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Cada estudiante presenta una obra con su título y autor/a.

Incluye una breve reseña de la obra.

Argumenta por qué la eligió y su significado.

Luego comenta sobre la obra elegida por otros estudiantes.

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EL ARTE COMO HERRAMIENTA DE CRÍTICA Y RESISTENCIAS

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EL ARTE COMO HERRAMIENTA DE CRÍTICA Y RESISTENCIAS

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Cuando pienso en obras de arte de crítica y resistencia se vienen grandes clásicos como el “Guernica” de Picasso o “La libertad guiando al pueblo”, de Eugène Delacroix

Pero la explosión de redes sociales nos ha dado un infinito abanico de artistas contemporáneos que desconocemos y encontré ésta pintor/ilustrador… Paweł Kuczyński es un ilustrador polaco nacido en Szczecin en 1976, graduado de la Academia de Bellas Artes de Poznań, conocido por sus ilustraciones satíricas que abordan temas sociales, políticos, económicos y medioambientales de manera crítica. Con más de 140 premios y distinciones, su trabajo, que utiliza acuarela, lápiz y pincel, ha sido exhibido en numerosos países y ha sido publicado en revistas y portales en línea de todo el mundo.

La obra que escogí (aunque no logré encontrar su nombre) fue una de las que más me atravesó porque refleja una realidad propia tantas veces debatida en el aula: Se ha cambiado PLÁSTICA por TECNOLOGÍA, como si para el futuro la sensibilización artística no fuese de importancia y sí (o más importante) la tecnología; y es un paradigma que debemos romper.

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Guernica _Pablo Picasso (1937) es una denuncia y una obra de resistencia contra la barbarie de la guerra y el terrorismo de Estado. Nació como respuesta inmediata al bombardeo de la localidad vasca de Guernica (abril 1937) durante la Guerra Civil española. Su lenguaje plástico busca provocar rechazo moral y político hacia la violencia, denunciar el horror y generar empatía por las víctimas es por eso que me llamó la atención y elegí.. Rechazando la propaganda y la ornamentación, eligió un formato monumental y una paleta monocroma para acentuar la gravedad del tema.La obra funciona como un collage emocional; los cuerpos fragmentados, las expresiones de agonía y otros “símbolos” como el caballo herido, el toro, la madre que sostiene a su hijo muerto, la lámpara (luz como ojo de vigilante).

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La obra 'Bocanada' de Gabriel Sacco se centra en la reflexión sobre el cuerpo, la respiración y la memoria. Explora cómo lo íntimo y lo vital (como el aire) pueden convertirse en una experiencia estética y política, donde el acto de respirar trasciende lo biológico para transformarse en un gesto de resistencia y expresión.

explora múltiples disciplinas como la performance, la instalación y la fotografía. La propuesta invita al público a meditar sobre el significado de lo humano, lo efímero y lo esencial, destacando la importancia de la presencia y la vida cotidiana como espacios de creación.

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"Il Quarto Stato" (El cuarto estado) Giuseppe Pellizza da Volpedo (1901)

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Cuando estaba buscando obras que hagan referencia a alguna critica o resistencia, inconscientemente estaba buscando imágenes que representaran revuelo, violencia o multitudes desenfrenadas. Entonces mi sorpresa fue muy grande cuando me apareció esta pintura italiana en la pantalla. Es una multitud de trabajadores, pero no desenfrenados ni enloquecidos por ir a enfrentar al poder. Están tranquilos pero seguros de ir a luchar, con la espalda bien recta y mirando al frente, pero lo mas importante, juntos. Esta obra se titula "El Cuarto Estado", Giuseppe la pintó cuando la "nueva clase social" salió a reclamar sus derechos en Italia, lo que ahora llamaríamos clase media. La frase "la unión hace la fuerza" explica de manera excelente esta obra. Vemos que hay varios rangos etarios, una mujer con un bebé al frente, representando la familia y el futuro.

Giuseppe pinto esta obra con "puntillismo" (que en realidad son pinceladas cortas, no puntos en sí) tratando de con la técnica inclusive dar esta sensación de unidad, de somos muchos y vamos para adelante. Tengamos es cuenta que la obra mide casi 3 metros de alto y casi 5 metros y medio (293 cm x 545cm) así que es una imagen impactante de ver, con ese tamaño y tantas personas "viniendo" al espectador. Esta obra fue símbolo del proletariado y resistencia durante mucho tiempo en Italia y Europa

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Il Quarto Stato (Giuseppe Pellizza da Volpedo, 1901)

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Bueno lo publicó de nuevo porque sin querer puse un comentario y no lo puedo borrar jeje

"Retrato de Kenyetta y Brianna" (2008) de la artista Margaret Bowland.

Bueno estuve buscando algunas obras y las de Margaret me llamaron mucho la atención. En su arte retrata de una forma bastante directa el reclamo hacia los estándares sociales de belleza (ser delgada, alta, bonita, blanca). Además se puede observar que los personajes tienen vestidos de novia.

(Bowland comentó que las figuras, cubiertas de blanco por la tradición, buscan aceptación y protección a través de la purificación ritual, mientras que su verdadera identidad brilla a través de sus ojos).

En todas sus obras se ven las mismas miradas, pareciera que hasta las mismas chicas, me encanta como refleja esa emoción, como de desconcierto, un sentimiento que alguna vez todos los hicimos propio, el querer pertenecer, encajar y la decepción de no poder hacerlo, que espero todos se den cuenta, justamente eso es lo mejor que nos puede pasar.

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Título: La Revolución

Autor: Fabián Cháirez

Año: 2019

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensiones: 150 x 120 cm (aprox.)

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La obra que elegí para esta actividad se llama “La revolución” del artista Fabián Cháirez (Chiapas, México). Su trabajo busca cuestionar los estereotipos de género, la masculinidad hegemónica y el machismo a través de representaciones homoeróticas, cuerpos feminizados y narrativas lgbt. Usa elementos de la tradición pictórica mexicana (colores vibrantes, referencias revolucionarias, símbolos culturales) con un lenguaje visual crítico de la heteronorma.

La Revolución es una obra que reinterpreta un retrato de Emiliano Zapata, en el que lo muestra desnudo, usando tacos y un sombrero rosa. Toma un ícono de la historia mexicana y lo lleva hacia la feminidad, lo sensual, totalmente opuesto a la figura del “macho revolucionario” que se instaló en el imaginario popular.

La obra se expuso en el Palacio de Bellas Artes y generó polémica: la familia de Zapata y grupos campesinos la rechazaron, mientras que colectivos LGBT la defendieron como una reapropiación necesaria. Para mí, la crítica social está en esa inversión: en señalar cómo los símbolos nacionales se construyen desde la heteronorma y en abrir espacio a otras identidades que siempre quedaron fuera de la historia oficial. La reacción que provocó confirma que el machismo y la homofobia siguen presentes, y justamente por eso la pintura funciona, porque no solo representa, también incomoda y obliga a debatir.

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Está pintura la elegí particularmente ,porque a simple vista en cuanto a composición parecería una

escena cotidiana de un teatro ,pero en el análisis tiene una trama se esconden relaciones ocultas

,secretos de alcobas e intereses por ocupar un estatus social reflejado en" Pierrot" el personaje de la

escena central , mostrando distancia física y emocional por hallarse en un plano más alto y avanzado

genera una separación física de los demás , su pose frontal y mirada perdida y dirigida al espectador

,sugiere una profunda soledad o melancolía.el grupo de actores representan la vida bulliciosa del teatro

que contrasta con la quietud de Pierrot.

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Esta obra llamada "El puente japonés" ( también conocida como el puente sobre el estanque de nenúfares), creada al rededor de 1899 por Claude Monet.

Fué pintada en Giverny, Francia, donde Monet vivía y había creado su famoso jardín, construyó en su jardín un puente al estilo japonés, rodeado de un estanque lleno de nenúfares y vegetación. Lo representó en múltiples lienzos bajo distintas luces, estaciones y condiciones atmosféricas. Su intención no era solo mostrar el jardín, sino captar los efectos cambiantes de la luz, el color, los reflejos del agua y la fusión entre naturaleza y arte.

Con esta obra, Monet buscaba transmitir la sensación visual y atmosférica del instante, más que una descripción realista. El jardín se convirtió en su gran laboratorio artístico en sus últimos años, y el estanque de nenúfares en su motivo más celebrado.

Monet no quería que el espectador “reconociera” cada detalle, sino que sintiera la atmósfera: la tranquilidad del jardín, el fluir del agua, la vibración de la luz del sol sobre las hojas y flores. Para esto utilizo una paleta con gamas de verdes, azules, toques de rosa, lila, blanco, reflejos en el agua y ausencia de negro para sombras.

Su técnica es impresionismo puro, utiliza pinceladas cortas y rápidas, aplicadas en capas superpuestas. No busca contornos definidos. Con una perspectiva plana y un enfoque atmosférico donde el agua, las plantas y el cielo se funden, no hay separación rígida.

En lo personal, el puente japonés de Monet, es una obra que me gusta mucho, al observarla me transmite tranquilidad, alegría, calma, serenidad... Algo que destaca y me encanta es la paleta que utilizó, soy muy amante de las paletas de los verdes y azules. También me la atención su técnica al pintar. Me gusta cómo el agua refleja la vegetación, porque da la impresión de que todo está en constante movimiento. Para mi esta obra es un ejemplo de cómo el arte puede hacernos sentir en contacto con la naturaleza y alejarnos del ruido cotidiano.

La elegí porque fué una obra que me atrajo desde que la ví, me gusta lo que intento representar el autor de la obra y como lo hizo.

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Hace un tiempo me viene dando vuelta la obra de esta fotógrafa : Dorothea Lange .

Dorothea Lange fue una destacada fotógrafa estadounidense conocida por sus obras que documentan la Gran Depresión y la vida rural en Estados Unidos. Sin embargo, en 1942, Lange fue contratada por la Oficina de Administración de Tierras (FSA) para fotografiar a los japoneses estadounidenses que estaban siendo reubicados en campos de concentración en el oeste de Estados Unidos.

Lange viajó a varios campos de concentración en California, incluyendo el Campo de Reubicación de Tanforan y el Campo de Reubicación de Manzanar, donde tomó fotografías de las condiciones de vida y las experiencias de los japoneses estadounidenses que estaban siendo detenidos. Sus fotografías mostraban la injusticia y la humillación que sufrían los detenidos.

Sin embargo, el trabajo de Lange fue censurado por el gobierno estadounidense, que consideraba que sus fotografías eran demasiado críticas con la política de reubicación. La mayoría de sus fotografías fueron confiscadas y no se publicaron hasta décadas después.

Me parece que vivir en esta era , en la que tenemos tantas posibilidades de investigar podemos crear nuevas conclusiones sobre la historia.

Podemos unir otras piezas del rompecabezas y mirar desde muchas perspectivas como se construye la historia de los pueblos.

Entender que hay Grupos que tienen poder y que ejercen ese poder sobre estratos de la población de manera desmedida.

Está obra nos lleva a repensar sobre la historia, sobre lo que se "sabe", es una obra de resistencia por lo que dice y porque fue ejecutada por una mujer en una época en la que otros eran los permisos para el género femenino

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De La Cárcova, Ernesto, "Sin pan y sin trabajo", 1894. Óleo sobre tela, 125,5 cm x 216 Colección del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)          

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Sin pan y sin trabajo se expuso en el Salón del Ateneo de noviembre de 1894, cuando la crisis económica y política del noventa ya se había mitigado. De la Cárcova, afiliado al Centro Obrero Socialista, antecesor del Partido Socialista, recibe el primer elogio en la prensa por parte de un camarada intelectual: Roberto J. Payró comprende que lo representado es el estado de la conciencia de la clase: “Pero él no sabe todavía. Se enfurece ante el efecto y no se da cuenta de la causa. Mañana, cuando la conozca, se hará un anarquista, y se vengará de sus furores injustos contra los compañeros de sufrimiento, con otros furores, mortíferos, que lo llevarán quién sabe a qué extremidades nefastas”. (La Nación, 3 de noviembre de 1894).

Elegí esta obra porque tiene un extraordinario poder de transmisión emocional. El gesto del hombre, con el puño cerrado y la espalda encorvada, muestra toda su impotencia cuando observa por la ventana el enfrentamiento entre obreros de la fábrica cerrada y policías a caballo. Sobre la mesa están sus herramientas, que ya no le sirven, como símbolo de su falta de trabajo. La mujer, con el bebé en brazos, representa la pobreza y la dureza de la vida urbana. En una sola escena, la pintura logra unir dos temas muy presentes en el realismo del siglo XIX: la lucha obrera y la miseria social.

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El jardín de las delicias es el nombre contemporáneo con el que se conoce a una de las obras más conocidas del pintor neerlandés Jheronimus Bosch, más conocido en español como El Bosco.

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se creó entre 1490 1510 siendo una obra que representa una compleja composición y simbolismo. Permaneció durante toda su vida en su pueblo natal, venia de una familia de pintores, su

abuelo y su padre eran artistas y aprendió el oficio en

el taller de la familia. Pudo trabajar

tranquilamente gracias a su esposa, esta era de familia rica y le dio todos los medios al

Bosco para trabajar de artista, pintando cuadros siempre pedidos por diferentes Iglesias o

reyes.

El Jardín de las delicias es. posiblemente. el cuadro más importante y famoso del Bosco. Se

e denomina como un tríptico. pintado al óleo sobre madera de roble, se sospecha qué se

hizo durante los años l490 a 1500. Cuando el tríptico esta cerrado. se contemplan dos

paneles, que. sugieren representar el tercer día de la creación, descrito en el Genesis de la

Biblia. Se vislumbra un mundo primigenio, oscuro y todavía un poco revuelto,

posiblemente por la falta de certeza de la época se creía que en el centro de la tierra había

agua y que la tierra era redonda. sın embargo. está es sólo una especulación pues desde la

antigua Grecia se sabe sobre la redondez de la tierra y hasta existieron experimento para

medir su extensión.

Cuando el tríptico se abre. se pueden apreciar tres paneles. el primero, representa el paraíso,

el segundo. representa el mundo terrenal y el tercero. representa el infierno. Cada uno de

ellos mantiene cierta fidelidad con los relatos bíblicos y religiosos. Su

Lemalica busca set

Moralizante y despertar Luna reflexión en espectador. también Cuenta con varias analogías.

Elegí la obra mas que nada por la temática de la que habla siempre fui curioso sobre esos temas y la verdad en pintor hizo como una representación muy buena del Genesis y se basaba muy bien con respecto a lo que decía la Biblia, la variaciones de color también esta bien el difumino y los contraste que el autor puso están bien complementados, en como pinto los demonios y el infierno es como una representación imaginativa pero como que te atrae mucho ver el lado de como ve los demonios los demás, este artista replico bien Genesis.