados morales y espirituales superiores están fuera de alcance sin la ayuda de un erudito.

Durante las épocas clásica y medieval, la pintura alegórica se usaba predominantemente para hacer referencia a cuentos bíblicos y se empleaban una variedad de símbolos religiosos. Por ejemplo, se utilizaron símbolos como la oveja, la paloma, la flor y el rayo de luz para transmitir el nacimiento de Cristo o la escena de la Anunciación, incluso si las figuras de la pintura se colocaron en un entorno secular, como en el cuadro de Robert Campin, "Virgen y niño ante una chimenea".

En esta pintura, la posición de las figuras y el color de sus túnicas aluden a las figuras religiosas de los textos, que es el mensaje subyacente de la imagen. Sin embargo, este mensaje se oculta a través de la figura femenina, el escenario que ocupa y el mundo fuera de su ventana.

A medida que el arte se desarrolló y avanzó hacia la abstracción, muchos artistas como Marcel Duchamp comenzaron a utilizar símbolos, imágenes, formas o materiales para representar ideas filosóficas y espirituales. La intrincada obra de Duchamp, Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, creada en dos grandes paneles de vidrio, cuenta una historia compleja de principios masculinos y femeninos, leyes únicas de la física y las matemáticas. Algunos críticos lo ven como una representación del deseo masculino y femenino, mientras que otros lo describen como una máquina de sufrimiento.

La obra de Duchamp también incluye elementos de apropiación artística, los cuales no pocas veces resultan controvertidos como puedes leer en nuestra publicación " ¿Qué es la apropiación artística?".

El uso de símbolos y abstracción en el arte proporciona al artista un extenso vocabulario para transmitir sus ideas, lo que a menudo conduce a nuevas interpretaciones y puntos de vista por parte del espectador.

Pintura alegórica para las Tradiciones Mitológicas

La mitología clásica parece ser un buen lugar para comenzar, ya que los comienzos de la pintura alegoríca se remontan a las grandes mentes de la antigua Grecia y Roma, como el uso de personificaciones de Homero en la Ilíada y la famosa Alegoría de la caverna de Platón.

La historia de Aquiles es una de las leyendas más famosas de la mitología. Fue llevado al monte Pelión cuando era niño para ser acogido por Quirón el centauro. La comprensión de Quirón sobre la ley natural, la medicina, la música y la caza fue buscada por todas las figuras más heroicas de la mitología, incluidos Perseo, Hércules y, por supuesto, Aquiles.

En la representación de esta historia de August-Clément Chrétien, Quirón representa el concepto de Maestro en "La educación de Aquiles" como una figura fuerte pero cariñosa que corrige el agarre de su arco y flecha por parte de su joven alumno.

Con frecuencia hay más en la historia de lo que parece en la mitología. Hay mucho engaño y ocultación. El arte alegórico puede ampliar esto para crear una metáfora más larga que proporcione al espectador más por descubrir. Zeus, rey de los dioses, se transforma en cisne para cautivar a la bella mortal Leda en la historia de Leda y el cisne.

En la pintura de esta fábula de Jean-Léon Gérôme de 1896, Leda, dulce y receptiva, representa la sensualidad misma. Gérôme, un maestro del retrato de la figura femenina desnuda, se sirve de esta historia y sus aspectos, representando tanto a Leda como al cisne como personificaciones de la belleza y el deseo.

Pintura alegórica y las Parábolas Bíblicas

La Biblia ha sido una fuente de inspiración para los artistas durante siglos, y muchas de sus historias se han convertido en temas populares en el arte. Pieter Lisaert, un viejo maestro flamenco, creó una pintura alegórica titulada La parábola de las virgenes imprudentes y las vírgenes sabias ( The Foolish Virgins and The Wise Virgins en inglés) , que representa una de las parábolas más conocidas de Jesús.

La pintura está basada en Mateo 25:1-13, que narra la historia de diez doncellas invitadas a una boda por el novio. La pintura de Lisaert muestra a las diez doncellas con lámparas, y las cinco vírgenes sabias en primer plano tienen aceite extra, que usan para mantener sus lámparas encendidas.

En contraste, las cinco vírgenes insensatas en el fondo no tienen provisiones adicionales y se las ve retozando, ignorando las consecuencias de no estar preparadas. Cuando el novio regresa, las vírgenes insensatas lo extrañan y no son conducidas de regreso a las festividades.

La pintura es una representación simbólica de la promesa de Dios de la segunda venida de Cristo y sirve como una instrucción para que el espectador permanezca vigilante, piadoso y siempre preparado ya que no se puede predecir el día y la hora del regreso de Cristo. La cuidadosa composición de Lisaert enfatiza aún más esta lección.

Las vírgenes sabias se colocan en el primer plano de la escena, reunidas en la base de un gran árbol, simbolizando su naturaleza sólida y constante, que se hace eco de las raíces del árbol. En contraste, las vírgenes insensatas se ven tambaleándose en el borde de una ladera de mármol en el fondo, que está fuera de alcance, entregando un poderoso mensaje oculto que es a la vez ingenioso e imaginativo.

Pintura alegórica y las escenas de género

Muchos de los mejores ejemplos de metáforas prolongadas empaquetadas en la pintura alegórica son de Pieter Brueghel el Joven. En su obra, el pintor, como en nuestro ejemplo anterior, quiere informar al observador. Brughel, por otro lado, nos advierte no solo de las trampas de la estupidez, sino también de la avaricia en su obra maestra, El alquimista.

En esta pintura, podemos observar a un alquimista trabajando fervientemente para crear oro, con su esposa, una erudita y un tonto ayudándolo en esta búsqueda poco práctica y arrogante. La práctica de la alquimia, cuyo objetivo era transformar un metal en otro, ya había sido completamente desacreditada cuando se creó esta escena de género en el siglo XVII.

Esta obra de arte habría funcionado como una clara advertencia a las audiencias contemporáneas para que tuvieran cuidado con la tentación de la riqueza no ganada. Brueghel transmite hábilmente las consecuencias de sucumbir a esta tentación a través de detalles intrincados, como el enfoque único del alquimista en la falsedad que tiene ante él, la búsqueda desesperada de su esposa de más monedas en su bolso y el frenético avivamiento de la llama por parte del tonto.

Además, Brueghel revela el resultado final de esta absurda empresa en la esquina superior derecha del panel. En el desastroso resultado del trabajo del alquimista, su familia se ve reducida a mendigar en el asilo. Como ocurre con toda pintura alegórica con un significado oculto, Brueghel imparte un mensaje claro al espectador para reflexionar: la imprudencia conduce a la ruina.

¿Alegoría en el arte contemporáneo?

La escena del arte contemporáneo actual es realmente variada, lo que permite una amplia gama de técnicas y estilos. A medida que pasa el tiempo y la civilización, el lenguaje visual actual rara vez hace referencias religiosas tan abiertas, pero hay numerosos ejemplos de artistas que emplean cosas cotidianas para reflexionar sobre temas urgentes actuales. Sarah Lucas, una artista británica, es una de esas autoras que emplea la escultura y las instalaciones para fomentar la alegoría en el arte.

Para Lucas, el uso de la alegoría demuestra cómo un solo objeto puede tener múltiples significados. Utiliza la comida para hablar de política sexual en su obra Two Fried Eggs and a Kebab. Este cambio de tema nos hace reconocer que la premisa de usar la alegoría siempre será la misma.

Finalmente, la pintura alegórica utiliza numerosos temas de obras de arte y los diversos elementos que componen las composiciones para reflejar implicaciones morales, espirituales y políticas más profundas y para hablar sobre la vida, la muerte, el amor, la moralidad y la justicia. A menudo, el mensaje y la lección que todos reconocemos no es un recordatorio violento, sino uno que nos permite interpretarlo como mejor nos parezca.

A lo largo de los muchos movimientos artísticos, evolucionaron las pinturas alegóricas. Dioses, diosas y personajes mitológicos se utilizaron en el período clásico para inspirar nuevas narrativas, pero el surrealismo hizo referencia al inconsciente y se trasladó a la no figuración.

La ambigüedad de la pintura alegórica es precisamente la razón por la que es tan popular. En el arte alegórico, el conocimiento proporcionado por una historia o un sistema de imágenes observado con atención toca una parte básica de la experiencia humana.

La alegoría es utilizada por artistas contemporáneos como Walton Ford y Kara Walker para ilustrar las dificultades en la percepción. El artista Hahan realiza instalaciones complejas estéticamente densas como "Operación silenciosa: Estudio de signos basado en la fórmula del arte (visual) contemporáneo", una alegoría sobre cómo tener éxito o no en el mundo del arte contemporáneo.

La instalación multimedia y digital del artista Lu Yang "La gran aventura del mundo material" explora el viaje del yo a través de la narrativa de un avatar digital en un mundo de videojuegos. La escultora Juie Lluch recreó el Spoliarium en su "Irresistible Grace: In the Time of Plague" como una alegoría de la sociedad filipina contemporánea.

Según el libro de Craig Owen El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo, los tres subgéneros del alegorismo moderno incluyen caprichoso, inspirador/espiritual y paradójico. Estos subgéneros describen el mecanismo a través del cual el artista transmite el mensaje.

Las alegorías modernas caprichosas usan el humor de una manera no crítica para alentar al espectador a cuestionar sus propias perspectivas y comportamiento. Las alegorías modernas inspiradoras/espirituales intentan inspirar al espectador a creer en sus propias habilidades y confiar en sus dones innatos. Las alegorías modernas paradójicas colocan los elementos comunes de manera contraria a las expectativas del espectador para animar al espectador a evaluar el lugar común y ver sus propias ideas preconcebidas bajo una nueva luz.

Pintura alegórica en tiempos modernos... ¿Poca cosa?

En su sitio web, la artista Gillain Holding analiza la otra cara de la actitud moderna hacia la pintura alegórica. Cuando se trata de posmodernismo, el 'ismo' de una sociedad posmoderna de consumismo masivo, "cultura sin profundidad" y cultura superficial de celebridades. Los teóricos de la cultura comenzaron a pensar en qué tipo de métodos gramaticales y culturales podrían encapsular este universo, pidiéndonos que contempláramos el montaje, el pastiche, la ironía, la parodia... y, sí, la alegoría.

Pero el hecho de que la alegoría se convirtiera en un tema serio de investigación a finales del siglo XX no la hacía menos humillante para los artistas que admitían tener una inclinación alegórica. Las palabras de Friedrich Melchior Grimm sonarían inútilmente en los oídos de cualquier artista:

"Por mi parte, creo que nada atestigua tanto la falta de genialidad de un artista como recurrir a la alegoría".

Suena trágicamente privativo y snob. Sin embargo, el impulso alegórico es difícil de ignorar para los artistas contemporáneos. La apropiación de imágenes vaciadas de su significado original es evidente en una variedad de prácticas artísticas contemporáneas, y las instalaciones específicas del sitio informadas por el culto alegórico de la ruina son dos manifestaciones observadas por Craig Owens en sus célebres ensayos de principios de la década de 1980.

Hay pintura alegórica y escultura alegórica siendo realizadas por todo tipo de artistas de todo el mundo que intentan transmitir mensajes a los que no les importan los puntos de vista absolutistas de cualquier índole sobre cómo ser un genio o un artista genuino. Hay tendencias y movimientos, pero los artistas continuarán utilizando la pintura alegórica y cualquier otra herramienta que consideren aceptable para su propia producción y expresión. Eso es un hecho.

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¿Qué es la pintura alegórica? - ttamayo.com

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El de la pintura alegórica es un mundo fascinante del que aprenderemos más al respecto en esta publicación. Es una fuente de asombro, ya que contiene elementos que representan algo más y, en última instancia, forman una metáfora extendida.

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Metáfora, símbolo y signo - Dustin Muñoz

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Trabajo final “Cadáver exquisito” de Agustina Bazterrica

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Trabajo final “Cadáver exquisito” de Agustina Bazterrica

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Anderson Imbert "El mecanismo de la Alegoría"

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Anderson Imbert "El mecanismo de la Alegoría"

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ANDERSON IMBERT Enrique - Teoria y tecnica del cuento-238-240

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Publicado en Tiempo Argentino (2015)

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Siempre es bueno volver a la caverna. Volver al relato de la caverna que no es volver a la caverna, aunque el relato de la caverna culmine…

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Resolver a medida que se avanza en la lectura.

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Novela "Cadáver exquisito" de Agustina Bazterrica

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Novela "Cadáver exquisito" de Agustina Bazterrica

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So some of him lived
but the most of him died
Rudyard Kipling

Todos los programas, los diarios, las revistas y las radios querían hablar con ellas. Los móviles de la televisión se instalaron afuera de la clínica psiquiátrica donde quedaron internadas durante más de una semana, pero no consiguieron nada. Cuando fueron dadas de alta, los camarógrafos las persiguieron corriendo, algunos se enredaron en los cables y muchos cayeron sobre el pavimento; pero ellas no huyeron. Sólo los miraron con una sonrisa que después fue descripta como "aterradora" y "mística", y se fueron en el auto que manejaba el padre de Mariela, la mayor. Los padres tampoco hablaban: las cámaras sólo pudieron registrar sus nerviosos paseos por los pasillos de la clínica, sus miradas temerosas, y el llanto de la madre de Julieta, la menor, cuando salía de su casa con un bolso lleno de ropa.

El silencio provocó la mayor histeria jamás vista. Las tapas de los diarios hablaban del caso de fanatismo adolescente más impactante no sólo de Argentina, sino del mundo. La noticia fue levantada por las cadenas de noticias internacionales. Fueron convocados expertos psiquiatras y psicólogos, el tema monopolizó los noticieros, los programas de chimentos, los magazines y talk shows de la tarde; en la radio no se hablaba de otra cosa. Julieta y Mariela, dieciséis y diecisiete años, dos chicas de Mataderos fanáticas de Santiago Espina, la estrella de rock que en menos de un año había dejado atrás el suburbio para llenar teatros y estadios del centro de Buenos Aires; Santiago, a quien la prensa especializada amaba y odiaba en partes iguales: genio, pretencioso, artista inclasificable, artefacto comercial para hipnotizar niñas alienadas, futuro de la música argentina, idiota caprichoso. El Espina, como lo llamaban idólatras y detractores, dejó estupefacta a la crítica con su segundo disco, Carne, once canciones que dividieron las aguas aún más: de un lado lo llamaban obra maestra, del otro anacronismo autoindulgente. Las ventas se dispararon, y la discográfica empezó a soñar con un lanzamiento internacional; Santiago Espina era extraño, sí, era impredecible y casi nunca daba entrevistas, pero, ¿cómo podría negarse a giras promocionales por México, Chile, España? Sólo tenían que convencerlo de que hiciera un videoclip de una vez por todas, para que el mundo pudiera ver sus ojos y el modo en que el pantalón le rozaba los punzantes huesos de la cadera.

Un mes después de que Carne se agotara, la ciudad empapelada con el rostro del Espina recibía la noticia de su desaparición, días antes de la presentación del disco superexitoso en el Estadio Obras. Las entradas estaban agotadas. Las fans -porque eran sobre todo chicas, lo que aumentaba el desprecio de los detractores- lloraban en espontáneas reuniones callejeras, organizaban marchas y recitaban las letras de Carne en una letanía extática, arrodilladas frente a posters del Espina pegados con cinta scotch a monumentos y árboles en todas las plazas de Buenos Aires, como si le rezaran a un dios moribundo.

Cuando la desesperación se contagió a las adolescentes del interior del país, el hallazgo del cuerpo del Espina provocó un terror desconocido en los padres desorientados. Santiago apareció en una habitación de hotel de Once, con todo el cuerpo cortajeado: había usado una gillette y un Tramontina a conciencia para despellejarse los brazos, las piernas, el vientre. En el brazo izquierdo, había cortado hasta el hueso. En el pecho era posible ver el esternón. Y, posiblemente semiinconsciente, se había cortado la yugular con un tajo audaz y preciso. No se había mutilado la cara. Uno de los policías encargado de forzar la cerradura de la habitación abajo declaró que le había recordado a una cámara frigorífica: era pleno invierno, y además Santiago había dejado encendido el aire acondicionado. Hubo teorías conspirativas sobre un posible asesinato, pero fueron desechadas cuando trascendió que la habitación estaba cerrada con llave desde adentro y se difundió la nota suicida, casi ilegible por la letra nerviosa y las manchas de sangre. Decía: "Carne es comida. Carne es muerte. Ustedes saben cuál es el futuro". Delirios agónicos, dijeron los expertos. Y las fans callaron y lloraron encerradas en habitaciones donde se mezclaban los osos de peluche, los diarios íntimos con tapas rosas, las mochilas siempre sobrecargadas y las fotos del Espina más hermoso que nunca, ahora que la muerte le brillaba en los ojos.

El país esperó una epidemia de suicidios adolescentes que nunca llegó. Las chicas volvieron al colegio y a los boliches, y apenas se registró un caso de depresión grave en Mendoza, aunque todas escuchaban Carne como la última voluntad y testamento de su ídolo, tratando de descifrar las letras en foros de Internet y largas conversaciones telefónicas. La prensa despidió a Santiago Espina con titulares y elegías, y por un tiempo sólo se habló de suicidio, drogas y rocanrol. El entierro en la Chacarita fue mucho menos concurrido y más triste de lo esperado, y el duelo se aplacó una vez terminado el desfile del entorno de la estrella por los programas de televisión. La cirugía estética de una modelo resultó desastrosa; un galán declaró ser gay; secuestraron a un adolescente de San Fernando y renunció el director técnico de River. Santiago Espina pasó a las efémerides, listo para ser desenterrado cuando se cumpliera un año de su nacimiento, o de su muerte.

Nadie podía suponer que algo se estaba gestando en Mataderos, entre dos chicas, una foto arrugada de la nota suicida y Carne en el equipo, de principio a fin, una y otra vez.

Mariela había sido una de las primeras "espinosas" (así llamaban los medios a las fans, las chicas con los ojos delineados de negro mortuorio, baratas boas de plumas al cuello y pantalones que imitaban la piel de los leopardos). Lo había seguido durante un año, noche tras noche, por donde el Espina tocara. Conocía todos los trenes y colectivos suburbanos, y había pasado madrugadas heladas en andenes temblando de frío, con la lista de temas en el bolsillo, acariciando el papel con los ojos cerrados. El Espina la conocía y a veces -muy pocas, porque casi nunca se comunicaba con su público, ni siquiera para anunciar los temas o decir buenas noches- le daba algún pequeño obsequio: la púa de la guitarra o un vaso de plástico con restos de cerveza. En el baño de un local de Burzaco conoció a Julieta, la más célebre de las espinosas porque se había tatuado el nombre del ídolo en el cuello; de lejos, las letras parecían una cicatriz, como si la cabeza estuviera cosida al cuello. Ella había logrado sacarse una foto con el Espina: los dos aparecían muy serios, no se tocaban, y el flash les había enrojecido los ojos. Julieta y Mariela vivían a apenas diez cuadras de distancia y el suicidio del Espina las unió tanto que empezaron a parecerse físicamente, como las parejas que conviven durante décadas o los solitarios que adquieren la expresión de sus mascotas.

Ese parecido mimético había sorprendido al cuidador del cementerio que las encontró de madrugada, cuando trataban de saltar el paredón. "Estaba oscuro todavía -dijo-, pero nunca pensé que eran chorros. De lejos se notaba que eran pibitas, y cuando me acerqué vi que además eran gemelas." Julieta y Mariela no lucharon con el cuidador. Aparentemente atontadas, se dejaron llevar hasta la oficina; el hombre creía que estaban drogadas, y supuso que habían pasado la noche en el cementerio para velar al Espina. El y sus compañeros habían encontrado chicas antes, escondidas en los pasillos de los nichos y detrás de los árboles cerca de la hora del cierre, pero ninguna logró acompañar al ídolo hasta el amanecer. El cuidador creyó que Julieta y Mariela habían tenido suerte, pero mientras las retaba y les pedía el teléfono de sus padres, observó que las chicas estaban sucias de tierra, sangre y una película de mugre que apestaba y les cubría las manos y la ropa y los rostros. Entonces llamó a la policía.

Por la tarde, la noticia se filtró a los medios. Dos adolescentes habían desenterrado el cajón de Santiago Espina con una pala y sus propias manos. La sepultura, apenas un mes después de su entierro, aún no tenía el mármol definitivo que les hubiera dificultado la tarea. Pero la exhumación era apenas el principio. Las chicas habían abierto el féretro para alimentarse de los restos del Espina con devoción y asco; alrededor del hueco daban testimonio de su esfuerzo los charcos de vómito. Uno de los policías también vomitó. "Dejaron los huesos limpios", le dijo a la televisión, y el conductor, estremecido, se quedó sin palabras por primera vez en su carrera. Las chicas fueron llevadas en un patrullero hasta la comisaría y allí se decidió su internación en una clínica privada. Los policías dijeron que Julieta y Mariela nunca habían llorado, ni hablado con ellos; sólo se susurraban cosas al oído y estuvieron todo el tiempo tomadas de la mano. Trascendió que, cuando quisieron bañarlas en la clínica, se resistieron con tanta furia que una de las enfermeras acabó mordida y arañada; hubo que medicarlas y limpiarlas dormidas.

Hablar con ellas, con sus familias, con sus médicos, se convirtió en una prioridad. Pero todos callaban. La familia del Espina decidió no demandar a Julieta y Mariela "para que no siga este horror". La madre de la estrella, decían, vivía sobrecargada de tranquilizantes. Las versiones de un intento de suicidio previo no pudieron confirmarse; tampoco se encontró a ninguna novia del Espina, sólo amantes que no habían pasado más de una noche con él, y poco tenían para contar. Los músicos de la banda se negaron a hablar con la prensa, pero quienes los conocían afirmaban que estaban shockeados y, sobre todo, asqueados. Se supo que todos abandonarían la música para siempre. Nunca habían tenido una buena relación con Santiago, eran empleados, o más bien esclavos que aceptaban sus caprichos con resignación, por ambición y una admiración distante.

Las fans se sentaron malhumoradas en livings y paneles televisivos a pelear con conductores y psicólogos. Habían decidido evitar la ropa negra, y aparecían despatarradas sobre los sillones con los labios rojos, pantalones de leopardo, remeras brillantes y las uñas rojas, azules, verdes, rosadas. Contestaban a las preguntas con monosílabos y a veces con risitas irónicas. Una de ellas, sin embargo, lloró abiertamente cuando le preguntaron qué pensaba de las chicas que habían comido del ídolo. Desafiante, gritó: "¡Las envidio! ¡Ellas lo entendieron!". Y balbuceó algo sobre la carne y el futuro, dijo que Julieta y Mariela estaban más cerca que cualquiera de ellas del Espina, lo tenían en su cuerpo, en su sangre. Hubo un programa especial sobre los adolescentes soldados caníbales de Liberia que creen obtener la fuerza de sus enemigos devorados y usan collares de huesos. El canal que lo emitió fue denostado como ejemplo de mal gusto y simplismo. Se habló de la necrofilia como perversión nacional, y los canales de cable programaron ¡Viven!" y Voraz. Hasta Carlitos Páez Vilaró participó de una mesa redonda y se vio obligado a diferenciar su antropofagia "por necesidad" de "esta locura". Especialistas en cultura rock y sociólogos desmenuzaron las letras de Carne; algunos compararon al Espina con Charles Manson, otros, horrorizados, denunciaron ignorancia y simplismo, y elevaron al Espina a la categoría de poeta y visionario.

Julieta y Mariela, mientras tanto, permanecían en sus casas de Mataderos, separadas por diez cuadras; les habían prohibido volver a comunicarse. Dejaron el colegio. El padre de Mariela amenazó a los camarógrafos con un arma desde la terraza, y los medios retrocedieron hasta la esquina. Los vecinos sí hablaban y decían lo predecible: buenas chicas, adolescentes un poco rebeldes, qué barbaridad, esto no puede volver a pasar. Muchos se mudaron. La sonrisa de las chicas, congelada en las pantallas de sus televisores y las tapas de los diarios, les daba miedo.

Mientras tanto, en todo el país, en cada cybercafé, las espinosas se reunían frente a las pantallas de las computadoras, porque comenzaron a llegar los mails. Ninguna podía jurar que fueran de Julieta y Mariela, no sabían si ellas tenían acceso a Internet en su aislamiento, pero todas lo sabían, lo deseaban, y guardaban el secreto celosamente. Los mails hablaban de dos chicas que pronto cumplirían dieciocho años y se liberarían de padres y médicos para tocar las canciones de Carne en sótanos y garages. Hablaban de un culto subterráneo imparable, de Ellas Las Que Tenían Espinas en el cuerpo. Las fans esperaban con brillantina en las mejillas, las uñas pintadas de negro y los labios manchados de vino tinto el mensaje que les diera la fecha y el lugar de la segunda venida, el mapa de una tierra prohibida. Y escuchaban la última canción de Carne (donde el Espina susurraba "Si tenés hambre, comé de mi cuerpo. Si tenés sed, bebé de mis ojos") soñando con el futuro.

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So some of him lived but the most of him died Rudyard Kipling Todos los programas, los diarios, las revistas y las radios querían hablar con ellas. Los móviles de la televisión se instalaron afuera de la clínica psiquiátrica donde quedaron internadas durante más de una semana, pero no...

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Canción De Alicia En El País- Serú Giran

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Canción De Alicia En El País- Serú Giran

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Canción De Alicia En El País (Remastered 2012)

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OBSESIONADA CON LA BELLEZA | CORTO ANIMADO

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OBSESIONADA CON LA BELLEZA | CORTO ANIMADO

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OBSESIONADA CON LA BELLEZA | CORTO ANIMADO

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La inmolación por la belleza- Marco Denevi

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La inmolación por la belleza- Marco Denevi

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"Reflexión Crítica: ¿Deberíamos continuar con Cadáver exquisito?"

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"Reflexión Crítica: ¿Deberíamos continuar con Cadáver exquisito?"

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_Reflexión Crítica_ ¿Deberíamos continuar con Cadáver exquisito

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Trabajo Integrador correspondiente al periodo de intensificación FEBRERO 2025