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3000 a.c y el siglo V d.c

En la antigüedad, las obras trataban de temas religiosos , era común tratar sobre temas de dioses y creencias

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La pluma es realmente más poderosa que la espada, y si eres un entusiasta de los libros, sabes que es verdad. He aquí, algunas de las obras literarias más influyentes de la historia y cuyos autores, escribieron las obras más importantes de todos los tiempos.

La Literatura es el trabajo escrito de una cultura, subcultura, religión , filosofía o estudio específico de dicho trabajo escrito que puede aparecer en la poesía o en prosa. La literatura, en el oeste, se originó en la región meridional de Mesopotamia de Sumer (c. 3200) en la ciudad de Uruk y floreció en Egipto , más tarde en Grecia (la palabra escrita fue importada allí desde los fenicios ) y desde allí, a Roma. .
La Escritura parece haberse originado independientemente en China y también de manera independiente en Mesoamérica y en otros lugares.
La primera autora de literatura en el mundo, conocida por su nombre, fue la suma sacerdotisa de Ur , Enheduanna (2285-2250 aC), quien escribió himnos en alabanza a la diosa sumeria Inanna . Gran parte de la literatura temprana de Mesopotamia se refiere a las actividades de los dioses, pero, con el tiempo, los humanos aparecieron como los personajes principales en poemas como Enmerkar y el Señor de Aratta y Lugalbanda y el Monte Hurrum.(C.2600-2000 AEC).

La verdad en la literatura

Las elevadas odas de Homero a la grandeza de la flota griega que navegaba hacia Troya o el viaje de Odiseo a través del "mar oscuro como el vino"" eran tan reales para los oyentes como sus descripciones de la hechicera Circe, el cíclope Polifemo o las sirenas. Esos cuentos que hoy se consideran mito fueron considerados tan verdaderos y sagrados como cualquiera de los escritos contenidos en la Biblia judeocristiana.o el Corán musulmán son para los creyentes. Las designaciones como ficción y no ficción son etiquetas relativamente recientes aplicadas a obras escritas. La mente antigua entendió que, con bastante frecuencia, la verdad puede ser aprehendida a través de una fábula sobre un zorro y algunas uvas inalcanzables. La preocupación moderna por la verdad de una historia no habría preocupado a nadie que escuchara uno de los cuentos de Esopo; lo que importaba era lo que la historia intentaba transmitir. El mejor ejemplo de esto es un género conocido como literatura mesopotámica

Aun así, se dio un valor a la precisión en el registro de eventos reales (como muestra la antigua crítica de los relatos de los acontecimientos del historiador Heródoto ).
Las primeras obras literarias generalmente tenían un enfoque didáctico y tenían un propósito religioso subyacente (o a menudo abierto), como en el sumerio Enuma Elish de 1120 a. C. o la Teogonía del escritor griego Hesíodo del siglo VIII a. C.
Una de las primeras obras literarias conocidas es la epopeya sumeria / babilónica de Gilgamesh de c. 2150 a. C., que trata temas de heroísmo, orgullo, nacionalidad, amistad, desilusión, muerte y la búsqueda de la vida eterna. Si lo que sucedió en la historia de Gilgamesh "realmente sucedió" no era importante para el escritor y para el oyente. Lo que importaba era lo que el público pudo quitar del cuento.

naru en el que las figuras históricas aparecen en tramas de ficción. Las obras más conocidas de este género incluyen The Curse of Agade y The Legend of Cutha , ambas con el gran rey acadio Naram-Sin (r. 2261-2224 BCE), nieto de Sargón de Akkad (r. 2334-2279 BCE, padre de Enheduanna). Ambas obras tienen a Naram-Sin comportándose de manera contradictoria con la evidencia física y otros escritos más fácticos. Sin embargo, el propósito de la literatura de Naru no era relatar lo que "realmente" sucedió, sino enfatizar un punto moral, cultural y religioso.

Ejemplos de literatura antigua

Los Textos de las Pirámides de Egipto, también considerados literatura, hablan del viaje del alma a la otra vida en el Campo de Cañas y estas obras, a diferencia de la literatura mesopotámica de Naru, presentan el tema como verdadero. La cultura religiosa egipcia se basaba en la realidad de una vida futura y en el papel que los dioses desempeñaban en el viaje eterno, del cual la vida en la tierra era solo una parte. La Ilíada de Homero cuenta la famosa guerra de diez años entre los griegos y los troyanos, mientras que su Odisea cuenta el viaje del gran héroe Odysseus de regreso a casa después de la guerra a su amada esposa Penélope de Ithaca y esto, como las otras obras mencionadas, reforzó los valores culturales sin preocuparse por lo que pudo haber sucedido o no con respecto a la guerra con Troya.
La historia contada en el Libro bíblico del Éxodo (1446 a. C.) es considerada "verdad histórica" por muchos hoy en día, pero originalmente podría haber sido interpretada como liberación de la esclavitud en un sentido espiritual, ya que fue escrita para empoderar a los adoradores de Yahweh , alentó ellos para resistir las tentaciones de los pueblos indígenas de Canaán , y elevaron la percepción de la audiencia de sí mismos como un pueblo elegido de un dios todopoderoso.
El Cantar de los Cantares (c. 950 aC) de la escritura hebrea del Tanakh, inmortaliza el amor apasionado entre un hombre y una mujer (interpretado por los cristianos, mucho más tarde, como la relación entre Cristo y la iglesia, aunque no existe tal interpretación respaldado por el texto original) y el aspecto sagrado de dicha relación. La épica india Mahabharata (c.800-400 a. C.) relata el nacimiento de una nación, mientras que el Ramayana (c. 200 a. C.) cuenta la historia del gran Rama.El rescate de su esposa secuestrada Sita del malvado Ravna. Las obras encontradas en la biblioteca del rey asirio Asurbanipal (647-627 aC) registran los actos heroicos de los dioses, diosas y las luchas y triunfos de los reyes heroicos de la antigua Mesopotamia como Enmerkar, Lugalbanda y Gilgamesh.

Originalidad en la literatura antigua

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Historia de la Literatura Antigua | Lista de libros representativos

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La pluma es realmente más poderosa que la espada, y si eres un entusiasta de los libros, sabes que es verdad. Algunas de las obras literarias más influyentes de la historia y cuyos autores, escribieron las obras más importantes de todos los tiempos.

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Hechos históricos de la literatura antigua

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Hechos históricos de la literatura antigua

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1-Los periodos en los que se desarrollo el nacimiento de la literatura hubo invasiones a los diferentes pueblos y de alguna forma modificaron estilos de vida.

2-La literatura tiene dos periodos uno de ellos el periodo vedico en la india que por ejemplo se vio invadida por los años 2.500 y 1.500 a.

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La literatura antigua ha dejado un legado invaluable que ha perdurado a lo largo de los siglos. A través de sus obras, podemos adentrarnos en la mente y el mundo de civilizaciones pasadas, explorando sus creencias, inquietudes y experiencias. En este contenido, exploraremos cuáles son los temas más recurrentes en la literatura antigua, desde la mitología y los dioses hasta el amor, la guerra y la búsqueda del conocimiento. Descubriremos cómo estos temas universales han trascendido las barreras del tiempo y continúan siendo relevantes en la actualidad. ¡Bienvenido a este fascinante viaje a través de las páginas de la literatura antigua!

Descubre la literatura antigua y sus fascinantes características

La literatura antigua es un tesoro invaluable que nos permite adentrarnos en las sociedades y culturas del pasado. A través de sus textos, podemos conocer las ideas, creencias y valores de civilizaciones que han dejado una huella imborrable en la historia.

Una de las características más fascinantes de la literatura antigua es su diversidad. Cada civilización tenía su propio estilo literario y temas recurrentes que reflejaban su visión del mundo. Desde los mitos y leyendas de la antigua Grecia, hasta los poemas épicos de la antigua India, pasando por las obras filosóficas de la antigua China, cada cultura aportaba su propio sello distintivo a la literatura antigua.

Otra característica importante de la literatura antigua es su intemporalidad. A pesar de haber sido escrita hace miles de años, muchas de estas obras siguen siendo relevantes y actuales en la actualidad. Los temas universales como el amor, la guerra, la muerte y la búsqueda del sentido de la vida siguen resonando en nosotros, demostrando la capacidad de la literatura antigua para trascender el tiempo y el espacio.

La literatura antigua también se caracteriza por su riqueza estilística. Los antiguos escritores dominaban el arte de la retórica y utilizaban una variedad de recursos literarios para transmitir sus ideas de manera efectiva. Desde las metáforas y las alegorías, hasta los símiles y las hipérboles, estos recursos literarios enriquecían el lenguaje y dotaban a los textos de una belleza y profundidad extraordinarias.

Además, la literatura antigua era una forma de preservar la memoria colectiva de una sociedad. Muchas de estas obras eran transmitidas oralmente de generación en generación antes de ser escritas, lo que permitía que las historias y enseñanzas se mantuvieran vivas a lo largo del tiempo. Estos textos eran considerados sagrados y se utilizaban como herramientas de educación y formación de los individuos.

Tipos de literatura antigua: una mirada al pasado

La literatura antigua es un tesoro cultural que nos permite adentrarnos en las mentes y corazones de las civilizaciones pasadas. A lo largo de la historia, se han desarrollado diferentes tipos de literatura que reflejan las distintas formas de expresión y comunicación de cada época y cultura.

1. Literatura épica

La literatura épica se caracteriza por contar historias heroicas y legendarias. Uno de los ejemplos más destacados de literatura épica es la Ilíada y la Odisea de Homero, dos poemas épicos griegos que narran las hazañas de los héroes de la guerra de Troya.

2. Literatura lírica

La literatura lírica se centra en los sentimientos y emociones del autor.

Los poemas líricos suelen expresar amor, tristeza, alegría y otras emociones intensas. En la antigua Grecia, la poesía lírica era muy apreciada, y uno de los más grandes exponentes de este género es Safo, una poetisa griega conocida por sus poemas de amor y deseo.

3. Literatura dramática

La literatura dramática engloba las obras de teatro y se destaca por su carácter escénico y representativo. En la antigua Grecia, el teatro tenía una gran importancia y se celebraban festivales donde se presentaban tragedias y comedias. Entre los dramaturgos más famosos de la antigüedad se encuentran Sófocles, Eurípides y Aristófanes.

4. Literatura filosófica

La literatura filosófica se enfoca en la reflexión y el análisis de temas trascendentales. Los filósofos antiguos como Platón y Aristóteles plasmaban sus ideas y teorías en diálogos y tratados, que se consideran obras literarias por su estilo y estructura.

5. Literatura mitológica

La literatura mitológica se basa en los mitos y leyendas de una cultura. A través de estas historias, se transmitían enseñanzas morales y se explicaban fenómenos naturales. Un ejemplo icónico de literatura mitológica es la Eneida de Virgilio, una epopeya que relata las peripecias del héroe Eneas en su viaje desde la caída de Troya hasta la fundación de Roma.

Estos son solo algunos ejemplos de los muchos tipos de literatura antigua que existen. Cada uno de ellos nos ofrece una mirada fascinante al pasado y nos permite apreciar la riqueza cultural y literaria de las civilizaciones que nos precedieron.

En conclusión, los temas de la literatura antigua son tan diversos como las culturas y épocas que las produjeron. Desde los mitos y leyendas que explicaban el origen del mundo, hasta las reflexiones sobre la naturaleza humana y el papel del individuo en la sociedad, la literatura antigua nos ofrece una ventana fascinante hacia el pensamiento y la creatividad de aquellos que nos precedieron.

Explorar estos temas nos permite no solo entender mejor el pasado, sino también encontrar resonancias en nuestra propia vida y en los desafíos que enfrentamos en el presente. La literatura antigua nos conecta con nuestra herencia cultural y nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias y valores.

Si te interesa sumergirte en la literatura antigua, te animo a explorar las obras de los grandes autores y las diferentes tradiciones literarias. A través de la lectura y el estudio, podrás descubrir la belleza y la sabiduría que se encuentran en estas obras atemporales.

No importa si eres un aficionado o un erudito, la literatura antigua tiene algo que ofrecer a todos. Así que no dudes en sumergirte en este apasionante mundo y dejarte llevar por las historias y los pensamientos que han perdurado a lo largo de los siglos.

Recuerda que la literatura antigua es un legado invaluable que nos conecta con nuestro pasado y nos enriquece como seres humanos. No pierdas la oportunidad de adentrarte en este fascinante universo literario y descubrir los temas universales que han cautivado a generaciones enteras. ¡Disfruta de la lectura y del conocimiento que la literatura antigua nos brinda!

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Cuáles son los temas de la literatura antigua - Libros Arcanos

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La literatura antigua ha dejado un legado invaluable que ha perdurado a lo largo de los siglos. A través de sus obras, podemos adentrarnos en la mente

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inicia del siglo V y VI gira en torno a situaciones espirituales, este tipo de teatro estaba articulado para representar los nueve platos emocionales

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India

Inscrito en 2008 ( 3.COM) en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (proclamado originalmente en 2001)

El kuttiyatam, teatro sánscrito de la provincia de Kerala, representa una de las tradiciones teatrales vivas más antiguas de la India. Con una historia de más de 2.000 años, el kuttiyatam es a la vez una síntesis del clasicismo sánscrito y el reflejo de las tradiciones locales de Kerala. En su lenguaje teatral estilizado y codificado, la expresión de los ojos (neta abhinaya), y los gestos (hasta abhinaya) desempeñan un papel fundamental al cristalizar la atención en los pensamientos y los sentimientos del personaje principal. Los actores deben someterse a una formación rigurosa de diez a quince años para adquirir un perfecto dominio de los sutiles movimientos de la cara y el cuerpo. Todo el arte consiste en desarrollar un episodio en sus menores detalles, hasta el punto de que la representación de un solo acto puede durar varios días, y la obra entera, hasta 40 días.

El kuttiyatam se representa tradicionalmente en teatros llamados kuttampalams, que se instalan dentro de los templos hindúes. Aunque el principio estaban reservadas a un auditorio restringido a causa de su carácter sagrado, las representaciones se han ido abriendo a un público más amplio. La función de actor sigue conservando una dimensión sagrada, como atestiguan los ritos de purificación a los que se somete o a la lámpara de aceite que brilla en la escena y que simboliza la presencia divina. Los actores masculinos transmiten a sus alumnos libros de arte dramático muy detallados que hasta una época reciente eran propiedad exclusiva y secreta de ciertas familias.

Con el fin del sistema feudal y la desaparición del mecenazgo en el siglo XIX, las familias que detentaban los secretos de interpretación se vieron enfrentadas a grandes dificultades. Pese a un periodo de renovación al principio del siglo XX, el kuttiyatam está afectado de nuevo por la falta de fondos, lo que entraña una grave crisis en la profesión. En esas circunstancias, las instituciones responsables de la transmisión de la tradición han unido sus esfuerzos para asegurar la continuidad de este teatro sánscrito.

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El kuttiyatam, teatro sánscrito de la provincia de Kerala, representa una de las tradiciones teatrales vivas más antiguas de la India. Con una historia de más de 2.000 años, el kuttiyatam es a la vez una síntesis del clasicismo sánscrito y el reflejo de las tradiciones locales de Kerala.

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En el seno de esta naturaleza magnifica, corona de aves, inundada de aves, la reina y el idolo indio

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Paul de Saint-Victor

Parte II

En el seno de esta Naturaleza magnífica, coronada de aves, inundada de flores, esplende la Mujer, la reina y el ídolo del Teatro indio.

Cuán graciosa y encantadora aparece en él, pronta a entregarse, fácil a la seducción, pero irrevocablemente enlazada a su esposo o a su amante; cifrando su gloria en obedecerlo y en adorarlo, y anonadándose en su presencia. Sea cual fuere su edad, continúa siendo siempre una niña, una niña tímida y dócil, que se turba con una palabra, que se embriaga con una mirada, y que mezcla, en sus dulces caricias, la puerilidad a la voluptuosidad. Su carácter es de una bondad sana y tierna, que no se altera por dureza alguna. Besa la mano que la golpea, se mantiene adicta hacia el hombre cuando éste la rechaza, lo ama aún al ver que la abandona, dispuesta a seguirlo hasta las llamas de la pira fúnebre. Para la mujer india parece haber sido escrita esta frase deliciosa:

"La mujer se asemeja a la vid, busca apoyo y embriaga."

Asombrosa potencia de amor se desprende de esta frágil y delicada criatura; su molicie enervaría a los héroes de Homero, y con mayor motivo enerva a los hombres débiles y afeminados que la rodean. Obra sobre ellos como un afrodisiaco animado, los alucina, los encanta y los convierte en niños como ella. Nunca ha hablado la pasión lenguaje tan idolátrico como el que le hablan los poemas y los dramas de la India. Nunca ha empleado tanto refinamiento en describir y en acariciar su belleza. Es una adoración insaciable que la transfigura enteramente, desde la punta de los cabellos hasta la punta de los pies. Sus menores movimientos son admirados cual las figuras de una danza fascinadora; sus más secretas bellezas aparecen escudriñadas con la adivinación del amor. Un amante comprueba que su amada debe de haber penetrado en el bosque de cañas que divisa en el fondo del jardín:

"Porque una recentísima huella de pasos, elevada hacia adelante, profunda hacia atrás, a causa de la pesadez de sus caderas, se dibuja sobre la amarilla arena."

Otro analiza del siguiente modo una simple mirada de su amadísima:

"Mira, su pupila lánguida se desliza lentamente hacia el ángulo de la órbita, semivelada por el párpado entornado por el placer; su ceja se yergue en arco elegante: tierno estremecimiento aleja y aproxima- alternativamente sus pestañas suaves"

Los zarcillos que chocan contra las mejillas de una bayadera, se comparan "al laúd que resuena bajo los dedos ágiles de un maestro"; el retiñir de los cascabeles que le adornan los pies, "al "zumbido de un enjambre de abejas". Frecuentemente, en los himnos de un enamorado, la mujer atraviesa una letanía de metempsícosis que, desde la estrella hasta la flor, la hacen pasar por todos los esplendores y por todas las gracias de la Creación. - En Malati y MadhaVa, un mancebo, que ha perdido a su prometida, exclama en lo más intenso de su desesperación:

"En estos capullos de flores, vuelvo a ver la belleza de mi amiga; encuentro sus pupilas en las de la gacela, la liana balanceada por los vientos tiene su gracia. Ha muerto y todos sus encantos se han dispersado en el desierto."

Entre todas estas mujeres que se confunden en un grupo deliciosamente monótono, como en un ramillete formado por flores idénticas, destácase la heroína de El carretón del niño drama el más rico y el más lleno de vida que ha producido el Teatro indio. Vasantasena es el tipo de la cortesana enamorada, y es la juvenil y remota abuela de la Constanza de La Fontaine, de la Tisbé y de Marion de Víctor Hugo.

¡Graciosa y conmovedora figura! Nada hay en ella de la morbidez asiática que dobla y enerva a sus compañeras. No es solamente una joven llegada a la pubertad, es una persona libre y activa, que sabe querer y sacrificarse. Hay algo de la hetaira griega en esta cortesana rica, inteligente, espiritual, digna de ser la querida de Alejandro, si ella hubiese vivido en tiempos de éste. Ama a un juvenil brahmán de ilustre linaje, arruinado por sus espléndidas prodigalidades, y la cortesana se purifica por este noble amor. ¡Con qué pudor tímido, con qué humildad apasionada se ofrece a él. Este corazón que se da, teme no ser recibido. El sentimiento de su indignidad retiene sus impulsos. No se exterioriza más que en las miradas y en los suspiros.

Un día, acude a verlo, en su casa, al anochecer. El brahmán la toma por una criada, y le alarga el traje que acaba de quitarse. La mujer lleva amorosamente a los labios la perfumada ropa. Entonces una palabra seductora se le escapa; ha respirado la esperanza en aquel suave perfume. - " ¡Ah! - exclama - ¡Esencia de jazmín! Luego no ha renunciado a todos los placeres!" Admirable, también, es la escena en que la cortesana encuentra al hijo del brahmán con su nodriza. El niño llora porque sólo tiene un carretón de barro y querría tener un carretoncito de oro. - "No llores, niño mío -le dice Vasantasena -. Tendrás un carretón de oro."

El pequeñuelo la contempla con ojos asombrados: - "Nodriza, ¿quién es esta mujer?" - Y la cortesana contesta humildemente:

"Una sirvienta a la cual han comprado las virtudes de tu padre." - "Tu madre, niño mío" - replica en broma la nodriza. "No me dices la verdad - observa el chicuelo -. Siendo pobres cual somos, ¿cómo ha de ser mi madre esta mujer que luce adornos tan hermosos?" - Entonces Vasantasena, con los ojos llenos de lágrimas, suspira: - "¡Qué palabras tan duras para una lengua tan dulce!" - Luego, despojándose de los collares de pedrería que la engalanan, dice: - "Ahora soy tu madre. Toma, llévate estas joyas y compra un carretoncito de oro."

Nada tal, en Teatro alguno, más puro ni más conmovedor.

El idilio nace espontáneamente entre estas flores humanas. Así, también en la pastoral elegíaca es donde la poesía dramática de la India alcanza toda su -perfección. Calidasa, poeta contemporáneo de Virgilio, nos ha dejado dos modelos cuya voluptuosa delicadeza no ha sido sobrepujada: Vikrama J' Uruasi, y Sakuntala. - Vikrama y Urvasi es un cuento de hadas, musical, lleno de apariciones, de cantos, de prestigios, matizado por pantomimas solemnes, como la de una Reina que, erguida en la terraza de un palacio, ofrece, con gestos silenciosos, un sacrificio a la Luna nueva. Celebra los amores del rey Puravara con la Apsara Urvasi, que es una ninfa del cielo. Paseándose con su amada, un hada del aire atrae en su vuelo la mirada distraída del monarca. La ninfa, en un arranque de displicencia celosa, corre a perderse en la umbrosa selva, como Galatea bajo los sauces. Pero un decreto de los dioses prohíbe a las mujeres la entrada en este bosque sagrado. Y apenas ha puesto en él su planta la ninfa, cuando se transforma en una liana elegante aún y flexible como ella. El rey, loco de amor, recorre la selva desierta, buscando a su bien amada. Exhala su desesperación en lamentos henchidos de maravillosa poesía. Pide la devolución de su prenda idolatrada a las montañas, a los ríos, a las aves, a los elefantes, a las gacelas, y todos le contestan sucesivamente por medio de sonidos o de augurios misteriosos.

El corazón de Urvasi parece llenar la selva y palpitar en su seno. Cree el monarca reconocer la túnica flotante de su amada en la nube que pasa, sus pupilas en los húmedos cálices del loto, sus movimientos en la ondulación del arbusto. La encuentra, al fin, en la liana asesina que la encierra y la abraza sobre su corazón: el encanto queda roto. La Ninta surge feliz y libertada. - Nada tan tierno ni tan ardoroso como este interrogatorio a la soledad; es la realización del ideal del gema de la India: la Mujer confundida con la Naturaleza, formando un solo ser el ídolo del corazón absorbido en su panteísmo infinito.

Pero Vikrama Uruasi sólo es una ópera poética; Sakuntala es el verdadero idilio. Detengámonos ante esta obra maestra, que es la flor y la perla del Teatro indio.

Fuente:
Saint-Victor, Paul de, Las dos carátulas [1884], Joaquín Gil Paricio (trad.), Buenos Aires, Joaquín Gil, 1959.

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David Ghelman, director, Viviana Burbridge, Matías Ghelman, estrategias y diseño web, diseño web

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Revista de Artes - Teatro indio - Paul de Saint Victor - Parte II

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Revista de Artes - Revista digital bimestral de arte y cultura - Edición Nº 27

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El curso de Formación Continua en Arte de la India Antigua aborda el estudio de las manifestaciones artística del Sur de Asia desde el Neolítico hasta los siglos V y VI d.C, justo en el momento de decaimiento del Imperio Gupta. Abarca, por tanto, todas las fases del arte de la India previas al nacimiento del gran arte hindú, de época medieval, y en especial todo el desarrollo del arte budista indio, que tuvo lugar entre los siglos III a-C y el VI d.C. Al mismo tiempo, este curso de Formación Continua dedica un tercio de su carga lectiva al análisis de aquellas manifestaciones cuya fuerza y pervivencia se ha mantenido de manera prácticamente ininterrumpida desde época antigua hasta la plena actualidad, como el arte popular (a menudo obviado en los planes académicos sobre el arte en la India).

Información

30 horas lectivas

Lugar de impartición:

Aula 22A

Facultad de Geografía e Historia, Universidad Complutense de Madrid

Fechas: del 24 de febrero al 21 de abril de 2017

Matrícula: 150 €

Para acceder al procedimiento de matrícula online, pincha aquí

Si tienes alguna duda puedes acceder aquí al formulario de información
Puedes descargar el cartel del curso desde aquí

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El curso de Formación Continua en Arte de la India Antigua aborda el estudio de las manifestaciones artística del Sur de Asia desde el Neolítico hasta los siglos V y VI d.C, justo en el momento de decaimiento del Imperio Gupta.

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los brahmanas

se exponen los principios del universo de la divinidad y del alma, partiendo del concepto panteista de que el universo divino y el alma universal . llegan a encontrarse al liberarse esta ultima

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El Taj Mahal, en Agra, el edificio más famoso de la arquitectura mogol y posiblemente de la arquitectura india en su conjunto.

La arquitectura de la India está enraizada en su historia, cultura y religión. La arquitectura india progresó con el tiempo y asimiló las muchas influencias que surgieron como resultado del discurrir global de la India con otras regiones del mundo a lo largo de sus más de dos milenios de existencia. Los métodos arquitectónicos practicados en la India y son el resultado del examen y la implementación de las establecidas tradiciones constructivas y de las interacciones culturales externas.​ Los monumentos más antiguos de la India son de una época reciente comparados con los de Caldea y Egipto y se atribuyen como mucho al siglo V antes de nuestra era, son religiosos y corresponden a las religiones bramánica y budistas allí dominantes. No se conocen palacios antiguos en la arquitectura india, pues los de fecha más antigua datan del siglo XV habiéndose construido los anteriores con material de baja calidad y los que se hallan de arte indio (que no son de arte musulmán) son muy escasos. Lo mismo ocurre con las tumbas o monumentos funerarios que no son religiosos.

Aunque antigua, esa tradición oriental también ha incorporado valores modernos a medida que la India se convertía en un estado-nación moderno. Las reformas económicas de 1991 reforzaron aún más la arquitectura urbana de la India a medida que el país se integró más en la economía mundial. El tradicional Vastu Shastra sigue siendo influyente en la arquitectura de la India durante la era contemporánea.​

Los tipos más comunes en la arquitectura india son:

Dholavira, una de las ciudades más grandes de la civilización del valle del Indo, con baoris para alcanzar el nivel del agua en embalses construidos artificialmente.​

La civilización del valle del Indo (3300- 1700 a. C.) cubrió una gran área alrededor de la cuenca del río Indo y más allá. En su fase de madurez, desde ca. 2600- 1900 a. C., produjo varias ciudades marcadas por una gran uniformidad dentro y entre los sitios, como Harappa, Lothal y Mohenjo-daro, sitio declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Los aspectos cívicos y urbanísticos y de ingeniería de estas ciudades son notables, pero el diseño de los edificios es "de un carácter utilitario sorprendente". Hay graneros, desagües, cursos de agua y cisternas, pero no se han identificado palacios ni templos, aunque las ciudades tienen una "ciudadela" central elevada y fortificada.​ Mohenjo-daro tiene pozos que pueden ser los antecesores de los baori. Hasta 700 pozos se han descubierto en una sola sección de la ciudad, lo que lleva a los académicos a creer que los "pozos cilíndricos revestidos con ladrillos" fueron inventados por la civilización del Valle del Indo.​

La decoración arquitectónica es extremadamente mínima, aunque hay "nichos puntiagudos estrechos" dentro de algunos edificios. La mayor parte del arte encontrado está en formas en miniatura como sellos, y principalmente en terracota, pero hay muy pocas esculturas de figuras más grandes. En la mayoría de los sitios, el ladrillo de barro horneado (no cocido al sol como en Mesopotamia) se usa de forma exclusiva como material de construcción, pero algunos como Dholavira están en piedra. La mayoría de las casas tienen dos pisos, con tamaños y plantas muy uniformes. Las grandes ciudades disminuyeron relativamente rápido, por razones desconocidas, dejando atrás una cultura de aldea menos sofisticada.​

Mahajanapadas (600-320 a. C.)

Desde la época de las Mahajanapadas (600- 320 a. C.), son características importantes de la arquitectura india las ciudades amuralladas y fosos con grandes puertas y edificios de varias plantas que consistentemente usaban ventanas arqueadas y puertas, y que hicieron un uso intenso de la arquitectura de madera.​ Los relieves de Sanchi, que datan del siglo I a. C. al siglo I d. C., muestran ya representaciones de ciudades como Kushinagar o Rajagriha que muestran como espléndidas ciudades amuralladas durante la época de Buda (siglo VI a. C.), como en el Cortejo real que abandona Rajagriha o la guerra sobre las reliquias de Buda. Esas vistas de las antiguas ciudades indias se basaron en la comprensión de la arquitectura urbana india antigua. Arqueológicamente, ese período corresponde en parte con la cultura Northern Black Polished Ware.​ Geopolíticamente, el Imperio aqueménida comenzó a ocupar la parte noroeste del subcontinente indio desde ca. 518 a. C.​​

Jetavana de Sravasti, estupa n.º. 1 de Sanchi, puerta septentrional

Varios tipos de viviendas individuales de la época de Buda (c. 563/480 o c. 483/400 a. C.), que se asemejan a chozas con puertas decoradas con chaitya, también se describen en los relieves de Sanchi. Particularmente, el Jetavana en Sravasti, muestra las tres residencias favoritas de Buda: el Gandhakuti, el Kosambakuti y el Karorikuti, con el trono de Buda en el frente de cada uno. El jardín de Jetavana fue presentado al Buda por el rico banquero Anathapindika, quien lo compró por tantas piezas de oro que cubrirían la superficie del suelo. Por ello el primer plano del relieve se muestra cubierto con las antiguas monedas indias ( karshapanas), tal como se muestra en un relieve similar en Bharhut.​ Aunque los relieves de Sanchi se remontan hasta el siglo I a. C., la escena retratada tiene lugar durante la época del Buda, cuatro siglos antes, lo que se consideran una indicio importante de la construcción de tradiciones en esos tiempos tempranos.​

Relieve similar

Durante la época de Buda (c. 563/480 o c. 483/400 a. C.), los monjes budistas también tenían la costumbre de usar cuevas naturales, como la cueva Saptaparni, al suroeste de Rajgir, Bihar.​​ Muchos creen que fue el sitio en el que Buda pasó algún tiempo antes de su muerte,​ y donde se celebró el primer concilio budista después de la muerte de Buda ( paranirvana).​​​ El mismo Buda también usó la cueva de Indrasala para la meditación, comenzando una tradición de usar cuevas, naturales o hechas por el hombre, como retiros religiosos, que duraría más de un milenio.​

[[Archivo:Jivakarama oblong communal hall.jpg|thumb|Monasterio Jivakarama vihara. Sala comunal oblonga (restos), siglo VI a. C. Los primeros monasterios, como el Jivakarama vihara en Rajgir, Bihar, se construyeron desde la época del Buda, en los siglos VI o V a. C.​​​ El monasterio inicial de Jivakarama estaba formado por dos largos pasillos paralelos y alargados, dormitorios grandes donde los monjes podían comer y dormir, de conformidad con las regulaciones originales del samgha, sin celdas privadas.​ Luego se construyeron otras salas, en su mayoría edificios alargados y oblongos, que recuerdan la construcción de varias de las cuevas de Barabar.​​ Se dice que Buda fue tratado una vez en el monasterio, después de haber sido herido por Devadatta.​​

[[Archivo:Stupas-Original-00020.jpg|thumb|right|Las estupas en Piprahwa son algunas de las primeras estupas supervivientes.]]

Los edificios religiosos en forma de estupa budista, un monumento en forma de cúpula, comenzaron a usarse en la India como monumentos conmemorativos asociados con la conservación de reliquias sagradas de Buda.​ Las reliquias de Buda se dividieron entre ocho estupas, en Rajagriha, Vaishali, Kapilavastu, Allakappa, Ramagrama, Pava, Kushinagar y Vethapida.​ La estupa de Piprahwa también parece haber sido una de las primeras en ser construidas.​ Barandillas de protección -consistentes en postes, barras transversales y una cofia- se convirtieron en una característica de seguridad rodeando una estupa.​ El mismo Buda había dejado instrucciones sobre cómo rendir homenaje en las estupas: "Y quien ponga guirnaldas o coloque perfumes dulces y colores allí con un corazón devoto, cosechará beneficios durante mucho tiempo".​ Esta práctica llevaría a la decoración de las estupas con tallas en piedra de guirnaldas de flores en el período Clásico.​

La siguiente ola de construcción, que se basa en los primeros ejemplos de arquitectura en verdadera piedra, aparece con el inicio del período Clásico ( 320 a. C.- 550 d. C.) y el surgimiento del Imperio maurya. La ciudad capital de Pataliputra fue una maravilla urbana descrita por el embajador griego Megástenes. Los restos de la arquitectura de piedra monumental, con una fuerte influencia aqueménida y griega, se pueden ver en los numerosos artefactos recuperados de Pataliputra, como el capitel de Pataliputra. Esta fertilización cruzada entre diferentes corrientes artísticas que convergieron en el subcontinente indio produjo nuevas formas que, al tiempo que conservaban la esencia del pasado, lograban integrar elementos seleccionados de las nuevas influencias.

El emperador indio Ashoka (r. 273- 232 a. C.) estableció los pilares de Ashoka en todo su reino, generalmente junto a las estupas budistas. Según la tradición budista, Ashoka había recuperado las reliquias de Buda de estupas anteriores (excepto de la estupa Ramagrama) y erigió 84 000 nuevas estupas para distribuir las reliquias por toda la India. En efecto, se piensa que muchas estupas datan originalmente de la época de Ashoka, como en Sanchi o en Kesariya, donde también erigió pilares con sus inscripciones, y posiblemente en Bharhut, Amaravati o Dharmarajika, en Gandhara.​

Ashoka también construyó el inicial templo Mahabodhi, en Bodh Gaya, alrededor del árbol Bodhi, incluyendo obras maestras como el trono de Diamante ( Vajrasana). También se dice que estableció una cadena de hospitales en todo el imperio maurya en el año 230 a. C..​ Uno de los edictos de Ashoka dice: "En todas partes, el rey Piyadasi [Ashoka] erigió dos tipos de hospitales, hospitales para personas y hospitales para animales. Dónde no había hierbas curativas para personas y animales, ordenó que fueran compradas y plantadas".​ El arte y la cultura indios han absorbido impactos extraños en diversos grados y por esa exposición son mucho más ricos.

Durante el imperio maurya (ca. 321- 185 a. C.), se construyeron muchas ciudades fortificadas con estupas, y templos.​ Las creaciones arquitectónicas del período maurya, como la ciudad de Pataliputra o los pilares de Ashoka, sobresalen entre sus logros, y a menudo se comparan favorablemente con el resto del mundo en ese momento. Al comentar la escultura maurya, el arqueólogo John Marshall señaló la "extraordinaria precisión y exactitud que caracteriza a todas las obras mauryas, y que nunca ha sido, nos atrevemos a decir, superada incluso por la mano de obra más refinada de los edificios atenienses".​​

Una estupa temprana, de 6 m de diámetro, con sombrilla caída en el lateral. Chakpat, cerca de Chakdara. Probablemente de la época maurya, siglo III a. C..

Redescubrimiento en 1905 del pilar de Ashoka en Sarnath

Las paredes casi perfectas de las cuevas de Barabar se excavaron en la roca dura y se pulieron hasta lograr un efecto espejo ca. 250 a. C., fecha de las inscripciones de Ashoka.​

Cueva 19, Ajanta, una sala chaitya del siglo d. C.

Templo de Kailāsanātha o Kailash, cueva 16 de las cuevas de Ellora, obra de Krishna I (r. 756-773 CE), del Imperio rashtrakuta

Las estupas fueron pronto ricamente decoradas con relieves escultóricos, después de los primeros intentos en Sanchi Stupa n.º 2 (125 a. C.). Las decoraciones escultóricas y las escenas de la vida de Buda se usaron en Bharhut (115 a.C), Bodh Gaya (60 a.C), Mathura (125-60 a.C), y nuevamente en Sanchi​ para la elevación de las toranas (siglo I a. C.- siglo I d. C.) y luego Amaravati (siglos I-II).​ El adorno decorativo de las estupas también tuvo un desarrollo considerable en el noroeste de la zona de Gandhara, con estupas decoradas como la estupa de Butkara ("monumentalizada" con elementos decorativos helenísticos del siglo II a. C.)​ o las estupas Loriyan Tangai (siglo II a. C.). La arquitectura de la estupa se adoptó en el Sudeste y el Este de Asia, donde se convirtió en un prominente monumento budista utilizado para consagrar reliquias sagradas.​ Los arcos de entrada indios, la torana, llegaron a Asia oriental con la expansión del budismo.​ Algunos estudiosos sostienen que el deriva de las puertas de torana en el sitio histórico budista de Sanchi (siglo III a. C. - siglo XI).​

La Gran Estupa en Sanchi.​ Toranas decoradas construidas desde el siglo I a.C. hasta el siglo I d. C.​

Los templos -construidos sobre plantas elípticas, circulares, cuadriláteras o absidiales-, se construyeron inicialmente empleando ladrillos y madera.​ Algunos templos de madera con zarzo y arbusto pueden haberlos precedido, pero ninguno permanece hasta el día de hoy.​

Algunos de los templos exentos más antiguos pudieron haber sido de tipo circular, como el templo Bairat, en Bairat, Rajasthan, formado por una estupa central rodeada por una columnata circular y un muro circundante.​ Fue construido durante la época del emperador Ashoka y cerca de él se encontraron dos de los edictos menores en roca de Ashoka.​ Ashoka también construyó el templo Mahabodhi en Bodh Gaya ca. 250 a. C., también una edificación circular, para proteger el árbol Bodhi bajo el cual el Buda habría encontrado la iluminación. Las representaciones de esta edificación temprana del templo se encuentran en un relieve del 100 a. C. esculpido en la barandilla de la estupa en Bhārhut, así como en Sanchi.​ De ese período permanece el trono de Diamantes, una losa casi intacta de arenisca decorada con relieves, que Ashoka había establecido al pie del árbol Bodhi.​​ Estos templos de tipo circular también se encontraron en cuevas excavadas en la roca posteriores, como en las cuevas de Tulja o Guntupalli.​

Relieve de un templo de varias plantas, siglo II, estupa de Ghantasala ​​

Otro templo exento temprano en la India, esta vez de forma absidial, parece ser el templo n.º 40 de Sanchi, que también data del siglo III a. C..​ Era un templo absidial de madera construido sobre una plataforma rectangular alta de piedra, de 26,52x14x3,35 m, con dos tramos de escaleras dispuestos en los lados este y oeste. El templo fue incendiado en algún momento del siglo II a. C..​​ Este tipo de edificación absidial también se adoptó en la mayoría de las cuevas ( Chaitya-grihas), como en las cuevas Barabar, del siglo III a. C., y en la mayoría de las cuevas posteriores, con entradas laterales, y luego frontales.​ Se conserva todavía un templo absidial independiente, aunque en una forma ya modificada, el templo Trivikrama en Ter ( Maharashtra).​

Se piensa que el templo en forma de pirámide truncada derivó del diseño de las estupas escalonadas que se habían desarrollado en Gandhara.​ El templo de Mahabodhi en Bodh Gaya es un ejemplo de este tipo, adaptando el diseño gandhara de una sucesión de pasos con nichos que alojan imágenes de Buda, alternando con pilares grecorromanos, como se ve en las estupas de Jaulian.​ La edificación está coronada por la forma de una estupa hemisférica coronada por remates, formando un alargamiento lógico de las estupas gandharas escalonadas.​

Aunque la edificación actual del templo Mahabdhodi se remonta al período Gupta ( siglo V d. C.), la conocida como "placa del Templo Mahabhodi" -descubierta en Kumrahar y fechada entre 150 y 200 d.C. basándose en sus inscripciones datadas Kharoshthi y en los hallazgos combinados de monedas Huvishka- sugiere que la edificación piramidal ya existía en el siglo II d. C..​ Esto fue confirmado por las excavaciones arqueológicas en Bodh Gaya.​

Este diseño de pirámide truncada también marcó la evolución desde la estupa anicónica, dedicada al culto de las reliquias, hasta el templo icónico en el que ya había numerosas imágenes de Buda y de Bodhisattvas.​ Este diseño fue muy influyente en el desarrollo de los templos hindúes posteriores.​

Un templo budista tetrastilo próstilo del período Gupta, de apariencia clásica en Sanchi (Templo 17) (siglo V a. C.) tetrastyle prostyle.​

Más tarde, el Imperio Gupta también construyó templos budistas exentos (siguiendo el ejemplo de los templos de las grandes cuevas de la arquitectura rupestre de la India), como el templo n.º 17 en Sanchi, que data de principios del período Gupta ( siglo V d. C.). Consiste en una celda o santuario cuadrado con techo plano con un pórtico y cuatro pilares. Desde una perspectiva arquitectónica, se trata de un templo próstilo tetrástilo de apariencia clásica.​ El interior y los tres lados del exterior son lisos y no tienen ninguna decoración, pero el frente y los pilares están elegantemente tallados,​ a diferencia de los templos en cueva del siglo II excavados en la roca de las cuevas de Nasik. Las universidades de Nalanda y Valabhi, que albergaron a miles de docentes y estudiantes, florecieron entre los siglos IV y VIII.​

Este período termina con las invasiones destructivas de los Alchon Huns en el siglo VI. Durante el gobierno del rey hunnico Mihirakula, se dice que más de mil monasterios budistas en todo Gandhara fueron destruidos.​ El peregrino chino Xuanzang, que escribió en 630, explicó que Mihirakula ordenó la destrucción del budismo y la expulsión de los monjes.​ Informó que el budismo había decaido drásticamente y que la mayoría de los monasterios estaban desiertos y dejados en ruina.​ El arte budista de Gandhara, en particular el arte greco-budista, se extinguió esencialmente en ese período. Las invasiones marcaron el comienzo de la decadencia del budismo en la India.

Aunque solo duró unas pocas décadas, las invasiones tuvieron efectos a largo plazo en la India, y, en cierto sentido, pusieron fin a la India clásica.​ Poco después de las invasiones, el Imperio gupta, ya debilitado por esas invasiones y tras el ascenso de muchos gobernantes locales, terminó también.​ Tras esas invasiones y el desmoronamiento de los guptas, en el norte de la India siguió una época de cierto desorden, con la aparición de numerosos poderes indios más pequeños.​

templo Kailasa, Ellora, el mayor templo tallado en roca de la India rock-cut Hindu temple.​

La arquitectura de los templos en la India del Sur ya se muestra como una tradición distinta durante el siglo VII.​

La arquitectura del templo Māru-Gurjara se originó en algún momento del siglo VI en, y alrededor de, las áreas de Rajastán. La arquitectura Māru-Gurjara muestra la profunda comprensión de las edicaciones y las habilidades refinadas de los artesanos rajasthani de la era pasada y tiene dos estilos prominentes: Maha-Maru y Maru-Gurjara. Según M. A. Dhaky, el estilo Maha-Maru se desarrolló principalmente en Marudesa, Sapadalaksha y Surasena y en partes de Uparamala, mientras que el Maru-Gurjara se habría originado en Medapata, Gurjaradesa-Arbuda, Gurjaradesa-Anarta y en algunas áreas de Guyarat.​ Estudiosos como George Michell, M.A. Dhaky, Michael W. Meister y U.S. Moorti creen que la arquitectura del templo Māru-Gurjara es enteramente occidental y que difiere bastante de la arquitectura del templo del norte de la India.​ Hay una conexión entre la arquitectura Māru-Gurjara y la arquitectura del templo Hoysala. En ambos estilos, la arquitectura se trata de manera escultórica.​ Los estilos regionales incluyen la arquitectura de Karnataka, la arquitectura kalinga, la arquitectura dravídica, la arquitectura de los chalukyas occidentales y la arquitectura de los chalukya de Badami.

El templo de la India meridional consiste esencialmente en un santuario de cámaras cuadradas coronado por una superestructura, una torre o una espira, y un pórtico o sala con pilares adjuntos ( maṇḍapa o maṇṭapam), encerrado por un peristilo de celdas dentro de un patio rectangular. Los muros externos del templo están segmentadas por las pilastras y tienen nichos que albergan esculturas. La superestructura o torre sobre el santuario es del tipo kūṭina y consiste en una disposición de pisos que se retiran gradualmente en forma piramidal. Cada planta está delineada por un parapeto de santuarios en miniatura, cuadrados en las esquinas y rectangulares con techos de bóveda de cañón en el centro.

Los templos del norte de la India mostraban ya en el siglo X una mayor elevación de los muros y disponían de torres elaboradas.​ En la India central se construyeron templos ricamente decorados, incluidos los del complejo en Khajuraho.​ Los comerciantes indios llevaron la arquitectura india al sudeste asiático a través de varias rutas comerciales.​ Fueron características de la arquitectura del templo en la India la grandeza de construcción, las hermosas esculturas, las delicadas tallas, las altas cúpulas, las gopuras y los amplios patios. Son destacados ejemplos el templo Lingaraj, en Bhubaneshwar (Odisha), el templo de Suria (Konark)templo de Suria, en Konark (Odisha) o el templo Brihadeeswarar, en Thanjavur ( Tamil Nadu).

Diferentes elementos en el temple de Kesava, en Somanathapura.

Para mí, disfrutar de los templos de las dinastías chalukya tardía y Hoysala es uno de los grandes placeres de la vida. Amo estos templos porque sus diseños son lógicos y naturales, porque su arquitectura es ingenua, porque su ejecución es rica...

Gerard Foekema, prefacio de la Complete guide to Hoysala temples

Templo virupaksha, Raya Gopura (torre principal sobre la puerta de entrada) en Hampi, Karnataka

Shikhara (edificación) de estilo típico dravídico sobre santuarios en el templo Raghunatha en Hampi

Vista aérea del Templo Meenakshi desde lo alto del la gopuram meridional, mirando hacia el norte. El templo fue reconstuido por el Imperio Vijayanagara, y es un ejemplo de arquitectura dravídica.

La arquitectura de la época vijayanagara (1336-1565) fue un notable estilo de construcción desarrollado por el imperio Vijayanagar que gobernaba la mayor parte del sur de la India desde su capital en Vijayanagara, a orillas del río Tungabhadra, en la actual Karnataka.​ La arquitectura de los templos construidos durante el periodo vijayanagara tenían elementos de autoridad política.​ Esto dio lugar a la creación de un estilo imperial distintivo de arquitectura que destacó no solo en templos sino también en edificaciones administrativas a través del Decán.​ El estilo vijayanagara el una combinación de los estilos de los chalukya, hoysalas, Pandya y cholas que evolucionaron a principios de los siglos en que estos imperios dominaron y se caracterizan por un retorno al arte simplista y sereno del pasado.​

Tras las conquistas musulmanas y su establecimiento en la región, vieron la luz los primeros ejemplos de arquitectura indo-islámica. Se conservan pocos ejemplos de la época, destacando el complejo de Qutb, que fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1993. El complejo consiste en el Qutab Minar, iniciado en 1193 por Qutb-ud-din Aibak -el primer gobernante musulmán en el área de Delhi, y fundador del sultanato de Delhi- pero que sólo pudo completar su base. Su sucesor, Iltusmish, añadió tres pisos más. La obra fue completada en 1368 por Firuz Shah Tughluq, siendo desde ese momento, con sus 72,5 m de altura, el minarete de ladrillo más alto del mundo. Se conservan otros monumentos construidos por los sucesivos sultanes de Delhi,​ como el Alai Minar, un minarete que quería doblar el tamaño del Qutb Minar y que fue encargado por Alauddin Khilji, aunque nunca se completó. Otros ejemplos incluyen el fuerte Tughlaqabad y el complejo Hauz Khas.

La arquitectura rajput representa diferentes tipos de edificios, que en general se pueden clasificar como seculares o religiosos. Los edificios que se conservan, de varias escalas, son templos, fuertes, baoris, jardines y palacios. Los fuertes fueron construidos especialmente para fines militares y de defensa debido a las invasiones islámicas.

Durante el siglo XVII, la arquitectura mogol y la pintura mogol influyeron en los estilos de arte y arquitectura de los indígenas rajput.​

La arquitectura rajput continuó hasta bien entrados los siglos XX y XXI, ya que los gobernantes de los estados principescos de la India británica encargaron vastos palacios y otros edificios, como el Museo Albert Hall, el palacio de Lalgarh y el palacio Umaid Bhawan. Estos grandes edificios generalmente también incorporaban estilos europeos, una práctica que finalmente llevó al estilo indo-sarraceno.

La arquitectura budista se desarrolló en el subcontinente indio siendo tres los tipos de edificaciones asociadas con la arquitectura religiosa del budismo primitivo: viharas (monasterios), lugares para venerar reliquias ( stupas) y santuarios o salas de oración ( chaityas, también llamadas chaitya grihas), que más tarde se llamaron templos en algunos lugares. La función inicial de una estupa era la veneración y la protección de las reliquias de Gautama Buddha. El primer ejemplo sobreviviente de una estupa está en Sanchi ( Madhya Pradesh). De acuerdo con los cambios en la práctica religiosa, las estupas se fueron incorporando gradualmente a los chaitya-grihas (salas de oración). Esto está ejemplificado por los complejos de las cuevas de Ajanta y las cuevas de Ellora ( Maharashtra). El Templo de Mahabodhi en Bodh Gaya en Bihar es otro ejemplo bien conocido. La pagoda es una evolución de la estupa india.

El Taj Mahal en Agra, construido por Sha Jahan como mausoleo para su esposa, culmen de la arquitectura mogola en la India, y uno de los edificios más reconocibles del mundo.

Vista de un pabellón en los jardines Shalimar, Lahore.

La Badshahi Masjid, literalmente la 'Mezquita Real', fue construida en 1674 por Aurangzeb en Lahore.

Vista de la fortaleza-ciudad real de Fatehpur Sikri.

Tumba de Humayun, Delhi, the first fully developed Mughal imperial tomb, 1569-1570​

El Fuerte Rojo fue la residencia principal de los emperadores mogoles durante casi 200 años, hasta 1856​

El estilo indoislámico más famoso es la arquitectura mogol. Sus ejemplos más destacados son la serie de mausoleos imperiales, que comenzaron con la fundamental tumba de Humayun, siendo el más conocido el Taj Mahal. Es conocida por sus características que incluyen edificios monumentales rodeados de jardines en los cuatro lados, y delicados trabajos de ornamentación, incluidos trabajos decorativos de pachin kari y pantallas de celosía .

El Fuerte Rojo en Agra (1565-1574) y la ciudad amurallada de Fatehpur Sikri (1569-1574)​ se encuentran entre los logros arquitectónicos de esta época, al igual que el ya citado Taj Mahal, construido como una tumba para la reina Mumtaz Mahal por Shah Jahan (1628-1658).​ El empleo de la doble cúpula, el arco empotrado, la representación de cualquier animal o humano -una parte esencial de la tradición india-, estaba prohibido en los lugares de culto bajo el islam. El Taj Mahal contiene mosaicos de plantas ornamentales.​ La arquitectura durante el período mogol, con sus gobernantes de origen túrquico-mongol, ha mostrado una notable combinación de estilo indio combinado con el islámico. El Taj Mahal en Agra, India es una de las maravillas del mundo.​

En las regiones meridionales del subcontinente indio, el sultanato bahmani y los cinco sultanatos del Decán desarrollaron los estilos arquitectónicos indoislámicos del Decán. Los ejemplos más notables son Charminar, Mecca Masjid, tumbas Qutb Shahi, Madrasa Mahmud Gawan y Gol Gumbaz.​

Dentro del subcontinente indio, la región de Bengala desarrolló un estilo regional distinto bajo el Sultanato de Bengala independiente. Incorporó influencias de Persia, Bizancio y del norte de la India,​ que combinaban con elementos bengalíes autóctonos, como los techos curvos, las torres en esquina y la compleja ornamentación de terracota. Una característica del sultanato fue la relativa ausencia de minaretes.​ En ese momento se construyeron en toda la región muchas mezquitas medievales, pequeñas y medianas, con múltiples cúpulas y artísticos mihrabs con nichos.​ La gran mezquita de Bengala fue la mezquita Adina del siglo XIV, la mezquita más grande del subcontinente indio. Construida de piedra procedente de templos derribados, contaba con una bóveda de cañón de crucería monumental sobre la nave central, la primera bóveda gigante de este tipo utilizada en el subcontinente. La mezquita se inspiró en el estilo sasánida imperial de Persia.​ El estilo del sultanato floreció entre los siglos XIV y XVI. Un estilo provincial influenciado por el norte de la India evolucionó en la Bengala mogol durante los siglos XVII y XVIII. Los mogoles también copiaron la tradición del techo bengalí do-chala para sus mausoleos en el norte de la India.​

Los marathas gobernaron gran parte del subcontinente indio desde mediados del siglo XVII hasta principios del siglo XIX.​ Su actividad religiosa tomó plena forma y pronto los cielos de las ciudades maharashtrianas estaban dominados por las agujas de los templos. Las viejas formas volvieron con esta 'renovación' de la arquitectura hindú, infundida por el Sultanato y más tarde por las tradiciones mogoles. La arquitectura del período maratha se planificó con patios adaptados a los climas tropicales. La arquitectura maratha es conocida por su simplicidad, por su lógica visible y una estética austera, enriquecida por hermosos detalles, ritmo y repetición. Los pasillos y arcadas, perforados por delicados nichos, puertas y ventanas, crean un espacio en el que la articulación de áreas abiertas, semiabiertas y cubiertas parece sin esfuerzo y encantadora. Los materiales utilizados durante esos tiempos para la construcción fueron ladrillos delgados, mortero de cal, yeso de cal, columnas de madera, bases de piedra, pisos de piedra de basalto y pavimentos de ladrillo. Maharashtra es famoso por sus cuevas y las arquitecturas excavadas en la roca. Se dice que las variedades que se encuentran en Maharashtra son mayores que las cuevas y las arquitecturas excavadas en la roca de Egipto, Asiria, Persia y Grecia. Los monjes budistas comenzaron estas cuevas en el siglo II a. C., en busca de un ambiente sereno y pacífico para la meditación, y lo encontraron en estas cuevas en las laderas.

La arquitectura sij es un estilo de arquitectura que se caracteriza por los valores de progresividad, exquisita complejidad, belleza austera y líneas fluyentes lógicas. Debido a su estilo progresivo, está evolucionando constantemente en muchas sucursales de nuevo desarrollo con nuevos estilos contemporáneos. Aunque la arquitectura sij se desarrolló inicialmente dentro del sijismo, su estilo se ha utilizado en muchos edificios no religiosos debido a su belleza. Hace 300 años, la arquitectura sij se distinguía por sus muchas curvas y líneas rectas; Shri Keshgarh Sahib y el Harmandir Sahib (Templo Dorado) son los mejores ejemplos.

La arquitectura sij está fuertemente influenciada por los estilos de arquitectura mogol y rajput. El uso de cúpulas de cebolla, frescos, arcos de múltiples hojas, pilastras emparejadas, trabajos en reposo, son de origen mogol, mientras que los , las ventanas de oriel y los frisos ornamentados son una influencia de los rajput.​

Al igual que ocurrió con los mogoles, bajo el dominio colonial europeo, la arquitectura se convirtió en un emblema del poder, diseñada para respaldar al poder ocupante. Numerosos países europeos invadieron la India y crearon estilos arquitectónicos que reflejan sus hogares ancestrales y adoptados. Los colonizadores europeos crearon una arquitectura que simbolizaba su misión de conquista, dedicada al estado o la religión.​

Los británicos, franceses, neerlandeses y portugueses fueron las principales potencias europeas que colonizaron partes de la India.​​

Rashtrapati Niwas en Shimla proyectada por Henry Irwin en el estilo Jacobethan y construido a finales del siglo XIX

Los británicos llegaron en 1615 y, a lo largo de los siglos, derrocaron gradualmente a los imperios Maratha y Sikh y a otros pequeños reinos independientes. Los británicos estuvieron presente en la India durante más de trescientos años y su legado aún permanece a través de algunos edificios e infraestructura que subsisten en sus antiguas colonias.​ Las principales ciudades colonizadas durante este período fueron Madras, Calcuta, Bombay, Delhi, Agra, Bankipore, Karachi, Nagpur, Bhopal e Hyderabad,​​ que vieron el surgimiento de la arquitectura del Renacimiento Indo-sarraceno. Black Town describió en 1855 como "las calles secundarias, ocupadas por los nativos son numerosas, irregulares y de varias dimensiones. Muchas de ellas son extremadamente estrechas y mal ventiladas ... una plaza suntuosa, las habitaciones se abren a un patio en el centro"​ Las casas de jardín fueron utilizadas originalmente como casas de fin de semana para un uso recreativo por parte de los británicos de clase alta. No obstante, la casa del jardín se convirtió en una vivienda ideal a tiempo completo, abandonando el fuerte en el siglo XIX.​

Mumbai (entonces conocida como Bombay), tiene algunos de los ejemplos más destacados de la arquitectura colonial británica, algunos de estilo neogótico ( estación término de Victoria, Universidad de Mumbai, Torre del Reloj Rajabai, Tribunal Superior, Edificio BMC), indo-sarracenos ( Museo del Príncipe de Gales, Puerta de la India, palacio Hotel Taj Mahal) o art deco ( Eros Cinema, Edificio New India Assurance).​

Calcuta-Madras y Calcuta estaban rodeadas de manera similar por el agua y la división de la India en el norte y los británicos en el sur. Una inglesa señaló en 1750 que "las orillas del río están, como se puede decir, absolutamente llenas de elegantes mansiones llamadas aquí, como en Madras, casas de jardín"[garden houses]. La fila de la explanada está frente a los fuertes con palacios alineados.​​ Los pueblos indios en estas áreas consistían en casas de arcilla y de paja que luego se transformaron en unas metrópolis de ladrillo y piedra.​

La arquitectura indo-sarracena evolucionó al combinar características arquitectónicas indias con los estilos europeos. Vincent Esch y George Wittet fueron pioneros en este estilo.

El Victoria Memorial en Calcuta es el simbolismo más efectivo del Imperio británico, construido como un monumento en homenaje al reinado de la reina Victoria. La planta del edificio consiste en una gran parte central cubierta con una cúpula más grande. Columnatas separan las dos cámaras. Cada esquina sostiene una cúpula más pequeña y está pavimentada con una base de mármol. El monumento se levanta sobre un terreno de 26 hectáreas de jardín rodeado de estanques reflectantes.​

Arquitectura neoclásica

Ejemplos de arquitectura neoclásica en la India incluyen la Residencia británica (1798) y el palacio Falaknuma (1893) en Hyderabad, la Iglesia St. Andrews en Madras (1821),​ Raj Bhawan (1803) y Metcalfe Hall (1844) en Calcuta, y el Ayuntamiento de Bangalore (1935) en Bangalore.

El movimiento Art déco de principios del siglo XX se extendió rápidamente a grandes partes del mundo. El Indian Institute of Architects, fundado en Bombay en 1929, desempeñó un papel destacado en la propagación del movimiento. El New India Assurance Building, Eros Cinema y los edificios a lo largo de Marine Drive en Mumbai son los mejores ejemplos.​

Los portugueses habían colonizado partes de la India, incluyendo Goa y Mumbai. El Fuerte Madh, la Iglesia de San Juan Bautista (Mumbai) y la Castella de Aguada en Mumbai son remanentes del dominio colonial portugués. Las Iglesias y conventos de Goa, un conjunto de siete iglesias construidas por los portugueses en Goa, son Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.​

El Salón de las Naciones en Delhi, diseñado por Raj Rewal, y completado en 1972, fue considerado uno de los mejores ejemplos de arquitectura brutalista en India.​ Sin embargo, a pesar de varias protestas, fue demolido en 2017. Su demolición fue considerada una tragedia entre la comunidad arquitectónica.

En los últimos tiempos ha habido un movimiento de población desde las áreas rurales a los centros urbanos industriales, lo que ha llevado a un aumento de los precios de las propiedades en varias ciudades de la India.​ Las viviendas urbanas en la India equilibran las restricciones de espacio y están destinadas a servir a la clase trabajadora.​ La creciente conciencia de la ecología ha influido en la arquitectura en la India durante los tiempos modernos.​ La arquitectura sensible al clima ha sido durante mucho tiempo una característica de la arquitectura de la India, pero últimamente ha ido perdiendo su importancia.​ La arquitectura india refleja sus diversas sensibilidades socioculturales que varían de una región a otra.​ Tradicionalmente, se considera que algunas áreas pertenecen a mujeres.​ Las aldeas en la India tienen características como patios, logias, terrazas y balcones.​ Calico, chintz, y palampore -de origen indio-, destacan la asimilación de los textiles indios en el diseño de interiores global.​ Roshandans, que son tragaluces-ventiladores, son una característica común en los hogares indios, especialmente en el norte de la India.​​

En el momento de la independencia en 1947, India tenía solamente unos 300 arquitectos formados para una población que entonces era de 330 millones, y solo una institución de formación, el Instituto Indio de Arquitectos ( Indian Institute of Architects). Así que la primera generación de arquitectos indios fue educada en el extranjero.

Algunos de los primeros arquitectos fueron tradicionalistas, como Ganesh Deolalikar, cuyo diseño para el Tribunal Supremo imitó los edificios de Lutyens- Baker hasta el último detalle, y B.R. Manickam, quien diseñó la Vidhana Soudha en Bangalore que recuerda a la arquitectura indo-sarracena.

En 1950, el arquitecto francés Le Corbusier, un pionero del Movimiento Moderno, recibió el encargo de Jawaharlal Nehru de diseñar la ciudad de Chandigarh. Su plan incluía áreas residenciales, comerciales e industriales, junto con parques y una infraestructura de transporte. En el centro estaba el capitol, un complejo de tres edificios gubernamentales: el Palacio de la Asamblea (1955), el Tribunal Superior y la Secretariado.​ También diseñó el Sanskar Kendra en Ahmedabad. Le Corbusier inspiró a la siguiente generación de arquitectos de la India para trabajar con estilos modernos, en lugar de revivalistas.​

Otros ejemplos destacados de la arquitectura moderna en la India incluyen el IIM Ahmedabad, de Louis Kahn (1961), el IIT Kanpur, de Achyut Kanvinde (1963), el IIM Bangalore, de B. V. Doshi (1973), el templo del loto en Delhi, de Fariborz Sahba (1986) y Jawahar Kala Kendra (1992) y Vidhan Bhawan Bhopal (1996), de Charles Correa.​

Entre los proyectos en curso en la India se incluyen la ciudad de Amaravati, Museo de Arte Moderno de Calcuta, Sardar Patel Stadium, el World One, y el IIT Hyderabad.

Los templos tallados en la roca son cuevas artificiales -o naturales, pero labradas, como las de Ajantā- dispuestas con techos generalmente planos y con gruesas columnas, extrañamente molduradas, que en su estructura general recuerdan las construcciones de ensamblaje de madera, que debieron ser las primitivas de la India. Análogos a estos santuarios indios y del mismo tipo de arte son las construcciones monolíticas, templos excavados y tallados en una roca al aire libre que también se decoran con multitud de relieves mitológicos por dentro y fuera de los mismos: su tipo es el templo Kailash, en Ellora, que mide 84 metros de largo por 48 de ancho y 32 de altura y que data según los investigadores, del siglo VIII.

La estupa (voz del idioma sánscrito que significa tumba o túmulo) es un edificio circular, terminado en forma semiesférica y destinado a guardar reliquias de Buda o de un santón indio. Se construían en ladrillo y piedra y solía situarse sobre plataformas circulares,accesibles por dos rampas y se rodeaba de columnas o de una empalizada. Cerca de estos edificios se levantaban capillas para los anaas contemplativos, que debían ser como los custodios de la estupa y con el tiempo se fueron aumentando estas capillas, se decoraron con estatuas de Buda y se unieron entre sí llegando a formar auténticos conventos o viharas. En estas viharas de formas variables se advierte el inequívoco influjo griego, hasta el punto de constituir muchas de ellas un arte especial que hoy se denomina indo-helénico, y que es dominante en las regiones de Cachemira y Gandara, y que pervivió hasta el siglo V de nuestra era.

La pagoda moderna es el avance de la estupa india, una estructura en forma de túmulo donde se resguardaban reliquias sagradas. La forma arquitectónica de la estupa se esparció por Asia tomando diversas formas al incorporársele detalles específicos de cada localidad.

Debido a su altura, las pagodas atraen los rayos, lo cual reforzaba el que fueran percibidas como lugares cargados espiritualmente. Muchas pagodas tienen en su techo una estructura que funciona como pararrayos, llamada "finial". Además de su función física, el finial tiene un significado simbólico en el budismo (suele representar al mani o quinto elemento), y a veces es decorado con diseños de flor de loto.

Las gopuras son entradas monumentales al recinto de la pagoda o del templo subterráneo, las cuales constan de una puerta coronada por una compleja torre, escalonada al modo de la pagoda. Hay también puertas monumentales cuadradas y columnas sueltas todas ellas llenas de esculturas mitológicas que tienen por objeto la conmemoración de algún hecho importante.

Desde el siglo X, empezó a fusionarse el arte indio con el arte árabe constituyendo un nuevo género. Pero no por ello dejaron de construirse pagodas de tipo exclusivamente indio el cual con más o menos alteraciones ha permanecido hasta nuestros días. La conquista arábiga de la India no culminó hasta el siglo XVI y por lo general fue tolerante con el culto local.

Juzgando el arte indio en arquitectura, debe afirmarse que no es difícil descubrir en él visibles reminiscencias del arte egipcio, asirio y persa, ni le faltan injerencias del arte griego, sobre todo, en los monumentos budistas. Sus edificios carecen de esbeltez, son pesados y están recargados en exceso de esculturas, sin ofrecer verdadera unidad o sencillez arquitectónica y se hallan colmados por un enorme simbolismo.

El contenido de este artículo incorpora material de Arqueología y bellas artes de 1920, de Francisco Naval y Ayerbe, que se encuentra en el dominio público.

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Arquitectura de la India - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La arquitectura de la India está enraizada en su historia, cultura y religión. La arquitectura india progresó con el tiempo y asimiló las muchas influencias que surgieron como resultado del discurrir global de la India con otras regiones del mundo a lo largo de sus más de dos milenios de existencia.

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El teatro griego comenzo en el siglo IV a.c en atenas y fue pionero en representaciones teatrales de convocatoria masiva

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Los orígenes del teatro griego | Archivos de la Historia

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En la actualidad, el teatro es una de las opciones básicas de entretenimiento. Si miramos la programación del teatro de nuestra ciudad, o simplemente buscamos en internet, veremos que constantemente se están representando obras, una tras otra, de cualquier género, autor o estilo. Pero… ¿quién invento el teatro? La respuesta habitual de cualquier persona sería probablemente: los griegos, ¿no? O quizá alguien despistado apostaría por los romanos, pero la idea no se separaría mucho más. Es decir, automáticamente relacionamos el origen del teatro con la Antigüedad Clásica, con mitos, dioses y héroes. Sin embargo, si nos preguntaran sobre la creación del teatro como edificio… lo más probable es que encojamos los hombros. Veamos si con lo que expondrán las siguientes líneas podemos rellenar ese vacío en nuestra cabeza y, de paso, aprender un poco sobre el teatro griego.

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La pintura de la Antigua Grecia es una de las disciplinas del arte griego más difíciles de analizar objetivamente por la falta de recursos. Debido al vandalismo y a la erosión natural, han sobrevivido pocas pinturas griegas originales o copias de las mismas.

Entre los vestigios que se conservan se cuentan algunas losas de piedra y terracota, fragmentos de tablas de madera, frescos sobre muros y copias que inspiraron mosaicos romanos.

Debido a la falta de obras de calidad para el estudio directo de la pintura griega se suele recurrir a la pintura sobre cerámica, de la cual sí que existen numerosas piezas, para extrapolar características y conclusiones sobre la estética de la pintura griega. El problema con este análisis indirecto es que la pintura sobre cerámica está condicionada técnicamente a la superficie curva y pequeña de las vasijas y una paleta limitada de colores cuyos pigmentos soportaban el calor del horno.

Otras fuentes de estudio de la pintura griega son las obras literarias de historiadores de la Antigüedad como Plinio el Viejo o Pausanias de Lidia. Gracias a estos textos sabemos que la pintura era tan apreciada como la escultura griega (mientras que la pintura sobre cerámica era considerada una artesanía menor), los nombres de los pintores griegos más importantes y los temas preferidos.

Características de la pintura griega

En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias.... También se pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también la piel). Esta actividad era considerada un arte en sí mismo, no un mero acabado o decoración.

Según los historiadores, sin embargo, las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas en tabla. Pero al ser la madera un material tan vulnerable a la erosión no disponemos de ninguna obra maestra para su estudio con la excepción de las tablillas funerarias encontradas en Egipto (los retratos de Fayum) que están consideradas como una continuación de la tradición pictórica greco-romana.

El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas e idealizadas fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. Aunque se mantuvo la hegemonía de la línea y el dibujo en la pintura y las masas de colores planos, también desarrolló una identidad y características propias.

Entre las innovaciones que la pintura griega ha aportado a la historia del arte cabe mencionar:

La introducción de vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes (más allá de la frontalidad).

Unos conocimientos de perspectiva (superposición de figuras) y naturalismo que no serán superados hasta el Renacimiento.

El inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de las líneas y con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.

Materiales y técnicas de la pintura griega

Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros, las tablas de madera y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia también se emplearon marfil, cuero, pergamino y lino. De toda esta variedad de superficies se cree que el soporte más popular fue la tabla de madera con una base de pintura blanca.

En cuanto a las técnicas pictóricas, se usaron principalmente sobre las tablas, losas y esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los muros la pintura al fresco y, de nuevo, al temple.

La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los colores rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. Sin embargo, la pintura sobre cerámica se verá limitada principalmente al uso de cuatro pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno y sus combinaciones (rojo, amarillo, blanco y negro), lo cual ha hecho pensar que la paleta de los pintores griegos era mucho más limitada.

Temas de la pintura griega

Los pintores griegos fueron apreciados por su representación de escenas mitológicas, leyendas y batallas históricas. Aunque abundaron las tablas votivas que llevar a los templos, estas no estuvieron tan altamente consideradas.

Se desarrolló el retrato, la caricatura y escenas de paisaje que irían ganando mayor importancia. También se pintaron escenas de la vida cotidiana (escenas eróticas y pornográficas incluidas) y bodegones, encargos privados de pinturas de género y de estilo decorativo (cornucopias, guirnaldas...) que irían ganando popularidad durante la última de las etapas del arte griego.

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La pintura de la Antigua Grecia es una de las disciplinas del arte griego más difíciles de analizar objetivamente por la falta de recursos. Debido al vandalismo y a la erosión natural, han sobrevivido pocas pinturas griegas originales o copias de las mismas.

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El arte griego de la antigüedad clásica se cree que es una mezcla de culturas egipcia, siria, minoica (cretense), micénica y persa que (a juzgar por el lenguaje) derivan de las tribus indoeuropeas que migran desde las abiertas estepas al norte del Mar Negro. Los escultores griegos aprendieron tallado en piedra y fundición en bronce de los egipcios y sirios, mientras que las tradiciones de la escultura antigua dentro de Grecia fueron desarrolladas por los dos principales grupos de colonos de Tesalia: los jonios y los dorios. (Para obtener más información sobre la mampostería de piedra en el antiguo Egipto, consulte: Arquitectura egipcia).

Periodos de la escultura griega

Las etapas de la Escultura Griega se divide tradicionalmente en tres períodos principales:

Periodos del arte griego

El período arcaico (650 - 500 a.C)
Los escultores griegos comienzan a desarrollar una monumental escultura de mármol.

El período clásico (500 - 323 a.C)
El punto culminante creativo de la escultura griega

El período helenístico (323 - 27 a.C)
El estilo "griego" del arte tridimensional o 3-D se practica en todo el Mediterráneo oriental.

Historia de la escultura griega

La talla de hueso y marfil se había producido en Egipto desde aproximadamente el año 5000 a.C, como parte de las tradiciones culturales establecidas durante la Edad de Piedra tardía (10,000 - 5,000 a.C). Luego, desde el 2.600 a.C en adelante, vinieron varios hilos del arte egeo, especialmente la civilización minoica en Creta, con su escultura de piedra (especialmente piedras de foca), pintura al fresco, cerámica y metalistería. Tras una serie de terremotos, la cultura minoica colapsó alrededor del 1425 a.C, y el arte micénico ancestral se convirtió en el tipo dominante de cultura griega (conocida por su cerámica, piedras preciosas talladas y adornos de vidrio) hasta alrededor de 1150 a.C, cuando también fueron tomados (esta vez invadiendo Dorians. Después vino la "Edad Oscura" griega), por un período de 400 años de caos y lucha, cuando se producía poco o ningún arte. Sin embargo, durante el tranquilo siglo VIII a.C, comenzó a surgir una nueva cultura del arte visual, que incluía la cerámica y algo de pintura y escultura, mientras que la Ilíada y la Odisea de Homero también se escribieron en esta época. Sin embargo, el desarrollo escultórico se mantuvo extremadamente lento hasta el período arcaico (600 - 500 a.C).

Características de la Escultura Griega

Las características generales del arte griego son:

El ser humano fue la representación de la belleza física y el equilibrio espiritual

La belleza se concibe como la proporción entre las partes.

Necesitaban de un canon artístico.

Los personajes eran armónicos e idealizados.

El cuerpo humano desnudo era el sujeto principal.

Su máxima representación fueron las estatuas arcaicas del estereotipo masculino y femenino (llamados kuroi y korai, respectivamente).

Búsqueda de la expresividad

La expresión se entiende como la exteriorización de los sentimientos.

Está idealizado por lo que solo puede ser: Sereno y Equilibrado.

Sólo durante el período helenístico fue menos idealizado.

Representación del movimiento

Los escultores comenzaron a trabajar con formas rígidas.

Las imágenes arcaicas eran estáticas.

El movimiento refuerza los valores expresivos de la escultura.

¿La escultura griega era principalmente religiosa?

Sí. Durante los períodos Arcaico y Clásico, la escultura griega más importante era de carácter religioso, hecha para templos que solían estar dedicados a una sola divinidad. Las estatuas divinas fueron esculpidas a semejanza del hombre, y fueron hechas en varios materiales y tamaños. Otras estatuas votivas se encontraban dentro y fuera del templo, así como urnas, imágenes de animales sagrados y otros objetos de naturaleza escultórica.

¿Qué materiales usaron los escultores griegos?

Los griegos utilizaron una variedad de materiales en la escultura de la antigua Grecia los cuales fueron: piedra caliza, el mármol (que pronto se convirtió en la piedra elegida, particularmente el mármol de Paria), bronce, terracota, madera, criselefantina (una combinación de oro y marfil) e, incluso, hierro.

Vale la pena señalar que alrededor de la mitad de todas las estatuas creadas durante la antigüedad estaban hechas de bronce, a pesar del hecho de que el metal solo se usó ampliamente en la escultura desde el año 550 a 500 en adelante. Cualquiera que sea el material que se usó, la superficie final de la estatua se hizo más parecida a la vida al ser recubierta con aceite y cera caliente, antes de ser coloreada y dorada. Incluso la escultura en relieve no se consideró terminada hasta que estuviese pulida y coloreada.

El único material que ha sobrevivido en cualquier cantidad es la piedra; los otros eran demasiado preciosos o demasiado frágiles para sobrevivir el intervalo de aproximadamente 25 siglos entre el momento de la fabricación y el presente.

¿Se pintaban las esculturas griegas?

En general, sí. Ya sea de mármol, bronce, madera, terracota o metal, la mayoría de las esculturas griegas famosas (estatuas y relieves) fueron pintadas en policromía. Sorprendentemente, esta característica clave fue descartada en su mayoría durante varios siglos debido a los prejuicios de influyentes historiadores del arte como el experto neoclásico Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), quien permaneció decididamente opuesto a la idea de la escultura griega "pintada". No fue hasta que el arqueólogo alemán Vinzenz Brinkmann demostró recientemente que todo el Partenón estaba de hecho pintado, que la coloración de las antiguas esculturas griegas fue aceptada como un hecho.

Las estatuas también estaban equipadas con una gama de accesorios que las habrían hecho parecer figuras en un museo de cera moderno. El cabello y las pestañas estaban hechas de metal. Los ojos estaban insertados y estaban hechos de vidrio, marfil o piedras de colores. Las figuras femeninas a menudo estaban equipadas con aretes y collares. Los atletas habrían sido mostrados usando la corona del vencedor, mientras que los guerreros estarían equipados con lanzas, escudos y espadas. Los caballos habrían usado bridas y riendas. Si mira de cerca, a menudo puede ver los agujeros para la fijación de estos accesorios.

Evolución de la escultura griega

La evolución de la escultura griega es un viaje desde el ámbito de lo rígido y estilizado hacia el ideal del naturalismo. Las primeras figuras se asemejan a una fórmula matemática ejecutada en un medio duro e inflexible. Es como si las esculturas hubieran emergido rígidas de un bloque de material congelado. Las figuras tardías son mucho más relajadas y naturales en la medida en que uno podría imaginar fácilmente que la estatua está respirando.

En el mundo de los antiguos griegos había una relación muy estrecha entre escultura y arquitectura. Tanto los templos como las esculturas fueron creadas para honrar a los dioses y las esculturas no eran solo un adorno del templo; juntos se combinan para formar un todo integrado y armonioso. El Partenón es un buen ejemplo y los griegos modernos han señalado durante mucho tiempo que los llamados marmoles de Elgin, ahora una pieza central del Museo Británico, eran una parte inseparable del Partenón y claman por reunirse con el templo.

La escultura griega, entonces, se liberó de las convenciones artísticas que habían dominado durante siglos en muchas civilizaciones, y en lugar de reproducir figuras de acuerdo con una fórmula prescrita, eran libres de perseguir la forma idealizada del cuerpo humano. El material duro y sin vida se transformó mágicamente de alguna manera en cualidades intangibles como el equilibrio, el estado de ánimo y la gracia para crear algunas de las grandes obras maestras del arte mundial e inspirar e influir en los artistas que debían seguir en la época helenística y romana que luego producirían más obras maestras como la Venus de Milo.

Además, la perfección en proporciones del cuerpo humano lograda por los escultores griegos continúa inspirando a los artistas incluso hoy en día. Incluso los grandes artistas griegos consultan las grandes obras griegas para crear imágenes virtuales precisas.

Otras Preguntas frecuentes

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Escultura Griega: Historia, Características, Escultores y Estatuas famosas

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El arte griego de la antigüedad clásica se cree que es una mezcla de culturas egipcia, siria, minoica (cretense), micénica y persa que (a juzgar por el lenguaje) derivan de las tribus indoeuropeas que migran desde las abiertas estepas al norte del Mar Negro.

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La en la antigua Grecia generalmente se hacía con madera o ladrillos de barro, por lo que sus planos de planta son la única evidencia de su existencia. Los griegos establecieron la mayoría de los temas, actitudes y formas más duraderos de la cultura occidental. La es uno de los legados griegos que la civilización occidental ha heredado, ya que Grecia estableció muchos de los elementos estructurales, motivos decorativos y tipos de edificios que todavía se usan en la arquitectura actual.

Los dos estilos principales de la arquitectura griega son dóricas e iónicas. El estilo dórico es mucho más disciplinado y austero, mientras que el estilo iónico es más relajado y decorativo. Hubo un fuerte énfasis en la construcción de templos para los dioses y diosas mitológicos griegos. Pero, también había edificios públicos bien conocidos como el Partenón.

Los materiales de construcción utilizados fueron piedra caliza y algunas piedras nativas. El mármol muy costoso se usó principalmente para la decoración escultórica que se encuentra en los grandes edificios del período clásico. Los techos de sus edificios estaban formados por vigas de madera cubiertas con terracota superpuesta u ocasionalmente tejas de mármol.

La estructura de la arquitectura griega antigua consiste en un cubo o rectángulo básico, flanqueado por columnatas, y una larga secuencia de columnas. El edificio tendrá un pronao o un pórtico que se abrirá a un gran peristilo de cancha abierta. Los griegos usaban muy poco los principios del arco de mampostería, bloques individuales unidos por mortero. El extremo frontal del techo tiene una estructura plana de forma triangular, el frontón que generalmente está lleno de decoración escultural.

Los templos son la forma más conocida de arquitectura griega. El altar del templo generalmente se encontraba en el fane sagrado, un recinto, frente al templo. El edificio interior del templo, cella, sirvió principalmente como almacén. Las otras construcciones públicas comunes de la arquitectura griega son los gimnasios, la palestra y los teatros.

En la antigua Grecia, los arquitectos apenas eran tratados como maestros artesanos valiosos, a diferencia de hoy, donde los arquitectos están estrechamente asociados con el trabajo que producen. Y además, la arquitectura no fue vista como una forma de arte, como lo es en los tiempos modernos.

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Sofocles: antigonia

La protagonista escenica el drama de una hija de Edipo, que desafia la pena capital al dar sepultura a su hermano pilinices, muerto ante los muros de Teba

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Las esculturas de la Antigua Roma tenían como fin representar lo que ellos consideraban como su ideal de la belleza, con tintes realistas y ensalzando por encima de todo el valor estético de la pieza. Aunque no tenga tanta relevancia como la escultura griega, la escultura romana sí que tuvo mucha influencia en su época. Por eso, hoy nos gustaría contarte más sobre ella.

El origen de la escultura romana

La escultura romana se desarrolló entre el siglo VI a.C. y el V d.C., muy influenciado por la escultura griega (sobre todo la escultura etrusca). Aunque es muy común pensar que los romanos eran simples "imitadores" de los griegos, se ha demostrado que ellos también aportaron contribuciones originales a su obra, especialmente en el caso del retrato.

Características

Como ya hemos mencionado, una de las características más notables de la escultura romana antigua es la influencia de la escultura etrusca, así como de la griega y, a través de sus esculturas, se puede observar la evolución del idealismo helenístico.

Los materiales más utilizados por los escultores romanos eran el bronce y el mármol, prevaleciendo especialmente este último.

Fue una obra muy utilitaria, que expresaba la idea de que Roma era el centro del mundo y se buscaba a través de ella exaltar el poder del Estado romano.

Fueron los precursores de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo.

En un primer momento, estos retratos eran más austeros, aunque, con el paso de los años, consiguieron evolucionar hasta la idealización de los personajes que retrataban. También consiguieron tallar rasgos más expresivos y reproducir de manera naturalista los personajes que representaban.

Relieves narrativos. Seguro que los conocéis, son descripciones visuales históricas talladas sobre la piedra. Lo más habitual era representar glorias militares en altares, arcos de triunfo, columnas, tumbas...

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Características de la escultura romana antigua - Shop Sculpture Tools Rock&Tools.com

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Las esculturas de la Antigua Roma tenían como fin representar lo que ellos consideraban como su ideal de la belleza, con tintes realistas y ensalzando por encima de todo el valor estético de la pieza....

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La arquitectura romana es una fusión de elementos tradicionales griegos y etruscos, donde se desarrollaron arcos y vigas horizontales fueron soportadas por columnas. Más tarde, se introdujo la contraparte tridimensional del arco, a saber, la cúpula. Aparte de esto, los arquitectos romanos encontraron su inspiración en la arquitectura griega en general.

Los materiales básicos de construcción de la arquitectura romana son las piedras, el hormigón desarrollado y el mármol muy caro. La idea detrás del mosaico, una decoración de coloridas virutas de piedra insertadas en cemento, fue traída de Grecia. Las casas romanas se unieron a los famosos pisos decorativos murales, paredes y grutas con diseños geométricos y pictóricos.

La arquitectura de los romanos siempre fue ecléctica y se caracterizó por diferentes estilos atribuidos a diferentes gustos regionales y diversas preferencias de una amplia gama de mecenas. En general, los monumentos romanos fueron diseñados para satisfacer las necesidades de sus clientes en lugar de expresar la capacidad artística de sus creadores.

La arquitectura romana también se consideraba una copia exacta del estilo de construcción griego. Pero, los romanos también han contribuido a los estilos arquitectónicos clásicos. Los dos desarrollos de los estilos de edificios romanos son los órdenes toscanos y compuestos. La toscana es una variante abreviada y simplificada del orden dórico del estilo griego. El compuesto es una orden alta con la decoración floral de los corintios y los rollos del estilo de construcción iónica de los griegos.

El Coliseo Romano es el anfiteatro más conocido del mundo, que se denomina más correctamente el Amphitheatrum Flavium, después de la dinastía Flavian que lo construyó. El Panteón es un edificio en Roma, que fue construido originalmente como un templo para las siete deidades de los siete planetas de la religión del estado romano. Desde el siglo séptimo, ha sido una iglesia cristiana. El Coliseo y el Panteón son algunos de los edificios construidos durante este período.

La contribución romana a la arquitectura del mundo moderno es el desarrollo de hormigón para fines de construcción. Y la otra contribución es el estilo de arquitectura del Imperio que todavía se puede ver en toda Europa y América del Norte en los arcos y cúpulas de muchos edificios gubernamentales y religiosos.

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La arquitectura romana es una fusión de elementos tradicionales griegos y etruscos, donde se desarrollaron arcos y vigas horizontales fueron soportadas

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Desarrollado a lo largo del siglo XV y XVI y impulsado por la iglesia católica romana.

hechos históricos

1-Durante la Edad Media europea, las formas clásicas teatrales de la Antigua Grecia y Roma estaban prohibidas a causa de cristianismo

2- Las practicas teatrales tenían lugar dentro de las iglesias de manera liturgica durante las misas y reprecentaban pasajes biblicos

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El mester de juglaría fue un tipo de poesía propio de la Edad Media, específicamente de los siglos XII y XIV, con el que se buscó entretener a reyes, nobles y público en general. Estas poesías fueron cantadas y declamadas por los juglares, y de allí su nombre.

Generalmente, estas personas fueron de origen humilde, por lo que también solían realizar actividades recreativas y ambulantes, como lo eran los malabares, la comedia, el baile, el canto y la mímica.

El nombre de mester de juglaría proviene del latín ministerium juglaría, que significa "el oficio de los juglares".

Características del mester de juglaría

La característica principal de los poemas del mester de juglaría radica en su oralidad. Esto quiere decir que los intérpretes recitaban las piezas.

Principalmente, se recitaba a los pobres, que en su mayoría no contaban con la formación académica necesaria para comprender el lenguaje escrito.

El hecho de recitar de memoria este tipo de poemas, les permitía a los juglares hacer pequeñas modificaciones en las estrofas, para irlas ajustando según el público y la situación. Sin embargo, esto hizo que las estructuras de las piezas se descompusieran con el paso del tiempo.

Los poemas de este tipo fueron interpretados con un acompañamiento instrumental, con lo que los juglares lograron añadirle dinamismo y hacer la pieza más atractiva para el público.

Usualmente, los juglares tenían la habilidad para tocar algún instrumento junto al canto, por lo que era común verlos a ellos mismos musicalizando el poema que recitaban.

Los instrumentos que utilizaban eran el tambor, la flauta, e instrumentos de cuerda como la vihuela, el salterio o el rabel.

Debido a que gran parte de los autores de los poemas y los juglares no contaban con formación académica, las rimas de los poemas solían ser asonantes, con ausencia de recursos literarios complejos, lo que también facilitó su comprensión.

Al ser una rima asonante la métrica de los versos varió por cada estrofa, lo que la hizo una poesía con una estructura irregular.

Este tipo de poesías fue recitado en lugares públicos, como los mercados o las plazas, lugares de reunión de las personas pertenecientes a los estratos sociales más bajos. Pese a eso, con el pasar del tiempo, los juglares lograron llegar a castillos o palacios para hacer sus interpretaciones.

La división de los estratos sociales de la sociedad medieval era muy marcada, pero esto no significó un impedimento para que los juglares recitaran los poemas a familias de la nobleza.

Anonimato

No había personas que se adjudicaran la autoría de estos poemas, pues eran textos que se aprendían de memoria, y pasaban de una generación a otra. Además, los poemas eran la excusa para relatar las hazañas de los personajes importantes, como el Cid.

Poemas épicos y poemas líricos

Otra de las características principales que destacan de los poemas del mester de juglaría son los temas que abordaban. Ante la variedad de relatos que pudieron recopilar, los juglares se dividieron en dos tipos: juglares épicos y juglares líricos.

Por un lado, los juglares épicos fueron aquellos que interpretaban historias sobre enfrentamientos, batallas épicas, hazañas de héroes de la época o elogios para la realeza; sus temas resultaron de gran interés mayoritariamente para el público de la nobleza.

Por otro lado, los juglares líricos hicieron uso de temas del día a día, relatos de amor o de chanzas.

Eventualmente, los poemas se adaptaron al lugar en donde fueron contados, por lo que los juglares añadían a las estrofas algunas noticias o hechos característicos de la región, lo que facilitó la variación de su estructura.

Diferencias temáticas con otros mesteres

Comúnmente los poemas del mester de juglaría son confundidos otros tipos de poesía propios de la Edad Medieval: el mester de clerecía y el mester de trovadores.

Por un lado, el mester de clerecía trató temas inclinados mayormente a la religión: la Virgen, los santos o personajes de gran rectitud fueron aclamadas en dichos poemas.

A pesar de ello, fue común adornar los poemas religiosos con características propias de los juglares, con la cotidianidad de la época, por ejemplo.

Los autores fueron los clérigos y hombres de cierta cultura. Además, este tipo de poesía fue difundida de forma escrita, a diferencia de la propia del mester de juglaría.

Por otro lado, la poesía del mester de trovadores abordó temas variados como el amor y las sátiras. Al ser escrita por trovadores, quienes fueron propiamente los que se dedicaron a la escritura de poemas, el nivel lingüístico era superior al de la poesía de juglaría.

Ante las características de este tipo de poesía, los trovadores tuvieron como su público principal a la nobleza. Las ceremonias, las fiestas literarias y los palacios fueron los lugares principales a los que acudían estas personas. Por su carácter refinado, incluso algunos miembros de la realeza llegaron a dedicarse a dicha actividad.

Los poemas del mester de juglaría fueron escritos por personas sin educación que les permitiera realizar trabajos elaborados y profesionales.

Las modificaciones de la estructura de las historias relatadas gracias a la improvisación de los juglares y la incorporación de hechos locales, contribuyeron a que la autoría se perdiera con el tiempo.

A diferencia de otros tipos de poesía comunes en la Edad Media, la gran mayoría de las obras propias de este tipo de poesía no tienen un autor reconocido.

La falta de autoría de los poemas del mester de juglaría provocó numerosos debates sobre la procedencia de ciertas obras, entre ellas el popular Cantar del Mio Cid.

A pesar de que la identidad del autor de dicho poema es desconocida, dos teorías señalan la posible locación del juglar que posiblemente desarrolló la historia.

El estilo del verso y ciertos datos aportados en él arrojan que el autor del poema provino de Medinaceli, un municipio de la provincia de Soria, España, o de San Esteban de Gormaz.

A pesar de todas las modificaciones que han sufrido las obras y de la dificultad de plasmar los poemas en papel para la época, numerosas piezas han sobrevivido con el paso de los años. Su carácter histórico ha convertido a varias de ellas en una pieza elemental en la literatura de hoy día.

Considerada como una de las primeras obras de la literatura española y la más importante de dicho país, el Cantar del Mio Cid relata las hazañas que realizó Rodrigo Díaz de Vivar, un caballero castellano del siglo XI.

Este cantar de gesta ha sido adaptado con el paso de los años para darle coherencia a los hechos que allí se relatan.

A pesar de haber sido escrito sobre un personaje de la vida real, se considera que contó con varios modelos literarios, como poemas épicos, para su elaboración.

Esto convierte al Cantar del Mio Cid en un documento solo literario, por lo que su contenido no debe ser tomado en cuenta a la hora de buscar información histórica.

La Canción de Rolando es uno de los cantares de gesta medievales más famosos. Es un poema épico que relata la derrota del ejército franco en la primera batalla de Roncesvalles, realizada el 15 de agosto del 778.

Además, es considerada como una de las piezas literarias de mayor importancia de Francia.

La Canción de Rolando habla sobre el valor de uno de los combatientes de la guerra. Como es característico de las obras de la Edad Media, el autor de este poema es desconocido. Sin embargo, algunos le atribuyen la autoría a Toruldo, un monje de Normandía.

La historia se basó en una serie de acontecimientos reales. A pesar de ello fue escrita tres siglos después de los hechos, por lo que las acciones que se realizan en La Canción de Rolando y los personajes desarrollados en la historia sufrieron transformaciones importantes.

El documento se conserva en la actualidad en la biblioteca Bodleiana de Oxford, Inglaterra, y cuenta con más de 4.000 versos.

Al igual que el Cantar del Mio Cid y la Canción de Rolando, el Cantar de los Nibelungos es un poema épico que relata las hazañas de Sigfrido, un cazador de dragones de una tribu de Alemania, quien consigue la mano de una princesa.

Variados temas como el amor, el odio y la venganza son abordados en este cantar de gesta, que relata una conocida leyenda alemana. Se tiene la teoría de que el autor de este poema puede ser de origen austriaco.

El manuscrito del Cantar de los Nibelungos se encuentra actualmente en la Biblioteca Estatal de Baviera, Alemania, y forma parte del Programa Memoria del Mundo de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

1. Antología de la poesía medieval, Antonio del Rey (2006). Tomado de books.google.com

2. Diferencias entre el mester de juglaría y el mester de clerecía, Espacio de literatura española en Brno (2008). Tomado de litebrno.wordpress.com

3. Mester de Juglaría, Crystal Harlan (2013). Tomado de aboutespanol.com

4. Mester de juglaría y mester de clerecía, Portal de lasletrasmolan (2014). Tomado de molanlasletras.wordpress.com

5. Rodrigo Díaz de Vivar: El Cid Campeador, escritores del Portal Historia de España (n.d.). Tomado de historiaespana.es

6. El Cantar del Mio Cid: el gran cantar de gesta hispánico, Alberto Montaner Frutos (n.d). Tomado de caminodelcid.org

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Mester de juglaría: qué fue, características, temas, autores y obras

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El mester de juglaría fue un tipo de poesía propio de la Edad Media, específicamente de los siglos XII y XIV, con el que se buscó entretener a reyes, nobles y público en general. Estas poesías fueron cantadas y declamadas por los juglares, y de allí su nombre

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El cantar Mio Cid

trata el tema del honor un gran valor de la gente de esa epoca. La necesidad de reecupear la honra perdida es lo que da impulso a las hañanzas

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Batalla de Villalar - Nuevo Mester de Juglaria

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El libro de Alexandre (anónimo) es una obra en verso del primer tercio del siglo XIII escrito en romance, que narra, con abundantes elementos fabulosos, la vida de Alejandro Magno. Está escrito utilizando la cuaderna vía o tetrástrofo monorrimo alejandrino.

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Mester de Clerecía, En Memoria de V. Huidobro

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Literatura Moderna se estructura desde la perspectiva de la historia cultural, abarcando desde el siglo XV al XIX.

hechos históricos.

1-Este teatro represento una ruptura con la Edad Media y un transito a la moderna

2-Durante este periodo que se replantean las nociones y como resultado surgieron nuevas y variadas formas de teatro

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"El Auto de los Cuatro Tiempos"

es una pieza navideña a medio camino entre la moralidad y la alegoría, que nos plantea la idea renacentista de la Armonía Cósmica. A través del ciclo de las estaciones, mediante el Nacimiento de Cristo, se provoca el encuentro de Júpiter con el Rey David, para conciliar las distintas edades mediante las cuales la religión concibe la evolución de la civilización humana.

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Canciones del Renacimiento, Italia. Nadia Ortega y Manuel Mejía, Grupo Segrel - 4/4

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fuente ovejuna

La comedia plantea como un pueblo sometido puede alzarse contra la tiranía de los que no ejercen correctamente su poder, y, de este modo, conseguir restablecer la armonía social defendiendo, en consonancia con el pensamiento político del siglo XVII, la autoridad incuestionable del Rey.

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Lo mejor del Barroco - Musica Barroco - Las Obras Mas Importantes y Famo

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El culteranismo es una corriente literaria del Barroco español dentro de la más general del conceptismo , con el cual comparte la intención de intensificar la expresión, repasándola del equilibrio y claridad clásica, pero en lugar de la condensación de significados propia del conceptismo más característico, aboga por la perífrasis embellecedora y la alusión del vocabulario común.

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Es una tendencia estilística del Barroco que se basa en la idea de concepto, formulada por Baltasar Gracián. Un concepto es una asociación sorprendente y concisa entre dos palabras o ideas, un juego de ideas ingenioso y agudo que permite un conocimiento renovado de algún aspecto de la realidad.

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Desarrolladas durante el XIX y XX

hechos históricos

1-se caracteriza por dos etapas bélicas a nivel mundial y el comienzo de una revolución.

2-rompe con el desarrollo tradicional de contar una historia

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El teatro vanguardista se caracteriza por su rechazo a la narrativa lineal, la psicología tradicional de los personajes y el realismo escénico, optando en cambio por estructuras fragmentadas y un enfoque en la representación de un mundo incoherente que desafía las normas de comunicación y lenguaje.

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2es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.

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Hugo Ball " el sol"

Entre mis parpados avanza un carrito de niño.

Entre mis parpados va un hombre con caniche

Un grupo de arboles se torna un fajo de serpientes y silba por el cielo

Una piedra sostiene una charla.Arboles en fuego verde.Islas flotantes.

Temblor y tintineo de conchas y cabeza de pescado como en el fondo del mar

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el impresionismo se caracteriza por ser fiel a la realidad y reproducir aquello que el artista puede ver e incluso tocar. Una auténtica representación de la vida misma.

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La literatura impresionista se caracterizaba por centrar su atención en la vida mental de los personajes. Esto incluía la narración de sus apreciaciones de la realidad, sus sentimientos, sus sensaciones y emociones.

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Los temas más utilizados en el cubismo son las naturalezas muertas, bodegones, la figura humana y el retrato. Se dice que el término cubismo fue creado por el crítico de arte Louis Vauzcelles ya que las obras estaban formadas por cubos y figuras geométricas.

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El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

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El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifiesto del Futurismo, publicado el 5 de febrero de 1909, en el diario Gazzetta dell'Emilia de Bolonia

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El futurismo literario es un movimiento artístico y literario que surgió en el siglo XX, centrado en la exaltación de la modernidad, la tecnología y la velocidad. Los futuristas literarios utilizan un lenguaje innovador para expresar visiones audaces del futuro y desafiar las convenciones literarias tradicionales.

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Beauty and the Beast Broadway OST - 05 - Me