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Découvrez ici les instruments de manière ludique (vidéos, sons, devinettes, coloriages, anecdotes am

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The Amazing Keystone Big Band : Fossiles, extrait du Carnaval Jazz des Animaux

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George Gershwin : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur l’auteur de la “Rhapsody in Blue”

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Saviez-vous que George Gershwin était un grand amateur de boxe et de tennis ? Qu’il était dandy, séducteur et noctambule, mais qu’il détestait Hollywood ? Voici 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur de “Summertime”.

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Le CFMI de Tours, en partenariat avec Enfance et Musique, réalise le D.U. " La Musique et le tout-petit, la musique et l'enfant en situation de handicap " : les sessions...

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LE MEILLEUR JEU MUSICAL à faire EN FAMILLE #1

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Raconter l'histoire de la musique aux enfants

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Raconter l'histoire de la musique aux enfants

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[PLAYLIST] Raconter l'histoire de la musique aux enfants, en 13 étapes

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Qu'est-ce qu'on écoutait... à Venise au XVIe siècle ? Voici une porte d'entrée si vous cherchez des idées pour initier votre enfant à la musique en vous promenant à travers ses dix siècles d'histoire !

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Il faudra m'expliquer un jour comment font les Parisiens, eu égard au prix de l'immobilier, pour avoir, en plus, une maison de campagne. L'exode massif de ces derniers jours est aussi un indicateur de certaines inégalités sociales. Mais je ne suis pas envieux, j'ai même de la chance : à Paris, je dispose d'un balcon, qui donne sur la coulée verte, cette longue bande piétonne (et cyclable) qui permet de relier le quartier de la Bastille au bois de Vincennes.

Le week-end et les après-midi, après l'école, c'est un peu bruyant, les enfants qui s'y promènent s'expriment uniquement à base de hurlements. HIIIIIIIIIIIIIIII. HIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII. Les parents ont l'air de trouver ça marrant. Moi ? Moins. Alors imaginez mon bonheur depuis mardi et le début des mesures de confinement. Plus un bruit. Le silence.

Hier, comme il faisait beau, je m'y suis installé (sur mon balcon) pour lire un moment. C'est alors que je les ai entendus, pas très forts au début, puis de plus en plus distinctement. Les oiseaux : ils étaient revenus ! Du moins ai-je à nouveau été en mesure de les entendre.

' 'Il y a des corneilles partout dans nos villes'' écrit Baptiste Morizot dans son dernier essai, ' 'Manières d'être vivant'' (Actes Sud) ' 'leurs appels arrivent chaque jour à nos oreilles et nous n'entendons rien, parce qu'on les a transformés en bêtes dans nos imaginaires : en 'nature'. Il y a quelque chose de triste dans le fait que les dix chants d'oiseaux différents qu'on entend chaque jour ne parviennent pas au cerveau autrement que comme bruit blanc...alors qu'ils constituent, pour qui veut bien essayer de les traduire...des myriades de messages géopolitiques, de négociations territoriales, de sérénades, d'intimidations.... ''

J'aurais bien aimé le démentir mais mes connaissances en ornithologie me permettent tout juste de distinguer le chant du coq et celui du coucou. Pour le reste, nada ! Je vais néanmoins tenter de retranscrire, à l'écrit, leur discussion animée.

L'un d'eux (ou l'une d'ailes) s'exprime en morse : tip tip tiiiip tip tip tiiiip tip tip tiiiip, silence, et puis rebelote. Ailleurs, un bruit de manivelle, mais une manivelle qui aurait besoin d'huile, ça grince, ça couine même, c'est un oiseau, j'aimerais bien savoir lequel. Un autre s'exprime à coups de ''tac-tac'', comme si on tapait l'une contre l'autre des planchettes en bois. Au loin, des cris de mouettes (mais s'agit-il bien de mouettes ?) et un croa-croa solitaire (mais s'agit-il bien d'un corbeau ?). Mon préféré ne chante pas, il sifflote, des petits grelots dans la voix. Je ne sais pas si les oiseaux peuvent être heureux mais si oui, alors c'est le cas de celui-là.

On apprend tout un tas de choses dans ' 'Habiter en oiseau'' de Vinciane Despret (Actes Sud), comme par exemple la façon qu'ont ces animaux d'occuper leur territoire, notamment par le chant. Ce qui s'apparente, à l'oreille du profane, à un concert désordonné est en fait une petite symphonie savamment orchestrée. Lorsque les oiseaux chantent, ils sont à l'écoute des autres.

Il n'y a ' 'ni cacophonie, ni intervalles de silence, mais une partition faite de relais et de reprises. Ces chorus témoignent...d'une véritable coordination entre les oiseaux, ils attestent l'existence d'une forte association entre eux'', leurs territoires ' 'sont des compositions et des accords mélodiques'', ' 'car c'est cela également vivre dans un territoire chanté : c'est composer et s'accorder avec des chants''. Je ne sais pas précisément pourquoi, mais cet extrait du livre de Vinciane Despret m'a fait penser au chant des Italiens à leurs fenêtres.

On écoute à nouveau les oiseaux distinctement à Paris, et sans doute dans les autres villes en ce moment. C'est le grand paradoxe de cette période de confinement, que de nous faire entendre ce qui est en train de disparaitre.

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LaTransition. #LaTransition : Avec le confinement, les grandes villes deviennent silencieuses. Silencieuses ? Pas tout à fait. Tendez l'oreille...

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Olivier Caillard - Les P'tits loups du jazz en studio - Enfance et Musique - Live

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Le Conseil québécois du patrimoine vivant est fier de présenter le projet Du violon à l'oreille : un projet de partage et de formation en musique traditionnelle. Pour chacun des six musiciennes et musiciens de la ville de Québec captés, une série de 3 capsules vidéo a été produite, entièrement tournée au Palais Montcalm. Elle se compose d'une interprétation d'un morceau, d'une capsule d'apprentissage du morceau joué lentement, ainsi que d'une note ethnomusicale.

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Le Conseil québécois du patrimoine vivant est fier de présenter le projet Du violon à l'oreille : un projet de partage et de formation en musique traditionnelle. Pour chacun des six musiciennes et musiciens de la ville de Québec captés, une série de 3 capsules vidéo a été produite, entièrement tournée au Palais Montcalm.

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Payant, mais tellement génial

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Un cours sur l'oeuvre de Max Richter qui met en relief l'oeuvre et son contexte, son langage et son lien avec les autres arts, réalisé par Fabienne Miqueu, professeure de musique au lycée Marie Curie de Tarbes.

version PDF du diaporama à télécharger : ICI

La synthèse du cours "ce qui est à retenir" : ICI

Exercices interactifs pour réviser le programme Richter

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Un cours sur l'oeuvre de Max Richter qui met en relief l'oeuvre et son contexte, son langage et son lien avec les autres arts, réalisé par Fabienne Miqueu, professeure de musique au lycée Marie Curie de Tarbes.

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Tutoriel complet - La Quizinière (lien vers la mise à jour 2020 en description)

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Jean Rondeau - Jean-Philippe Rameau - Les Sauvages

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Quand on dit " Jean-Sébastien Bach ", on pense immédiatement aux Variations Goldberg, aux cantates, à ce portrait sérieux - voire austère - du Cantor de Leipzig tenant en sa main droite une partition. L'image d'un bon vivant est plus rare... Et celle d'un homme qui a fait de la prison encore moins !

Il a fait de la prison

On ne sait pas si le compositeur avait la fin du Concerto brandebourgeois n°2 tatoué sur l'avant-bras, ou s'il portait des chaînes en or autour du cou, mais il est certain que Jean-Sébastien Bach fit près d'un mois de prison (du 6 novembre au 2 décembre 1717) lors de son séjour à Weimar, pour crime de lèse-majesté.

Après plusieurs tensions avec le duc Guillaume II, ce dernier refuse à Bach le poste de maître de chapelle de Weimar. Le compositeur doit donc aller chercher fortune ailleurs, et trouve une place de maître de chapelle à Köthen. Mais lorsque Bach demande son congé, le duc Guillaume II le lui refuse. Bach réitère sa demande un mois plus tard et est arrêté, selon le rapport du secrétaire de la cour, " en raison de son entêtement à vouloir obtenir de force sa démission ". Un vrai gangster.

Il a été (malheureusement) opéré par le même médecin que Haendel

Et pas n'importe quel médecin : le chevalier John Taylor (1703-1772) opéra les yeux de Jean-Sébastien Bach, atteint de cataracte, par deux fois en 1750, puis ceux de Haendel en 1753 avec le même manque de succès. Pire, le Cantor succomba moins de six mois plus tard, affaibli par ces opérations, et Haendel ne recouvra jamais la vue.

La description faite de l'opération par un contemporain aide à comprendre le sort des deux compositeurs : " Taylor (...) ôte le cristallin de l'œil en fourrant dans la cornée ou le blanc de l'œil un petit fer pointu d'un demi-pied de long (15-16 cm) ". On comprend pourquoi la cantate BWV36c (" Bondissez de joie " ) fut écrite avant l'opération...

Il faisait fuir ses concurrents

Lors d'un voyage à Dresde en 1717, un concours d'orgue fut organisé pour départager le talent d'improvisateur de Jean-Sébastien Bach et de Louis Marchand, célèbre organiste français. Mais la veille du grand affrontement, Louis Marchand se serait glissé dans la chapelle où Bach répétait et, impressionné, aurait fui le duel, prétextant une maladie subite. Bach 1 - Marchand 0.

Il ne faisait pas un boulot facile

Être Cantor n'est pas de tout repos. En tant que responsable du chœur de l'église, Bach dirigeait, préparait, enseignait la musique, ainsi que le latin et le catéchisme de temps en temps. Il surveillait même parfois les élèves en étude... Ces charmants petits bambins dont un rapport dit, en 1706, qu'ils " ne craignent plus leurs professeurs, ils se battent même en leur présence, (...) portent des épées non seulement dans la rue mais aussi dans la classe ".

Il n'était pas aimé par la ville de Leipzig (ou alors ça ne se voyait pas)

Si l'on surnomme Bach " Le Cantor de Leipzig ", on ne peut pas dire que la ville fut des plus reconnaissantes envers le compositeur. Prompt à lui rappeler ses contraintes (voir ci-dessus), le rapport au conseil de la ville l'épingle régulièrement. En 1723, un conseiller déclare que " le Cantor ne fait rien ", en 1730, il est dit qu'il " a été rappelé à l'ordre et admonesté ".

A sa disparition, un journal de la ville note mollement " un homme de 67 ans, Monsieur Johann Sebastian Bach, maître de chapelle et Cantor de l'école Saint-Thomas " est décédé, puis précise " Corbillard Gratis ". Mais c'est la veuve de Jean-Sébastien Bach qui fit les frais de l'ingratitude ultime de la ville : alors qu'elle demande le versement du traitement du cantor, elle reçut la somme amputée d'un trop-perçu versé à Bach... Près de 25 ans plus tôt, lors de son installation à Leipzig ! (un déménagement depuis Coethen qui fit l'objet d'une très beau "Moment musical" d'Anne-Charlotte Rémond)

C'était un élève absentéiste

Dans le portrait que dresse John Eliot Gardiner de Bach, le chef d'orchestre souligne la violence du milieu dans lequel le compositeur passa son enfance. Rivalités entre bandes, élèves brutalisés, actes sadiques... Les effets se firent sans doute ressentir sur la scolarité du Cantor, absent 258 jours sur ses trois premières années scolaires.

Il s'est fait frapper par un élève

L'épisode, relevé par Michèle Lhopiteau-Dorfeuille (références au bas de la page), illustre la violence ordinaire à laquelle fut confronté le compositeur : alors âgé de 20 ans, Bach comparait devant les autorités d'Arnstadt pour une rixe avec son stagiaire bassoniste, du nom de Geyersbah :

" revenant au logis hier soir, il (Bach) a vu six musiciens stagiaires assis sur des bancs de pierre et, alors qu'il passait devant l'hôtel de ville, un instrumentiste du nom de Geyersbach l'a suivi et lui a donné des coups, lui demandant pourquoi il l'avait injurié. Bach lui répondit qu'il ne l'avait pas du tout injurié ".

Il aimait le café

Le goût de Jean-Sébastien Bach pour le café vient-il de sa fréquentation de l'établissement de Gottlieb Zimmermann, où le compositeur joua régulièrement dans la décennie 1730 ? Connu en Europe depuis le début du XVIIe siècle, le café se répand avec les établissements qui portent son nom, et dont le premier à Berlin ouvre en 1670 seulement.

A l'époque de Bach, le café est une mode autant qu'un luxe. Le compositeur lui consacre une cantate (la cantate BWV 211 dite " du café ") dans laquelle une jeune fille explique préférer le breuvage " plus que mille baisers ". On trouve par ailleurs, dans son inventaire après décès, la mention de deux pots à café (un grand et un petit), ainsi que d'un sucrier et de tasses.

C'était un bon vivant

Si le conseil de la ville de Leipzig ne manqua pas d'épingler régulièrement le compositeur, il faut pourtant noter que Bach bénéficia d'une relative liberté dans cette ville luthérienne, moins stricte que les cités calvinistes. Comme le note l'article " Alimentation " du Tout Bach (voir références en bas de page) : " Bien que les témoignages sur ce point soient rares, ils semblent convergents : Bach aurait eu un solide appétit ", en témoigne une note de frais supérieure aux dépenses de logement pour un seul repas, avec bière et brandy.

Le même article note aussi que " Le Cantor se fait chaque année rembourser l'impôt sur la bière, en vertu d'une ordonnance de 1646 créant une franchise pour les employés d'église et d'école ".

C'est sa femme qui aurait composé les suites pour violoncelle

C'est du moins la récente théorie d'une musicologue galloise, appuyée sur le travail d'un graphologue, qui affirme qu'Anna Magdalena Bach, la seconde épouse du cantor, serait l'auteur de certaines des plus importantes compositions de son époux.
Anecdotes tirées de :
Michèle Lhopiteau-Dorfeuille, Jean-Sébastien Bach, un sacré tempérament, édition le bord de l'eau, 2014.
Bertrand Dermoncourt (dir.), Tout Bach, Robert Laffont édition " Bouquins ", 2009
Article La femme de Bach a-t-elle composé les suites pour violoncelle ?
Article Jean-Sébastien Bach, souffre-douleur de ses camarades d'école ?

_Retrouvez le "_Bach du dimanche" chaque semaine à 8h sur France Musique

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Jean-Sébastien Bach : 10 choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le grand compositeur

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Saviez-vous que Jean-Sébastien Bach avait fait de la prison ? Qu'il était bon vivant ? Voici dix (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le Cantor de Leipzig, auteur de plusieurs centaines de cantates, et d'importantes œuvres pour orgue, violoncelle ou pour clavecin.

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Musique Prim propose aux enseignants du 1er et du 2nd degrés, musiciens intervenants, formateurs et corps d’inspection, une offre légale d’œuvres à écouter et de répertoires pour la chorale ainsi que les supports pédagogiques associés.

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PERCUTABLE le rythme qui a enflammé TikTok  - TUTO

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Histoires de la musique par Marianne Vourch

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Histoires de la musique par Marianne Vourch

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Retrouve toutes les leçons de Education musicale en enseignements-artistiques de ce1. musique, chanteurs, musiciens, rock, pop, Etats-Unis, France, musique classiqu><meta name=

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Attention, le loup peut faire peur aux plus jeunes!

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Les clés de l'orchestre : La musique classique expliquée aux enfants

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Application pour apprendre le solfège en s'amusant

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Musique Orsay

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Tutoriel LearningApps : exerciseurs en ligne - L'atelier du formateur

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Site : https://learningapps.org en français, gratuit sans limitation de création de ressources Création de groupe classe plus de 20 modèles d'exercices (quiz, texte lacunaire, challenge, jeu...

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Claude Debussy | L’Isle joyeuse par Ryutaro Suzuki

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La fille mal gardée - The Clog Dance from Act I (The Royal Ballet)

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Né en 1797 à Vienne, Schubert est le compositeur romantique par excellence. L'amour, la nature et surtout la mort sont ses thèmes de prédilection. D'un naturel calme et réservé, ses compositions sont le fruit de ses émotions. Elève de Salieri, compositeur précoce et âme tourmentée, voici dix (petites) choses à savoir sur le compositeur de La Jeune fille et la mort.

Le petit champignon

Schubert est connu pour sa petite taille, 1m56 seulement, qui lui permet d'échapper au service militaire. Trapu, ventripotent et avec une masse épaisse de cheveux bouclés, ses amis à le surnomment affectueusement " Schwammerl " qui signifie petit champignon. Quant à son caractère, en dehors de quelques fulgurances " brèves et concises [qui] révélaient une bonne dose d'humour ", le compositeur reste un homme sérieux, silencieux et solitaire, qui rit rarement mais reste malgré tout souriant.

Schubertiades

Le compositeur de La Truite réunit autour de lui un groupe d'amis - éternellement célibataires comme lui - dont il est très proche. Tous sont des artistes aux compétences hétérogènes et variées qui aiment à travailler ensemble. Ils se retrouvent régulièrement au cours de " schubertiades ", soirées où ils boivent, dansent, chantent et s'adonnent à diverses activités artistiques.

" Schubert sut faire chanter les mots et parler la musique " Grillparzer, dramaturge autrichien.

Premier compositeur free-lance

Franz Schubert a la particularité d'être le premier compositeur qui ne dépend pas des commandes. Avant lui, tous occupent des postes tels que ceux de maître de chapelle ou concertiste en parallèle des commandes qu'ils reçoivent. Bien qu'il en soit techniquement capable, sa timidité ne le pousse pas à entamer une carrière de concertiste. Quant au professorat, il en eut une très mauvaise expérience et préféra rester libre de composer selon son bon vouloir.

Une grande rapidité d'exécution

Son décès brutal à seulement 31 ans ne lui aura laissé que très peu de temps pour composer. Cependant, il est d'une efficacité redoutable et est capable écrire un lied en trente minutes. Aujourd'hui, le catalogue Deutsch recense 1009 œuvres achevées dont vingt-et-une sonates pour piano, quinze quatuors, près de six cents lieder, sept messes, presque dix symphonies...

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Son autre métier

Avant la fin de ses études, il est contraint par son père d'obtenir un diplôme d'assistant-instituteur pour qu'il l'aide dans son travail. Il s'avère que Schubert n'a pas la fibre pédagogique et n'hésite pas à " rosser " ses élèves lorsqu'ils perturbent son cours par des bavardages qui l'empêchent de composer. Il parvient tout de même à écrire une symphonie, des lieder, un opéra, etc. Il ne compose pas moins de 144 Lieder dont vingt-huit pour le seul mois d'août 1815 incluant Le Rois des Aulnes.

Echecs amoureux

Comme le veut le canon du romantisme, l'amour doit être malheureux quand il est exprimé. Malheureusement pour lui, Schubert ne sait que trop bien appliquer cette contrainte. Il ne peut épouser Thérèse Grob qu'il fréquente près de trois ans faute d'argent. A 21 ans, il tombe sous le charme de Josephine (Pépi) Pöckelhofer qui travaille comme lui pour la maison Esterházy. Trois ans plus tard, il s'éprend de son élève Caroline Esterházy, de huit ans sa cadette qu'il aimera jusqu'à sa mort.

Une omniprésence de la mort

Chez Schubert, l'idée de la mort parcours toutes ses compositions depuis ses débuts. En mars 1811, il compose son premier Lied, Hagars Klage, " la plainte d'Hagar " à partir du texte biblique d'une mère qui pleure son enfant mort. Pour un jeune garçon de 14 ans, ce sujet semble particulièrement sombre. Son plus célèbre lied le Roi des Aulnes reprend le poème de Goethe éponyme, qui narre la traversée tragique des bois d'un père et son fils qui rencontrent la mort.

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L'opéra, le grand absent

Lorsque l'on pense à l'œuvre de Schubert, on pense à sa musique de chambre, ses lieder, ses symphonies... Mais l'on omet (voire ignore !) qu'il a également composé des opéras et des singspiele. Il s'avère que le peu créés sont de véritables échecs, en grande partie dû à la mauvaise qualité des livrets que la critique fustige contrairement à sa musique qui elle, reste appréciée.

Dépression is the new " psychisme schubertien "

Connu pour sa santé physique fragile, il est probable que sa santé mentale le soit aussi : " mes productions sont le fruit de mes connaissances musicales et de ma douleur " écrit-il dans son journal. Brigitte Massin, autrice de sa biographie, emploie le terme de " psychisme schubertien " pour définir un esprit tourmenté traversé par une mélancolie constante. Ces caractéristiques s'apparentent aujourd'hui à ce que l'on nommerait probablement un état dépressif voire la dépression.

Modeste ?

" Artistes ? Artistes ? Vous êtes des ménétriers ! Rien de plus ! Parce que l'un mordille un bout de bois et que l'autre se gonfle les joues sur un corps de chasse ! Vous appelez ça de l'Art ? [...] Je suis un artiste, moi [...] Je suis Schubert ! Franz Schubert ! [...] Quand le mot Art est prononcé, c'est de moi qu'il s'agit et non de vous ! [...] ". Voici ce que répond Schubert après que des musiciens d'orchestre lui demandent de leur composer des soli. Loin de son image de compositeur calme et réservé, il lui arrive d'entrer dans des fureurs telles qu'elles effraient ses amis. Fort heureusement, le naturel revient au galop : après avoir fini son monologue, Schubert accepte finalement de composer pour les instrumentistes. Ouf.

Bibliographie :

LHOPITEAU-DORFEUILLE Michèle, Franz Schubert, La Musique du Cœur, 2019, Lormont, éd. Le Bord de l'Eau, coll. Toutes les clés pour explorer la musique classique, 208 pages.

MASSIN Brigitte, Franz Schubert, éd. Fayard, coll. Les indispensables de la musique, 1993, Paris,

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Franz Schubert : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur l'auteur du quintette "La Truite"

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Compositeur prolifique mais très mauvais enseignant, âme solitaire mais très entourée : voici dix petites choses que vous ne savez peut-être pas sur le compositeur de " L'Inachevée ".

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Toutes les offres
pédagogiques Éduthèque

L'offre BBC Learning : une sélection de vidéos sur l'actualité et la culture anglaises.

L'offre RTVE (Radiotelevisión Española): une sélection de vidéos sur l'actualité et la culture hispaniques

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Partenaires Lumni Enseignements - Lumni | Enseignement

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Accédez aux ressources pédagogiques des partenaires de l'Éducation nationale et aux ressources pédagogiques intégrées à Lumni Enseignement.

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Dossier

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Générique de l'émission :
Serge Prokofiev
Roméo et Juliette : " danse "
Orchestre Philharmonique d'Oslo
Direction Mariss Jansons
CD EMI

Programmation de l'émission :

Benjamin Britten
Young Person's Guide to the Orchestra
Orchestre Symphonique de Londres
Direction Benjamin Britten
Decca. Enr. 1963

Richard Strauss
Ariane à Naxos, ouverture
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction Karl Böhm
Orfeo. Enr. (1976).

Olivier Stankiewicz, hautbois solo du LSO, échange en urgence son instrument avec celui de sa collègue, deuxième hautbois...

Béla Bartok
Concerto pour orchestre, 2e mvt " Giuoco delle coppie "
Orchestre Philharmonique de New York
Direction Pierre Boulez
Sony Classical. Enr. 1972

Bedrich Smetana
La Moldau, début
Orchestre Philharmonique de Berlin
Direction Ferenc Fricsay
1e flûte : Fritz Demmler ou Aurèle Nicolet
2e flûte : Johannes Mertens ou Günter Prill
DG. Enr. 1960

Wolfgang Amadeus Mozart
Concerto pour hautbois, finale " rondo "
Alexandre Gattet
Les Dissonances
Dissonances Records. Enr. 2014

Eliott Carter
Quintette à vent, 1e mvt " allegretto "
Richard Graef (flûte), Alex Klein (hautbois), John Bruce Yeh (clarinette), William Buchmann (basson), Daniel Gingrich (cor)
Cedille Records. Enr. 1998

Richard Strauss
" Beim Schlafengehen " extrait des Quatre derniers lieder
Barbara Hendricks (soprano)
Orchestre de Philadelphie
Direction Wolfgang Sawallisch
Violon solo : William de Pasquale
EMI. Enr. 1994

Arnold Schönberg
Nuit transfigurée
Sextuor à cordes de l'Orchestre National de France :
Jacques Duhem, Luc Héry (violons), Raymon Glatard, Michèle Gallien (alto),
Jean-Luc Bourré, Jean-Philippe Martignoni (violoncelle)
Quantum. Enr. 1988

Gioacchino Rossini
Ouverture de Guillaume Tell, le début
Orchestre Symphonique de Londres
Direction Barry Wordsworth
1e violoncelle : Kenneth Heath, 2e violoncelle : Jock Long
Sony

Robert Schumann
Konzertstück pour quatre cors et orchestre, 1e mvt " lebhaft "
Peter Damm (1e cor), Klaus Pietzonka (2e cor),
Dieter Pansa (3e cor), Johannes Friemel (4e cor)
Staatskapelle de Dresde
Direction Siegfried Kurz
Ars Vivendi. Enr. 1983

Anton Bruckner
Symphonie n°4 " romantique ", début du 1e mvt
Orchestre Symphonique de la radio bavaroise
Direction Mariss Jansons
Cor solo : Johannes Ritzkowski
BR Klassik. Enr. 2008

Anton Bruckner
Symphonie n°4 " romantique ", coda du finale.
Orchestre Symphonique de la radio bavaroise
Direction Mariss Jansons
Cor solo : Johannes Ritzkowski
BR Klassik. Enr. 2008

Johannes Brahms
Concerto pour piano n°1, extrait du 1e mvt
Claudio Arrau (piano)
Orchestre Philharmonia
Direction Carlo Maria Giulini
3e cor : Nicholas Busch
EMI. Enr. 1961

Ludwig van Beethoven
Symphonie n°7, 3e mvt, trio du " presto "
Berliner Philharmoniker
Direction Simon Rattle
2e cor : Andrej Zust
Berliner Philharmoniker
Enr. 2015

Ludwig van Beethoven
Symphonie n°7, 3e mvt, partie de 2e cor seule.
Berliner Philharmoniker
Direction Simon Rattle
Cor : Denise Tryon
Berliner Philharmoniker
Enr. 2015

Maurice Ravel
Tzigane
Michel Schwalbé (violon)
Karl Engel (piano)
Hörzu. Enr. 1970

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[MUSIQUE, SOCIETE] La division du travail dans un orchestre

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Quel est le rôle du deuxième hautbois ? Qu'est-ce qu'un co-soliste ? Que signifie troisième cor pouvant aussi jouer le premier ? A quoi sert un chef de pupitre ? L'organisation du travail est le fondement de l'orchestre.

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Pistes et actions sur les thématiques du son et du bruit

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Lully - " Enfin il est en ma puissance "

Composée en 1686, Armide est la dernière tragédie en musique de Lully, sur un livret de Philippe Quinault d'après Virgile et La Jérusalem délivrée du Tasse. Fruit de deux artistes au sommet de leurs carrières, la tragédie raconte l'histoire d'un amour difficile entre la magicienne musulmane Armide et l' " indomptable " chevalier chrétien Renaud. Insensible à ses charmes maléfiques, Armide souhaite tendre à Renaud un piège fatal pour le tuer.

Alors que le chevalier tombe finalement sous le charme d'Armide, cette dernière hésite entre sa haine et son amour croissant pour Renaud dans le fameux air " Enfin il est en ma puissance ". Dans le style du récitatif français, l'air de Lully en est devenu la quintessence, " le modèle le plus parfait du vrai récitatif français " selon Jean-Jacques Rousseau en 1753.

Wolfgang Amadeus Mozart : " Voi che sapete "

Il est impossible, lorsque l'on explore le monde musical de la soprano, d'ignorer les opéras de Wolfgang Amadeus Mozart. Ce dernier est l'auteur d'innombrables airs légendaires, notamment pour soprano, un art qu'il maîtrise à perfection : " J'aime qu'un air aille au chanteur comme un costume bien taillé ", écrit-il à son père. Mais si la musique de Mozart paraît facile à chanter, c'est là que se trouve précisément sa difficulté : les exigences techniques des mélodies de Mozart nécessitent une pureté de ton, une clarté de diction et une longue fluidité vocale.

L'un des trois opéras de la trilogie Da Ponte (du nom de son librettiste Lorenzo da Ponto), Le Nozze de Figaro contient de fameux airs pour soprano, dont " Non so piu " et " Voi che sapete ", deux déclarations d'amour du jeune page Cherubino joué par une soprano. Une déclaration faite par un jeune adolescent en pleine découverte de ses émotions et de ses désirs, l'émotion et l'excitation physique augmentent progressivement et donnent lieu à un air chanté presque à bout de souffle, surnommé l' aria agitata.

Puccini : " O mio babbino caro "

Le XIXe siècle a produit une véritable montagne d'opéras incontournables, nés de compositeurs tels que Cherubini, Rossini, Donizetti, Verdi, Wagner, Glinka, Mussorgski, Meyerbeer, et Gounod, pour n'en citer que certains. Au seuil du XXe siècle arrive Giacomo Puccini, digne successeur de Verdi qui élève l'art de l'opéra romantique à son apogée par le verismo, y ajoutant un certain réalisme. Ses opéras tels que Manon Lescaut, La Bohème, Tosca, Madama Butterfly, La Fanciulla del West, Turandot, et le Trittico (composé d' Il tabarro, de Suor Angelica et de Gianni Schicchi) figurent aujourd'hui parmi les plus grands chefs-d'œuvre de l'histoire de l'opéra.

Puccini nous livre également plusieurs des plus grandes héroïnes, fortes : il se distingue comme le maître du théâtre musical en célébrant tous les aspects de la féminité. Gianni Schicchi est un opéra comique inspiré du Chant 30 de l' Enfer de Dante, dans lequel on trouve l'un des plus grands airs d'opéra, " O mio babbino caro ", une déclaration d'amour désespérée au lyrisme simple mais émotionnellement puissant.

Kurt Weill - " Youkali "

Loin des scènes d'opéra ou des salles de concert, la musique de Kurt Weill pour la pièce de théâtre Marie Galante de Jacques Deval figure aujourd'hui parmi les grands airs pour sopranos.

Grand spécialiste du cabaret allemand, Weill compose en 1934 un tango-habañera instrumental auquel sont ajoutées en 1935 les paroles de Roger Fernay : ainsi est née la chanson " Youkali ", ode douce, exotique, sensuelle et envoûtante pour ce lointain pays, Youkali, un rêve, une folie...

György Kurtág : Hét dal (7 Chants) pour soprano et cymbalum

Non, à l'opéra, les sopranos sont pas que des gentilles filles amoureuses et des séductrices. Dans l'univers musical de György Kurtág, la voix de soprano est à double tranchant, apportant à la fois une fragilité désarmante et un brin de folie menaçant.

Conçus comme un dialogue avec soi-même, les Hét dal ( 7 chants) de György Kurtág associent deux cultures opposées, japonaise et hongroise, en faisant appel au cymbalum, instrument associé à la culture tsigane, et au poème japonais traditionnel, le haïku.
BONUS Gershwin : Summertime
Sans doute l'une des chansons pour soprano les plus connues au monde, Summertime, extraite de l'opéra Porgy and Bess de Gershwin exploite toutes les caractéristiques de la voix féminine : la douceur du son, la légèreté du timbre et la fraîcheur scintillante, le tout enrobé dans un blues languissant et séducteur.
BONUS bis - Alessandro Moreschi : le dernier des castrats
Bien que le mot soprano soit aujourd'hui majoritairement réservé aux interprètes féminins, il existe bel et bien de nombreux chanteurs masculins capables de chanter dans le registre de la soprano féminine. Le " sopraniste " est souvent un contre-ténor soprano, mais il a également existé de nombreux castrats soprani : en somme, un chanteur castré. Une pratique particulièrement courante aux XVIe, XVIIe et XVIIIe siècles mais qui remonte à l'an 400, le dernier membre de cette ancienne tradition, Alessandro Moreschi, est décédé en 1922. Il est le seul castrat dont la voix a été enregistrée :

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En musique, la voix de soprano dans tous ses états

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Dans la famille des voix, voici la soprano. Située au-dessus (" sopra ") des autres voix, la soprano survole par sa légèreté, mais attention... cette douce voix est également une source puissante de passion explosive ! Une playlist France Musique pour découvrir cette voix sous toutes ses formes.

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À partir du CE1

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capsule pédagogique : les familles instrumentales et l'orchestre symphonique

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Application pour reproduire des chansons actuelles.
Elle se présente comme un ensemble de 12 pads, c’est-à-dire de surfaces carrées sur lesquelles on frappe pour déclencher un son. Chaque kit correspondant à une chanson avec des samples (boucles) répartis en trois catégories: batterie, basse et mélodie.  Des tutoriels vidéos aident à la pratique.

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Musique Orsay

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Tutoriel LearningApps : exerciseurs en ligne - L'atelier du formateur

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Site : https://learningapps.org en français, gratuit sans limitation de création de ressources Création de groupe classe plus de 20 modèles d'exercices (quiz, texte lacunaire, challenge, jeu...

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Vittorio Monti : Csárdás (Nemanja Radulovic)

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Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra | Jukka-Pekka Saraste | WDR Sinfonieorchester

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Comment ne pas fantasmer sur la personnalité de Mozart ? Enfant prodige, mort prématurément à 35 ans, frivole et capricieux... Le génie de la musique suscite encore aujourd'hui l'intérêt de nombreux chercheurs et la fascination du grand public. Saviez-vous que Mozart était franc-maçon, qu'il détestait la noblesse et qu'il n'était pas ennemi avec Salieri ?

A 6 ans, vous appreniez à lire, Mozart, lui, composait des menuets

Fils de Léopold Mozart, compositeur et professeur de musique, Mozart baigne dans la musique dès son enfance. Son génie est décelé très tôt : âgé de 3 ans à peine, le jeune Wolfgang a l'oreille absolue et probablement une mémoire eidétique qui lui permet de mémoriser un grand nombre de sons en très peu de temps. Avant d'apprendre à lire, compter ou écrire, Mozart sait déchiffrer une partition et la jouer parfaitement.

Sans surprise, le prodige de la musique se met à la composition à 6 ans. Il cherche "des notes qui s'aiment" et écrit ses premières oeuvres : cinq menuets, une sonate et un allegro en 1762. Entre ses 7 et 8 ans, Mozart compose plus d'une cinquantaine d'oeuvres. A 11 ans, il s'attaque à son premier opéra : Apollo et Hyacinthus, qu'il termine le 13 mai 1767.

Il entend le Miserere d'Allegri, trouve que c'est sympa, et retranscrit la partition à l'oreille

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Son père l'emmène en Italie quand il a 14 ans. Ils assistent aux matines du mercredi 11 avril de la Semaine Sainte à la chapelle Sixtine, unique occasion de pouvoir entendre le Miserere d' Allegri. Une oeuvre que le Vatican souhaite garder précieusement. A cette époque, seuls les choristes ont accès à la partition et toute tentative de retranscription est punie d'excommunication.

L'impertinent Mozart, charmé par ce chant céleste, réécrit l'oeuvre le soir-même et retourne à la chapelle le vendredi Saint pour peaufiner sa retranscription. Cette histoire, racontée dans de nombreuses lettres, fait des jaloux qui accusent Mozart d'avoir volé la partition...

Il détestait la noblesse

A Salzbourg, Mozart obtient très jeune le titre de maître de concert. Sous les ordres des princes-archevêques Schrattenbach puis Colloredo, il compose des oeuvres sacrées. Un rôle qui le prive de ses libertés créatrices. A 20 ans, il quitte Salzbourg pour trouver un autre poste, en vain. Contraint de retourner à Salzbourg récupérer son travail, Mozart n'en fait qu'à sa tête : il se comporte comme un enfant avec le prince-archevêque Colloredo qui le traite de voyou et de crétin.

Cette difficile collaboration s'explique par son mépris de la noblesse. Dans une lettre écrite en 1777, Mozart critique les mariages arrangés de la haute société : "Les nobles ne doivent pas se marier par goût ou par amour mais uniquement par intérêt, et en fonction de toutes sortes de considérations secondaires. Il ne siérait en outre pas du tout à ces haut personnages d'aimer de surcroît leur épouse, une fois qu'elle a fait son devoir et mis au monde un gros héritier mâle".

La flûte enchantée est un opéra maçonnique (oui, Mozart était franc-maçon)

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En 1773, Mozart découvre la franc-maçonnerie et, le 14 décembre 1784, se fait initier dans la loge de la Bienfaisance. Quand il compose la Flûte Enchantée en 1791, Mozart fréquente depuis plusieurs années ce milieu. Il y trouve une source d'inspiration. Le célèbre opéra est d'ailleurs appelé "opéra maçonnique" car il représente les étapes initiatiques des francs-maçons.

Quand il compose cette oeuvre, Mozart crée une double lecture : une pour le profane, inspiré du modèle allemand du Singspiel (sorte d'opéra-comique), l'autre pour l'initié, avec des symboles maçonniques tant dans la musique que dans les personnages et l'histoire.

Mozart était criblé de dettes

Si personne n'explique clairement l'origine de ces dettes, Mozart emprunte et dépense à tout va et sans limite. Il frôle même une condamnation judiciaire qui aurait pu le ruiner, mais surtout briser son orgueil.

Ses dettes, il les accumule auprès de ses proches et même auprès de ses élèves, comme avec le Prince Lichnowsky. Ce gentilhomme de la cour impériale autrichienne tente d'emmener Mozart devant le tribunal. En 1789, il attaque le jeune compositeur en justice pour récupérer son argent. L'histoire ne nous dira jamais comment Mozart s'est sorti de cette affaire mais il s'avère que tous ont passé sous silence cet épisode malheureux qui est tombé dans l'oubli.

On ne sait pas si le crâne de Mozart est vraiment celui de Mozart

En 1801, Joseph Rothmayer (qui aurait assisté à l'enterrement de Mozart une dizaine d'années auparavant) se rend sur la tombe de ce dernier et en ressort un crâne. Seulement, l'emplacement est flou. Mozart est enterré dans une fosse commune (chose courante à l'époque) du cimetière de Saint-Marx à Vienne, son corps repose au milieu de 16 autres cadavres.

La relique tombe entre les mains de l'anatomiste Joseph Hyrtl avant d'être léguée à la Fondation Mozarteum. Au XIXe siècle, les scientifiques s'arrachent les cheveux pour savoir si, oui ou non, ce crâne est bien celui du compositeur. Aujourd'hui encore, l'authenticité n'est pas prouvée. D'un côté, certains spécialistes affirment qu'il s'agit du crâne de Mozart, tandis que les test ADN effectués sur d'autres squelettes de la famille de Mozart prouvent le contraire...

Il appelait Haydn "Papa Haydn"

En 1784, Mozart rencontre Haydn. C'est le coup de foudre artistique. Les deux hommes s'admirent réciproquement et se lient d'une amitié sincère et unique dans l'histoire de la musique au point que Mozart rebaptise Haydn "Papa Haydn". "Lui seul a le secret de me faire rire et de me toucher au plus profond de mon âme", disait Mozart de ce père spirituel.

A la fin d'un concert donné par Mozart, Haydn s'approche de Léopold, le père du compositeur, et prédit : "Je vous le dis devant Dieu, en honnête homme, votre fils est le plus grand compositeur que je connaisse, en personne ou de nom, il a du goût, et en outre la plus grande science de la composition".

Non Mozart et Salieri n'étaient pas ennemis (ils ne s'aimaient pas trop, c'est différent)

Mozart s'est fait des ennemis. Dans les loges francs-maçonniques, au sein de la noblesse ou à cause de ses dettes, mais Salieri n'en faisait pas partie. Le musicien italien était juste un peu jaloux. Quand l'empereur commande à Salieri Cosi Fan Tutte, il est incapable de le composer. Mozart prend le relais et écrit l'oeuvre que l'on connaît aujourd'hui.

Se faire "doubler" de la sorte par un jeune compositeur qui, parfois, n'en fait qu'à sa tête, peut déplaire, mais jamais les deux hommes se sont livrés bataille. A l'enterrement de Mozart, une poignée de personnes assiste à la cérémonie parmi lesquelles : Salieri.

Il épouse Constanze sans le consentement de son père

Le 4 août 1782 dans la cathédrale Saint-Etienne de Vienne, Mozart épouse Constanze Weber. Son père l'apprend par courrier et n'accepte pas ce mariage. Il a peur pour son fils : un mariage peut l'éloigner de la musique.

A partir de ce jour, Léopold s'éloigne de Mozart. Géographiquement d'abord car il garde son poste à Salzbourg pendant que son fils s'installe définitivement à Vienne, et sentimentalement car il désapprouve ce choix. Le père et le fils ne se reverront que deux fois avant que Léopold ne meure en 1787.

Mozart est mort obèse

Déjà qu'il n'était pas bien grand (1 mètres 52), Mozart était aussi gros. On imagine un Mozart sur son lit de mort, tâchant d'écrire son Requiem, et c'est vrai. Devenu obèse vers la fin de sa vie, le compositeur est en effet contraint de rester au lit.

Parmi les 140 causes (établies par des spécialistes) de sa mort, deux restent cependant les plus plausibles : une mort par fièvre rhumatismale ou une insuffisance rénale. Des constats beaucoup moins épiques que la mort par empoisonnement, longtemps avancée au fil des siècles.

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Wolfgang Amadeus Mozart : 10 petites choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur

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Wolfgang Amadeus Mozart est né le 27 janvier 1756 à Salzbourg. Enfant surdoué, et compositeur hors pair, le jeune prodige a fait naître bien des mythes autour de sa personne. Voici 10 (vraies) petites anecdotes sur le compositeur du Requiem, et d'opéras célèbres.

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Favé, Maureen et RSKO

La relève du rap francophone

Zoom sur la jeune scène rap francophone avec ce nouveau numéro de "Dans le Club" à la Gaîté Lyrique.

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L'offre d'ARTE dédiée au spectacle vivant. Plus de 900 concerts à retrouver en direct et à la demande : électro, pop-rock, metal, hip-hop, jazz, classique... et une sélection exclusive d'opéras enregistrés à travers l'Europe.

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Cette année l'équinoxe, ce moment où le jour et la nuit ont exactement la même durée, tombe lundi 20 mars. Ce phénomène annonce l'arrivée du printemps, et qui dit beaux jours dit retour des fleurs... Qu'elles soient symboliques ou réelles, anglaises ou françaises, petit tour musical des fleurs en musique, de Fauré à Purcell en passant par Bizet.

Fleur des blés de Claude Debussy

Le long des blés que la brise
> Fait onduler puis défrise
> En un désordre coquet,
> J'ai trouvé de bonne prise
> De t'y cueillir un bouquet.

Duo des fleurs dans l'opéra Lakmé de Léo Delibes

La fleur que tu m'avais jetée dans Carmen de Georges Bizet

Villanelle dans Les Nuits d'été d'Hector Berlioz

Le papillon et la fleur de Gabriel Fauré

Toutes les fleurs d'Emmanuel Chabrier

Mais surtout, surtout, je suis amoureux,
> Cependant que de folles gloses
> S'emplissent les jardins heureux,
> Des lilas lilas
> Et des roses roses !

'Tutti i fior' ou le duo des fleurs dans Madame Butterfly de Giacomo Puccini

Sweeter than roses de Henry Purcell

La rose, la mer et le soleil de Robert Schumann

Five flowers song de Benjamin Britten

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Les fleurs en 10 morceaux classiques pour célébrer le printemps

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Le 20 mars l'hiver est officiellement fini. Pour annoncer l'arrivée du printemps en musique, laissons la place aux roses, lilas et jasmins dans une sélection musicale fleurie !

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Découvrez ou redécouvrez notre monde à travers sa culture musicale si riche. Tout a commencé avec la découverte de cette vidéo montrant un duo de tibétains.…

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Petite histoire de la 5ème symphonie de Beethoven

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Petite histoire de la 5ème symphonie de Beethoven

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Pom pom pom pooom. Pom pom pom pooom. La 5ème symphonie de Beethoven figure parmi les oeuvres les plus célèbres au monde. Se plonger dans son histoire, c'est comprendre pourquoi et comment Beethoven l'a composée et de quelle manière elle a été utilisée au fil des années pour devenir aussi connue.

Les débuts de cette oeuvre n'étaient pourtant pas des plus favorables. Nous sommes à Vienne, le 22 décembre 1808, au Theater an der Wien. Ludwig van Beethoven n'entend quasiment plus et va devoir assurer à la direction et au piano un programme très chargé pour une seule soirée. Sa 6ème symphonie, l'air Ah ! Perfido, le Gloria de sa messe en ut majeur, son 4ème concerto pour piano qu'il interprète, une petite pause puis, en seconde partie, la 5ème symphonie, le Sanctus et le Benedictus toujours de la messe en ut majeur, une improvisation au piano par Beethoven et, enfin, sa Fantaisie chorale.

Avec ce programme, la représentation dure plus de quatre heures et tourne au fiasco. La froideur de la salle, non chauffée en cette soirée d'hiver, joue beaucoup dans la difficulté pour le public d'apprécier les nouvelles oeuvres présentées par le compositeur, pianiste et maestro. L'orchestre n'y met pas du sien et, après une unique répétition, livre une performance désastreuse de la 5ème symphonie face à son compositeur, sourd et agacé.

Dans une lettre écrite en 1809, il raconte cette soirée ratée : " Les musiciens surtout étaient indignés quand par inadvertance une petite erreur dans le passage le plus simple du monde fut commise. J'imposai soudain le silence et criai à tue-tête : Reprenez ! "

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De l'ombre à la célébrité

La 5ème de Beethoven passe inaperçue, jusqu'à ce qu'un homme prenne sa plume, Ernst Theodor Wilhem Hoffmann, plus connu sous le nom d' E.T.A. Hoffmann. Compositeur, romancier, dessinateur, critique musical, il publie en 1810 un essai intitulé* La musique instrumentale de Beethoven*, dans lequel on retrouve une critique de la *5ème symphonie*.

Aucune oeuvre instrumentale de Beethoven ne corrobore toutes les précédentes avec autant d'affirmation que cette incomparable, excellente, méditative Symphonie en ut mineur. Sa longue critique associe le terme "romantique" à la musique du compositeur et prône le pouvoir expressif et émotionnel de la musique instrumentale de Beethoven. Pour lui, la 5ème symphonie représente l'ultime oeuvre du compositeur : " C'est irrésistible comme cette magnifique oeuvre transporte l'auditeur à travers des climats grandissant jusqu'au royaume spirituel de l'infini ".

Grâce à cette critique élogieuse, la *5ème * de Beethoven commence à susciter la curiosité, avant de s'inscrire dans l'histoire.

Pompompom

Si cette symphonie devient célébrissime, c'est en grande partie grâce à sa très reconnaissable ouverture. " Le début le plus agressif dans une symphonie ", a commenté le chef d'orchestre allemand Christoph Eschenbach. Un motif tellement imposant et caractéristique qu'il inspire plus tard d'autres compositeurs, comme Brahms pour le 2ème mouvement de son* Requiem allemand*, ou Mahler dans sa *5ème symphonie*.

Écoutez le Mot du jour de Corinne Schneider "Pompompompom"

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le motif s'ancre dans la culture et dans la politique. Il sera utilisé par la BBC pour annoncer les émissions clandestines. Dès que les auditeurs entendent 4 coups de timbales, trois brefs et un long, ils reconnaissent le début de la 5ème de Beethoven ou - en langue morse - la lettre V de victoire. " Aucun compositeur avant Beethoven n'aura investi avec une symphonie une telle résonance politique ", analyse le maestro John Eliot Gardiner.

La légende raconte que Beethoven aurait qualifié ce motif avec cette célèbre phrase : " Ainsi, le destin frappe à la porte ", sans que personne ne le confirme. Depuis, chacun y va de son interprétation de ces premières notes symboliques. Un hymne à la liberté, un acte révolutionnaire ou romantique, personne ne peut dire ce que voulait Beethoven dans ces quelques mesures qui deviendront les plus célèbres de l'histoire de la musique.

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Petite histoire de la 5ème symphonie de Beethoven

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Beethoven, à l'honneur en ce moment à la Philharmonie de Paris avec l'exposition Ludwig van, a composé l'une des oeuvres les plus célèbres de la musique classique, sa 5ème symphonie, reconnaissable dès ses quatre premières notes.

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Tuto pour Visio conférence

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Isaac Albéniz : Cadiz, par Thibault Cauvin

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Johannes Brahms : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur

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Frei aber froh, libre mais heureux, telle était sa devise. Célibataire endurci, ami fidèle : voici 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur des Danses hongroises.

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Le Conseil québécois du patrimoine vivant est fier de présenter le projet Du violon à l'oreille : un projet de partage et de formation en musique traditionnelle. Pour chacun des six musiciennes et musiciens de la ville de Québec captés, une série de 3 capsules vidéo a été produite, entièrement tournée au Palais Montcalm. Elle se compose d'une interprétation d'un morceau, d'une capsule d'apprentissage du morceau joué lentement, ainsi que d'une note ethnomusicale.

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Le Conseil québécois du patrimoine vivant est fier de présenter le projet Du violon à l'oreille : un projet de partage et de formation en musique traditionnelle. Pour chacun des six musiciennes et musiciens de la ville de Québec captés, une série de 3 capsules vidéo a été produite, entièrement tournée au Palais Montcalm.

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Outil simple pour enregistrer la voix de l'enseignant(e) que de l'élève.

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Smetana : La Moldau (arrangement pour harpe) par Xavier de Maistre

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Frédéric Chopin : 8 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le célèbre pianiste-compositeur

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Entre bonheurs et frustrations, succès et angoisses : (re)découvrez la vie et la personnalité du compositeur Frédéric Chopin en huit anecdotes.

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Les petites danseuses de Degas, l'envers du décor

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Les coulisses

Dès 1860, Edgar Degas fait des danseuses de l'Opéra son sujet de prédilection. "Véritable reporter du XIXe siècle", tel que le qualifie Elisabeth Platel, il les peint sur scène, en répétition, dans les coulisses...

Je pense qu'il a été fasciné par le corps - Elisabeth Platel

A l'époque, les danseuses font rêver et fantasmer, de par leur tenue, beaucoup plus dénudée que les robes des bourgeoises de l'époque. Degas montre la beauté des petits rats, mais aussi leur fatigue et l'effort physique qu'implique les répétitions.

Les danseuses viennent de milieux sociaux très modestes et l'Opéra leur permet de toucher un salaire, cependant insuffisant pour vivre.

La réalité de l'artiste de danse à cette époque : les mères allaient mettre les jeunes filles à la danse pour avoir un statut social et souvent un protecteur.- Elisabeth Platel

Ces mères maquerelles jouent les entremetteuses auprès des abonnés. Dans les tableaux de Degas, on retrouve souvent la silhouette de l'abonné, en noir avec un chapeau haut de forme. Ils ont cet avantage qui leur permet d'accéder aux coulisses et au foyer de la danse. Edgar Degas peint précisément les relations entre ballerines et abonnés lorsqu'il illustre les nouvelles "Les petites Cardinal" de Ludovic Halévy. Les aventures galantes de deux petits rats y sont narrées, soulignant le lien entre l'Opéra et la prostitution.

On a un contraste entre cette beauté de l'artiste, cette danseuse qui fait fantasmer et rêver et à côté en noir, l'abonné - Elisabeth Platel

Le regard de Degas

Le peintre se met littéralement à la hauteur des petites danseuses, il adopte leur point de vue. Avec ses croquis fidèles et son utilisation de la couleur, les ballerines se réincarnent sous son pinceau. Degas capte le mouvement et la grâce des danseuses mais sait aussi mettre en scène des positions plus inélégantes. Pour Elisabeth Platel, c'est là où réside le génie du peintre : les danseuses sont semblables au cygne : "Lorsqu'elles dansent, elles sont merveilleuses, lorsqu'elles vont marcher dans les couloirs, ce n'est pas toujours très gracieux

Degas fait de multiples croquis avant de s'atteler à un tableau. Ces multiples esquisses sont similaires aux danseuses qui répètent sans cesse un spectacle.

C'est tellement touchant de voir que malgré l'évolution des costumes, la danseuse n'a pas changé - Elisabeth Platel

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VIDEO - A l'origine des tableaux de Degas, l'histoire des petits rats de l'Opéra

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A l'occasion de l'exposition "Degas à l'Opéra" au musée d'Orsay, Elisabeth Platel, directrice de l'école de danse de l'Opéra de Paris, analyse le regard du peintre sur les danseuses. Véritable reporter du XIXe siècle, Degas a merveilleusement peint les coulisses de l'Opéra et les ballerines.

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La musique et les TIC / Carrefour de l'éducation

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La musique et les TIC / Carrefour de l'éducation

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Fauré : "Après un rêve" par Damien Ventula et Isabelle Cottet I Le live de la matinale

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Prononcez le nom de Puccini et celui-ci évoque aussitôt trois des plus grandes œuvres du répertoire lyrique : La Bohème (1896), Tosca (1900) et Madame Butterfly (1904). Trois opéras immensément dramatiques, trois références pour qui s'intéresse à l'histoire du genre.

Que sait-on de leur compositeur ? Peu de choses, finalement... Et ce, peut-être, parce que son histoire se révèle (heureusement pour lui) bien plus calme que celles de ses personnages d'opéra. Mais elle ne manque pas pour autant de détails surprenants ou romanesques.

En voici au moins 10, des (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur l'homme qui arbora l'une des plus belles moustaches de l'histoire de la musique...

Un jeune chef de famille

Giacomo Puccini naît le 22 décembre 1858 à Lucques (Toscane), digne héritier d'une lignée de musiciens. Son père, son grand-père et son arrière-grand-père étaient en effet d'importants compositeurs à l'échelle locale et très vite, la mère de Giacomo constate que son fiston fait preuve, lui aussi, d'évidentes dispositions pour la musique.

Le petit Puccini commence très tôt son activité musicale, en jouant notamment de l'orgue dans les églises. En 1864, Michele Puccini meurt prématurément et le petit Giacomo se retrouve ainsi dernier représentant de la lignée des Puccini musiciens, avec de nombreuses attentes familiales qui pèsent sur ses épaules...

Un (poil) paresseux

Sauf que le Giacomo Puccini (enfant) n'est pas du genre à se tuer à la tâche, bien au contraire... A l'école comme à l' Instituto musicale, il se montre même paresseux. Plus il grandit, plus il trouve d'ailleurs son compte dans les divers lieux de plaisirs que lui offre sa ville natale, Lucques.

Paresseux mais pas moins brillant pour autant : depuis qu'il a entendu l' Aïda de Verdi en 1876 à Pise, Giacomo Puccini sait qu'il veut devenir compositeur. Quatre ans plus tard, il décroche une bourse et part étudier à Milan, au conservatoire. Là, il se trouve parmi les meilleurs élèves, mais son professeur Amilcare Ponchielli écrit néanmoins à son sujet : " J'en serais totalement satisfait s'il se montrait plus régulier dans l'effort. "

Un Bohémien à Milan

Non, l'étudiant Puccini ne se baladait pas dans les rues de Milan la chemise entrouverte et les cheveux en bataille. S'il est scapigliato (que l'on peut traduire par ébouriffé) c'est au sens figuré, intellectuel : il a en effet rejoint le mouvement de La Scapigliatura.

La Scapigliatura italienne se veut l'équivalent de la Vie de Bohème à la française, du moins telle qu'elle est racontée et décrite dans le roman éponyme d'Henry Murger. Ses membres rejettent le conservatisme de la bourgeoisie et cherchent à renverser les codes de la création artistique.

Si les Scènes de la Vie de Bohème de Murger inspireront l'un des plus grands opéras de Puccini, La Scapigliatura, elle, permettra au compositeur de rencontrer quelques amis et soutiens, parmi lesquels le compositeur Arrigo Boito, qui lui permet en 1884 de créer son tout premier opéra ( Le Villi, à Milan).

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Don Giacomo, le séducteur

Toute sa vie durant, Giacomo Puccini multiplie les conquêtes. Et ce Don Juan toscan n'a pas attendu la gloire pour conquérir les coeurs : dans les années 1880, la vingtaine tout juste passée, il fait la connaissance d'une femme mariée et mère de deux enfants, Elvira, avec qui il s'enfuit bientôt .

En 1884, tous deux s'installent loin de la ville et des commérages, à Torre del Lago. C'est là qu'ils passeront la plus grande partie de leur existence et patientent une petite dizaine d'années avant de pouvoir se marier (c'est-à-dire avant que ne meurt le premier époux d'Elvira). Leur vie conjugale, cependant, est loin d'être de tout repos : Madame est connue pour son fort tempérament, sa jalousie, quant à Monsieur, lui, ne peut pas s'empêcher de batifoler...

La vie d'ermite

Torre del Lago, justement. Petit village toscan situé entre la mer Méditerranée et le lac de Massaciuccoli, c'est là que Giacomo Puccini choisit de poser (durablement) ses valises. Pourquoi un tel retrait de la vie urbaine ? On dit Puccini un peu orso (ours), mal à l'aise en bonne société, angoissé. Et puis il y a l'argument financier : avant le succès de Manon Lescaut en 1893, le compositeur doit faire face à une relative précarité.

Quand bien même arrive la reconnaissance et la richesse avec Manon Lescaut (1893) puis La Bohème (1896), Tosca (1900) et Madame Butterfly (1904), Puccini n'abandonne pas pour autant sa vie d'ermite. A Torre del Lago, il peut composer sereinement et accueillir à bras ouverts (quand il le faut) les quelques journalistes venus découvrir son environnement.

Une résistance à toute épreuve

" Vous verrez que j'ai raison " écrit Puccini en 1904 après la désastreuse première de Madame Butterfly. Sifflé, hué par les spectateurs de la Scala de Milan, l'opéra n'en est pas moins une fierté pour son compositeur, et il aura raison de parier sur son succès puisque l'oeuvre est aujourd'hui célébrée à travers le monde.

Quatre ans auparavant, Tosca a été violemment critiqué par la presse romaine, et un peu plus tôt, La Bohème a lui aussi fait l'objet des plus durs jugements. Mais, à chaque fois, les oeuvres de Puccini finissent par trouver leur public, en Italie comme à l'étranger, et la pugnacité du compositeur paye, ses opéras faisant de lui le nouvel ambassadeur de la musique italienne, après Verdi.

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Puccini, côté obscur

S'il arbore une allure fière et élégante, Puccini n'en est pas moins traversé par de profonds et douloureux questionnements. " J'ai tellement besoin d'un ami mais je n'en ai aucun. [...] Je suis le seul à me comprendre et cela me fait énormément souffrir ", écrit-il ainsi à son librettiste Luigi Illica, en 1903.

Malgré le succès grandissant et la reconnaissance internationale acquise grâce à ses opéras, le temps apporte aussi à Puccini son lot d'angoisses et de peurs. Aussi lorsqu'en 1921, un journal romain rapporte son décès par erreur (c'est en fait le poète F ucini qui vient de s'éteindre), le compositeur en ressort terrifié, d'autant plus hanté par la mort.

Pas un grand lecteur

Manon Lescaut (1893) d'après le roman éponyme de l'abbé Prévost, La Bohème d'après l'oeuvre littéraire d'Henry Murger... Ces deux grandes références du répertoire lyrique pourraient laisser croire que leur compositeur était un fin connaisseur de littérature.

Et pourtant Giacomo Puccini lit peu, voire pas du tout. Il se trouve souvent en panne d'inspiration, à la recherche de sujets. Ses idées lui viennent d'ailleurs plutôt de la scène, du spectacle vivant, comme en témoigne le reste de ses oeuvres : Tosca (1900), Madame Butterfly (1904), La Fanciulla del West (1910), Turandot (création posthume en 1926), toutes composées d'après des pièces de théâtre.

Pas un mot sur la politique

Né en 1858, mort en 1924, Giacomo Puccini a traversé maintes crises politiques, à commencer par la fin de l'Unification italienne, l'avènement du Royaume d'Italie, jusqu'à la montée du fascisme et la marche sur Rome de Benito Mussolini.

Mais au sujet des crises que traverse son pays, Puccini ne dit rien. Même la plus politique de ses oeuvres, Tosca - qui met en scène les abus de pouvoir de Scarpia, chef de la police - a vu son livret épuré et réduit à l'essentiel, à sa dimension la plus romantico-dramatique. Et si l'opéra critique bien la monarchie absolue, il répond surtout à un souci vériste, c'est-à-dire celui du réalisme, d'une juste (mais souvent cruelle) représentation de la réalité.

Turandot, os de volaille et maux de gorge

1920. Giacomo Puccini est célébré à travers le monde. Il a voyagé et pu entendre ses oeuvres acclamées à Paris, Londres, New York, Buenos Aires... Mais voilà qu'il peine à composer son prochain grand opéra, Turandot. " Je crains que Turandot ne soit jamais terminé ", écrit-il dans une lettre à son éditeur Adami, une lettre tristement prémonitoire.

1922. En voyage en Allemagne, Puccini avale par mégarde un os de volaille. Une opération chirurgicale est nécessaire pour le lui retirer. Si l'anecdote paraît sans intérêt, elle est pour certains l'élément déclencheur du mal qui l'emportera, deux ans plus tard.

1923. Puccini est en proie à une toux constante et douloureuse. Une première visite chez le médecin, puis une deuxième, une troisième... On finit par lui diagnostiquer un cancer de la gorge, et c'est auprès de grands spécialistes qu'il part se faire soigner à Bruxelles. Il y meurt quelques mois plus tard, le 29 Novembre 1924, son Turandot inachevé.

Référence bibliographique :

MARNAT Marcel, Giacomo Puccini, Fayard, 2005.

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Giacomo Puccini : 10 (petites) choses que vous ne saviez (peut-être) pas sur le compositeur

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Ses œuvres (Tosca, La Bohème, Madame Butterfly) sont immensément connues, mais sa vie et sa personnalité beaucoup moins. Voici 10 (petites) choses à savoir sur Giacomo Puccini.

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Ressources pour la voix

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VOX, ma chorale interactive | Radio France

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Des tutoriels pour apprendre à chanter à son rythme - Vidéos, podcasts, partitions, enregistrements audio, ...

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VIDEO - L'Opéra de Paris, toute une histoire !

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Quatorze salles, trois attentats, un fantôme... Jérémie Rousseau retrace l'histoire de l'Opéra national de Paris en seize vidéos !

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N'ayant sa place ni parmi les hippies, rockeurs ou compositeurs de musique dite savante, Frank Zappa (1940-1993) et son oeuvre restent aujourd'hui encore inclassables. Toujours porté vers l'avant-garde, celui qui " rend toutes les recherches en musique contemporaine dérisoires " (selon Antoine de Caunes) reste insaisissable par ceux qui souhaitent l'étudier de plus près. Selon Zappa lui-même, inutile de décortiquer sa musique car " tout est un seul et même album " ( Rolling Stone, 1968). Par où donc commencer pour mieux comprendre ce " freak " de la musique ? Voici 10 petites choses que vous ne savez (peut-être) pas sur Frank Zappa...

Il apprend la musique en recopiant les partitions de ses idoles

Dès les années 1950, Frank Zappa exprime une curiosité brûlante pour la musique et les percussions en particulier. Avec des connaissances rudimentaires de la batterie, il devient batteur dans des groupes de Rhythm and blues. Toujours aussi passionné par les percussions, Zappa est rapidement séduit par les capacités mélodiques de la guitare, qu'il découvre à l'âge de 18 ans. Or, comme il est incapable de jouer des accords, il se lance plutôt dans l'exploration mélodique et linéaire, qui deviendra par la suite une caractéristique de sa musique : la mélodie justifiera toujours l'harmonie.

" Vous voulez devenir compositeur ? Vous n'avez même pas besoin de savoir écrire la musique. [...] Si vous pouvez penser un motif, vous pouvez produire ce motif ". Il pense que les cours de musique traditionnels sont " un affront " à sa créativité et préfère passer son temps à étudier et recopier les partitions d'orchestre de Stravinsky, Varèse, Webern et Schoenberg, ou à composer de la musique de chambre. Aux compositeurs de l'ASUC (American Society of University Composers), il déclare en 1984 : " Je n'appartiens pas à votre organisation [...] Je n'aime pas la plupart des trucs auxquels vous croyez ".

Il n'y aurait pas eu de Zappa sans Varèse

En 1954, Zappa achète le premier volume d_es Oeuvres complètes d'Edgard Varèse Vol.1_ et découvre la percussion dans Ionisation qui l'influence à tout jamais. Pour ses 15 ans, le musicien ne souhaite qu'une chose : effectuer un appel interurbain vers New York pour parler à son idole Varèse (hélas, ce dernier est alors en tournée en Europe). Même si Zappa finit par joindre le compositeur quelques semaines plus tard, il ne rencontrera jamais celui qui est au cœur de sa passion musicale.

Comme Varèse, Zappa fuyait toute école de composition. En 1971, en hommage au compositeur français, Zappa écrit un article pour le Stereo Review intitulé " Edgard Varèse idol of my youth [ idole de mon enfance] " :

" On m'a demandé d'écrire sur Edgard Varèse. Je ne suis pas du tout qualifié pour ça. [...] La seule raison pour laquelle j'ai accepté c'est parce que j'aime beaucoup sa musique, et si par hasard cet article pouvait amener plus de gens à écouter ses œuvres, ça en aura valu la peine. "

Zappa, gaga de Dada

Suzy Creamcheese, Cletus Awreetus-Awrightus, Ruben Sano, Obdewlla'X, Rondo Hatton... Frank Zappa s'est entouré de nombreux acolytes fictifs. Doté d'une imagination sans borne, la musique et surtout les paroles de Frank Zappa évoquent un monde aux allures incontestablement Dadaïste, rempli d'objets et de personnages étranges. Mais derrière les titres et objets absurdes se trouvent évidemment de nombreux sous-entendus et de fins commentaires sur la société...

Dès 1963, un jeune Frank Zappa à la coupe soignée (mais aux idées toujours aussi délurées ), bien rasé, en costume chic, est l'invité de Steve Allen dans son émission télé de variété, ayant accueilli dans le passé humoristes, comédiens et musiciens tels que Elvis Presley, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, et Louis Jordan... A la surprise générale, Frank Zappa arrive avec deux bicyclettes et des baguettes de batterie !

- " Depuis quand jouez-vous du vélo, Frank? ", lui demande l'animateur.

- " Deux semaines, " rétorque l'intéressé, sans ciller.

Frank Zappa, connais-tu Francesco Zappa ?

En novembre 1984 parait l'album Francesco Zappa. Enregistré entièrement au Synclavier (un clavier synthétiseur), l'album rassemble la musique de chambre de Francesco Zappa, compositeur italien méconnu du XVIIIe siècle. Zappa aurait découvert ce dernier dans les bibliothèques de Berkeley et du Congrès, et entretiendrait même avec lui des liens familiaux... Supercherie ? Francesco Zappa (1717-1803) a bel et bien existé mais tombe vite dans l'oubli après sa mort. Réel, oui. Mais de la même famille que Frank ? Hélas, non.

Critiqué par certains pour avoir simplement retranscrit numériquement des œuvres anciennes, Zappa s'inspire en fait surtout de son maître Edgard Varèse et de ses mots publiés en 1915 dans la revue Dadaïste 391 : " La musique qui doit vivre et vibrer a besoin de nouveaux moyens d'expression [...] Je rêve les instruments obéissant à la pensée ". Une nouvelle vie, donc, pour la musique de son homonyme !

Zappa change de voix

10 décembre 1971, changement de voix pour Frank Zappa. Année maudite pour son groupe Mothers of Invention. Leur tournée est presque annulée après un incendie pendant leur concert du 4 décembre 1971 au Casino de Montreux en Suisse (la chanson " Smoke on the Water " de Deep Purple fait d'ailleurs référence à ce malheureux incident). Une semaine plus tard, le malheur frappe de nouveau : au Rainbow Theatre à Londres, un spectateur drogué monte sur scène et plaque Zappa en plein solo, et le musicien tombe dans la fosse d'orchestre quelques mètres en dessous.

Zappa se réveille avec de nombreuses blessures graves, et notamment un écrasement du larynx. Malgré un an de convalescence, la voix de Frank est altérée de façon permanente, et baisse d'une tierce. " Ce n'est pas désagréable en soi, mais j'aurais préféré une autre méthode ", ironisait le musicien. " Je ne peux chanter que sur une seule octave, avec 75 à 80% de précision dans l'intonation [...] avec de tels résultats, je me ferais recaler même à une audition pour mon propre groupe ! "

Zappa la bactérie, Zappa le mollusque, Zappa l'étoile !

Avant sa découverte bouleversante de la musique d'Edgard Varèse, le jeune Frank exprime une passion pour la chimie, et notamment pour les explosifs. S'il n'a jamais pu contribuer au monde de la science de sa propre main, son nom se trouve néanmoins parsemé dans les domaines de la biologie (la bactérie P. Zappae) , la science marine (le poisson Zappa confluentus et la méduse Phialella Zappai), l'arachnologie ( Pachygnatha Zappa), et même l'astronomie (l'astéroïde 3834 Zappafrank) !

Mais pourquoi les scientifiques pensent-ils à Zappa au moment de nommer leurs découvertes ? Pour certains, le comportement particulier d'une bactérie évoque l'imprévisibilité du musicien. Pour d'autres, la tâche noire sur une araignée ressemble beaucoup à sa moustache iconique. Pour d'autres encore, le nom Zappa possède une résonance scientifique. Et l'astéroïde ? En 1994, 14 ans après sa découverte, une pétition internationale lancée sur l'internet (première pétition numérique au monde) est envoyée à l'Union Astronomique Internationale : le 22 juillet 1994, l'astéroïde 3834 est baptisé Zappafrank.

Non, Zappa ne se droguait pas

A voir ses innombrables et loufoques personnages, à entendre ses paroles abracadabrantes, on pourrait aisément croire que Zappa puisait son inspiration dans l'usage de certaines substances illicites... Et pourtant, il est en fait farouchement opposé à la consommation de drogues. Dégoûté par son unique expérience avec le cannabis, il se met en guerre contre toute substance hallucinogène, et menace de renvoyer quiconque de ces musiciens sous emprise de drogues pendant ses concerts. Dans les années 1960, il enregistre même une série d'annonces pour la radio contre la consommation de stupéfiants :

Personnalité contradictoire, Zappa le grand fumeur de tabac (son " légume préféré ") se prononce également contre la War on Drugs américaine qu'il compare à la prohibition. Convaincu que le gouvernent lui-même est impliqué dans le trafic de drogues, il en fait souvent référence dans ses paroles : " laissez mon nez tranquille " dans la chanson Drafted Again fait référence à la cocaïne fournie aux soldats américains envoyés au Viêt-Nam.

Sa musique est considérée comme dangereuse

" Oui j'écris des chansons stupides, et alors? [...] Mes textes visent à distraire, pas à se faire analyser ", déclare Frank Zappa dans son autobiographie. Stupides pour certains, les chansons de Frank Zappa seraient même dangereuses, accusation qui ne reste pas lettre morte : l'album Jazz from Hell (1986), strictement instrumental, est uniquement distribué dans certains magasins américains sous condition de porter un avertissement parental de contenu choquant !

Le 14 février 1986, au Sénat du Maryland, Frank Zappa se retrouve face au Parents Music Resource Center, organisme de surveillance de la production musicale américaine, pour débattre sur l'étiquetage des albums jugés nocifs pour la société. Enregistrés, Zappa se joue de ces débats en les intégrant dans son album suivant : Frank Zappa meets the Mothers of Prevention. Pour contourner à sa façon la surveillance culturelle du PMRC, il intègre à la pochette sa propre étiquette d'avertissement : " Cet album contient du matériel qu'une société vraiment libre ne saurait craindre ni supprimer ".

Zappa, symbole de liberté... tchèque?

Formé en plein Printemps de Prague (1968), le groupe de rock avant-gardiste The Plastic People of the Universe devient la voix du peuple tchèque contre la " Normalisation " . Inspiré par Frank Zappa et sa musique, notamment par la chanson " The Plastic People ", Zappa devient le symbole de la contre-culture à Prague. L'attitude répressive du gouvernement communiste de Gustáv Husák contre le groupe déclenche une pétition officielle en 1976, intitulé la " Charte 77 ", initiée notamment par Vaclav Havel, dramaturge et futur président tchèque, parmi d'autres personnalités tchèques.

Ce n'est qu'en 1990 lorsqu'il est invité à Prague par Havel que Zappa découvre pour la première fois l'ampleur de son influence sur la contre-culture tchèque et l'admiration que le pays lui porte. Havel propose même au musicien plusieurs postes ministériels, dont celui du ministre de la culture, mais le gouvernement américain intervient rapidement, interdisant une telle nomination. En 1991, Zappa accorde à la capitale un dernier grand honneur : il monte sur scène pour l'un des derniers concerts de sa vie.

Président Zappa.

Les aventures de Frank Zappa au Congrès américain et en Tchécoslovaquie font croître en lui certaines aspirations politiques. Ces dernières sont pour le moins surprenantes : ayant refusé une invitation du parti Libertaire pour devenir leur futur candidat aux élections présidentielles, Zappa annonce en 1989 : " Politiquement, je me range (on ne rit pas) parmi les conservateurs pragmatiques. Je suis pour un gouvernement réduit, moins interventionniste, et pour l'allègement des impôts "...

Le 15 avril 1991, Zappa officialise sur une radio de Berkeley sa candidature présidentielle. Fidèle à lui-même, la campagne de Zappa sort aussi des sentiers battus : il communique uniquement par la télévision, et n'organise aucun rassemblement public. Hélas, pour ceux qui espéraient voir Zappa à la Maison Blanche, ce dernier se retire de la course présidentielle après l'annonce - involontaire - de son cancer de la prostate. En novembre 1991, huit mois à peine après s'être lancé, Frank Zappa met fin à ses ambitions politiques.

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Frank Zappa : 10 petites choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le musicien et compositeur de 200 motels

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Compositeur aux influences sans frontières et musicien en quête éternelle d'indépendance, Frank Zappa reste aujourd'hui un nom incontournable de la musique du XXe siècle, tous genres confondus. Voici 10 petites choses que vous ne savez (peut-être) pas sur ce musicien hors-normes.

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Capsules pedagogiques par catégories

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Recensement des capsules d'intérêt pédagogique en accès libre sur Internet.

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" Je ne connaissais pas la musique baroque, ça a été pour moi l'occasion d'une grande découverte "

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Dans " Tous les matins du monde " réalisé par Alain Corneau à partir du livre de Pascal Quignard, Jean-Pierre Marielle incarne Monsieur de Sainte-Colombe, un compositeur intransigeant, mentor de Marin Marais.

Un personnage atypique

Le rôle interprété parJean-Pierre Marielle a demandé un effort de composition remarquable car le compositeur baroque " ne peut s'exprimer que par la musique, il ne peut pas s'exprimer par la parole ". Pour construire le personnage, l'acteur des " Galettes de Pont-Aven " s'est appuyé sur la langue, le scénario et le livre de Pascal Quignard " La Leçon de musique ".

La découverte de la musique baroque

Pour Jean-Pierre Marielle, ce film a été aussi une initiation au baroque par l'intermédiaire du réalisateur et du directeur musical du film, à savoir Alain Corneau et Jordi Savall.

Je ne connaissais ni Sainte-Colombe, ni Marin Marais et je ne connaissais pas la musique baroque (..) ça a été pour moi l'occasion d'une grande découverte - Jean-Pierre Marielle

L'influence de Jordi Savall

Jordi Savall, violiste et chef d'orchestre, a été contacté par Alain Corneau pour collaborer au film suite à une émission de France Musique sur Marin Marais à laquelle il participait avec Pascal Quignard. La musique baroque était alors très confidentielle, Marin Marais et Sainte-Colombe très peu connus et Jordi Savall a trouvé l'idée " pour le moins étonnante (...) mais vraiment extraordinaire ". En collaborant au film, il a contribué à la popularisation de la musique baroque et de la viole de gambe.

Une prise en main difficile

Quand j'ai vu le film, j'ai été terrifié, je n'ai regardé que mes doigts ! - Jean-Pierre Marielle

Devenir Monsieur de Sainte-Colombe c'était aussi s'approprier son instrument, la viole de gambe. Si Jean-Pierre Marielle a d'abord essayé d'apprendre à jouer l'instrument avec l'aide de Jean-Louis Charbonnier, il s'est tourné sur une autre solution : le mime. Face à lui, Jean-Louis Charbonnier jouait et le comédien reproduisait ses gestes à l'identique : " C'était très compliqué pour que ce soit crédible, j'espère que ça l'est ".

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VIDEO - Jean-Pierre Marielle dans " Tous les matins du monde " : la découverte de la musique baroque

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Inoubliable Monsieur de Sainte-Colombe dans le film d'Alain Corneau, Jean-Pierre Marielle nous a quittés le 24 avril 2019. Le tournage avait été l'occasion pour le comédien d'une initiation à la musique baroque, notamment par l'intermédiaire de Jordi Savall et Pascal Quignard.

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LIVE, DEBUSSY  Children's corner, « Doctor Gradus ad Parnassum », Adélaïde Ferrière, 3/01/2017

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Musicien excentrique et compositeur talentueux, Louis "Moondog" Hardin (cousin éloigné du fameux hors-la-loi John Wesley Hardin) est hautement admiré, tant par les chefs d'orchestre que par les musiciens, tous genres musicaux confondus. Au cours de sa vie, il donne des conseils de direction musicale au grand George Szell, Janis Joplin reprend sa chanson All is Loneliness, il monte sur scène avec Charles Mingus au Whitney Museum et prétend avoir été le premier à applaudir Leonard Bernstein lors de son premier concert en tant que chef d'orchestre au Carnegie Hall... Bien que fascinants, ces faits ne sont pas les éléments les plus intéressants dans la vie de Moondog, un des musiciens les plus surprenants du XXe siècle.

Un Viking à New York

Le 4 juillet 1932 au Kansas, Louis Hardin, âgé de 16 ans, ramasse sans le savoir un bâton de dynamite, qui lui explose en plein visage, l'aveuglant à vie. Suite à ce violent accident, ce fils de ministre épiscopalien ressent une forte perte de foi, gravitant progressivement vers d'autres formes de spiritualité et de chamanisme. Plus tard il devient un musicien sans-abri dans les rues de New York. Il porte une longue barbe et de longs cheveux, ce qui lui vaut de nombreuses associations à Jésus Christ et le pousse à changer d'allure. Il décide donc de dessiner et de forger sa propre armure de Viking, une apparence " non-chrétienne " en accord avec sa passion pour la culture et la mythologie nordiques. Alors que les gens pensaient que son image était conçue uniquement pour attirer l'attention, son apparence était en réalité une expression de sa vraie identité.

Cependant, le style atypique du Viking ne lui a pas apporté que du bonheur. Habitué pendant des années aux répétitions de l'Orchestre Philharmonique de New York et invité par Artur Rodziński lui-même, Louis Hardin se voit refuser l'entrée en 1947. La raison : son apparence excentrique. Plutôt que de s'adapter, Hardin refuse de changer et cesse donc d'assister aux répétitions.

" Des gens m'ont souvent dit qu'ils aimeraient m'aider mais qu'il faudrait que je m'habille de manière plus conventionnelle [...] Mais je valorisais davantage ma liberté vestimentaire que ma carrière de compositeur. Je voulais tout simplement faire ce que je voulais, et coûte que coûte, je le faisais. "

Des années plus tard, en juin 1981 lors de l'inauguration d'une exposition d'objets de Vikings anciens au Musée d'Histoire de Stockholm, Louis Hardin découvre finalement que les Vikings n'ont jamais porté de casques à cornes, une découverte qui bouscule toute sa vie.

Il n'y a qu'un seul Moondog

Qu'est qu'un nom ? En 1947, Louis Hardin commence à porter avec fierté le nom par lequel il sera connu dans le monde entier : Moondog, inspiré de son chien d'enfance qui " hurlait à la lune plus qu'aucun autre chien ". Connu dans les rues de New York et ses cercles artistiques comme le compositeur Viking sans-abri, Moondog devient rapidement l'un des éléments cultes de la ville. Il est tellement connu que le fameux disc-jockey, producteur de radio et " rock and roll king " Alan Freed décide de nommer son émission " The Moondog House " et de s'autoproclamer le " King of the Moondoggers ", après avoir entendu sa Moondog Symphony.

Guerrier Viking dans l'âme, Moondog décide en 1954 d'attaquer en justice le grand producteur de radio américain. Il aurait probablement perdu ce procès sans le soutien de ses admirateurs de premier plan : Igor Stravinsky, Arturo Toscanini et Benny Goodman asseyent la légitimé de Louis Hardin pour le nom " Moondog ". " J'ignore si cela a changé quoi que ce soit, mais j'ai gagné le procès contre Freed et il a donc arrêté d'utiliser le nom ", témoigne alors le musicien.

Compositeur prolifique

Parler uniquement de Moondog, le musicien de rue biscornu, serait ignorer Hardin le compositeur prolifique (et largement autodidacte), auteur de plusieurs centaines d'œuvres. Parmi d'autres, il a laissé 81 symphonies, des œuvres pour orchestre, pour ensembles de chambre et de cuivres (notamment avec du saxophone), des œuvres pour piano et pour orgue, et environ 50 chansons...

Toute sa vie il poursuivra son rêve d'enfance de devenir non seulement compositeur mais LE meilleur compositeur, rêve qui fut une source de motivation infinie pour composer des œuvres de plus en plus ambitieuses, complètement en Braille, souvent à une vitesse ahurissante. Compositeur en résidence à Vienne en 1983, Moondog souhaitait suivre les traces du grand Wolfgang Amadeus Mozart, qui y composa ses trois dernières symphonies, en y composant à son tour ses trois premières. Non seulement Moondog y parvient en six semaines, mais en compose une vingtaine en seulement un an !

Pourtant, bien qu'une partie de ses œuvres ait été interprétée et même publiée de son vivant, un grand nombre n'a jamais été joué, encore moins enregistré. Parmi ces partitions, une œuvre pour 13 célestas, une autre pour 76 trombones, Tree Tone, nécessitant huit chefs d'orchestre, et notamment Cosmos, une œuvre pour mille musiciens et chanteurs qui dure neuf heures ! De plus, les esquisses et les compositions de Moondog sont entièrement en Braille, un obstacle qui éloigne encore plus le jour où le monde de la musique pourra pleinement découvrir le talent musical de Moondog.

Ça sonne américain !

Quand on pense aux compositeurs de musique américaine, les noms de George Gershwin, Charles Ives, Aaron Copland et Leonard Bernstein nous viennent à l'esprit... Mais pas celui de Moondog. Pourtant, la musique de Louis Hardin ne peut être plus américaine : elle mélange les marches militaires pour cuivres, le ragtime et le jazz, la percussion amérindienne, et même les bruitages de rues de New York.

Autre influence marquante : lors d'une visite de la tribu Arapaho au début des années 1920, le jeune Hardin rencontre le chef Yellow Calf avec lequel il découvre les danses traditionnelles du soleil, jouées au tam-tam. Cette expérience marque le début du style caractéristique de Moondog, surnommé " snaketime " (car cela fait penser au mouvement d'un serpent). La percussion et les rythmes syncopés deviendront par la suite un élément intégral de l'ADN musicale de Moondog, à tel point qu'il déclare même que " la race humaine s'éteindra dans un rythme à quatre temps "... raison de plus pour jouer à contretemps !

Se rebeller contre les rebelles

" Vous ne serez jamais compositeur tant que vous ne maîtrisez pas le contrepoint ". En lisant ces mots dans un livre, le jeune Louis Hardin se met immédiatement à la conquête du contrepoint. Il découvre alors la musique de Jean Sébastien Bach et tombe entièrement sous son charme. S'il est grand admirateur du compositeur allemand, il ne se gène pas de de le critiquer ouvertement : " J'adore la musique de Bach, mais il n'analysait jamais ses œuvres - je suis sûr qu'il était conscient de nombreuses erreurs qui se trouvaient dans sa musique. Il les aurait certainement corrigées s'il avait eu le temps, mais il devait s'occuper de ses enfants et de sa femme ".

" Harmoniquement, ma musique est la même que Bach, Beethoven et Brahms... et tous ces gens-là. Il n'y a vraiment pas de différence. " Mais la musique de Moondog reste unique, composée en pleine période de fascination croissante pour la musique dodécaphonique et atonale. En rejetant la tonalité du 20e siècle, Moondog se démarque à nouveau de ses contemporains_. " Je suis strictement tonal, donc je me sens un peu seul "._ Alors que les compositeurs cherchent désespérément de nouvelles sonorités, Moondog, lui, se tourne vers le passé, faisant revivre des harmonies et formes musicales qui semblent anachroniques dans ce monde en mouvement perpetuel.

Quel est ce bruit ?

Nous connaissons tous le violon, la trompette, le piano, la flûte...mais qu'en est-il du oo, une petite harpe triangulaire à 25 cordes ? Le hüs, un instrument triangulaire à cordes, joué avec un archet ? L'utsu, un petit clavier pentatonique ? Le trimba, une petite percussion triangulaire ? L'uni, une cithara à sept cordes? Non seulement Moondog est un compositeur extrêmement créatif, mais il imagine même de nouveaux instruments conçus spécialement pour sa musique, chacun avec un rôle et un timbre précis.

Influencé par Moondog ? Faites la queue...

" Toute la fine fleur de l'époque se devait de rencontrer Moondog ", déclare Robert Scotto, l'un des ses premiers biographes. Il est certes plus facile de citer tous ceux qui n'ont pas été influencé par Louis " Moondog " Hardin ! Se produisant pendant des années dans les rues de New York, devant des salles de concert et des maisons de disques, Moondog a côtoyé les meilleurs du métier. Mais les gens se sont également déplacés exprès pour trouver le légendaire Moondog dans la rue, y compris certains des grands jazzmen de l'époque tels que Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington et Charlie "Bird" Parker. Ce dernier avait même exprimé un désir ardent d'enregistrer un album avec lui, mais il est décédé peu de temps après. En hommage au grand saxophoniste, Moondog a d'ailleurs composé son célèbre Bird's Lament.

Et il n'y a pas que le jazz qui s'intéresse à Moondog. Le jeune Philip Glass, alors étudiant à la Juilliard School of Music, le découvre, ainsi que sa musique, à l'entrée du bar jazz new-yorkais Birdland. Fasciné par ce musicien au talent unique, il l'invite quelques années plus tard à vivre chez lui pendant un an, et le présente même à Steve Reich. Les deux jeunes compositeurs affirment avoir plus appris de Moondog que de leurs études à la Juilliard, allant jusqu'à le couronner de " fondateur du minimalisme " et " patriarche ".

L'influence de Moondog ne s'arrête pas aux frontières du jazz et de la musique classique contemporaine. Membre emblématique de la beat génération new-yorkaise, Moondog côtoie également Joan Baez, Ravi Shankar et Janis Joplin, ainsi que les écrivains William Burroughs et Allen Ginsburg. Sa musique et son personnage influencent même Frank Zappa et Captain Beefheart. De toutes ces influences, on comprend mieux le surnom " The Bridge " (Le Pont) donné à Moondog.

9, le chiffre sacré

Comme si Moondog n'était pas assez excentrique, il exprime également une fascination profonde pour le chiffre 9. Il y décerne notamment un code universel né avec le son, hérité d'une intelligence surhumaine et réservé uniquement à ceux capables de le comprendre :

" J'ai trouvé dans les neuf premières harmoniques un code qui ne peut qu'avoir été créé par un dieu, que j'appelle Megamind. Ce code non seulement confirme l'existence de Dieu [...] mais il contient également des lois secrètes faisant référence à la construction cosmique [...]. Tout est là dans les neuf premières harmoniques. "

Cette fascination se fait ressentir à travers certains poèmes de Moondog, écrits en nonamètre iambique, et surtout dans ses compositions. L'œuvre Overtone Tree, par exemple, projet symphonique avec quatre chefs d'orchestre, est centré autour de neuf premiers harmoniques. Il compose également un canon pour mille-voix qui dure neuf heures, et Sax Pax for a Sax, œuvre pour neuf saxophones.

Ironiquement, l'homme obsédé par le chiffre 9 est mort le 8 septembre 1999...

Mort ? Pas encore !

En 1974, Moondog réalise son rêve de découvrir la patrie de ses grands maîtres en musique : l'Allemagne. Invité par le Hessischer Rundfunks Orchestra à assister au premier concert européen qui joue sa musique (concert organisé avec l'aide de son ami, organiste Paul Jordan), le Viking de la 6e avenue (" Européen en exil " selon ses propres termes) quitte l'Amérique pour le continent européen. Après une série de concerts très réussis, Moondog déclare qu'il ne retourna pas dans son pays natal, faisant des rues de Francfort, de Hambourg, et de Recklinghausen sa nouvelle maison.

C'est dans cette dernière ville que Moondog rencontre une étudiante en géologie, Ilona Goebel. Ayant récemment découvert un album de la musique de Moondog chez son disquaire, l'étudiante souhaite absolument héberger ce compositeur fascinant chez ses parents dans le village voisin d'Oer-Erkenschwick, un " paradis pour un compositeur ", selon Moondog. Goebel met rapidement fin à ses études d'archéologie pour devenir l'assistante, éditrice et productrice de Moondog. Elle devient aussi sa compagne. Ensemble, ils fondent la maison d'édition Managarm (nom d'un chien de mythologie nordique qui poursuit la lune), afin de mieux promouvoir sa musique en Europe.

Côté américain, sans aucune nouvelle ni signe de vie, les New Yorkais se demandent où est le Viking, pensent qu'il est mort et son nom devient rapidement une légende. Ce n'est qu'en 1989 que Moondog repose le pied sur le sol américain, invité au festival New Music America en tant que compositeur triomphant et reconnu.

Le Moondog hurle toujours...

Moondog est mort en Allemagne le 8 septembre 1999. Mais contrairement à de nombreux compositeurs qui tombent dans l'oubli après leur mort, la musique de Moondog survit, et découvre même un succès croissant. Grâce à des reprises après sa mort par d'innombrables musiciens, classiques ou non, comme Jimmy McGriff, Marc Bolan, Moonshake, Stereolab, et plus récemment les sœurs Labèque, le nom de Louis " Moondog " Hardin est loin d'être oublié.

Au-delà des reprises de sa musique, certains artistes puisent des éléments dans sa musique pour créer de nouvelles œuvres sur le principe d'échantillonnage. Bien que certains dénoncent le massacre de sa musique, il est important de savoir que Moondog lui-même était grand fan de ce procédé (sampler en anglais) qu'il a découvert en Allemagne dans les années 1980 (l'album Elpmas, produit en 1991, est l'anagramme du mot " sample "). Un exemple d'échantillonnage vient de Mr Scruff, producteur et DJ anglais, qui utilise un passage de Bird's Lament en 1999 pour créer son Get a Move On, un grand succès commercial et une occasion de revaloriser la musique de Louis " Moondog " Hardin.

Sources et pour aller plus loin

Moondog - Amaury CORNUT (Le Mot et le Reste, 2014)

Musiques expérimentales : Une anthologie d'enregistrements emblématiques - Philippe ROBERT (Le mot et le reste, 2007)

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Louis "Moondog" Hardin : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le Viking de la 6e Avenue

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Comment un musicien aveugle, sans-abri et habillé en Viking devint-il une des figures centrales de l'avant-garde à New York, admiré par Charlie Parker, Steve Reich ou Janis Joplin ? Voici 10 petites choses afin de mieux comprendre l'homme surnommé Moondog, compositeur de "Bird's Lament".

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La révolution Merce Cunningham

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Après une formation à la Cornish School, Merce Cunningham rejoint la compagnie de Martha Graham, fondatrice de la danse moderne. Il s'émancipe en 1953 pour fonder sa propre compagnie, la Merce Cunningham Dance Company. Auteur de plus de 180 pièces, il a révolutionné la danse.

En dissociant musique et chorégraphie

Merce Cunningham rencontre John Cage à la Cornish School de Seattle, où ce dernier accompagne au piano les danseurs. Très vite, le compositeur lui propose une collaboration avec le principe suivant : chacun travaille son art de son côté, avec une contrainte de durée. C'est uniquement lors de la première représentation que les danseurs découvrent la musique.

La danse EST la musique - Merce Cunningham

On retrouvera ce procédé de dissociation des deux arts dans toute l'œuvre du chorégraphe, au-delà de sa collaboration avec son compagnon John Cage, qui aura duré cinquante ans. Merce Cunningham travaillera avec d'autres compositeurs comme David Tudor, Takehisa Kosugi, Morton Feldman...

En utilisant le hasard pour créer

A l'instar de John Cage avec la musique, Merce Cunningham s'appuie sur le hasard au moment de la création. Il utilise notamment le Yi-King, le plus ancien livre chinois, manuel des arts divinatoires. Il prépare en amont des "phrases", séries de mouvement, et tire au sort pour savoir dans quel ordre agencer ces séries de mouvements, le nombre de danseurs, les emplacements sur scène...

Dans son livre d'entretiens avec Jacqueline Lesschaeve " Le danseur et la danse ", le chorégraphe décrit la méthode utilisée pour le ballet "Torse ". Il conçoit 64 phrases dansées, chacune composée d'un nombre de mouvements différent : la première phrase comprend un mouvement, la deuxième deux, la troisième trois et ainsi de suite... Chaque mouvement correspond à un changement de poids de corps. En parallèle, il divise la scène en 64 carrés. Il associe ces éléments aux 64 hexagrammes qui constituent le Yi-king pour en déterminer l'ordre et l'emplacement. Enfin, il joue aux dés le nombre de danseurs devant exécuter ces mouvements. Cela génère une chorégraphie très mathématique, dénuée de trame narrative et cela vaut à Merce Cunningham le surnom d'" Einstein de la danse ". Les spectateurs ont l'impression que soixante danseurs sont mobilisés alors qu'en fait il n'y en a que dix.

L'arrivée de l'informatique l'incite à pousser plus loin l'utilisation du hasard : il fait développer un logiciel dans lequel il enregistre les mouvements créés. Le logiciel génère alors de manière aléatoire les suites de mouvements.

Avec l'ordinateur et avec les opérations de hasard, il est possible de trouver des choses auxquelles on n'aurait jamais pensé sans cela - Merce Cunningham

Tout geste du quotidien est danse

Merce Cunningham s'inspire des gestes de tous les jours pour ses chorégraphies. Il dépouille la danse de sa trame narrative, l'important étant le mouvement. Comme le souligne le chorégraphe Jean-Claude Galotta, " Il n'y a pas de sous mouvement, tout peut devenir quelque chose et finalement ça donne une grande liberté ".
Ainsi, si le mécanisme de la marche est le même pour tout le monde, tout un chacun a une démarche différente, c'est l'expression.

Le mouvement est langage

Dans mes ballets, il n'y a pas à comprendre, le but est de vous stimuler, vous public, à voir avec plus d'acuité, à écouter avec plus d'attention, à penser plus intensément - Merce Cunningham

Selon Bonnie Bird, professeur de danse du chorégraphe, son apport majeur se situe du côté du langage : " Ce que Merce a fait, c'est de nous obliger à examiner le langage dans sa forme la plus pure ".

Enfin, Merce Cunningham nous rappelle que la révolution dans la danse s'inscrit dans l'instant présent : " Si vous changez votre esprit, alors tout est possible " .

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VIDEO - Comment Merce Cunningham a révolutionné la danse

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A l'occasion des 100 ans de la naissance de Merce Cunningham, il est essentiel de se replonger dans l'œuvre visionnaire du chorégraphe. En dissociant la danse de la musique, en faisant intervenir le hasard et en insérant les gestes du quotidien dans ses chorégraphies, il a réinventé la danse.

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Logiciel d'édition audio et d'enregistrement

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Piazzolla  : Oblivion, par Ophélie Gaillard

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Francis Poulenc est l'un des plus importants compositeurs français du XXe siècle, connu notamment pour ses mélodies et son opéra Le Dialogue des Carmélites (1957).

A travers ce portrait en 10 (petites) choses se dessine la personnalité d'un artiste nourri par les différentes et foisonnantes époques qu'il a traversé - du Paris de Picasso à celui de Coco Chanel, en passant par l'Occupation allemande. Un artiste qui, au gré de ses aventures et de multiples collaborations, aura su conserver sa singularité et son indépendance.

Les deux Poulenc

Il y a deux Francis Poulenc. Celui de ses jeunes années, Poupoule comme le surnomment ses amis, amateur de guinguettes et de music-hall, compositeur du ballet érotique Les Biches (1923) et des Chansons Gaillardes (1926).

Au dieu d'Amour une pucelle Offrit un jour une chandelle, Pour en obtenir un amant. Le dieu sourit de sa demande Et lui dit : Belle, en attendant Servez-vous toujours de l'offrande.
_
(L'offrande_,_ extrait des Chansons Gaillardes, 1926).

Ce Francis libertin doit bientôt cohabiter avec un double plus sérieux et, surtout, très croyant. Car suite à un pèlerinage qu'il effectue sur les terres de Rocamadour, en 1936, Poulenc retrouve la foi catholique inculquée par son père. Dès lors, de nouveaux sujets s'ajoutent à sa liste d'inspirations : la religion, d'une part, mais aussi l'angoisse, la mélancolie et, plus tardivement, la mort.

Un premier succès exotique

Kati moko, mosi bolou - Ratakou sira, polama ! Ce ne sont ni des insultes ni de vieilles incantations, mais les paroles du premier succès de Poulenc, la Rhapsodie Nègre. Pour cette oeuvre, Poulenc a ironiquement choisi Honoloulou, le poème d'un soi-disant écrivain africain répondant au nom peu commun de Makoko Kangourou.

Si la partition de la Rhaposdie Nègre n'a pas du tout plu au directeur du Conservatoire de Paris, elle est en revanche très applaudie au Théâtre du Vieux-Colombier, où l'oeuvre est créée en 1917. Parmi les spectateurs siègent d'ailleurs Maurice Ravel et Igor Stravinsky. A tout juste 18 ans, Poulenc fait désormais partie des Nouveaux jeunes musiciens en vogue.

L'esprit guinguette

Les grands-parents maternels de Poulenc possèdent une 'maison de campagne' à Nogent-sur-Marne, 10 kilomètres à l'ouest de la capitale. Adolescent puis jeune homme, Francis se plaît à y séjourner pendant l'été, et apprécie tout particulièrement l'atmosphère des guinguettes et bals musettes des bords de Marne.

Ces joyeux souvenirs de jeunesse se retrouvent à travers plusieurs de ses œuvres, notamment ses mélodies (dans le choix des poèmes qu'il met en musique comme dans leur esthétique musicale). " Je range Cocardes [ndlr : l'un de ses premiers recueils] dans mes "œuvres Nogent" avec odeur de frites, d'accordéon, de parfum Piver. En un mot : tout ce que j'ai aimé à cet âge et que j'aime encore " (Poulenc, dans son Journal de mes mélodies)

Acte de résistance à l'Opéra de Paris

Lorsque Serge Lifar, chorégraphe à l'Opéra de Paris, passe commande d'une oeuvre auprès de Francis Poulenc en 1942, la France est alors sous le joug de l'armée allemande, et les officiers nazis assistent régulièrement aux spectacles du Palais Garnier. Ce que Lifar et ces officiers ne savent pas, c'est que Poulenc fait partie du Front national des musiciens, une organisation proche de la Résistance...

Créé en 1941, ce Front encourage (entre autres) la représentation d'œuvres interdites ou l'incorporation discrète d'airs patriotiques pendant les concerts. C'est ce que va faire Poulenc dans son ballet Les animaux modèles, créé en août 1942 au Palais Garnier. Face à un parterre d'officiers nazis, il fait jouer quelques notes de Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine. Un air de revanche et de patriotisme que (fort heureusement) nul ne reconnaît alors...

Amoureux de peinture

Parmi les fréquentations mondaines et artistiques de Francis Poulenc, on trouve autant de musiciens que de poètes ou d'artistes-peintres. Le compositeur est d'ailleurs passionné par l'art de la peinture et dit posséder un esprit concret, une imagination visuelle.

Il faut dire qu'il est le témoin d'importantes révolutions picturales : le fauvisme de Matisse, le cubisme de Picasso, les œuvres inclassables de Klee ou Chagall... En 1956, il publie Le Travail du peintre, un recueil de sept mélodies composées sur des textes de Paul Eluard qui rendent hommage aux grands artistes-peintres de son temps.

Parisien jusqu'aux os

Francis Poulenc est né dans le très chic 8ème arrondissement de Paris, à quelques pas de l'église de la Madeleine. Et la capitale lui colle à la peau... " Lorsque je reste des semaines à travailler loin de Paris, c'est vraiment avec un cœur d'amoureux que je retrouve ma ville ", écrit-il ainsi dans son Journal de mes mélodies (1993).

A Paris, Poulenc connaît du beau monde, et entre les concerts ou expositions de ses nombreux amis, les soirées mondaines ou les défilés de Coco Chanel et Christian Dior, il ne lui reste plus beaucoup de temps pour se consacrer à la composition... Le voilà donc contraint de s'exiler hors de la capitale pour se concentrer et, en 1927, il fait l'acquisition d'une maison en Touraine. Dans cette demeure qu'il baptiste le Grand Coteau, il vient de temps à autre se reposer et achever ses partitions.

Mots(no)maniaque

Francis Poulenc fait partie des grands maîtres français de la prosodie, des compositeurs qui ont su parfaitement accorder leur musique aux mots. Plus encore qu'une qualité, il s'agit pour lui d'une quête. Poulenc veut être " le musicien des poètes ", discute longuement avec ses amis littéraires et chanteurs pour tenter d'atteindre la plus juste mise en valeur des textes.

" Je surveille chaque note, fais attention aux bonnes voyelles sur les sons aigus [...] je crois qu'on comprendra tout ", écrit-il au baryton Pierre Bernac pendant la composition du Dialogue des Carmélites (1957). Une bonne intention qui se transforme très vite en intransigeance : Poulenc n'est pas tendre avec ceux qui ne lui semblent pas respecter ses intentions.

" Horrible journée !!! Une dame vient de miauler, un quart d'heure durant, à la radio des mélodies qui pourraient être de moi ! [...] On massacre souvent mes pièces de piano mais jamais tant que mes mélodies " (F. Poulenc, Journal de mes mélodies, le 3 nov. 1939)

Très inspiré par Babar

En 1940, l' Histoire de Babar est un best seller. Tous les enfants sont pris de passion pour ce petit éléphant qui, menacé par les chasseurs, s'enfuit de la forêt et découvre le 'monde des hommes'. Les jeunes cousins et neveux de Poulenc n'échappent pas à la règle, et quand leur oncle Francis séjourne avec eux à Brive-la-Gaillarde, ils le pressent de raconter (en musique) les aventures de l'éléphanteau.

Francis Poulenc s'installe donc au piano, son instrument de prédilection (et de formation), et improvise quelques accords ou mélodies pour chaque péripétie endurée par le courageux Babar : la mort de sa maman, la fuite hors de la forêt, l'arrivée en ville... Plutôt satisfait du résultat (et certainement acclamé par ses petits cousins), il publiera la partition de l' Histoire de Babar en 1949. Cette oeuvre pour piano est aujourd'hui considérée comme l'une de ses plus abouties.

Compositeur en autoformation

On a dit que Francis Poulenc avait deux personnalités, l'une frivole, l'autre pieuse. Dans sa formation, on trouve aussi deux trajectoires. La première est celle, traditionnelle, de l'élève : bien qu'il ne soit pas passé par le conservatoire, Poulenc étudie le piano avec le célèbre Ricardo Viñes, par le biais duquel il rencontre Erik Satie, puis perfectionne sa technique de composition auprès de Charles Koechlin.

Parallèlement à ces indispensables leçons 'techniques', Poulenc travaille en autodidacte. Depuis ses études classiques au Lycée Condorcet jusqu'à ses premières années de succès en tant que compositeur, il étudie par lui-même les œuvres de Debussy, Schubert et Stravinsky - ses premiers coups de cœur - et se plonge dans les grands traités de composition.

En quête de postérité

" Égarons nos biographes futurs " écrit-il en 1959 à la chanteuse Suzanne Peignot. Car Poulenc ne perd jamais le nord... Lui qui a dévoré la correspondance de Debussy et publié quelques lettres de Chabrier a bien conscience que les chercheurs et mélomanes passent au crible toute trace laissée par un 'grand compositeur'.

Et c'est ce à quoi il aspire, être un 'grand compositeur' ! Poulenc surveille donc ses écrits, use de ses relations et manie à merveille les nouveaux supports que sont le disque et la radio. Concernant le disque, il fait très tôt enregistrer ses œuvres. Dès 1928. Quant à la radio, il accepte volontiers de s'y confier et produit lui-même une émission, A bâtons rompus, en 1948.

Déjà dans les années 1940, Francis Poulenc se rapproche de certains journalistes et musicologues afin que soit rédigée sa biographie. Celle-ci ne sera publiée qu'en 1964, un an après sa mort, par le critique musical Jean Roy. Mais que le compositeur repose en paix : depuis, un grand nombre d'écrits lui ont été consacrés.

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Francis Poulenc : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur

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Aussi inspiré par l'éléphant Babar que par les poèmes d'Apollinaire, Francis Poulenc est un compositeur qui ne suit qu'une seule règle, la sienne. Voici 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur de La Voix humaine et des Dialogues des Carmélites.

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Excellente ressource pour présenter les instruments dans le détail.

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Que la musique soit dans vos cordes ou pas, découvrez les instruments de l’orchestre symphonique grâce aux vidéos présentées par les musiciens de l’Orchestre de Paris. Testez vos connaissances avec le jeu interactif.

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Deux siècles de musique, une profusion de styles : par quel bout aborder la musique baroque ? France Musique vous propose huit pièces de huit compositeurs différents pour saisir toute la beauté de cette si riche époque.

Monteverdi, L'Orfeo

Jean-Baptiste Lully, Thésée

Fier représentant de l'art et du goût français du XVIIe siècle, Jean-Baptiste Lully propose un genre nouveau : la tragédie lyrique. De Cadmus et Hermione (1673) à Achille et Polyxène (1687), le divin Lully compose un opéra par an. Troisième de ces oeuvres sur un livret de Philippe Quinault, Thésée est présenté en 1675 et restera - chose rare - au répertoire de l'opéra de Paris pendant plus de cent ans !

Monteverdi, le Retour d'Ulysse dans sa patrie

Créé à Venise en 1640, Il ritorno d'Ulisse in patria ( Le Retour d'Ulysse dans sa patrie) est l'un des derniers opéras composés par Claudio Monteverdi avant sa mort (1643). Peut-être moins célèbre que le fameux Orfeo, Le Retour d'Ulysse fait néanmoins partie des premiers opéras du compositeur à connaître un regain d'intérêt au XXe siècle. C'est grâce au compositeur et pédagogue Vincent d'Indy que l'oeuvre est montée à Paris dès 1925.

Bach, Toccata en mi mineur

Des centaines de cantates, une oeuvre pour orgue d'une richesse infinie : Jean-Sébastien Bach est un monument de l'histoire de la musique, au point qu'on prend souvent la date de sa disparition (1750) pour marquer la fin de l'époque baroque en musique. Dans cette toccata écrite aux alentours des années 1710, Bach fait appel aux maîtres compositeurs du passé, et plus particulièrement à Buxtehude, mort en 1707.

Elisabeth Jacquet de la Guerre, Semelé

Rares sont les compositrices, surtout à l'époque baroque. Parmi les quelques femmes dont la musique fut éditée, on compte Elisabeth Jacquet de la Guerre (1665 - 1729), auteure de suites pour clavecin, d'une tragédie lyrique ( Céphale et Procris) et de cantates sacrées et profanes, dont cette Semelé.

Marin Marais, la Rêveuse

Grand compositeur de pièces pour viole de gambe, auteur d'opéras à succès comme Alcyone (1706), Marin Marais connut une sorte de seconde vie après la sortie de Tous les matins du monde, en 1991. Le film, dans lequel on entend notamment La Rêveuse, narre les relations du musicien avec son maître de musique, Monsieur de Sainte Colombe.

Vivaldi, Il Giustino

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Universellement célèbre pour ses Quatre Saisons, Antonio Vivaldi a souligné, par son oeuvre, l'infinie richesse de la voix humaine. Parmi la cinquantaine d'opéras composés par le maître vénitien, citons Il Giustino, créé en 1724, et ici magnifiquement interprété par Jakub Józef Orlinski.

Francesco Cavalli, Erismena

Autre grand nom de l'opéra italien : Francesco Cavalli, auteur de La Calisto (1652), Xerse (1655), ainsi que d' , ici proposé dans la production du Festival d'Aix-en-Provence, en 2017.

Rameau, Platée

Père de la musique " à la française " pour Debussy, Jean-Philippe Rameau connaît un succès très tardif, à 50 ans passés. Tardif, mais non moins éclatant : il compose Platée en 1745 pour le mariage du Dauphin, fils de Louis XV, avec l'infante Marie-Thérèse. " Ballet Bouffon " à l'exceptionnel sens comique, Platée est également un exercice de style dont témoigne l'air Aux langueurs d'Apollon.

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Playlist : les plus belles vidéos de musique baroque

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Vive, éclatante, exubérante, mais aussi - et surtout - pleine de contraste : la musique baroque est tout cela à la fois, et bien plus encore. De Monteverdi à Rameau en passant par Elisabeth Jacquet de la Guerre : découvrez ou redécouvrez les splendeurs du baroque !

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Application de création musicale pour Androïd

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Dictionnaire Larousse français

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Télécharger Walk Band pour Android - Telecharger.com

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Composez votre musique avec ce mini studio d'enregistrement de poche

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Je ne sais pas ce qui m'attire vers ces vieux instruments qui ont un son un peu vaporeux. Inconsciemment, je dois être quelqu'un d'assez doux. Thomas Bloch, glass harmonicist

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France Musique : Comment avez-vous découvert l'armonica de verre ?
Thomas Bloch : C'est via le disque que j'ai entendu l'instrument pour la première fois. Lorsque j'étais étudiant au CNSM de Paris, notre professeur d'analyse nous a fait écouter un enregistrement de ce dernier. Personne n'a été capable de reconnaitre l'armonica de verre, moi y compris, car nous étions au milieu des années 1980 et l'instrument venait tout juste de refaire surface ! J'ai été fasciné par le son qu'il produisait.
Comment c'est fait, un tel instrument ?
La première chose qui saute aux yeux, c'est cette série de bols en verre, il y en a 37 au total, ce qui confère une tessiture de trois octaves à l'instrument. Certains bols sont dorés, cela permet de repérer les 'touches noires', agencées comme celles d'un piano. Tous ces bols sont fixés sur un axe mis en rotation par une courroie, elle-même entraînée par un moteur électrique. Pour jouer fort, je dois appuyer plus fortement sur les verres, ce qui les fait ralentir pour finir par s'arrêter complètement. Ce dernier point est particulièrement vrai pour les verres les plus petits, qui produisent les sont les plus aigus, car ils sont plus difficiles à mettre en vibration. Pour palier ce problème, l'instrument possède une pédale qui permet d'accélérer ou de ralentir les verres et d'adapter leur vitesse de rotation au jeu.
Comment produit-il des sons ?
Pour résumer le principe de mise en vibration des verres, on peut faire un parallèle avec le phénomène d'aquaplanage : lorsque la route (les verres) et mes pneus (mes doigts) sont secs, les deux adhèrent et rien ne passe, on tient la route. Lorsqu'il pleut et que les verres sont mouillés, mes doigts rebondissent très légèrement sur les verres (cela ne se voit pas à l'œil nu) et les mettent ainsi en vibration grâce à l'eau.
Quelle est l'histoire de l'armonica de verre ?
Il fût inventé par Benjamin Franklin en 1761. Il a rencontré dans une brasserie un musicien qui jouait un instrument appelé Seraphim. Il était composé de verres à pied sur lesquels on frottait les doigts humidifiés pour les faire chanter. Il a simplement voulu améliorer ce principe de base, en soufflant des verres de différentes tailles et en les arrangeant sur un axe selon une gamme chromatique. Dans une lettre, Franklin écrit à un ami abbé Italien qu'il a voulu rendre hommage à la langue italienne en utilisant le mot 'armonica' pour nommer son invention. C'est pourquoi, en français, on n'utilise pas de 'h' au début du mot, alors que dans d'autres langue, comme l'anglais ou l'allemand, ce dernier est présent. A partir de la fin du 18e siècle, environ 400 œuvres furent composées pour l'armonica de verre. Par exemple, Mozart a utilisé cet instrument avec une flûte, un hautbois, un alto et un violoncelle, Plus tard, Richard Strauss l'intègrera à son opéra 'La femme sans ombre' et Donizetti à sa 'Lucia di Lammermoor'.

Il semblerait que l'instrument ait été interdit par la police vers 1835 : la légende dit qu'il rendait fous ses interprètes ! On pense que cela était lié au plomb contenu dans la peinture noire appliquée sur certains verres pour repérer les touches noires. Au bout de 15 ou 20 ans de pratiques, les musiciens finissaient donc par s'empoisonner. Puis, l'instrument a disparu, devant la taille des salles et des orchestres qui croissaient (ce n'est pas un instrument très sonore).

Il a ressurgit dans les années 1980 grâce à un maître verrier Allemand, Gerhard Finkenbeiner, qui s'était installé près de Boston aux États-Unis, et qui a décidé de reprendre la fabrication de l'instrument après en avoir aperçu un exemplaire conservé dans un musée. Il est décédé en 1999, mais fort heureusement, il a eu le temps de former du personnel apte à continuer la fabrication de l'armonica de verre. Depuis, on l'utilise dans la musique de film, dans des œuvres contemporaines, à ceci près qu'aujourd'hui, on peut l'amplifier.
Quels styles musicaux peut-on jouer avec votre instrument ?
L'armonica de verre se marie bien avec toutes sortes d'instruments. En effet, il a un timbre si particulier qu'il se détache immédiatement au sein d'un ensemble. Par exemple, il s'adapte très bien à la musique de chambre, à l'orchestre ou à la musique électronique de nos jours. A titre personnel, j'ai donc eu l'occasion et le plaisir de collaborer avec des groupes comme Radiohead, Gorillaz, de partir en tournée avec Tom Waits, Marianne Faithfull, etc. Aujourd'hui, de nombreux compositeurs recherchent des sonorités originales, notamment dans le domaine de la musique de film. On peut donc entendre l'armonica de verre dans Amadeus de Miloš Forman (puisque Mozart a composé pour l'instrument), dans Interview with the Vampire de Neil Jordan, plus récemment dans Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, ou plus calmement dans La Marche de l'Empereur de Luc Jacquet.
Avez-vous une anecdote à nous raconter sur l'instrument ?
Peu de gens le connaissent, nous ne sommes que cinq ou six professionnels à en jouer dans le monde. A ce titre, quand je voyage avec mon armonica de verre, la douane me demande systématiquement d'ouvrir sa boîte. Sauf un jour, où en arrivant aux États-Unis, un douanier m'a dit : "Je sais ce que c'est, pas besoin d'ouvrir la caisse ! Il s'agit d'une fontaine à champagne, c'est très fragile alors passez !".
Pourquoi devrait-on choisir l'armonica de verre, plutôt qu'un autre instrument ?
Si vous aimez faire la vaisselle, c'est un très bon moyen de s'y exercer. Si vous aimez les sons cristallins et très aigus, il faut également choisir cet instrument. Autrement, si vous apréciez que l'on vous masse le bout des doigts, l'armonica de verre est fait pour vous ! Enfin il possède un large répertoire composé par de nombreux compositeur, comme C. P. E. Bach, Hasse, Mozart, Beethoven, Strauss, Donizetti, et plus récemment Michel Redolfi ou George Benjamin.

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VIDÉO - L'armonica de verre, comment ça marche ? Par Thomas Bloch

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Insolite, ayant la sombre réputation de rendre fou son musicien, l'armonica de verre fascine par sa sonorité cristalline. Thomas Bloch, glass harmonicist, nous fait faire le tour de l'instrument en image et en musique.

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Rongé par l'ambition et l'angoisse, torturé par des pensées douloureuses et contradictoires, Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 - 1893) aurait tout à fait pu figurer parmi les personnage des romans de Tolstoï ou Dostoïevski. Aussi, pour bien appréhender le caractère et l'oeuvre du plus célèbre compositeur russe, 10 (petites) choses au moins nous sont nécessaires...

Le cueilleur de champignons

" Je suis russe, russe, russe jusqu'à la moelle des os ", écrit Tchaïkovski à son frère Modeste. Comme tout bon habitant du pays des tsars, il part régulièrement se reposer dans une traditionnelle datcha ou entre les murs d'une confortable maison de campagne. Et là, au coeur de la nature, Tchaïkovski compose.

De plus, comme beaucoup de ses concitoyens, le musicien développe une passion dévorante pour la cueillette des champignons. " L'instant où l'on aperçoit et où l'on cueille un beau cèpe bien charnu est délicieux " raconte-t-il avec émotion à Mme Von Meck, sa bienfaitrice, dans une lettre datée du 23 mai 1878. " Toute cette nuit, j'ai rêvé d'énormes champignons rouges. "

La déception du Lac des Cygnes

Le Lac des Cygnes est certainement l'oeuvre la plus célèbre de Tchaïkovski. Lorsqu'il accepte la commande du Bolchoï en 1875, il est tout aussi attiré par la rémunération proposée que par ce genre inédit pour lui, le ballet. Il s'attelle alors à l'écriture d'une grande oeuvre de type symphonique, sans consultation préalable avec le chorégraphe, Julius Reisinger.

Sa partition se révèle trop ambitieuse pour le Bolchoï d'alors : certaines parties sont coupées ou interverties, chose plutôt courante à l'époque. Si la Première n'est pas une catastrophe, l'accueil de la presse et du public est médiocre, loin de présager de la postérité de l'oeuvre.

L'étrange générosité de Mme Von Meck

Nadejda Von Meck, veuve fortunée et mélomane, entretient financièrement Tchaïkovski durant près de quatorze ans, sans jamais le rencontrer. Leur relation est en effet strictement épistolaire et débute par une première lettre envoyée au compositeur, en 1876, dans laquelle Mme Von Meck confie son admiration : " Il me paraîtrait déplacé de vous dire l'émerveillement dans lequel me plongent vos œuvres. "

Tchaïkovski et sa bienfaitrice s'échangent plus de mille deux cent lettres, et le compositeur partage avec Mme Von Meck ses nombreux états d'âme, sans pour autant se confier au sujet de son homosexualité. Et c'est la découverte de ce penchant qui aurait décidé la dame à mettre fin à leur étrange relation, en 1890.

Le secret bien caché de son homosexualité

S'il est une chose qui torture l'esprit de Tchaïkovski, c'est son homosexualité. Sans la réprimer - il connaît ses premières relations pendants ses études à Saint Pétersbourg - il ne peut concevoir que ces liaisons suffisent à le rendre heureux. Se confiant à son jeune frère Modeste, lui aussi homosexuel, il écrit : " Je trouve que nos tendances sont pour nous le plus grand et le plus infranchissable obstacle au bonheur. "

" Je voudrais, par un mariage ou du moins par une liaison déclarée avec une femme, faire taire certaines créatures méprisables. " Nous sommes en 1876 lorsque Tchaïkovski fait part de cette idée à Modeste, deux ans seulement avant son mariage. Car oui, pour mettre fin aux rumeurs qui courent à son sujet, le compositeur va se marier.

Un mariage catastrophique

En juillet 1877, Tchaïkovski épouse Antonina Ivanovna Milioukova, une de ses élèves du conservatoire de Moscou. Rien que le premier jour lui est éprouvant. Les mondanités de la cérémonie et l'aspect irrévocable du lien scellé ont vite fait de le plonger dans un état de profonde dépression.

" Je l'avais bien prévenue qu'elle ne pouvait compter que sur un amour fraternel. Physiquement, ma femme m'inspire à présent une répulsion totale ", écrit Tchaïkovski à Modeste, quelques mois seulement après les noces. Il se porte si mal que même ses médecins finissent par lui préconiser de mettre fin à son engagement. Le 24 septembre 1877, sous prétexte d'être attendu à Saint Pétersbourg, il quitte sa femme Antonina, pour ne plus jamais la revoir.

Le misanthrope

Aux yeux de son entourage et de ses contemporains, Tchaïkovski est un homme plutôt doux et bienveillant, doté d'excellentes manières. Mais le compositeur, lui, ressent les choses d'une toute autre manière. Il se décrit comme timide, presque asocial : " Je suis un sauvage. Chaque nouvelle connaissance, chaque rencontre avec un inconnu a toujours été pour moi source des pires souffrances morales. " (lettre à Mme Von Meck, 1878)

" Je ne puis être calme et véritablement heureux que lorsque je suis seul. " (Lettre à Jurgenson, 1879) Une condition d'accès au bonheur plutôt problématique lorsqu'on aspire à la reconnaissance de son oeuvre et à un métier artistique, mais dont seuls les plus proches de Tchaïkovski semblent avoir eu connaissance.

Au service de la justice

A l'âge de 10 ans, le petit Piotr Ilitch Tchaïkovski est envoyé en pension dans un établissement pour garçons de bonne famille. Il n'a alors guère d'autre choix que de mettre de côté ses ambitions musicales, bien qu'il participe à la chorale de l'école et profite de la vie urbaine pour assister à de nombreux spectacles.

Après ses études de droit, Tchaïkovski intègre le ministère de la Justice. Sa situation est confortable, mais lorsqu'il apprend l'ouverture du conservatoire de musique de Saint Pétersbourg, il n'hésite pas une seconde et retourne sur les bancs de l'école. A 26 ans, jeune musicien diplômé, Tchaïkovski est nommé professeur de composition au nouveau conservatoire de Moscou.

Tchaïkovski n'aime (vraiment) pas Wagner

" Comme compositeur, Wagner est indiscutablement une des personnalités les plus remarquables de la seconde moitié de ce siècle ", concède Tchaïkovski au Morning Journal en 1891, alors qu'il est invité à diriger pour l'inauguration du Music Hall de New York (aujourd'hui bien connu sous le nom de Carnegie Hall).

Oui, mais... " selon ma profonde conviction, c'était un génie qui a suivi une voie erronée ", poursuit-il. Tchaïkovski reste poli, tout aussi poli qu'il l'avait été en tant que reporter envoyé par les Nouvelles russes à Bayreuth en 1876. A cette époque il publie cinq articles sur le festival wagnérien, peu élogieux mais courtois, tandis que dans une lettre à son frère, il écrit : " Bayreuth m'a laissé un souvenir pénible [...] Avant, on s'efforçait de satisfaire les gens avec la musique, à présent on les fatigue et on les torture " (lettre à Modeste, 8/20 août 1876).

Poète et mélodiste

On connaît Tchaïkovski pour ses musiques de ballets, ses grands opéras ( Eugène Onéguine, La Dame de Pique) ou ses symphonies, mais on sait moins souvent qu' il est aussi l'auteur d'une centaine de mélodies - forme musicale des plus intimistes - qui font écho à son attrait pour la poésie.

Enfant, Tchaïkovski écrit des petits poèmes hantés par les thèmes de la mort et du destin (il est un garçon particulièrement sensible, surnommé l' enfant de verre par sa gouvernante). Rien d'étonnant, dès lors, à ce qu'il conserve tout au long de sa vie le goût de la poésie mise en musique. Il exprime ainsi ses différentes humeurs, et écrit parfois lui-même les vers de ses mélodies.

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Mystère autour de sa mort

Au sujet de la mort de Tchaïkovski, survenue le 25 octobre 1893, à Saint-Pétersbourg, deux thèses s'affrontent... Celle officielle du choléra : il aurait été contaminé par l'ingestion périlleuse d'un verre d'eau non bouillie. L'autre hypothèse, moins convenable, est celle du suicide. Tchaïkovski aurait été anéanti par une plainte déposée à son encontre, suite à une liaison jugée scandaleuse.

Le mystère demeure, donc, sur la fin du 'roman Tchaïkovski'. Est-elle plutôt digne d'un écrit de Tolstoï, inéluctable et déterminée :Tchaïkovski frappé par le même choléra qui emporta sa mère ? Ou est-ce plutôt là l'univers des Frères Karamazov de Dostoïevski, dans lequel seules prévalent la liberté et la responsabilité individuelle ?

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Piotr Ilitch Tchaïkovski : 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur

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Mort mystérieuse, champignons et mariage raté. Ces 3 éléments se retrouvent dans la vie du compositeur russe Tchaïkovski. Un indice : ils n'ont aucun lien entre eux. Voici 10 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur de Casse-noisette ou encore du Lac des Cygnes.

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Des films agités pour bien cogiter : Les animations des Fondamentaux - Réseau Canopé

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Générique de l'émission :
Serge Prokofiev
Roméo et Juliette : " danse "
Orchestre Philharmonique d'Oslo
Direction Mariss Jansons
CD EMI

Programmation de l'émission :

Wolfgang Amadeus Mozart
Concerto pour flûte et harpe, 1e mvt " allegro "
Magali Mosnier (flûte)
Xavier de Maistre (harpe)
Orchestre du Mozarteum de Salzbourg
Direction Ivor Bolton
Sony Classical (Enr. 2013)

Hector Berlioz
Symphonie fantastique, 2e mvt " Un bal "
Orchestre de Paris
Direction Charles Munch
Harpes : Francis Pierre et Simone Vandeville
Warner Classics (Enr. 1967)

Carl Maria von Weber
L'Invitation à la valse, orchestration de Berlioz
Société des Concerts du Conservatoire
Direction André Cluytens
Harpe : Francis Pierre
Warner Classics (Enr. 1965)

Claude Debussy
Danse sacrée pour harpe chromatique et orchestre à cordes
Suzanne Cotelle (harpe)
Orchestre Lamoureux
Direction Igor Markevitch
DG (Enr. 1959)

Piotr Tchaikovski
Le Lac des cygnes, acte II, scène 13, cadence de harpe
Orchestre de Philadelphie
Direction Riccardo Muti
Harpe : Marilyn Costello
EMI (Enr. 1983)

Piotr Tchaikovski
Casse-Noisette, valse des fleurs, cadence de harpe
Orchestre Philharmonique de Berlin
Direction Simon Rattle
Harpe : Marie-Pierre Langlamet
EMI (Enr. 2009)

= > Interview de Marie-Pierre Langlamet sur l'art de jouer de la harpe, sur le site du Berliner Philharmoniker

Gaetano Donizetti
Lucia di Lammermoor, " Regnava nel silenzio ", cadence de harpe
Catherine Michel (harpe)
Quantum (Enr. 1989 ou 1993)

Giacomo Puccini
Tosca, " Vissi d'arte "
Leontyne Price (soprano)
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction Herbert von Karajan
Harpe : Hubert Jelinek
Decca (Enr. 1962)

Anton Bruckner
Symphonie n°8, 3e mvt " adagio "
Orchestre Philharmonique de Vienne
Direction Pierre Boulez
DG (Enr. 1996)

Richard Wagner
L'Or du Rhin, entrée des dieux au Walhalla
Orchestre de l'Opéra national de Paris
Direction Philippe Jordan
Warner Classics (Enr. 2013)

Richard Wagner
La Walkyrie, fin de l'acte III
Orchestre du Festival de Bayreuth
Direction Pierre Boulez
Philips (Enr. 1980)

Bedrich Smetana
Vysehrad
Orchestre Philharmonique Tchèque
Direction Rafael Kubelik
Supraphon (Enr. 1990)

Benjamin Britten
Young Person's Guide to the Orchestra : Variation 10 " les harpes "
Osian Ellis (harpe)
Orchestre Symphonique de Londres
Direction Benjamin Britten
Decca (Enr. 1963)

Claude Debussy
Danse profane pour harpe chromatique et orchestre à cordes
Alice Chalifoux (harpe)
Orchestre de Cleveland
Direction Pierre Boulez
Sony Classical (Enr. 1967)

Maurice Ravel
Tzigane
Pierre Amoyal (violon)
Orchestre de la Suisse romande
Direction Armin Jordan
Harpe : Eva Hunziker
Erato (Enr. 1986)

Maurice Ravel
Concerto pour piano en sol, 1e mvt " allegramente "
Jean-Yves Thibaudet (piano)
Orchestre Symphonique de Montréal
Direction Charles Dutoit
Harpe : Jennifer Swartz
Decca (Enr. 1995)

Luciano Berio
Sequenza II pour harpe
Frédérique Cambreling (harpe)
DG. (Enr. 1995)

Wolfgang Amadeus Mozart
Concerto pour flûte et harpe, finale " rondo "
Philippe Bernold (flûte)
Emmanuel Ceysson (harpe)
Orchestre de chambre de Paris
Aparte (Enr. 2015)

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Elle se voit de loin, avec sa forme ouvragée et ses matériaux nobles, mais on la connaît mal, au point de ne pas savoir dans quelle famille la classer. Une émission pour en finir avec le cliché selon lequel la harpe passe la moitié du temps à s'accorder, et l'autre moitié à jouer faux...

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