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Olivier Messiaen è stato uno dei compositori più influenti e innovativi del XX secolo, noto soprattutto per la sua musica dedicata ai volatili. La passione di Messiaen per gli uccelli lo portò a dedicare gran parte della sua carriera alla creazione di opere musicali ispirate al canto degli uccelli. La sua ossessione per la natura e i suoni degli uccelli lo portò a viaggiare in tutto il mondo per studiare e registrare i loro canti. Queste registrazioni diventarono la base delle sue composizioni, che spesso includevano trascrizioni e imitazioni dei suoni degli uccelli. Messiaen ha sviluppato nuove tecniche compositive, come l'uso di scale modali e ritmi non convenzionali, che gli hanno permesso di catturare la bellezza e la complessità del mondo naturale. Tra le sue opere più celebri ispirate agli uccelli vi sono il ciclo di pezzi per pianoforte "Catalogue d'oiseaux" e l'opera orchestrale "Des canyons aux étoiles...", entrambi caratterizzati da una straordinaria varietà di suoni e colori. La sua dedizione alla creazione di opere musicali ispirate agli uccelli ha lasciato un'impronta indelebile nella storia della musica e ha aperto nuove prospettive sulla relazione tra musica e natura. DAVIDE TURA

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Messiaen, Olivier (1952): Le merle noir pour flûte et piano — Christan Lardé, Yvonne Loriod

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Antonio Vivaldi è stato un compositore e violinista italiano del periodo barocco.

Vivaldi contribuì in maniera significativa allo sviluppo del concerto, soprattutto solistico e della tecnica del violino.

L'opera più conosciuta, scritta nel 1725, è "Le 4 stagioni ", formata da 4 parti dove ognuna rappresenta una stagione dell'anno e ogni stagione ha un proprio movimento caratteristico.

Ogni stagione è composta da tre movimenti, immerge lo spettatore in paesaggi, stati d'animo nel cuore degli elementi della natura, come la primavera, l' estate, l' autunno e l' inverno.

Quello che mi ha colpito particolarmente è la Primavera perché ha un carattere allegro e rappresenta la rinascita della natura.

Il primo tempo descrive la danza dei contadini in festa, eseguito da tutta l'orchestra.

Trilla teneramente un' uccellino ( violino) poi un volo di uccelli salutano la primavera.

Si sente il mormorio di un ruscello, ma all'improvviso scoppia un temporale, si sentono i fulmini, tuoni e lampi. ( violino e contrabbassi).

Dopo il temporale ,torna subito il sereno e gli uccelli tornano a volare festosi nel cielo.

Il secondo tempo evoca la dolcezza malinconica del risveglio dei volatili dal loro inverno di sonno.

Nel terzo e ultimo tempo il compositore descrive la danza delle ninfe e dei pastori immersi nella natura rigogliosa, per festeggiare l'arrivo della primavera. MATTIA COLONNA

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Il "Lago dei cigni" di Tchaikovsky offre un affascinante panorama sonoro che evoca la connessione con la natura. Nella suite orchestrale, Čajkovskij trasmette la sensazione di paesaggi pittoreschi e di un ambiente incantato attraverso la sua abile orchestrazione. La delicata melodia del tema dei cigni, interpretata principalmente dai legni e dai violini, suggerisce una tranquillità ispirata alla natura.

I movimenti musicali si sviluppano come un racconto sonoro, con sezioni che raffigurano la quiete di un lago placido, il sussurro del vento tra gli alberi e il canto degli uccelli. La scelta degli strumenti e l'uso sapiente di dinamiche contribuiscono a creare una rappresentazione sonora dei vari elementi naturali.

Nel complesso, la musica del "Lago dei cigni" offre un viaggio emotivo che si riflette nella natura, catturando la serenità di paesaggi immaginari e trasformando la melodia in un dipinto sonoro che celebra la bellezza e la forza della natura attraverso il linguaggio universale della musica.

GIULIA MAZZA

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Swan lake Extended HD Version - tchaikovsky swan lake music

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Earthphonia (2020) è un album musicale di Max Casacci (musicista, produttore, autore di musica e testi, ingegnere del suono, e sperimentatore, chitarrista e fondatore dei Subsonica) realizzato senza strumenti musicali. Max Casacci compone partendo da rumori e ambienti sonori. Le otto tracce che compongono il viaggio sonoro di Earthphonia, sono ricavate esclusivamente dai suoni della natura e dei suoi ecosistemi. In alcuni casi, i suoni sono stati registrati direttamente da Casacci in altri sono state personalità del mondo scientifico e ambientalista ad offrire la materia prima sonora. Earthphonia interpreta la Natura estraendo da essa melodie e ritmo. Rumori e ambienti sonori vengono rielaborati in melodie, armonie, ritmi e orchestrazioni. Si parte dall'aria, dagli uccelli e dalla biodiversità del Delta del Po sfociando nell'oceano, ascoltando sotto terra il suono delle radici di una foresta, tuffandosi nei vulcani delle isole Eolie, spiando le api nell'oscurità dell'alveare e, infine, planando sulle montagne. Non è il compositore a imporre la partitura, sono le note a sgorgare direttamente dagli ambienti naturali che guidano il processo creativo e indicano la strada da seguire.

Max Casacci nel 2022 esce con “Urban Groovescapes (Earthphonia II)”.
Una collezione di brani composti esclusivamente mediante registrazioni e manipolazioni dei suoni delle città. Un’esperienza sonora senza strumenti musicali, incentrata sul ritmo.

Con Ninja, batterista dei Subsonica dà vita a Demonology Hi-Fi, un progetto rivolto al dance-floor.

https://www.youtube.com/watch?v=byrckb3ElXY

SANTE VALENTI

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Max Casacci - The Queen (Sounds from bees)

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Impressioni di settembre è una canzone suonata dai PFM e mi ricorda molto la natura perché il cantante è riuscito ad incentrare come tema principale della canzone la natura, inoltre il video è una sequenza di foto e video di dei paesaggi o dei panorami italiani.

Invece personalmente mi ricordo che mio nonno me la faceva sempre sentire ed infatti un giorno mi disse di provare a suonarla con la batteria, quando me lo chiese io avevo sette anni e pensavo che ancora non fosse possibile suonare su questa canzone che all'epoca reputavo lenta e noiosa visto che abitualmente suonavo canzoni rock pop e altre di questo tipo ma nonostante ciò io ci provai e mi ricordo ancora oggi che mi divertii un sacco a suonarla, ricordo ancora la reazione di mio nonno quando io e mio babbo gli abbiamo fatto vedere il video per la prima volta di io che la suonavo, era commosso perché questa canzone gli ricordava un suo vecchio amico scomparso qualche anno prima che suonava alla scala che anche esso gliela fece sentire. Da quel momento capii che la batteria non significava solo rock pop e metal ma si poteva trovare anche in dei brani come questo.

A me questa canzone ricorda la natura perché verso il primo minuto e poi alla fine c'è un sintetizzatore molto bello e con un suono incredibile che mi ricorda come nel video dei bei paesaggi o dei bei prati che si estendono per migliaia di metri.

EDOARDO POLAZZI

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Ludwig van Beethoven a quell'epoca passava molto tempo in campagna e ne era affascinato. Lo stare a contatto con la natura lo colpiva nell'intimo creandogli quell'immenso piacere e gioia di partecipare in prima persona alla vita campestre.

Beethoven trovava la sua pace nel contatto con la natura. Le sue esperienze agresti confluirono nella creazione di questa stupenda sinfonia, composta da cinque movimenti:

1°) il primo tema è dolce ed è tratto da un canto popolare croato a sfondo campagnolo e propone la tematica del risveglio dei sentimenti all'arrivo in campagna.
2°) scena al ruscello è una scena molto incentrata sul paesaggio bucolico. I personaggi sono gli uccellini il cui canto è imitato dal flauto, oboe e clarinetto. A detta del compositore questi straordinari uccelli prendevano parte alla composizione stessa. 3°) scena dei campagnoli caratterizzata dall'arrivo dei contadini danzanti ai suoni di pifferi e cornamuse che si accingono a partecipare ad una festa campestre. 4°) temporale imprevisto che scatena una tempesta. Il suono del tuono è espresso dai timpani, dalle trombe e dai tromboni che innalzano i suoni della tempesta fino al ritorno alla calma. 5°) canto pastorale apre il movimento con sentimenti di gioia per la ritovata serenità dopo la tempesta. L'atto finale è esaltato dal flauto che gioisce per il temporale terminato e riporta l'uomo al dialogo con la natura e al suo lieto risveglio nella campagna.

In definitiva la natura per Beethoven era fonte d'ispirazione.

MATTIA DE LUCIA

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"Étude aux chemins de fer" è un'opera pionieristica del compositore francese Pierre Schaeffer, creata nel 1948. Questa composizione è considerata uno dei primi esempi di musica concreta, un genere che utilizza suoni registrati e manipolati. Schaeffer ha raccolto registrazioni audio dai suoni dei treni, compresi fischi, rumori dei binari e meccanismi ferroviari, per creare un'esperienza sonora unica. L'opera è caratterizzata da una manipolazione dettagliata di queste registrazioni attraverso l'uso di dispositivi tecnologici dell'epoca.

Schaeffer ha introdotto concetti come "objets sonores" (oggetti sonori) e "musique concrète" (musica concreta), sottolineando l'importanza della materialità dei suoni rispetto alla tradizione musicale convenzionale. "Étude aux chemins de fer" è stata una pietra miliare nell'evoluzione della musica sperimentale e ha influenzato generazioni di compositori elettronici.

L'opera di Schaeffer ha aperto nuove prospettive sulla creazione sonora, spingendo i confini dell'arte musicale e aprendo la strada a esplorazioni più ampie nel campo della manipolazione elettronica dei suoni. Questo brano di Pierre Schaeffer è così originale che nonostante fu creato quasi ottanta anni fa è ancora aprezzato tutt'oggi.Edoardo Aloisi Masella

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Olafur Arnalds è un compositore e musicista islandese noto per la sua musica ambientale e contemporanea. La sua musica spesso incorpora elementi classici e elettronici, creando atmosfere eteree e emozionanti, aggiungendo elementi naturali di sottofondo. La sua carriera da musicista ha inizio del 2003 e inizialmente scriveva intro degli album e suonava come batterista della band "Flighting Shit e Celestine". Col passare del tempo inizia a avvicinarsi sempre di più al pianoforte, infatti poi nel 2007 pubblica il suo primo album come solista. Da li in poi sarà in continua crescita, come fama e come pubblicazioni. È tutta via nel 2013 che il nome Arnalds inizia a farsi conoscere grazie all’album "For Now I Am Winter". Il suo singolo "A sutter" viene utilizzato nel film Taken 3, e insieme a "For Now I Am Winter" e "Carry Me Anew" è incluso anche nel film "mia madre" del registra italiano Nanni Moretti. Nel 2018 pubblica di Re:member, album di sperimentazione per il quale, insieme all’amico e sound designer Halldór Eldjárn e al produttore islandese Bngrboy, usa un software innovativo che trasforma il pianoforte in uno strumento completamente nuovo. Il programma, generato dall’interazione di tre pianoforti (uno colpito a mano, gli altri due tramite intelligenza artificiale) è capace di creare sequenze meravigliose in un mix di armonie di archi arieggiati che portano a finali elettronici brillanti. La sua carriera da musicista si basa principalmente su colonne sonore, intro e molti album singoli.

La sua carriera da musicista si basa principalmente su colonne sonore, intro e molti album singoli. Il brano "saman" unisce il suono del pianoforte a elementi e suoni di sottofondo, infatti lui non isola il suono del pianoforte ma fa sentire all'ascoltatore tutti i suoni esterni, come il rumore del traffico, i passi del registratore, il rumore dei tasti del pianoforte. NICOLE ZAMPONI

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Ólafur Arnalds - saman (Sunrise Session II / Performance Video)

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Claude Debussy (1862-1918) è stato un compositore francese considerato uno dei più importanti esponenti dell'impressionismo musicale. "La Mer" di Claude Debussy è una delle opere più celebri e innovative nella storia della musica classica. Composta tra il 1903 e il 1905, questa suite in tre movimenti cattura in modo straordinario l'essenza del mare attraverso la musica. Debussy, un pioniere dell'impressionismo musicale, ha abbandonato la struttura tradizionale della forma sonata, preferendo creare un'atmosfera evocativa attraverso armonie suggestive e colori timbrici unici.

Il primo movimento, "De l'aube à midi sur la mer" (Dall'alba a mezzogiorno sul mare), cattura l'alba con le sue variazioni cromatiche. Il secondo movimento, "Jeux de vagues" (Giochi di onde), esplora la vivacità e la danza delle onde. Infine, "Dialogue du vent et de la mer" (Dialogo del vento e del mare) conclude la suite con una rappresentazione potente e dinamica.

"La Mer" ha influenzato generazioni di compositori successivi ed è ammirata per la sua capacità di dipingere quadri sonori vividi e suggestivi. La sua sperimentazione armonica e orchestrativa ha aperto nuovi orizzonti nell'esplorazione della musicalità legata alla natura. KIMI TORRI

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L'Estate di Antonio Vivaldi è una delle quattro stagioni che compongono il famoso ciclo di concerti noto come "Le Quattro Stagioni". Composta nel XVIII secolo, questa opera musicale è stata un capolavoro del Barocco e rappresenta vividamente le caratteristiche uniche dell'estate attraverso la genialità musicale di Vivaldi.

La musica di "L'Estate" è intrisa di calore e vitalità, riflettendo le sensazioni che l'estate porta con sé. Il primo movimento, intitolato "Allegro non molto," inizia con una serie di rapidi arpeggi eseguiti dagli archi, simboleggiando il calore che si accumula nell'aria. La sezione degli archi è accompagnata da un continuo ritmico, simile al battito del cuore accelerato sotto il sole ardente.

Le melodie vivaci e gli acuti delle viole e dei violini evocano immagini di campi baciati dal sole, mentre le armonie suggestive delle note inferiori creano un contrasto che suggerisce l'ombra rinfrescante di alberi e ombrelloni. È come se Vivaldi avesse catturato l'essenza stessa della luce solare attraverso la sua musica.

Il secondo movimento, "Adagio," rallenta il ritmo, trasportando l'ascoltatore in un tranquillo pomeriggio estivo. Le lunghe e sostenute note dei violini creano un'atmosfera di languore, simile al calore che si diffonde nel pomeriggio. In questa sezione, Vivaldi utilizza il contrasto dinamico e timbrico per dipingere una tavolozza di colori sonori, che variano da toni dolci e leggeri a toni più intensi e ricchi.

Il terzo movimento, "Presto," è un vivace ritratto di una tempesta estiva. Le rapide sequenze di note riproducono il fragore del tuono, mentre gli archi sfoggiano agilità e virtuosismo nel raffigurare la furia dei venti estivi. I trilli dei violini evocano le gocce di pioggia che cadono con forza sulla terra arsa dal sole. È una rappresentazione intensa e dinamica di un momento climatico impetuoso.

L'Estate di Vivaldi è una celebrazione dell'estate nella sua totalità, dall'ardente calura del sole al fresco delle brezze estive, dalla calma serenità dei pomeriggi alla furia temporalesca. La capacità di Vivaldi di tradurre l'esperienza sensoriale dell'estate in linguaggio musicale è un esempio straordinario della potenza dell'arte nel catturare emozioni e atmosfere.

Al di là delle sue qualità artistiche, "L'Estate" di Vivaldi rappresenta anche una sorta di poesia musicale che connette l'ascoltatore al ciclo senza fine della natura. Nelle sue note, si può percepire il susseguirsi ritmico delle stagioni, il fluire inarrestabile del tempo e la costante rinascita della vita. È un inno alla vitalità, alla bellezza e alla mutevolezza della natura che continua a ispirare e affascinare gli ascoltatori di ogni epoca.

Nel corso dei secoli, "L'Estate" di Vivaldi ha continuato a conquistare il cuore di un vasto pubblico. La sua timelessità deriva dalla sua capacità di trasmettere emozioni universali e di comunicare attraverso il linguaggio universale della musica. La stagione estiva, con tutta la sua intensità e variabilità, continua così a trovare voce e forma in questa straordinaria composizione, rendendo omaggio alla maestria di Antonio Vivaldi nel catturare l'essenza della vita attraverso il suo genio musicale senza tempo.

Esteban Serafini

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Vivaldi Four Seasons: Summer (L'Estate), complete; Freivogel & Voices of Music,  RV 315, original 4K

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La partitura di questo lavoro consiste esclusivamente in istruzioni per eseguire il brano.

Gli strumenti da utilizzare sono baccelli amplificati, cactus e altri materiali vegetali, come i sonagli dei baccelli di un albero di Poinciana, che Cage menziona specificamente nella partitura.

Gli altri strumenti devono essere selezionati dagli esecutori, utilizzando le operazioni casuali dell'I-Ching.

I cactus vengono suonati pizzicando aghi con stuzzicadenti, amplificando i loro suoni tramite accessori simili a cartucce, originariamente costruiti da John D. Fullemann.

Branches è essenzialmente una serie di variazioni di Child of Tree di Cage, legate insieme su un filo silenzioso, che lo precede nell'esecuzione. GIACOMO GIULIANI

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John Cage: Branches (1976) + Dream (1948) (Prism Percussion + Adam Tendler)

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La canzone "Le Onde" di Ludovico Einaudi è un brano strumentale che fa parte dell'omonimo album pubblicato nel 1996. Questo pezzo è diventato uno dei più famosi del compositore italiano, grazie alla sua bellezza e alla sua capacità di evocare paesaggi emotivi attraverso la musica.

"Le Onde" si apre con una delicata melodia al pianoforte, che dona subito un senso di serenità e calma. La melodia è ripetitiva e fluida, simile alle onde del mare che si infrangono sulla riva. La composizione è caratterizzata da una certa semplicità apparente, ma il vero spirito di questa canzone risiede nella sua capacità di coinvolgere l'ascoltatore in un viaggio emotivo.

Le note delicate e avvolgenti del pianoforte di Einaudi creano un'atmosfera rasserenante, dove il tempo sembra fermarsi e si viene completamente rapiti dalla musica. Questo brano riesce a evocare una vastità di emozioni, senza la necessità di parole.

In "Le Onde", Einaudi utilizza con grande maestria il concetto di crescendo e decrescendo, intensificando e attenuando le note al pianoforte per creare un senso di tensione e rilascio. Questa tecnica amplifica l'effetto emotivo della composizione, portando l'ascoltatore a sentire davvero le onde dell'oceano che si susseguono.

La costruzione armonica di "Le Onde" è basata su accordi semplici e melodici. Questa semplicità armonica permette alla melodia di emergere e di esprimere appieno la sua bellezza. Il brano è costruito su un ritmo abbastanza lento, che conferisce all'ascoltatore un senso di pace e tranquillità interiore.

Una delle caratteristiche più affascinanti di "Le Onde" è la sensazione di viaggio che trasmette. Mentre si ascolta questa canzone, si è portati a immaginare di essere in uno di quei luoghi dove tutto sembra più calmo e rilassante, come una spiaggia al tramonto o una baia silenziosa. La melodia ci trasporta in un universo parallelo, dove le preoccupazioni e lo stress quotidiano svaniscono.

L'ascolto di "Le Onde" può anche evocare un senso di solitudine e di malinconia. Le note risuonano con una certa tristezza, che rispecchia il profondo senso di nostalgia e di sospensione che caratterizza molte delle composizioni di Einaudi.

Colin Bianchi

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"Blackbird" è una canzone dei Beatles presente nell'album del 1968 intitolato "The Beatles", comunemente noto come "The White Album". È stata scritta da Paul McCartney, anche se attribuita al duo Lennon-McCartney come ogni altra canzone dei Beatles.

La canzone è caratterizzata da un arrangiamento semplice e delicato, in cui la voce di McCartney è accompagnata solo da una chitarra acustica. È stata ispirata dalla lotta per i diritti civili degli afroamericani negli Stati Uniti negli anni '60, ma il testo può essere interpretato anche in modo più ampio come un inno di speranza e resilienza per tutti coloro che cercano di superare le avversità.

Il ritornello invita il "blackbird" a volare verso la luce, indicando che anche nei momenti più bui, vi è sempre una possibilità di rinascita e liberazione.

"Blackbird" è diventata una delle canzoni più amate dei Beatles, apprezzata per la sua semplicità e per le sue significative metafore. Ha ricevuto molti riconoscimenti, ed è stata interpretata da numerosi artisti nel corso degli anni. La canzone continua a essere un simbolo di speranza e di resistenza per molte persone in tutto il mondo.

Ispirandosi al canto degli uccelli all'alba, McCartney spinge il "blackbird" - un simbolo di libertà - a superare la sua sofferenza e ad "imparare a volare" nonostante le ali spezzate. Il brano evoca un senso di speranza nella ricerca di un nuovo inizio e di nuove opportunità.

"Blackbird singing in the dead of night Take these sunken eyes and learn to see All your life You were only waiting for this moment to be free"

La canzone accenna anche al fatto che il "blackbird" debba "imparare a vedere" attraverso i suoi "occhi affondati". Questo può essere interpretato come una metafora per il processo di crescita personale e di apertura alla libertà attraverso la consapevolezza.

ALEX DE JONG

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Antonio Lucio Vivaldi nato il 4 marzo 1678 a Venezia e morto il 28 luglio 1741 a Vienna è stato un compositore e violinista italiano, considerato tra i massimi esponenti del barocco musicale. Inoltre era un sacerdote, pur non potendo celebrare la messa per motivi di salute, era detto "il Prete rosso" per il colore dei capelli.

Antonio Vivaldi scrisse molte opere tra cui ricordiamo “le quattro stagioni” quattro brevi concerti per violino, scritte nel 1720.

Ogni stagione, composta da tre movimenti, immerge lo spettatore in paesaggi, stati d'animo, nel cuore degli elementi della natura, rappresentativi di Primavera, Estate, Autunno, Inverno
l'Inverno è dipinto spesso a tinte scure e tetre, al

contrario l'Estate evoca l'oppressione del caldo, oppure una tempesta nel suo ultimo movimento. I concerti delle Quattro stagioni sono accompagnati da altrettanti sonetti descrittivi, scritti da un poeta anonimo (forse da Vivaldi stesso)

Tra le quattro stagioni ricordiamo l’inverno, concerto N°4 in Fa minore, opera 8

“Agghiacciato tremar tra nevi algenti Al Severo Spirar d'orrido Vento, Correr battendo i piedi ogni momento; E pel Soverchio gel batter i denti”

L’inverno rappresenta il momento che segna la fase di chiusura di un ciclo naturale e l’inizio di un nuovo ciclo di rinascita.

È descritto in tre momenti: l'azione spietata del vento gelido (allegro non molto), la pioggia che cade lenta sul terreno ghiacciato (largo) e la serena accettazione del rigido clima invernale (allegro)
L'organico di tutte le partiture è formato di: violino solista, quartetto d'archi (violino primo e secondo, viola, violoncello) e basso continuo (clavicembalo, positivo, arciliuto)

EMMA BERARDI

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Antonio Vivaldi Concerto No. 4 in F minor, Op. 8, RV 297, "Winter" (L'inverno)

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Il tema Senya è stato composto da Toshiro Masuda per l'anime Naruto ed introduce il personaggio Itachi Uchiha nelle sue comparse lungo le puntate.

Toshiro Masuda è un compositore giapponese. Ha composto e sintetizzato colonne sonore per diversi programmi televisivi e serie animate giapponesi. Masuda è forse meglio conosciuto come il compositore della serie anime di successo del 2002 Naruto, dove ha combinato strumenti tradizionali come lo shamisen e lo shakuhachi insieme a chitarra, batteria, basso, pianoforte e altri strumenti a tastiera insieme al canto cercando di collegare i suoi brani alla cultura giapponese.

In questo brano si rappresenta il lungo soffrimento interno che deve sopportare il personaggio dopo aver ucciso tutta la sua famiglia (ad eccezione di suo fratello minore Sasuke) per evitare un colpo di steto nel villaggio.

Itachi vive tutta la sua vita considerato un mukenin (ninja traditore) data la segretezza della missione nominata precedentemente assegnatali dai piani alti del governo di Konoha.

Itachi verrà poi ucciso dal suo stesso fratello che, all'oscuro della faccenda cerca di vendicare la sua famiglia uccidendolo; Sasuke scoprirà la storia di suo fratello maggiore solo dopo, quando gliela si verrà raccontata da Obito prima della quarta grande guerra ninja.

Il brano rimanda i suoi suoni allo scroscio della pioggia, che nella mitologia giapponese simboleggiava il cielo che 'piange' e quindi la sofferenza o la tristezza dell'animo di una persona, lo stesso 'pattern' della pioggia si può trovare nei temi di Pain e nel brano Sadness and sorrow.

Questo brano è considerato da me uno dei migliori della soundtrack dell'anime Naruto data la sua capacità di trasmettere molto bene l'idea della sofferenza sopportata da Itachi.

FILIPPO DONATI

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Nikolaj Rimskij-Korsakov, nato a Tichvin in una famiglia aristocratica con una lunga tradizione militare, manifestò il suo talento musicale fin da giovane. Nonostante la sua formazione militare al Collegio della Flotta Imperiale Russa, non interruppe mai gli studi musicali e fu introdotto al mondo della musica contemporanea da Canille e Balakirev nel 1861. Questo incontro lo portò a dedicarsi seriamente alla musica. Si unì al Gruppo dei cinque, e compose la sua prima sinfonia in mib minore. Il brano che ho preso in considerazione "Il volo del calabrone" è tratto da "La favola dello zar Saltan", scritta tra il 1899 e il 1900. Questa composizione è caratterizzata da una straordinaria vivacità e virtuosismo. Il brano si apre con delle trombe allegre e rapidi arpeggi dei legni, rappresentando il volo veloce e agile del calabrone. La melodia, energica e travolgente, è spesso eseguita da strumenti ad alta voce, come il clarinetto e il violino, con una struttura musicale intricata e ricca di contrasti dinamici. "Il volo del calabrone" è diventato uno dei brani più iconici nel repertorio orchestrale ed è spesso eseguito come pezzo autonomo in concerti e performance sinfoniche. Personalmente mi piace molto la versione da solista di pianoforte, che ho infatti riportato qui sopra, in quanto lo strumento impiega una vasta gamma di altezze di suoni e dinamiche.

FEDERICO CAVALLARI

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IL VOLO DEL CALABRONE piano, Rimsky-Korsakov

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Composta tra il 1807-1808, questa sinfonia vuole esprimere le emozioni che il compositore provava nel passare il tempo in campagna, cosa che al tempo faceva frequentemente.

La sinfonia è composta da cinque movimenti, nei quali vuole rappresentare uomini in mezzo alla natura e contadini, animali vicino a un ruscello ma anche una grande tempesta. Beethoven vuole avvicinare l'anima dell'uomo alla natura, si inchina alla bellezza della natura per essere innalzato al dio creatore. La musica era per lui fonte d'ispirazione, di pace e silenzio. Silenzio inteso come il silenzio fra una nota e l'altra, fondamentale per dare espressione al discorso musicale e non. Il primo movimento è dolce e rappresenta il risveglio dei sentimenti all'arrivo in campagna, il secondo racconta di uccellini (flauto, clarinetto ed oboe) che cantano nei pressi di un ruscello, il terzo è l'arrivo dei contadini danzanti che partecipano ad una festa, il quarto inscena una improvvisa tempesta a cui si sussegue una tranquillità ed il quinto è un canto pastorale in onore dalla tranquillità ritrovata e la possibilità di instaurare nuovamente il dialogo uomo-natura.

Ho scelto quest'opera perché mi ha particolarmente colpito il movimento della tempesta, a me piace molto la musica drammatica e Beethoven credo sia riuscito perfettamente nell'intento di farci provare l'emozione di essere in una tempesta. Dalla tranquillità si arriva in un momento molto drammatico, molto potente e con forti dinamiche che lascia abbastanza scombussolati per poi essere riportati alla serenità, non avevo mai sentito questa sinfonia e mi ha lasciata molto sorpresa.

Mirtilla Montemaggi

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Achille-Claude Debussy, noto semplicemente come Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, 22 agosto 1862 – Parigi, 25 marzo 1918), è stato un compositore e pianista francese. È considerato in patria e nel mondo uno dei più importanti compositori francesi di sempre, nonché uno dei massimi protagonisti del simbolismo musicale. Lo stile di Debussy oscilla inizialmente tra una scrittura che risente dei modelli del Barocco e del primo classicismo ( Rameau, Couperin, Frescobaldi, Scarlatti e Bach) e la scrittura chopiniana, il tutto riveduto in maniera eclettica.

"Clair de Lune" di Debussy è spesso considerato uno dei suoi capolavori e un'icona della musica impressionista. Il termine "Clair de Lune" in francese significa "Luce della Luna", e la composizione riflette questa ispirazione lunare attraverso le sue armonie eteree e il ritmo fluido. La struttura libera del brano e l'uso innovativo del pedale contribuiscono a creare un'atmosfera sognante. La melodia espressiva e l'uso di accenti dinamici forniscono un'esperienza emotiva che è stata ammirata per la sua bellezza intrinseca e la capacità di trasportare l'ascoltatore in un viaggio emotivo. Personalmente ho scelto questo brano perché mi ricorda distintamente la quiete del cielo notturno e la luminosità della luna come una candela in una stanza buia, la morbidezza e leggerezza dei circhi lunari e il grigio fulvido che ti cattura.

GIOIA GIUSY ROCCO

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Antonio Vivaldi era un compositore italiano del periodo barocco, nato il 4 marzo 1678 a Venezia e morto il 28 luglio 1741 a Vienna.

È ricordato per la composizione “Le Quattro Stagioni” un ciclo di quattro concerti per violino e orchestra, ognuno dedicato ad una stagione dell’anno.

Estate-primavera-autunno-inverno.

È una composizione scritta nel 1720.

Io ho scelto la terza parte della composizione, l’autunno.

Vivaldi è riuscito perfettamente a catturare l’atmosfera dell’autunno.

Il primo movimento è allegro, vivace e coinvolgente e fa riferimento alla vendemmia. Le melodie vibranti, energiche e gioiose del violino, accompagnate dall’orchestra, trasmettono un’attività frenetica nei campi.

Nel secondo movimento Vivaldi ha cercato di ricreare la malinconia dell’autunno. Sono presenti note lunghe che creano un’atmosfera di serenità e di riflessione. È un movimento molto calmo e delicato. Vivaldi è riuscito a trasmettere le emozioni più profonde legate al cambio di stagione.

Il terzo movimento è rappresentato da melodie vivaci e armonie giocose, probabilmente per il lato festoso dell’autunno.

Vivaldi riesce a tradurre in musica la gioia e la vitalità della natura in autunno, rendendo omaggio alla festa del raccolto.

Vivaldi con la sua musica è riuscito a trasmetterci tutti i lati dell’autunno, sia belli che brutti.

Vivaldi è riuscito non solo a trasmetterci la bellezza ma anche la diversità della vita.

Lisa de Jong

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Gustav Holst, nato nel 1874, è stato un compositore britannico di grande rilevanza nel panorama musicale del XX secolo. La sua suite orchestrale "The Planets" è un capolavoro che ha catturato l'immaginazione di molte persone grazie alla sua abilità nel trasporre in musica le caratteristiche distintive dei pianeti del sistema solare.

Holst si interessava profondamente all'astrologia, e questa suite riflette la sua fascinazione per l'influenza astrologica e mitologica dei pianeti sulla vita umana. Ad esempio, il movimento "Jupiter, the Bringer of Jollity" rappresenta un gioioso e trionfante sentimento, mentre "Mars, the Bringer of War" è intensamente drammatico e percussivo.

La scelta di "The Planets" come esempio di musica legata alla natura e ai paesaggi sonori è motivata dalla capacità di Holst di evocare emozioni attraverso la sua raffinata scrittura musicale, collegando il macrocosmo del sistema solare al microcosmo delle esperienze umane. La suite ha influenzato numerosi compositori successivi, dimostrando la sua duratura rilevanza nel mondo della musica classica.

CATERINA ANTONICELLI

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A suonarla è Tarun Nayar, musicista e biologo, che mai avrebbe pensato che i video in cui si diverte con la "biodata sonification", cioè la "rappresentazione" dei dati attraverso il suono, diventassero virali sui social. Ha iniziato collegando le piante a un sintetizzatore modulare per trasformare i loro segnali bioelettrici in musica elettronica. La tecnologia funziona su qualsiasi organismo vivente, dai fiori alle mele agli esseri umani Ma è il tono ipnotico dei funghi ad aver conquistato gli ascoltatori, dando vita a un nuovo genere musicale sempre più apprezzato Per essere chiari, i dispositivi si limitano a tradurre processi biologici degli organismi in frequenze che possono essere quindi trasformate in musica. Ma secondi alcuni, la popolarità della musica realizzata attraverso i funghi è indice di una più ampia ondata culturale ispirata da questi organismi.

Tecnologie come i microscopi, i big data e ora la sonificazione dei biodati ci stanno aprendo al mondo nascosto dei funghi, accesso alla loro attività che potrebbe inaugurare una nuova era di scoperte

entusiasmanti.

Enea Diolaiti