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L'importance des matériaux sur la pratique plastique en deux dimensions et en volume.

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L'importance des matériaux sur la pratique plastique en deux dimensions et en volume.

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Tableaux tactiles

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Les notions de passage et de transition, de forme fermée, de forme ouverte.

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Les notions de passage et de transition, de forme fermée, de forme ouverte.

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Comprendre qu'en art, l'objet et l'image peuvent aussi devenir matériau.

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Comprendre qu'en art, l'objet et l'image peuvent aussi devenir matériau.

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Techniques : dessin au pastel et gouache.

Matériau : sac en papier.

Recouvrir toutes les surfaces en représentant un objet.

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Compétences évaluées :

- Identifier et assumer sa part de responsabilité dans des processus de création, seul(e) ou à plusieurs : créer seul(e) et à plusieurs en prenant toutes les initiatives nécessaires pour atteindre les objectifs expliqués.

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Marthe Digbo, professeure de Français.

Animée par Sabine Richard, conteuse professionnelle.

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L'hétérogénéité et la cohérence plastiques

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L'hétérogénéité et la cohérence plastiques

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https://www.christies.com/en/lot/lot-6149977

https://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Lavier/

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Représenter en imitant ...

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Pareil mais différent.

Bien représenter ou bien imiter?

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Compétences évaluées :

Se repérer dans un projet :

- mettre en forme un volume

- organiser les formes et les couleurs en respectant les proportions et leur disposition.

Mener à terme un projet :

- savoir modeler les différentes épaisseurs malgré les contraintes de la pate.

- reproduire toutes les parties d'après une observation attentive.

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La transformation d'images existantes dans une visée artistique.

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La transformation d'images existantes dans une visée artistique.

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Copier pour créer. Et si on réinventait les produits du quotidien ...

Dessiner un objet pour chaque emballage.

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Compétences évaluées :

- Produire, créer : choisir, organiser et mobiliser des moyens graphiques (forme, couleur) pour réinventer des objets à partir d'emballages.

- Produire, créer : utiliser des chartes graphiques existantes pour fabriquer des images personnelles.

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La valeur expressive de l'écart de ressemblance dans le dessin.

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La valeur expressive de l'écart de ressemblance dans le dessin.

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"Je suis trop à l'étroit !"

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Compétences évaluées :

- Produire, créer : savoir adapter une représentation humaine pour traduire un sentiment.

- Expérimenter : savoir rechercher des moyens graphiques pour exprimer une idée par le dessin.

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Avec le soutien de la Casden, Philippe Jamet, vidéaste-chorégraphe, a réalisé dix portraits vidéo de professionnels exerçant au Centre Pompidou.

Il dévoile la diversité de leurs métiers et invite les élèves qui élaborent leur projet d'orientation professionnelle et les personnels de la communauté éducative, à découvrir et comprendre les métiers et les parcours de formation.

Avec le soutien de

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Aller au contenu principal Avec le soutien de la Casden, Philippe Jamet, vidéaste-chorégraphe, a réalisé dix portraits vidéo de professionnels exerçant au Centre Pompidou. Il dévoile la diversité de leurs métiers et invite les élèves qui élaborent leur projet d'orientation professionnelle et les personnels de la communauté éducative, à découvrir et comprendre les métiers et les parcours de formation.

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Patrick Tosani (1954-, artiste photographe et architecte français)

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Patrick Tosani (1954-, artiste photographe et architecte français)

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Patrick Tosani est né en 1954. Parallèlement à ses études d’architecture à Paris (1973-1979), il développe dés 1976 un travail sur la photographie où les questions d’espace et d’échelle seront centrales.

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Giovanni Anselmo (1934 - 2023, Italie), Sans titre, 1968, granit, laitue, fil de cuivre.

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Giovanni Anselmo (1934 - 2023, Italie), Sans titre, 1968, granit, laitue, fil de cuivre.

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Giovanni Anselmo
(1934, Italie - 2023, Italie)

Sans titre, 1968, granit, laitue, fil de cuivre, dimensions 70 x 23 x 37 cm
La profondeur de l'ensemble peut varier selon la taille de la salade et l'accrochage du petit élément en granit dont les dimensions sont : 14,8 x 4,8 x 14,8 cm.

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Sans titre, (granit, laitue, fil de cuivre) - Centre Pompidou

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Maître du mouvement, l'animateur 2D et 3D est d'abord un artiste, spécialiste des images de synthèse. Cinéma, jeux vidéo, publicité ou site Internet, les projets d'animation ne manquent pas, et attirent de plus en plus de jeunes.

Niveau minimum d'accès : Bac + 3

Salaire débutant : 2000 €

Statuts : Indépendant, Intermittent du spectacle, Statut salarié

Synonymes : Animateur/trice de dessin animé, Animateur/trice en images de synthèse, Infographiste

Secteurs professionnels : Art et design, Audiovisuel, Édition, librairie, bibliothèque, Jeu vidéo

Centres d'intérêt : J'ai un bon coup de crayon, Je rêve d'un métier artistique, Je suis accro au numérique

Le métier

Du dessin à l'animation

L'animateur 2D commence son travail avec papier et crayon, avant de passer devant son écran ou sa tablette graphique pour donner l'illusion du mouvement à une surface plane. Les logiciels qu'il utilise lui permettent d'accélérer le processus tout en donnant une impression de grande fluidité à ses créations. Il travaille aussi bien sur le mouvement que sur les expressions du visage, mais aussi sur des éléments plus basiques comme des fondus-enchaînés d'images fixes, par exemple.

L'illusion de la réalité

En 3D, le travail se fait uniquement sur ordinateur pour donner l'impression de relief et de volume. L'animateur 3D ne dessine pas puisque les personnages qu'il anime sont déjà modélisés en images de synthèse. Il travaille à partir d'un " squelette " habillé de texture (peau, vêtements, par exemple) qu'il va faire bouger, parler, etc. Il définit également les ombres et les lumières pour amplifier l'illusion de la réalité.

Un travail de précision

L'animateur déplace chaque point d'articulation d'un personnage en mouvement l'un après l'autre sur l'ordinateur en intégrant les coordonnées mathématiques des positions de départ et d'arrivée selon la trajectoire et le déplacement souhaités (translation, rotation...). C'est un travail long, minutieux et rigoureux.

En vidéo

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Compétences requises

La maîtrise des outils

L'animation repose sur des technologies avancées. Impossible de s'exprimer sans une maîtrise parfaite de l'informatique. À chaque type d'animation ses logiciels, qui évoluent rapidement, nécessitant de régulières mises à niveau. En 2D, Flash pour sa fluidité. En 3D, Maya, 3ds Max... Sans oublier les logiciels d'animation comme Character Studio. Mais la maîtrise de ces outils ne suffit pas : l'animation exige beaucoup de pratique et d'autres connaissances. Faire bouger un personnage suppose des notions en anatomie, par exemple.

Un sens artistique

La technologie 2D impose un très bon coup de crayon. Même si la 3D n'utilise pas directement le dessin, elle exige un sens très sûr des perspectives et des volumes pour faire bouger des personnages. D'autant que les professionnels peuvent occuper différents postes et intervenir sur les décors, par exemple.

Les exigences d'une production

Les professionnels de l'animation possèdent une forte créativité. Pour autant, ils sont également capables de compromis artistiques pour se plier aux exigences d'une production et pour respecter le style de personnages créés par d'autres. Minutie, patience et résistance au stress sont également indispensables à ces spécialistes de l'image animée.

Où l'exercer ?

Des équipes pluridisciplinaires

Un film d'animation ou un jeu vidéo est le produit d'une équipe où se côtoient différents professionnels : réalisateurs, informaticiens et plusieurs graphistes plus ou moins spécialisés. L'animateur travaille étroitement avec le modeleur 3D qui crée le personnage et le coloriste qui intervient après lui.

L'intermittence est la règle

Quelques grands studios de création ont des équipes permanentes dans lesquelles les animateurs sont salariés. Toutefois, le statut d'intermittent du spectacle est devenu la règle dans ce métier : selon le CNC (Centre national du cinéma et de l'image animée), ils représentent 80 % de la profession. Les animateurs sont alors engagés le temps d'une production, alternant périodes d'activité et de chômage.

Mobilité à tout prix

La nécessité économique oblige certains artistes à diversifier leurs activités vers la publicité et le Web, très gourmands en animation 3D pour renforcer la portée du message. Ils exercent alors leurs talents dans des studios de postproduction audiovisuelle. Il est conseillé aux animateurs de connaître tous les aspects de la production et d'être polyvalents. Un grand nombre d'animateurs choisissent de s'expatrier dans des pays où les opportunités sont plus nombreuses : États-Unis et Canada en tête.

Les études

Après le bac

3 ans pour obtenir un BUT (informatique ou Métier du multimédia et de l'internet ; une licence professionnelle en infographie 3D ou en webdesign (1 an après un bac + 2) ; le DN MADE mention numérique ou animation ; 4 à 5 ans pour un diplôme d'école (diplôme de dessinateur-concepteur, option cinéma d'animation ou jeu vidéo de l'École Émile Cohl ; diplôme national supérieur des arts décoratifs de l'Ensad spécialisé en cinéma d'animation ; diplôme de concepteur et réalisateur de films d'animation de l'École de l'image-Les Gobelins).

bac + 3

bac + 4

bac + 5

Emploi et secteur

Un secteur très dynamique

Selon la dernière étude du CNC (Centre national du cinéma et de l'image animée) sur le secteur de l'animation, la France compte une centaine de sociétés actives dans le secteur et près de 5 000 professionnels. Elle se positionne en tête en Europe et au 3 e rang mondial pour la production de contenus d'animation.

Relocalisation en vue

Depuis peu, on observe un mouvement de relocalisation de l'animation en France. Deux raisons à cela : le souci de la maîtrise artistique dans le cas de longs-métrages ambitieux, et l'évolution des technologies (logiciel Flash) pour des projets légers de télévision où les compétences techniques sont plus importantes que la main-d'oeuvre. Pour autant, les embauches en CDI (contrats à durée indéterminée) sont encore limitées pour ce métier.

De nouveaux débouchés

Entre le cinéma, la télévision, la publicité et les jeux vidéo, les frontières sont assez étanches. La télévision représente le secteur le plus porteur. Les courts-métrages de cinéma constituent également un débouché non négligeable, mais les éditeurs multimédias ont également le vent en poupe. Le mouvement fait désormais partie intégrante du vocabulaire visuel et c'est une bonne nouvelle pour les animateurs.

Secteur

Salaire du débutant

Autour de 2000 euros brut par mois, mais cela peut varier grandement en fonction de l'employeur, de l'expérience et du statut.

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animateur 2D et 3D - animatrice 2D et 3D

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Maître du mouvement, l'animateur 2D et 3D est d'abord un artiste, spécialiste des images de synthèse. Cinéma, jeux vidéo, publicité ou site Internet, les projets d'animation ne manquent pas, et attirent de plus en plus de jeunes.

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Nathan, designer graphique et interactif, nous parle de son métier. Sa mission : donner de la visibilité à des contenus grâce au graphisme et à l'image animée. Il revient pour nous sur son activité, ce qu'il préfère, sa dernière création sur les réseaux...

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Le métier de Nathan:designer graphique et interactif

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Nathan, designer graphique et interactif, nous parle de son métier. Sa mission : donner de la visibilité à des contenus grâce au graphisme et à l’image animée. Il revient pour nous sur son activité, ce qu’il préfère, sa dernière création sur les réseaux…

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Synonymes : Dessinateur/trice-maquettiste, Graphiste 2d, Graphiste-illustrateur/trice, Infographiste

Métiers Associés : Animateur/trice 2d et 3d

Secteurs professionnels : Art et design, Communication, Édition, librairie, bibliothèque, Jeu vidéo, Marketing , publicité

Centres d'intérêt : J'ai un bon coup de crayon, Je rêve d'un métier artistique, Je suis accro au numérique

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Affiches, logos, emballages, sites web... l'empreinte du designer graphique est partout : dans la presse, l'édition en passant par la publicité, la communication et le design... Sa mission : concevoir un visuel, alliant sens artistique aux enjeux commerciaux et marketing, qui saura séduire le public.

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Moira, étudiante en DN MADE mention espace au lycée du Gué à Tresmes

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DN MADE espace - une pédagogie par projets

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Moira, étudiante en DN MADE mention espace au lycée du Gué à Tresmes, revient sur sa formation. Ce diplôme en 3 ans s’appuie sur un socle commun d’enseignements et sur des ateliers de création où s’acquiert la culture projet. L’atelier est le lieu de convergence des savoirs en cours d’acquisition et des pratiques créatives en design et métiers d’art.

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Jean-Charles BLAIS (1956- peintre et dessinateur nantais)

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Jean-Charles BLAIS (1956- peintre et dessinateur nantais)

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Jean-Charles Blais, Standard jaune, 1982, Peinture et dessin sur arrachage d'affiches. 125 cm x 81 cm, Galerie Yvon Lambert, Paris.

https://youtu.be/PvpO6B5uR2I?si=GyF2bB1zQslB-RQx

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Vidéos

Jean-Charles Blais commente les processus techniques et de composition qui élaborent son oeuvre conceptuelle.

Images

Résumé

Filmé dans son atelier, dans des galeries à Paris ou Lisbonne où il est exposé, ou encore dans des magasins de tissus à la recherche du support le plus juste, Jean-Charles Blais commente les processus techniques et de composition qui élaborent son oeuvre conceptuelle. Dans ses derniers travaux, l'artiste pose de manière singulière la question de la représentation du corps, en la vidant de toute description.

Jean-Charles Blais (né en 1956), peintre et dessinateur, peint ou façonne des figures humaines qui ne sont pas des personnages, mais des formes, des empreintes. Comme support, il privilégie l'envers d'affiches arrachées de grand format, ainsi que des toiles imprimées ou des cartons d'emballage. Ses premiers travaux, des figures hypertrophiées tracées avec d'épais contours noirs, en référence aux tableaux de Malevitch, comportaient encore une part de narration. Au milieu des années 1980, il peignait de larges corps sans volume, et de grands visages noirs privés d'identité, sous la forme de larges aplats monochromes profilés. Maintenant, il fabrique des "vêtements" qu'il coud aux murs : ces montages révèlent sans les représenter la forme des corps qui les habiteraient.
(Annick Spay)

Descriptif technique

Production

Artline Films, France 2

Participation

CNC, Centre Pompidou, ministère de la Culture (DAP), Procirep

Réalisation

Elisabeth Aubert

Sujet

Jean-Charles Blais

Année

1997

Durée

29'

Double disque

non

Couleur / N&B

couleur

Genre

Documentaire

Diffusion

Prêt aux particuliers par l'intermédiaire des médiathèques : oui

Projection publique : oui

Diffusion en ligne : oui

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Images de la culture : Jean-Charles Blais, septembre 96-juillet 97 - catalogue général

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Jean-Charles Blais commente les processus techniques et de composition qui élaborent son oeuvre conceptuelle.

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TUTO | La sculpture au premier coup d'oeil

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Marcel Duchamp a bouleversé la définition de l’œuvre d’art. En 1917 à New York, il crée le scandale en exposant Fontaine, un urinoir retourné à 90 degrés affublé d’une mystérieuse signature. Désormais, l’œuvre n’est plus nécessairement le fruit d’une fabrication manuelle, elle nait du choix de l’artiste.

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Marcel Duchamp (1887 - 1968), artiste peintre, plasticien et homme de lettres français, naturalisé américain en 1955.

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Marcel Duchamp (1887 - 1968), artiste peintre, plasticien et homme de lettres français, naturalisé américain en 1955.

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Fontaine, 1917 / 1964.

Marcel Duchamp achète un urinoir dans un grand magasin, le signe "Richard Mutt", le baptise Fontaine et le présente comme de l'art.

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TUTO | La sculpture au premier coup d'oeil

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JEANNE GOURLAOUEN Parcours Jeanne Gourlaouen est une artiste et designer née en 1998 dans le Finistère. Après un parcours en arts appliqués, elle est diplômée en 2020 du DSAA Design de Produit à l’…

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OCTOBRE 2023 - ISBN 978-2-273-01651-3 - PRIX : 6 € www.onisep.fr/lalibrairie D’ART ÉTUDES

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Lycée du Gué-à-Tresmes (Congis-sur-Thérouanne - 77) DN MADE - Espace

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Lycée du Gué-à-Tresmes (Congis-sur-Thérouanne - 77) DN MADE - Espace

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Fiche formation - Lycée du Gué-à-Tresmes (Congis-sur-Thérouanne - 77) DN MADE - Espace - Spécialité : Environnements pérennes et éphémères - Candidats

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Le DN MADE s'appuie sur un socle commun d'enseignements fondamentaux, méthodologiques et transversaux et sur des ateliers de création où s'acquiert la culture projet. L'atelier est le lieu de convergence des savoirs en cours d'acquisition et des pratiques créatives en design et métiers d'art. Le titulaire du DN MADE est formé à la fois à la démarche de conception/création et à la production/fabrication.

Le diplôme est structuré autour de trois grands pôles : les enseignements génériques cultures et humanités (philosophie, lettres et sciences humaines ; culture des arts, du design et des techniques), les enseignements transversaux (procédés d'expression créative, matériaux et technologies, outils numériques, langues vivantes, économie-gestion) et les enseignements pratiques et professionnels (ateliers de création ; travail interdisciplinaire ; professionnalisation).

La mention espace forme à l'aménagement d'espaces intérieurs ou extérieurs, publics ou privés. Selon les spécialités et parcours mis en place dans les établissements, l'étudiant élabore plus spécifiquement des projets d'aménagements intérieurs, des scénographies pour des expositions ou des événements culturels, des espaces de communication dans le cadre d'événementiels commerciaux ou de manifestations éphémères. La spécialisation peut également être orientée vers la conception d'espaces et paysages urbains dans leur ensemble (habitat, mobilier, environnement) et l'élaboration d'espaces publics dans des territoires en mutation, en ville comme à la campagne, intégrant les notions de transitions écologique et énergétique (transport, équipements, etc.).

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Devenez un expert dans le secteur arts, culture, artisanat avec cette formation qui vous donnera un niveau d'études bac + 3 et vous permettra de vous former sur ces métiers : accessoiriste, décorateur / décoratrice d'intérieur, décorateur / décoratrice-scénographe, étalagiste, marchandiseur / marchandiseuse. Découvrez les débouchés, le programme et les établissements proposant cette formation.

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https://www.culture.gouv.fr/Thematiques/Musees/Formations-et-metiers-des-musees/Les-metiers-des-musees

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Etienne-Martin
(1913, France - 1995, France)

Le Manteau, 1962,

Tissus, passementeries, cordes, cuir, métal, enveloppe en toile de bâche et cuir

Dimensions 250 x 230 x 75 cm.
La housse est présentée suspendue derrière le manteau à des hauteurs variables.

les dimensions sont celles de l'accrochage de Manifeste 2,

manteau:165 x 200 x 30 cm

housse: 190 x 230 x 2,5 cm.

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Etienne-Martin
(1913, France - 1995, France)

Le Manteau

Domaine
Sculpture

Technique

Tissus, passementeries, cordes, cuir, métal, enveloppe en toile de bâche et cuir

Dimensions

250 x 230 x 75 cm
La housse est présentée suspendue derrière le manteau à des hauteurs variables.

les dimensions sont celles de l'accrochage de Manifeste 2,

manteau:165 x 200 x 30 cm

housse: 190 x 230 x 2,5 cm

Acquisition

Achat de l'Etat, 1973
Attribution, 1976

N° d'inventaire

AM 1976-965

Crédits

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP

Réf. image : 4R10186 [1994 CX 0015]

Diffusion image : l'Agence Photo de la RMN

Crédits

Crédit photographique : © Service de la documentation photographique du MNAM - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP

Réf. image : 4R00843 [1983 CX 0346]

Diffusion image : l'Agence Photo de la RMN

Artiste

Etienne-Martin
(1913, France - 1995, France)

Titre principal

Le Manteau

Autre titre

Demeure n° 5

Sous-titre

Demeure n° 5

Date de création

[1962]

Domaine
Sculpture

Technique

Tissus, passementeries, cordes, cuir, métal, enveloppe en toile de bâche et cuir

Dimensions

250 x 230 x 75 cm
La housse est présentée suspendue derrière le manteau à des hauteurs variables.

les dimensions sont celles de l'accrochage de Manifeste 2,

manteau:165 x 200 x 30 cm

housse: 190 x 230 x 2,5 cm

Acquisition

Achat de l'Etat, 1973
Attribution, 1976

Secteur de collection

Arts Plastiques

N° d'inventaire

AM 1976-965

Saluée dès juillet 1962 par Pierre Restany (" Étienne-Martin ", n° 60, Cimaise , juillet-août 1962, p. 93) comme une des œuvres marquantes de sa création, cette cinquième " Demeure " résume, avec L'Abécédaire (1967), ce qui précède et en porte la mémoire. Dans chaque forme se trouve, explique Étienne-Martin, " un événement que j'avais vécu dans ma peau " (cité par M. Ragon, 1970, op. cit. , p. 20). Recherche du temps passé, puisque s'y inscrivent en une circulation complexe les différents moments de sa vie et qu'y figurent Nuit ouvrante [1945-1955, AM 1302 S], les trois " Passementeries " de 1949 (AM 1982-9, 10 et 11) et les premières " Demeures " ( Demeure 3 de 1960 et Demeure 4 de 1961). Retrouvaille du lieu perdu, puisque s'y déroule à nouveau l'itinéraire très précis et labyrinthique de la maison d'enfance de Loriol, cette maison double, avec ses deux escaliers, le clair et le sombre, ses différentes chambres, ses terrasses, ses greniers et sa cave, ses lucarnes et ses échelles.

Le Manteau (cat. rais. n° 99), souvent comparé à un vêtement de chef de tribu au pouvoir fétichiste est, davantage qu'une parure qui confère dignité, une sorte d'armure qui protège : à la fois " la maison, la mère, la couverture enveloppante " (Irmeline Lebeer, " Le Grand Jeu d'Étienne-Martin ", Chroniques de l'art vivant , n° 48, avril 1974, p. 6-9), il est, pour Étienne-Martin, " la demeure totale " ( ibid.), faite à l'image de son créateur : " Une maison, on l'enfile comme un manteau et on est l'axe " (cité par M. Ragon, " Étienne-Martin, sculpteur abstrait, sculpteur figuratif ", Jardin des arts , n° 168, novembre 1968, p. 16-25). Cette peau que l'on revêt, c'est sa propre peau retournée, toutes tripes dehors, encore protégée par l'enveloppe, le manteau du Manteau . Étienne-Martin procède en retranchant dans le travail du bois, en façonnant dans celui du plâtre. Ici, comme dans les " Passementeries ", il accumule différents matériaux trouvés, qui, rassemblés dans son atelier, constituent un véritable fouillis onirique qu'il était le seul à maîtriser.

À partir d'une structure identique, dans une œuvre plus tardive de 1982-1983, le Mur-Verseau ( Demeure 19), Étienne-Martin parvient, par l'emploi d'éléments industriels (grillage, sacs poubelle en plastique et papier aluminium), rehaussés de couleurs primaires, à créer une œuvre quelque peu acide, voire grinçante, dont l'humour n'est pas exclu.

Nadine Pouillon

Source :
Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

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Aller au contenu principal Etienne-Martin (1913, France - 1995, France) Le Manteau Domaine Sculpture Technique Tissus, passementeries, cordes, cuir, métal, enveloppe en toile de bâche et cuir Dimensions 250 x 230 x 75 cmLa housse est présentée suspendue derrière le manteau à des hauteurs variables.

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Duane Michals (1932-, photographe américain.)

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Duane Michals (1932-, photographe américain.)

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Duane Michals, Things are Queer, 1973.

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'Things are Queer' by Duane Michals (1973)

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This 1973 series of nine photographs by Duane Michals (1932, -) is a short narrative piece with a twist at each step, a discovery of an unexpected level of reality at each new shot. Somehow obscure in its meaning, the work questions the perception of photographed reality and simply tricks the...

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Comprendre l'importance des matériaux pour rendre sensible une production.

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Mener de façon responsable un processus coopératif de création.

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Formuler une expression juste de ses émotions sur son travail, celui des autres et sur des œuvres d'art.

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Ron Mueck (1958-, sculpteur australien hyperréaliste)

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Ron Mueck (1958-, sculpteur australien hyperréaliste)

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Hyperréalisme 1960

Ron Mueck, Boy, 1999.

Matériaux divers, 490 × 490 × 240 cm.

Aarhus Kunstmuseum, Danemark.

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Claes Oldenburg (1929-2022, sculpteur américain d'origine suédoise.)

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Claes Oldenburg (1929-2022, sculpteur américain d'origine suédoise.)

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Claes Oldenburg : Les années soixante | Musée Guggenheim Bilbao

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Claes Oldenburg, qui se distingue par ses représentations profondes et amusantes d’objets quotidiens, est l’un des artistes les plus importants et

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Erwin Wurm (1954-), artiste plasticien autrichien, a étudié la sculpture à Vienne, puis est devenu professeur aux Beaux arts de Paris et commissaire d’expositions.

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2024
mixed media
375 x 785 x 147 cm Photo Markus Gradwohl

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Henri Matisse (1869- 1954, artiste français)

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Henri Matisse (1869- 1954, artiste français)

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Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

Nature morte au magnolia

Domain
Peinture

Techniques

Huile sur toile

Dimensions

74 x 101 x 2,4 cm

Acquisition

Achat, 1945

Inventory no.

AM 2588 P

Currently at

CaixaForum Madrid, Madrid (Espagne)

as part of Chez Matisse. Recommencer la peinture : Matisse 20 / 21ème siècle, 28 October 2025 - 22 February 2026
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Artist

Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

Main title

Nature morte au magnolia

Domain
Peinture

Inventory no.

AM 2588 P

L'exécution proprement dite de Nature morte au magnolia (du 25 août au 21 octobre 1941) est précédée et accompagnée par un nombre particulièrement important d'études dessinées : 68 dessins préparatoires, prêtés par l'artiste, figuraient dans l'exposition de la Tate Gallery en 1953, en plus de la série G de Thèmes et Variations (publiée en 1943), et d'autres compositions isolées comme Nature morte, fruits et potiche (1941), dessin acheté par l'État en 1942 pour le Musée (AM 1514 D).

Matisse s'est attardé dans ces feuilles sur chacun des éléments de sa nature morte pour les analyser, s'en approprier tous les détails : les enroulements du grand coquillage, les cannelures du pichet d'étain, les attaches du chaudron de cuivre, la fleur de magnolia au milieu du buisson de ses feuilles. Il a par ailleurs fait photographier certains états de la composition : quatre étaient exposés avec le tableau achevé à la galerie Maeght en décembre 1945, cinq figurent dans le film réalisé par François Campaux en 1945-1946. On peut ainsi constater comment la toile s'organise petit à petit, comment chacun des éléments s'immobilise frontalement autour de la fleur de magnolia, auréolée par le chaudron. Au final, solennelle, presque hiératique, la composition a pu évoquer pour certains (Bernard Dorival, Bulletin des musées de France, no 2, 1946, p. 6) l'organisation des tympans romans (le Christ dans une mandorle, entouré des quatre symboles évangéliques). Pour d'autres (Yve-Alain Bois, Paris, 1998, op. cit.), la fleur et ses feuilles en étoile hérissée ressemblent à la tête de Méduse, pétrifiant qui la regarde.

Le fond, tour à tour partagé en zones rectangulaires ou diagonales, laissant apparaître la surface de la table de marbre, support de la nature morte, est finalement unifié par un rouge embrasé. N'ayant plus de repères perspectifs, les objets flottent frontalement, pris dans cette couleur dense et légère à la fois.

Un croquis, annoté et légendé par Matisse à l'intention du chromiste de Verve, publié en 1945 (vol. IV, no 13, p. 36), fournit les indications les plus précises sur les dessous de la couleur : Matisse y indique tous les pigments qu'il a réellement utilisés, leurs combinaisons et leurs dénominations techniques. On apprend ainsi, par exemple, que le fond du tableau est peint en rouge cadmium clair, et que la teinte plus orangée du chaudron est obtenue par un passage cadmium jaune moyen sur frottis de laque écarlate. On apprend surtout que Matisse, dans cette quantité de rouges, a préservé l'éclat blanc de la fleur de magnolia ... en utilisant " un blanc légèrement teinté bleu ".

" Quelle est votre œuvre préférée au Salon ? ", demandait en 1945 l'interviewer de Matisse dans le film réalisé par François Campaux. " Au Salon... la nature morte rouge, celle que j'ai appelé Nature morte au magnolia ... Depuis plusieurs années, c'est mon tableau préféré... je pense avoir donné le maximum de ma puissance... ", répondit Matisse.

Isabelle Monod-Fontaine

Source :
Extrait du catalogue Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Comme pour d'autres œuvres exécutées en 1940-1941, des dessins, documents et témoignages viennent éclairer la (longue) genèse (septembre-décembre 1941) de cette importante nature morte. En premier lieu, de très nombreuses études dessinées en rapport avec les différents éléments du thème (études pour la fleur seule, ou pour le coquillage) ou bien les combinant : soixante- huit études pour Nature morte au magnolia étaient exposées à Londres en 1953 (prêtées par l'artiste, sous le n° 57 du catalogue). Pour rester dans le domaine du dessin, Nature morte, fruits et potiche, ainsi que la série G de Thèmes et variations1 et d'autres dessins apparentés sont évidemment dans un rapport étroit avec le travail en cours sur Nature morte au magnolia. Le nombre important de ces études ne saurait surprendre : Matisse ne parle-t-il pas de trois mille dessins2 pour L'Enlèvement d'Europe (1929) et nul doute que la publication d'un dossier complet des études pour ou autour d'un tableau de Henri Matisse, si elle était possible, révélerait l'importance de ces regards préalables, multiples, de ce travail fourmillant suscité par l'engendrement du tableau.

Ensuite, Matisse, selon son habitude, a fait photographier au moins cinq états différents de l'œuvre en cours. Trois de ces photographies ont été montrées dans l'exposition didactique organisée en 1945 par la galerie Maeght, reprises (avec deux autres) dans le film de Campaux (1945-1946), puis exposées à partir de 1953 à Londres et dans d'autres villes d'Europe. Nous reproduisons ici quatre états. On peut ainsi constater comment la toile s'organise petit à petit, comment chacun des éléments s'immobilise frontalement autour de la fleur de magnolia, auréolée par le chaudron de cuivre sur lequel elle se détache : la composition définitive évoque, par son hiératisme, l'organisation de certains tympans romans (Le Christ dans une mandorle, entouré des quatre symboles évangéliques). Des éléments jugés en définitive non nécessaires disparaissent. On voit se modifier les formes, toujours dans le sens d'une plus grande clarté d'expression : ainsi le petit pot placé en haut à droite; au départ ce motif répétait à peu près l'épanouissement en étoile de la fleur de magnolia au milieu de ses feuilles. Henri Matisse a simplifié cette forme, en accentuant la différence, en arrondissant les feuilles, jusqu'à ce qu'elle devienne clairement une autre entité formelle, un autre " signe ", aussi distinct du magnolia, malgré leur commune nature végétale, que le pot d'étain ou le coquillage. On voit enfin le fond, tour à tour partagé en zones rectangulaires ou diagnonales, s'apaiser, s'unifier par le rouge.

Enfin, un croquis, annoté et légendé par Matisse à l'intention du chromiste de Verve, publié en 19453, fournit une troisième source d'informations essentielles puisqu'il s'agit de la couleur. Nous reproduisons ci-dessous la transcription de ces indications :

( vase gauche) vert émeraude, dessins noirs, fleurons blanc et bleu d'outremer mélangés .
(pot d'étain) violet cobalt clair, dessin bleu outremer et noir (chaudron) (attache gauche) vert émeraude pour / sur le rouge. Rouge Venise bordé noir; (anse gauche) rouge de Venise bordé noir; (anse droite) ocre jaune et blanc; (fond) le fond du chaudron cadmium jaune moyen, une fois sur frottis de laque écarlate
(magnolia) (fleur) blanc teinté légèrement bleu4; (feuilles) vert émeraude, lumières jaune citron, ombrées noir

petit pot : feuilles et pot et assiette bleu d'outremer sertis noir, un peu de vert émeraude sort un peu de partout,

(coquillage) ocre jaune et blanc, pois noir pur, les lignes en bordure noir qui couvre le rouge du fond 5
(fond) rouge cadminum clair
Un texte d'André Rouveyre, particulièrement proche de Matisse dans cet hiver 1940-1941, accompagnait dans le numéro de Verve les reproductions des tableaux et des croquis. Nous en extrayons le passage qui concerne Nature morte au magnolia: " Ainsije retrouve avec bonheur cette toile où un chaudron de cuivre à cuire les confitures et un fond total se confondent, et pourtant se séparent, en deux rouges d'une étrange ardeur dans la dissociation comme dans le mélange que leur donne une subtilité de rapport infernale pour proposer, en plein centre du tableau, un bouquet de feuilles vertes en un vase radieux de simplicité, sous la présence encore de l'un de ces grands coquillages où l'on dit que l'on entend le bruit de la mer, de deux autres vases, et d'une belle piche d'étain, celle-là même que l'on retrouve de loin en loin chez Matisse, toujours familière et toujours caressée. Je ne puis omettre de noter quelle plénitude grandiose et intime, et d'un art suprême c'est ici le fait. Tout un hiver le peintre a lutté pour arriver à se contenter selon cet accomplissement définitif que voici. Cette toile je l'ai vue, certain jour, au cours du travail, au quart ruinée, effondrée par ce que le peintre dénonçait comme une méprise. Puis il a réussi à ressaisir sa création en fusion, à fixer enfin ces rapports savants et ravissants, cette ordonnance impériale et intime, où il faut bien reconnaître le charme, l'audace, l'autorité, l'équilibre séduisants et forts que l'on prête, à ce point d'excellence, seulement à Belzébuth. "6

" Quelle est votre œuvre préférée au Salon ? " demandait en 1945-1946 l'interviewer de Matisse dans le film réalisé par François Campaux. " Au Salon... la nature morte rouge, celle que j'ai appelée Nature morte au magnolia... Depuis plusieurs années, c'est mon tableau préféré... Je pense avoir donné le maximum de ma puissance..." répondit Matisse.

Isabelle Monod-Fontaine

Notes :

1. Henri Matisse, Dessins. Thèmes et variations, Paris, Martin Fabiani éditeur, 1943.

2. Cf. la déclaration de Matisse à Georges Michel (Michel Georges-Michel, De Renoir à Picasso, Paris, Librairie Arthème Fayard, 1954) : " Pour ce seul tableau, j'ai déjà crayonné trois mille croquis... oui, trois mille...".

3. Verve, vol. IV, n° 13, Tériade éd., 1945, p. 36.

4. Cf. les " Propos sur la couleur " de Matisse, publié dans le catalogue de l'exposition Henri Matisse, aquarelles, dessins, Paris, galerie Jacques Dubourg, 1962 : " L'influence des couleurs est tout à fait essentielle pour le coloriste et les teintes les plus belles, les plus fixes, les plus immatérielles, s'obtiennent sans qu'elles soient matériellement exprimées. Exemple : le blanc pur devient lilas, rose ibis, vert Véronèse ou bleu angélique par le voisinage de ses contraires seulement. " Inversement ici, par rapport à la dominante rouge, le blanc n'apparaît blanc que parce qu'il est teinté de bleu.

5. Cf. les remarques de Matisse à Finn Hoffmann, " Chez Henri Matisse ", Buen, n° 2, décembre 1924, publiées par Dominique Fourcade, " Autres propos de Henri Matisse ", Macula, n° 1, 1977, p. 98: "... Plus tard, j'ai découvert l'effet merveilleux de la couleur noire, relevée par le moyen d'une autre couleur peinte dessous. "

6. André Rouveyre, " Henri Matisse ", in Verve, vol. IV, n° 13, Tériade éd., 1945, pp. 35-55.

Source :
Extrait du catalogue Œuvres de Matisse, catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine, Anne Baldassari et Claude Laugier, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 1989

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Nature morte au magnolia - Centre Pompidou

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Johannes Vermeer (1632 - 1675), Het Straatje, (La Ruelle), 1658, huile sur toile, 54,3 x 44 cm.

Rijksmuseum, Amsterdam, Pays-Bas

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The Address of Vermeer’s Little Street Discovered - Google Arts & Culture

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The site and significance of the little street in Delft

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En 1944, la galerie Drouin reçoit des lettres anonymes, le livre d'or est couvert d'insultes : pour la première exposition personnelle de Dubuffet, les réactions sont violentes. Malgré un texte de présentation de l'influent Jean Paulhan, éditeur de La Nouvelle Revue française, l'artiste irrite les visiteurs qui trouvent ses personnages hideux, sa peinture trop empâtée, ses couleurs trop criardes. On crie à l'imposture. Pierre Matisse, le galeriste de Braque et de Picasso à New York, l'expose en 1946 et le fait connaître au public américain. Il le présente comme étant la relève. Le critique Clement Greenberg est enthousiaste. Les expositions s'enchaînent au rythme d'une à deux par an à Manhattan.

À partir des années 1960, les projets de sculpture monumentale se concrétisent, coïncidant avec la plus large reconnaissance de l'artiste en France et aux États-Unis. L'œuvre de Dubuffet fait l'objet de deux rétrospectives, l'une au musée des Arts décoratifs (nouvelles polémiques) et l'autre au MoMA à New York. Dubuffet devient célèbre pour sa détestation de l'académisme et pour son action en faveur de l'art brut. Dans les années 1970, , grand " tableau animé ", est montré au Guggenheim puis au Grand Palais. Dans les années 1980, le Guggenheim de nouveau, le Centre Pompidou, les musées de Tokyo et d'Osaka, et enfin, panthéonisation, le Pavillon français de la Biennale de Venise qui lui est entièrement consacré en 1984. ◼

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Focus sur... " Jardin d'hiver " de Jean Dubuffet

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C'est une caverne bicolore aux parois cabossées, un espace hors de temps propice à la méditation. Créé à la fin des années 1960, le Jardin d'hiver de Jean Dubuffet, est accessible au niveau 4 du Musée. Exploration de ce jardin artificiel imaginé par le pionner de l'art brut.

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GOINGS Ralph (1928-2016), peintre américain photoréaliste. 

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GOINGS Ralph (1928-2016), peintre américain photoréaliste. 

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Ralph Goings (né en 1928 à Corning, CA ; décédé en 2016 à Sacramento, CA) était un membre original des Photoréalistes de la côte Ouest à la fin des années 1960, célébré pour sa représentation lumineuse mais factuelle de l'Amérique archétypale du milieu du XXᵉ siècle - laveries, stations-service, supermarchés, stands à hamburgers, restaurants fast-food et automobiles vintage. Issu d'une famille ouvrière, Goings avait très tôt l'ambition de poursuivre une carrière créative, étudiant au California College of Arts & Crafts à Oakland au début des années 1950, puis obtenant en 1965 un MFA en peinture au Sacramento State College. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la OK Harris Gallery en 1970. À la suite de son succès, Goings a déménagé dans l'État de New York en 1974 pour se consacrer pleinement à ses ambitions artistiques.

Ce déménagement concentra l'énergie de Goings sur la représentation des intérieurs des diners américains emblématiques, incluant des natures mortes de leurs condiments. Ces vues intimistes des banquettes, des comptoirs en acier étincelant et des bouteilles de ketchup en verre contrastent avec ses précédentes représentations des espaces extérieurs lumineux de Californie. Bien que représentés de manière objective, ce qui accentue la banalité de ses sujets, l'usage de la lumière intense par Goings - il photographiait ses sujets lors de matins exceptionnellement lumineux - leur confère un glamour élégant. Travaillant à partir de multiples diapositives couleur 35 mm de ses sujets, Goings réalisait des dessins au crayon détaillés de l'image choisie, puis les projetait sur toile à l'aide d'un projecteur, un processus qu'il décrivait comme utilisant " l'image impersonnelle et mécanique de la photographie pour peindre ". Initialement critiqué par ses pairs pour son usage de la photographie, Goings défendit sa pratique, et ses peintures devinrent par la suite des icônes du photoréalisme.

Les peintures de Goings figurent dans d'importantes collections institutionnelles, notamment le Guggenheim et le MoMA de New York. Ses œuvres ont été présentées dans des expositions fondatrices, notamment Documenta 5: Questioning Reality - Pictorial Worlds Today, de Harald Szeemann, Kassel (1972) et Photo-Realism, Serpentine Gallery, Londres (1973). Parmi ses récentes expositions institutionnelles collectives figurent : American Dream, National Museum de Cracovie, Pologne (2009) ; Picturing America: Photorealism in the 1970s, Deutsche Guggenheim, Berlin (2009) ; Photorealism: 50 Years of Hyperrealistic Painting (2013-2017) ; Hyperrealismo 1967-2013, Bilbao Fine Arts Museum, Espagne (2015) ; HyperAmerica: Landscape - Image - Reality, Kunsthaus Graz, Autriche (2015) ; A Feast for the Eyes, Nassau County Museum of Art, New York (2016) ; From Lens to Eye to Hand: Photorealism 1969 to Today, Parrish Art Museum, New York (2017-2018) ; et Chrome Dreams and Infinite Reflections: American Photorealism, Reynolds House Museum of American Art, États-Unis (2022).

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Ralph Goings (né en 1928 à Corning, CA ; décédé en 2016 à Sacramento, CA) était un membre original des Photoréalistes de la côte Ouest à la fin des années 1960, célébré pour sa représentation lumineuse mais factuelle de l'Amérique archétypale du milieu du XXᵉ siècle - laveries, stations-service, supermarchés,...

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I always enjoyed creating skulls, so I decided to combine my skull passion with 3D and some of my favourite childhood cartoon characters.

Initially, I wanted to make them stylized as dinosaur fossils set up in a museum environment, but later decided against it, as the skulls didn't look very recognizable on their own - especially with parts broken or missing. Thats why I opted for less damaged look and also added some assets to each of the characters. To make it more cartoony I decided to contrast the realistic look of the skull with colorful flat backgrounds.

The main goal of this series was to get bit better at sculpting and to experiment with Zbrush to Substance Painter workflow. For each skull I tried to adjust and improve the workflow which resulted in quite visible differences between the first (Canis Goofus) and last in the series (Anas Scroogius). Throughout the series I also tried to push the procedural capabilities in Painter.

All of the textures are procedurally made in either Substance Painter or Substance Designer.

Tools used: Cinema 4D, Zbrush, Octane Render, 3D Coat, Substance Painter, Substance Designer, Adobe Photoshop and Adobe Illustrator.

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I always enjoyed creating skulls, so I decided to combine my skull passion with 3D and some of my favourite childhood cartoon characters. Initially, I wanted to make them stylized as dinosaur fossils set up in a museum environment, but later decided against it, as the skulls didn't look very recognizable on their own - especially with parts broken or missing.

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Meret Oppenheim (1913-1985, écrivaine, artiste peintre, photographe et plasticienne suisse).

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Meret Oppenheim (1913-1985, écrivaine, artiste peintre, photographe et plasticienne suisse).

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Meret Oppenheim, Déjeuner en fourrure, 1936.

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Bière-Écureuil, Chaussures-Siamoises ou Tasse-Fourrure, Meret Oppenheim est une créatrice d’objets surréalistes qui figure actuellement dans l’exposition «Les Choses» du Louvre. Mais son originalité …