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HISTORIA DEL ARTE EN 10 MINUTOS (Y ALGO MÁS)

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Última actualización 22 de Marzo del 2022 Tiempo de lectura: 7 min.

¿Vives con la sensación de que las etapas de la historia del arte son muy variadas y difíciles de comprender para quien no es experto en arte? ¿No tienes idea de cómo evolucionaron los movimientos artísticos para pasar de una pintura prehistórica de seis mil años a las obras postmodernas de la actualidad?

Es muy interesante analizar la historia del arte por siglo, porque, más allá de que existan grandes diferencias entre lo antiguo y lo moderno, al observar en detalle, es posible encontrar puntos en común.

No hay dudas de que el arte atravesó, atraviesa y atravesará, todas las facetas de la historia humana. A diferencia de lo que muchas personas creen, los museos no son el único lugar preparado para tomar conciencia de la evolución del arte, porque sus expresiones conviven entre nosotros, día a día, en la vida cotidiana.

Como dice Ricardo Celma, profesor del curso Pintura y dibujo de los grandes maestros, "para mirar un futuro en el arte, vamos a volver a recalar en el pasado ". Dicho de otra forma, la historia del arte es lo que permite su avance.

Entonces... ¡Llegó el momento de retroceder algunos milenios para explorar las etapas de la historia del arte! Comencemos.

1. Prehistoria

Encontrar el punto inicial de la historia del arte, es una tarea difícil. Cuando creemos haber encontrado la escultura más antigua del mundo, los estudios continúan y en poco tiempo demuestran lo contrario. Sin embargo, a pesar de tener pocas posibilidades de establecer una fecha exacta, si podemos definir las características del arte prehistórico.

El primer eslabón de las etapas de la historia del arte podría haber surgido hace más de 32 mil años, cuando antiguas tribus dejaban su huella en las piedras, hoy consideradas pinturas rupestres.

Por otro lado, en paralelo a la pintura prehistórica, en aquella época también diseñaron, con materiales muy básicos, figuras en madera que, por lo general, representaban a la caza, a los dioses y a la fertilidad.

El Bisonte de Altamira, plasmado en una cueva de España, o el monumento de rocas en Reino Unido conocido por Stonehenge, son claros ejemplos de manifestaciones artísticas de la prehistoria, que debemos cuidar hasta la eternidad.

Fuente: Pexels

2. Arte de la antigüedad

Dentro de las etapas de la historia del arte, la antigüedad tuvo muchas facetas. Fueron momentos donde se vivieron situaciones que fueron desde expresar sentimientos y vivencias en piedras, hasta diseñar construcciones monumentales, únicas para la época.

Mesopotamia

A pesar de que el término "mesopotámico" se siente un poco más reciente, no es así. Se calcula que inició hace cinco mil años, en antiguas regiones de Europa y Asia, para llegar hasta nuestros días en el recuerdo de las etapas de la historia del arte.

A diferencia del prehistórico, las pinturas en cuevas de este periodo artístico son mucho más sencillas de entender. Además de complementarse con otros objetos de madera, también se resaltan las expresiones en homenajes a guerreros.

Una de sus representaciones más históricas que han perdurado hasta hoy en día, es la Puerta de Istar, ubicada en Irak, y construida en el año 575 a. C. Sin lugar a dudas, un aporte muy importante para este resumen de la historia del arte.

Fuente: "Cacería de Leones", anonimo.

Egipto

Hasta la muerte de Cleopatra, en el año 30 a. C, el arte egipcio alcanzó una fama internacional y, una de sus mayores representaciones, fueron las gigantescas Pirámides de Egipto. Las obras egipcias, que no fueron solo pirámides, revolucionaron todas las técnicas de construcción establecidas en ese momento y es por eso que merecen un espacio importante en las etapas de la historia del arte.

Mas allá de la arquitectura, esta cultura también se destacó por su fanatismo con la pintura y la facilidad para crear esculturas. Se podría decir que sentaron las bases para el posterior desarrollo de la historia del arte contemporáneo.

Fuente: Pexels

3. Arte clásico

A pesar de que se le pueden encontrar muchas similitudes con las obras de la antigüedad, aquí la evolución del arte se encuentra marcada por procesos mucho más extensos, vinculados a dos de los más grandes imperios que existieron en la Tierra.

Grecia

Al hablar del arte girego, a estas alturas de la cronología de la historia del arte, podrás notar que tiene muchas similitudes con el egipcio, y eso es verdad, ya que compartieron tiempo y espacio, hace poco más de 2.000 años.

No caben dudas de que todos los trabajos artísticos griegos son de gran sostén para la cultura. Sin embargo, su mayor legado en la evolución del arte se encuentra por el lado de la arquitectura.

El Partenón, inaugurado en el año 432 a. C, o el Erecteion, con fecha de estreno en el 406 a. C, fueron testigos de cómo desapareció el imperio que los construyó, pero aún siguen en pie para demostrar la evolución de la arquitectura en las etapas de la historia del arte.

Fuente: Pexels

Roma

Una vez más, nos situamos en los últimos siglos antes de Cristo para hablar del arte en el Imperio Romano que, al igual que el egipcio, griego y helenístico, marcaron un estilo en sus años dorados, y se conservan hasta nuestros días como fieles testigos del cambio en la historia del arte por los siglos.

¿En este periodo artístico también se destaca la arquitectura? Sí, pero no es lo único. El Coliseo Romano, la Columna de Trajano y el Anfiteatro Flavio, acompañaron a la capital de Italia en su crecimiento, pero también dejaron espacio a las esculturas, pinturas y obras musicales.

Bajo el efecto de el encausto, el temple y el fresco, los romanos tomaron el pincel y crearon verdaderas obras de arte sobre tablas y murales. ¡Todos los antecedentes del arte actual, que perduran en el tiempo!

Fuente: Pexels

4. Arte medieval

Durante nueve siglos, desde el año 500 al 1400, la Edad Media causó un cambio a nivel mundial, sin retornos. Se modificaron sociedades, ciudades, culturas, formas de investigar, estudiar, trabajar y, claro, también surgió una de las siguientes etapas de la historia del arte.

Al prestar atención en las construcciones de aquella época, es imposible no detectar que se diseñaron miles de templos a lo largo y ancho de Europa. Más allá de que los arquitectos se modernizaron, con el paso de los años, los diseños de aquella época también forman parte de la historia del arte gótico.

No caben dudas que, en este periodo artístico, representado por una de las principales corrientes artísticas, todas las culturas vivieron cambios impactantes. En la pintura medieval, por ejemplo, tuvieron lugar hacia el cierre de la Edad Media, cuando surgió el Proto-Renacimiento.

El punto que diferenció esta era de las demás etapas de la historia del arte fue su carácter religioso, sesgado por la una concepción teocéntrica del mundo. Los principales movimientos artísticos de la Edad Media fueron los siguientes:

Arte bizantino

Es el conjunto de manifestaciones artísticas del Imperio bizantino. Las temáticas tratadas durante esta época estaban estrechamente relacionadas con la religión.

El estilo de pinturas que más destacó durante esta etapa de la historia del arte fueron los frescos. Es decir, pinturas realizadas sobre paredes, sobre todo en iglesias, así como las pinturas en paneles y las miniaturas que se usaban para ilustrar los libros.

La piedra y el ladrillo eran los materiales más empleados durante el Imperio Bizantino. Además, gracias al emperador Justiniano, se destacó la influencia persa en muchas obras, así como una influencia muy arraigada a la cultura oriental y grecorromana, en especial de Asia menor y Siria.

Es importante mencionar que el arte bizantino era útil en el sentido religioso y nada más. Es decir, no se concebían las obras como piezas artísticas.

Arte paleocristiano

Se caracterizó por la combinación del estilo clásico romano con la cosmovisión cristiana. Una de las bases del arte paleocristiano fue su simbolismo.

Si bien se trata de un movimiento artístico desarrollado durante los primeros 5 siglos de nuestra era, se lo considera una influencia importante del arte en la Edad Media. Esto es debido a que en este periodo empiezan a configurarse las formas arquitectónicas e iconográficas más representativas de esa época.

No se trata de un arte 100% original, sino que es una forma artística creada bajo la influencia del imperio romano, pero que fue adaptándose según las necesidades del culto cristiano.

Arte germánico

Se basó en las manifestaciones de los pueblos germánicos que, luego de las invasiones bárbaras, fueron influenciadas por la cultura clásica y el cristianismo. Una de las expresiones artísticas del arte germánico fue la orfebrería.

Se trata de un arte rústico, típico de tribus que tenían ciertas dificultades para representar la figura humana. Por esta razón, era más habitual encontrar piezas llamadas "artes menores": armas, fíbulas o adornos, realizadas en oro o plata y decoradas con piedras preciosas o vidrio.

Arte islámico

El arte islámico fue otra de las etapas de la historia del arte medieval más importantes.

Como su nombre indica, se trata de expresiones artísticas llevadas a cabo por el islam a partir del siglo VII. Durante esta etapa, se le dio gran protagonismo al uso de la línea y el color como elementos ornamentales.

Sin embargo, es habitual hablar de " artes del mundo islámico " en vez de "arte islámico", debido a la gran diversidad de expresiones artísticas, según los países y las eras.

Mientras que las inscripciones caligráficas que se hacían presentes en gran cantidad de obras, el arte religioso fue menos prominente en el arte islámico que en el arte medieval occidental, con la excepción de la arquitectura islámica de las mezquitas.

Fuente: HiSoUR Arte Cultura Historia

Arte carolingio

Es el arte producido en torno a la corte de Carlomagno. Las principales expresiones del arte carolingio fueron palacios, residencias reales e iglesias.

Se trata de una de las etapas de la historia del arte que tuvo fuerte influencia de Roma y Oriente, con un estilo cortesano y eclesiástico fuertemente marcado. Era habitual que los carolingios usen las obras de arte para fines propagandísticos, de exaltación del poder.

Arte románico

Fue un estilo artístico que se difundió en gran parte de Europa entre el siglo XI y los primeros años del siglo XIII, coincidente con el feudalismo.

Se trató de un movimiento puramente cristiano, aunque sus bases artísticas fueron asimiladas en otros edificios civiles de la época. Lo más interesante del arte romántico es que cada nación o población fue adaptando esta corriente artística y dándole su impronta.

Dentro del arte románico en la Edad Media, se destacaron las obras de arquitectura. Era habitual encontrar esculturas en las fachadas y en los capiteles, en las cuales se reflejaban temáticas relacionadas al Apocalipsis o el Pantocrátor.

Arte gótico

Este movimiento artístico surgió en Francia a mediados del siglo XII y se difundió por toda Europa.

Según el portal Mi Historia Universal, "los burgueses ya no se conformaron con el románico, simple y tosco, y quisieron que el arte fuese un verdadero objeto de valor. Entonces, financiaron un nuevo estilo de construcciones en las ciudades y, de esta manera, nació el gótico, que volvió a crear obras artísticas verdaderamente bellas". El arte gótico fue, entonces, un movimiento artístico urbano y burgués.

Fuente: Pexels

5. Arte de la Edad Moderna

Entre el siglo XV y el XVII, la evolución del arte se vio marcada por un enorme cambio: el comienzo del arte de la Edad Moderna. Además de notar cambios en el desarrollo artístico de Europa, en ese mismo período ocurre la llegada de Cristóbal Colón a América, por lo tanto, fue una corriente que se comenzó a trasladar rumbo a lo que, por ese momento, se lo conocía cómo el "Nuevo Mundo".

Renacimiento

Tal cual lo adelantamos en el párrafo anterior, el periodo entre los siglos XVI y XVII forma una de las etapas de la historia del arte, gracias a todos los cambios encontrados en la pintura, arquitectura, ciencia, investigación, educación y muchas disciplinas más.

Al mirar con detenimiento, notamos que el ser humano de aquella época tiene muchas similitudes con el actual. Es por eso que a la hora de construir, desarrolló técnicas especiales que sirvieron de antesala para las utilizadas en lo que fue la historia del arte contemporáneo.

Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, son algunos de los nombres más famosos del Renacimiento, que tuvieron un desempeño fundamental para aportar a la evolución de la historia del arte.

Fuente: "La Gioconda", de Leonardo da Vinci.

Manierismo

Es probable que, si no tienes amplios conocimientos en las etapas de la historia del arte, nunca hayas escuchado hablar del Manierismo, y no te culpamos, porque fue un periodo realmente corto.

Entre 1527 y 1580, casi al final de la historia del arte del renacimiento, surgió un movimiento que, en palabras de profesionales, llegó para "romper las reglas". Aunque no duró mucho tiempo, también podría ser el antepasado de los diseños actuales, como los grafitis, que ya escribieron muchos capítulos en la historia del arte callejero.

Fuente: "José interpreta el sueño del faraón", de Andrea del Sarto.

Barroco

El arte prehistórico fue muy importante, las etapas de la pintura griega se mantienen muy presentes, y es imposible olvidar todos los cambios positivos que tuvo la historia del arte renacimiento, pero dentro de las etapas de la historia del arte, la dedicada a los 150 años del arte Barroco, es de las más importantes.

Como ocurre casi siempre, las modificaciones en la sociedad de siglos pasados, no solo tiene al arte como protagonista, pero sí representa una parte muy importante. A este periodo artístico se lo recuerda cómo dinámico, teatral, efectista.

¿Quieres un ejemplo de la belleza del arte Barroco? Entonces mira una foto y/o conoce la historia del maravilloso Palacio de Versalles, en Francia. ¡Todo un ejemplo de la evolución de la historia del arte!

Fuente: Pexels.

Rococó

A pesar de que fue un movimiento breve en la cronología de la historia del arte, dado que se extendió entre 1730 y 1760, su paso dejó una huella muy importante, con réplicas presentes en obras mucho más modernas.

Los trabajos del Rococó se caracterizaban por tener colores luminosos, suaves y claros, acompañados de un estilo vinculado a la naturaleza y la mitología. En las etapas de la historia del arte, se expresa, principalmente, en los techos de templos religiosos.

Fuente: Salón central de Stupinigi, Italia.

Neoclasicismo

El impacto que generó el Neoclasicismo como una de las siguientes etapas de la historia del arte, nos lleva a pensar que estuvo vigente durante cientos de años, pero para tu sorpresa, abarcó el periodo histórico desarrollado entre 1750 y 1820.

Dicen que dar pasos hacia atrás no es una buena idea, pero aquí vemos una excepción. En esta cronología de la historia del arte, este momento representa una vuelta al arte clásico y, gracias al trabajo de sus representantes, toda la energía fue puesta en recuperar el arte desarrollado por el Imperio Romano y el Imperio Griego.

Fuente: "El juramento de los Horacios", de Jacques-Louis David.

6. Arte contemporáneo

En esta nueva etapa de la historia del arte, su versión "contemporánea" nos permite acceder a movimientos que siguen siendo, en su mayoría, muy populares hasta la actualidad. Existen muchas variantes, pero todo comienza con el Romanticismo.

Romanticismo

El periodo artístico del Neoclasicismo fue interesante para recordar viejos tiempos, pero no hubo mucha innovación. ¿Fue un problema? Para nada, el mundo se estaba preparando para recibir a una de las etapas de la historia del arte más importantes: el Romanticismo.

Entre 1790 y 1880, en el planeta Tierra se vivió una exploción cultural y artística, donde se modificó todo. Tras el paso del Romanticismo, las construcciones se actualizaron y, en la pintura, talentos cómo Théodore Géricault, también aportaron lo suyo para confeccionar la historia del arte hasta la actualidad.

En el marco de la evolución del arte, a partir de este periodo, se buscó expresar a través de los sentimientos humanos.

Fuente: "Spoliarium", de Juan Luna Novicio.

Realismo

Entre 1840 y 1870, dentro de las etapas de la historia del arte, apareció el Realismo con la misión de crear obras más directas y subjetivas, que puedan impactar a todas las clases sociales.

No importa si se lograba con trabajos de arquitectura, pinturas super desarrolladas o esculturas de 20 metros de altura, este fue uno de los períodos del arte en donde el plan se basó en rechazar lo exótico para mostrar lo cercano.

Fuente: "La discussion politique", de Émile Friant.

Impresionismo

Al buscar en las etapas de la historia del arte, que tengan menos de 150 años de antigüedad, encontraremos el Impresionismo y Postimpresionismo, que tuvieron lugar entre 1870 y 1910. ¿Cuáles fueron las diferencias entre estos movimientos del arte? Casi ninguna, solo que el Postimpresionismo posicionó el impacto visual como una prioridad sublime.

Es importante destacar que, en este periodo de la evolución del arte, se crearon muchas pinturas basadas en paisajes cotidianos. Al menos, según History Channel, en el mundo hay "siete lugares de la vida real de pinturas famosas que aún se pueden visitar en la actualidad".

El arte, en estos tiempos, tenía la misión de sorprender a las sociedades con colores variados, diseños de estilo libre y ornamentaciones muy marcadas, en el caso de las construcciones. ¡Un paso muy importante para la historia universal del arte!

Fuente: "Almiar", de Claude Monet.

Vanguardias

Durante los primeros 70 años del siglo XX, surgieron nuevos movimientos que dieron lugar a la siguiente de las etapas de la historia del arte dentro de la modernidad y, ejemplos de estos, fueron los siguientes:

Salvador Dalí, Pablo Picasso y hasta Yoko Ono, fueron algunos de los mayores exponentes de este periodo artístico, que dejó las puertas abiertas para el mundo de la postmodernidad. Es evidente que pintar paisajes sobre óleo no es algo sencillo, por lo tanto, las obras que ellos realizaron se encuentran entre las más preciadas del mundo del arte.

Fuente: "El grito", de Edvard Munch

7. Arte digital

Luego de avanzar más de 30 mil años por la línea del tiempo de las etapas de la historia del arte, seguro tienes mucho interés en saber cuál es la que predomina en nuestros días.

Aunque algunos artistas consideran que el vanguardismo aún no se extinguió y que pertenece a la historia del arte hasta la actualidad, desde 1970 la Postmodernidad, con todas sus variantes, se ha ganado el protagonismo. Una de ellas es el arte digital que, gracias al permanente desarrollo de innovaciones tecnológicas, crece minuto a minuto.

La historia del arte postmoderno, que aún se sigue escribiendo, permite entender la diversidad del arte. Como ya no existe una respuesta única, todo vale, y es por eso que las obras representan sensaciones que van desde el cinismo hasta la superficialidad. ¿En dónde lo podemos comprobar? En el arte expresado en fotos, videos, presentaciones, exposiciones y muchos ámbitos más.

Criptoarte

Seguramente has escuchado nombrar esta categoría de arte digital varias veces, pero ¿realmente sabes qué es el criptoarte? Se trata de un movimiento artístico gestionado a través de la tecnología blockchain, o cadena de bloques. Específicamente, las obras de arte digitales se vuelven piezas de criptoarte cuando se pueden vincular con un "non fundable token" (NFT), lo que asegura su autenticidad. Cabe mencionar que estas piezas se pagan con criptomonedas.

La característica fundamental de las obras en esta etapa de la historia del arte es que se trata de piezas que no se pueden tocar, ya que, como su categoría lo indica, son digitales. Pero, además, son irrepetibles: piezas de arte únicas en el mundo e imposibles de replicar.

Fuente: "Thom Yorke", de Evgeny Parfenov

Luego de este paseo por la cronología de la historia del arte, llegamos a la conclusión de que el arte siempre será parte de nuestras vidas, y que se encuentra en permanente cambio, nos guste o no.

¡Hay que adaptarnos a esas modificaciones naturales y aprender, todos los días, de la evolución del arte! Para lograrlo, no solo es necesario saber la mayor cantidad de detalles sobre la historia del arte, sino que también ganar experiencia con la práctica. Si quieres mejorar tus habilidades, te recomendamos nuestros cursos online de dibujo y pintura.

¡Mucha suerte!

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🎨 ¿Cuáles son las etapas de la historia del arte?

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Última actualización 22 de Marzo del 2022 Tiempo de lectura: 7 min. ¿Vives con la sensación de que las etapas de la historia del arte son muy variadas y difíciles de comprender para quien no es experto en arte?

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El arte en la prehistoria: Historia, periodos, características y ejemplos

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En el calor y en la luz del fuego surge el ser humano desarrolla su cerebro hasta al punto de cultivar la ilusión, hoy, de dominar el planeta

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Relieve con guerreros hititas

Durante la denominada Edad antigua el ser humano se va convenciendo de poder tomar el control de las fuerzas de la naturaleza. En el arte, esta convicción se tradujo esencialmente en un considerable desarrollo de la arquitectura, con la aparición de imponentes estructuras piramidales en diferentes áreas del planeta - Mesopotamia, Egipto, América central, sudeste asiático - mientras que, en el mismo Egipto como en Grecia y en Persia, a partir del 2600 a. C.

¿Qué es el arte antiguo?

El arte antiguo abarca las expresiones creativas de civilizaciones pasadas, reflejando sus valores, creencias y avances técnicos. Incluye pinturas rupestres, esculturas clásicas, arte egipcio y mesopotámico, entre otros. Estas manifestaciones culturales son vitales para comprender la historia y evolución del pensamiento humano a lo largo del tiempo.

Breve historia del arte en la edad antigua

El arte antiguo es un testimonio visual de la evolución cultural y creativa de las civilizaciones que precedieron a la era moderna. Comienza con las pinturas rupestres, donde las primeras sociedades dejaron huellas en las paredes de cuevas con imágenes de caza y rituales, hace más de 40,000 años. La antigua Mesopotamia y Egipto dieron paso a la arquitectura monumental y la escultura en relieve, reflejando la organización social y las creencias religiosas. Los zigurats mesopotámicos y las pirámides egipcias son ejemplos destacados.

El arte griego, alrededor del 600 a.C., introdujo un enfoque en la representación realista del cuerpo humano en la escultura y la arquitectura con columnas y proporciones elegantes, como en el Partenón. La antigua Roma expandió esta tradición y desarrolló el arte del retrato, los mosaicos y los frescos.

En el Lejano Oriente, la dinastía Qin en China produjo la terracota del ejército de terracota, mientras que en India, las estatuas de Buda representaban la búsqueda de la iluminación espiritual. El arte mesoamericano incluyó las pirámides de los mayas y los templos de los aztecas, que combinaban la arquitectura con la simbología religiosa.

El arte antiguo también se extendió a través del mundo islámico, con intrincados diseños geométricos y caligrafía decorativa en la arquitectura y manuscritos. Además, en África, las esculturas tribales expresaban la cultura, la religión y la identidad étnica.

Vista frontal

Características del arte en la edad antigua

El arte antiguo abarca una amplia gama de culturas y períodos de tiempo, por lo que las características específicas pueden variar según la civilización y la época. Sin embargo, hay algunas características generales que son comunes en muchas manifestaciones de arte antiguo:

1. Funcionalidad y Religiosidad: Gran parte del arte antiguo tenía un propósito funcional y religioso. Las obras de arte a menudo se creaban para honrar a los dioses, para servir en rituales religiosos o para conmemorar a gobernantes y eventos importantes.

2. Símbolos y Significados Profundos: El arte antiguo a menudo estaba cargado de simbolismo y significados profundos. Los símbolos y las imágenes tenían connotaciones religiosas, sociales o culturales que eran comprendidas por las personas de esa época.

3. Estilización y Convenciones Artísticas: En muchas culturas antiguas, el arte no buscaba una representación realista precisa, sino que se basaba en convenciones artísticas y estilización. Las proporciones y características podían ser exageradas o idealizadas.

4. Materiales y Técnicas Limitadas: Las civilizaciones antiguas tenían acceso a materiales y técnicas limitadas en comparación con las disponibles hoy en día. Esto influyó en los estilos y en las formas en que se creaban las obras de arte.

5. Arquitectura Monumental: Las civilizaciones antiguas erigieron impresionantes monumentos arquitectónicos, como pirámides, templos, palacios y teatros. Estas estructuras no solo eran funcionales, sino que también representaban el poder y la importancia de la civilización.

6. Narrativa Visual: Muchas obras de arte antiguo tenían la función de contar historias, ya sea a través de frescos, relieves o esculturas. Estas narrativas visuales transmitían mitos, eventos históricos o leyendas culturales.

7. Uso de Color y Simetría: El uso del color a menudo era significativo y podía tener connotaciones religiosas o simbólicas. Además, la simetría y la repetición de patrones eran comunes en el diseño de muchas obras de arte.

Las diferentes expresiones artísticas del arte en la edad antigua

Artistas destacables del arte en la edad antigua

El arte antiguo abarca diversas civilizaciones y períodos de tiempo, cada una con sus propios artistas destacables. Aquí hay una selección de algunos de ellos:

1. Fidias (c. 480-430 a.C.): Fidias fue un escultor y arquitecto griego, conocido por su trabajo en el Partenón de Atenas y la creación de la estatua crisoelefantina de Atenea Partenos.

2. Leonardo da Vinci (1452-1519): Aunque no es exactamente antiguo en términos históricos, Leonardo da Vinci es un ejemplo notable de un artista que trascendió su época. Sus obras maestras como "La Última Cena" y "La Mona Lisa" continúan influyendo en la historia del arte.

3. Praxíteles (c. 395-330 a.C.): Este escultor griego es conocido por su enfoque en la representación naturalista del cuerpo humano. Sus obras a menudo mostraban figuras gráciles y elegantes.

4. Imhotep (c. 2667-2648 a.C.): Un antiguo arquitecto egipcio, Imhotep es famoso por diseñar la pirámide escalonada de Saqqara, considerada una de las estructuras de piedra más antiguas del mundo.

5. Kalidasa (siglo IV-V d.C.): Aunque más conocido como poeta y dramaturgo, Kalidasa de la India antigua escribió obras que inspiraron representaciones visuales en los templos y otras formas de arte.

6. Lisipo (c. 370-300 a.C.): Otro destacado escultor griego, Lisipo es conocido por sus innovaciones en la representación de la figura humana y sus retratos de Alejandro Magno.

7. Hatshepsut (1507-1458 a.C.): Aunque no una artista en el sentido convencional, la faraona Hatshepsut desafió las convenciones al asumir roles tradicionalmente reservados para los hombres. Su reinado vio la construcción de magníficos monumentos y templos.

Principales obras del arte en la edad antigua

El arte antiguo ha dejado una serie de obras maestras que son emblemáticas de sus respectivas civilizaciones y períodos. Aquí hay algunas de las principales obras del arte antiguo:

1. La Gran Esfinge de Guiza (c. 2500 a.C.): Esta icónica escultura egipcia, tallada en una sola pieza de piedra caliza, representa un león con cabeza de faraón y guarda las pirámides de Guiza.

2. El Partenón (447-432 a.C.): Un templo griego en Atenas, famoso por su arquitectura clásica y frisos esculpidos que narran la batalla de los dioses y los centauros.

3. El David de Miguel Ángel (1501-1504): Aunque no es técnicamente "antiguo", esta escultura renacentista captura la estética y la destreza escultórica de la antigüedad clásica.

4. La Máscara Funeraria de Tutankamón (c. 1323 a.C.): También conocida como la "Máscara de Oro", esta máscara de oro macizo fue encontrada en la tumba de Tutankamón en Egipto.

5. El Discóbolo de Mirón (c. 460-450 a.C.): Una escultura griega que representa a un atleta arrojando un disco, es un ejemplo clásico de la representación del cuerpo humano en movimiento.

6. Los Guerreros de Terracota (c. 210-209 a.C.): Una colección de estatuas de guerreros y caballos en tamaño real, enterrados junto al emperador Qin Shi Huang en China.

7. Los Frescos de Pompeya (siglo I a.C.): Los frescos y murales que decoraban las paredes de las casas en la ciudad romana de Pompeya, capturando escenas cotidianas y mitológicas.

Preguntas frecuentes

¿Cuáles son los tipos de arte en la edad antigua?

Los tipos de arte antiguo son diversos y abarcan varias categorías, como:

Escultura: Figuras humanas, dioses y monumentos.

Pintura: Frescos, murales y obras en cerámica.

Arquitectura: Templos, pirámides, palacios y estructuras monumentales.

Cerámica y alfarería: Vasijas, platos y objetos decorativos.

Escritura y caligrafía: Inscripciones en monumentos y manuscritos.

Joyería y objetos ornamentales: Collares, amuletos y objetos decorativos.

Textiles y tapices: Tejidos decorativos y prendas de vestir.

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El período medieval abarca más de mil años de la historia de la humanidad que se podría enmarcar entre el siglo V y XV. El arte medieval hereda hace un tránsito de las obras de arte que procedían de la época de las Grecia y Roma antiguas a las que se añaden las tendencias y creencias religiosas fusionadas con las diferentes culturas bárbaras de la época invasora del imperio.

En el arte medieval está marcado por la religión y tiene mucho que ver con los caminos de peregrinaje religioso. Hay que destacar en sus principios el denominado arte bizantino que se propagó por todo el imperio romano de oriente. El arte del imperio carolingio también es de destacar por seguir la tendencia con sus muchos templos que se caracterizan por tener base octogonal e inmensas bóvedas. El arte islámico es otro de los grandes protagonistas del arte medieval.

Los estilos durante el periodo medieval son bien diferentes: El románico y el gótico. El primero, más austero se distingue por la forma de sus arcos perfectamente circulares que recuerdan la época romana y de ahí su denominación. Hay muchas muestras del arte románico que puedes encontrar en arte-historia, entre ellas tienes aquí una muestra:

El gótico rompe con la sobriedad del románico y es capaz de crear construcciones más altas y luminosas gracias a la bóveda de crucería y al arco apuntado u ojival, permitían unos recursos ornamentales mayores, más vistosas, además del gusto que se incrementó por las vidrieras y la luminosidad de los templos. Sobre el arte gótico se puede ver, entre otros:

Esta corriente artística no se limita únicamente a la arquitectura, pintura y la escultura, y podemos hallar piezas de este tipo de arte en las construcciones, la orfebrería, las ilustraciones y hasta la escritura de manuscritos. Incluso hay expertos que incluyen la confección de la ropa de esa época dentro de los supuestos del arte medieval. En relación a la música puede verse: Música Medieval

El propósito de este tipo de arte no busca la belleza en su contexto, sino que buscaba sobre todo una utilidad, la creación de artículos funcionales. Según algunos eruditos el arte medieval persigue sobre todo tres objetivos.

El primer objetivo es servir como ofrenda a los santos, los difuntos y Dios, con el propósito de lograr su favor. Por eso en el arte medieval es la arquitectura religiosa la temática dominante de la época.

Representar de manera física todos los seres de naturaleza divina o sobrenatural, explicar los supuestos dogmas de fe que tiene la iglesia católica a quienes no comprenden las creencias de esta religión.

Y como tercer objetivo se persigue demostrar el poder de los diferentes organismos de la sociedad de la época, como el político o el religioso.

A continuación se puede ver un magnífico documental del arte medieval, muy amplio y documentado

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Evangelizar con el Arte Arte Fe y Cultura

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El arte paleocristiano es eminentemente simbólico. El cristianismo nace y se desarrolla en el Imperio Romano y tanto en el último capítulo de los Hechos de los Apóstoles como en el Evangelio de S. Lucas se insiste en que la paz universal propia del Imperio, garantiza la difusión de la fe, y una extensa red de comunicaciones facilita los viajes. Después de Pentecostés, los Apóstoles reciben la fuerza del Espíritu Santo y comienzan la misión de evangelizar: San Marcos va a Alejandría, San Pedro a Roma y Antioquía, Felipe a Gracia, Santiago a Hispania, San Bartolomé va a Frigia y San Mateo a Etiópía. Desde las primeras comunidades cristianas, los símbolos adquieren una importancia vital. El arte cristiano nació asociado al culto funerario en las catacumbas para venerar a los muertos, especialmente a los mártires. Lo que se deduce de esto es la existencia de la Esperanza del Cristiano. En su origen fueron sólo lugar de sepultura, celebraban ritos funerarios, y al ser lugares apartados permitía el uso libre de los símbolos cristianos. Según Puig Massana los signos podemos dividirlos en tres grupos: -Signos relacionados con el agua: escenas de Jonás y la ballena, el áncora y el pez, la pesca milagrosa... -Signos Eucarísticos:el pez (ICHTYS) profesión de fe abreviada. -Signos relacionados con la salvación : escenas del buen pastor…

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Los pueblos germánicos invadieron el Imperio Romano dividiendo el territorio en diversos reinos donde los pueblos invasores pasaron a ser

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El arte islámico abarca las artes visuales producidas a partir del siglo VII por poblaciones culturalmente islámicas.

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2travellingacrosstime / Viajando a través del tiempo 2

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CULTURA El reinado de Carlomagno marcó un impulso de la vida cultural y artística conocido como el renacimiento carolingio. Las principales características de este período fueron el apoyo a l…

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Arte Románico: Qué es, Características y Obras

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El arte románico es un estilo artístico desarrollado en Europa entre los siglos XI y mediados del XIII. A este periodo, podemos añadirle uno anterior,…

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Obras y características de la pintura gótica | Arte Dovale

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El arte gótico es un estilo pictórico que nació a finales de la Edad Media en Europa Occidental y duró hasta la llegada del Renacimiento ... Leer más

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Arte Renacentista ✓ Te explicamos qué es el arte renacentista y sus características. Además, pintura, escultura y arquitectura de este movimiento y representantes…

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masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas

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Manierismo, cuando el más allá irrumpió en el más acá

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Si en el Prerenacimiento trató de representarse al hombre en su esencia natural, en el Alto Renacimiento esta se idealizó y el Manierismo buscará superar ese modelo y deformarlo.

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Te explicamos qué es el Barroco, cómo se originó y los temas que abarca. Además, cuáles son sus características y diferentes artes.

Barroco

El estilo barroco es un conjunto de características expresadas en las diferentes ramas del arte que se desarrollaron en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII.

El término barroco fue acuñado en la época inmediatamente posterior, el siglo XVIII, para referirse despectivamente a arte anterior, por considerarlo deforme y exagerado. Sin embargo, posteriormente se revalorizó este estilo por su capacidad para expresar sentimientos y pasiones, y por su profundo impacto sobre el espectador.

El estilo barroco suele oponerse al estilo clásico. Este último se caracteriza por el respeto de las proporciones, la representación casi matemática de la realidad, la armonía de los elementos y la selección de personajes calmos como dioses y reyes. Los historiadores del arte sostienen que en todas las épocas del arte europeo se ha alternado entre un estilo más similar al barroco y otro más similar al clásico.

Ver además: Rococó

Origen del estilo barroco

El barroco se originó a principios del siglo XVII, en una época en que Europa estaba afectada por la llamada Guerra de los 30 años (1618 - 1648) pero también por múltiples revueltas y revoluciones locales.

Además, eran frecuentes las muertes por la peste. En este contexto de violencia y muerte, surge esta forma de arte que transmite no sólo el dolor con mayor intensidad, sino también el amor por la vida.

Por otro lado, la Iglesia Católica experimentaba su primera crisis, por lo que buscó convertir sus templos en lugares con multitud de esculturas que inspiraran fervor religioso. El estilo barroco, que comenzaba a surgir, respondía a estas necesidades. Es decir que el barroco encontró su origen en causas sociales y el impulso necesario en causas religiosas.

Sentimiento y espiritualidad del barroco

La principal característica del arte barroco es el objetivo de representar las pasiones internas. Entre ellas se encuentran los sentimientos como el amor o la furia, pero también las formas de la espiritualidad, como la fe, la paz y la misericordia. Además, el barroco buscaba representar el temperamento individual.

Proporciones artificiosas del barroco

El barroco buscaba una representación verosímil de la realidad, por eso, en la pintura y en la escultura, encontramos representaciones humanas muy similares a los modelos reales.

Sin embargo, las proporciones de los cuerpos humanos en muchos casos son exageradas, aunque esto no pueda notarse a simple vista. La exageración se utilizaba como una forma de crear movimiento y tensión, además de facilitar la expresión de las pasiones.

Temas del barroco

Existen tres tipos de temas en el estilo barroco.

Por un lado, es muy frecuente la temática religiosa ya que fue durante más de un siglo el estilo más fomentado por la Iglesia Católica.

Por otro lado, parte de este arte tenía un contenido político ya que tanto en la arquitectura como en la música o la pintura podía exaltar figuras políticas y reyes.

Y en menor medida su temática era burguesa, con escenas cotidianas y paisajes.

Arquitectura barroca

En la arquitectura barroca se encuentra una decoración exuberante. Predominan las figuras curvas, tanto cóncavas como convexas. El sentido escenográfico de la arquitectura se observa en los diversos juegos ópticos que construían diferentes imágenes dependiendo del punto de vista del observador.

Tanto reyes como papas fomentaron la expresión de grandes ideales en la arquitectura barroca, a través de sus programas de urbanismo.

Ejemplos de arquitectura barroca son la fachada del edificio San Carlo alle Quattro Fontane (1640) de Francesco Borromini, en Roma, y el Palacio de Versalles (1685) de Louis Le vau y Jules Hardouin-Mansart.

Música barroca

La música barroca se caracteriza por el uso de la armonía tonal, es decir, la combinación de sonidos simultáneos, con la presencia constante del bajo continuo. La música deja de estar supeditada a la palabra (lenguaje vocal) desarrollando un lenguaje instrumental propio.

El contraste propio del barroco se expresa en la música en el uso de la disonancia y de la contraposición entre partes fuertes y débiles del compás.

Ejemplos de música barroca son las cantatas de J. S. Bach y Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi.

Literatura barroca

La literatura del barroco expresa escepticismo y pesimismo. Recurre a múltiples recursos retóricos, como las alegorías y las metáforas, y su lenguaje es recargado y suntuoso, con multitud de adjetivos. En esta época comienza a abandonarse el latín y a utilizarse las lenguas vernáculas.

La vida es presentada como una lucha, o en otros casos como un sueño, una ilusión o una mentira.

Entre las obras barrocas se encuentran el Don Quijote, de Miguel de Cervantes, la Fábula de Polifemo y Galatea (1613) de Luis de Góngora y el poemario Parnaso español (1648) de Francisco de Quevedo.

Pintura barroca

Tanto la pintura como la escultura barrocas buscan una representación imitativa de la realidad, similar al naturalismo. A pesar de que dar la sensación de ser una representación fiel de la realidad, en realidad las formas son exageradas.

Específicamente en pintura, aparece el claroscuro, que es el contraste entre zonas iluminadas y oscuras. La técnica es el óleo sobre lienzo.

Ejemplos de pintura barroca son La vocación de San Mateo (1601) de Caravaggio y Retrato del cardenal Richelieu (1640) de Philippe de Champaigne.

Escultura barroca

La escultura también explora la representación imitativa pero exagerada del cuerpo y rostro humano. Los cuerpos suelen estar envueltos en telas que crean mayor dramatismo y permiten además crear contrastes entre colores y texturas.

En la escultura, estos efectos de luces y sombras se logran gracias al relieve. Cada escultura está pensada para un lugar específico, y por lo tanto está subordinada a la arquitectura y a la luz (natural o artificial) que recibe en ese sitio.

Ejemplos de la escultura barroca son Apolo y Dafne (1625) de Gian Lorenzo Bernini y la llamada "Columna de la peste" (1679) de Matthias Rauchmüller.

Teatro barroco

La literatura dramática del barroco muestra características similares a otras formas literarias del barroco, como la multitud de adjetivos y figuras retóricas. Específicamente el espectáculo teatral se vio modificado porque por primera vez se dividió la platea del escenario.

La escenografía se volvió más compleja y con el objetivo de crear una ilusión de realidad, pero al mismo tiempo mostrando prodigios y valorizando la composición visual del espectáculo.

El teatro barroco se desarrolló principalmente en España, con autores como Tirso de Molina y Lope de Vega.

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Estilo Barroco: qué es, información, temas, características

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Te explicamos qué es el Barroco, cómo se originó y los temas que abarca. Además, cuáles son sus características y diferentes artes. El estilo barroco es un conjunto de características expresadas en las diferentes ramas del arte que se desarrollaron en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII.

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El Triunfo de Venus

El movimiento del arte rococó ha cautivado a los entusiastas del arte durante siglos. Sus diseños ornamentados y caprichosos, a menudo con colores pastel y detalles exuberantes, tienen una calidad atemporal que continúa influyendo en el arte moderno.

Desde los lujosos interiores del Palacio de Versalles de Francia hasta las paredes pintadas de la Iglesia de San Martín en Madrid, este estilo de arte es amado por su belleza y gracia. Echemos un vistazo más de cerca a la historia y las características del arte rococó y exploremos algunas de las obras más emblemáticas que ha inspirado.

¿Qué es el arte rococó?

El arte rococó es un movimiento artístico que comenzó a principios del siglo XVIII en Francia y se extendió a otras partes de Europa. Es un estilo que se caracteriza por una ornamentación elaborada, formas asimétricas y un enfoque lúdico del arte. A sí mismo, presentaba escenas de la vida cotidiana y temas de amor, amistad y naturaleza.

La palabra "rococó" se deriva de la palabra francesa "rocaille", que significa concha o roca. Esto es una referencia al tipo de ornamentación en forma de concha que se utilizó en el diseño del arte rococó.

Este estilo de arte fue popular durante el reinado de Luis XV de Francia y fue visto como una reacción al estilo de arte barroco más serio y formal que lo precedió. El arte rococó a menudo se asocia con la corte francesa y la aristocracia, pero también tuvo una fuerte influencia en las clases medias.

Historia del arte rococó

El periodo rococó fue una época de gran agitación social y política en Europa, y también de cambios significativos en el mundo del arte. El barroco, que había sido el estilo artístico dominante en Europa durante la mayor parte del siglo XVII, había sido sustituido por algo nuevo e innovador.

El columpio

Sin embargo, muchas de las características del estilo rococó, como la asimetría y los motivos ornamentales, se han utilizado en el arte moderno hasta nuestros días.

Características del arte rococó

Las características del arte rococó son muchas y variadas, pero algunas de las más notables incluyen:

1. Ornamentado y decorativo: Las obras suelen incluir follaje estilizado, conchas y otros elementos naturales. Su paleta también suele ser bastante vibrante y ligera, centrándose en los colores pastel.

2. Juguetón y coqueto: El estilo rococó presenta temas juguetones y coquetos, como una joven cortejando a un caballero en un jardín, o un joven y una joven bailando en un entorno al aire libre. El uso del simbolismo y la alegoría también es muy común en el arte rococó.

3. Desenfadado y refinado: Su temática suele ser bastante caprichosa y a menudo presenta personajes de la mitología y las fábulas, con énfasis en la gracia y la elegancia.

4. Énfasis en la naturaleza: Como ya se ha mencionado, la naturaleza es un tema común en el arte rococó. Su imaginería a menudo presenta exuberantes jardines, colinas ondulantes y paisajes serenos.

5. Composiciones asimétricas: El arte rococó suele presentar composiciones asimétricas que contribuyen a crear una atmósfera dinámica y animada. Este estilo de composición también se observa frecuentemente en el arte barroco.

6. Colores claros: Este estilo artístico suele caracterizarse por sus colores claros y pastel y por el uso del rosa, el azul, el verde y el amarillo. Estos colores suelen combinarse para crear una atmósfera etérea y onírica.

Estas son sólo algunas de las características del arte rococó. Hay muchas más, cada una de las cuales contribuye a su belleza única y atemporal.

Las diferentes expresiones artísticas del rococó

Una de las características más llamativas de la época rococó fue la variedad de expresiones artísticas que se utilizaron. Si bien había algunos elementos comunes, como la luz, los colores pastel y las decoraciones ornamentadas, los artistas pudieron crear obras de arte únicas e innovadoras que reflejaban sus estilos personales. Las tres principales expresiones artísticas del rococó fueron el arte de la pintura, la escultura y la literatura.

Los temas del estilo rococó

Los temas principales del arte rococó incluyen temas alegres, como la vida aristocrática, el amor, el romance y la naturaleza. Además, el arte rococó también contó con escenas de entretenimiento y placer, como la música, el baile y el teatro.

La escala del amor

Si bien los temas en el arte rococó pueden parecer frívolos, fueron creados para proporcionar una sensación de alegría y comodidad, además de ser una forma de escapar del clima social estricto y opresivo de la época.

A sí mismo, buscaba expresar los ideales de belleza y placer que eran tan importantes para la corte francesa. Empleó un enfoque más naturalista y asimétrico de la composición, e incorporó elementos de la naturaleza, como flores, árboles y aves, en su trabajo.

Principales artistas del movimiento rococó

Durante el período rococó, muchos artistas prominentes surgieron y causaron una impresión duradera en el mundo del arte. Estos artistas eran conocidos por crear bellas y alegres obras de arte que encarnaban los ideales románticos de la época. Estos son algunos de los mejores artistas rococó de todos los tiempos:

Ejemplos de obras artísticas del periodo rococó

El periodo rococó fue una época de gran arte y creatividad, con las obras más influyentes de artistas y arquitectos franceses, lo que supuso una revolución en las artes visuales, con su uso de diseños asimétricos, colores vibrantes y ornamentación. Aquí hay una lista de algunas de las obras más representativas del movimiento rococó.

Conclusión

El arte rococó es una parte importante de la historia del arte en Europa. Es un periodo de arte que abarca la ligereza, la gracia y la sensibilidad. Celebró lo aristocrático y lo sofisticado, estableciendo el tono para la próxima era del arte. Es admirado por sus obras intrincadas y delicadas, que todavía se estudian y aprecian hoy en día. Por lo tanto, se puede concluir que el arte rococó es un estilo importante en la historia del arte que continúa inspirando al mundo del arte moderno.

Preguntas frecuentes
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El arte Rococó: Historia, características, obras principales

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El arte rococó es un estilo artístico del siglo XVIII caracterizado por una ornamentación elaborada, composiciones asimétricas y colores pastel

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El neoclasicismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a mediados del siglo XVIII y se extendió hasta el siglo XIX. Tenía como base la renovación de los valores filosóficos y estéticos de la Antigüedad Clásica y el culto a la razón, interpretados como modelos para la construcción de la modernidad.

Se originó en Francia, donde fue llamado simplemente clasicismo. Desde allí, llegó al resto de Europa y a América, de la mano del Iluminismo o Ilustración, clave filosófica del movimiento neoclásico en todas sus manifestaciones.

Contexto y origen del neoclasicismo

Tres procesos históricos fueron claves en el movimiento neoclásico:

1. La aparición de la Ilustración o el Iluminismo, movimiento filosófico que defendía la razón, el conocimiento y la secularización como propósito y medio para derogar el dogmatismo y fomentar el progreso. En este movimiento se insertó La enciclopedia, de Diderot y D`Alembert, publicada por primera vez entre 1751 y 1772.

2. El descubrimiento de las ruinas de Herculano (1738) y Pompeya (1748), que despertó nuevamente el interés por estudiar la cultura grecolatina.

3. Por último, la llamada "doble revolución", es decir, la revolución industrial que estaba modificando los modos de producción y organización social, y la revolución francesa, que proclamaba igualdad, libertad y fraternidad.

Hacia finales del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII, en Europa dominaba el arte barroco. En Francia, particularmente, dominaba el rococó en la corte. Inspirados por los valores de la Ilustración, surgieron detractores de tales estilos, pues los consideraban excesivos, confusos y recargados. Además, los relacionaban al fanatismo religioso y a la corrupción aristocrática.

En este contexto nació el neoclasicismo, un movimiento artístico con programa propio, que reaccionaba contra la tradición anterior, proclamando una "revolución" estética y filosófica. ¿En qué consistió ese cambio pretendido?

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Características generales del neoclasicismo

Aunque en apariencia el arte neoclásico transmite cierta frialdad, en realidad pretendía ser un arte verdaderamente revolucionario en su intención -al menos en su primera etapa. Los artistas genuinamente deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. Por ello, se plantearon seguir una serie de características y valores.

Carácter didáctico y moralizador

El propósito del neoclasicismo era la educación y la moralización de la sociedad con miras a la construcción del proyecto moderno. Los artistas y escritores creían que a través de sus obras ayudaban a difundir los valores necesarios para construir una sociedad racional, moral, culta y progresista. Su meta principal era superar la ignorancia, a la que veían como madre de la intolerancia y el dogmatismo.

Valores

Entre los artistas existía la convicción de crear una estética que le confiriera un nuevo sentido a la modernidad. Así, funcionaban bajo una escala de valores que se consideraban racionales y universales. Entre ellos estaban:

la libertad

la idea de patria

el heroísmo

el espíritu de sacrificio, rigor y autodominio

Inspiración en el arte de la Antigüedad Clásica

El neoclasicismo retoma la indagación e investigación sobre la Antigüedad Clásica y le confiere un nuevo sentido. De este modo, la interpreta como expresión "culta" y modelo ético de carácter universal y racional.

La inspiración en la Antigüedad Clásica ya se había visto en el Renacimiento, pero mientras los renacentistas acudían a ella como un método para conocer la naturaleza, los neoclásicos la interpretaban como una referencia moral en la cual fundar el "proyecto moderno". Se trataba de una idealización moral del pasado grecolatino.

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Equilibrio, proporción y simetría

Con la Antigüedad Clásica como modelo, resurgió el interés por el equilibrio, la proporción y la simetría, valores propios del arte griego de ese período. De esta manera, los artistas neoclásicos rechazaban el efectismo, la espectacularidad y el exceso decorativo del arte barroco y rococó.

Equilibrio, proporción y simetría fueron entendidos como metáfora formal del carácter moral, es decir, pretendían simbolizar, por medio de la forma, el código de valores de la civilización moderna. Este canon se aplicó en las artes plásticas, la música, la arquitectura y la literatura.

Culto a la razón

El culto de la "diosa Razón" en Notre Dame. 1793. Aguafuerte. 12 × 20 cm.

Los artistas y escritores neoclásicos veían a la Razón como una diosa garante del orden civilizatorio. El racionalismo en la composición estética, es decir, la representación organizada y metódica, así como los temas que resaltaban la templanza, la virtud y el autodominio, eran una forma de ejercer y difundir el culto a la razón.

Universalidad

Paradójicamente, el nacionalismo emergente de aquellos años aspiraba a la universalidad. La idea era que la narrativa racionalista se expresara en todas las civilizaciones, conformando un Estado nacional laico y republicano de vocación universal, que acogiera por igual a todos los ciudadanos.

Temas

Los temas del neoclasicismo se vinculan con el compromiso político de sus artistas. Sin embargo, muchas veces fueron instrumentalizados por los gobiernos, lo que llevó a la estandarización de los contenidos y a la pérdida de su eficacia revolucionaria.

El arte neoclásico abordaba temas como:

Historia grecolatina: se usaba como modelo de moralidad.

Historia del republicanismo y de la revolución francesa.

Mitología romana: se usaba como alegoría de la virtud.

Igualmente, seguían existiendo los géneros del retrato individual y colectivo. Junto a esto, persistían algunos otros temas de menor interés en la escala de valores del movimiento. Por ejemplo, la pintura religiosa de inspiración cristiana.

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Características del neoclasicismo por disciplina

¿Cómo se expresó todo esto en cada una de las disciplinas artísticas? Veamos a continuación cuáles fueron las soluciones que los artistas y escritores neoclásicos encontraron en la pintura, la escultura, la arquitectura, la música y la literatura.

Características de la pintura

Predominio del dibujo sobre el color.

Uso de la luz clara y fría.

Contornos claros y bien definidos.

Superficies bien acabadas y uniformes que no permiten distinguir las pinceladas.

Eliminación de escenas secundarias.

Para el fondo predominó el uso de la arquitectura grecolatina o, incluso, el uso de penumbras sobre el paisaje.

Supresión de lo decorativo y lo superfluo.

Preferencia por la composición ortogonal.

La anatomía sigue estrictamente el ideal del canon clásico de la antigüedad.

Gestualidad de los personajes contenida: no hay signos de dolor o de emociones.

Los objetos de la escena suelen ser referencias de los hallazgos arqueológicos.

Predominio de la pintura histórica (historia grecorromana, revolución francesa e historia republicana), seguida por mitología grecorromana alegórica. Escaso interés en la religión.

En cuanto a la técnica, uso mayoritario de la pintura al óleo (se usó también el fresco).

Algunos de los más importantes representantes de la pintura neoclásica fueron los siguientes:

Jacques-Louis David: París, 1748 - Bruselas, 1825. Obras de referencia: El juramento de los horacios, La muerte de Marat, La muerte de Sócrates, Napoleón cruzando los Alpes, Madame Récamier.

Jean-Auguste Dominique Ingres: Montauban, Tarn-et-Garonne, 1780 - París, 1867. Obras de referencia: Napoleón en su trono imperial, Edipo y la esfinge, La bañista de Valpinçon, La gran odalisca.

Rafael Mengs: Aussig, Bohemia, 1728 - Roma, 1779. Obras de referencia: Parnassus, Magdalena penitente, Triunfo de la historia sobre el tiempo.

Francisco Bayeu: Zaragoza, 1734 - Madrid, 1795. Obras de referencia: El paseo de las delicias, La feliz unión de España y Parma impulsa las ciencias y las artes.

Angelica Kauffmann: Coira, 1741 - Roma, 1807. Obras de referencia: Ariadna abandonada, Telémaco y las ninfas de Calypso, Alegoría de la poesía y la pintura.

Mariano Salvador Maella: Valencia, 1739 - Madrid, 1819. Obras de referencia: La batalla de Aljubarrota, El embarque.

Francisco de Goya (pintor de transición al romanticismo): Zaragoza, 1746 - Burdeos, 1828. Obras de referencia: La familia de Carlos IV, El quitasol.

Características de la escultura

Abandono de la policromía.

Preferencia por el mármol, el cobre y el alabastro.

Exaltación de la belleza ideal.

Equilibrio formal.

Sutileza en la representación de la expresión emocional.

Escenas dinámicas poco frecuentes.

Aspecto general de pureza helada.

Algunos de los más importantes representantes de la escultura neoclásica fueron los siguientes:

Antonio Canova: Possagno, 1757 - Venecia, 1822. Obras de referencia: Las tres gracias, Venus Victrix, Eros y Psique.

Lorenzo Bartolini: Savignano di Prato, 1777 - Florencia, 1850. Obras de referencia: Carità educatrice.

François Rude: Dijon, 1784 - París, 1855. Obras de referencia: Hébé et l'Aigle de Jupiter, Departure of the Volunteers of 1792 (La Marseillaise).

Jean Antoine Houdon: Versalles, 1741 - París, 1828. Obras de referencia: George Washington, Diana la cazadora, Napoleón Bonaparte.

Características de la arquitectura

El estilo neoclásico fue el modelo preferido para la arquitectura civil durante el siglo XVIII y parte del siglo XIX, aunque también se expresó en edificios religiosos. Convivió con tendencias afines como:

el palladianismo, movimiento inglés de inspiración renacentista.

el neogriego, movimiento inglés y norteamericano inspirado en Grecia (fue preferido en EE.UU. como referente de la democracia).

el estilo arquitectónico de "Beaux Arts" de Francia o academicismo francés, que tenía una cierta orientación al eclecticismo.

La arquitectura neoclásica tuvo una serie de características específicas, entre las cuales podemos mencionar las siguientes:

Basada en la valoración simbólica de las formas geométricas y la línea.

Rechazo de la compenetración de las plantas y volúmenes.

Volúmenes interiores expresados en el exterior.

Respeta pureza de planos y volúmenes.

No interrumpe las líneas ni suaviza los contornos.

Algunos de los más importantes representantes de la arquitectura neoclásica fueron los siguientes:

Ange-Jacques Gabriel: París, 1698 - 1782. Obras de referencia: Plaza de la Concordia; Pequeño Trianón en Versalles y Teatro de la Ópera real de Versalles.

Jacques-Germain Soufflot: Irancy,1713 - París, 1780. Obras de referencia: Panteón de París (anteriormente, iglesia de Santa Genoveva).

Étienne-Louis Boullée: París, 1728 - 1799. Obras de referencia: Hôtel Alexandre (Hôtel Soult), Interiores del Palacio del Elíseo, Cenotafio a Newton.

Jean-François-Thérèse Chalgrin: París, 1739 - 1811. Obras de referencia: Arco de Triunfo de París, Hotel Santo-Florentin.

William Thornton: Islas Vírgenes Británicas 1759 - Washington, 1828. Obra de referencia: Capitolio de EE.UU.

Características de la literatura neoclásica

Conflicto entre el honor, el deber y las pasiones.

Fuentes de inspiración: la Antigüedad Clásica.

Preocupación por la elegancia formal.

Predominio de los géneros críticos sobre los didácticos.

Algunos de los más importantes autores de la literatura neoclásica fueron los siguientes:

Jean de la Fontaine: Château-Thierry, Aisne, 1621 - París, 1695. Obra de referencia: Las Fábulas.

Daniel Defoe: Londres, entre 1659 y 1661 aprox. - 1731. Obra de referencia: Robinson Crusoe.

Jonathan Swift: Dublín, 1667 - 1745. Obra de referencia: Los viajes de Gulliver.

Alexander Pope: Londres, 1688 - 1744. Obra de referencia: Ensayo sobre el hombre, poema filosófico.

José Cadalso y Vázquez de Andrade (Dalmiro): Cádiz, 1741 - San Roque, 1782. Obras de referencia: Ocios de mi juventud, Solaya o los circasianos y Don Sancho García.

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Características de la música clásica

A diferencia de las artes plásticas y la literatura, la música del Siglo de las Luces no fue llamada neoclásica, sino simplemente música clásica. La ausencia de registros musicales de la antigüedad dejaba sin efecto cualquier propósito de revisionismo histórico.

El clasicismo musical surge como reacción ante el estilo contrapuntístico, extravagante y confuso de la música barroca. Así, se enlaza al nuevo espíritu ideológico del momento al buscar mesura, equilibrio, proporción y simetría. Sus características fueron las siguientes:

Protagonismo de la línea melódica sobre la armonía.

Armonía consonante.

Ritmos regulares y constantes.

Estilo brillante y claro.

Nacimiento de las formas sonata y sinfonía.

Algunos de los más importantes representantes de la música clásica fueron los siguientes:

Christoph Willibald Gluck: Erasbach, 1714 - Viena, 1787. Obras de referencia: La clemencia de Tito, Orfeo y Eurídice.

Joseph Haydn: Rohrau; 1732 - Viena, 1809. Obras de referencia: Ópera Lo speziale, L'anima del filosofo, La creación, Sinfonía nº 45.

Antonio Salieri: Legnago, 1750 - Viena, 1825. Obras de referencia: Falstaff ossia Le tre burle y Armida.

Wolfang Amadeus Mozart: Salzburgo, 1756 - Viena, 1791. Obras de referencia: La flauta mágica, Don Giovanni, Sinfonía nº 40.

Ludwig van Beethoven (transición al romanticismo): Colonia, 1770 - Viena, 1827. Obras de referencia: Bagatela para piano en la menor: Für Elise ("Para Elisa"), Sinfonía Heroica, Novena sinfonía.

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Elementos y Principios del arte contemporáneo - Arte y educacion

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Estos elementos y principios son otra herramienta que nos ayudará a abordar, analizar, decodificar y en ocasiones escribir sobre obras de arte contemporáneo.

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

El romanticismo es un movimiento artístico y literario que surgió entre finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX en Alemania e Inglaterra. Desde allí se extendió a toda Europa y América. El movimiento romántico está basado en la expresión de la subjetividad y la libertad creadora en oposición al academicismo y el racionalismo del arte neoclásico.

Tiene su origen en la influencia del movimiento germánico Sturm und Drang (que significa 'tormenta e ímpetu'), desarrollado entre 1767 y 1785, el cual reaccionaba contra el racionalismo ilustrado. Impulsado por el Sturm und Drang, el romanticismo rechazó la rigidez académica del neoclasicismo que, para entonces, había ganado la reputación de frío y servil al poder político.

La importancia del romanticismo radica en haber promovido la idea del arte como un medio de expresión individual. Dice el especialista E. Gombrich que durante el romanticismo: "Por primera vez, acaso, llegó a ser verdad que el arte era un perfecto medio para expresar el sentir individual; siempre, naturalmente, que el artista poseyera ese sentir individual al que dar expresión".

En consecuencia, el romanticismo fue un movimiento diverso. Había artistas revolucionarios y reaccionarios. Otros eran evasivos de la realidad, otros promotores de los valores burgueses y otros antiburgueses. ¿Cuál sería el rasgo común? Según el historiador Eric Hobsbawm, el combate del término medio. Para comprender esto mejor, conozcamos las características del romanticismo, sus expresiones, representantes y contexto histórico.

Características del romanticismo

Identifiquemos algunos rasgos comunes en términos de valores, concepción, propósito, temas y fuentes de inspiración del romanticismo.

Subjetividad vs. objetividad. Se exaltaba la subjetividad, los sentimientos y los estados de ánimo sobre la objetividad y el racionalismo del arte neoclásico. Se enfocaron en los sentimientos intensos y místicos, como miedo, pasión, locura y soledad.

Imaginación vs. inteligencia. Para los románticos, el ejercicio de la imaginación era equiparable al pensamiento filosófico. Por ende, revalorizaron el papel de la imaginación en el arte en cualquier de las disciplinas artísticas.

Lo sublime vs. belleza clásica. Se opone la noción de lo sublime frente a la belleza clásica. Los sublime se entendía como la percepción de la grandeza absoluta de lo contemplado, que no solo place, sino que conmueve y turba al no corresponder a expectativas racionales.

Individualismo. El romántico procura la expresión del yo, el reconocimiento de la identidad individual, de la singularidad y la distinción personal. En la música, por ejemplo, esto se expresó como un desafío al público en la improvisación artística.

Nacionalismo. El nacionalismo fue la expresión colectiva de la búsqueda de la identidad del individuo. En una época de cambios vertiginosos, era importante mantener el vínculo con el origen, la herencia y la pertenencia. De allí el interés por el folclor.

Liberación de las reglas academicistas. Se propone la liberación de las rígidas reglas del arte academicista, particularmente del neoclasicismo. Subordinan la técnica a la expresión individual y no al contrario.

Redescubrimiento de la naturaleza. El romanticismo convirtió al paisaje en una metáfora del mundo interior y una fuente de inspiración. Por ende, se prefirieron los aspectos más salvajes y misteriosos del paisaje.

Carácter visionario u onírico. El arte romántico trae a la luz el interés por los asuntos oníricos y visionarios: sueños, pesadillas, fantasías y fantasmagorías, donde la imaginación se libera de la racionalidad.

Nostalgia por el pasado. Los románticos sienten que con la modernización se han perdido la unidad entre el hombre y la naturaleza, e idealizan el pasado. Tienen tres fuentes: la edad media; lo primitivo, exótico y popular y la revolución.

Idea de genio atormentado e incomprendido. El genio del romanticismo es un incomprendido y atormentado. Se le distingue del genio renacentista por su imaginación y originalidad y, también, por la narrativa de una vida atormentada.

Temas del romanticismo. Abarcan un registro tan diverso como el tratamiento de:

Edad Media. Hubo dos caminos: 1) evocación del arte sacro medieval, especialmente el gótico, expresión de fe e identidad. 2) Lo maravilloso medieval: monstruos, criaturas míticas, leyendas y mitologías (como la nórdica).

Folclor: tradiciones y costumbres; leyendas; mitologías nacionales

Exotismo: orientalismo y culturas "primitivas" (culturas indígenas americanas).

Revolución y nacionalismo: historia nacional; valores revolucionarios y héroes caídos.

Temas oníricos: sueños, pesadillas, criaturas fantásticas, etc.

Inquietudes existenciales y sentimientos: melancolía, melodrama, amor, pasiones, muerte.

Literatura del romanticismo

La literatura, al igual que la música, se percibía como un arte de interés público al colindar con los valores del creciente nacionalismo. Por ello, defendía la supremacía cultural de la lengua vernácula a través de la literatura nacional. Asimismo, los escritores incorporaron la herencia popular a los temas y estilos de la literatura, en desafío a la cultura aristocrática y cosmopolita.

Un rasgo distintivo del movimiento literario romántico fue la parición y desarrollo de la ironía romántica que atravesó todos los géneros literarios. También hubo mayor presencia del espíritu femenino.

En poesía, se valoró la lírica popular y se desecharon las reglas poéticas neoclásicas. En la prosa, aparecieron géneros como el artículo de costumbres, la novela histórica y la novela gótica. Fue también un período extraordinario para el desarrollo de la novela por entregas (novela de folletín).

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Pintura y escultura en el romanticismo

La pintura romántica se liberó del encargo y, por ende, logró perfilarse como expresión individual. Ello fue favorable a la libertad creativa y a la originalidad, pero hizo más difícil el mercado de la pintura e influyó en que esta perdiera cierto grado de influencia en lo público.

Artísticamente, la pintura romántica se caracterizó por el predominio del color sobre el dibujo y el uso de la luz como elemento expresivo. En el caso de la pintura francesa, se sumaron composiciones complejas y abigarradas de influencia barroca.

También fue característica la evasión de la claridad y la definición, y el uso de trazos y texturas al descubierto con fines expresivos. Se prefirieron técnicas como la pintura a óleo, la acuarela, los grabados y las litografías.

La escultura del romanticismo tuvo un desarrollo menor que la pintura. En un principio, los escultores mantuvieron el interés en la mitología clásica y los cánones de representación tradicionales. Sin embargo, poco a poco aparecieron escultores que modificaron algunas reglas. Así, se usaron diagonales para crear composiciones trianguladas, se buscó crear dinamismo y mayor tensión dramática y se introdujo el interés por los efectos de claroscuro.

Ver también: La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix.

Romanticismo musical

La música alcanzó protagonismo como arte público, y fue percibida como manifiesto político y arma revolucionaria. Esto se debe, en parte, al auge de la relación entre música y literatura, que dio lugar al florecimiento del lied como género musical, y que llevó a la ópera a otro nivel de popularidad, todo gracias a la valorización de la lengua vernácula.

Así, se desarrollaron ampliamente las óperas en lenguas nacionales como el alemán y el francés. También hubo un extraordinario desarrollo del género canción con poesía tradicional, popular y nacional. Asimismo, apareció el poema sinfónico.

Estilísticamente, se desarrolló una mayor complejidad de ritmos y líneas melódicas; aparecieron nuevos usos armónicos. Los compositores e intérpretes buscaron crear mayores contrastes y exploraron los matices en su máxima expresión.

Es fundamental mencionar el extraordinario desarrollo de la música para piano. Este instrumento se creó en siglo XVIII y, por ende, tuvo un importante papel en el clasicismo musical. Pero en el romanticismo se exploraron todas sus posibilidades expresivas y su uso se popularizó. Asimismo, la orquesta se amplió, pues se crearon y añadieron nuevos instrumentos como el contrafagot, el corno inglés, la tuba y el saxofón.

Palacio de Westminster, Londres. Estilo neogótico.

Arquitectura durante el romanticismo

No hubo un estilo arquitectónico romántico propiamente dicho. La tendencia dominante de la primera parte del siglo XIX fue el historicismo arquitectónico, la mayoría de las veces determinado por la función del edificio o por la historia del lugar.

Este historicismo había tenido su inicio en el movimiento neoclásico, que acudió a estilos como el neogriego o el neorromano para los edificios de orden público. Dominaba la nostalgia del pasado.

Para el diseño de los edificios religiosos del siglo XIX, los arquitectos tocados por el espíritu romántico solían acudir a las formas vigentes durante el esplendor del cristianismo. Por ejemplo, el neobizantino, el neorrománico y el neogótico.

También se usaron los estilos neobarroco, neomudéjar, etc. De todos estos estilos conservaron los aspectos formales, pero se usaron materiales y técnicas constructivas de la era industrial.

Profundiza en: Neoclasicismo: características de la literatura y el arte neoclásicos.
Literatura:
Principales representantes del romanticismo
Artes plásticas:

Johann Wolfgang von Goethe (Alemania, 1749 - 1832). Obras representativas: Las desventuras del joven Werther (ficción); La teoría del color.

Friedrich Schiller (Alemania, 1759 - 1805). Obras representativas: Guillermo Tell, Oda a la alegría.

Novalis (Alemania, 1772 - 1801). Obras representativas: Los Discípulos en Sais, Los Himnos a la noche, Los Cantos espirituales.

Lord Byron (Inglaterra, 1788 - 1824). Obras representativas: Las peregrinaciones de Childe Harold, Caín.

John Keats (Inglaterra, 1795 - 1821). Obras representativas: Oda sobre una urna griega, Hyperion, Lamia y otros poemas.

Mary Shelley (Inglaterra, 1797 - 1851). Obras representativas: Frankenstein, El último hombre.

Víctor Hugo (Francia, 1802 - 1885). Obras representativas: Los miserables, Nuestra Señora de París.

Alejandro Dumas (Francia, 1802 - 1870). Obras representativas: Los tres mosqueteros, El conde de Montecristo.

Edgar Allan Poe (Estados Unidos, 1809 - 1849). Obras representativas: El cuervo, Los crímenes de la calle Morque, La casa Usher, El gato negro.

José de Espronceda (España, 1808 - 1842). Obras representativas: Canción del pirata, El estudiante de Salamanca.

Jorge Isaacs (Colombia, 1837 - 1895). Obra representativa: María.

Música:

Caspar David Friedrich (Alemania, 1774-1840). Pintor. Obras representativas: El caminante sobre el mar; Monje a la orilla del mar; Abadía en el robledal.

William Turner (Inglaterra, 1775-1851). Pintor. Obras representativas: El "Temerario" remolcado a su último atraque para el desguace; La batalla de Trafalgar; Ulises burlando a Polifemo.

Théodore Géricault (Francia, 1791-1824). Pintor. Obras representativas: La balsa de la Medusa; Oficial de cazadores a la carga.

Eugene Delacroix (Francia, 1798-1863). Pintor. Obras representativas: La libertad guiando al pueblo; La barca de Dante.

Leonardo Alenza (España, 1807- 1845). Pintor. Obras representativas: El viático.

François Rude (Francia, 1784-1855). Escultor. Obras representativas: La partida de los voluntarios de 1792 (La Marsellesa); Hebe y el águila de Júpiter.

Antoine-Louis Barye (Francia, 1786-1875). Escultor. Obras representativas: León y serpiente, Roger y Angélica montados sobre un hipogrifo.

Ludwig van Beethoven (Alemania, 1770-1827). Músico del período de transición al romanticismo. Obras representativas: La quinta sinfonía, La novena sinfonía.

Franz Schubert (Austria, 1797-1828). Obras representativas: Das Dreimäderlhaus, Ave María, Der Erlkonig (Lied).

Robert Schumann (Alemania, 1810-1856). Obras representativas: Fantasía en C, Kreisleriana op. 16, Frauenliebe und leben (Amor y vida de una mujer), Dichterliebe (Amor y vida de un poeta).

Fréderic Chopin (Polonia, 1810-1849). Obras representativas: Nocturnos Op. 9, Polonesa Op 53.

Richard Wagner (Alemania, 1813-1883). Obras representativas: El anillo del Nibelungo, Lohengrin, Parsifal, Sigfrido, Tristán e Isolda.

Johannes Brahms (Alemania, 1833-1897). Obras representativas: Danzas húngaras, Liebeslieder Waltzes Op. 52.

Contexto histórico del romanticismo

Culturalmente, el siglo XVIII estuvo marcado por el Iluminismo, que preconizaba el triunfo de la razón sobre el fanatismo, la libertad de pensamiento y la fe en el progreso como nuevo sentido de la historia. La religión perdía su influencia pública y era confinaba a la esfera privada. La revolución industrial, que transcurría paralelamente, consolidó a la burguesía como clase dominante y formó una clase media emergente.

La Ilustración se expresaba con el arte neoclasicismo. Con el neoclasicismo, comenzaron los "ismos" como tal, es decir, los movimientos con programa y conciencia deliberada de estilo. Pero aún existían barreras para la libertad individual y contradicciones, de modo que no tardó en formarse una reacción.

Los nuevos cambios despertaban la desconfianza ante el excesivo "racionalismo" que, irónicamente, justificó muchas prácticas intolerantes; se miraba con nostalgia los tiempos de la fe y se sentía una cierta desconfianza hacia los nuevos sectores sociales sin tradición.

El impacto del "buen salvaje"

En 1755, Jean-Jacques Rousseau publicó Discurso sobre el origen y los fundamentos de la desigualdad entre los hombres, donde refutaba la obra Leviatán de Thomas Hobbes. Hobbes justificaba el despotismo ilustrado para garantizar la razón y el orden social, ya que entendía que el individuo tiende a la corrupción por naturaleza.

Rousseau propuso la tesis contraria: que el ser humano es bueno por naturaleza y que la sociedad lo corrompe. Los aborígenes americanos, de quienes se decía vivían en armonía con la naturaleza, fueron referidos por Rousseau como modelo ejemplar. Surgió así la tesis del "buen salvaje". La idea fue tan escandalosa que le mereció la enemistad con Voltaire y fue considerada herética por la Iglesia. Aún así, nadie pudo detener su contagio revolucionario.

La influencia del nacionalismo

El nacionalismo había despertado en Europa desde que Montesquieu, en pleno contexto de la Ilustración, definió las bases teóricas de la nación en el siglo XVIII. De hecho, el nacionalismo fue un valor compartido por los neoclasicistas, pero el romanticismo le confirió un sentido nuevo al vincularlo no solo a un principio político sino ontológico: el "ser nacional".

Este valor adquirió gran beligerancia cuando Napoleón, símbolo revolucionario del Estado laico, más pronto que tarde demostró su deseo de establecer un imperio europeo. La reacción no se hizo esperar. Los artistas de la transición romántica le dieron la espalda. Un ejemplo paradigmático es Beethoven, quien le había dedicado la Sinfonía Heroica a Napoleón y, al verlo avanzar en contra del pueblo germano, borró la dedicatoria.

La aparición del Sturm und Drang

Entre 1767 y 1785 surgió un movimiento germánico llamado Sturm und Drang ("Tormenta e ímpetu"), impulsado por Johann Georg Hamann, Johann Gottfried von Herder y Johann Wolfgang von Goethe. Este movimiento rechazó el racionalismo y rigor del arte neoclásico y se constituyó en antecedente e impulso del romanticismo. El movimiento había recibido la influencia del pensamiento roussoniano y despertaba el germen de la inconformidad frente al estado de las cosas.

William Blake: El gran Dragón Rojo y la Mujer revestida en Sol, de la serie El gran Dragón Rojo. 54,6 x 43,2 cm. Museo de Brooklyn.

El arte como vocación

El romanticismo, impulsado en parte por el Sturm und Drang, también revelaba una crítica, pero esta partía de una profunda desconfianza ante el mundo conocido, ese mundo del progreso y de la creciente masificación.

Las academias habían constreñido la creatividad artística y el arte de finales del siglo XVIII había dejado de ser revolucionario para ser predecible y servil. Los románticos creían que el arte estaba destinado a expresar no solo la opinión sino la sensibilidad del artista. Nació la idea del arte como vocación, lo que liberó al artista de las obligaciones de la relación con el cliente/patrono.

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La pintura es un arte que abarca diferentes estilos, cada uno con sus características, técnicas e historia: expresionismo, impresionismo, realismo...

Hoy queríamos hablar de la pintura realista, el estilo pictórico que marcó la segunda mitad del siglo XIX y dio origen a otros movimientos artísticos posteriores.

¿Qué es la pintura realista?

La pintura realista es aquella que refleja la realidad tal y como es, de forma objetiva, verídica y fiel. A diferencia de otros estilos pictóricos en los que se idealizan conceptos, la pintura realista no acepta la idealización ni las ideas preconcebidas.

El pintor realista, por tanto, debe inspirarse únicamente en lo que ve, sin deformar la realidad ni dar una imagen subjetiva de ella. La pintura realista suele representar lugares comunes, como una habitación, una reunión de personas o incluso paisajes.

El origen de la pintura realista

La pintura realista tuvo su origen en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX, un periodo marcado por la rebelión artística contra la fantasía, el exotismo y el idealismo del Romanticismo, el movimiento artístico que precede al Realismo.

No solo en la pintura, sino también en otras manifestaciones artísticas, los autores buscaban reflejar la realidad por cruda que fuera. Así, por ejemplo, son conocidos los literatos Honoré de Balzac y Gustave Flaubert, considerados los iniciadores del Realismo literario con obras cuya inspiración era la vida cotidiana, lejos de las quimeras románticas.

En el caso del lienzo y los pinceles, se considera como el padre de la pintura realista a Gustave Courbet, además de su máximo representante. La obra de Courbet que dio origen (y nombre) a este nuevo movimiento es El taller del pintor, obra de 1855 actualmente expuesta en el Musée d'Orsay, París.

Características de la pintura realista

Aunque más arriba hemos dado algunas pinceladas de sus características, podemos decir que la pintura realista de la época se caracteriza por:

El reflejo objetivo y fidedigno de la realidad que rodeaba al pintor, por gris, cruda y miserable que fuera.

Rechazo de la subjetividad, de la idealización y del exotismo propios del Romanticismo.

Se centraba en el presente, en el tiempo y el lugar en que vivieron los pintores realistas.

Ante todo, la veracidad: la pintura realista no enmascaraba ni pretendía complacer al espectador, sino enseñarle la vida cotidiana tal como es.

Interés por los avances y descubrimientos científicos de la época, una temática muy presente en la pintura realista.

Intención de crítica social, al representar a través de la pintura las clases sociales, las injusticias, etc. La pintura realista y en general el Realismo artístico era cercano a las ideas socialistas de la época (1850-1900).

De manera paralela, algunos pintores comenzarían a alejarse de estas características, dando inicio a otros estilos que rechazaban de pleno la realidad. Estos movimientos posteriores se conocen como vanguardias artísticas.

Autores famosos de pintura realista

Además de su fundador, Gustave Courbet, encontramos otros autores de pintura realista franceses famosos, como Honoré Daumier, Jean-François Millet y Édouard Manet.

Fuera de Francia, podemos mencionar a los ingleses William Holman Hunt y Ford Madox Brown, y a los alemanes Franz von Lenbach y Max Liebermann.

¿Cómo pintar un cuadro realista?

En la pintura realista, el juego de luces y sombras, así como las formas y volúmenes, cobran especial importancia, ya que se trata de conseguir una pintura lo más cercana a la realidad.

No obstante, si quieres pintar un cuadro realista como un auténtico autor del movimiento, debes saber que existe un sistema muy fácil para hacerlo...

Pintar un cuadro realista con Canvas by Numbers

Con el sistema de pintar por números de Canvas by Numbers, podrás ejercitarte en la pintura realista aunque no tengas ninguna experiencia con los pinceles.

Recibirás en casa cuanto necesitas para pintar un cuadro realista y, aplicando el color indicado en la zona correspondiente del lienzo, lograrás una pintura realista digna del mismísimo Courbet.

Y eso sí que es también la pura realidad.

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