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La cerámica fue encontrada en la Cueva Xianrendong en el norte de la provincia de Jiangxi, China, a unos 100 kilómetros al sur del río Yangtze.

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Encuentran fragmentos de cerámica de 20.000 a.C. en China.

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Encuentran fragmentos de cerámica de 20.000 a.C. en China.

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Investigadores afirman haber encontrado en China los fragmentos más antiguos de cerámica de los que se tenga registro hasta el momento, con unos 20.000 años de antigüedad, según un estudio publicado en la revista científica Science.

Se cree que los trozos pertenecieron a una comunidad de cazadores-recolectores itinerantes y que habrían sido utilizados como elementos de cocina, debido a las marcas de quemaduras que tienen, según los investigadores de la Universidad de Pekín, Boston, Harvard y Eberhard Karls.

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Recipiente de cerámica de hace 15.000 encontrado en Japón. Nature.

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LOS COCINEROS DE LA EDAD DE HIELO (15000 a.C)

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LOS COCINEROS DE LA EDAD DE HIELO (15000 a.C)

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El arqueólogo de la Universidad de York Oliver Craig (junto a arqueólogos internacionales) ha descubierto en Japón restos de grasas en cuencos de cerámica que datan de hace 15.000 años, lo que demuestra no sólo que la cerámica se comenzó a utilizar antes del desarrollo de la agricultura, sino que algunos cazadores-recolectores de la zona la utilizaron para cocinar. Los restos de grasas se corresponden con pescado, tanto de agua dulce como marino, ya chamuscado y pegado en los bordes de algunos de estos recipientes.

Pero posteriores descubrimientos demostraron que el periodo Jomon fue uno de los más prolíficos en fabricación de cerámica e innovaciones técnicas. La reconstrucción de vasijas con restos de grasas miles de años atrás confirma esa teoría y la emplaza en el tiempo mucho más atrás, en la época glacial del Pleistoceno tardío, sacudiendo con mayor virulencia la teoría del Japón primitivo y únicamente recolector de arroz.

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PRIMERAS FIGURILLAS MODELADAS (10000 a.C)

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PRIMERAS FIGURILLAS MODELADAS (10000 a.C)

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Las primeras figurillas modeladas en arcilla datan de 10.000 a. C.; posiblemente se las utilizaron en rituales y ceremonias de fertilidad.

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Vasijas de la cultura Yangshao en la China neolítica 

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Uno de los tipos de arte más antiguos de China es la cerámica neolítica. Llamado así por el periodo durante el cual fue producido, este género de arte incluye piezas de cerámica creadas entre el año 10,000 y 2,000 a.C. Aunque en un principio la cerámica neolítica no se pintaba, varias piezas—particularmente las que fueron creadas por el pueblo Yangshao, quienes vivieron a lo largo del río Amarillo entre el año 5,000 y 3,000 a.C.—fueron decoradas al presionar cuerdas sobre ellas, dejando marcas distintivas.

Hacia el final de la era neolítica, el pueblo Yanshao comenzó a pintar su cerámica, siendo los diseños geométricos y rostros humanos algunos de sus motivos preferidos.

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Este conjunto de vasijas de cerámica de Neolítico representa el tipo de recipientes analizados para un estudio del queso en la antigüedad.

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Con 7.200 años, este podría ser el queso más antiguo del mundo.

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Con 7.200 años, este podría ser el queso más antiguo del mundo.

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Los ácidos grasos descubiertos en vasijas de cerámica en Croacia podrían pertenecer al queso más antiguo de la región, una afirmación con la que no todos los expertos están de acuerdo.

Ahora, un nuevo estudio de la revista PLOS ONE afirma haber descubierto la producción de queso más antigua del Mediterráneo e identifica restos del producto lácteo fermentado en vasijas de cerámica de 7.200 años de antigüedad. Pero algunos científicos no están tan seguros del hallazgo y sugieren que tiene lagunas.

Los investigadores del estudio más reciente no pretendían encontrar queso, sino que les interesaba más el almacenamiento de alimentos en el Mediterráneo. Acudieron a dos yacimientos neolíticos cerca de la costa de Croacia, donde recogieron fragmentos de alfarería que datan del 6.000 al 5.000 a.C. Extrajeron restos de ácidos grasos de la superficie de las vasijas y las analizaron según su masa y sus isótopos de carbono para averiguar si procedían de carne, leche en estado líquido o queso.

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Vasija de la Edad Neolítica, descubierto durante otras excavaciones en la provincia de Henan y pertenece a la cultura de Yangshao.

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CERÁMICA DE 4.000 AÑOS DE ANTIGÜEDAD DESTIERRA LA IDEA DE QUE LAS TRIBUS DEL NORTE DE CHINA ERAN NÓMADAS.

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CERÁMICA DE 4.000 AÑOS DE ANTIGÜEDAD DESTIERRA LA IDEA DE QUE LAS TRIBUS DEL NORTE DE CHINA ERAN NÓMADAS.

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Un equipo de arqueólogos ha descubierto más de 500 piezas de no menos de 4.000 años de antigüedad durante las excavaciones en la provincia de Heilongjiang, en el noreste de China, informó Xinhua.

Las excavaciones se llevaron a cabo en el territorio de las antiguas ruinas de Honghe ubicadas a lo largo del río Nenjiang, en la ciudad de Qiqihar. Se cree que el antiguo asentamiento se fundó en el Neolítico. Fue descubierto después de que los arqueólogos locales encontraran dos tumbas en el área con reliquias de barro desenterradas entre 2004 y 2009.

La excavación de las ruinas de Honghe comenzó en 2013. Según el subdirector del Instituto del Patrimonio Cultural de la provincia de Zhang Wei, su descubrimiento permitió refutar la hipótesis de que las tribus homínidas que vivían en el noroeste de China no contaban con grandes sitios permanentes.

Entre los objetos encontrados había cerámica, así como productos de piedra y hueso, entre los que había objetos cortantes. Además, se hallaron trincheras en forma de anillo, que probablemente se utilizaron con fines defensivos, lo que indica una vida relativamente activa y la presencia de conflictos entre tribus en ese período.

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CERÁMICA DE LA CULTURA OLMECA (3000 a.C)

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CERÁMICA DE LA CULTURA OLMECA (3000 a.C)

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La cerámica de la cultura Olmeca se la consideraba monocroma (un solo color), ya sea café, negra, roja o blanca, al pasar el tiempo empezaron a utilizar la bicromía (uso de dos colores) tales como rojo sobre blanco, rojo sobre café y negro con bordes blancos.

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La cerámica en el Antiguo Egipcio (3100 a.C)

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La cerámica en el Antiguo Egipcio (3100 a.C)

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El barro fue la primera materia prima que utilizó el ser humano. Con ella construyó su casa, fabricó sus utensilios y creó otras formas artísticas: estatuas de figuras humanas o de animales. Sin duda, el hombre antiguo eligió adecuadamente esta materia, ya que el barro no se oxida como los metales, ni se pudre como las maderas.

Afortunadamente, el ser humano fabricó sus utensilios de barro, muchos de los cuales han permanecido para testimoniar los acontecimientos históricos y el progreso de la humanidad.

La decoración de vasijas de barro reveló las primeras formas de la creación del ser humano y su expresión artística. Podemos observar esta forma de desarrollo en el uso del barro, desde que fue utilizado por el hombre: empezó cubriendo las cestas, luego reprodujo directamente la forma de las cestas, aplicándoles una decoración con una banda (o cinta) brillante de otro color en el borde. Cuando el alfarero observó que el contenido líquido de la vasija caía desde el borde hacia la base, tuvo la genial idea de de cubrir la superficie con figuras geométricas. Estas aparecieron como líneas cruzadas al principio, y luego tomaron formas geométricas más finas y armonizadas.

A través de las excavaciones hechas en distintos lugares del antiguo Oriente Medio, se puede contemplar una gran colección de diferentes materiales, que registra este desarrollo decorativo, utilizando un pincel muy fino. Se encontraron muchos ejemplares de la era prehistórica en Egipto, Persia y el antiguo Irak, con dibujos de formas humanas y animales, comparables a los antiguos dibujos hechos por el hombre paleolítico en las paredes de las cuevas.

En esa época, las ornamentaciones fueron representadas como unidades decorativas repetidas, que se enlazan –en ocasiones en el contorno de la vasija, y, en otras, rellenan los espacios de las paredes con una simple figura. Así empiezan a aparecer los caracteres regionales de cada lugar, y, a través del tiempo, se van desarrollando para confirmar la creación artística del hombre, de un lugar a otro.

Las primeras decoraciones primitivas fueron hechas con barro, utilizándose herramientas de madera y empleándose las uñas del pulgar, mucho antes de conocerse el horno. Sin embargo, algunas vasijas encontradas en Egipto, cuya fabricación se remonta a la época predinástica (3100 a.C.), hacen pensar que fueron decoradas después de pasar por el horno.

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Esta cerámica fue producida por la cultura maya precolombina de Mesoamérica, crearon vasijas de diferentes colores, tamaños con usos variados, las piezas para la élite podían estar pintadas con escenas muy detalladas mientras que las vasijas comunes no se las decoraba, los materiales utilizados eran de dos tipos que se relacionaban con la estructura social, la piedra caliza y la ceniza volcánica.

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ARTISTA EGIPCIO, CUARTA DINASTÍA (2723-2963 a.C)

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ARTISTA EGIPCIO, CUARTA DINASTÍA (2723-2963 a.C)

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En el Antiguo Egipto, el artista empezó a concentrarse, dejando lo primitivo para mirar hacia nuevos horizontes de creación artística. Sobre todo, en la Cuarta dinastía (2723 2963 a.C.) podemos contemplar la confianza del artista, que, sabiendo lo que quería, buscó una forma que diera su fruto en belleza y armonía. Esta se reflejó en la fabricación de herramientas y armas, y, sobre todo, en la manera de moldear el barro y en su decoración, hasta el punto que los investigadores han manifestado que: “A pesar de que el artista egipcio antiguo desconoció el torno de moldear, pudo fabricar piezas muy bien elaboradas, hasta tal punto que cuesta creer en su desconocimiento del torno”.

Las piezas cerámicas son auténticas obras de arte, sin defecto alguno, que registran una evolución continua. Nuestra charla se va a centrar en la cerámica como arte, por un lado, y como industria, por otro. Nuevos métodos de fabricación Desde tiempos muy antiguos, podemos destacar el papel de Egipto, China e Irak, en la creación de una cerámica que legará sus técnicas a la posteridad.

En Egipto, se fabricaba ampliamente la cerámica en la época predinástica; los restos encontrados indican la buena calidad de los materiales y de las primeras decoraciones geométricas y con formas de animales.

Durante la Primera dinastía las vasijas y estatuillas se cubrían con un esmalte especial, y después de salir del horno, mostraban un color zarco o verde, proveniente del óxido de cobre empleado. Como no es ésta la ocasión de hablar sobre el Antiguo Egipto, hablaré sobre la cerámica como arte peculiar de los artistas musulmanes, ya que ocupa un prestigioso lugar en las artes islámicas. Después de adquirir los secretos de la cerámica, los artistas musulmanes empezaron a perfeccionarla, descubriendo nuevos métodos.

Las obras que se conservan del siglo III de la Hégira (siglo X de la Era cristiana), indican la gran atención que prestaron a la fabricación de vasijas para agua y botijos, especialmente en la decoración de lo que se pueden denominar orificios del botijo, y en el filtro que cubría la boca en forma de ganchillo. Estas decoraciones emulaban a los tejidos, y mostraban dibujos geométricos y adornos de plantas y animales, con figuras en relieve de pájaros y otros animales.

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Desde el año 1,000 hasta el 400 a.C., los artesanos griegos fabricaron recipientes de arcilla para uso cotidiano, como jarrones, tazas y platos.

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Desde el año 1,000 hasta el 400 a.C., los artesanos griegos fabricaron recipientes de arcilla para uso cotidiano, como jarrones, tazas y platos.

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La cerámica de la antigua Grecia es un asombroso remanente arqueológico que nos ofrece una mirada a una de las primeras civilizaciones humanas. Muchas de estas piezas de cerámica estaban decoradas con pinturas narrativas que visualizaban historias de mitos populares y de la vida mediterránea
antigua.

La arcilla era un material disponible en toda Grecia, pero el tipo más popular era la arcilla del Ática. Al tener un alto contenido de hierro, adquiría un color anaranjado-rojizo y un ligero brillo tras la quema.

Las vasijas griegas solían hacerse por secciones en un torno, y las piezas individuales (el cuerpo, el cuello, la base y, de ser necesario, las asas) se unían con barbotina. Después, el alfarero regresaba la pieza al torno para aplanar las uniones y refinar la forma final.

Los alfareros griegos buscaban crear piezas de cerámicas de uso práctico, como para contener vino, agua, aceite y perfumes. Una vez que encontraban una forma que funcionaba, la reproducían y rara vez la cambiaban.

Estas cuatro formas comunes se mantuvieron a lo largo de los años:

VASIJAS GRANDES DE ALMACENAMIENTO Y TRANSPORTE
Estas vasijas de almacenamiento tenían cuerpos grandes y asas fuertes. Los estilos tradicionales son el ánfora, pithos, pelike, hydria y pyxis.

VASIJAS PARA MEZCLAR
Las vasijas para mezclar suelen tener la forma de grandes cuencos sin asas ni pies. Se utilizaban sobre todo en las fiestas masculinas para beber. Los tipos más comunes son el krater y el dinos.

JARRAS Y COPAS
Las jarras y las copas tenían a veces asas largas para que fueran más fáciles de tomar cuando se estaba recostado. Los estilos más famosos son el kantharos, el phiale, el skyphos, el oinochoe y el loutrophoros.

VASIJAS PARA ACEITES, PERFUMES Y COSMÉTICOS
Estas vasijas solían tener cuellos largos y no tenían asas. Los estilos incluyen el gran lekythos, de gran tamaño, y los pequeños aryballos y alabastron.

Si bien la cerámica griega tenía una forma relativamente restringida, la verdadera libertad artística estaba en la decoración.

Después de que el alfarero esculpía la vasija, se la entregaba al pintor para que la decorara. Los pintores solían trabajar en talleres colectivos bajo la dirección de un “maestro” alfarero. La mayoría de los jarrones griegos no están firmados, pero se cree que muchos individuos dedicados a este oficio eran extremadamente prolíficos. En algunos casos, se han atribuido más de 200 jarrones a un solo artista, identificado por su estilo distintivo. Estos pintores no ganaban mucho, pero su obra tenía una gran demanda y se vendía en todo el Mediterráneo.

Para decorar las vasijas, los antiguos griegos utilizaban pinceles para añadir pigmento negro que se hacía con una mezcla de potasa alcalina o sosa, arcilla con silicio y óxido ferroso negro de hierro. La pintura se fijaba a la arcilla con orina o vinagre que se quemaba en el horno, fijando el pigmento en la vasija. En los estilos de cerámica posteriores, los detalles se añadían a menudo con una pintura negra diluida que adquiría un tono amarillo-marrón o rojo oscuro después de la cocción.

Después de que el alfarero esculpía la vasija, se la entregaba al pintor para que la decorara. Los pintores solían trabajar en talleres colectivos bajo la dirección de un “maestro” alfarero. La mayoría de los jarrones griegos no están firmados, pero se cree que muchos individuos dedicados a este oficio eran extremadamente prolíficos. En algunos casos, se han atribuido más de 200 jarrones a un solo artista, identificado por su estilo distintivo. Estos pintores no ganaban mucho, pero su obra tenía una gran demanda y se vendía en todo el Mediterráneo.

Para decorar las vasijas, los antiguos griegos utilizaban pinceles para añadir pigmento negro que se hacía con una mezcla de potasa alcalina o sosa, arcilla con silicio y óxido ferroso negro de hierro. La pintura se fijaba a la arcilla con orina o vinagre que se quemaba en el horno, fijando el pigmento en la vasija. En los estilos de cerámica posteriores, los detalles se añadían a menudo con una pintura negra diluida que adquiría un tono amarillo-marrón o rojo oscuro después de la cocción.

La cerámica griega puede clasificarse en cuatro períodos estilísticos principales: cerámica protogeométrica, cerámica geométrica, cerámica de figuras negras y cerámica de figuras rojas.

CERÁMICA PROTOGEOMÉTRICA
Las vasijas griegas del periodo protogeométrico (entre el 1050 y el 900 a.C.) adoptaron las formas y decoraciones de la cultura micénica, en la que los artesanos pintaban principalmente círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos sencillos sobre la cerámica. Cada marca está perfectamente colocada para complementar las curvas de la vasija, lo que lleva a los historiadores a creer que fueron cuidadosamente realizadas con un compás y pinceles de diferentes tamaños.

CERÁMICA GEOMÉTRICA
A partir del año 900 a.C., el arte geométrico prosperó en Grecia. Este estilo de cerámica pintada incluía audaces diseños lineales que ahora se reconocen al instante como antiguos motivos griegos. Utilizando barniz negro, los pintores adornaban la cerámica con líneas horizontales (meandros), triángulos, círculos y formas en zigzag que envolvían todo el cuerpo del jarrón.

En el siglo VIII a.C., los artesanos empezaron a cubrir sus piezas de cerámica con figuras humanas estilizadas, pájaros y animales, pintados en marrón y negro. Con el tiempo, las decoraciones se hicieron cada vez más ornamentadas, y los artistas llenaron los espacios vacíos con todo tipo de motivos, incluido el antiguo símbolo religioso de la esvástica (mucho antes de que los nazis se lo apropiaran).

Hacia finales del siglo VII, surgió en Corinto el estilo geométrico orientalizante. Los artistas combinaron motivos griegos e ilustraciones representativas con las líneas curvas de la cerámica egipcia y asiria para producir un estilo único de cerámica. Se caracterizaba por un amplio catálogo de motivos animales—incluyendo la esfinge y el grifo—en frisos a lo largo de la parte más ancha del vaso. A finales del siglo VII, esta nueva tendencia se extendió por todo el país.

CERÁMICA DE FIGURAS NEGRAS
La cerámica de figuras negras es quizás el estilo que nos viene a la mente cuando pensamos en vasijas griegas. Este célebre estilo fue una invención corintia durante el siglo VII y desde allí se extendió a otras regiones, como Esparta, Beocia, Eubea, las islas del este de Grecia y Atenas. La cerámica de figuras negras dominó el mercado durante los siguientes 150 años, a medida que los pintores de cerámica ganaban confianza para representar figuras estilizadas y animales con mucho más detalle. Las figuras, realizadas en su mayoría con tinta negra, solían ilustrar complejas escenas de la mitología griega. Los artistas pintaban sus figuras posando para mostrar sus movimientos, desde luchas contra sus enemigos hasta danzas.

En esta época, muchos pintores de jarrones comenzaron a firmar sus obras. Esto indica su orgullo y ambición como artistas, así como la gran demanda de su trabajo. Muchos historiadores consideran que las mejores obras pertenecen a Exekias y al pintor de Amasis, que destacan por su experta destreza pictórica y su capacidad para contar una historia a través de su arte.

CERÁMICA DE FIGURAS ROJAS
Cuando surgió la técnica de las figuras rojas, a menudo se veía junto con el estilo de las figuras negras y, a veces, ambas técnicas aparecían en el mismo vaso. Sin embargo, hacia el año 530 a.C., la cerámica de figuras rojas se impuso y fue el método que perduró durante los siguientes 130 años.

En lugar de pintar las figuras en negro, los artistas empezaron a delinearlas con un fondo negro, dejando las figuras en blanco. Esto permitió a los pintores lograr una mayor precisión en sus personajes, desde las diversas expresiones faciales hasta los intrincados detalles de la ropa. Los artistas también pudieron representar complejas escenas cotidianas con mayor perspectiva y figuras superpuestas.

Hacia el siglo IV a.C., las vasijas pintadas perdieron popularidad, ya que los lienzos curvos tenían sus limitaciones. Los artistas empezaron a preferir medios más abiertos y planos—como la pintura mural—para poder crear escenas más elaboradas. Así, la cerámica griega tradicional desapareció como forma de arte. Sin embargo, sigue siendo un medio histórico importante que continúa cautivando a quienes desean conocer esta fascinante cultura perdida.

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Fueron los ceramistas egipcios los que inventaron la nueva técnica de la pintura con brillo, técnica añadida a los conocimientos de los artistas de la España musulmana, quienes incorporaron a sus elementos decorativos adornos a base de figuras de plantas, animales y caligrafías árabes.

El arte de la cerámica tuvo su mayor auge en Egipto, y era más floreciente y perfeccionado que en otras capitales islámicas, desde la época de los Ptolomeos hasta la época de los Fatimíes (969 1171). Este arte conoció las técnicas más modernas de la época. En Egipto se fabricaba una cerámica de brillo metálico, utilizando una técnica nueva. Se moldeaba la vasija de barro y se metía en el horno, se sacaba y se cubría de una pasta blanca, dejándose secar, y entonces se dibujaban los adornos con materiales metálicos de varios colores, se volvía a meter en el horno, y así se conseguía una obra de arte con adornos rojos con mucho brillo. También se fabricaba una cerámica de grosor más fino.

En la época de los Fatimíes la cerámica mostraba adornos de esmalte de un solo color, generalmente verde esmeralda. Esta clase de cerámica fue muy famosa en la época de los Ayubíes y Mamelucos en Egipto y Siria. La decoración se pintaba en dos colores: el negro y el azul. En el Museo de Arte Islámico de El Cairo se exponen muchos ejemplares de este arte.

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El arte decorativo más característico de Uzbekistán posiblemente sea la cerámica vidriada.

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FUNDADA EN EL SIGLO VII A.C., LA CIUDAD ALCANZÓ SU APOGEO EN LOS SIGLOS XIV Y XV.

Tuvo su apogeo con la dinastía timúrida cuando azulejos, baldosas de mayólica y terracotas labradas recubrían cúpulas, fachadas e interiores. El característico color azul procedía del lapislázuli, la piedra turquesa o el cobalto. Pero el esmaltado no era tan solo una cuestión estética sino que aportaba gran durabilidad en un entorno desértico.

Y si bien en el islam abundan las decoraciones geométricas, florales o caligráficas, en Uzbekistán no es extraño encontrar seres vivos desafiando la ortodoxia religiosa, como en la madrasa de Sher Dor. Entre los ejemplos más espectaculares de cerámica vitrificada en Samarcanda, cabe destacar la mezquita Bibi Khanum, la necrópolis de Shah-i-Zinda y la cúpula del mausoleo de Tamerlán.

La preciosa y diminuta mezquita de Khazret Khyzr corona la colina de Afrosiab, el lugar donde se fundó la ciudad en el siglo VI a.C. Hoy, esta loma es un campo de trabajo para los arqueólogos, que hallan osarios zoroastristas, cerámicas con influencias griegas traídas por Alejandro Magno (329 a.C.) o monedas que atestiguan la riqueza que tuvo desde su fundación este oasis, al pie de las montañas Zarafshan.

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Cerámica de Arezzo, identificada por el sello del alfar “sigillum” donde fue fabricada

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Durante el primer siglo de nuestra era, Roma alcanzó la categoría de Gran Imperio. Convirtió el Mar Mediterráneo en una especie de lago particular -Mare Internum- y logró difundir su cultura por todas las tierras de occidente, desde Mesopotamia a Gibraltar y desde Escocia al norte de Africa.

La Cerámica es posiblemente, el testimonio más esclarecedor de la universalización de la cultura romana. Produjeron piezas de gran finura y excelente acabado, conocidas como “terra sigillata”. Estas piezas se caracterizan por su hermoso color rojo brillante en superficie y por su decoración ejecutada mediante molde o estampilla, que recuerda, por su temática a las decoraciones de la cerámica griega. Los recipientes de “terra sigillata”, se cree que eran construidos con torno y con adiciones posteriores para crear relieves en las piezas. Lo más carácterístico de esta cerámica era la finura de sus bordes, que alcanzaban grosores mínimos en las paredes de las piezas, muy difíciles de conseguir sin que la pieza se desmoronase. Una vez torneada la vasija, se dejaba a la dureza del cuero y entonces se le añadían los relieves, asas, pomos, etc., después de lo cual, se bañaban en barbotina coloreada, de ahí su intenso color rojo. Se piensa que la finura de estas piezas y la decoración que llevaban tenía que ver con un intento de copiar las vasijas metálicas muy de moda durante este tiempo.

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Se construyeron los famosos guerreros de Xi'an (Sian), y mando construir la gran Muralla. Con la dinastía Yuan se unieron el Medio y Lejano Oriente y, la cerámica experimento un avance sobre todo en el campo de la decoración, pintando en color turquesa, peonías, crisantemos, dragones, aves, nubes.

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El Ejército de terracota refiere a los miles de modelos de arcilla de soldados, caballos y carros, en tamaño real, que se depositaron alrededor del gran mausoleo de Shi Huangdi, primer emperador de China y fundador de la dinastía Qin, situado cerca de Lishan en la provincia de Shaanxi, en el centro de China. El propósito del ejército probablemente era actuar como figuras guardianas de la tumba o servir a su gobernante en la próxima vida. El yacimiento se descubrió en 1974, y las realistas figuras de los guerreros proporcionan una visión única de la antigua guerra china, desde las armas hasta las armaduras o la mecánica de los carros y las estructuras de mando. Shi Huangdi buscaba desesperadamente la inmortalidad y, al final, le fue dada por su Ejército de terracota, compuesto por más de 7000 guerreros, con 600 caballos y 100 carros, al menos de nombre y de hecho. El emplazamiento del mausoleo es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, aunque el interior de la tumba aún no ha sido excavado.

El primer emperador de China

Shi Huangdi (también conocido como Shi Huangti) fue el rey del estado Qin, que unificó China a partir del 221 a.C. y luego fundó la dinastía Qin. Gobernó como primer emperador de China hasta su muerte en el 210 a.C. Su reinado fue corto pero estuvo lleno de incidentes, la mayoría de ellos lo suficientemente infames como para que Shi Huangdi se ganara una reputación duradera de déspota megalómano. En este período se construyó la Gran Muralla China, ocurrió la célebre Quema de los libros, en la que se destruyeron miles de obras literarias y filosóficas, y se construyó un suntuoso palacio real. El emperador parece haber tenido un especial interés en adquirir la inmortalidad, una búsqueda que sin duda se vio motivada por haber sobrevivido a tres intentos de asesinato. Se encomendó a los científicos la tarea de descubrir elixires que prolongaran la vida, y se enviaron jóvenes emisarios a través del Mar del Este en busca de la legendaria Penglai, tierra de los inmortales.

Cientos de miles de trabajadores tuvieron que construir la mayor tumba jamás vista en la historia de China.

Al fracasar en su empeño de prolongar su vida de forma no natural, Shi Huangdi recurrió a la antigua costumbre de los gobernantes autocráticos y mandó construir un enorme mausoleo. De hecho, todo el enorme proyecto se inició en los primeros años de su reinado, ya que se necesitaba una enorme cantidad de trabajo para tenerlo listo. Allí se estableció un distrito administrativo, se reubicaron 30.000 familias a la fuerza y se les encomendó la tarea de construir la mayor tumba jamás vista en la historia de China o de cualquier otro país. Al final, sin duda porque Huangdi se dio cuenta de que el tiempo se agotaba, se enviaron cientos de miles de trabajadores forzados para llevar a cabo el proyecto. De un modo u otro, Shi Huangdi iba a ser recordado mucho después de su reinado. El Ejército de terracota parece haber logrado ese objetivo.

El mausoleo de Huangdi

El mausoleo de Shi Huangdi, que en realidad es un complejo funerario que ocupa la increíble extensión de 35 a 60 kilómetros cuadrados, fue descubierto en 1974, enterrado al pie del monte artificial Li, cerca de Lishan (la actual Lintong), a 50 kilómetros al este de la capital de Qin, Xianyang, en la provincia de Shaanxi, en el centro de China. La tumba en sí sigue sin ser excavada, pero su espectacular ejército de defensores de terracota ha sido revelado en parte y ya se ha ganado el título de "Tumba más grande del mundo". El túmulo de la tumba enterrada tiene forma de pirámide de tres escalones, mide unos impresionantes 1640 metros de circunferencia, 350 metros a lo largo de cada lado, y se eleva hasta una altura de 60 metros. El conjunto está rodeado por un doble muro.

La leyenda dice que la tumba contiene vastas riquezas, pero incluye trampas diabólicas para asegurar que Huangdi descanse para siempre en paz. Las trampas y el interior fueron descritos por el historiador Sima Qian (146-86 a.C.) en el siguiente pasaje de su Shiji:

Más de 700.000 trabajadores reclusos de todo el mundo fueron enviados allí. Excavaron en tres manantiales, vertieron bronce líquido y aseguraron el sarcófago. Se trasladaron casas, funcionarios, cosas insólitas y valiosas para llenarlo. [Shi Huangdi] ordenó a los artesanos que hicieran ballestas accionadas por mecanismos. Cualquiera que pasara ante ellas recibiría un disparo de inmediato. Utilizaron mercurio para crear ríos, el Jiang y el He, y los grandes mares, en los que el mercurio circulaba mecánicamente. En el techo había cuerpos celestes y en el suelo accidentes geográficos. (Shelach-Lavi, 318)

El mapa del suelo con sus modelos geográficos y el techo del universo pintado simbolizaban la condición del emperador como Hijo del Cielo y gobernante de Dios en la tierra. Qian también señala que los miembros del harén de Huangdi fueron enterrados con el emperador muerto y también muchos artesanos y trabajadores, con el fin de mantener en secreto para siempre la fabulosa riqueza del ajuar funerario de Huangdi.

Los Guerreros de terracota

Para proteger su tumba, o tal vez incluso para asegurarse de tener un guardaespaldas útil en la próxima vida, Shi Huangdi fue mucho mejor que sus predecesores. Los gobernantes de la antigua China solían tener dos o tres estatuas como guardianes fuera de sus tumbas, pero Huangdi optó por un ejército completo. El Ejército de terracota es, en realidad, uno de los cuatro que probablemente existen, ya que la parte que se ha excavado hasta ahora (a 1,5 km del mausoleo) se encuentra en el lado oriental y probablemente esté duplicada en los otros tres lados del túmulo. Incluso esta cuarta parte no se ha excavado en su totalidad, ya que los arqueólogos solo se han explorado tres de sus cuatro fosas en su totalidad.

La fosa principal de las cuatro que contienen el ejército descubierto mide 230 x 62 metros y tiene entre 4 y 6 metros de profundidad. Tenía unas 6000 representaciones de tamaño ligeramente superior al natural de soldados de infantería (de 1,8 a 1,9 metros de altura), carros y caballos. El foso, originalmente con columnas de madera que soportaban un techo de vigas de madera, está dividido por 10 pasillos revestidos de ladrillo. El suelo se hizo con tierra compactada que luego se pavimentó con más de 250.000 baldosas de cerámica. La segunda fosa, algo más pequeña y con forma de R, tenía unas 1400 figuras. En un evidente intento de recrear exactamente un ejército real, la fosa 3, de 21 x 17 metros, contiene a los comandantes y se asemeja a un puesto de mando en el campo de batalla.

Además de la infantería, el ejército incluye 600 caballos y casi 100 carros que transportan oficiales y jinetes y tienen un equipo de dos, tres o cuatro caballos. Los soldados están dispuestos en filas regulares y se representan en diferentes posturas: la mayoría están de pie, mientras que algunos están agachados. La mezcla y la particular disposición de los oficiales (ligeramente más altos que los demás, siendo su general el más alto de todos), la caballería, los ballesteros, los escaramuzadores, los arqueros, los aurigas y los mozos de cuadra dan la ilusión de un ejército completo en el campo de batalla, listo para la acción. Hay unidades de infantería ligera con arqueros situadas en los flancos y en el frente, la infantería pesada detrás de ellos, mientras que los carros ocupan la retaguardia con sus oficiales, coincidiendo con los despliegues de tropas mencionados en los antiguos tratados militares.

La envergadura de la empresa debió de requerir una enorme cantidad de leña para alimentar los hornos de cerámica que fabricaban las figuras, por no hablar de las innumerables toneladas de arcilla procedentes de yacimientos locales que se necesitaron para hacer figuras de hasta 200 kilos cada una. Además del impresionante resultado final, la empresa fue un triunfo de organización y planificación.

Se hizo un gran esfuerzo para que cada figura fuera única, a pesar de que todas estaban hechas con un repertorio limitado de partes del cuerpo ensambladas a partir de moldes. Estas piezas tienen un grosor de 7,5 cm y constan de una cabeza, un torso, una pierna, otra pierna que hace de zócalo, dos brazos y dos manos. Los rostros y el cabello, en particular, se modificaron para dar la ilusión de un ejército real compuesto por individuos únicos, aunque en realidad sólo haya ocho tipos de torso y cabeza. Las manos también se modificaron con dedos rectos o doblados y cambios en el ángulo del pulgar y la muñeca. Las figuras no se esmaltaban, sino que se barnizaban para protegerlas y se pintaban con colores vivos; en algunas figuras quedan restos de pigmento rojo. Es asombroso pensar que toda esta variedad y realismo casi infinitos no estaban destinados a ser vistos por nadie.

Cada figura habría sostenido un arma de algún tipo, probablemente reales, como espadas, alabardas, lanzas, arcos y ballestas, pero la mayoría de ellas fueron robadas hace tiempo y valoradas por su bronce. Las espadas que aún se conservan han mantenido su filo, y cada una llevaba inscrito su fabricante y supervisor. Los guerreros llevan siete variantes de la armadura Qin, que suele ser (por imitación) en forma de paneles remachados o unidos de cuero o metal, con un diseño y materiales confirmados por hallazgos arqueológicos poco comunes en otros lugares y en descripciones de textos y otras formas de arte como las pinturas de tumbas en otros lugares. Algunos soldados de infantería no llevan armadura, y los escudos son otro elemento notablemente ausente, a pesar de las pruebas de su uso en los ejércitos Qin procedentes de otras fuentes. También pueden haber sido robados en la antigüedad, ya que algunas figuras parecen llevar un objeto en cada mano.

Otros artefactos

Otros artefactos que no son de terracota y que se han descubierto en el yacimiento a medida que los arqueólogos se acercan a la zona central de la tumba son carros de bronce y madera de medio tamaño tirados por equipos de cuatro caballos de bronce, y esculturas de bronce de aves, en particular 3 grullas muy finas, 20 cisnes y 20 gansos, todo ello situado junto a un estanque de 60 metros de largo para recrear una escena fluvial. Hay una réplica de un establo, cimientos de estructuras de templos y jarras de almacenamiento de cerámica dentro de un edificio de granero. Hay una armería de 100 x 130 metros repleta de cientos de réplicas de armaduras y cascos, cada pieza meticulosamente elaborada con cientos de pequeñas piezas de piedra. Hay tumbas de otros miembros de la familia real y de altos funcionarios y estatuas que los representan, incluida una tumba de un acróbata de la corte.

También hay una larga lista de objetos reales, no simples modelos. Entre ellos se encuentran 31 aves y animales exóticos, cada uno enterrado en su propio ataúd de madera, caballos reales (300 en una sola fosa) y los esqueletos de más de cien seres humanos con placas de bronce que indican que eran trabajadores y convictos que murieron mientras trabajaban en la tumba. Todos estos elementos en conjunto, junto con su particular disposición y la idea del mapa y el cielo de la tumba interior, estaban diseñados para demostrar que el primer emperador de China gobernaba, si no todo el mundo, sí la parte central y más importante a ojos de los chinos.

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El Ejército de terracota refiere a los miles de modelos de arcilla de soldados, caballos y carros, en tamaño real, que se depositaron alrededor del gran mausoleo de Shi Huangdi, primer emperador de...

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La cerámica vitrificada que dio esplendor a la arquitectura de Asia Central e Irán se desarrolló en Samarcanda en época de Tamerlán.

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La arquitectura y el arte islámico afloraron con todo su esplendor de la mano de Tamerlán en la ciudad de Samarcanda allá por el siglo XIV.

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La arquitectura y el arte islámico afloraron con todo su esplendor de la mano de Tamerlán en la ciudad de Samarcanda allá por el siglo XIV.

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En el siglo XIV Tamerlán convirtió Samarcanda en la capital de un imperio que se extendía de la India a Turquíay llevó a ella a los mejores artesanos de las tierras que había conquistado. Esa confluencia de artistas permitió que la arquitectura islámica alcanzase cotas de perfección nunca vistas. En el arte musulmán el edificio no parece sostener cargas y la forma no revela la función.

A base de enfatizar la inmaterialidad de muros, pilares y cúpulas, o de repetir de forma infinita las unidades individuales (columnas, puertas, arcos, patios, pasillos...), se crea una ilusión de espacio interior sin límites, acorde con la mentalidad de un pueblo en esencia nómada.

En Samarcanda se desarrolló la producción de cerámica vitrificada que revestía de azul celeste los edificios de ladrillo cocido. La madrasa como institución independiente de la mezquita fue otra innovación. Al combinar el pishtaq (portada elevada) y los iwans (pabellones cerrados por tres lados) el edificio parece abrirse al espacio circundante, lo que influiría en el Taj Mahal.

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Entre los siglos IX y XIII d.C., la cerámica tuvo su época más floreciente en el Oriente Medio y Cercano, dada la circunstancia del auge de la civilización islámica y la atención que le concedieron los Califas musulmanes, adoptando y atrayendo a los artistas más destacados de la época, a sus capitales. Los artistas solían emigrar de una capital a otra, con el deterioro de un imperio y el amanecer de otro.

Como se sabe, los artistas musulmanes optaron por no utilizar las figuras humanas o de animales en sus dibujos en los primeros años del Islam. Así, tuvieron que emplear las formas geométricas compuestas y repetidas, además de las plantas, flores y hojas de árboles, como adorno. Este fue el elemento dominante en la cerámica islámica en todo el Imperio, salvo en dos lugares: en Persia y en Egipto, en donde los artistas utilizaron la figura humana y de animales, como motivo decorativo en todas las artes islámicas, salvo en la construcción arquitectónica de las mezquitas.

Cuando contemplamos las figuras de animales en la decoración de la cerámica islámica, podemos encontrar unas figuras llenas de vida, armonía y vitalidad. En cambio, los motivos humanos se caracterizan por ser más bien abstractos o similares al arte de los mosaicos.

Las artes islámicas se caracterizaron por un nuevo elemento decorativo, que dejó su huella en la cerámica: la caligrafía árabe, que constituye un nuevo campo de creación artística para los artistas musulmanes. También podemos destacar el papel de éstos en el descubrimiento de nuevas técnicas para trabajar la cerámica. Una de las más famosas es la del esmalte de estaño, surgida en el siglo IX, una nueva técnica que pasó a España y fue utilizada más tarde por los mudéjares. Desde España se trasladó a Italia y al resto de Europa.

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Cerámica 5.1x8.3x18.7 Sonaja figurativa de un cocodrilo, con tinte en polvo cyan en el lomo.

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Parece que fue dejado a propósito su color original de cerámica, sin embargo, se puede apreciar en las patas delanteras que en algún momento fué color verde obscuro.
Situados frente a frente en idénticas posturas de respeto se hallan un cocodrilo sagrado, el cuál dá paso seguro a la otra vida, vincula la idea de renovación y disolución Siglo VIII d.C México, mesoamérica.

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Cerámica 14.6x29.85cm Plato pedestal con fondo amarillo pálido.

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Pedestal de uso ceremónico y ritualistico para ofrendar a dioses de la cultura Inca. Su base parece ser de otro material. En el fondo hay distintivos de deidades locales, a los cuales era común la ofrenda, ya sea de alimentos o seres vivos, en muestra de agradecimiento o veneración. Numerosas culturas practicaban este tipo de rituales simbólicos. 800-1200 Perú.

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Alusivo a una rana sobre un corazón. Cerámica 118x20cm Su superficie tiene un acabado brillante, además que parece haber sido tallada en sus detalles más mínimos, como lo son las aletas, sus ojos y parte de su boca.
Se creía que las ranas traen lluvias purificadoras.
La riqueza de su simbolismo yace en la relación con el utero, las aguas, la fecundidad y la vida en desarrollo. Absorben del entorno a través de su piel permeable. Año 1300 Perú.

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Candelero con acabados manuales, previo al cocido se la agregaron detalles estéticos, tales como las costillas y las patas. Presenta un recubrimiento brilloso en color blanco hueso. Su rostro parece una combinación entre facciones humanas y animales, similares a los de la cultura Egipcia.
Al percibir nuestra desesperación, nuestro perro del alma puede llegar y si somos sensatos, quizá acabemos por pedir al perro guía del inframundo, tal vez al Xólotl mexicano. 39.4cm México.

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A nadie se le escapa que la tradición alfarera y ceramista de Triana se remonta, al menos, al siglo XIX. El Marqués de Pickman fundó una fábrica en la Cartuja (la que acoge al CAAC actualmente) y desde entonces el barrio de Triana quedó ligado para siempre a este arte. En 2014 el Ayuntamiento de Sevilla abrió este museo municipal que aprovecha los hornos de una antigua fábrica y sirve como reclamo para disponer de un espacio donde hacer memoria de esta tradición trianera. El espacio es precioso y en él se pueden ver tanto ejemplos de hornos y conocer la historia de la elaboración de la loza como su importancia a nivel nacional con azulejos que lo ejemplifican a la perfección.

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La porcelana no es más que un derivado de la cerámica descubierto en China y utilizado para crear vasijas, decoradas con intrincados patrones y elementos de la naturaleza en distintos colores.

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ARQUITECTOS DE LA ESCUELA DE CHICAGO 1846-1895

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ARQUITECTOS DE LA ESCUELA DE CHICAGO 1846-1895

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Comienzan a usar terracota sin esmaltar para decorar las superficies exteriores de los edificios. (Fachada del Museo de Historia Natural; Victoria and Albert Museum; y Royal Albert Hall, todo en Londres.
Daniel Hudson Burnham (1846-1912) y John Root (1850-91) usan terracota en los muros cortina del Edificio Reliance (1895). Su colega William Le Baron Jenney es pionero en el uso de terracota en los rascacielos para reducir el riesgo de incendio.

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La fabricación del azulejo aumento considerablemente, sobretodo en Onda, donde en 1924 había 46 fábricas, este interés por todo lo que rodeaba a este trabajo hizo que se creara la Escuela Taller de Cerámica de Onda, que al igual que la de Manises se dedicaban a preparar a maestros y operarios ceramistas. Cocción continua [horno de Hoffmann & Licht, 1863]. y tantas otras innovaciones que constituyen la base del equipamiento industrial para la fabricación de baldosas, ladrillos y tejas.

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Durante la década de 1970 abre las puertas al público el museo MUSA en las sedes de Bogotá (Marqués de San Jorge) y Cali (La Merced), bajo el amparo del Banco popular. El MUSA tiene una de las colecciones cerámicas prehispánicas más importantes del país. Además de la colección de libros "El arte de la tierra".

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A principios del siglo XX tenemos en Centroeuropa, hubo avances en la prospección y caracterización de arcillas.
Nuevos materiales y productos, refractarios, porcelana cordierítica, etc. Sucesivos avances en la reducción de tamaño y refinado. Primeros prototipos de prensas oleodinámicas.
Avances significativos en la cocción continua hasta la plena implantación de los hornos túnel, de pasajes y también de los secaderos dinámicos

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Ya en la actualidad, entre los años 2001 y 2006, el pintor Miquel Barceló, realizó un espectacular mural dentro de la Capilla del Santísimo, una de las tres capillas que se encuentran dentro de la Catedral de Mallorca. Para crear este mural de cerámica policromada que ocupa unos 300 metros cuadrados de superficie, se inspiró en el milagro evangélico de los panes y los peces y son precisamente esos panes y peces. Hoy en día es uno de los principales atractivos de “La Seu”.

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El Museo de la Cerámica Contemporánea muestra una colección permanente de obras cerámicas, esculturas, pinturas y dibujos de artistas/ceramistas nacionales e internacionales. También cuenta con una colección de arqueología de la isla y joyas confeccionadas con motivos y estilos igneris y taínos.

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Hoy en día se utiliza la cerámica para uso decorativo en cualquier área del hogar. Se utilizan nuevas tendencias como el relieve y la impresión digital para darle una mejor imagen y crear ambientes novedosos en nuestros hogares. Es muy común el uso del corte hidráulico para facilitar el corte de estas piezas y se tenga mayor libertad al colocarlo teniendo en cuenta el diseño.

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Hersen. (2020, 05 de octubre). Cómo ha evolucionado la cerámica a través del tiempo. https://hersen.com/evolucion-ceramica-a-traves-del-tiempo/

Restri, I. (2020). Timetoast. Timetoast Timelines; Timetoast. https://www.timetoast.com/timelines/historia-de-la-ceramica

Rodriguez, C. (1600). Línea de Tiempo de la Cerámica. https://www.timetoast.com/timelines/linea-del-tiempo-de-la-ceramica

Romero, A. (s.f.). Visión histórica de la Cerámica. http://www.todacultura.com/ceramica/historia.html

Salaman. (2012, 10 de abril). Encuentran fragmentos de cerámica de hace 20.000 años en China. http://cuevadelapileta.blogspot.com/search?q=cer%C3%A1mica

Salaman. (2013, 29 de Junio). Los cocineros de la Edad de Hielo. http://cuevadelapileta.blogspot.com/search?q=cer%C3%A1mica

Siete China. (2022). Fragmentos encontrados en China. https://www.facebook.com/100067244040676/posts/pfbid03JdyZW5RouKPpyn6SrKcJ3xu73nFAGhnEc8PRTpGn5XaD2bUm4ao2LUBTGVJ5Bg1l/?sfnsn=mo&mibextid=VhDh1V

CiberTareas. (2013, 25 de Mayo). Cerámica – Cultura Olmeca. https://cibertareas.info/ceramica-cultura-olmeca.html

Historia del arte. (2017, 03 de Octubre). Historia de la Cerámica: El Imperio romano. https://www.historiadelarte.us/historia-ceramica/historia-de-la-ceramica-el-imperio-romano/

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