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Artículo de Luis Cernuda, publicado en México en 1959 donde hace una revisión de su producción poética en relación a su vida.

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Historial de un libro. Artículo de Luis Cernuda sobre su vida y obra

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Preparación PBAU Lengua Castellana y Literatura

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Ignacio Orellano

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COMENTARIO DEL POEMA "GÓNGORA" DE CERNUDA

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"Góngora", escrito del 6 al 9 de septiembre de 1941, es uno de los poemas más significativos del libro Como quien espera el al...

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Universidad de Murcia

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7.1. VIGENCIA DE LA REALIDAD Y EL DESEO DE LUIS CERNUDA EN LAS AULAS DE LA FACULTAD DE LETRAS DE LA UNIVERSIDAD DE MURCIA. ANTOLOGÍA DE TEXTOS
Presentación Francisco Vicente Gómez

Los textos de La realidad y el deseo de Luis Cernuda que a continuación se presentan acompañados de una breve glosa han sido el fruto de un ejercicio crítico de recepción que han realizado alumnos de Filología de laFacultad de Letras de la Universidad de Murcia.

Con esta 'antología' hemos querido ofrecer un testimonio singular de la vigencia de Luis Cernuda y de uno de los libros cumbre de la poesía española del siglo XX; y hacerlo desde un ámbito de lectura muy relevante para la presencia continuada de un poeta y de su obra, como es el de las aulas universitarias.

A mí como profesor que ha coordinado esta 'lectura' de La realidad y el deseo de Luis Cernuda me queda agradecer a todos en general y, en particular, a cada uno de los alumnos que han participado su entrega entusiasta y su vocación lectora. Era nuestro deseo homenajear al poeta leyendo su poesía y ofreciendo algunas razones. La selección de poemas y el breve comentario que acompaña a cada uno dejan constancia crítica de ello.

PRIMERAS POESÍAS

XVII "No es el aire puntual"

No es el aire puntual

el que tiende esa sonrisa,

en donde la luz se irisa

tornasol, sino el cristal;

que de tan puro, imparcial,

su materia transparente

hurta a los ojos, ausente

con imposible confín,

porque su presencia en fin

tan sólo el labio la siente.

"Todo depende del cristal con que se mira". Este refrán nos introduce en el énfasis que el poema hace de la importancia del cristal, en los reflejos que dibuja la luz. Pero no quiere solamente hacer una apología del cristal en sí, sino de aquello que representa y sobre lo que a continuación hablaremos.

La belleza se manifiesta de muy distintos modos y no sólo de forma sensible. A menudo la percepción que tenemos de los acontecimientos está sesgada y no nos damos cuenta de cuál es el verdadero foco que emana las sensaciones que captamos. Numerosos prejuicios y tradiciones nos hacen observar las cosas desde un punto de vista predeterminado que relega a un segundo plano elementos que en realidad son principales.

Esto es lo que yo leo en esta composición de Cernuda que enfatiza la importancia del cristal, elemento que el ojo obvia pero con el que el labio se une en táctil simbiosis.

Basilio Pujante Cascales

(Segundo Curso de Filología Hispánica)

Sólo la rosa asume

una presencia pura

irguiéndose en larama tan altiva,

o equívoca se sume

entre la fronda oscura,

adolescente, esbelta, fugitiva.

Y la rama no esquiva

lagloria que la viste

aunque el peso la enoja;

Ninguna flor deshoja,

sino ligera, lánguida resiste,

con airoso desmayo,

los dones que la brinda el nuevo mayo.

Si la brisa estremece

en una misma onda

el abandono de los tallos finos,

ágil tropel parece

tanta rosa en la fronda

de cuerpos fabulosos y divinos;

Rosados torbellinos

de ninfas verdaderas

en fuga hacia el boscaje.

Aún trémulo el ramaje,

entre sus vueltas luce, prisioneras

de resistente trama,

las que impidió volar con tanta rama .

Como visión general del poema , ya el título nos informa de manera clara el tema que nos vamos a encontrar, efectivamente, la gran protagonista es la Naturaleza, reflejada en una rosa, una rama, el agua, el viento.., etc, y aderezado con alusiones mitológicas: torbellinos de ninfas verdaderas; digno de dioses. Sin embargo, el idílico paraje, es calificado de "frágil", ya que este bucólico mundo desaparece con el fin de la Primavera, cubriéndose todo de sombras y silencios. Llegados a este punto, podríamos ver por analogía, al propio poeta, quien de alguna manera parece contagiarse de la tristeza y plenitud de la Naturaleza.

En cuanto a una visión más particular, diré, que la razón por la que elegí este poema fue porque de algún modo, sirvió para evadirme y viajara "esa morada celeste", alejada de la mano del hombre , en dondeparece queel tiempo sedetiene para contemplar la belleza y fragilidad de una simplerosa.

Inmaculada Vigueras Ruiz

(Segundo Curso de Filología Hispánica)

RAZÓN DE LAS LÁGRIMAS

La noche por ser triste carece de fronteras.
Su sombra en rebelión como la espuma,
rompe los muros débiles
avergonzados de blancura;
noche que no puede ser otra cosa sino noche.

Acaso los amantes acuchillan estrellas,
acaso la aventura apague una tristeza.
Mas tú, noche, impulsada por deseos
hasta la palidez del agua,
aguardas siempre en pie quién sabe a cuáles ruiseñores.

Más allá se estremecen los abismos
poblados de serpientes entre pluma,
cabecera de enfermos
no mirando otra cosa que la noche
mientras cierran el aire entre los labios.

La noche, la noche deslumbrante,
que junto a las esquinas retuerce sus caderas,
aguardando, quién sabe,
como yo, como todos.

El inicio de este poema es un anticipo a la vez que una síntesis: " La noche por ser triste carece de fronteras". Me parece un verso que rebosa belleza en su desolación, pues la noche es la parte más solitaria del día, la que más llena está de desamparo y, por ello, de lágrimas. La razón a la que se refiere el título, parece ser la terrible soledad de la noche, "impulsada por deseos", que como tales, son inconfesables. A la vez, la noche es el ambiente ideal para los amantes y, por ese motivo, es triste, ya que recuerda al rechazado, su abandono.Además, las noches solitarias tienden a ser escenario de reflexiones íntimas, de encuentro con uno mismo. Creo que es un poema triste porque, a pesar de que la noche no tiene fronteras y de que está llena de posiblidades, los "abismos", "serpientes" y "enfermos", resaltan lo terrible de la oscuridad externa que se va apoderando de los seres humanos. Y conforme se adentra en el ser, se alza en un deseo oscuro, en una inconfesable espera ( "aguardando quién sabe, / como yo, como todos").

Irene Lorca Jiménez

(Segundo Curso deFilología Hispánica)

LOS PLACERES PROHIBIDOS(1931)

SI EL HOMBRE PUDIERA DECIR

Si el hombre pudiera decir lo que ama,

Si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo

Como una nube en la luz;

Si como muros que se derrumban,

Para saludar la verdad erguida en medio,

Pudiera derrumbar su cuerpo, dejando sólo la verdad

La verdad de sí mismo,

Que no se llama gloria, fortuna o ambición,

Sino amor o deseo,

Yo sería aquel que imaginaba;

Aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos

Proclama ante los hombres la verdad ignorada,

La verdad de su amor verdadero.

Libertad no conozco sino la libertad de estar preso

Cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío;

Alguien por quien me olvido de esta existencia

Por quien el día y la noche son para mí lo que

Y mi cuerpo y espíritu flotan en su cuerpo y espíritu

Como leños perdidos que el mar anega o levanta

Libremente, con la libertad del amor,

La única libertad que me exalta,

La única libertad porque muero.

Tú justificas mi existencia:

Si no te conozco, no h e vivido;

Si muero sin conocerte, no muero, porque no he vidido.
GLOSA
Destaco este poema porque consigue con enorme sinceridad emotiva, hacer de una experiencia dramática real un motivo poético de dimensiones reivindicativas y universales. Todo ello se expresa a través del empleo de una serie de oraciones condicionales que constituyen la primera parte del poema y de las que es sujeto "el hombre", término con el que podemos englobar a todos los seres humanos.

De este planteamiento general se pasa (como un movimiento lógico de la conciencia) a la particularidad de los sentimientos del poeta, expresados en primera persona en la apódosis de la oración condicional Yo sería aquel que imaginaba. Tono con el que continuará hasta la última estrofa en la que en la exaltación progresiva de su rabia y su esperanza se dirige a un 'tú' al que hiperbólicamente expresa su devoción.

Básicamente, en la primera parte del poema se transmite el ardiente deseo de expresar su amor que no es sino él mismo porque La verdad de sí mismo se llama amor. Esos muros erguidos que son los que hacen prohibidos a los placeres, son una constante de opresión para el sentir libre del poeta. Si todo aquello fuera posible "su lengua, sus ojos, sus manos" harían gala de la verdad ignorada.

En la segunda parte del poema se introduce la figura del ser amado desarrollando con gran belleza el tema de la libertad que sólo es tal en la prisión del amor. Ese alguien que asoma tímidamente hace libre al poeta, pero contrariamente los muros hacen de esa libertad necesidad de silencia, de ahí surge el odio y el rechazo del poeta: existencia mezquina que no puede expresar su idilio. La combinación de lo sensual y lo espiritual que se viene desarrollando viene a concluir en sentimientos dispares y contrarios que es para el poeta el amor: día/noche; cuerpo/espíritu; anega/levanta; exalta/muero.

Finalmente la última estrofa en forma de silogismo viene a resumir lo expuesto con anterioridad, el amor, materializado en un 'tú' es la razón de sentir y del existir del poeta.

Laura Cascales

(Segundo Curso de Filología Hispánica)

DONDE HABITE EL OLVIDO(1932-1933)

MI ARCÁNGEL

No solicito ya ese favor celeste, tu presencia;

como incesante filo contra el pecho,

como el recuerdo, como el llanto,

como la vida misma vas conmigo.

Tú fluyes en mis venas, respiras en mis labios,

te siento en mi dolor;

bien vivo estás en mí, vives en mi amor mismo,

pesa la luz, la soledad.

Vuelto en el lecho, como niño sin nadie frente al muro,

contra mi cuerpo creo,

no marchas ni te dejas, pero estás conmigo.

Estás conmigo como están mis ojos en el mundo,

dueños de todo por cualquier instante,

mas igual que ellos, al hacer la sombra, luego vuelvo,

mendigo a quien despojan de su misma pobreza,

al yerto infierno de donde he surgido.
GLOSA
Igual que el amor termina un día, así terminamos nosotros mismos: aniquilados porque no somos nada sin amor, ya que el hombre de alguna manera necesita compartir su soledad, esa perpetua necesidad de ser amado, ese andar sólo con su armadura por el mundo, con "su frío".

Una vez que el amor se ha ido, que nuestra vida no está colmada de su presencia, una vez que se ha aceptado la pérdida, seguimos respirando del recuerdo de ese ser que, perenne fotocopia, nos acompaña en su silencio. Un silencio cruel, ruidosa hacha de sombra, dolor incesante que ya se ha convertido en parte indivisible de nuestro ser.

No queremos que vuelva, ya no imploramos a su ausencia porque estamos colmados de amor, del recuerdo, del recuerdo de nuestro amor. Se acabó el verdugo en nuestra vida, pero lo seguimos amando.Sólo queda la niebla, ente mágico con sus ojos, con sus labios, sonriente y complaciente pero mudo, espejismo, sueño... Y ahí, en el sueño, podemos ser uno del otro de nuevo, y ahí, no nos duele, no nos hace daño, "ni se marcha, ni nos deja".

Más cuando se despierta, nos sentimos como la nada cuando se queda sin nada, y volvemos cabizbajos, eternos muertos a nuestro propio infierno.

Isabel González Arenas

(Segundo curso de Filología Hispánica)

EL SOLILOQUIO DEL FARERO

Por ti me encuentro ahora el eco de la antigua persona

que yo mismo manché con aquellas juveniles traiciones;

por ti me encuentro ahora, constelados hallazgos,

limpios de otro deseo,

el sol, mi dios, la noche rumorosa,

la lluvia, intimidad de siempre,

el bosque y su alentar pagano,

el mar, el mar como su nombre hermoso;

y sobre todos ellos,

cuerpo oscuro y esbelto,

te encuentro a ti, tú, soledad tan mía,

y tú me das fuerza y debilidad

como al ave cansada los brazos de la piedra.

Acodado al balcón miro insaciable el oleaje,

oigo sus oscuras imprecaciones,

contemplo sus blancas caricias;

y erguido desde cuna vigilante

soy en la noche un diamante que gira advirtiendo a los

por quienes vivo, aun cuando no los vea;

y así, lejos de ellos,

ya olvidados sus nombres, los amo en muchedumbres,

roncas y violentas como el mar, mi morada,

puras ante la espera de una revolución ardiente

o rendidas y dóciles, como el mar sabe serlo

cuando toca la hora de reposo que su fuerza conquista.
GLOSA
He elegido este triste poema porque en él se refleja la soledad que tantas veces atañe al ser humano y cómo éste lucha e intenta alejarse de ella aunque no se ignore que sigue presente, sin embargo otras veces la buscamos incesantemente para alejarnos de una situación que no nos gusta y nos aislamos para crear un muro de protección que nos evite el daño.

En esa soledad el farero vela por la seguridad de los navegantes, éstos esperan que una luz les guíe por buen camino ignorando tal vez que allí hay un hombre solitario que no les deja naufragar.

Esa soledad a la que tanto temo, a la que quisiera no conocer como lo hacen las generaciones de los Buendía en "Cien años de soledad", al sentir que estás rodeado de gente pero que en verdad sólo te acompaña tu propio destino.

Adoración Fernández Martínez

(Segundo Curso de Filología Hispánica)

Por el campo tranquilo de septiembre,

Del álamo amarillo alguna hoja,

Como una estrella rota,

Girando al suelo viene.

Si así el alma inconsciente,

Señor de las estrellas y las hojas,

Fuese, encendida sombra,

De la vida a la muerte.
GLOSA
He elegido este poema por su capacidad para expresar el sentimiento, cargado de sereno patetismo que invade al poeta, a través de una estructura tan breve y de considerable perfección formal. Si los cuatro primeros versos constituyen la hermosa visión de un simple paisaje otoñal, en los cuatro siguientes esta visión se convierte en el eje que vertebra el libro: la lucha entre la realidad y el deseo, que en este caso se resuelve en una petición desesperanzada, con tintes de melancólico reproche al Creador. Y el deseo del poeta no puede ser de una sinceridad más desgarradora: desde el dolor anhela que su alma, encendida sombra, vida y muerte entrelazadas, sea inconsciente, incapaz de sufrir, y por lo tanto pase de la vida a la muerte en un recorrido tan liviano como el de la hoja al caer.

Enriqueta Pacheco Poveda

(Primer Curso de Filología Hispánica)

TIERRA NATIVA

Es la luz misma, la que abrió mis ojos

Toda ligera y tibia como un sueño,

Sosegada en colores delicados

Sobre las formas puras de las cosas.

El encanto de aquella tierra llana,

Extendida como una mano abierta,

Adonde el limonero encima de la fuente

Suspendía su fruto entre el ramaje.

El muro viejo en cuya barda abría

A la tarde su flor la enredadera,

Y al cual la golondrina en el verano

Tornaba siempre hacia su antiguo nido.

El susurro del agua alimentando,

Con su música insomne en el silencio,

Los sueños que la vida aún no corrompe,

El futuro que espera como página blanca.

Todo vuelve otra vez vivo a la mente,

Irreparable ya con el andar del tiempo,

Y su recuerdo ahora me traspasa

El pecho tal puñal fino y seguro.

Raíz del tronco verde, ¿quién la arranca?

Aquel amor primero, ¿quién lo vence?

Tu sueño y tu recuerdo, ¿quién lo olvida,

Tierra nativa, más mía cuanto más lejana?
GLOSA
Los recuerdos de su tierra nativa llegan al poeta desde el pasado, parece como si llegaran para hacerse con su mente en un presente ya lejano de aquella tierra, de aquel muro viejo y de aquella agua pura, como lo era todo en aquel entonces.

Son los cuatro últimos versos por lo que me parece muy hermoso. En ellos se recoge toda la significación del poema: el sujeto lírico está arraigado a su pasado, a la tierra que lo vio nacer, y ese cordón nadie lo puede cortar; esa tierra fue testigo de sus primeros deseos, de sus primeros

amores, de un futuro que aún estaba por escribirse; y esos recuerdos siempre están ahí, imposibles de vencer. Y más la añora cuanto más recuerda la pureza de esos días, tan lejanos y distantes de los de ahora, pero a la vez el yo lírico es consciente de que esa tierra y esos recuerdos ya le son extranjeros: irreparable ya con el andar del tiempo.

Marien San Nicolás Fernández

(Primer Curso de Filología Hispánica)

La edad tienes ahora que él entonces,

Cuando en el tiempo de la siembra y la danza,

Hijos de anhelo moceril que se despierta,

Aquellos versos fueron a sus manos

Para mostrar y hallar signo de vida.

Mucho nos dicen, desde el pasado, voces

Ilustres, ascendientes de la palabra nuestra,

Y las de lenguas extrañas, cuyo acento

Experiencia distinta nos revela. Mas las cosas,

El fuego, el mar, los árboles, los astros,

Nuevas siempre aparecen.

Nuevas y arcanas, hasta que al fin traslucen

Un día en la expresión de aquel poeta

Vivo de nuestra lengua, en el contemporáneo

Que infunde por nosotros,

Con su obra, la fe, la certidumbre

Maga de nuestro mundo visible e invisible.

Con reverencia y con amor así aprendiste,

Aunque en torno los hombres no curen de la imagen

Misteriosa y divina de las cosas,

De él, a mirar quieto, como

Espejo, sin el cual la creación sería

Ciega, hasta hallar su mirada en el poeta.

Aquel tiempo pasó, o tú pasaste,

Agitando una estela temporal ilusoria,

Adonde estaba él, cuando tenía

La misma edad que hoy tienes:

Lo que su fe sabía y la tuya buscaba,

Ahora has encontrado.

Agradécelo pues, que una palabra

Amiga mucho vale

En nuestra soledad, en nuestro breve espacio

De vivos, y nadie sino tú puede decirle,

A aquél que te enseñara adónde y cómo crece:

Gracias por la rosa del mundo.

Para el poeta hallarla es lo bastante,

E inútil el renombre u olvido de su obra,

Cuando en ella un momento se unifican,

Tal uno son amante, amor y amado,

Los tres complementarios luego y antes dispersos:

El deseo, la rosa y la mirada.

En este poema se expone toda una teoría poética y se señala el punto en que culmina la vida del poeta.

Ya al comienzo se dice que el poema vive en el preciso instante en que es leído por otro: " aquellos versos fueron a sus manos / para mostrar y hallar signo de vida", y esto tiene lugar en el momento en que " el anhelo moceril" se despierta. Llega, pues, EL DESEO.

Tras él, se hace referencia a los poetas del pasado, esas " voces ilustres", a las cosas que se muestran " nuevas y arcanas", siempre las mismas y siempre diferentes, y al poeta que ahora, con su obra, nos revela " nuestro mundo visible e invisible": el mundo visible que aparece ante todos y el otro mundo, esa realidad invisible para la mayoría que sólo se aparece ante los ojos del poeta, ojos con los que el poeta mira " como / espejo, sin el cual la creación sería / ciega". Al deseo se suma, así, LA MIRADA.

Y teniendo el deseo y la mirada, ¿qué le falta al poeta? ¿Qué puede buscar entonces? El poeta lo sabe: LA ROSA, por supuesto. Teniéndola, ¿qué puede importarle la fama o el fracaso, la gloria o la ruina? Si en ese instante es cuando se unifican los tres elementos esenciales que circulan por las arterias de su vida y de su obra: son uno amante, amor y amado: "el deseo, la rosa y la mirada".

José Eduardo Morales Moreno

(Primer Curso de Filología Hispánica)

SOMBRA DE MÍ

Bien sé yo que esta imagen

Fija siempre en la mente

No eres tú, sino sombra

Antes que el tiempo acabe.

Mi amor así visible me pareces,

Por mí dotado de esa gracia misma

Que me hace sufrir, llorar, desesperarme

De todo a veces, mientras otras

Me levanta hasta el cielo en nuestra vida,

Sintiendo las dulzuras que se guardan

Sólo a los elegidos tras el mundo.

Y aunque conozco eso, luego pienso

Pretexto que me diste,

Mi amor, que afuera está con su ternura,

Allá dentro de mí hoy seguiría

Dormido todavía y a la espera

De alguien que, a su llamada,

Le hiciera al fin latir gozosamente.

Entonces te doy gracias y te digo:

Para esto vine al mundo, y a esperarte;

Para vivir por ti, como tú vives

Por mí, aunque no lo sepas,

Por este amor tan hondo que te tengo.
GLOSA
En "Sombra de mí" se reitera la manera de amar de Cernuda; el amor para él no son afectos mutuos que fluyen en círculo sino un amor que sólo puede manar en una dirección, desde el poeta hacia el objeto amado, y es que Cernuda poeta crea al ser que ama, lo vitaliza con su deseo poético, lo entristece con su tristeza y embellece con su poesía. En el último verso de "De dónde vienes" leemos: "Un puro conocer te dio la vida" y es que como ya dice Carlos Ruiz Silva "El amado existe porque el amante lo crea, le insufla vida, él, el poeta ejecuta el papel de Dios." Introducir al amado n su poesía, es la única vía para poseerlo totalmente, pues el amor no sólo es finito, sino incomprensible y demasiado elevado para otra forma que no sea la creación lírica.

Se admite la existencia de una imagen del amado que y escribe Cernuda: "no eres tú, sino sombra del amor que en mí existe". El poeta ha creado a su amado de tanto pensarlo, su amor no es con el hombre real, sino con la ilusión con la que fantasea, que es perfecto y sólo limitado por la desesperanza del propio creador. Vemos también aquí obsesión por el tiempo de Cernuda, causa quizá de sólo amar a los cuerpos jóvenes, a adolescentes rubios y jóvenes marinos que no señalan el paso de las horas en la piel, que no le recuerdan su propia vejez que se acerca; y es que todo, parece tener las horas contadas.

La perfección amorosa puede darse tan sólo cuando él mismo lo crea pues encaja con sus necesidades de seguridad, de deseo, de amparo y hasta de sufrimiento. "Mi amor así visible me pareces, por mí dotado de esa gracia misma que me hace sufrir, llorar, desesperarme de todo a veces". Pero es a la vez ese amor creado por él lo único que puede regalarle la felicidad: "me levanta hasta el cielo en nuestra vida, sintiendo las dulzuras que se guardan sólo a los elegidos tras el mundo." Y dice "sólo a los elegidos tras el mundo" porque reconoce que la felicidad no nos pertenece en vida. Esa continua desesperación por saber que nunca será feliz, le persigue en toda su poesía. El joven Salvadorle da la excusa perfecta para volver amar: "sin ti, sin el raro pretexto que me diste, mi amor, que afuera está con su ternura". Y fijaos que dice: "mi amor, que afuera", ese amor es necesario buscarlo, está más allá de toda realidad, es un ente incorpóreo como todo amor pero más lejos aún porque es creación poética, sombra de amor, no amor mismo. Aunque, ¿quién puede definir el amor para comprobar así la certeza del mismo?

En "Sombra de mí" de no ser por Salvador "seguiría dormido todavía y a la espera de alguien que, a su llamada, le hiciera al fin latir gozosamente". Vemos que el amor acude a su llamamiento, a su creación y que de no ser Salvador podría haber sido otro, hecho que se contradice en la siguiente y última estrofa donde dice: "Para esto vine al mundo, y a esperarte; para vivir por ti, como tú vives por mí, aunque no lo sepas". Salvador vive para él si saberlo no en la realidad sino en la sombra de él, Cernuda se lo imagina desviviéndose por él, amándolo profundamente pero sólo es una sombra (no sabemos si también lo fue en realidad). Le da las gracias a la sombra que hace del amor, y finaliza con una estrofa que lo proclama como única causa de su ser; ("Para esto vine al mundo" dice) ¿Cómo podemos criticar un amor de sombra, si Cernuda aun sabiendo que era su propia creación lo amaba como real? Amamos nuestras creaciones porque son prolongaciones de uno mismo, son las que más nos conocen. Ya dijo Huidobro: "Cuanto miren los ojos creado sea". Y es que todo amor sentido como verdadero, siendo como todo amor es luz y sombra, nos aferra a la vida: "Pero te quiero. Me colgué a esas tres palabras para no morir." Dice Poldy Bird. ¿Cómo denunciar a un amor en sombra si el lo único que nos salva?

Gil de Gea Quirós, Marta

(Primer Curso de Filología Hispánica)

DESOLACIÓN DE LA QUIMERA (1956-1962)

PREGUNTA VIEJA, VIEJA RESPUESTA

¿Adónde va el amor cuando se olvida?

No aquel a quien hicieras la pregunta

es quien hoy te responde.

Es otro, al que unos años más de vida

le dieron la ocasión, que no tuviste,

de hallar una respuesta.

Los juguetes del niño que ya es hombre,

¿adónde fueron, di? Tú lo sabías,

bien pudiste saberlo.

Nada queda de ellos: sus ruinas

informes e incoloras, entre el polvo,

el tiempo se ha llevado.

El hombre que envejece, halla en su mente,

en su deseo, vacíos, sin encanto,

dónde van los amores.

Mas si muere el amor, no queda libre

el hombre del amor:queda su sombra,

queda en pie la lujuria.

¿Adónde va el amor cuando se olvida?

No aquel a quien hicieras la pregunta

es quien hoy te responde.

El paso del tiempo ejerce en las personas una influencia muy fuerte de la que a menudo no nos damos cuenta. La memoria es un cajón de sastre donde van apareciendo retales del pasado; un pasado que nos parece casi siempre muy lejano y sobre el que nos preguntamos en qué se habrá convertido.

El amor es uno de los aspectos de la vida del hombre que más sufre el paso de los años. Dicen que el amor es eterno, y que si no lo es no es amor; pero yo creo que el amor, como tantos otros sentimientos, cambia y sufre las consecuencias del discurrir de las horas.

Es cierto que existen y existirán personas que se aman toda la vida, pero incluso para ellas ese sentimiento no es imperecedero y varía día a día. La razón de ese cambio se encuentra en la misma esencia del ser humano, animal de gusto y comportamiento terriblemente variable.

Este poema está escrito por una persona madura, que ha vivido mucho y al que la experiencia le ha enseñado que el amor cambia tanto como las personas a las que amamos, como nosotros mismos.

Basilio Pujante Cascales

(Segundo Curso de Filología Hispánica)

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7.1. VIGENCIA DE LA REALIDAD Y EL DESEO DE LUIS CERNUDA EN LAS AULAS DE LA FACULTAD DE LETRAS DE LA UNIVERSIDAD DE MURCIA.

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La noche a la ventana.

Cinco cuartetas heptasílabas dan forma a este poema cuyo tema es de nuevo la contemplación de la noche por parte del poeta. La rima arromanzada en los versos pares cambia en cada cuarteta, siendo en "i-o" en la primera, "u-a" en la segunda, "e-a" en la tercera, "a-a" en la cuarta y "e-o" en la última. Desde el punto de vista métrico, no hay ningún elemento destacable en ninguno de los versos.

La primera cuarteta determina el ámbito y el tono del poema; ha llegado la noche, la luz ha desaparecido, y con ella la dicha ha desaparecido, "guardada [...] / en el aire vacío", es decir, un aire sin fruto, estéril, que no puede generar ese deseo. El poeta se dirige entonces al amanecer que está por venir ("alba futura"), del que espera el cumplimento de su anhelo y al que le pide que no lo deje ahogarse entre las plumas del sueño (recordemos el poema IV, donde se describía la almohada como "alas de pluma" que hundían al poeta en el sueño; Cernuda se vale de una imagen muy parecida para describir ese tránsito).

La tercera cuarteta, como es habitual por su posición central, introduce un cambio con respecto a los versos anteriores. El deseo se ha marchado "por la noche entreabierta", adjetivo que caracteriza de forma muy acertada las posibilidades que el escenario nocturno presenta: la noche podría servir como entorno para el cumplimiento del deseo, pero la ausencia de otro cuerpo impide su realización. El poeta se encuentra solo en la habitación, y únicamente le queda el recurso de mirar su propio cuerpo, que descansa "en límpido reposo". Se trata de una contemplación pura, sin mancha, y que trae ecos de la imagen de Narciso que hemos señalado en poemas anteriores.

La esperanza no desaparece a pesar de las escasas expectativas; aunque aumente la oscuridad de la noche ("sus sombras y su calma") por la mañana "a su rosal la rosa / volverá": el símbolo de ese deseo, ese afán del poeta, reaparecerá con el amanecer. Esa posibilidad futura lo tranquiliza y permite que poco a poco se vaya durmiendo ("Y una vaga promesa / acunando va el cuerpo"), consciente de que en la noche no conseguirá el cumplimiento de ese deseo ("en vano dichas busca / por el aire el deseo").

El poema describe los sentimientos juveniles que provoca el deseo insatisfecho y la esperanza puesta en su futura realización con la llegada del nuevo día.

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La noche a la ventana. Cinco cuartetas heptasílabas dan forma a este poema cuyo tema es de nuevo la contemplación de la noche por parte del poeta. La rima arromanzada en los versos pares cambia en cada cuarteta, siendo en "i-o" en la primera, "u-a" en la segunda, "e-a" en la tercera, "a-a" en la cuarta y "e-o" en la última.

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COMENTARIO POEMA "Telarañas cuelgan de la razon"

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COMENTARIO POEMA "Telarañas cuelgan de la razon"

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Pedro Casas Serra

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...... Telarañas cuelgan de la razón
...... en un paisaje de ceniza absorta;
...... ha pasado el huracán del amor,
...... ya ningún pájaro queda.

05 .. Tampoco ninguna hoja,
...... todas van lejos, como gotas de agua
...... de un mar cuando se seca,
...... cuando no hay ya lágrimas bastantes,
...... porque alguien, cruel como un día de sol en primavera,
10 .. con su sola presencia ha dividido en dos un cuerpo.

...... Ahora hace falta recoger los trozos de prudencia,
...... aunque siempre nos falte alguno;
...... recoger la vida vacía
...... y caminar esperando que lentamente se llene,
15 .. si es posible, otra vez, como antes,
...... de sueños desconocidos y deseos invisibles.

...... Tú nada sabes de ello,
...... tú estás allá, cruel como el día;
...... el día, esa luz que abraza estrechamente un triste muro,
20 .. un muro, ¿no comprendes?,
...... un muro frente al cuál estoy sólo. Luis Cernuda

Se indica en cada verso su número de sílabas, se separan, se ponen en mayúsculas las sílabas donde recaen los acentos versales, se subrayan las sinalefas, se indica el tipo de verso y la situación de sus acentos:

11 Te-la-RA-ñas- CUEL-gan- de- la- ra-ZÓN (impropio: 3-5-10)
11 en- un- pai-SA-je- de- ce-NI- za ab-SOR-ta; (sáfico: 4-8-10)
11 ha- pa-SA- do el- hu-ra-CÁN- del- a-MOR, (impropio: 3-7-10)
08 ya- nin-gún- PÁ-ja-ro- QUE-da. (octosílabo: 4-7)

08 Tam-PO-co- nin-gu-na- HO-ja, (octosílabo: 2-7)
12 TO-das- van- LE-jos, / co-mo- GO-tas- de- A-gua (pentasílabo:1-4+heptasílabo: 3-6)
07 de un- MAR- cuan-do- se- SE-ca, (heptasílabo: 2-6)
11 cuan-do- no- HAY- ya- LÁ-gri-mas- bas-TAN-tes, (yámbico: 4-6-10)
18 por-que- AL-guien, cru-EL / co- mo un- DÍ-a- de- SOL- en- pri-ma-VE-ra, (heptasílabo: 3-6+yámbico: 4-6-10)
17 con- su- SO-la- pre-SEN-cia / ha- di-vi-DI- do en- DOS / un- CUER-po. (alejandrino:3-6/3-6+trisílabo:2)

18 Ah-O-ra- ha-ce- FAL-ta re-co-GER / los- TRO-zos- de- pru-DEN-cia, (heroico:2-6-10+heptasílabo:2-6)
09 aun-que- SIEM-pre- nos- FAL- te al-GU-no; (eneasílabo: 3-5-8)
09 re-co-GER- la- VI-da- va-CÍ-a (eneasílabo: 3-5-8)
16 y- ca-mi-NAR- es-pe-RAN-do / que- len-ta-MEN-te- se- LLE-ne, (octosílabo:4-7+octosílabo:4-7)
09 si es- po-SI-ble, / o-tra- VEZ, / co-mo- AN-tes, (tetrásilabo:3+tetrasílabo:3+tetrasílabo:3)
16 de- SUE-ños- des-co-no-CI-dos / y- de-SE-os- in-vi-SI-bles. octosílabo:2-7+octosilabo:3-7)

08 TÚ- na-da- SA-bes- de- E-llo, (heptasílabo:1-4-7)
12 TÚ- es-tás- a-LLÁ, / cru-EL- co- mo el- DÍ-a; (hexasílabo: 1-5+hexasílabo:2-5)
18 el- DÍ-a, E-sa- LUZ que a-BRA-za / es-tre-cha-MEN- te un- TRIS-te- MU-ro, (eneasílabo: 2-4-6-8+eneasílabo:4-6-8)
07 un- MU-ro,- ¿no- com-PREN-des?, (heptasílabo: 2-6)
10 un- MU-ro- fren- te al- CUÁL- es-toy- SÓ-lo. (decasílabo: 2-6-9)

Poema de veintiún versos en cuatro estrofas de 4, 6, 6 y 5 versos.

Metro: Variado: desde 7 hasta 18 sílabas. Nueve (de los veintiún versos) están compuestos por la suma de otros versos menores: verso 6 (pentasílabo más heptasílabo), 9 (heptasílabo más endecasílabo yámbico), 10 (alejandrino más trisílabo), 11 (endecasílabo heroico más heptasílabo),14 (octosílabo más octosílabo),15 (terasílabo más tetrasílabo más tetrasílabo),16 (octosílabo más octosílabo),18 (hexasílabo más hexasílabo) y 19 (eneasílabo más eneasílabo).

Rima: En principio sin rima, entendida de la forma clásica. Pero con rimas consonantes finales en ántes (verso 8 "bastantes) y verso 15 "antes") y en ía (verso 13 "vacía" y 18 "día"; con rimas asonantes finales bastantes próximas en o/o (verso 1 "razón" y verso 3 "amor") , o/a (verso 2 "absorta" y verso 5 "hoja"), y e/a (verso 7 "queda", verso 9 "primavera" y verso 11 "prudencia"); y con rimas asonantes internas en a/o (verso 3 "amor" y verso 4 "pájaro"), o/a (verso 5 "hoja" y verso 6 "todas"), e/a (verso 9 "primavera" y verso 10 "presencia", o/o (verso 9 "sol" y verso 10 "dos", e/o (verso 16 "sueños" y "deseos" y verso 17 "ello"), a/a (verso 18 "estás allá", u/u (versos 17 y 18 "tú"), i/a (versos 18 y 19 "día") y u/o (versos 19, 20 y 21 "muro"). Las dos últimas, además, anáforas.

Los finales de verso son: ón / órta / ór / éda // ója / água / éca / ántes / éra / érpo // éncia / úno / ía / éne / ántes / íbles // éllo / ía / úro / éndes / ólo

Ritmo acentual: Polirrítmico, con versos desde siete hasta dieciocho sílabas. Entre los de metro endecasílabo hay varios impropios.

Ortografía y gramática: Está muy cuidada la puntuación, lo que facilita la lectura.

Símbolos: la razón queda obsoleta (le cuelgan telarañas), paisaje arrasado (ceniza absorta), las ilusiones han desaparecido (ningún pájaro... ninguna hoja... gotas de agua de un mar cuando se seca), uno ha sido destrozado (ha dividido en dos un cuerpo)

Anáforas: "Tú" (versos 17 y 18), "día" (versos 18 y 19) y "muro" (versos 19, 20 y 21)

Contradicción: "cruel como un día de sol en primavera" (verso 9)

Adjetivación: "ceniza absorta" (ceniza absoluta) (verso 2). "sueños desconocidos"(sueños por soñar) , deseos invisibles" (deseos inexistentes) (verso 16). "triste muro" (muro de dolor) (verso 19)

Personificación: "ceniza absorta"; "triste muro"

Antítesis: "vida vacía" (verso 13)

Paralelismos: "ningún pájaro... ninguna hoja"; "cuando se seca... cuando ya no hay lágrimas bastantes": "recoger los trozos de prudencia... recoger la vida vacía"; "de sueños desconocidos y deseos invisibles";

Palabras clave: En la primera estrofa: Telarañas / razon / ceniza absorta / huracán del amor / pájaro queda. En la segunda estrofa: hoja / gotas / mar seca / lágrimas / cruel / cuerpo. En la tercera estrofa: ahora / trozos / falta / vida vacía / antes / sueños / deseos. En la última estrofa: tú / día / muro.

Estructura: En la primera estrofas los versos tienen un metro y rima más regular y son símbólicos; el tema está visto desde una perspectiva exterior y se presenta como la visión de un paisaje.

En la segunda estrofa continua el lenguaje simbólico. Al final de la segunda estrofa el metro y el ritmo se desboca cuando el verso se empieza a hacer más personal ("no hay ya lágrimas bastantes") y acusatorio aunque de forma aún impersonal ("alguien, cruel como un día de sol en primavera").

La tercera estrofa contiene una reflexión personal de resignación ("esperando que lentamente se llene") tras el desastre amoroso.

La última estrofa constituye un grito acusatorio al causante de tanto dolor ("Tú... tú estás allá, cruel como el día"), una interrogación ("¿no comprendes?") y acaba con un símbolo de soledad, vacío, desesperanza ("un muro... un muro frente al cual estoy solo").

Sentido de las rimas: En la primera estrofa, la rima o/o ("razón", "amor": palabras contrapuestas por Cernuda) por su fuerza, da un sentido rotundo, de proclama, de algo acabado. La rima i/a que se encuentra, bien como rima final o como rima interna, en las estrofas segunda ("día"), tercera ("vida vacía") y cuarta ("día") nos representa un grito.

Comentario: Poema de tema amoroso: amor no correspondido o desamor, que, en tono trágico y confesional, habla del vacío que deja la pérdida de la persona amada. Describe, desde la distancia de una tercera persona, la desolación que produce el paso de ese amor y el vacío de la ausencia en las dos primeras estrofas. En la tercera nos habla de la necesidad de "restaurar" ese estado y la dificultad que entraña. El poema se cierra en la cuarta estrofa con un cambio de persona, con una increpación-acusación a ese "tú" causante del estado en que se encuentra el poeta.

Tiene una estructura lineal y cerrada y es bastante claro en la formulación del tema y de su desarrollo. Formalmente consta de 21 versos, divididos en cuatro estrofas de cuatro, seis, seis y cinco versos respectivamente. Es un poema polimétrico con versos que van de las 7 a las 18 sílabas. Los más extensos parecen estar construidos por la agrupación de versos menores: así el verso 16, "de sueños desconocidos y deseos invisibles", forma dos hemistiquios de 8 8. Aunque el poema no mantiene una combinación armónica versal, son frecuentes los heptasílabos y los endecasílabos (algunos de estos impropios). Estas observaciones y la polimetría nos hacen pensar en una inclinación del autor hacia el verso libre. Son frecuentes, no obstante, las rimas asonantes, que más o menos distanciadas, aparecen casi en la mitad de los versos, algunas bastante cercanas como en la primera estrofa. Cabe pensar que estas rimas son accidentales o que el autor no las evita en función del peso de las palabras elegidas como final de verso.

Encontramos elementos que refuerzan el ritmo como las anáforas y los paralelismos:
tú nada sabes recoger los trozos de prudencia
tú estás allà recoger la vida vacía
sueños desconocidos
deseos invisibles
un muro
un muro

Hay también una serie de sintagmas nominales de construcción similar que justifican el carácter descriptivo del poema en las primeras estrofas en las que se nos muestra los efectos del amor y el estado de desolación que produce:
-cuelgan de la razón
-un paisaje de ceniza absorta
- el huracán del amor
-gotas de agua
-un día de sol en primavera
-trozos de prudencia

Los tiempos verbales están en presente que enfatiza la acción: cuelgan, van, sabes, estoy, etc. Esta actualización se refuerza con el adverbio temporal ahora en la tercera estrofa.

Quizá lo más importante del poema sea la utilización del léxico y del peso específico de las palabras: encontramos en la primera estrofa las palabras razón y amor, colocadas a final de verso y formando una rima un tanto estridente por ser aguda. Son palabras clave que funcionan como antónimos: "ha pasado el huracán de amor", el amor es un sentimiento "irracional" por naturaleza, la razón queda anulada "telarañas cuelgan de la razón". Enfatizados ambos términos, el primero por la palabra huracán que además hace de núcleo del sintagma y el segundo por la palabra telarañas que hace de sujeto de la oración. Ambos términos no solamente tienen una función metafórica, sino que tienen también un componente hiperbólico y nos introducen el tema: el amor y sus consecuencias.

Otros sintagmas agregan connotaciones peyorativas, reforzando ese aspecto desolador: "ceniza absorta", "ya ningún pájaro queda", "tampoco ninguna hoja" "gotas de agua cuando un mar se seca" "la vida vacía"... Encontramos también expresiones tomadas con su significación contraria y que actúan como paradojas: "cruel como un día de sol en primavera" o "tú estás allá, cruel como el día", es decir, que ante el estado de ausencia y de vacío, la primavera y el sol pueden ser elementos crueles.

Ese alguien cruel, indefinido en la primera estrofa, se repite de forma directa mediante el tú en la apelación de la última estrofa: "tú estás allá, cruel como el día".

Otra expresión que nos acerca al tema, al desamor, a la escisión del poeta es ese alguien que "con su sola presencia ha dividido en dos un cuerpo".

Es importante el nivel simbólico, la insistente presencia del muro en la última estrofa:
"Esa luz que abraza estrechamente un triste muro" (con la aliteración de las tes y las erres)
"un muro, ¿no comprendes?"
"un muro, frente al cual estoy solo"

Podríamos decir que los recursos más notables son los de tipo léxico-semántico, con los cuales el autor va reforzando el tema a lo largo de toda la composición. Mediante los acentos y las rimas se destacan los conceptos importantes, de modo que el metro, la rima y el ritmo van muy armonizados con el sentido.

Grupo Metáfora de Barcelona. Taller de comentario de textos. 28-10-2010.

LEER POEMAS DE LUIS CERNUDA EN: https://www.airesdelibertad.com/t759-luis-cernuda-hoy-5-de-noviembre-se-cumple-el-50-aniversario-de-su-muerte?highlight=Luis+Cernuda

Última edición por Pedro Casas Serra el 02.08.18 13:38, editado 2 veces

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"Telarañas de la razón" de Luis Cernuda (estudio por elGrupo Metáfora)

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Telarañas cuelgan de la razón ...... en un paisaje de ceniza absorta; ...... ha pasado el huracán del amor, ...... ya ningún pájaro queda. 05 .. Tampoco ninguna hoja, ...... todas van lejos, como gotas de agua ...... de un mar cuando se seca, ...... cuando no hay ya lágrimas bastantes, ......

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Citlaly Aguilar Sánchez

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La ensayista Citlaly Aguilar Sánchez nos acerca a la poesía de Luis Cernuda, a propósito del aniversario de su nacimiento. Miembro de la Generación del 27, Cernuda es un poeta clave para la comprensión de la poesía hispanoamericana del siglo XX. Libros como Los placeres prohibidos, Donde habite el olvido, Como quien espera el alba y Desolación de la quimera, son algunos de colecciones de los versos del poeta español que estuviera exiliado en México.
ESCRIBIR EL DESEO. LA REFLEXIÓN POÉTICA DE LUIS CERNUDA EN "LA CANCIÓN DEL OESTE"
Citlaly Aguilar Sánchez
No sabe vivir y está vivo. Su sitio no está en parte alguna. Siempre deseará un lugar diferente. Es el "extranjero". Busca la realidad; es decir, la verdad y la poesía. ¿Dónde están?
Tal vez sea él mismo la verdad, él mismo la poesía.

Luis Cernuda, "El espíritu lírico".

Los poemas de Luis Cernuda son una invitación a reflexionar sobre la vida, el amor y la poesía misma. En la colección Un río, un amor el poeta reflexiona sobre tales temas en una de treinta composiciones fechadas entre abril y agosto de 1929, todas ellas escritas, según Derek Harris, bajo la influencia surrealista[1]; sin embargo, en el poema "La canción del oeste", como en otros incluidos en este poemario, el surrealismo aparece de manera muy discreta.

"La canción del oeste" está compuesta por cuatro estrofas de métrica irregular y sin rima; aparte de algunos adjetivos que sorprenden al crear imágenes desconcertantes, sobre todo en las dos primeras estrofas, es difícil encontrar rastros surreales. El poeta no evoca estados oníricos, ni acude al automatismo, que son dos de las técnicas asociadas con la poesía de dicha estética vanguardista. En el poema es evidente un especial cuidado tanto en la forma como en el fondo, pero sobre lo que realmente preside el texto es la reflexión del poeta sobre la realidad y sobre la escritura.

En su poesía el poeta suele reflexionar sobre temas vitales como señala Jenaro Talens explica que para Cernuda la poesía no es sino "el resultado de la meditación sobre la experiencia vivida. Si esa experiencia se eleva a un plano abstracto, que traza la lucha entre elementos opuestos, no es de extrañar que su poesía adquiera relieves de tinte filosófico"[2]. Por otra parte y como también señala Talens, el sevillano consideraba la poesía como algo surgido "del contacto del poeta con el mundo [ ...] es la realidad la que actúa sobre el hombre, moviéndole a la meditación, de la cual saldrá posteriormente el poema"[3]. De este modo, la lírica cernudiana contiene elementos de profunda reflexión, trazados con detenimiento y precisión. De ahí también el interés de Cernuda por entender la propia actividad poética, tal y como lo confirman varios de sus escritos en prosa como "El espíritu lírico" y "Palabras antes de una lectura". En este artículo propongo analizar la reflexión que estructura su "La canción del oeste". La primera estrofa del poema reza así:

Jinete sin cabeza,

Jinete como niño buscando entre rastrojos

Llaves recién cortadas,

Víboras seductoras, desastres suntuosos,

Navíos para tierra lentamente de carne,

De carne hasta morir igual que muere un hombre.[4]

El carácter metapoético del poema se sugiere desde el título pues indica su perfil de "canción" que, como sabemos, es una forma poética. Los primeros dos versos hablan de un "Jinete sin cabeza", imagen que sugiere a un sujeto que cabalga sin esa parte del cuerpo donde reside el intelecto y la razón; es una imagen lúgubre que en el segundo verso contrasta con la imagen de un niño: "Jinete como un niño buscando entre rastrojos / Llaves recién cortadas". Es significativo que del primero al segundo verso el jinete pasa de no tener cabeza a parecerse a niño; es decir, un jinete liberado de la cabeza / intelecto / razón, adquiere la inocencia de un niño. Aunque hay una coma que separa una idea de la otra, de todos modos se conserva cierta relación entre ambos enunciados: el jinete sin cabeza puede ser, a la vez, "como un niño"; el comparativo "como" implica la posibilidad simultánea de ambos significados. Lo que no se sabe todavía es la relación que este jinete y este niño tengan con el yo lírico.

Jinete y niño buscan "llaves recién cortadas", elemento que también recuerda al jinete sin cabeza, ya que en ambos existe una mutilación. El poema se mantiene en un estado de irracionalidad manifiesta pues, es muy desconcertante la lista de cosas que se buscan. Y es que la lista no se limita a las "llaves recién cortadas", también incluye: Víboras seductoras, desastres suntuosos, / Navíos para tierra lentamente de carne, / (vv. 4-5). La adjetivación en estos versos es de particular importancia, pues entre sustantivo y adjetivo se crea una tensión que se va cargando de cierto erotismo. Si bien la imagen de las "víboras seductoras" resulta curiosa, la descripción de los desastres como suntuosos es aún más sorprendente, pues asigna cierto valor positivo ("suntuosos") a una realidad que suele considerarse del todo negativa ("desastres"). Por su parte los navíos están navegando en tierra, como surcando "lentamente" la piel y el músculo de alguien y quizá eso explique el que la carne conlleve a "morir igual que muere un hombre" (v. 6). Esta primera estrofa revela un deseo tanto de buscar como de erotizar.

La segunda estrofa inicia con el verso "A lo lejos", lo cual introduce cierta relación entre el que contempla y el objeto de su contemplación. Dicha lejanía tiene una significación especial, pues la noción se reitera en cada estrofa a partir de la segunda. En esta segunda estrofa leemos lo siguiente:

A lo lejos

Una hoguera transforma en ceniza recuerdos,

Noches como una sola estrella,

Sangre extraviada por las venas un día (vv. 7-10).

La perspectiva de lejanía plantea la imagen de "una sola estrella" como una continuación de la metáfora de la "hoguera", ya que en ambos casos la luz disuelve "recuerdos" o "noches". La relación entre las dos partes de este binomio queda continuada por el hecho de que ambos son sustantivos plurales, mientras que "estrella" y "hoguera" son singulares. En este sentido, en el siguiente verso "sangre" se corresponde con estrella-hoguera y "venas" con recuerdos-noches. Lo singular refiere a aquello capaz de destruir, anular o extraviar, pero se asocia también con la luz y con el color, mientras que lo plural es aquello fulminado o perdido. Los tres versos siguientes, presididos por la lejanía, exponen la importancia de la distancia:

Furia color de amor,

Amor color de olvido,

Aptos ya solamente para triste buhardilla (vv. 11-13).

Por medio de la lejanía es posible contemplar el "color" del amor y del olvido y sin embargo, son sólo sus colores, pues lo que realmente hay es una furia y un amor, unidos bajo un mismo signo y un mismo color: el de la destrucción luminosa mencionada en los versos que les anteceden. Ambos sentimientos vertebran el poema alimentando su tensión, pues la imposibilidad de acceder a lo que el amor desea, sólo sirve para agudizar la furia.

La distancia anunciada desde el primer verso de esta estrofa habla no sólo del plano espacial. El tiempo también aparece aquí gracias al único verbo utilizado en presente, "transforma"; la alusión a "recuerdos" y "olvido" en el complemento del verbo también nos remite al pasado; de esta forma la lejanía espacial es el medio que permite distinguir entre el presente desde el cual el poema habla y el pasado al que apunta. Sin esta distancia entre el yo lírico y el objeto de su deseo, el yo lírico no puede saber qué es lo que desea, no puede contemplarlo, pero es justamente esta distancia lo que hace que el objeto de deseo sea inalcanzable. En "Palabras antes de una lectura", al explicar la creación de La realidad y el deseo, Cernuda dice que:

El instinto poético se despertó en mí gracias a la percepción más aguda de la realidad, experimentando, con un eco más hondo, la hermosura y la atracción del mundo circundante. Su efecto era, como en cierto modo ocurre con el deseo que provoca el amor, la exigencia, dolorosa a fuerza de intensidad, de salir de mí mismo, anegándome en aquel vasto cuerpo de la creación. Y lo que hacía aún más agónico aquel deseo era el reconocimiento tácito de su imposible satisfacción. [5]

La misma sensación también es evidente en "La canción del oeste", pues el poema evoca el abismo que separa el deseo de su realización en el mundo real. Cernuda apunta: "el deseo me llevaba hacia la realidad que se ofrecía ante mis ojos como si sólo con su posesión pudiera alcanzar certeza de mi propia vida"[6]. Con ello manifiesta que el deseo es el medio por el cual se accede a la realidad y la escritura es una manera de sublimar este deseo.

La tercera estrofa inicia también con una alusión a la distancia: "Lejos canta el oeste". Tanto el adverbio "lejos" como el sustantivo "oeste" reafirman la idea de lejanía. Aquí el aspecto metapoético del poema aparece de forma explícita, pues se anuncia al oeste como el cantor. Si el oeste representa la lejanía, y es ésta la que canta, entonces la composición reafirma una vez más la importancia de lo lejano, es decir, que la poesía es algo que se desea desde la lontananza.

En el par de versos "Aquel oeste que las manos antaño / Creyeron apresar como el aire a la luna" (vv. 15-16) la temporalidad es importante pues, mientras que en el primer verso el tiempo es el presente ("canta"), en estos el pasado impera por medio del adverbio "antaño" y el tiempo pretérito del verbo ("creyeron"). El encabalgamiento que se da entre estos dos versos representa bien la cualidad huidiza de la luna airosa[7] y una vez más, aparece cierta lejanía entre el yo poético y aquello de que habla; sin embargo no es la luna lo que se creyó apresar, sino al oeste, lo cual sugiere una significativa relación entre las manos y el oeste. En este sentido, el oeste puede ser entendido como una representación de la escritura poética, pues según las concepciones cernudianas de la misma:

Un poema es casi siempre un fantasma, algo que se arrastra lánguidamente en busca de su propia realidad. Ningún sueño vale nada al lado de esta realidad, que se esconde siempre y sólo a veces podemos sorprender. En ella poesía y verdad son una misma cosa. Tal vez, y felizmente, sean sus más nobles cualidades rareza y fugacidad: no hay, en efecto, seguridad en ella. Siempre queda tiempo, pues, para dejarse caer en la inmensa mentira, la mentira, el único patrimonio del hombre, lo único que en definitiva es propiamente suyo.[8]

La idea que Cernuda tiene de la poesía como algo fugaz y cambiante se ve ejemplificada en "La canción del oeste", donde resulta vano cualquier intento de atrapar la realidad, de atrapar lo que en ella haya de poético. Poesía es algo que, en un primer momento, antes de escribirse, se percibe como una belleza inalcanzable y alejada del poeta; pero a veces, cuando la poesía se materializa en poema, el yo lírico puede rozársele; mas nunca poseerse del todo, ya que la poesía queda entre las manos como una luna de madera. Por ello mismo, el poema es únicamente la expresión del deseo de alcanzar esa realidad bella.

Los siguientes versos nos vuelven al presente: "Mas la luna es madera, las manos se liquidan / gota a gota, idénticas a lágrimas" (vv. 17-18). El encabalgamiento que figura aquí pone especial relieve en la relación entre "liquidan" y "gota"; ambas imágenes llevan una connotación acuosa[9] que culmina con "lágrimas"; en estos versos el poeta contrasta al agua con el aire de los dos versos anteriores, logrando así una oposición entre lo intangible (el aire) y lo tangible (el agua), aunque los dos elementos se caracterizan por ser escurridizos. Estos componentes, el aire y el agua, sugieren también una confrontación entre pasado y presente: entre lo que en el pasado se creía aire y lo que ahora es agua; otra vez se confirma la hipótesis de que la idealización es posible por medio de la oposición antes / después.

En los versos citados la imagen de las manos que intentan apresar algo tan inasible como el aire ratifica la idea del deseo que nunca se alcanza. En este entendido, las manos, ya en el tiempo presente, se destruyen al encontrar que la luna está hecha de madera. Según Derek Harris en Un río, un amor:

La evocación de unos paraísos terrenales forma una contrabalanza a la tristeza corrosiva que domina en el libro. Los paraísos, aunque ofrecen la posibilidad de un amor libre de fracasos, son siempre lugares muy distantes, sueños inalcanzables, como el sur idealizado de los Estados Unidos, captado de la letra de un foxtrot de la época, o lugares norteamericanos como Nevada y Daytona, o las islas de Tahití que aparecen en una película que vio [el poeta] durante su estancia en París.[10]

Así, el oeste / escritura poética es una especie de paraíso terrenal en el que se intenta estar a salvo de la decepción constante de lo real inmediato; en este tenor, aún si el oeste refiere a tierras vistas a través de una pantalla de cine, el hecho de escribir sobre ellas e intentar encerrarlas en un poema remite a un esfuerzo por materializar lo que en principio es una imagen idealizada de la realidad.

La última estrofa del poema es una exhortación: "Olvidemos pues todo, incluso al mismo oeste; / Olvidemos que un día las miradas de ahora / Lucirán a la noche, como tantos amantes, / Sobre el lejano oeste, / Sobre amor más lejano." Los dos primeros versos están imperativo con cierta idea de futuro, mientras que en el tercero, por primera vez en el poema, aparece el futuro, me refiero al tiempo del verbo "lucirán". Estos versos presagian la imposibilidad de que el deseo posea su objeto en un "ahora", y la maldición de siempre volver a contemplar el objeto del deseo idealizado en la lejanía, donde se consume en recuerdo. El propio Cernuda dice que "las palabras están vivas, y por lo tanto traicionan; lo que expresan hoy como verdadero y puro, mañana es falso y está muerto"[11]. Estas palabras revelan la conciencia que el poeta tiene de su oficio y de la mutabilidad de su sentido: si las palabras tienen vida y cambian de un día a otro, la escritura poética no resulta menos inasible, y lo que ésta cree captar, el amor o la realidad, también es inasible. Para Harris "la desilusión se declara tajantemente en 'La canción del oeste', con el deseo de suprimir en un olvido total las memorias tristes del amor y toda esperanza del futuro que el oeste simboliza"[12]. Esto es cierto y sin embargo el deseo, aunque de destrucción, se alza como el punto medular de la composición.

"La canción del oeste" encierra una reflexión sobre la creación poética que se articula a lo largo del poema. La reflexión sugiere que para el poeta la poesía es algo que no se puede apresar, y de la que se tiene que tomar distancia para poder contemplarla, al igual que frente a cualquier otro objeto de deseo, como el amor por ejemplo. En su ensayo "El espíritu lírico" lo resume así: "Sólo en la vacación del amor las fuerzas líricas se aplican para tender a la poesía el pobre lazo del verso. En tal sentido, el poeta escribe sus versos cuando no puede hallar otra forma más real a su deseo"[13]. Lo que pervive en la lejanía es el deseo y ese mismo deseo es el que intenta materializarse a través de la escritura.

En "Palabras antes de una lectura" Cernuda apunta que "el poeta, pues, intenta fijar la belleza transitoria del mundo que percibe, refiriéndola al mundo invisible que presiente, y al desfallecer y quedar vencido en esa lucha desigual, su voz [...] llora enamorada la pérdida de lo que ama"[14]. Ese llanto es la poesía y esa poesía es el anhelo de apresar la belleza; pero como este deseo nunca se satisface, quedan sólo la idealización de la realidad y la crónica de una búsqueda vana.

Para Cernuda la poesía, al igual que la realidad, es un objeto de deseo. La poesía se alza desde el momento en que el poeta intenta cristalizar al deseo. Pero como hemos visto, el objeto del deseo es inalcanzable, razón por la cual el deseo es condenado a la insatisfacción. La realidad es algo fuera de él, ajena a él; lo único que tiene es el deseo. Es por esto por lo que el poema terminar anulando la concepción misma del deseo en los versos "Sobre el lejano oeste / Sobre amor más lejano", pues la lejanía confirma la imposibilidad de asir al oeste, en tanto símbolo de la poesía, lo mismo que al amor, en tanto epítome del deseo.
Bibliografía
Cernuda, L., La realidad y el deseo. 1924-1956, México, FCE, 1958.

__________ "Palabras antes de una lectura" y "El espíritu lírico" en Obra completa, Prosa I, eds. Derek Harris y L. Maristany, Siruela, Madrid, 1994.

Harris, D., "Introducción" en Luis Cernuda, Un río, un amor. Los placeres prohibidos, Derek Harris (ed.), España, Cátedra, 1999.

Talens, J., El espacio y las máscaras. Introducción a la lectura de Cernuda, Barcelona, Anagrama, 1975.

[1] Derek Harris, "Introducción" en Luis Cernuda, Un río, un amor. Los placeres prohibidos, Derek Harris (ed.), España, Cátedra, 1999, p. 15.

[2] Jenaro Talens, El espacio y las máscaras. Introducción a la lectura de Cernuda, Barcelona, Anagrama, 1975, p. 213.

[4] Luis Cernuda, La realidad y el deseo. 1924-1956, México, FCE, 1958, p. 60, vv. 1-6 (Todos los versos citados son de esta edición, en adelante cito el número de verso entre paréntesis).

[5] Luis Cernuda, "Palabras antes de una lectura", Obra completa, Prosa I, eds. Derek Harris y L. Maristany, Siruela, Madrid, 1994, p. 602.

[7] Tal vez, esta imagen se deriva de la frase hecha "pedir de luna", que significa ir en busca de algo que se sabe inalcanzable.

[8] Luis Cernuda, "El espíritu lírico", op., cit., p. 48.

[9] Aunque "liquidan" es la conjugación de liquidar, en este verso Cernuda utiliza este verbo en otro nivel de significación, donde remite a lo líquido.

[10] Derek Harris, op., cit.., pp. 29-30.

[11] L. Cernuda, "Palabras antes de una lectura", op, cit., p. 605.

[12] Derek Harris, op., cit., p. 27.

[13] L. Cernuda, "El espíritu lírico", op., cit., p. 48.

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La ensayista Citlaly Aguilar Sánchez nos acerca a la poesía de Luis Cernuda, a propósito del aniversario de su nacimiento. Miembro de la Generación del 27, Cernuda es un poeta clave para la comprensión de la poesía hispanoamericana del siglo XX.

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COMENTARIO POEMA "No es el amor quien muere"

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COMENTARIO POEMA "No es el amor quien muere"

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2016-17 LUIS CERNUDA - No es el amor quien muere

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Raúl Urbina

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COMENTARIO POEMA "No intentemos el amor nunca"

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COMENTARIO POEMA "No intentemos el amor nunca"

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Blog "Los placeres prohibidos"

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No intentemos el amor nunca

Aquella noche el mar no tuvo sueño.

Cansado de contar, siempre contar a tantas olas,

Quiso vivir hacia lo lejos,

Donde supiera alguien de su color amargo.

Con una voz insomne decía cosas vagas,

Barcos entrelazados dulcemente

O cuerpos siempre pálidos, con su traje de olvido

Cantaba tempestades, estruendos desbocados

Rencorosa de pájaros estrellas.

Su voz atravesando luces, lluvia, frío,

Alcanzaba ciudades elevadas a nubes,

Cielo Sereno, Colorado, Glaciar del Infierno,

Todas puras de nieve o de astros caídos

Mas el mar se cansaba de esperar las ciudades.

Allí su amor tan sólo era un pretexto vago

Y con sueño de nuevo se volvió lentamente

Este poema de Cernuda corresponde a La realidad y el deseo, que es la reunión de su obra completa anterior a 1936. En esta etapa inicial, Cernuda habla del deseo, que nunca llega a ser saciado, siempre se está insatisfecho porque no poseemos todo lo que queremos. La realidad es una prisión de la que no puede huír para realizar las aspiraciones ideales que no puede eliminar, y que le parecen como los últimos ecos de un paraíso perdido.

El tema de este poema, No intentemos el amor nunca, trata de un amor imposible, que nadie comprende, un amor especial, que parece que solo siente el poeta. Muestra un sentimiento de incertidumbre, de soledad, y de querer alejarse de ese mundo en busca de otro que entienda su amor.

El poema se compone de 27 versos, intercalando algunos de arte mayor y otros de arte menor. La rima es asonante, salvo en el segundo y quinto verso, que riman olas y vagas. Hay algunos versos de arte mayor que están divididos en dos hemistiquios, y que así le dan ritmo al poema. Ejemplos de estos hemistiquios son: "Aquella noche/ el mar no tuvo sueño; O cuerpos siempre pálidos,/ con su traje de olvido; Y con sueño de nuevo/ se volvió lentamente."

En cuanto a los recursos literarios que emplea el poeta, podemos apreciar varias personificaciones como: " Cantaba tempestades". Realiza también una repetición del verso: "Como la sombra misma,/ Como la sombra siempre."

En los primeros versos, percibimos una sensación de pesimismo, de cansancio y de incomprensión, de manera que el personaje quiere dirigirse hacia otro lugar donde los demás lo entiendan. Luego, sigue realizando una metáfora con el mar en la que dice que no viaja a ningún sitio, se siente perdido y sin consolación.

El protagonista se ve animado por esa paradoja del amor que más tarde se formulará como una libertad que solamente se comprende estando enamorado. Así, en este poema, el mar, icono de la libertad romántica, se transforma en una proyección de la voz del poeta nocturno, rebelde. Es la soledad, en efecto, el trágico estigma del hombre que deja atrás su inocencia, aquel sueño de un inventado paraíso. Soledad que se acabará convirtiendo en compañera, aunque ahora el poeta busque con desesperación la comunicación, el calor, el cobijo de un cuerpo humano...en un mundo extraño que le castiga dándole la espalda, y cuya visión poética continúa vertiéndose en gélidas imágenes de desamparo. En su vagabundeo nocturno, sin embargo, halla seres igualmente derrotados y se identifica con su vencimiento: son esos mendigos que retrata con imágenes magníficas en "Linterna roja", los "reyes sin corona" que, como él, "buscaron deseos terminados en nubes", pero finalmente su soledad inmensa, desbordada de deseos le devolverá al llanto. De esta manera, el poeta queda representado como una figura en pose claramente romántica.

A todo ello hay que añadir la aparición de una simbología que va cobrando una muy definida caracterización erótica, donde se asienta la afirmación de una clara definición homosexual, pero a caballo todavía entre la idealización de la pureza y el terrible azote de la pasión y la carne.

En cuanto a las figuras literarias que emplea el poeta, podemos apreciar varias personificaciones como: Cantaba tempestades. Realiza también una repetición del verso: "Como la sombra misma,/ Como la sombra siempre".

Libro de poesía al que pertenece
este poema: No intentemos el amor
nunca.

Columna ardiente, luna de primavera,

Mar dorado, ojos grandes.

Pensé, como al amanecer en sueño lánguido,

Lo que pinta el deseo en días adolescentes.

Arrastrado en la llama.

En el mundo insaciable.

Este poema está integrado en el libro Donde habite el olvido (1932-1933) de Luis Cernuda, que se ve influido por varios poetas románticos ingleses. Se siente identificado con ellos, con su verdad, y así, Cernuda intenta ser él mismo.

El tema del poema es el añoro de la adolescencia inocente, en la que es más importante el deseo que cualquier otra cosa. Cernuda quiere recordar esa época en la que era libre y feliz. El poeta no es el único implicado en el poema, ya que este piensa que este mal, no solo lo sufre él, sino todas las personas.

Es un poema breve, ya que se compone de catorce versos, siendo todos cortos de arte menor salvo el primero, cuarto y quinto. Por otro lado, la rima es asonante, con algunos versos libres. Se trata claramente de una estructura circular, ya que el primer y último verso son el mismo verbo. Son dos formas verbales muy próximas pero con matices estilísticos y significativos notables. Conviene valorar detenidamente estas dos formas verbales: fuiy he sido. Desde la gramática normativa "fui", pretérito imperfecto, sitúa la acción en un pasado alejado del presente que dependerá del tiempo evocado (hora, día, semana, mes...). "He sido", pretérito perfecto, señala una acción que hace de puente entre el pasado y el presente, o dicho de otro modo, es un pasado más reciente. Ése he sido significa un punto final del poema que podría ser también algo equivalente a una fórmula oratoria: "He dicho" = "He sido", al acabar el poema o al leerlo el lector.Laestructura métricase distingue por cierta regularidad métrica que proviene de la distribución de las sílabas: lo que equivale al ritmo y a la musicalidad. La primera parte, con versos más largos llega hasta el verso seis, la segunda, de versos más cortos, llega hasta el final. Esta distribución métrica se corresponde con la del contenido. Dejando de lado el verso primero y el último la estructura de contenido podríamos dividirla en dos partes, que se corresponden con las dos palabras clave del texto - deseo(v. 6) y mundo(v. 13):

En la primera parte, se refleja un deseo que parece imposible de realizar y que además se sitúa en el pasado. Emplea un léxico en el que aparece la claridad, la luminosidad: "Columna ardiente, / luna de primavera, /Mar dorado, ojos grandes". Estos calificativos, pueden hacer referencia a la pasión de vivir de los jóvenes en la adolescencia.

En la segunda parte relata su adolescencia llena de ilusiones que no se corresponden con la realidad llena de angustias, de problemas, propis más bien de un ser atormentado al que el mundo no puede saciar sino decepcionar. Antes de que empiece el poema el "yo fui" continúa todo lo que vendrá a decir después. Estas ideas esenciales de poemas están no solamente subrayadas por la estructura, por la métrica, o por la situación de las palabras claves en los poemas sino que tanto las imágenes como los términos que les dan cuerpo nos trazan los diferentes puntos de vista de Cernuda.

En conclusión, el poeta manifiesta un claro añoro de su adolescencia, época inconsciente y alocada, en la que los placeres no eran prohibidos. Todo eso lo contrasta con la madurez, más amarga, que le impide disfrutar de la vida.

Libro de poesía al que
pertenece: Yo fui.

Un español habla de su tierra

De todo me arrancaron.

Me dejan el destierro.

Tu tierra alzó en mi cuerpo

Que hablase tu silencio.

A fuerza de recuerdos.

¿Qué ha de decir un muerto?

Este poema de Cernuda pertenece al libro Las nubes (1937-1940) escrito durante su primer exilio británico, de ahí la influencia de poetas románticos y victorianos ingleses del siglo XIX, como Eliot, Wordsworth, Coleridge, Keats, etc. Esta influencia se hace notar en la adaptación del lenguaje poético al lenguaje coloquial. Utiliza el encabalgamiento, con el fin de atenuar el ritmo métrico y aproximarlo al ritmo de la frase. Se manifiesta también en una tendencia a ensanchar la base del poema dando cabida en él a nuevos materiales de experiencia y reflexión.

El tema del poema es que el poeta habla de su tierra perdida, con una pizca de rencor, pero también con un sentimiento profundo de añoranza de lo que ha perdido y sabe que no podrá volver a recuperar.

La estructura métrica del poema es de versos heptasílabos , casi todos con rima asonante. Hace un uso de la aliteración, en los primeros versos; "Las playas, para-meras" (repetición del sonido "a"), o bien; "Los oteros, las vegas" (repetición del sonido "s"). Los recursos morfosintácticos más destacables son: el uso de adjetivos epítetos, como "sol rubio" y también el hipérbaton continuo en la mayoría de los versos: "De todo me arrancaron". Hace uso también de la pregunta retórica, en el último verso:"¿Qué ha de decir un muerto?", además, realiza varias personificaciones como: "Al rubio sol durmiendo" o "Las playas, para-meras". Emplea la paradoja, que une en un solo juicio ideas contradictorias por su naturaleza, pero que no lo son desde un punto de vista en el que se considera: "Contigo solo estaba".

El poema podríamos estructurarlo en tres partes: en la primera, (que abarcaría más o menos las dos primeras estrofas) el autor describe España, sus paisajes, sus lugares en un tono cariñoso y dulce. En la segunda parte, que abarca la tercera y la cuarta estrofa, habla de los "caínes sempiternos "(refiriéndose a los franquistas) que se lo han quitado todo y le han obligado a vivir en el exilio. También dice que creía en España, que confió en ella pero que ahora su nombre envenena sus sueños, que pensar en ella le hace daño. En la última parte, (de la quinta estrofa a la séptima) se refleja la tristeza que el poeta siente al no poder estar en su tierra, y en los últimos cuatro versos (llenos de tristeza y dolor) se resume la amargura de la ausencia y le reprocha a España sus perversidades. En esta última estrofa dice que cuando España sea ya libre, y pueda pensar se acordará de él, pero él ya no podrá decir nada, porque estará muerto y callado.

En conclusión el poema describe la España perdida por el poeta e imposible de recuperar, esa España que algún día se acordará de él, pero ya será demasiado tarde.

Libro al que pertenece: Un español habla

Para ti, y hasta olvidas,

Por cerrada, la herida.

Pagado por lo menos.

¿Qué hacer entonces, dices,

Y el tiempo te desvive?

Pretexto en tu existencia.

Que todo marco exceden.

Este poema pertenece al libro de Cernuda Vivir sin estar viviendo. El poeta reflexiona sobre el paso del tiempo, de que es irremediable que se nos escape. Esta obra se corresponde con sus últimos años en el exilio británico y los primeros en el norteamericano. Aquí detectamos fácilmente un descenso en su inspiración: el poeta, más que abrir nuevas rutas, apura posibilidades ya existentes.

El tema del poema es por un lado el recuerdo de la tierra nativa, el paso del tiempo, y el amor. Reflexiona sobre estos temas desde un punto de vista pasivo, sabiendo que ya no se puede hacer nada contra ellos.

La estructura del poema es de versos heptasílabos, alternando rima consonante y rima asonante. Podemos apreciar un claro encabalgamiento que rompe totalmente el ritmo del poema en el tercer verso: "Para ti, y hasta olvidas". También aparece una pregunta retórica del verso séptimo al verso noveno: "¿Qué hacer entonces, dices,/ Cuando nada teasiste/ Y el tiempo te desvive?"/.

El poema lo podríamos dividir en tres partes: la primera, que correspondería a las dos primeras estrofas, en las que se refiere a España, diciendo que para él ya está perdida, que ya no puede hacer nada por volver, y que ya se ha cerrado esa herida del recuerdo de tu tierra. En la segunda estrofa, se refiere a que tiene que realizar su trabajo en secreto, es decir, que no puede publicar todo lo que a él le gustaría en España, y que aún por encima, está mal pagado.

En la segunda parte reflexiona sobre el paso del tiempo, habla de la impotencia que supone no poder hacer nada frente al paso del tiempo. Esto se ve relacionado con la tercera (que abarcaría las dos últimas estrofas) en las que se menciona que lo único que queda es esperar a que el amor llegue a tu vida, alguien que lo supere todo y que te haga feliz.

Niño tras un cristal.

Al caer la tarde, absorto

Tras el cristal, el niño mira

Llover. La luz que se ha encendido

La lluvia blanca con el aire oscuro.

Sobre el cristal, como una nube,

Le susurra lunar encantamiento.

El colegio se aleja. Es ahora

De historias y de estampas

Bajo la lámpara, la noche,

El sueño, las horas sin medida.

Vive en el seno de su fuerza tierna,

Todavía sin deseo, sin memoria,

Que afuera el tiempo aguarda

Con la vida, al acecho.

En su sombra ya se forma la perla.

Este poema pertenece al libro Desolación de la Quimera, de Luis Cernuda. Los principales temas que destacan en este libro de poesía son: el envejecimiento del protagonista y el presentimiento de la muerte cercana; la obsesión por la leyenda que se había construido en España en torno a su persona hasta el punto de definirse como "español sin ganas"; y el injusto trato que el mundo dispensa al artista. Así, el autor va a proponer el arte como única tabla de salvación en el naufragio de la existencia, de forma que el artista será para él el nuevo redentor del mundo. El libro está repleto de referencias culturales e iconos artísticos (Mozart, Dostoievsky, Goethe, Keats, Galdós, Ticiano, Rimbaud, Verlaine...) hasta el punto de convertirse en modelo de referencia para la poesía culturalista o novísima de los años setenta.

El tema del poema es la descripción de la dulce y corta infancia de un niño inocente, pero que a su vez ya está empezando a abandonar esa etapa de niñez pasando a ser una persona más consciente de los problemas de la vida.

La estructura del poema es de cuatro estrofas con cinco versos cada una, de rima y número de sílabas libres. El último verso no forma parte de ninguna estrofa, funciona como una conclusión o idea principal del poema.

El poema podríamos dividirlo en dos partes: la primera abarcaría la primera, segunda y tercera estrofa. En esta parte describe el lugar dónde se encuentra el niño y lo que está haciendo. Se encuentra en su habitación, tranquilo, leyendo un libro de aventuras, y observando como llueve y poco a poco se va haciendo de noche. Puede ser posible, que el propio Cernuda, se identifique a sí mismo con este niño La segunda parte, sería la cuarta estrofa y el último verso final. Aquí, el poeta resalta el momento aún cándido de la infancia del niño, que está a punto de hacerse mayor. Está en la etapa en la que no siente ni anhelos ni envidias, dónde solo existen momentos de paz.

Las figuras literarias que observamos en el poema son: el hipérbaton, "Vive en el seno de su fuerza tierna,/Todavía sin deseo,/sin memoria ,/El niño". Postposición del sujeto niño después de un sintagma verbal largo. Hay un deseo por parte del poeta de querer prolongar la infancia al resaltar primero características de ese momento. Además, percibimos un caso de paralelismo al tener la misma estructura en los versos décimo séptimo y décimo octavo: "sin deseo, sin memoria,/ sin presagio". Se incide en la descripción de la etapa infantil con esas características. También existe una pequeña personificación cuando el poeta dice: "La habitación a solas/ Le envuelve tibiamente". Se refiere al calor y a la comodidad que le ofrece la habitación al niño. En el octavo y noveno verso, se realiza un claro símil: "Y el visillo, velando/ Sobre el cristal, como una nube,". La blancura y dibujos del visillo le parece al niño una nube. Emplea también la metonimia, cuando dice: "El colegio se aleja". Se toma el nombre del colegio para referirse a todas las tareas, el trabajo del alumno por estar atento y rendir en el colegio...

Detectamos también un caso de enumeración en los versos décimo cuarto y décimo quinto: "la noche,/ El sueño, las horas sin medida." Describe el tiempo que transcurre mientras los niños no se encuentran en el colegio, y contrasta la libertad de la que disponen cuando están en casa, a la dura disciplina del colegio, que en los tiempos de Franco era muy rígida.

Vemos también reflejadas varias metáforas a lo largo del poema, la primera es: "Y el visillo, velando /Sobre el cristal, como una nube, /Le susurra lunar encantamiento". El visillo se mueve- el viento se cuela por la ventana- y ese sonido parece un susurro que le habla. Se resalta la soledad y debilidad del niño; pues le protege la habitación y le habla el visillo. Otra metáfora es la de: "Es ahora la tregua". Hace referencia al descanso de acabar el colegio, la tregua de no tener que estudiar. En "el tiempo aguarda con la vida al acecho" también vemos que el autor se refiere a que es inevitable que la niñez se termine y que pronto se acabará esa feliz etapa. Sin duda, la metáfora más importante, es la del último verso: "En su sombra ya se forma la perla". Se refleja que el carácter de ese niño ya se está formando y que esa soledad que ahora le caracteriza le acompañará siempre.

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No intentemos el amor nunca Aquella noche el mar no tuvo sueño. Cansado de contar, siempre contar a tantas olas, Quiso vivir hacia lo lejos, Donde supiera alguien de su color amargo. Con una voz insomne decía cosas vagas, Barcos entrelazados dulcemente O cuerpos siempre pálidos, con su traje de olvido Cantaba tempestades, estruendos desbocados Rencorosa de pájaros estrellas.

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Perfil del aire

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Programa documental de TV emitido en conmemoración del centenario del nacimiento del poeta

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La Realidad y el Deseo. Centenario de Luis Cernuda

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PROPUESTA DIDÁCTICA. La densidad lírica de Luis Cernuda.

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PROPUESTA DIDÁCTICA. La densidad lírica de Luis Cernuda.

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Fernando Carratalá

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Experiencias en el Aula COMUNIDAD ESCOLAR 712

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COMENTARIO POEMAS. Aproximación a Luis Cernuda en tres poemas

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COMENTARIO POEMAS. Aproximación a Luis Cernuda en tres poemas

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Pedro Felipe Granados

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Roberto Augusto Míguez
Universidad de Barcelona

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Roberto Augusto Míguez: Comentario al poema 'A un poeta futuro' de Luis Cernuda -nº 24 Espéculo (UCM)

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El título nos remite a una proyección en el tiempo. A un intento de testimonio para alguien, un poeta, que posiblemente aparecerá más adelante, en el futuro. Así, de esta forma, ya se nos revelan dos motivos interpretativos claros: el tiempo y el ansia de testimonio para la posteridad.

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COMENTARIO POEMA "Unos cuerpos son como flores"

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COMENTARIO POEMA "Unos cuerpos son como flores"

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IES Don Bosco

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El cuerpo del amor en Luis Cernuda.

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COMENTARIO POEMA "Si el hombre pudiera decir"

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COMENTARIO POEMA "Si el hombre pudiera decir"

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Escuela Universitaria de Ciencias Sociales. Melilla

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ESTUDIO. Cuatro poetas del 27: Salinas, Lorca, Aleixandre y Cernuda.

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ESTUDIO. Cuatro poetas del 27: Salinas, Lorca, Aleixandre y Cernuda.

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Eduardo Alonso. Ed. Foro, Valencia, 1998.

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ESTUDIO. Cernuda, el hombre-libro. Cincuentenario de su muerte (1963-2013)

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ESTUDIO. Cernuda, el hombre-libro. Cincuentenario de su muerte (1963-2013)

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Biblioteca Pública Gerardo Diego. Madrid

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Diecisiete poemas. Carlos Monsiváis

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Cuaderno de poesía crítica. Biblioteca Virtual Omegalfa.

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TEXTOS. LA REALIDAD Y EL DESEO (1924-1936). Primera entrega. 

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TEXTOS. LA REALIDAD Y EL DESEO (1924-1936). Primera entrega. 

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ARTÍCULO. Luis Cernuda, la realidad y el deseo. ABC

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ARTÍCULO. Luis Cernuda, la realidad y el deseo. ABC

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El poeta Luis Cernuda - abc

Semanas antes del estallido de la guerra civil, entraba en la historia de la cultura española uno de los libros fundamentales de poesía de nuestro idioma en el siglo XX. En la primavera de 1936, Luis Cernuda reunía sus versos en la primera entrega de "La realidad y el deseo", título bajo el que irían juntándose los poemas escritos hasta la definitiva edición publicada un año antes de su muerte en México, en 1963. En su soberbio ensayo "La palabra edificante", Octavio Paz alabó esta voluntad de integrar el conjunto de la obra lírica en una labor de crecimiento orgánico, que iba dando cauce a aquel impulso de la inteligencia poética para entender y relatar el mundo. Otros autores, singularmente Jorge Guillén, habían concebido de esta misma manera la tarea de escribir, y las sucesivas "Antolojías" de Juan Ramón Jiménez tenían un propósito parecido de integración, que escapaba a la idea de cerrar con cada libro una etapa independiente del quehacer literario.

Sin embargo, en el caso de Cernuda existe algo que ha permitido que su labor haya ejercido tanta influencia en las generaciones poéticas de la larga posguerra española. De sus manos brotó ese arriesgado compromiso lírico que fue llamado "poesía de la experiencia" por quienes trataron de emularle. La labor de crítico, de traductor y profesor a que se dedicó Cernuda permite subrayar un objetivo deliberado de construir no solo un estilo propio, sino una idea misma de lo que debe ser el lenguaje poético. Los cambios en su tono, en la selección de su vocabulario o en sus preferencias métricas, corresponden a un duro proceso de depuración. Cernuda afirmaría que su exilio y el contacto con la poesía inglesa le habían librado de lo que, para él, eran los peores defectos de la lírica española: el patetismo y la grandilocuencia. Pero en esa consideración despechada se encierra lo que hizo más grande a Cernuda: la capacidad de integrar el lenguaje poético español en una corriente que alcanzaría relevancia en la segunda mitad del siglo XX.

La poesía de la experiencia no es un relato de lo cotidiano sin exigencia lírica alguna, sino todo lo contrario. Responde al esfuerzo por objetivar las emociones mediante el lenguaje poético, haciendo que lo vivido, lo sentido, lo pensado por el autor sea comunicable en el circuito exclusivo de sus versos. La experiencia no es la anécdota del autor; es el poema que edifica líricamente esa circunstancia.

Si en la lírica de Juan Ramón o Guillén el riesgo se encuentra en una deshumanización del material poético; si en Lorca el peligro se halla en un despliegue excesivo de imágenes autocomplacientes; si en Eliot acecha siempre el discurso de una orgullosa solemnidad, que todos estos genios supieron evitar jugándose el alma en cada verso, en la poesía de la experiencia puede alentar el fantasma de la banalidad y el prosaísmo. Pero el talento de Cernuda radica en haber proporcionado a la lírica española un lenguaje cuya sobriedad nunca supuso la pérdida de su esencia poética.

Un mundo cerrado

En vísperas de la guerra civil, "La realidad y el deseo" parecía escapar a la dolorosa relación entre un Cernuda angustiado por sus opciones afectivas y un mundo cerrado a comprenderlas, para adquirir el rango de una cuestión más general. ¿No podemos considerar que la historia de aquella España, lanzada a descubrir su propia sustancia y su vigorosa voluntad en el periodo de entreguerras europeo, fue la terrible crónica de un enfrentamiento sin solución, entre el deseo voraz de construir una nación moderna y la realidad turbadora de la intolerancia, el atraso y las utopías violentas? Luis Cernuda era consciente de que la suya no era una queja personal, una aflicción íntima sino la expresión de un patriotismo que, en aras del amor a España, rechazaba todo aquello que implicara frustrar sus sueños de libertad.

La primera edición de "La realidad y el deseo" aún no había alcanzado la magnífica entonación de un canto de exiliado al fuego de la España posible y apagada, en cuyas cenizas se mezclaban las esperanzas de todos los ciudadanos que forjaron la idea de nación desde el inicio mismo de la guerra de la Independencia. Pero se encontraban algunos de los versos más conmovedores de un autor que dejó pronto atrás la frialdad de la "poesía pura", para adentrarse en el compromiso de una literatura humanizada. En tres de sus secciones, "Invocaciones", "Los placeres prohibidos" y "Donde habite el olvido", Cernuda llamó al encuentro de los hombres a través del amor y el culto a la belleza. Y esa belleza no era solo referencia estética, sino valor emocional, apuesta por la integración de todos en la acogedora brillantez de la bondad. Todas las fases de desengaño, de llamada al olvido, fueron superadas siempre por la insaciable búsqueda del otro, del cuerpo, de la persona en la que cada uno de nosotros averigua su propia trascendencia: "Libertad no conozco sino la libertad de estar preso en alguien cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío".

Soledad y desencuentro

La denuncia de la soledad y el desencuentro nos parece hoy una inmensa metáfora de la quiebra de una convivencia esencial, la ruptura de una esperanza de conciliación. Esa metáfora habría de hacerse muy firme en el Cernuda que salió de España en 1937 para no regresar jamás. Pero se encontraba latente en aquellos versos tensos y desapacibles, exigentes de amor y rebeldes ante la ausencia de fraternidad entre los hombres. Los hombres hacia los que tendía sus palabras, hacia los que enviaba "un cuerpo interrogante" para captar "una mirada al azar, un roce al paso" que bastaban para que "el cuerpo se abra en dos", ávido de vivir junto a quien pudiera comprender esa inmensa necesidad de amor, natural a la condición humana, y a la que los españoles dimos la espalda al unísono pocas semanas después de que aquel formidable escritor presentara en Madrid una obra maestra.

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Semanas antes del estallido de la guerra civil, entraba en la historia de la cultura española uno de los libros fundamentales de poesía de nuestro idioma en el siglo XX.

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CERNUDA EN LA RED. Selección de recursos en la red. 

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CERNUDA EN LA RED. Selección de recursos en la red. 

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PÁGINA WEB

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Selección de recursos relacionados con Luis Cernuda.

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ARTÍCULO. Luis Cernuda: el futuro es hoy. EL PAÍS

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ARTÍCULO. Luis Cernuda: el futuro es hoy. EL PAÍS

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De izquierda a derecha: Vitín Cortezo, Blanca Pelegrín, Luis Cernuda, Carmen García Lasgoity, Manuel Altolaguirre y Carmen García Antón, en Valencia en 1937. BIBLIOTECA NACIONAL EL PAÍS

Incómodo en su tiempo, sintiéndose poco comprendido en su ética y su obra, Luis Cernuda necesitó apoyarse en los poetas y los lectores del porvenir. La confesión de esta necesidad sostiene una de sus composiciones decisivas, A un poeta futuro, escrita en Glasgow en 1941 y recogida en el libro Como quien espera el alba(1947). Lo importante del poema no reside en las quejas, el lamento sobre su falta de encaje en una realidad hostil: "Disgusto a unos por frío y a otros por raro". Una sociedad represiva y homófoba, un carácter muy difícil y las rencillas generacionales ayudan a situar la protesta continua de Cernuda, en la que se mezclan con frecuencia su marcado anticapitalismo, su fragilidad sentimental y una extrema susceptibilidad literaria.

Pero lo importante del poema apunta en otra dirección: el proceso creativo que define su poética, sobre todo a partir del exilio en la cultura anglosajona. Cernuda había escrito en su Himno a la tristeza que "viven y mueren a solas los poetas". De manera que ese poeta futuro para el que escribe en 1941 es también y ante todo su lector, la persona que puede entender y darle vida a sus propios versos. En la creación aparece reconocida la figura del lector como algo más que una ensoñación. No una estrategia barata y vanidosa para imaginar en el futuro la gloria que niegan los contemporáneos, sino una presencia real a la hora de la composición. El poeta piensa en su lector ideal, esbozo de su propia conciencia, para darle objetividad a sus sentimientos. Cernuda confiesa que busca la sombra de su alma "para aprender en ella a ordenar mi pasión / según nueva medida". Y borra en parte su propia identidad para hallarla luego, "conforme a mi deseo, en tu memoria". El hecho poético necesita, pues, tanto del lector como del autor para realizarse. Hace falta borrarse un poco para hacer habitable un espacio común.

Estas consideraciones, muy raras en la poesía española de su tiempo, tienen consecuencias de peso en la obra de Cernuda y en la evolución de nuestra lírica. Resumo los aspectos más significativos de este terremoto. Primero: la poesía no es un ejercicio expresivo de la interioridad de un autor, sometido solo a su propia sinceridad inmaculada. Segundo: el poema es un espacio público, objetivo y su dimensión depende de que sea habitado y vivido por el lector. Tercero: más que expresar lo que se siente, trabajar un poema significa crear los efectos necesarios en el texto para que el lector haga suya la experiencia. Cuarto: más que espectáculos de ingenio y retórica, se vuelve fundamental en el taller la capacidad de imaginar el lenguaje y la estructura que permiten la presencia viva del lector. Estos son los principios de la elaboración, los esfuerzos para acoplar formas y contenidos. Esta unidad lírica imprescindible no surge de una verdad expresiva espontánea, sino de una escritura calculada y convertida en ética, en imaginación moral.

La obra de Luis Cernuda, recogida bajo el título de La realidad y el deseo, es amplia y atravesó de manera personal los ciclos de su tiempo a través de la poesía pura, el surrealismo, la invocación neorromántica y la apuesta por un realismo más seco, según la calificación acertada de Jaime Gil de Biedma. Es lógico que la presencia de Luis Cernuda se extienda por muchos matices y corrientes literarias que pueden ir del esteticismo a la poesía cívica, de los decorados sensuales a la rebeldía de una conciencia íntima, tan orgullosa de su diferencia como de su solidaridad.

Creo que la herencia más viva de Cernuda fue recogida por poetas como Francisco Brines y Jaime Gil de Biedma en el homenaje que le dedicó la revista La caña gris en 1962. Comprendiendo la nueva dinámica que surgía de composiciones como Un poeta futuro, advirtieron en el ejemplo de Cernuda la necesidad de objetivar la propia experiencia en el poema, de convertirla en una escritura meditada y capaz de provocar efectos de vida.

Esta objetivación sirve para ordenar en el texto las pasiones del autor y del lector y, al mismo tiempo, para ofrecer una alternativa ética a la realidad injusta del mundo. Como escribió en el poema Mozart de Desolación de la Quimera (1963): "Da esta música al mundo forma, orden, justicia, / nobleza y hermosura". Y como afirmó en 1936, otro poema del mismo libro dedicado a un luchador republicano, la dignidad de la conciencia individual es imprescindible "como testigo irrefutable / de toda la nobleza humana". Son lecciones muy vivas de su poesía, ahora que uno de sus enemigos más poderosos, el capitalismo, extrema la destrucción de las conciencias individuales y de los espacios públicos. El futuro es hoy.

Cincuenta años después de su muerte, hay pocas dudas de que Luis Cernuda es uno de los nombres más grandes de la poesía en lengua española. En realidad, es una opinión que ya estableció Federico García Lorca en abril de 1936 con motivo de la primera edición de La realidad y el deseo, en el discurso que pronunció en un banquete-homenaje muy concurrido. A Cernuda no le calmaron esos elogios sinceros. Tampoco le calmarían hoy los nuestros, porque la fama de Juan Ramón, Salinas, Alberti y el propio García Lorca... Pero ese es otro cantar.

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Incómodo en su tiempo, sintiéndose poco comprendido en su ética y su obra, Luis Cernuda necesitó apoyarse en los poetas y los lectores del porvenir. La confesión de esta necesidad sostiene una de sus composiciones decisivas, A un poeta futuro, escrita en Glasgow en 1941 y recogida en el libro Como quien espera el alba(1947).

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LUIS CERNUDA. 1902-1063. Residencia de Estudiantes

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LUIS CERNUDA. 1902-1063. Residencia de Estudiantes

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PÁGINA WEB

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ONCE POEMAS REPRESENTATIVOS DEL AUTOR

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LA POESÍA DE LUIS CERNUDA. José María González-Serna.

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LA POESÍA DE LUIS CERNUDA. José María González-Serna.

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PÁGINA WEB.AULA DE LETRAS

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ARTÍCULO. La isla de Luis Cernuda. Antonio Núñez.

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ARTÍCULO. La isla de Luis Cernuda. Antonio Núñez.

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CENTRO VIRTUAL CERVANTES

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CVC. Donde habita el recuerdo: memoria de Luis Cernuda. Textos nuevos para una exposicin.

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Cernuda y Enrique Canito se conocieron en aquella Sevilla que me imagino de polvo y de sol del ao 1919, ambos condiscpulos en el preparatorio que deba conducir con ms pena que gloria al poeta a la licenciatura de Derecho, y a Canito a finalizar aos ms tarde la carrera