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Centro Pompidou di Parigi, París, Francia

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Centro Pompidou di Parigi, París, Francia

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Centro Pompidou di Parigi, París, Francia

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En los años 1970's los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers, ambos desconocidos en ese entonces, colaboraron y erigieron uno de los edificios más famosos y radicales de nuestro tiempo, el centro George Pompidou. El centro cultural en París, Francia convierte nuestro mundo en un mundo al revés, literalmente. Todo comenzó con Georges Pompidou, Presidente de Francia entre 1969 y 1974, que quería construir un centro cultural en París que atrajera a visitantes y que fuera un monumento en la ciudad. En los 33 años que lleva operando, se ha convertido en el edificio más visitado en Europa, manteniendo un flujo de alrededor de 7 millones de visitas anuales (mas que el Louvre y la torre Eiffel juntas). La plaza atrae a los turistas y a los parisinos por igual, quienes van para pasar un rato en medio de una espectacular escena urbana y que además, se rodea de jardines y la famosa fuente Stravinsky. No hay duda de que la visión de Pompidou se convirtió en una exitosa realidad.

Para elegir a los arquitectos para este proyecto, el presidente convocó un concurso, participando incluso algunos de los arquitectos más famosos de Francia en ese momento. Sin embargo el diseño de unos arquitectos desconocidos, Renzo Piano y Richard Rogers, ganó el concurso. Su propuesta ejemplificaba el constructivismo y un moderno centro cultural con alta tecnología (high-tech), estructurado con un sistema de ménsulas (gerberettes) y cerchas, diferente a todo lo visto en el mundo de la arquitectura hasta ese entonces.

El concepto de su propuesta, y quizás la más obvia, fue la exposición de toda la infraestructura del edificio. El propio esqueleto envuelve el edificio desde el exterior, mostrando toda la estructura de los diferentes sistemas mecánicos y no sólo para que pudieran ser entendidos, sino también para liberar al máximo el espacio interior, ya que como la mitad del espacio disponible se destinó a una plaza pública, el edificio en sí debía alcanzar igual los 90.000 m2 requeridos en las bases.

Los arquitectos propusieron un contenedor flexible, en el cual todos los espacios interiores y elementos exteriores pueden ser modificados o cambiados según se requiera. Es así, como el centro es un mecano que cambia constantemente.

La estructura forma una malla de acero que proporciona un marco estable, dentro del cual pueden colocarse y cambiarse permanentemente los suelos y tabiques para formar distintos tipos de espacios interiores. El recubrimiento exterior es una curtain wall de acero y vidrio, que incorpora elementos sólidos metálicos y que está separado de la estructura para permitir el recambio de partes fácilmente.

Los diferentes sistemas del exterior del edifico están pintados de diferentes colores para diferencias sus diversas funciones. La estructura y los componentes más importantes de ventilación estaban pintadas de blanco, las escaleras y ascensores estaban pintadas de color gris plateado, la ventilación fue pintada de azul, fontanería y control de incendios de tuberías eran verdes y los elementos que permiten el movimiento en todo el edificio, están pintadas de rojo. Uno de los "elementos móviles", por el que el centro es más conocido, es la escalera mecánica en la fachada oeste, un tubo que zigzaguea hasta la parte superior del edificio ofreciendo una vista espectacular de la ciudad.

El Centro Pompidou alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, que es el museo más grande de Europa para el arte moderno. También contiene la Bibliothèque publique d'information, una gran biblioteca pública y un centro para la música y la investigación acústica conocido como el IRCAM. El sitio abierto y el plano en el que se encuentra es un lugar exterior para constantes eventos urbanos. El centro fue inaugurado oficialmente el 31 de enero de 1977 y desde entonces ha integrado la arquitectura de alta tecnología y el urbanismo como un movimiento y espectáculo para la ciudad.

En el día 12 de mayo de 2010 la "hermana" del centro Georges Pompidou, llamada Centro Pompidou-Metz, abrió sus puertas en Metz, Francia. El edificio fue diseñado por Shigeru Ban y Jean de Gastines. El centro es un museo de arte moderno y contemporáneo y fue diseñado parecido a un sombrero chino, en donde la función siguió a la forma. Incorpora carpintería innovadora en su estructura, compuesta por 16 kilómetros de madera laminada encolada, que se entrecruzan para formar una malla hexagonal. Para más información del nuevo centro visite la página web oficial del Centro Pompidou Metz.

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Clásicos de Arquitectura: Centre Georges Pompidou / Renzo Piano + Richard Rogers

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En los años 1970's los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers , ambos desconocidos en ese entonces, colaboraron y erigieron uno de los edificios más famosos y radicales de nuestro tiempo, el centro George Pompidou. El centro cultural en París, Francia convierte nuestro mundo en un mundo al revés, literalmente.

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Palace of Assembly, Capitol Complex, Sector 1, Chandigarh, India

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Palace of Assembly, Capitol Complex, Sector 1, Chandigarh, India

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Palace of Assembly, Capitol Complex, Sector 1, Chandigarh, India

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Revista Travesías | Inspiración para viajeros

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"¿Pero cómo que Chandigarh no es India?", dice, contrariado, un periodista extranjero afincado en Nueva Delhi. Es, sí, un lugar común, pero es también un punto de partida. "Se dice lo mismo de Mumbai, pero este país tiene muchas caras, no sólo la que algunos creen".

En India, ante su complejidad, es tentador buscar la síntesis: cierta manera de ser, de hablar, de construir o de hacer ver que algo les resulta ajeno. Estructuras seculares como la casta o el alcance de la vida familiar marcan una rutina que es mayoritariamente hindú, pero lo que articula el territorio se debe en parte a la herencia británica: el inglés como lengua franca, una burocracia endemoniada, educación reglada o la trama ferroviaria. Sin embargo, con tantas religiones, razas, comidas, y tanta gente, también, India es irreductible. Cada vez que hay tensión entre grupos religiosos, por ejemplo, el Gobierno se esmera en una tenaz defensa de su multiculturalidad. En otras palabras: que hay muchas formas de ser indio.

Pero el campo indio, reseco y esquilmado, exporta hombres a suburbios emergentes o a simples tramos de acera, y las urbes abigarradas que viven entre lo mucho y lo excesivo sí son una constante. Si la vara de medir es ésa, Chandigarh, con su orden, arbolado y avenidas paralelas no resulta tan nativa. Fue planeada ya en los años 50, a cuatro horas al norte de Nueva Delhi. En nombre de un futuro próspero, la cuadrícula y unas ideas exóticas propondrían un nuevo orden. Sin embargo, muchos indios aún no lo ven tan claro y su vigencia sigue siendo tema de debate.
Una ciudad científica
Cuando, en 1947, India y Pakistán se independizaron del Reino Unido, la densa provincia del Punjab tuvo una partición sangrienta. Su capital, Lahore, quedó en Pakistán, y el Gobierno indio de Jawaharlal Nehru acudió al franco-suizo Le Corbusier para crear la suya, quien tradujo a espacio, luz y zonas verdes su sueño de democracia, modernidad y transparencia. Cuando una capital nace por decreto la duda es siempre sobre su habitabilidad.

Y hoy, seis décadas después, Chandigarh da respuestas.

La ciudad consiste en núcleos de vida, unos 50 de 1 200 metros de largo, replicados una vez tras otra frente a los montes Shivalik, la antesala del Himalaya. Tiene otro urbanismo, otra atmósfera, y a eso se refieren quienes la sacan del país. Hay banquetas y parques de forma regular y casi no hay basura, algo que sorprende en el entorno. Hasta los coches, sin atascos, allá tocan menos claxon. Le Corbusier llegó a pensar que la idea de una ciudad humana podía volverse literal y adscribió a cada zona del plano una función vital.

En 2016, el área institucional -la cabeza- fue inscrita junto con otras obras del arquitecto en la lista de la UNESCO. Entonces, Deepika Gandhi, directora del Centro Le Corbusier, lamentaba en una entrevista la etiqueta de ciudad no india, alegó incomprensión de los indios hacia el franco-suizo y destacó que el "sueño de modernidad" había sido local, del propio Nehru. Junto a ella se citaba al profesor Sohan Lal Saharan. A sus alumnos les decía que los tres edificios premiados, levantados con cemento expuesto y vidrio, condensaron ya la arquitectura global del último tercio de siglo.

Sin embargo, la ciudad fue pensada para 250 mil personas y se ha sextuplicado. Sus dos centrales de autobuses recibieron en su día elogios. Pero uno ve el problema cuando en el boleto lee: "La empresa no responde por daños a pasajeros que viajen en el descansillo, ni colgados por fuera".

"Hubo cosas que no funcionaron", dice Siddarth Agarwal, estudiante en la Facultad de Arquitectura. "Él diseñó de acuerdo con lo que vio en India, a su percepción. La explanada de las instituciones se pensó abierta, símbolo de transparencia, pero por seguridad, debido a la guerra, fue vetada hasta hace poco". Ese espacio, cuenta, iba a ser un chowk (mercado), pero, hecho a base de concreto; atravesarlo hoy parece a una cegadora travesía en el desierto. Al lado, en el edificio administrativo, cada burócrata ha colonizado su cubículo, al punto de adosarle aparatos de aire acondicionado o tapiar su balcón. ¿Sacrilegio? Esto no son los Alpes. La tórrida cuenca del Ganges recibe los vientos ardientes del sur y se vuelve una olla a los pies del Himalaya.

En cambio, el sector 17 -el corazón- es el ágora de Chandigarh, el centro de la vida social. Hay librerías, restaurantes y ¡bancos para sentarse! Y otra vez, letreros de abogados o de importadores cuelgan de oficinas sin ningún pudor ni estética.
Chandigarh, ¿ciudad plural?
Raghnav Kumar, otro estudiante, cuenta que el plan original consideró 14 estratos de empleados según su economía. "Pero en general se pensó para bajos costos, puedes ver ladrillo expuesto". Hoy, la ciudad se ha salido del distrito federal que es y ha entrado en el Punjab, al sur, y en Haryana, al este, ambos con normativa más laxa. La ciudad humana se asfixiaba. ¿Y el éxodo del campo?, quiero saber. "Los materiales cambian a partir del sector 22", dice Namratha Nath, su compañera. "Pero no todos encajan en los estándares de pobreza. Un pobre de aquí puede ser clase media en Delhi".

Se respira orgullo en Chandigarh. Pero para Nath- que viene de la congestionada Dibrugarh, cerca de la frontera birmana-, quien viene de otras ciudades y sabe desenvolverse en ellas no se queda en Chandigarh. Ella tampoco cuando acabe su carrera. "Debería contemplarse a la clase trabajadora de sectores informales", dice el estudiante Agarwal. "Son los que dan el carácter indio a las ciudades". Todos concuerdan y proponen Gandhinagar, la nueva capital del estado de Gujarat: "Se hizo con estos mismos principios, pero tuvo en cuenta un contexto indio".
Para recorrer Chandigarh
El Parlamento: obra del arquitecto suizo Le Corbusier. Abarca los edificios de la Asamblea,
el Secretariado y el Palacio de Justicia.

Monumento a la Mano Abierta: pieza de Le Corbusier que gira con dirección del viento y que revela a los viajeros que la ciudad está abierta a recibir a quien la visita.

El Valle del Ocio: zona considerada como el pulmón de la ciudad, un parque lineal que la atraviesa. En ella hay teatros al aire libre y diversos monumentos.

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Chandigarh: la ciudad india que soñó Le Corbusier

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"¿Pero cómo que Chandigarh no es India?", dice, contrariado, un periodista extranjero afincado en Nueva Delhi. Es, sí, un lugar común, pero es también un punto de partida. "Se dice lo mismo de Mumbai, pero este país tiene muchas caras, no sólo la que algunos creen".

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Villa Shodhan - Le Corbusier, Ellisbridge, Ahmedabad, Guyarat, India

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Villa Shodhan - Le Corbusier, Ellisbridge, Ahmedabad, Guyarat, India

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Villa Shodhan - Le Corbusier, Ellisbridge, Ahmedabad, Guyarat, India

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✅ Villa Shodhan - Ficha, Fotos y Planos - WikiArquitectura

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Introducción La Villa Shodan supone la culminación de toda una vida de investigación y ensayos en el campo de la arquitectura doméstica. En ella, Le Corbusier retomará sus invariantes adaptándolos a «un contexto tropical e indio». Es el resultado de los esfuerzos del aquitecto para llevar adelante sus ideologías desde una forma de vida nacida […]

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Villa La Roche, Square du Docteur Blanche, París, Francia

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Villa La Roche, Square du Docteur Blanche, París, Francia

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Villa La Roche, Square du Docteur Blanche, París, Francia

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Unité d'Habitation, Boulevard Michelet, Marsella, Francia

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Unité d'Habitation, Boulevard Michelet, Marsella, Francia

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Unité d'Habitation, Boulevard Michelet, Marsella, Francia

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. Después de la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de vivienda se encontraba en un nivel sin precedentes. La Unité d'Habitation en Marsella, Francia fue el primer proyecto a gran escala del famoso arquitecto Le Corbusier. En 1947, cuando Europa continuaba bajo las repercusiones de la Segunda Guerra Mundial, Le Corbusier fue el encargado de diseñar un proyecto de vivienda residencial multifamiliar para la gente de Marsella que habían sido desplazada después de los bombardeos en Francia.

Terminado en 1952, la Unité d'Habitation fue el primero de una nueva serie de proyectos de vivienda de Le Corbusier, que se centró en la vida comunal para todos sus habitantes, un lugar para hacer las compras, jugar y vivir, una "ciudad jardín vertical".

La Unité d'Habitation fue una nueva aproximación, también una primera para Le Corbusier, a nuevas formas de crear un gran complejo residencial que daba cabida a unos 1.600 residentes aproximadamente. Especialmente ya que Le Corbusier no tenía muchos edificios de una escala tan importante, sobretodo si se compara con las villas de los años 20s. Diseñando para un número tan significativo de habitantes el instinto natural lleva a diseñar horizontalmente, sobre el paisaje, en vez, Le Corbusier diseñó una comunidad que uno podría encontrar en un barrio de usos mixtos, un edificio moderno, de gran altura y residencial.

La idea de Le Corbusier de la "ciudad jardín vertical" se basa en traer la villa dentro de un volumen mayor, permitiendo que los habitantes tengan sus propios espacios privados, pero fuera de ese sector privado puedan hacer las compras, comer, hacer ejercicio y reunirse.

Con cerca de 1.600 habitantes divididos en dieciocho pisos, el diseño requiere un enfoque innovador hacia la organización espacial para dar cabida a los espacios de vida, así como los espacios públicos comunales. Curiosamente, la mayoría de los aspectos comunes no ocurren dentro del edificio, sino que se colocan en la cubierta.

El techo se convierte en una terraza jardín que cuenta con una pista de atletismo, un club, una guardería, un gimnasio y una piscina de poca profundidad. Al lado de la azotea, hay tiendas, centros médicos, e incluso un pequeño hotel, distribuido en todo el interior del edificio. La Unité d'Habitation es esencialmente una "ciudad dentro de una ciudad", que está espacialmente, así como, funcionalmente optimizada para sus residentes.

Diferenciándose de las marcadas fachadas blancas, habituales en la obra de Le Corbusier, la Unité d'Habitation se construye a partir de hormigón armado a la vista, que era el material menos costoso en la Europa de posguerra. Sin embargo, también podría interpretarse como una aplicación materialista con objetivo de caracterizar el estado condicional de la vida después de la guerra - áspera, desgastada e implacable.

A pesar de que la Unité d'Habitation no asume las mismas cualidades materiales de la mayoría de las obras de Corbusier, todavía es visible la influencia mecánica en el proyecto, además de los cinco puntos arquitecturales desarrollados por Le Corbusier en los años 20s. Por ejemplo, el edificios de gran volumen se apoya sobre masivos pilotes que permiten la circulación, jardines y reúnen los espacios inferiores del edificio; el techo jardín/terraza crea el mayor espacio común dentro de todo el edificio y el patio incorporado al sistema de fachada, minimiza la percepción de la altura de los edificios, como para crear una ventana en cinta abstracta, enfatizando la horizontalidad de un edificio tan grande.

Además, es evidente que las influencias mecánicas industriales de Le Corbusier no se han perdido en el diseño. Tan masiva como es la Unité d'Habitation, comienza a parecerse a los buque de vapor que tanto intrigaban a Le Corbusier.

El volumen masivo parece estar flotando, las extensas ventanas horizontales se asemejan a las ventanas de las cabinas que se proyectan a lo largo del casco, mientras que el techo jardín y las escultóricas pilas de ventilación aparecen como la cubierta superior y las chimeneas de humo. A pesar de que estos elementos son bastante figurativos y abiertos a la interpretación, basada en la percepción, existe una conexión inherente entre los dos.

Uno de los aspectos más interesantes e importantes de la Unité d'Habitation es la organización espacial de las unidades residenciales. A diferencia de la mayoría de los proyectos de vivienda que tienen un corredor "de doble apilado" (un solo pasillo con unidades a ambos lados), Le Corbusier diseñó las unidades para abarcar el ancho total del edificio, así como un espacio de doble altura que reduciendo el número de pasillos necesarios a un corredor por cada tres pisos.

Al reducir las unidades y permitiendo un espacio de doble altura, Le Corbusier es capaz de colocar de manera eficiente más unidades en el edificio y crear un sistema de interconexión entre los volúmenes residenciales. En cada extremo de la unidad hay un balcón protegido por un brise-soleil que permite la ventilación cruzada en toda la unidad, el aire fluye a través de los estrechos dormitorios al espacio de doble altura; enfatizando un volumen abierto en lugar de una planta libre.

La Unité d'Habitation es uno de los proyectos más importantes de Le Corbusier, así como una de las respuestas arquitectónicas más innovadoras a un edificio residencial. Tanto es así, que se dice que la Unité d'Habitation influyó en el uso del hormigón beton-brut en el estilo brutalista. La Unité d'Habitation ha sido un ejemplo de vivienda pública en todo el mundo; sin embargo, ningún proyecto similar ha sido tan exitoso como la Unité d'Habitation, simplemente por las proporciones modulares que Le Corbusier estableció durante el proyecto. No obstante, el primer proyecto a gran escala de Le Corbusier ha demostrado ser uno de sus más importantes e inspiradores.

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Clásicos de Arquitectura: Unité d'Habitation / Le Corbusier

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. Después de la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de vivienda se encontraba en un nivel sin precedentes. La Unité d'Habitation en Marsella, Francia fue el primer proyecto a gran escala del famoso arquitecto Le Corbusier.

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Capilla Notre Dame du Haut, Rue de la Chapelle, Ronchamp, Francia

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Capilla Notre Dame du Haut, Rue de la Chapelle, Ronchamp, Francia

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Capilla Notre Dame du Haut, Rue de la Chapelle, Ronchamp, Francia

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Villa Savoye, Rue de Villiers, Poissy, Francia

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Villa Savoye, Rue de Villiers, Poissy, Francia

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Villa Savoye, Rue de Villiers, Poissy, Francia

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Villa Savoye: maquina de habitar de Le Corbusier

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Entorno a 1924, Le Corbusier diseña la Maison Dominó, casa conocida por contar con un sistema estructural completamente independiente de las funciones de la casa. El proyecto consistía en la fabricación una serie de casas con una estructura de hormigón que pudieran ser construidas rápidamente y que estuvieran elevadas sobre 'pilotis' que permitieran hacer un uso libre de la fachada sin la necesidad de muros de carga.

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Casa Curutchet, Avenida 53, BAU, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Casa Curutchet, Avenida 53, BAU, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Casa Curutchet, Avenida 53, BAU, Provincia de Buenos Aires, Argentina

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Recorrer una casa como la Casa Curutchet es una experiencia que puede hacerse en muy pocas ciudades en el mundo: Es la única vivienda en todo el continente americano proyectada por el arquitecto suizo francés Le Corbusier.

Cuando en 1948 recibe en su estudio de Paris el encargo del médico cirujano argentino Pedro Curutchet para construir su casa y su consultorio en la ciudad de La Plata, Le Corbusier era el arquitecto mas reconocido en el mundo.

Hubiera sido natural que rechazara el encargo ya que en ese momento se encontraba trabajando en proyectos tan ambiciosos como la ciudad monumental de Chandigarh, en la India. Sin embargo lo aceptó, tal vez recordando la visita que había realizado a la Argentina (y a La Plata) en 1929.Nueve meses después envía los planos del proyecto por correo y propone como Director de Obra a su discípulo, el arquitecto argentino Amancio Williams, autor de otra obra memorable del Movimiento Moderno argentino: La Casa del Puente en Mar del Plata.

La Casa Curutchet tiene una fluidez espacial única protagonizada por su rampa que deviene en un "paseo arquitectónico" y por un árbol especialmente plantado en el pequeño patio que articula el área de trabajo con la casa propiamente dicha. Todos sus ambientes principales -y su estupenda terraza jardín- tienen vista a la plaza adyacente y al bosque de la ciudad. Los parasoles de su "brisse soleil" le ponen marco al paisaje. Podemos decir sin temor a equivocarnos que tener una obra de Le Corbusier en la ciudad es comparable con tener un Picasso en uno de sus Museos, ya que ambos personajes -además de contemporáneos- tienen una similar relevancia en la historia del arte y la cultura universal del siglo XX.Esa excelencia ha llevado a la Casa a ser escenario y protagonista de la película "El Hombre de al lado" - dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat con la actuación de Daniel Araoz- que ha merecido Premios en varios Festivales Internacionales de Cine. La Casa es administrada desde hace más de veinte años por el Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires por decisión de los herederos del doctor Curutchet y es para nosotros un verdadero orgullo ser depositarios de esa confianza que nos permite recibir a todos aquellos que quieran conocer y disfrutar esta pequeña maravilla arquitectónica.Los esperamosArq. Julio SantanaCoordinadorEquipo Casa Curutchet

El domingo 17 de julio, en el ámbito de la 40º Reunión del Comité del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, celebrada en Estambul durante la semana pasada, la Casa Curutchet, junto con otras 16 obras de Le Courbusier localizadas en Bélgica, Francia, Alemania, Suiza, India y Japón -países que junto con Argentina patrocinaron la candidatura de la Serie-, fue declarada Patrimonio de la Humanidad.

La Casa ha sido conservada por el CAPBA durante los últimos 26 años sin ningún tipo de subsidio. En ella se realizan innumerables actividades -exposiciones, recitales, espectáculos y proyecciones, entre otras- que son de interés particular de la matrícula y que también permiten vincular al Colegio con la comunidad.

La obra de Le Corbusier en La Plata, única del maestro francés en Latinoamérica, fue destacada porque cumple con los "Cinco puntos de una nueva arquitectura", elaborados por el suizo en 1926.

La Declaración, lograda con mucho esfuerzo y luego de dos intentos fallidos a lo largo de trece años, obliga a preservar la Casa como herencia común de la humanidad y otorga la posibilidad de obtener financiación para su conservación.

La delegación argentina en Estambul estuvo integrada por el embajador ante la Unesco, Rodolfo Terragno; el secretario de Patrimonio Nacional del ministerio de Cultura de la Nación, Américo Castilla; Miguel Angel Hildmann, en representación de la Cancillería; y los platenses Gladyz Pérez Ferrando (Comisión Nacional de Monumentos, Lugares y Bienes Históricos); Claudio Catera y Paola Gezzi (Icomos Argentina); Julio Santana (Director Casa Curutchet) y Karina Cortina (Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires).

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Recorrer una casa como la Casa Curutchet es una experiencia que puede hacerse en muy pocas ciudades en el mundo: Es la única vivienda en todo el continente americano proyectada por el arquitecto suizo francés Le Corbusier.

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Museo Jumex, Boulevard Miguel de Cervantes Saavedra, Granada, Ciudad de México, CDMX, México

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Museo Jumex, Boulevard Miguel de Cervantes Saavedra, Granada, Ciudad de México, CDMX, México

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Museo Jumex, Boulevard Miguel de Cervantes Saavedra, Granada, Ciudad de México, CDMX, México

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Mañana 19 de noviembre de 2013 se estrena el Museo Jumex, la nueva plataforma principal de Fundación Jumex Arte Contemporáneo. Conoce el edificio y la visión de la fundación para esta sede.

La plataforma de la Colección Jumex Arte Contemporáneo, abrirá sus puertas al público mañana martes 19 de noviembre. Después de tres años de trabajo, la nueva sede en la ciudad de México buscará priorizar el despliegue de programas educativos, de investigación y difusión, así como proyectos de vinculación entre arte y sociedad. La ampliación de la plataforma, como la denominó Patrick Charpenel, director de la Fundación Jumex, se inaugurará con cinco proyectos que reflejan las distintas facetas de la institución: promoción, fomento e investigación. Además, estará acompañada por una nueva plataforma digital: www.fundacionjumex.org

El nuevo Museo Jumex, diseñado por el arquitecto inglés David Chipperfield Architects con la colaboración del estudio local TAAU, es un edificio en hormigon con una imagen hibrida entre lo industrial y lo contemporáneo. Se encuentra sobre una parcela de 2.500 m2, distribuidos en cinco plantas: planta baja, donde se localizan el acceso, la taquilla, la cafetería y el patio; galerías 2 y 3, destinadas a la exposición de obras y proyectos comisariados; una tercera planta para actividades educativas y académicas; y el sótano, que contendrá la tienda y oficinas administrativas. Su arquitectura, con techos altos y ventanales de grandes dimensiones que permiten la entrada de luz natural, está basada en el concepto de lo habitable: amplios espacios abiertos que favorecen los recorridos flexibles y la visibilidad panorámica desde distintos puntos. El espacio en su conjunto fue descrito por Charpenel como: "un edificio sencillo, elegante y silencioso [...] que permite que los artistas y comisarios dispongan libremente del espacio".

Producción: Buró-Buró
Realización: Inbox Films
Música original: Dario González Valderrama

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Sir David ChipperfieldCBE. AA Dipl., RIBA, RDI, Hon.FAIA, BDA, RA, Hon Doc (Kingston). David Chipperfield estudió en la Escuela de Arte de Kingston y en la Asociación Archtectural en Londres. Después de graduarse trabajó en prácticas en las oficinas de Douglas Stephen, Richard Rogers y Norman Foster.

En 2004 fue nombrado Commander of the Order of the British Empire (CBE) por sus servicios a la arquitectura. en 2006 fue nombrado Royal Designer for Industry (RDI), y en 2007 fue nombrado miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos (Hon. FAIA) y miembro honorario de la BDA (Bund Deutscher Architekten). En 2008 fue elegido Académico Real (AR) y recibió un Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Kingston.

En 2009 fue galardonado con la Orden al Mérito de la República Federal de Alemania - el mayor homenaje que se puede dar a las personas al servicio de la nación - y en el UK New Year Honours 2010 fue nombrado Knight Bachelor por los servicios a la arquitectura en el Reino Unido y Alemania.

1984 ‐ Se crea en Londres el estudio de David Chipperfield Architects

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Inauguración del Museo Jumex en México DF

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Mañana 19 de noviembre de 2013 se estrena el Museo Jumex, la nueva plataforma principal de Fundación Jumex Arte Contemporáneo. Conoce el edificio y la visión de la fundación para esta sede. La plataforma de la Colección Jumex Arte Contemporáneo, abrirá sus puertas al público mañana martes 19 de noviembre.

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Casa Gilardi, BY RESERVATION ONLY, Calle General Antonio León, San Miguel Chapultepec I Sección, Ciudad de México, CDMX, México

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Casa Gilardi, BY RESERVATION ONLY, Calle General Antonio León, San Miguel Chapultepec I Sección, Ciudad de México, CDMX, México

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Casa Gilardi, BY RESERVATION ONLY, Calle General Antonio León, San Miguel Chapultepec I Sección, Ciudad de México, CDMX, México

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A finales de los años 70, Francisco Gilardi solicita los servicios del genial arquitecto Luis Barragán para la realización del proyecto de su casa en una calle de Ciudad de México, en un estrecho y alargado solar entre medianeras de 10×36 metros. A sus 80 años y tras casi 10 años de inactividad, Barragán aceptó el encargo, realizando así su última obra y quizás la más paradigmática de todas.

Casa Gilardi (1976)

© Taiyo Watanabe

La casa Gilardi se descompone en dos volúmenes, delantero y posterior, ambos ocupando todo el ancho del terreno y conectados por un largo corredor. El bloque delantero constituido por el volumen rosa que da a la calle se protege de esta reduciendo el número de huecos a la misma y descomponiendo su volumen hacia el interior del pequeño patio, en el que se protege y abriga el árbol Jacaranda que debía ser respetado en la construcción de la vivienda y que resalta con sus ramas y flores los altos lienzos que enmarcan este patio.

El primer volumen de la casa Gilardi está distribuido en tres plantas, en la primera nos encontramos con el acceso a la vivienda, el garaje y las zonas de servicio; en la segunda planta existe un dormitorio y la sala de estar y por último en la tercera planta se ubican dos dormitorios más. En la parte posterior de este primer volumen se anexa la cocina y junto a esta el corredor que conecta con el volumen posterior, de una sola planta, configurando el área de la piscina y salón comedor.

La disposición en planta descubre poco a poco los espacios a través de filtros de luz y silencio. Un mundo de sensaciones: sencilla entrada, el pasillo se amplia, la escalera sin barandilla levita y asciende por el efecto de luz cenital, nos atrae un emocionante corredor invadido por la suave luz amarillenta que se filtra por una serie de aberturas verticales con vidrios de color onix, para finalizar el recorrido en la estancia de la piscina, con un fondo a modo de lienzo en paredes azules, contrastando con el color rojo de la columna central y bañada por la luz cenital. Esa piscina-estar-comedor es el espacio central de la casa: un ámbito mágico donde la vida se interrumpe en un callado paso entre lo sólido y lo líquido, el estar-comedor se instala a orilla del agua de la piscina, y el muro de color rojo se hunde en ella y vibra con las geometrías producidas por la cambiante luz cenital que va transformando el espacio a lo largo del día.

Azul de Joan Miró

Con pocas referencias del mundo exterior, la casa Gilardi se exhibe en su interior mediante la belleza de sus espacios para poder ser disfrutados, afirmando así su carácter introspectivo. Los diferentes ambientes se asoman al recinto interior a través de grandes superficies acristaladas. El árbol tiene su espacio reservado, pero no actúa como protagonista, sino que es un complemento del conjunto que encuentra su escenario en el vacío del solar.

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A finales de los años 70, Francisco Gilardi solicita los servicios del genial arquitecto Luis Barragán para la realización del proyecto de su casa en una calle de Ciudad de México, en un estrecho y alargado solar entre medianeras de 10×36 metros.

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Casa Farnsworth, River Road, Plano, Illinois, EE. UU.

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Casa Farnsworth, River Road, Plano, Illinois, EE. UU.

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Casa Farnsworth, River Road, Plano, Illinois, EE. UU.

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La Casa Farnsworth, construida entre 1945 y 1951, fue diseñada por el arquitecto Mies van der Rohe, como la segunda vivienda para la doctora Edith Farnsworth. La casa está situada en medio de prados y árboles de gran tamaño, bordeando el río Fox, en Plano, Illinois, y es uno de los íconos de la arquitectura del movimiento moderno; caracterizada por ser una simple estructura metálica que sólo se cierra con vidrio.

El pabellón vidriado parece flotar y presenta una fuerte relación con su entorno, el cual preserva casi completamente, mostrando la esencia de la simplicidad en su volumen de forma pura.

Al ser una simple estructura envuelta en vidrio, el proyecto responde a la concepción de un mirador, brindando un homenaje a la belleza del espacio que circunda la casa. La transparencia permite que desde el interior se tenga plena conciencia del paisaje, pero también actúa a la inversa, incorporando el espacio interior de la vivienda al territorio de forma radical. El arquitecto elige conscientemente las condiciones del lugar que asume y el modo de afrontarlas.

Para desligar la casa de cualquier otra intervención humana, Mies decidió omitir un camino de acceso y otros elementos de urbanización. La casa permanece entre los árboles como si flotara, sin perturbar el crecimiento de la hierba, ni la periodicidad y la amplitud del río en su desbordamiento, y poder observar desde su interior esta naturaleza intacta. Durante la primavera, el río se desborda y asciende hasta 60cm por debajo del forjado inferior, completando la previsión del arquitecto, lo que consuma la imagen proyectada. Sin embargo, actuales investigaciones demuestran que el interior de la casa ha recibido agua del desbordamiento en varias ocasiones (1954, 1996, 1997 y 2008).

La vivienda se organiza a partir de dos plataformas rectangulares, a través de las cuales se prolonga hacia el entorno. La primera de ellas separada del suelo por cuatro pilares, a la cual se accede a través de cuatro escalones, actúa como terraza y carece de muros y cubierta. Desde ella, otros cinco escalones idénticos a los anteriores facilitan el acceso a la segunda plataforma, situada a 1,5 metros del suelo y que sostiene a la vivienda mediante ocho pilares de acero.

El acristalamiento completo de las paredes de la casa permite percibir a través de ella el paisaje en el que se inserta, de forma que el edificio pasa a formar parte del propio medio natural, haciéndose casi invisible.

La vivienda consta de un primer espacio, cubierto pero abierto al exterior por tres de sus lados, que se emplea como porche. Pasado éste, se accede al interior de la vivienda con una altura de 2,85 m, donde no existen muros ni divisiones interiores. Solamente un núcleo central de madera, que no llega al techo, excepto en su parte central, contrasta con la fachada de acero y vidrio contiene las instalaciones sanitarias y crea la separación entre la cocina, dos dormitorios y la sala de estar, la cual se orienta hacia el sol y el río.

A pesar de que han habido algunos problemas en la mantención de la casa, debido al desbordamiento del río y de habitabilidad por la poca ventilación en su interior, no hay duda de que esta casa es la máxima expresión del minimalismo. Se utilizaron sólo los elementos mínimamente necesarios para asegurar la estabilidad de la vivienda, como los pilares situados tangencialmente al canto exterior de los forjados, los cuales no interrumpen los planos horizontales, suelo y cubierta que se conforman de idéntica manera.

Arquitecto: Mies van der Rohe
Ubicación: Plano, Ilinois, Estados Unidos
Año Proyecto: 1946-1950
Área Proyecto: 206 m2
Referencias: www.farnsworthhouse.org, wikiarquitectura
Fotografías: Usuarios de Flickr: Greg Robbins, edlifeguard09, 24gotham, mikedugeniohansen; Usuarios de Wikiarquitectura: Hoiol, Map

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Clásicos de Arquitectura: Casa Farnsworth / Mies van der Rohe

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La Casa Farnsworth, construida entre 1945 y 1951, fue diseñada por el arquitecto Mies van der Rohe, como la segunda vivienda para la doctora Edith Farnsworth. La casa está situada en medio de prados y árboles de gran tamaño, bordeando el río Fox, en Plano, Illinois, y es uno de los íconos de la arquitectura del movimiento moderno; caracterizada por ser una simple estructura metálica que sólo se cierra con vidrio.

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Alvar Aalto

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Introducción

A lo largo de su carrera, Alvar Aalto fue siempre presentado internacionalmente como el "humanizador" y "naturalizador" de una arquitectura moderna fría y excesivamente racional, y las consecuencias radicales de su enfoque pictórico de las formas arquitectónicas sin embargo pasaron en gran parte inadvertidas.

Aalto pintó durante toda su vida viendo esto como un útil "ejercicio estético" y aprendió más que ningún otro arquitecto de las técnicas de collage inventadas por Braque y Picasso en 1912. Estás técnicas, escondidas en todo su trabajo de Paimio en adelante, se convirtieron en dominantes en el diseño de Villa Mairea (1937-40), encargada por los ricos industriales Harry y Maire Gullichsen.

Bien pudo haber sido el estímulo recibido de Maire lo que dirigió a Aalto en esta dirección. Ella había estudiado pintura en el Paris de los años 20 y poseía una de las mayores colecciones privadas de arte moderno de Finlandia.

La técnica del collage hizo posible que Aalto pudiera satisfacer brillantemente el deseo de sus clientes de una casa que fuera moderna e inconfundiblemente finlandesa.

Sin lugar a dudas se trata de una obra moderna, y se encuentra a su vez en consonancia con el paisaje y cultura de las cuales es parte y sucesivamente ayuda a redefinir. La Villa Mairea continua siendo uno de los más grandes logros artísticos del siglo.

Concepto

El resultado fue una composición asombrosa y sin precedentes en la cual columnas de líneas elegantes chocan con la presencia de toscas escaleras de piedra, donde techos de hierba descansan en vigas de hormigón, troncos desnudos flotan sobre esbeltos postes de acero y tejas arregladas de manera paralela se alzan detras de un revestimiento de teca.

En arquitectura nunca se había visto algo parecido y en manos inexpertas podía haber caído en un eclecticismo superficial. Como en un collage pictórico, cada elemento genera asociaciones del mundo real en la atmósfera de trabajo y la casa evoca recuerdos de granjas finlandesas, de iglesias medievales, arquitectura funcionalista, Hollywood (la sauna tiene una piscina en forma de alubia, simpáticamente californiana) y del periodo Edo japonés. Los acabados naturales que desde los años 50 se ven como prototipo de lo escandinavo fueron recibidos en Finlandia en los años 30 como algo inequívocamente japonés.

El Interior

La innovación más radical de todas se produce en el interior, que Aalto visualiza como una abstracción del bosque finlandés.

Columnas de acero negro envueltas en rattán para recordar la corteza pelada y el centro dorado de los pinos. Otros están revestidos con tiras de abedul, dobladas y triplicadas para sugerir la variedad de la naturaleza. Las columnas son postes de madera que amparan la escalera y entrada y cuando se pasa a su lado es como si se estuviera rodeado de árboles.

Aalto decía que quería "evitar los ritmos arquitectónicos artificiales en la arquitectura", y este extraordinario interior tan acogedor y habitable, al mismo tiempo que tan rico en implicaciones, cuestionó la necesidad de una "estructura clara" como postulaba Mies van der Rohe como base del "proyecto libre", y mostró cómo los continuos "espacios amplios y sueltos" de la arquitectura moderna podían ser transformados en múltiples espacios variados.

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✅ Villa Mairea - Ficha, Fotos y Planos - WikiArquitectura

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Introducción A lo largo de su carrera, Alvar Aalto fue siempre presentado internacionalmente como el "humanizador" y "naturalizador" de una arquitectura moderna fría y excesivamente racional, y las consecuencias radicales de su enfoque pictórico de las formas arquitectónicas sin embargo pasaron en gran parte inadvertidas.

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Pabellón Mies Van Der Rohe, Avenida Francesc Ferrer i Guàrdia, Barcelona, España

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Pabellón Mies Van Der Rohe, Avenida Francesc Ferrer i Guàrdia, Barcelona, España

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Pabellón Mies Van Der Rohe, Avenida Francesc Ferrer i Guàrdia, Barcelona, España

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Mies van der Rohe y Lilly Reich

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Ludwig Mies van der Rohe nace en Aquisgrán el 27 de marzo de 1886, hijo de Jakob Mies (negociante de mármoles) y Amalia Rohe. En 1913, con su esposa Ada Bruhn se traslada a Werder (a las afueras de Berlín), donde se instala. Allí nacen sus hijas Marianne y Waltrani, y más tarde Dorotea, que cambia el nombre por el de Georgia. Hasta entonces, sus relaciones personales y profesionales se habían desarrollado entre las familias acomodadas. La guerra de 1914-1918 trastocó dichas relaciones; Ludwig se separa de su familia y entra en contacto, de la mano de Hans Richter, con la vanguardia del momento: Van Doesburg, Man Ray, Hilberseimer, Walter Bejamin y Raoul Hausmann, entre otros.

Desde su participación en la exposición de viviendas de Weissenhof, en Stuttgart, entre 1925 y 1927, mantiene una relación con la diseñadora e interiorista Lilly Reich que se prolonga hasta 1939. Colaboran en la Glassraum ('habitación de vidrio') de l'exposición de Stuttgart de 1927, así como en el Pabellón de Barcelona del año 1929, en la casa Tugendhat de Brno entre 1928 y 1930, y en la casa que presentaron en la exposición de Berlín de 1931.

En el año 1930, el alcalde de Dessau le propone dirigir la Bauhaus, donde sucederá a Hannes Mayer, que la había dirigido desde 1928 en sustitución de su fundador Walter Gropius. Le ayudan en este periodo Lilly Reich y Hilberseimer. Posteriormente, la mayoría nazi del Consejo Municipal de Dessau surgida de las elecciones de 1931 decide clausurarla, lo que obliga a trasladarla a Berlín como centro privado adscrito a Mies van der Rohe. Éste negocia con el ministro nazi Rosemberg y, finalmente, en 1933 decide cerrarla antes que ceder a las presiones ideológicas que recibía; también la falta de recursos influyó en ello.

Mies se instala en los Estados Unidos en 1938, concretamente en la ciudad de Chicago, donde trabaja en la escuela de arquitectura del Armour Institute of Technology, de la que es nombrado director. Proyecta y construye el campus del nuevo Illinois Institute of Technology, así como sus edificios prismáticos, con estructura de acero y cierres de obra vista y cristal.

Lilly Reich se introdujo en el campo de la arquitectura después de haber estudiado diseño e industrias textiles. En 1908 se trasladó a Viena, donde trabajó en el Wiener Werkstätte, una asociación de artistas, arquitectos y diseñadores que apostaban por la integración de todas las artes en un proyecto común, sin distinción entre artes mayores y menores. También trabajó brevemente con el arquitecto Josef Hoffmann, uno de sus ideólogos. Volvió a instalarse en Berlín en 1911, trabajando ya de forma independiente. Ahí entró a formar parte de la Deutscher Werkbund, una asociación fundada en 1907 formada por industriales, arquitectos y artistas y que marcó el diseño industrial alemán. Lilly Reich destacó por sus ideas y capacidad organizativa, adquiriendo cada vez más responsabilidades hasta ser nombrada su directora en 1920.

Entre 1925 y 1938 Lilly Reich y Mies van der Rohe colaboraron estrechamente en diferentes proyectos, y en 1928 fue nombrada "directora artística" de la sección alemana de la Exposición de Barcelona, compartiendo así el mismo cargo que ostentaba Mies van der Rohe. Su situación en la Alemania Nacional Socialista no fue fácil, estuvo tres años en un campo de trabajos forzados durante la guerra. Tras el conflicto, luchó por intentar que Berlín recuperara cierta normalidad, y fue la responsable del restablecimiento de la Deutscher Werkbund, que finalmente se restituyó en 1950, después de su muerte.

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El Pabellón - Fundació Mies van der Rohe

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El Pabellón Alemán de Barcelona fue diseñado por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich como pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona que se celebró en Montjuïc. El Pabellón de Barcelona, obra simbólica del Movimiento Moderno, ha sido estudiado e interpretado exhaustivamente al tiempo que ha inspirado la obra de varias [...]

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Casa de la Cascada, Mill Run Road, Mill Run, Pensilvania, EE. UU.

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Casa de la Cascada, Mill Run Road, Mill Run, Pensilvania, EE. UU.

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Casa de la Cascada, Mill Run Road, Mill Run, Pensilvania, EE. UU.

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Frank Lloyd Wright -

Vivienda unifamiliaR.

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Hoy hacemos un homenaje a la vivienda ganadora del Campeonato de Viviendas Unifamiliares que hemos organizado en COSAS de ARQUITECTOS, la Casa de la Cascada. Para ello utilizaremos un texto de Gema Alfaro Simón, arquitecta de GAS estudio y compañera nuestra del curso de doctorado " Crítica de la Arquitectura " en la ETSAM que nos ofrece una visión diferente de esta vivienda. Muchas gracias por tu colaboración.
La Casa de la Cascada, 1935 - Frank Lloyd Wright
"Todo lo que trata de producir efecto es estrepitoso o de mal gusto". (1)

La Casa de la Cascada, la Casa Mito, la obra residencial por excelencia del siglo XX, es el efectismo máximo en obra de arquitectura, de gran belleza, que aparentemente y debido al impacto buscado por Wright nos deslumbra pero que precisamente por eso, y debido a su interés, debemos de tratar de analizar con perspectiva no artística, sino desde la integridad de la buena arquitectura y su eficacia.

Partiendo de una gran admiración tanto por el arquitecto como por la belleza de la obra, es por lo que la emplazamos como Obra de Arte y por lo que le hace daño a la Historia de la Arquitectura si se la analiza como Obra Arquitectónica, entendiendo que esta solo puede ser aquella que es poética, suma indisoluble de Verdad (constructiva), Bondad (funcional) y Belleza (razón geométrica).

El trinomio paisaje, agua y arquitectura evoca necesariamente a la Casa de la Cascada o Fallingwater, la casa que Frank Lloyd Wright diseñara para el comerciante y filántropo Edgar J. Kaufmann en 1935, en Pennsylvania, Estados Unidos.

La Casa de la Cascada, la residencia privada más famosa del siglo XX, pretende armonizarse con su entorno natural proponiendo una sucesión de volúmenes que dan la impresión de levitar sobre el agua. Como dijera Franklin Toker (2) en su Fallingwater Rising, " Visitar la Casa de la cascada tiene poco que ver con arquitectura o ingeniería: la calidad que percibimos aquí es esencialmente espiritual ".

Pero aquí buscamos, analizamos y hacemos crítica de arquitectura, no de puro efecto sensitivo alejado de la Calidad con mayúscula, que huye siempre de esa facilidad para deslumbrar.

La Casa de la Cascada sigue los principios de la " Arquitectura orgánica " enfatizados por el autor en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser humano o cliente.

Lo que nos interesa de cada edificio y nuestro punto de reflexión es saber a que nivel son auténtica arquitectura, como identidad entre estructura, forma e imagen, y es lo que buscamos en el análisis de la obra de Wright aparte del " espectáculo " de belleza gratuito del cual obviamente está colmada. Nos preguntamos si la forma es apropiada a la función, si la escala es apropiada a la forma y la función, si el orden constructivo es el adecuado y los materiales responden al lugar.

Obra muy conocida, mítica y por eso mismo objeto y necesidad de una crítica justificada en la labor social de esta crítica cuando es verdadera, para poner en cuestión el mito asociado inevitablemente a la falta de espíritu crítico.
Y qué mayor mito que la residencia más famosa del mundo?
Se trata de una gran obra pero con evidencias de falsedad concluyente que son las que la hacen objeto interesante de un análisis pormenorizado.

La gran obra plástica de Wright, es una escultura más que arquitectura en si misma gracias entre otras cosas a sus voladizos, que maravillan en el lugar y en las fotografías pero que son más efectistas que estructurales.

Es una construcción neoplástica en cuanto a un orden previo impuesto, evidente en sus plantas celulares en las zonas de escaleras y dormitorios.

Al igual que en los primeros bocetos de Villa Mairea (3), las inspiraciones de Wright se relacionan con la búsqueda de formas de la naturaleza, persiguiendo una visión humanizada de los espacios y desligándose de la abstracción total aunque sigue guardando cierta relación con lo racional; evidenciándose estos " lugares comunes" en ambas en las plantas discordantes y el propagandismo estético exagerado de su belleza como objeto, aunque siendo claramente la obra de Aalto " perdedora " de la comparativa.

Wright, discípulo de los grandes arquitectos de la Escuela de Chicago, como Louis Sullivan o Henry H. Richardson, tuvo influencia en casi todos los grupos de vanguardia europeos. Sin embargo, se trata de una influencia entendida en términos formales, compositivos y espaciales, sin asumir el contenido ideológico.

La modernidad de su lenguaje arquitectónico procedía de una suma de metáforas y símbolos, en los que la historia y la naturaleza constituían los argumentos decisivos de su idea del proyecto y de la arquitectura, motivo por el cual sus edificios nunca participaron de las preocupaciones racionalistas y funcionalistas de los arquitectos europeos.

Era la imagen, la forma, de la arquitectura la que podía ser manipulada para confirmar la modernidad de las relaciones entre arquitectura y máquina, entre arte e industria. Un lenguaje nuevo que, sin embargo, había nacido de presupuestos antagónicos con los de los movimientos europeos. Porque Wright incorpora esos temas para someterlos a la arquitectura, no para buscar un acuerdo, un entendimiento. Utiliza la máquina y la técnica para hacer verosímil su coloquio con la naturaleza, tratando de integrar el progreso técnico en el mito del retorno a la tierra, buscando un equilibrio antiurbano que permitiese aprovechar las ventajas del desarrollo tecnológico en el campo, en la naturaleza.

Autócrata artístico, ha llegado a ser el arquitecto populista por excelencia, consecuencia también de la soberbia autopromoción que el mismo hacía de su trabajo, como en la presentación pública de la Casa de la Cascada, evidenciando su audacia y voluntad de romper fronteras en todos los frentes, demostrando al mundo su soberbia unidad de una casa y una cascada.
1. Enclave.
Kaufmann quería ver el agua del torrente desde su casa, pero, el agua es lo único que no se ve desde los ventanales y las audaces terrazas. El agua se escucha, retumba bajo el suelo y aunque estando tan presente no se puede ver el ruido continuo es tan ensordecedor que puede acabar siendo una tortura y haciendo que la vida en el interior de la casa se vuelva imposible.

No puede ser por tanto un buen proyecto a pesar de su belleza y efectismo estético si ya de inicio la principal función de una residencia, habitar, no puede ser realizada con comodidad. Si el buen proyecto es autónomo, La Casa de la Cascada no se debe ni obedece a su principal función.

Desde hace muchos años, La Casa de la Cascada no es una vivienda, sino un lugar de culto para los turistas fervorosos de la arquitectura.

Nueve meses transcurrieron desde la primera vez que Wright viera el terreno hasta que plasmara el proyecto en un plano. Durante ese tiempo, se han documentado por los menos tres visitas de Wright a Bear Run, en las que concebiría el edificio en su cabeza. Luego fue dibujada en tan sólo 140 minutos.

Durante ese tiempo, muchos elementos hubieron de confluir en la mente de Wright para producir un resultado tan peculiar: desde sus trabajos previos en la Casa Robie, la Casa Gale o el Taliesin (4) hasta la propia influencia de los arquitectos europeos. Desde las formas suavizadas y terrosas de San Ildefonso Pueblo que le fascinaban, hasta los dibujos japoneses de cascadas que coleccionaba producto de su viaje a Japón.
2. Influencias.
Las Casas de la Pradera (5) en las que puso de manifiesto su idea de Relación Orgánica (integración entre arquitectura, individuo y naturaleza), desarrolladas entre 1910 y 1930 definieron una forma de abordar los proyectos que influyó enormemente en La Casa de la Cascada.

Busca en el proyecto conseguir un espacio abstracto y continuo, armonizado con la naturaleza, extendiendo y acentuando los planos paralelos al suelo, usando los materiales como excusa para organizar la estructura del edificio. La construcción la levanta sobre un basamento de piedra del lugar para que forme parte de este pero con reminiscencias clasicistas. Los materiales empleados tienen aparte de su ya mencionada función ostentosa, una función ornamental y compositiva en su propia presencia.

El edificio busca inicialmente pone en práctica los principios defendidos por el arquitecto de destrucción de la caja arquitectónica, simplicidad formal, integración entre arquitectura y naturaleza, volúmenes descompuestos en planos y articulados asimétricamente.

Pero el resultado de buscar en exceso la belleza, el objeto artístico, es que la Casa de la Cascada es un edificio alejado tanto del racionalismo como de las formulaciones del Estilo Internacional, siendo un símbolo de su poética artística de la arquitectura orgánica y como tal nunca podrá ser arquitectura moderna de calidad y si un bella obra de arte.
3. Emplazamiento.
En el asentamiento predominan dos elementos, el arroyo y la cascada y los salientes de roca sobre los que se asienta la casa para destacar el medio natural y sin embargo la poderosa imagen expresiva del edificio, con volúmenes tan efectistas y planos volados, más que diluirse en la naturaleza parece someterla a la construcción.

Wright quiere mostrarnos la verdad del lugar, la casa verdadera surge de un emplazamiento específico, es lo único que nos puede mostrar arquitectura y belleza como verdades absolutas. En la Casa de la Cascada el lugar es el único para este proyecto y este inicialmente impone los materiales, la forma, el todo de la obra. Son los que son y no podrían ser otros. Otra nueva contradicción al servicio de la escena buscada por al arquitecto, censurable en cualquier caso.

El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo, las cuales sirven de cimentación del edificio. La zona tiene un relieve ligeramente accidentado, un bosque de árboles caducifolios que se mantiene prácticamente virgen ya que solo un camino peatonal conduce a la casa, y el arroyo, en el cual está la cascada de la casa. Del terreno del lugar se extrajeron rocas que conforman mamposterías de la parte baja de las fachadas del edificio, colocadas en ese lugar para crear una progresión desde la roca natural del suelo hasta el hormigón de las partes altas.
4. Economía.
La vivienda por el tipo de cliente que tenía y los alardes del propio arquitecto hace un importante salto adelante en el poder económico. La economía de medios inherente a una buena estrategia de proyecto no está contemplada, es más se evita en beneficio de una ostentación del poder de decisión del arquitecto y económico y de mecenas del arte del cliente.

Independientemente de usar los materiales que integraran el proyecto en el lugar, se hace todo con hormigón y piedra (materiales nobles, caros, evidencias del poder económico), lo que da una cualificación especial pero nos separa nuevamente del arquitecto poeta que piensa solo en construcción 6 y nos lleva a plantearnos...
Y si el Kaufmannn hubiera propuesto forrar La Casa de la Cascada en oro?? Servilismo al poder económico del filántropo benefactor a qué precio? 5. Neoplástico.
Existen tres niveles, con los usos dispuestos en plantas racionales. Cada uno tiene terrazas en voladizos sobre la cascada y el arroyo y una escalera exterior que los conecta, así como otra escalera, entre dos muros de piedra que permite el acceso al estanque natural bajo la casa.

Wright emplazó la casa en la misma dirección que los salientes, dinamizando el espacio mediante galerías y escalonamientos. Los muros de piedra remiten a esos salientes y a la naturaleza del lugar de la cual " nace " la casa y crean una atmósfera protegida y cavernosa. Y justo encima de la cascada, frente a la vegetación y la cañada, el plano abre la casa mediante terrazas y ventanales en los pronunciados voladizos.

El tener un orden imperativo inicial es manifiesto de la influencia neoplástica que manda sobre las plantas del proyecto, y dado que el abanico de estilismos y formalismos es amplio y plano, y puede llevarnos a plasticismos que vierten en perversiones de la forma indiferentes a la materia, es una manera de ordenar estas.

Las plantas son desiguales es disminución de orden, claridad y calidad según se va subiendo en sección, y también van siendo más celulares en la parte trasera de la mismas, en la zona anclada a los salientes de la espalda, con una disposición dentada de las piezas en esa parte trasera y en torno a la escalera. En la planta superior en la zona de dormitorios la planta es mucho menos racional y los espacios en ella están pre- encerrados hasta llegar al despacho en la tercera planta que queda como un auténtico espacio residual.
6. Espacio influenciado.
A pesar de este influjo que vemos en Wright de la arquitectura neoplástica europea y del primer racionalismo alemán, J.J.P. Oud (6) llegaría a afirmar, en 1926, que " la influencia de este genio dominó las vanguardias ".

Pero hay una diferencia fundamental entre Wright y la vanguardia europea según afirmó el propio Oud: "No obstante lo que en Wright era exuberancia plástica, sensual abundancia, ha pasado a ser en el cubismo abstinencia espiritual y ascetismo puritano; la suntuosidad que convenía a la high-life americana se vio reprimida en Europa en favor de una abstracción surgida de otros ideales".

Wright siempre rechazó, por su parte, el racionalismo más funcionalista europeo.

En la cara norte de la casa, la opuesta a la que " vuela" sobre el arroyo, hay una serie de pérgolas a modo de toldo que transcurren desde la pared exterior hasta un talud de piedra que se eleva sobre el camino que conduce a la entrada. A este sitio se le conoce como el " bosque de la casa ". Dos pérgolas describen un arco que esquiva el tronco de dos árboles.

Este recurso, otro golpe de efecto más, lo usó Wright para dejar claro el respeto a la naturaleza con el que está diseñada la casa. Las sombras que proyectan las pérgolas se asemejan a las de los troncos, efecto que hace que la sombra de la casa se difumine en las de los árboles. En el suelo de la terraza del despacho se dejaron dos huecos para que fueran traspasados por dos árboles. Éstos se murieron durante la construcción de la vivienda y no se llevaron a cabo dichas aberturas.
7. Estructura.
Los voladizos de la Casa de la Cascada aparte de marcar el plano horizontal de la misma eran un alarde ingenieril que permitía acrecentar el ego del arquitecto. Ya durante la obra los asombrosos voladizos de hormigón de las terrazas fueron punto de debate con el contratista que exigía su refuerzo con armados y se resistía a retirar los encofrados de la estructura.

Las previsiones de Wright para la estructura, como la lógica fuera de alardes adelantaba, no fueron acertadas; los grandes vuelos con parte de las tensiones transmitidas a muros, algunos sobre otros voladizos, han provocado a lo largo del tiempo excesivas deformaciones y fisuras. En 1995 la Junta de Conservación de Pennsylvania encargó a Robert Silman un análisis sobre su estructura, este ingeniero llegó a comentar la gravedad de las flechas en las vigas de la casa y el peligro de desplome que suponía, por lo que se apuntaló. Años más tarde se iniciaron las costosas obras de restauración, que aun hoy en día son insuficientes ante el continuo deterioro de la construcción.

Esto nos lleva a un nuevo punto de atención en la crítica del edificio junto a la habitabilidad. La buena arquitectura, la poética, debe de tener razón funcional y constructiva, si es una vivienda deber de tener buena habitabilidad y por su puesto cualquier arquitectura debe de tener durabilidad estructural.

La identidad de verdad, bondad y belleza nos hace dudar o más bien directamente nos cuestionamos sobre el valor de una arquitectura visualmente admirable que, sin embargo, resulta ser muy frágil y que además nunca fue muy práctica para la vida de quienes debían habitarla.
8. Utilidad.
Le Corbusier, dijo, con claridad terminante, hasta con cierta crudeza, que " Una casa es una máquina de habitar". " Bella como una máquina de guerra " que es una frase poética de Gil de Biedma. La belleza auténtica está en lo que resulta práctico y permanece útil.

La Poética implica una forma, nunca se refiere a la forma por la forma pura. Por el contrario trata de una forma determinada por materias, estructuras, tejidos, textos y contextos. El caso de la poesía es ejemplar: el significado nace de la estructura, la palabra significa en función de la estructura en que se encuentra y a la que constituye para darle otro sentido.

A través de la poética se puede conocer la determinación interna de una obra como La Casa de La Cascada, si se trata o no de algo más que simple construcción, si es solo una obra artística. Su principal objetivo es descubrir el nivel de verdad constructiva, funcional y formal que, de modo simultáneo, alcanza el proyecto cuando estamos hablando de arquitectura moderna de calidad.

Nivel de verdad o autenticidad donde no son los efectistas elementos ni siquiera las falseadas estructuras lo principal, sino el hecho de la determinación interna de la obra, capaz de sintetizar en la poética un óptimo conjunto geométrico entre elementos, estructuras y sistemas.
9. Orden Constructivo.
El orden constructivo no es del todo adecuado a la forma. Muros pesados de piedra de la planta primera y segunda, remarcando la identidad con la materia del lugar apoyan sobre los voladizos por lo que se genera un sobrepeso en estos y hay que reforzarlos con nervios de acero, generando una falsedad constructiva a pesar de la maravilla estética. Este es una de las grandes mentiras y contradicciones que oculta la obra.

Estos muros, que quedan como separadores, son elementos evidentes de falseo en un análisis de las terrazas de los voladizos, apoyándose en estos, con la contracción estructural que supone. Si este voladizo tiene que soportar un peso extra que altera su condición esencial y que obliga a un refuerzo de la estructura que altera su sustancia estructural es obvio que no había que hacer una llamada de atención sobre este, poniendo de manifiesto de nuevo el exagerado ego del arquitecto. No solo no tiene sentido hacerlo, no responde a ninguna verdad, pero mucho menos publicitarlo, hacer de la falsedad conocida elemento de propaganda de una " virtud"; desvirtúa la intención y la calidad del buscado " efecto " final.

Esta suma de giros e intenciones nunca podrá ser poética.

La poética es la responsable de racionalizar las emociones humanas. Podemos entender poética aquí como el método de obtención racional de las leyes que configuran el conjunto organizado de elementos del organismo " espacio interior " de la vivienda.

La poética como meta-método constructivo proyectual, como camino entre la Teoría y la Práctica, tiene un rasgo intelectual porque es capaz de combinar opuestos y obtener un resultado nuevo que elimina y trasciende los contrarios, haciendo nacer un nuevo todo, una nueva unidad, el buen proyecto, el proyecto necesario, el no inventado.

Usando esta poética arquitectónica damos con la clave de la calidad en el proyecto arquitectónico que es la verdad, intenta ser el que es, por lo que no ha lugar a contradicciones. Es auténtico porque alcanza a ser lo que es en potencia.

" Estructura es razón poética " que decía María Zambrano. La estructura es una primera objetividad de la forma, es lo que nos permite conocer las cosas.
10. Escala.
Se aprecia claramente en las fotografías cuando tienen personas dando escala gráfica y aun más en la realidad; como la escala del edificio, es infinitamente menos a lo esperado, dada la grandilocuencia con la que el arquitecto implanta la obra en el entorno natural y la acomete. Es más relevante en los antepechos de los voladizos, ridículamente bajos para lo esperado.

Es un gazapo del arquitecto que inmediatamente nos hace reprocharle su exceso de manipulación y arrogancia al hacer la llamada de atención sobre esos falsamente robustos y resistentes voladizos sobre la cascada.
11. Contradicciones.
La Casa de la Cascada tiene varias contradicciones, graves, que la dejan en la categoría de obra de arte a pesar de su belleza.

La primera de ellas es la influencia en las vanguardias pero solo en términos formales, compositivos y espaciales, sin asumir el contenido de estas. La modernidad procede de la suma de una suma de metáforas y símbolos, con la historia y la naturaleza como elementos decisivos del proyecto.

El edificio al final no tiene preocupaciones funcionalistas ni racionalistas. Manipula la forma para confirmar la modernidad de las relaciones entre arquitectura y la técnica.

Utiliza la máquina y la técnica para hacer verosímil su coloquio con la naturaleza.

Tiene influencia en las vanguardias (neoplasticismo) pero Wright lo hace por exuberancia plástica en vez de por abstracción. El ya mencionado rechazo del arquitecto al racionalismo funcionalista europeo.

La Casa de la Cascada tiene valor como símbolo poético orgánico pero alejada del racionalismo y de las formulaciones del estilo internacional. Manipula y exagera su imagen expresiva con los volúmenes y planos volados de tal forma que al final más que diluirse en la naturaleza parece someter la arquitectura a esta.

El Mito de la " Obra de Arquitectura " por excelencia se crea al estudiarla o simplemente verla con falta de espíritu crítico.
Conclusión
Como críticos debemos de exigir calidad, que un proyecto sea poética, que sea la suma de verdad, razón y belleza. Wright fue un gran arquitecto que en algunos de sus edificios intentó alcanzar la razón constructiva, funcional y geométrica y para aprovechar al máximo su excelencia hay que desenmascarar, es nuestra obligación, el mito en su gran obra de arte residencial, diferenciando entre lo accesorio y lo esencial.

1. Mito del genio tanto de creación intuitiva como de alarde ingenieril cuando los voladizos después se han combado de forma peligrosa necesitando refuerzos para no derrumbarse.

2. Mito de la sinceridad. Presentaba la arquitectura y belleza como verdades absolutas; la casa surgía del emplazamiento, de las necesidades de un cliente y de la esencia de materiales y estructura para así garantizar un proyecto de calidad y sin embargo esto se manipula para sustentar un voladizo asombroso, retoca proyectos concebidos años anteriores o soluciones ideadas para otro emplazamiento que no era el arroyo Bear, falsea la escala del edificio para lograr mayor efectismo.

3. Mito de la fidelidad a la naturaleza de los materiales, usándolos en ocasiones de manera inadecuada o presuponiendo cualidades excesivas a soluciones o materiales que no estaban suficientemente ensayados como le ocurrió en la estructura.

Pero como humildes críticos debemos reconocer que en todos estos mitos que crean el Gran Mito de La Casa de la Cascada hay parte de verdad.

Es cierto que Wright tuvo la audacia y la voluntad de romper fronteras estructurales, artísticas o sociales sin que esto le llevara siempre después a ejecutar los proyectos con poética. Sin embargo consiguió ser un gran proyectista que moldeó su entorno de trabajo de manera que le permitiera trabajar como el deseaba, haciendo obras de una cierta calidad y otras, como nuestro objeto de estudio, de una gran belleza.

Su " flexibilidad creativa" tanto respecto a las condiciones del proyecto de La Casa como consigo mismo frente a la teoría de organización abstracta de espacios y estructura dada por una construcción, y una necesidad de programa para alterarla según las necesidades del proyecto o las suyas propias, lo alejan de la transformación de la realidad pura, del buen proyecto, del proyecto autológico.

La mayor falsedad está en su gusto por presentar su obra como el resultado inevitable de principios fundamentales, por querer hacer predominar sobre sus elementos iniciales el efectismo del objeto artístico creando eso si una obra de arte de gran belleza dentro de la historia popular de la arquitectura de masas.
Anotaciones:

1. Honorato de Balzac, La Obra Maestra Desconocida.

2. Franklin Toker, profesor de la historia del arte en la universidad de Pittsburgh, por tanto opinión que no nos resulta valida si fuera arquitectura, sobre arquitectura no opinamos tenemos criterio certero pero esto es arte.

3. Villa Mairea, Aalvar Alto, Finlandia, 1937, obra contemporánea a la Casa de la Cascada y también posible objeto de un interesante análisis de crítica de arquitectura.

4. Obras previas del arquitecto determinantes en su línea de actuación posterior. En Taliesin construyo varios refugios y su escuela está allí localizada basada en las relaciones maestro discípulo.

5. Prairie-houses, conjunto de viviendas unifamiliares desarrolladas entre 1903 y 1910.

6. Jacobus Johannes Pieter Oudon, arquitecto holandes de principios del s XX, defensor del neoplasticismo en la arquitectura y pricnipal representante del movimiento moderno.

Bibliografía:

1. Frank Lloyd Right, , 1998. The Frank Lloyd Wright Fundation. Editorial Gustavo Gil SA, Barcelona.

2. Fallingwater, 2002. Robert Mc Carter. Editorial Phaidon Press Limited ,London.

3. http://www.fallingwater.org/

4. Ni robot ni bufon. Manual para la crítica de arquitectura. 1999. Antonio Miranda. Ediciones Cátedra, S.A, Madrid.

5. Antología de Arquitectura Moderna (1900-1990). 1992. Antonio Miranda. Editorial Turégano-Redondo. Madrid.

Autora: Gema Alfaro Simón

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La casa de la cascada (1935) - Frank Lloyd Wright

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Hoy hacemos un homenaje a la vivienda ganadora del Campeonato de Viviendas Unifamiliares que hemos organizado en COSAS de ARQUITECTOS, la Casa de la Cascada . Para ello utilizaremos un texto de Gema Alfaro Simón, arquitecta de GAS estudio y compañera nuestra del curso de doctorado " Crítica de la Arquitectura " en la ETSAM que nos ofrece una visión diferente de esta vivienda.

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Soler & Godoy Cruz, Buenos Aires, Argentina

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Soler & Godoy Cruz, Buenos Aires, Argentina

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Soler & Godoy Cruz, Buenos Aires, Argentina

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ATV arquitectos - Proyecto Viviendas

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Sens Luxury Homes:
una nueva forma de habitar la ciudad.

Una obra proyectada para vivir inmersos en la ciudad y, a la vez, en la naturaleza. El edificio se desarrolla en una manzana completa, rodeado de plazas y con un extenso parque central que lo nutre de espacios verdes propios.

Con amplias y luminosas unidades que llegan hasta los 520 m² y cuentan con terrazas y piscinas, Sens Luxury Homes propone una nueva forma de habitar, vivir y sentir la ciudad, transcendiendo los bordes para conectar con su entorno, con lo natural y con las necesidades de quienes lo habitan.

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Sens Luxury Homes: una nueva forma de habitar la ciudad. Una obra proyectada para vivir inmersos en la ciudad y, a la vez, en la naturaleza. El edificio se desarrolla en una manzana completa, rodeado de plazas y con un extenso parque central que lo nutre de espacios verdes propios.

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Mile City, Honghe Hani and Yi Autonomous Prefecture, Yunnan, China

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Mile City, Honghe Hani and Yi Autonomous Prefecture, Yunnan, China

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Mile City, Honghe Hani and Yi Autonomous Prefecture, Yunnan, China

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Ladrillos - Curvas - Luz

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ubicado en el edificio "50% Cloud", el restaurante persigue el lenguaje de diseño de los complejos arquitectónicos de ladrillo rojo diseñados por Luo Xu, incorporando al mismo tiempo un toque sutil de Art Decó, para mantener su propia identidad. Sin ningún elemento de acero, esta "utopía" construida sobre suelo rojo está completamente compuesta de ladrillos rojos locales. Mezclada con la naturaleza, la estructura parece una instalación de arte y la mitad de una nube que se ondula en el cielo. Cuenta con fachadas sólidas, contornos curvos y volúmenes erigidos a alturas asombrosas.

Los arquitectos prestan atención al diseño de la entrada de cada edificio. Inspirado en la terraza de la provincia de Yunnan, CCD aprovechó ingeniosamente la forma arquitectónica y le dio un nuevo aspecto. El espacio interior extiende las curvas naturales de los exteriores, caracterizados por arcos de grandes luces y techos altos.

Las aberturas redondas están talladas en los techos para permitir que la luz del día se filtre. Las fuentes de luz natural en todo el edificio están distribuidas de manera uniforme, permitiendo que sus usuarios interactúen con la luz del día y las sombras de las nubes.

Todos los elementos de diseño se disponen a base a la luz que proveen los tragaluces. La luz natural cuenta el paso del tiempo a lo largo del día y crea experiencias espaciales diversificadas.

El equipo de CCD extrae las líneas curvas del edificio y las aplica a todo el espacio interior. Cada objeto del espacio es una obra de arte. El panel de acero curvo en la entrada lleva a los huéspedes a ingresar al interior mientras agrega un toque artístico al espacio y también evoca la imaginación.

La exuberante vegetación del interior anima el ambiente del comedor. La luz natural se proyecta sobre los ladrillos en bruto, que se combinan bien con una iluminación suave y muebles de buen gusto; juntos producen un ambiente que alienta a los huéspedes a interactuar con el espacio y la naturaleza. El diseño interior general se convierte para cenar en fantásticas experiencias multisensoriales.

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Más información Menos información Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ubicado en el edificio "50% Cloud", el restaurante persigue el lenguaje de diseño de los complejos arquitectónicos de ladrillo rojo diseñados por Luo Xu, incorporando al mismo tiempo un toque sutil de Art Decó, para mantener su propia identidad.

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Vivienda social - etapas

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. El año 2009, la empresa forestal Arauco nos encargó desarrollar un plan para apoyar a sus trabajadores y contratistas a tener acceso a su vivienda definitiva. Específicamente se trataba de desarrollar unas tipologías de vivienda dentro del marco de la política habitacional vigente tanto para el Fondo Solidario de Vivienda I (hasta 600 UF sin deuda, unos 25.000 dólares) como para el FSV II (hasta 1000 UF con crédito hipotecario, unos 40.000 dólares ). Estos diseños serían aportados por la empresa como una especie de subvención para que los comités de vivienda postularan a fondos públicos.

La importancia de este proyecto radica en que por primera vez incursionamos en el tramo inmediatamente superior de la política habitacional. En la medida que pudiésemos desarrollar una tipología innovadora y competitiva estaríamos ampliando el potencial ámbito de contribución al problema de la vivienda. Para ello, en vez de tomar una de las viviendas más económicas que nosotros mismos habíamos desarrollado y entregarla más terminada (dada la disponibilidad de una mayor cantidad de recursos), ideamos una tipología que volvió a aplicar el principio de incrementalidad y concentración prioritaria en las componentes más complejas, pero que tuvo un piso inicial y techo final de crecimiento de estándar mayor.

También la vivienda para el Fondo Solidario I fue replanteada, innovación que fue posible no sólo por el financiamiento directo de Arauco, sino además porque el volumen de unidades demandadas permitía absorber los costos de tal innovación. El Plan estima una demanda de 9,000 unidades a ser implementadas en alrededor de treinta localidades.

Finalmente, una de las cuestiones más relevantes de este plan, es que la mayoría de los proyectos es para pueblos y ciudades que tienen entre 10,000 y 20,000 habitantes. En localidades de ese tamaño un proyecto de vivienda, para bien o para mal, tiene muchísimo impacto y en general es en este tipo de poblados, de los cuáles hay muchos en Chile, donde se observa la menor calidad urbana. Es en tipo de lugares por tanto, donde cualquier aporte tiende a ser más significativo.

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Más información Menos información Descripción enviada por el equipo del proyecto. El año 2009, la empresa forestal Arauco nos encargó desarrollar un plan para apoyar a sus trabajadores y contratistas a tener acceso a su vivienda definitiva.