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A Little Death | Sam Taylor-Wood | Music rescored (unofficial) by Mohamed Shameer

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Martha Rosler - Semiotics of the Kitchen  1975

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Huile sur toile, 275 × 345 cm

Notice

Peintre, poète, décorateur de théâtre, Gilles Aillaud est un artiste polyvalent, philosophe et voyageur. A partir des années 1960, renouant avec la peinture classique, il peint des zoos et des paysages. Il évacue le problème de la perte du sujet, qui taraude toute la peinture du XXe siècle, et travaille sur le motif.

Les scènes de zoo prennent une place centrale dans sa production. Mais la présence de ces bêtes sauvages rendues captives ne se résume pas au thème de l'enfermement. Si Gilles Aillaud choisit de peindre des cages, c'est qu'il s'intéresse à ce qui se donne à voir et aux conditions même de ces visions. Le zoo, avec ses différents espaces, est une espèce de théâtre, dont les acteurs ne savent pas qu'ils jouent.

Toujours à hauteur d'yeux et comme prises sur le vif, ses images dévoilent les dispositifs scéniques inventés par l'homme pour évoquer maladroitement la nature. C'est pourquoi les murs et les grilles prennent autant d'importance que les animaux dans ses tableaux.

Piscine vide appartient aux vues de bassins, très fréquentes dans son œuvre. Les animaux amphibies ont la part belle dans son bestiaire. Vues plongeantes ou strictement frontales, l'eau y est l'élément par excellence, qui permet des jeux de reflets changeants.

Ici, le bassin vide est en cours de nettoyage. Gilles Aillaud nous rappelle qu'au théâtre, quant le décor change, les acteurs changent aussi. _ L'hippopotame, échoué, n'est plus qu'une masse informe, reléguée au second plan. Le carrelage blanc, l'escalier et le tuyau d'arrosage sont par contre autant de révélateurs de la présence humaine et de l'action qui se déroule à ce moment précis. Ils représentent la face cachée du spectacle. Aillaud peint le monde tel qu'il lui apparaît. Selon lui, les choses parlent d'elles-mêmes, portent en elles leur propre message. Inutile donc d'en tenter une représentation parfaite, mais plutôt chercher à restituer la manière par laquelle elles se révèlent à nous.
G. B.
C'est pas beau de critiquer ?
Carte blanche au critique d'art qui nous offre un texte personnel, subjectif, amusé, distancié, poétique... critique sur l'oeuvre de son choix dans la collection du MAC/VAL. C'est pas beau de critiquer ? Une collection de " commentaires " en partenariat avec l'AICA/Association internationale des Critiques d'Art.
Gilles AILLAUD, Piscine vide, 1974

Nous sommes visiblement dans un zoo situé, comme le suggèrent deux écriteaux, dans une région germanophone. En contrebas de feuillages se déploie une piscine évidée de son eau. À l'écart, enfermé dans un périmètre relativement restreint, son hôte, un hippopotame allongé, est momentanément désolidarisé du bassin que l'on suppose en cours de réfection ou de nettoyage.

Gilles Aillaud a peint d'innombrables scènes de ce genre. Et, bien qu'il ne se soit pas limité à la représentation d'animaux en captivité, le zoo semble rapidement s'être imposé comme le thème majeur et emblématique de sa production picturale. Car ce ne sont de toute évidence pas les animaux en tant que tels qui importent ici ou ailleurs à l'artiste que cet environnement carcéral, ce simulacre d'habitat réduit à sa plus caricaturale expression. Autant de cellules qui vont donner lieu à des représentations aux cadrages souvent " photographiques " et propices à des découpes mettant à mal l'intégrité géométrique des cages et autres lieux de privation de liberté. Il en est de même de leurs occupants. Fragmentés, marginalisés, décentrés voire annihilés, les animaux en captivité sont, selon Aillaud, surtout là pour nous rappeler que nous sommes confrontés à cette thématique si particulière qu'il a fait sienne.
Mais pourquoi avoir jeté son dévolu sur ce genre ?

Avançons deux hypothèses : la première est tributaire d'un contexte historique. Quand Aillaud entreprend cette série dans la première moitié des années 1960, l'histoire de l'art contemporain semble plus que jamais inféodée au mythe " moderniste ". Caractérisé par l'abstraction américaine, celui-ci se prolonge dans l'art minimal avant de connaître à la fin de cette décennie son épilogue via l'art dit conceptuel.
La peinture, qui plus est figurative, s'en trouve en conséquence ringardisée et l'artiste " enfermé " dans une esthétique " préventive " lui signifiant que sa marge de manœuvre est plus que jamais limitée. Aussi n'est-il pas interdit de décrypter dans ces multiples scènes de captivité inscrites dans des architectures aux lignes souvent épurées et minimales (ici le dallage de la piscine vide mais aussi les barreaux métalliques) une métaphore de l'artiste à l'étroit dans une conjoncture imposée.

Une deuxième hypothèse touche à la visibilité de l'œuvre d'art. Le zoo est un lieu qui s'adresse à l'œil. Aussi les différentes cages, cellules et autres piscines ont-elles été construites dans l'optique d'offrir leurs hôtes au regard du visiteur. En les mettant en scène, Aillaud cherche peut-être à réaffirmer son engagement envers une donnée visuelle toute aussi fragilisée par certaines stratégies conceptuelles.
La piscine vide se donne dès lors à voir dans toute son ambiguïté. Elle accentue sa part d'enfermement tout en soulignant son attachement à la chose vue. Mais aussi corollairement à la peinture dont Aillaud est l'un des plus singuliers représentants de sa génération.
Erik Verhagen

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Huile sur toile, 275 × 345 cm Peintre, poète, décorateur de théâtre, Gilles Aillaud est un artiste polyvalent, philosophe et voyageur. A partir des années 1960, renouant avec la peinture classique, il peint des zoos et des paysages. Il évacue le problème de la perte du sujet, qui taraude toute la peinture du XXe siècle, et travaille sur le motif.

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Paso Doble Bruno Delbonnel Miquel Barcelo Josef Nadj

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Déviance, performance, résistance.

L'exposition Possédé·e·s rassemble plus de 25 artistes internationaux. Elle explore le rapport entre l'ésotérisme et l'art contemporain. En particulier, comment les corps exclus (les corps genrés, racisés, politisés) se réapproprient les identités féministes, queer ou décoloniales dans la nuit de l'occulte.

Nécromancie et spiritisme, divination (astrologie, cartomancie, chiromancie), magie et alchimie (sortilèges, potions, élixirs) : autant de gestes et de rituels dont la force émane d'un corps en mouvement. L'occulte n'a de sens que performé. L'occulte s'érige aussi comme résistance contre les dogmes, le patriarcat, les pouvoirs dominants, les religions et les savoirs admis. Il est l'autre, le caché, mais il est ce qui révèle. Cette chaîne (déviance-performance-résistance) est au cœur de l'exposition.

Exposition pluridisciplinaire, Possédé·e·s rassemble sculptures, dessins, vidéos, peintures et installations. Elle est activée par des performances au sein d'une scénographie architecturale de Mr. & Mr. et d'une scénographie lumière de Serge Damon dans lesquelles le visiteur devient l'acteur principal d'une expérience quasi cinématographique.

L'exposition est une nouvelle occasion pour le MO.CO. d'affirmer son soutien aux artistes en produisant une grande partie des œuvres pour l'exposition, en particulier celles des artistes de Montpellier Nicolas Aguirre, Jimmy Richer et Chloé Viton, ou d'artistes nationaux et internationaux dont Nils Alix-Tabeling, Raphaël Barontini, Jean-Baptiste Janisset, Lewis Hammond, Paul Maheke ou Apolonia Sokol.

Un programme de performances, de conférences et de projections vient compléter l'exposition. Possédé·e·s entre en résonance avec l'histoire de Montpellier, ville reconnue pour ses traditions et son histoire liées à la Faculté de Médecine qui fête en 2020 ses 800 ans. Un symposium explore les relations de la médecine et de l'occulte.

Artistes de l'exposition

Nicolas Aguirre, Kelly Akashi, Nils Alix-Tabeling, Jean-Marie Appriou, Raphaël Barontini, Sedrick Chisom, Pauline Curnier Jardin, Iain Forsyth et Jane Pollard, Laura Gozlan, Lewis Hammond, M. Mahdi Hamed Hassanzada, Anna Hulačová, Jean-Baptiste Janisset, Joachim Koester, Paul Maheke, Pierre Molinier, Myriam Mihindou, Nandipha Mntambo, Antonio Obá, Jimmy Richer, Apolonia Sokol, Chloé Viton, Dominique White.

Et des performances et œuvres hors les murs de Pierre Huyghe, Latifa Laâbissi, Luara Learth Moreira, PEREZ.

Les commissaires

Vincent Honoré, Directeur des expositions MO.CO. avec Caroline Chabrand, Curator MO.CO. et Anya Harrison, Curator MO.CO., assisté.e.s de Laureen Picaut

En partenariat avec :

Catalogue de l'exposition

Un catalogue bilingue, richement illustré, regroupe des textes contextuels et critiques inédits commandés pour l'occasion. Un essai transhistorique de Marianne Derrien sur la magie étend les thèmes introduits par l'exposition, tandis qu'une pluralité de voix critiques analysent le travail de chaque artiste, à travers les textes de Camille Bardin, Margaux Bonopera, Caroline Chabrand, Giulia Civardi, Thomas Conchou, Julie Crenn, Chris Cyrille, Cédric Fauq, Anya Harrison, Caroline Honorien, Eliel Jones, Ingrid Luquet-Gad, Flora Katz, Franklin Melendez, Pedro Morais, Laureen Picaut, Taddeo Reinhardt et Barbara Sirieix.

Le catalogue sera disponible à la boutique Sauramps du MO.CO. Hôtel des collections et à l'entrée du MO.CO. Panacée, dès l'ouverture de Possedé.e.s. Déviance, performance, résistance.

Catalogue : Editions Silvana
Graphisme : Atelier Tout va bien
Bilingue français / anglais
240 pages
30 euros

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Vidéos

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Vues de l'exposition

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Déviance, performance, résistance. L'exposition Possédé·e·s rassemble plus de 25 artistes internationaux. Elle explore le rapport entre l'ésotérisme et l'art contemporain. En particulier, comment les corps exclus (les corps genrés, racisés, politisés) se réapproprient les identités féministes, queer ou décoloniales dans la nuit de l'occulte.

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archives art contemporain sculpture arte povera marseille

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The Bird Hat, coiffe en feutre, fausses perles, pie naturalisée, rubans en velours, 27 x 48 x 57 cm, 2016, vue de l’exposition Extra-ordinaire! au MUDAC, Lausanne, 2020.

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John Bull and the National Debt, reptiles, carapace de tortue, porcépique, début du XIXe siècle, exposée au Wakefield Museum depuis la fin des années 1960, Lancashire.

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Le Lapin Blanc, lièvre naturalisé à l’envers, 42 x 55 x 25 cm, 2009, vue de l’exposition Extra-ordinaire!, MUDAC, Lausanne, 2020.

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The Death en Burial of Cock Robin (La Mort et l’enterrement de Cock Robin, le rouge-gorge), naturalisations et objets divers, installation aux dimensions variables, 1861.

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The Nubian Giraffe

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"Plus qu’une installation, Bread House relève en réalité de la performance. Des perroquets placés par les soins d’Urs picorent jour après jour la maison et la souillent de leur déjection. Bientôt, l’installation prend l’allure d’un espace en déréliction rongé par une nature vorace. Dans ce terreau d’inquiétude, où le silence règne, l’être humain n’est assurément plus le bienvenu."
https://virtute.io/urs-fischer-artiste/

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Ars brevis, vita longa (Biennale de Venise, 2011)

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Ars brevis, vita longa (Biennale de Venise, 2011)

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"Cette mise en scène est sans doute l’une des plus spectaculaires et des plus reconnaissables de l’œuvre d’Urs. La lente déliquescence du matériau exprime avec force la condition putrescible du biologique et dit ici quelque chose de la finitude même des civilisations."
Une intention récurrente semble être au cœur du processus de création d’Urs : la mise en scène de la décomposition.
"L’art serait immortel ? Fantasme obsessionnel au réalisme douteux qui fut trop longtemps cultivé ; une réponse boiteuse parmi tant d’autres face à l’angoisse métaphysique de la finitude. Voilà la vérité cuisante d’Urs Fischer : le regard se perd, les gens oublient et les œuvres sombrent."
https://virtute.io/urs-fischer-artiste/

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Noémie Huard Exposition - Autels -  à la Serre

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Noémie Huard Exposition - Autels -  à la Serre

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Hybridité
Parallèlement à ses aspects artistiques et esthétiques, l’art de Koen Vanmechelen a aussi des dimensions scientifiques. L’ADN de ses poules issues de croisements est ainsi analysé par des généticiens. Les chercheurs ont constaté que ces poules étaient plus résistantes aux maladies que celles issues de monocultures. Par exemple dans le cas de la grippe aviaire qui fait régulièrement des ravages en Europe. Par ailleurs, Vanmechelen rapporte que ses poules vivent nettement plus longtemps que les volatiles "normaux".

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Au Musée de la chasse, le jeu de piste amoureux de Sophie Calle, Paris.

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Mise en scène (personnages et suréalisme)
Edward and Nancy Reddin Kienholz, The Caddy Court, 1986–87

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En 1962 Kienholz présentait son premier «tableau», ou assemblage de l’environnement, Roxy.
Il reconstitue Roxy’s qui était le nom d’une célèbre maison close à La Vegas dans les années 1940.
Il reconstitue l’ambiance du lieu. Les prostituées sont réalisées avec des fragments de mannequins, on y trouve des squelettes d’animaux. Lieu très angoissant très inquiétant. Surréaliste côté rétro. Personnage sur machine à coudre.
La scène du Roxy’s se passe en 1943; la date est précisée par le calendrier, les magazines, la mode des vêtements, les chansons du juke-box et par le portrait « appel-aux-armes-du-Général-Mac-Arthur ». Bien que l’on considère souvent l’oeuvre de Kienholz comme une critique de la société, il est intéressant de remarquer que la tonalité morale de Roxy’s est celle d’une réflexion neutre sur notre temps. « On ne peut avoir de maisons closes sans clients qui paient ». Lors du vernissage de l’exposition, Kienholz avait insisté pour que les personnes invitées viennent en tenue de soirée. Il tenait à ce que l’assistance se conduise de manière impeccable.
Roxy’s (1960-61) installation

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The pool hall, la salle de billard. Ce travail dépeint en détail la brutalité et le fantasme masculin vis à vis de la femme. Elle est décapité. Les hommes sont en noir et blanc munis de bois sur le sommet de leur crâne. Parallele avec le trophée, que représente ces bois. Le trophée est masculin par définition et est symbole de puissance. Il ne peut y avoir de trophée chez la femelle et la tête est jetée -> décapitée. De plus il y a l'idée du duel, brame de cerf, comme si la sexualité de l'homme était basée sur l'animalité. -> violence.
The pool hall (1993) installé au Schirn Kusthalle à Francfort en 2011

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La pie : incarnation de la figure du collectionneur.

Portrait of a Collector, 2004, pie naturalisé, cloche en verre, guéridon en bois, objets divers, 148 x 30 cm. Collection particulière, Paris. Courtesy Galerie In Situ/Fabienne Leclers, Paris.

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Mark Dion. The Great Munich Bug Hunt, 1993. Tree, collecting cabinet, specimens, and lab equipment; dimensions variable. Installation view: K-Raum Daxer, Munich. Courtesy of Tanya Bonakdar Gallery, New York.

=> le bois / le tronc => traité comme un spécimen rare, caractéristiques propres, uniques, idée de l'adn/de la génétique comme pour les ossements.

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Canis Canem Edit, 2012
two real dog skeletons, one artifical dog skeleton, tar, glass, metal, porcelan, plastic, paper, ceramic, string, fabric, cork, copper
=> mise en scène, idée d'une action

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Bois, métal, vinyle, 2009

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Vêtements recyclés et crochets à viande, 2009

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Vêtements recyclés, ancre, crochets à viande, 2008

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L'hybride
"L’extrême délicatesse des matériaux mobilisés (broderies de sequins, coquillages, plumages…) est bien souvent accompagnée de contrepoints, notamment de cornes animales rappelant quant à elles, au-delà de leur silhouette évidemment phallique, la violence générale qu’implique l’union maritale dans certaines communautés."
https://virtute.io/rina-banerjee-a-galerie-nathalie-obadia-reminiscence-critique/

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Sweet Sixteen, 1977, Sculpture, painted ceramics, 10.2 × 81.3 × 81.3cm

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Annette MessagUtérus, doigt d'honneur, 2017

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Annette MessagUtérus, doigt d'honneur, 2017

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Elmar Trenkwalder     Le Creux de l'enfer WVZ 183

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Elmar Trenkwalder     Le Creux de l'enfer WVZ 183

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céramique, 290x500x500 cm, 2006.

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Installation, J’ai froid, 1998-2000, électropneumatique

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Questionnements sur la chasse - Musée de la Chasse et de la Nature à Paris

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Art Farm

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Petit frère