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" La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements : c'est une arme offensive et défensive contre l'ennemi ", s'exprime Pablo Picasso en dépeignant Guernica. Œuvre majeure du XXe siècle, elle s'inscrit dans un contexte historique particulier, qui retrace l'horrible tragédie du 26 avril 1937.

En effet, l'Espagne en proie à la guerre civile entre nationaliste et républicain depuis 1936, est à travers le monde dépeinte comme un conflit marqué par une violence sans précédent. La petite ville basque aux commandes d'un bastion républicain va s'illustrer de façon tragique, lorsque le dictateur nationaliste Franco, avec l'aide de l'aviation allemande, pilonne la ville. Né en Espagne, Pablo Picasso (1881-1972) dénonce ce bombardement qui fit près de 2000 victimes dont essentiellement des femmes et des enfants. Peintre engagé contre les états totalitaires alors en pleine expansion en Europe, il se met dès l'annonce de l'attaque, à la réalisation " d'un monument pictural " dans le but de dénoncer cette barbarie.

Ce tableau est avant tout marqué par sa dimension. Mesurant 7,52 m de long sur 3,51 m de hauteur, Guernica est une huile sur toile qui ne passe pas inaperçue. La volonté de l'auteur réside essentiellement dans la volonté de marquer les esprits de l'horreur dont l'Homme est parfois capable, au travers d'une peinture gigantesque. Visible aux yeux de tous, Picasso a toujours refusé que son œuvre soit publiée en Espagne, tant que la démocratie ne l'aura pas emporté. Il fut ainsi longtemps exposé au Musée d'art moderne de New-York, avant de retourner au musée national de la Reine Sophie à Madrid en 1992.

La toile composée de couleur monochrome met en avant le choix de l'auteur d'accentuer la cruauté de l'événement, en ne laissant place qu'à la mort. Œuvre figurative, elle laisse place à des formes géométriques, dont le cubisme a toujours été l'apanage du peintre. Les couleurs sont mornes (noir, blanc et bleu) et démontrent que l'auteur cherche à véhiculer un message fort : celui du deuil. C'est aussi la résultante d'une époque qui met en exergue l'actualité dans ses tons et l'on pourrait peut-être distinguer, une œuvre qui veut être vue, à l'exemple des photographies de journaux.

L'œuvre découpée en triangle, possède trois parties majeures. Dans une volonté d'immortaliser ce triste jour, il renverse les pratiques traditionnelles d'une lecture de toile, en invitant le spectateur, à commercer par la droite. En effet, tous les personnages regardent vers la gauche, excepté le taureau qui regarde vers le lecteur.

L'œil du spectateur est d'abord attiré par la lampe au sommet, qui domine la pièce. Cette lampe est un trompe l'œil, qui cherche à éclairer l'événement dans l'espoir d'un possible renouveau.
Sur le côté gauche, on y voit le symbole de l'oppresseur nationaliste caricaturé dans la plus virulente des icônes espagnoles : le taureau. Juste en dessous, se profile une femme aux seins dénudés. Depuis la Renaissance, c'est le symbole de la fécondité qui est repris ici par Picasso pour exprimer l'effet inverse ; on a une femme la tête levée vers le ciel hurlant de douleur (langue pointue = cri strident et intense), dont les yeux ont la forme d'une larme. Elle porte dans ses bras un enfant mort, victime innocente de ce conflit. Le renouveau demeure impensable.

Sur la partie basse du tableau, figure un homme mort (les yeux ne sont plus alignés), démembré, dont il ne reste que la tête et un bras d'une part et le deuxième bras de l'autre. Ce dernier tient dans sa main une épée brisée, témoignant de la différence du rapport de force qui était en quelques sortes inéluctables entre nationaliste et républicain. L'allégorie de la fleur montre la fragilité de la vie.

Sur la partie centrale, le cheval domine. Propre à Picasso, ce symbole représente le peuple républicain et la victime innocente, comme l'enfant, de ce conflit. Devant la gueule de l'animal, se profile une colombe effacée dans l'ombre, donnant l'idée qu'un traité de paix n'est pas envisageable et que tout espoir est perdu. Entre la tête du cheval et le bras du républicain mort, on a une image très nette du " no man's land " qu'est devenue la ville et encore plus loin l'Espagne, en désarticulant complètement le corps du pauvre animal.

Un peu plus à droite, une bougie et un fantôme étonné sorte d'une fenêtre. Témoin privilégié du conflit, la communauté internationale est symbolisée par son inaction dans la peau de ce spectre, tout en essayant de mettre en lumière ce qui se passe par une bougie, symbole d'espoir.

Entre espoir et horreur, se profile une femme en bas à droite, dont la jambe brisée démontre sa force de caractère en regardant vers la lumière, preuve que tout n'est pas perdu. La liberté se doit de triompher.
Enfin le dernier élément du tableau est cette maison en flamme en haut à droite. Une guerre n'est jamais propre, mais le bombardement de Guernica fut le théâtre d'opérations visant à tester les nouvelles armes allemandes dont les fameuses bombes incendiaires, mis en scène par la maison en flamme sur cette toile. Le personnage essayant d'en sortir pris Dieu de venir l'aider en levant les mains vers le ciel.

Ce tableau est encore aujourd'hui un emblème contre la guerre, dont une reproduction existe toujours à New-York au conseil des Nations Unies. C'est un véritable symbole, finalisé seulement un mois après la tragédie, mais qui demeure accessible à tous par des allégories simples à déchiffrer, qui en fait une œuvre universelle.

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" La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements : c'est une arme offensive et défensive contre l'ennemi ", s'exprime Pablo Picasso en dépeignant Guernica. Œuvre majeure du XXe siècle, elle s'inscrit dans un contexte historique particulier, qui retrace l'horrible tragédie du 26 avril 1937.

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L'exposition "Guernica" au Musée Picasso (Avril 2018) et des éléments d'analyse de l'oeuvre

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L'exposition "Guernica" au Musée Picasso (Avril 2018) et des éléments d'analyse de l'oeuvre

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"Guernica", qui est devenu un symbole de paix et de lutte contre la barbarie après avoir représenté le combat du peuple espagnol contre le franquisme, est le grand absent de l'exposition "Guernica". Mais une reproduction légèrement agrandie accueille le public dans le hall du Musée national Picasso de Paris.

"Guernica" est en même temps un chef-d'œuvre de l'art moderne et un symbole politique, la synthèse d'années de recherches plastiques de Picasso (quand il le peint en 1937, il a 56 ans) et l'expression de sa révolte devant l'horreur du bombardement de la ville basque de Gernika, le 26 avril 1937, par les aviations de l'Allemagne nazie et de l'Italie fasciste, soutiens des franquistes.

C'est grâce à des prêts d'études et de "post-scriptums" du musée madrilène Reina Sofia et des documents qu'il conserve lui-même que le Musée national Picasso de Paris raconte, en son absence, la genèse et le destin de cette toile en noir et blanc de 3,49 mètres sur 7,76. Seule une partie du châssis originel, qui a dû être remplacé, témoignera de la réalité de l'œuvre.

Le chaos de la guerre

Dans un coin, un taureau, qui symbolise sans doute le peuple espagnol, regarde la scène chaotique où les figures s'enchevêtrent, dans un huis clos angoissant. Au premier plan, un soldat à terre, bouche ouverte, tient encore un glaive brisé à la main. Un milicien basque ou bien un symbole plus général des victimes de toutes les batailles ? Un cheval éventré hurle sa douleur.

A gauche, une femme hurle aussi, renversée en arrière, son enfant mort dans les bras. Un oiseau discret (la colombe de la paix ?) jette aussi un cri vers le ciel. A droite, une autre figure féminine lève les bras au ciel, sous les flammes de sa maison, tandis qu'une troisième lève les yeux vers une ampoule. Celle-ci jette sur la scène une lumière pleine de piquants, symbolisant le feu des bombardements. Une dernière tient à la main une lampe : l'espoir, la vérité ?

La première salle de l'exposition décortique le tableau, analysant ainsi chaque figure.

Des affiches des républicains et des brigades internationales témoignent du contexte de la guerre civile espagnole, opposant depuis juillet 1936 les troupes nationalistes du général Francisco Franco et le gouvernement républicain.

Le décryptage de Nicolas Chateauneuf

Une commande pour l'Exposition internationale de Paris

Des œuvres de Picasso du début des années 1930 viennent souligner la continuité iconographique de "Guernica" avec ces dessins de Minotaure, une petite huile sur bois de 1933, "Corrida, la mort du taureau", où le corps du taureau et celui du cheval s'enchevêtrent, le torero écrasé entre les deux. Ou encore une petite "Crucifixion" de 1930 où des figures, bouches grandes ouvertes, crient leur douleur.

Fin 1936 ou début 1937, la République espagnole a commandé à Picasso une œuvre de grandes dimensions pour son pavillon à l'Exposition internationale des arts et techniques qui doit se tenir à Paris à partir du mois de mai 1937. L'artiste ne semble pas très inspiré et, si l'on en croit les premières esquisses qu'il dessine, c'est un sujet plutôt intime qu'il a en tête, même si un poing levé peut laisser penser qu'il hésite avec une œuvre plus engagée.

C'est le bombardement de Gernika qui déclenche tout : Picasso en prend connaissance deux jours après le drame, dans L'Humanité du 28 avril, qui titre : "Milles bombes incendiaires lancées par les avions d'Hitler et de Mussolini réduisent en cendres la ville de Guernica". Gabriel Péri évoque dans les colonnes du quotidien communiste les victimes civiles brûlées vives par les incendies déclenchés par les bombes.

Après, tout va très vite : trois jours plus tard, le projet pour l'exposition internationale commence à prendre forme, "Guernica" est en route : Picasso enchaîne les études préparatoires. Le 1 er mai une colombe sort des entrailles d'un cheval hurlant, une femme brandit une lampe. Le 2 mai, il dessine une étude de tête de cheval, le 8 mai une étude d'une mère avec son enfant mort. Il exécute ensuite la toile en un temps record, entre le 10 mai et le 4 juin, dans son atelier de la rue des Grands-Augustins.

Dora Maar photographie la progression de l'oeuvre

On peut assister aux états successifs de l'œuvre grâce aux photos de Dora Maar, la compagne de Picasso, artiste surréaliste d'origine croate et militante antifasciste, qu'il a rencontrée un an plus tôt. Elle a été chargée de ce travail par l'éditeur Christian Zervos pour un numéro spécial de la revue Cahiers d'art.

Et "Guernica" est exposé à partir du 24 mai au pavillon de la République espagnole de l'Exposition internationale, évoqué par une maquette et des photos par François Kollar de l'œuvre in situ. Joan Miró vend une affiche "Aidez l'Espagne" pour soutenir les républicains, des cartes postales reproduisant "Guernica" sont éditées.

La guerre continue, comme nous le rappelle une femme pleurant son mari allongé au sol, saisie par le photographe Agustí Centelles après le bombardement de Lleida en Catalogne, le 2 novembre 1937. Il visait une école et a fait 300 morts dont 48 enfants. Picasso peint alors toute une série de "femmes qui pleurent", aux traits de Dora Maar, tête renversée et bouche ouverte en signe de douleur, un mouchoir sur les yeux ou entre les dents.

En avril 1939, les franquistes gagnent la guerre et des milliers de républicains fuient le pays. De nombreux documents, retrouvés dans les archives privées de Picasso, attestent de l'engagement de l'artiste qui fait un don au comité d'accueil des intellectuels espagnols, qui est sollicité pour offrir une œuvre à la République espagnole ou pour aider à faire sortir un ami de Miró d'un camp.

Picasso : "La peinture est un instrument de guerre"

Une fois exposé à l'Exposition internationale, "Guernica" ne revient pas dans l'atelier de Picasso, le tableau lui échappe en quelque sorte. L'œuvre devient un outil de propagande servant à lever des fonds pour les républicains espagnols et un symbole de la lutte contre la dictature. Elle voyage en Angleterre, aux Etats-Unis et, quand la Seconde Guerre mondiale est déclenchée, elle est confiée par Picasso au MoMA (Museum of Modern Art) de New York. Dans les années 1950, elle est exposée à Milan en 1953, à Paris au Musée des Arts décoratifs en 1955, à Stockholm en 1956, comme nous le montrent des photos où on voit la toile déroulée puis accrochée dans les musées du monde.

Madrid réclame que "Guernica", devenu une œuvre culte, "rentre" en Espagne (elle n'y a jamais été puisqu'elle a été peinte à Paris). Picasso, très attaché à son tableau, refuse catégoriquement qu'il y soit transféré. Les convictions politiques de celui qui disait que "la peinture n'est pas faite pour décorer les appartements", que "c'est un instrument de guerre offensive et défensive contre l'ennemi", ne se sont pas démenties.

Guernica à Madrid en 1981

"Je ne veux pas que le tableau 'Guernica' ainsi que tous les travaux préparatoires entrent et séjournent en Espagne aussi longtemps que Franco sera vivant (...) 'Guernica', c'est ma vie. 'Guernica', c'est ce qui compte le plus à mes yeux", dit-il en 1969, selon des propos rapportés par Roland Dumas, sollicité en tant qu'avocat pour le règlement de cette affaire.

L'œuvre n'ira en Espagne qu'une fois "la République restaurée", déclare-t-il au Monde. Picasso meurt en 1973, Franco en 1975 et c'est une monarchie constitutionnelle qui est instaurée. Mais avec le retour de la démocratie, "Guernica" est transféré à Madrid en 1981. Elle est exposée d'abord au Cason del Buen Retiro du Musée du Prado, puis à partir de 1992 au Museo Reina Sofia d'où elle ne bouge plus.

Pour attester de la place particulière de "Guernica" dans l'histoire de l'art, le parcours de l'exposition est ponctué d'œuvres contemporaines réalisées en hommage au chef-d'œuvre de Picasso, en reprenant son message politique.

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"Guernica" au Musée Picasso de Paris : histoire d'un chef-d'œuvre et d'un symbole

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Vous ne verrez plus "Guernica" à Paris. Bien que créé dans la capitale française, le célébrissime tableau de Picasso, conservé au Musée Reina Sofia de Madrid ne voyage plus. Mais le Musée national Picasso revient, cinquante ans plus tard, sur l'histoire et la postérité d'une œuvre qui est devenue un chef-d'œuvre de l'art moderne et un symbole politique (jusqu'au 29 juillet).

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Peintre, dessinateur et sculpteur espagnol, Pablo Picasso est généralement présenté comme l'un des plus grands artistes du XX e siècle. Homme à femmes dont les compagnes inspireront profondément son œuvre, il est avec Georges Braque le fondateur du cubisme et l'un des piliers de l'art moderne.

La Vie de Picasso

Né le 25 octobre 1881 à Málaga (Andalousie), Pablo Ruiz commence très jeune à dessiner avec son père, professeur de dessin. Dès 1895, il étudie à l'Ecole des beaux-arts de Barcelone, La Lonja, avant de poursuivre à l'Académie Royale San Fernando de Madrid. Revenant à partir de 1899 à Barcelone, il travaille notamment en faisant des illustrations pour des revues et des journaux. En 1901, il adopte comme signature le patronyme de sa mère : " Picasso ". Il signera désormais ainsi ses œuvres.

À partir de 1904, il s'installe définitivement en France après trois séjours les années précédentes. Il emménage tout d'abord au célèbre atelier de Montmartre, le Bateau-Lavoir. Il rencontre dans la capitale parmi tant d'autres : Max Jacob, Apollinaire, Matisse ou encore Braque avec lequel il invente le Cubisme. A Partir de 1910, il séjourne régulièrement en Provence avec Derain et Braque, retournant toutefois sur la capitale notamment pendant la première mondiale.

En 1925, il participe à la première exposition surréaliste à la galerie Pierre à Paris. Il n'adhère pas pour autant au mouvement. En 1936, il s'engage aux côtés des républicains espagnols contre Franco. Pendant la seconde guerre mondiale, il retourne travailler à Paris en dépit de sa qualification d' " artiste dégénéré " par le régime nazi. C'est seulement après la Libération qu'il adhère au parti communiste et retourne vivre dans le sud de la France. Il s'éteint le 8 avril 1973 près de Mougins.

Des périodes Bleue et Rose à Cézanne

L'œuvre de Picasso débute par différentes périodes symbolisées par des couleurs. De 1901 à 1904 correspond la période Bleue. Il utilise alors des tons froids à dominante bleue dans sa peinture. Picasso présente des fonds dépouillés avec des personnages souffrant de la dureté de la vie ( Les Pauvres au bord de mer, 1903) avec un côté sinistre et sombre, s'inspirant du peintre El Greco ( La jeune fille à la corneille, 1904). Après une phase de transition, Picasso entre dans sa période Rose (1905-1906) plus douce même s'il conserve les mêmes thématiques, illustrant notamment les artistes et acrobates du cirque Médrano qu'il fréquente régulièrement ( Acrobate et jeune arlequin, 1905).

De 1906 à 1908, il se rapproche de l'œuvre de Cézanne tout en s'intéressant à l'art primitif ibérique et l'art africain. Cette période correspond également à sa rencontre avec les Stein (frère et sœur), juifs américains vivant à Paris et achetant des œuvres avec un réel potentiel commercial : Renoir, Cézanne, Manet, etc. La sœur, Gertrude Stein, s'intéresse fortement à Matisse et Picasso présentant les deux artistes l'un à l'autre. Elle commande son portrait à Picasso. D'une grande sobriété et austérité, il s'agit plus d'une représentation statuaire qu'un véritable portrait.

L'année suivante, il signe une œuvre annonçant une révolution dans l'histoire de l'art du XXe siècle, il s'agit des Demoiselles d'Avignon (1907). Ce " tableau ex-voto " renvoie tant à Cézanne qu'à l'art africain et primitif, il marque également le début d'un nouveau mouvement, le cubisme.

Le cubisme

Picasso apparait comme le principal représentant du cubisme avec Georges Braque. Ce mouvement pose une polémique en développant une nouvelle manière de peindre, en décomposant les formes et en multipliant les points de vue qui apparaissent simultanément sur une même œuvre. En effet, si des artistes comme Albert Gleizes et Jean Metzinger vont développer une véritable théorie du cubisme, Picasso et Braque restent attachés à la nouveauté technique plus qu'à la théorie.

Faisant suite au précubisme cézannien, les années 1908 à 1912 correspondent au " Cubisme analytique " dont Picasso dira " c'est simplement un art qui se préoccupe de la forme ". Il cherche en effet à casser la perspective traditionnelle.

L'artiste entre ensuite dans la période dite du " Cubisme synthétique " où il réintroduit la couleur dans son œuvre tout en épurant de plus en plus les formes. C'est également dans cette période qu'il fait ses premiers collages afin d'abolir la différence entre peinture et sculpture.

Un nouveau tournant

La fin de la première guerre mondiale marque également la fin du cubisme. Dans les consciences, ce courant est attaché à la modernité, cette même modernité facteur de la guerre et de la mort. A partir de 1925, Picasso montre un tournant radical en se rapprochant du Surréalisme ( Baigneuse jouant au ballon, 1932).

Par la suite, son œuvre annonce la montée des tensions, de la cruauté (séries des Corridas et Minotaures) et surtout de la guerre en Europe. Sur ce sujet, son œuvre la plus emblématique demeure Guernica (1937) qu'il peint pour le Pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris. Fresque murale devant s'inspirer de la guerre civile espagnole, cette œuvre symbolise avant tout l'horreur et la barbarie des conflits.

Après la seconde guerre mondiale et son adhésion au parti communiste, Picasso peint des œuvres engagées contre l'absurdité de la guerre et pour la paix ( la Joie de vivre, 1946 ; La Guerre et la Paix, 1952). Il affirme : " La Peinture n'est pas faite pour décorer les appartements. C'est un instrument de guerre offensive contre l'ennemi ". Il dessine entre autre une colombe pour le Congrès mondial de la paix en 1949. Constant inventeur de formes, travailleur intarissable, il poursuivra cependant jusqu'à la fin de sa carrière son questionnement sur les différents styles de peindre, revisitant de célèbres tableaux ( Les Ménines, d'après Vélasquez, 1957). Sentant le temps inexorablement s'écouler dans ses dernières années, il réalise avec une passion et une ferveur inextinguibles une série puissamment érotique sur les couples. Pour Pablo Picasso, " C'est dans le travail d'une vie que réside la véritable séduction ".

Bibliographie

- Picasso de Gilles Plazy. Biographie Folio, 2006.

- Propos sur l'art de Pablo Picasso. Gallimard, 1998.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Biographie courte

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Peintre, dessinateur et sculpteur espagnol, Pablo Picasso est généralement présenté comme l'un des plus grands artistes du XXe siècle. Homme à femmes dont les compagnes inspireront profondément son œuvre, il est avec Georges Braque le fondateur du cubisme et l'un des piliers de l'art moderne. ...

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Guernica au Musée de La Reina Sofia à Madrid

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Guernica au Musée de La Reina Sofia à Madrid

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Reflejo fiel de una época y de unas luctuosas y dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, de 1937. El motivo que impulsó a Pablo Picasso a realizar la escena representada en esta gran pintura fue la noticia de los bombardeos efectuados por la aviación alemana sobre la villa vasca que da nombre a la obra, conocidos por el artista a través de las dramáticas fotografías publicadas, entre otros diarios, por el periódico francés L'Humanité. A pesar de ello, tanto los bocetos como el cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario, constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.
Guernica ha suscitado numerosas y polémicas interpretaciones, circunstancia a la que contribuye indudablemente la voluntaria eliminación del lienzo de cualquier tonalidad ajena a la grisalla. Al analizar su iconografía, uno de los estudiosos de la obra, Anthony Blunt, divide a los actores de esta composición piramidal en dos grupos, el primero de los cuales está integrado por tres animales: el toro, el caballo herido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en llamas.
En este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años antes, en 1935, Picasso había grabado al aguafuerte la Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica.
Los acontecimientos de la vida privada de Picasso, junto a los sucesos políticos que atribularon al continente europeo en el período de entreguerras, se fusionan en los motivos creados por el pintor en estos momentos, para dar lugar tanto al propio Guernica como a sus bocetos y post scriptum, considerados como unas de las obras de arte más representativas del siglo XX.

Paloma Esteban Leal

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Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Guernica

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Reflejo fiel de una época y de unas luctuosas y dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, de 1937.

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Picasso, l’engagement politique : analyse d'oeuvre : Guernica