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Test.

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¿Cuánto sabes de arte? - Apuntes de arte

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Cronología de los principales movimientos artísticos

Arte paleolítico(h. 40.000 - 10.000 a.C.)Arte mesolítico(h. 10.000 - 4000 a.C.)Arte neolítico(h. 4000 - 2000 a.C.)

Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.)Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)Arte romano (h. 400 a.C - 476 d.C.)

Arte paleocristiano (h. s.I - IV)Arte bizantino (h. 330 - 1.453)Arte románico (s. XI - XIII)Arte gótico (s. XII - XVI)

Renacimiento (s.XV - XVI)Manierismo (h. 1530 - 1.600)Barroco (h. 1600 - 1750)Rococó (1720 - 1740)

Neoclasicismo (1730 - 1820) Romanticismo (desde finales del s. XVIII hasta mediados del s.XIX) Realismo (s.XIX) Impresionismo (mediados s.XIX) Art Nouveau / Modernismo (finales del s.XIX y principios del XX) Art Decó (1920 - 1950) Arte Naíf (desde finales del s.XIX) Cubismo (1907 - 1914) Futurismo (1909 - 1930) Expresionismo (1910 - 1945) Constructivismo (1914 - 1930) Dadaísmo (1916 - 1924) Surrealismo (1924 - 1966) Expresionismo abstracto (h. 1944 - 1964) Informalismo (h. 1946 - 1960) Op art (a partir de 1964) Pop art (a partir de 1950) Happening (a partir de 1957) Minimalismo (a partir de 1960) Hiperrealismo (a partir de 1960) Arte conceptual (a partir de 1961)

Prehistoria

Edad Antigua

Edad Media

Edad Moderna

Edad Contemporánea

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Cronología de los principales movimientos artístico by ilichrc on Genially

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Cronología de los principales movimientos artísticos Arte paleolítico(h. 40.000 - 10.000 a.C.)Arte mesolítico(h. 10.000 - 4000 a.C.)Arte neolítico(h. 4000 - 2000 a.C.) Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.)Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)Arte griego (h.

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Recuerdo perfectamente como hace unos cinco años, un amiguito de mi hija le hizo a su madre la siguiente pregunta: mamá, ¿por qué todos los pintores famosos son hombres?

Por si os encontráis en una situación parecida a esa mamá, a una semana del 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer os dejo 15 nombres que nos permiten contar la historia de otra manera. 15 artistas, seleccionadas de disciplinas diferentes, que sí han triunfado y cuya obra ha sido capital para entender el cursos de las artes que hoy tenemos.

Espero que os guste y os sirva. Prometo seguir ampliando la lista. Nosotros el lunes haremos un especial en la Biblioteca de Las Matas "Marga Gil Roësset" sobre una de ellas. Probablemente una de mis preferidas y que más juego da para trabajar con los chavales. Figura clave en la simultaneísmo, esa corriente artística del arte abstracto que nos enseñó a utilizar la luz y el color como medio para crear espacio y formas en un cuadro y pionera y maestra en eso que hoy está tan en boga de llevar las artes al mundo de la moda. Casi se me olvida con tanta presentación, la elegida es Sonia Delaunay.

Ya os contaré porque el taller promete.

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(1841-1895)

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Berthe Morisot fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista, tras ella llegarían nombres como Marie Bracquemond o Mary Cassatt. Nacida en una familia de la alta burguesía, fue educada en el mundo del arte y la música, disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social. A la edad de 20 años, conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y le introdujo en los círculos artísticos.

Fue modelo y amiga de Manet, además de su cuñada -se casó con su hermano Eugène- y tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés exponiendojunto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet.

Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares.

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(1864-1943)

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Camille Claudel desde niña fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia se trasladó a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste Rodin, quien cayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.

La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante el compositor Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista que acabó internada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.

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. Sonia Delaunay (1885-1979) .
Nacida en Ucrania, Sonia Delaunay-Terk fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo quien le ofreció una educación cosmopolita. A través de Max Liebermann tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más tarde continuaría su formación en París en la prestigiosa academia La Palette. En la capital francesa entró en contacto con la vanguardia artística y conoció a Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910. A partir de entonces, el intercambio artístico entre Sonia y Robert Delaunay sería constante y juntos desarrollaron el (también conocido como ), corriente artística del arte abstracto que utiliza la luz y el color como medio de crear espacio y formas en un cuadro.

En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P'tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939.

Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.
. Natalia Goncharova (1881-1962)
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Nacida en una familia de alta burguesía rural, comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.

Con su exposición Le Coq d'or de Diághilev dio el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.

Muy valorada en el mundo del artesu cuadro Flores alcanzó el precio de 10,8 millones de dólares.

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. Liubov Popova
(1889 - 1924)

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Pintora rusa asociada a las vanguardias de la época revolucionaria ( constructivismo soviético, suprematismo y cubofuturismo). Se distinguió por sus composiciones arquitectónicas, y entre sus principales influencias estuvo Kazimir Malévich.

Entre 1913-1915, pinta desnudos y retratos cubofuturistas ( Desnudo cubista, 1913), una serie de naturalezas muertas con técnica de collage y uso del relieve, cartas pintadas y materiales diversos ( Naturaleza muerta italiana, 1914). En 1916 comienza una reflexión sobre la presencia o ausencia del objeto, hacia la no-objetividad componiendo telas suprematistas, donde mezcla color, volúmenes y líneas (serie de Pictorales arquitectónicos, 1916-1921), donde formas geométricas se imbrican unas en otras y crean una organización de los elementos, no como medio de figuración, sino como construcciones autónomas.

En 1921, firma un manifiesto para el abandono de la pintura de caballete y declara que "la organización de los elementos de la producción artística debe volver a la puesta en forma de los elementos materiales de la vida, es decir, hacia la industria, hacia lo que llamamos la producción".

Bajo estos principios estéticos, y junto con Aleksandr Ródchenko, participa en la exposición 5×5=25 en Moscú.

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Frida Kahlo
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Pintora mexicana combina en su obra, de una manera muy personal, el surrealismo (ella nunca consideró su obra surrealista pues lo que ella pinta no procede de los sueños ni del inconsciente), el estilo naïf y folclórico.

La vida de Frida Kahlo estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera. Una existencia intensa y dura que queda reflejada en una obra pictórica autobiográfica llena de sufrimiento e influenciada por Rivera.

Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.

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Georgia O´Keeffe es considerada una pionera de las artes visuales estadounidenses. Se formó Escuela de Arte del Instituto de Chicago y en Nueva York en el Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matisse y a su futuro esposo, el galerista y fotógrafo Alfred Stieglitz. Tras enseñar arte en la escuela pública de Amarillo (Texas) se perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.

Hawái y sobre todo Mexico, país en el que al principio de manera intermitente y a partir de 1947 vivió de manera continuada hasta su muerte a los 98 años, tienen una importancia enorme en una obra en la que quiso dar vida y expresión visual a sus emociones a través de abstracciones basadas en la naturaleza

En 1962 fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad y en 1985 ganó la Medalla Nacional de las Artes.

En noviembre de 2014, su obra de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 fue vendida en $44 405 000.

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Louise Bourgeois
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Escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de araña hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de identidad. Precisamente, su obra Araña esconsidera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares.

Es reconocida como fundadora del Arte Confesional con unos trabajos catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Una obra autobiográfica en donde su trauma en la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera tienen una influencia muy grande.

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. Esther Ferrer
(1937-)

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Artista interdisciplinar española, nacida en San Sebastián, con una obra centrada en el arte de la performance y considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación.

En 1966, se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti. Zaj fue conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales, muchas de ellas inspiradas en la idea y obra de John Cage. El grupo fue disuelto en 1996 por Walter Marchetti.

Además la producción de Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: "El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo".

En 2008 se le concedió El Premio Nacional de Artes Plásticas de España y en 2014 El Premio Velázquez de Artes Plásticas.

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Zaha Hadid
(1950-2016)

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Mi licencia a otras disciplinas es Zaha Hadid, brillantísima arquitecta anglo-iraquí procedente de la corriente del deconstructivismo.

Nacida en Bagda (Irak) se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut antes de estudiar en la Architectural Association de Londres. Tras su graduación trabajó en el estudio de arquitectura Office for Metropolitan Architecture, con los que habían sido sus profesores, Rem Koolhaas y Elia Zenghelis para a partir de 1979, estableció su propio estudio en Londres.

Recibió premios tan destacados como el Mies van der Rohe (2003), el Premio Pritzker (2004) -fue la primera mujer que lo consiguió- y el Praemium Imperiale (2009).

Gran parte de su trabajo fue de carácter conceptual, pero en este post podéis encontrar algunas de sus obras más impactantes construidas (aquí).

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Ana Mendieta (1948-1985)
Cubana exiliada en EE.UU, Ana Mendieta es una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del Arte Contemporáneo.

Su obra está dedicada a desarrollar movimientos como la performance y el Body Art, tendencias que la llevaron a expresarse de formas no convencionales. A través de su cuerpo representó y creó obras con las que mostró su personalidad luchadora, reivindicativa y provocadora con un enfoque eminentemente feminista. Marcada por el exilio que le arrancó parte de sus raíces al separarla de sus padres y de su tierra, y la llegada en los sesenta a una población aún racista, Mendieta dedicó su producción a mirar críticamente la sociedad que le rodeaba para después gritar corporalmente el rechazo y el sufrimiento causado por temas como el racismo, la política, la violencia, la marginación y el exilio.

Su vida acabó trágicamente la edad de 36 años al caer desde la ventana de su apartamento, un suceso trágico que muchos achacaron y achacan al que era su marido, el artista Carl Andre. Un final fatídico y paradójico para lo que fue su vida, una constante lucha reivindicativa por la igualdad y la protección de la mujer.

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Diferentes obras de la serie "Silueta" (1973-1980)

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Yayoi Kusama
(1929-)

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Artista y escritora nacida en Japón en 1929 que en 1957 se instaló en Nueva York.

A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones.

Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influyó a sus contemporáneos Andy Warhol y Claes Oldenburg. A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde.

Las obras de la artista japonesa son muy cotizadas mundialmente. En 2008, la casa de apuestas Christie's vendió en Nueva York una obra de sus obras por 5,1 millones de dólares.

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Cristina Iglesias
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Escultora y grabadora, Premio Nacional de Artes Plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas.

Cristina Iglesias se formó en escultura en la Chelsea School of Art en Londres, donde conoció a escultores como (posteriormente se convertiría en su marido) o Anish Kapoor. Una estancia en la capital británica -igual que su paso por Italia- que marcó su futuro como artista para alguien que deseaba trabajar en el espacio y el contexto. Al terminar en el Reino Unido, pudo acceder a una beca Fulbright para estudiar en la Escuela de Bellas Artes del prestigioso Pratt Institute de Nueva York (1988).

En su obra Iglesias emplea todo tipo de materiales como hormigón, acero, agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca, .... y ella misma se considera influida por el constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que pudo contemplar en el Museo Británico, la arquitectura italiana del renacimiento además de calificarse como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.

Ganadora del Berliner Kunstpreis en 2012 en la modalidad de artes visuales, su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo (Brasil, Dinamarca, España, Estados Unidos, Italia, México, Países Bajos y Reino Unido) y en museos como el MACBA (Barcelona), la Tate Gallery (Londres), el Reina Sofía (Madrid), el MoMA y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Fundaçión Serralves (Oporto), el Centro Georges Pompidou (París), o el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington), entre otros.

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. Helen Frankenthaler
(1928-2011) .

Helen Frankenthaler fue una artista expresionista abstracta influenciada por la obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el movimiento de arte abstracto.

Estudió en la Escuela Dalton y en el Bennington College de Vermont y su carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición del cuadro Montañas y mar , una obradegran tamaño (297,8 x 220 cm) que tiene el efecto de una acuarela, aunque fue pintado con óleo. En él, introduce la técnica de pintar directamente en un lienzo sin preparar de manera que el material absorbe los colores. Diluía mucho la pintura al óleo con trementina o queroseno de manera que el color empapase el lienzo eliminando en el proceso cualquier sesación de tridimensionalidad. Esta técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo.

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(1947-)
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Anderson es una cantante, violinista, poetisa, dibujante, compositora, directora de cine, y artista experimental de performance estadounidense cuya obra se extiende por el arte del performance , la música pop y proyectos multimedia en unos espectáculos en el que combina música, proyecciones y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna en su conjunto.

Formada inicialmente en el violín y la escultura, Anderson llevó a cabo una variedad de proyectos de arte de performance en Nueva York durante la década de 1970, haciendo uso particular del lenguaje, la tecnología y las imágenes visuales. En 1981 su single O Superman llegó a ser segundo en las listas de éxitos del Reino Unido, dato bastante reseñable para alguien surgido de la vanguardia neoyorkina y que no realiza concesiones.

Pionera de la música electrónica ha inventado varios dispositivos que utilizan en sus grabaciones y conciertos en directo como el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco, el traje con sensores que disparan diversos sonidos de batería electrónica o bastón de la palabra, un largo bastón-como de seis pies (1,8 m) MIDI controlador que puede acceder y reproducir sonido.

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MUJERES EN EL ARTE: 15 artistas que sí han triunfado y nuestros niños deberían conocer

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A dos semana del 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer os dejo un post que os permitirá contara vuestros chavales la historia del arte de otra manera pues está dedicado a 15 mujeres que sí han triunfado y cuya obra está en los mejores museos del mundo.

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El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben.

La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de féminas. Han sido las modelos y musas. Las protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de todas las épocas. Ahí están las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus, las bailarinas de Degas o las prostitutas de Touluse-Lautrec. Son solo algunos ejemplos evidentes porque mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman los lienzos que cuelgan de ellas.

Cuenta Manuel Jesús Roldán en ' Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte' ( Almuzara) que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. " Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños", escribe en esta obra que recopila 'anécdotas' artísticas como aquellas obras cumbres del arte que en su momento fueron rechazadas y censuradas, los primeros selfis hechos al óleo, las facetas más escabrosas de algunos creadores y, sobre todo, recupera el nombre y la historia de varias de las artistas más importantes pero aún así olvidadas.

"Su existencia fue ciertamente reducida en muchas épocas, pero hay un buen número de nombres de mujeres que, en cada etapa de la historia, alcanzaron una fama y un reconocimiento público que fue posteriormente silenciado", escribe Roldán. Mujeres que no aparecen en los libros de arte ni suenan en el imaginario colectivo por culpa, apunta, del concepto de Historia del Arte procedente del siglo XIX, "centuria en la que se vetó especialmente la independencia creadora de la mujer por la moral burguesa reinante, relegó al género femenino a una condición hogareña casi exclusiva, marcando un canon casi exclusivamente masculino en las primeras publicaciones dedicadas al Arte". Una discriminación que, además, se estandarizó cuando se crearon los grandes museos europeos. Tampoco ayudó la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir: "la mujer artista es sencillamente ridícula".

¿El resultado? Un visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas. Empezando por Ende, considerada la primera pintora de la historia, una copista encargada de iluminar códices en el siglo X que ya firmó entonces "Ende pintrix et Dei aiutrix" (Ende, pintora y sierva de Dios) el manuscrito del 'Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana' o por Hildegarda de Bingen, una monja benedictina que fue pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura y que ya fue silenciada en su propia época. Roldán recopila el nombre de 14 mujeres imprescindibles de la Historia del Arte que no se queda en las más conocidas como Frida Kahlo o Camille Claudel.

El nombre de Sofonisba Anguissola quizás sea uno de los que más puedan sonar porque es la única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado. Esta pintora renacentista cosechó muchos éxitos en su época. Miguel Ángel alabó su obra, Giorgo Vasari la incluyó en su diccionario con 133 biografías de artistas (todos hombres menos la escultora Properzia de Rossi y su mención), se hizo famosa en Italia, Van Dyck la retrató y fue pintora de la Corte de Felipe II ( un retrato suyo del monarca está en el Prado), sin embargo como era mujer no podía firmar sus obras, motivo por el cual muchas fueron atribuidas a hombres. 'La partida de ajedrez' es uno de los pocos cuadros que tiene su rúbrica, pero otras como 'La dama del armiño' hoy siguen generando debate sobre si es obra de su mano o de la del Greco.

También en la Italia del siglo XVI Lavinia Fontana fue una cotizada retratista, pero no solo por su reconocimiento sino que se convirtió en pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII y también trabajó para el Palacio Real de Madrid. Quizás es la pintora más exitosa del Renacimiento y el Barroco, una pionera que realizó cuadros de desnudos de hombres y mujeres (en la época los estudios de anatomía estaban vetados para las mujeres) y en la conciliación: su marido dejó el trabajo para ocuparse de la casa y sus 11 hijos mientras ella sustentaba la economía familiar con sus pinturas.

Mientras que ambas nacieron en ambientes artísticos, la vida de Judith Leyster fue complentamente distinta. Esta artista holandesa del XVII era hija de un cervecero y la pintura apareció como un oficio necesario para sobrellevar las penurias económicas de la familia. Influida por Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, su maestro, y la pintura caravaggista apenas hay una cincuentena de obras conservadas de ella porque dejó el arte cuando se casó, pero hoy sigue observándonos directamente a los ojos desde la Galería Nacional de Arte de Washington mientras pinta a un violinista.

Otro de los grandes nombres del Barroco fue el de Artemisia Gentileschi, una pintora que "llegó a gozar de un notable consideración en la Italia del Setecientos aunque su fama decreció tras su muerte, llegándose al más profundo olvido de su obra un siglo más tarde" en parte por la dispersión, la pérdida y las malas atribuciones. Fue la primera mujer admitida en la selecta Academia del Disegno florentina, lugar donde consiguió el mecenazgo de los Medici. La Galería de los Uffizi muestra una de sus obras, de clara influencia caravaggista, más reconocidas: 'Judith decapitando a Holofernes'. En ella se representó en los rasgos de Judith y se vengaba de su preceptor artístico y agresor sexual, Agostino Tassi, retratándole como Holofernes. Le llevó a un juicio por violación y, aunque fue desterrado, ella sufrió torturas y un humillante examen ginecológico para demostrar su inocencia. Es, para muchos, la primera pintora feminista de la historia y este año Roma le ha dedicado una gran exposición.

En el mismo siglo en España despunta la sevillana Luisa Roldán, hija del mejor escultor de segunda mitad del XVII de la capital hispalense y más conocida como La Roldana. Dominó la talla de madera y barro, fue escultora de cámara de Carlos II y Felipe V y suyas son tallas como 'Entierro de Cristo', que se exhibe en el Met de Nueva York, o el gran 'San Miguel Arcángel' del Escorial. A pesar de su profusa actividad pasó muchas dificultades económicas y a su muerte su nombre también cayó en el olvido.

La mujer que puso rostro a Goethe o Reynolds fue Angélica Kauffman, una pintora suiza neoclásica que alcanzó una gran fama en el siglo XVIII al igual que la francesa Marie Loise Elisabeth Vigée Lebrun, una de las retratistas más cotizadas de la época. "No aparecerá en los libros de Historia del Arte pero sí en los de Historia Universal: retrato a toda una corte de personajes cuyas cabezas acabarían cortadas en la guillotina de la Revolución Francesa", explica Roldán. Pintó, por ejemplo, a Lord Byaron o a María Antonieta hasta en 35 ocasiones. El primer retrato se lo hizo con solo 23 años.

En el misógino siglo XIX hay nombres propios ya más reconocibles como los de Berthe Morisot, Mary Cassat y Marie Bracquemond, las tres mujeres de primer nivel que formaron parte del Impresionismo, al igual que la escultora Camille Claudel. Las vanguardias del siglo XX tampoco trataron mejor a sus creadoras. Aunque Frida Khalo, Georgia O'Keefe, Berthe Moristot, Sonia Delaunay (de la que se puede ver actualmente una exposición en el Museo Thyssen de Madrid) o Tamara de Lempicka son más conocidas, en el ostracismo han quedado nombres numerosos nombres como los de Sophie Taeuber Arp, Lenora Carrington, Lee Krasner, un auténtico referente del expresionismo abstracto siempre a la sombra de Pollock, su marido, o Florine Stettheimer, la mujer que hizo el primer autorretrato desnuda de la historia del arte.

Tampoco puede faltar entre las mujeres pioneras y a rescatar de la Historia del Arte el nombre de la española Maruja Mallo. Desterrada de los libros, fue una de las grandes surrealistas -el propio Dalí la calificó como "mitad ángel, mitad marisco"-, además de una mujer comprometida políticamente con la difusión del arte. Fue parte de la Generación del 27, colaboró con las Misiones Pedagógicas republicanas y tuvo que exiliarse a EEUU y Argentina durante la Guerra Civil y la dictadura. "Es una de las creadoras de las que quizá se conozca más su anecdotario (su rebelión contra el uso del sombrero, sus provocaciones anticlericales o el empleo de pantalones prestados, 'soy la primera travesti', para acceder a un edificio religioso) que su propia obra", explica el autor del libro. Cometió, como la definió María Zambrano, " uno de los errores más destructivos e imperdonables: ser libre ". El mismo que todas estas mujeres empeñadas en desmentir esas palabras de Bocaccio que decían que "el arte es ajeno al espíritu de las mujeres".

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Ellas, las mujeres que fueron borradas de los libros de Historia del Arte

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El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico.

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theartwolf.com
Aunque esta lista surge de un profundo estudio de los pintores, su contribución a la pintura occidental, y su influencia en artistas posteriores; somos conscientes de que la objetividad no existe en el Arte, por lo que entendemos que gran parte de los lectores no estén de acuerdo con la lista. En cualquier caso, theartwolf.com no se cree dueño de la verdad, y esta lista sólo pretende ser un homenaje a la pintura y a los nombres que han hecho de ella un Arte inolvidable

1. PABLO PICASSO (1881-1973) - Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.

2. GIOTTO DI BONDONE (c.1267-1337) - Se ha dicho que Giotto fue el primer pintor verdadero, al igual que Adán fue el primer hombre. Estamos de acuerdo en lo primero. Giotto continuó el estilo bizantino de Cimabue y otros predecesores, pero se ganó el derecho a figurar con letras de oro en la historia de la pintura al dotar a sus obras con una cualidad casi desconocida hasta la fecha: la emoción.

3. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) - Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar.

4. PAUL CÉZANNE (1839-1906) - "Cézanne es el padre de todos nosotros". Esta lapidaria frase ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera en realidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y el resto de las vanguardias del siglo XX

5. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) - El fascinante, magnético juego de luces y sombras de sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del mayor desconocido: uno mismo

6. DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660) - Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un "pintor de atmósferas" casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en las colosales pinturas de cámara ("Meninas", "La fragua de Vulcano") como en los audaces e inolvidables bocetos de la Villa Médicis.

7. WASSILY KANDINSKY (1866-1944) - Aunque el título de "padre de la abstracción" ha sido asignado a múltiples artistas, desde Turner hasta Picasso, pocos pintores podrían reclamarlo con tanta justicia como Kandinsky. Muchos artistas han conseguido emocionar, pero muy pocos han logrado, además, cambiar nuestra manera de entender el Arte. Wassily Kandinsky pertenece a estos últimos

8. CLAUDE MONET (1840-1926) - La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve en ocasiones "olvidada" por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la pintura (un "defecto" que el propio Monet propició al declarar "no entiendo por qué la gente quiere entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del día, y la cualidad casi abstracta de sus "nenúfares" son un prólogo evidente al Arte del siglo XX.

9. CARAVAGGIO (1571-1610) - El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas "tenebristas" captadas en perspectivas forzadas

10. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851) - "Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas...", escribió un crítico de la época sobre William Turner, el más grande paisajista de todos los tiempos. Los experimentos de Turner durante sus últimos años, cercanos ya a la abstracción, están entre lo más adelantado a su tiempo que se haya visto en la historia del Arte

11. JAN VAN EYCK (1390-1441) - Van Eyck es el colosal pilar sobre el que se apoya toda la pintura flamenca de los siglos posteriores, un genio de la precisión, la perspectiva y la meticulosidad, muy por encima de cualquier otro artista de su época, sea flamenco o italiano.

12. ALBERTO DURERO (1471-1528) - El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros artistas en representar la naturaleza sin artificios, tanto en sus paisajes como en sus dibujos de plantas y animales

13. JACKSON POLLOCK (1912-1956) - La gran figura del expresionismo abstracto y el pintor que divide el siglo XX entre vanguardias y post-vanguardias. Sus "drips" del periodo 1947-1952 son uno de los grandes momentos del Arte contemporáneo

14. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) - Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como "escultor", e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura

15. PAUL GAUGUIN (1848-1903) - Una de las figuras más fascinantes de la historia de la pintura, su obra se movió entre el impresionismo (que pronto abandonó) y el simbolismo, colorista y vigoroso, de sus obras en la Polinesia. Hoy en día, Matisse y el fauvismo no pueden comprenderse sin la obra de Gauguin

16. FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en Fuendetodos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis

17. VINCENT VAN GOGH (1853-1890) - Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán

18. ÉDOUARD MANET (1832-1883) - Manet fue el faro del Impresionismo, un revolucionario dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. La "Olimpia" o "El desayuno sobre la hierba" abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo

19. MARK ROTHKO (1903-1970) - La influencia de Rothko en la historia de la pintura aún está por cuantificar, pues lo cierto es que casi 40 años después de su muerte la influencia de las grandes masas de color y emoción de los lienzos de Rothko sigue en aumento en muchas de las primeras tendencias pictóricas del siglo XXI

20. HENRI MATISSE (1869-1954) - La crítica tradicional tiende a considerar a Matisse como el mayor exponente de la pintura del siglo XX junto a Picasso. Quizás sea exagerado, aunque es cierto que el uso casi puro del color en algunas de sus obras influyeron enormemente en muchas de las vanguardias posteriores

21. RAFAEL (1483-1520) - Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a dibujo y color.

22. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) - Basquiat es, sin duda, el más importante y conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80, una corriente artística cuya influencia -enorme, desde luego- en la pintura posterior todavía está por medir

23. EDVARD MUNCH (1863-1944) - Modernista por su contexto, Munch podría ser considerado además el primer pintor expresionista de la historia. Obras como "El grito" son claves para comprender la pintura del siglo XX

24. TIZIANO (c.1476-1576) - La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en artistas posteriores -Rubens, Velázquez- es importantísima.

25. PIET MONDRIAN (1872 -1944) - Junto con Kandinsky y Malevich, Mondrian es la principal figura de la primera abstracción pictórica. Tras emigrar a Nueva York, Mondrian dota a la abstracción de una velada cualidad emocional, como se ve en su serie de "boogie-woogies" realizada en la década de los 40

26. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492) - Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como "frío", "hierático" o incluso "impersonal". Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel -quién defendió la "dimensión metafísica" de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte

27. PETER PAUL RUBENS (1577-1640) - Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día

28. ANDY WARHOL (1928-1987) - Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares (como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han influenciado a una gran parte de la pintura posterior

29. JOAN MIRÓ (1893-1983) - Como casi todos los genios, Miró es un artista inclasificable. Su interés por el mundo de lo inconsciente, lo oculto en el fondo de la mente, lo acerca al surrealismo, pero con un estilo personal, a veces más cercano al fauvismo o expresionismo, llegando hasta el punto de pasar largas temporadas sin ingerir alimentos para provocar un estado mental alterado que pudiera expresar aquello que Miró buscaba plasmar en sus pinturas

30. TOMMASO MASACCIO (1401-1428) - Pintor malogrado, pasará a la historia de la pintura como uno de los primeros en aplicar a sus obras las leyes de la perspectiva científica. Uno de los grandes renovadores de la pintura del temprano Renacimiento

31. MARC CHAGALL (1887-1985) - Artista de sueños y fantasías, Chagall fue toda su vida un inmigrante fascinado por las luces y colores de los lugares que visitaba. Pocos nombres de la Escuela de París de principios del siglo XX han contribuido tanto y con tal variedad a cambiar el Arte del siglo XX como este extranjero "impresionado por la luz", como el mismo se definía.

32. GUSTAVE COURBET (1819-1877) - Figura principal del realismo, y claro precedente de los impresionistas, Courbet es uno de los mayores revolucionarios -tanto a nivel artístico como en su faceta de activista social- de la historia de la pintura. Al igual que Rembrandt y otros predecesores, Courbet no buscó crear belleza, sino que consideraba que la belleza más pura era representar la realidad sin artificios

33. NICOLAS POUSSIN (1594-1665) - El más grande de los pintores del barroco francés, Poussin ejerció una influencia vital sobre toda la pintura gala de siglos posteriores. Su uso del color es único entre todos los pintores de su era

34. WILLEM DE KOONING (1904-1997) - Tras Pollock, la figura principal del expresionismo abstracto, aunque una de sus mayores aportaciones fue no sentirse atado por la abstracción, y recurrir frecuentemente a una figuración desgarradora (su serie de "Mujeres", por ejemplo) de gran influencia en artistas como Bacon o Freud.

35. PAUL KLEE (1879-1940) - En un periodo artístico de revoluciones e innovaciones, pocos artistas fueron tan determinantes como Paul Klee. Sus estudios sobre el color, que enseñó en la Bauhaus, son únicos entre los artistas de la época

36. FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente -junto a Lucian Freud- de la llamada "Escuela de Londres", la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época

37. GUSTAV KLIMT (1862-1918) - A medio camino entre el modernismo y el simbolismo aparece la figura de Klimt, quien también se dedicó a las artes industriales. Sus paisajes casi abstractos le convierten, además, en un predecesor de la abstracción geométrica.

38. EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) - Es la figura clave del romanticismo pictórico y una influencia vital para el impresionismo francés. "La Libertad guiando al pueblo" demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época

39. PAOLO UCCELLO (1397-1475) - "Qué dulce amante es la perspectiva". Esta frase atribuida a Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento

40. WILLIAM BLAKE (1757-1827) - Místico y revolucionario, pintor y poeta, Blake es una de las figuras más fascinantes del Arte de cualquier era. Sus acuarelas, grabados y témperas rebosan una imaginación (casi locura) sin parangón entre los artistas de su era

41. KAZIMIR MALEVICH (1878-1935) -Creador del suprematismo, Malévich será por siempre una de las figuras más polémicas de la historia del Arte entre el gran público, que se divide entre aquellos que lo consideran un renovador imprescindible y aquellos que consideran que sus obras basadas en polígonos de colores puros no merecen ser considerados obras de Arte

42. ANDREA MANTEGNA (1431-1506) - Uno de los mayores exponentes del Quattrocento, interesado en la figura humana, que representa en muchas ocasiones bajo perspectivas extremas ("El Cristo muerto")

43. JAN VERMEER (1632-1675) - es el principal exponente de la Escuela del Delft, y por derecho propio figura entre los grandes paisajistas de todos los tiempos. Obras como "Vista del Delft" se consideran como casi impresionistas por la viveza de su pincelada. También fue un hábil retratista

44. EL GRECO (1541-1614) - Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas

45. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) - Figura principal del romanticismo pictórico alemán, aún hoy se le identifica como el pintor de los paisajes de soledad y angustia, con figuras humanas enfrentadas a la magnificencia de la naturaleza

46. WINSLOW HOMER (1836-1910) - La principal figura de la pintura americana de su era, Homer supuso un soplo de aire fresco para la escena americana, que se encontraba entre el academicismo y el casi romanticismo de la Escuela del Río Hudson. El trazo suelto y alegre de Homer le acerca al impresionismo

47. MARCEL DUCHAMP (1887-1968) - Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Su contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte

48. GIORGIONE (1478-1510) - Como tantos otros pintores malogrados Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta dónde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico -Tiziano- es fácil hacerse una idea

49. FRIDA KAHLO (1907-1954) - La fama que ha alcanzado su figura casi trágica en los últimos años parece oscurecer la importancia que Frida tuvo en el Arte latinoamericano. Marcada desde pequeña por las secuelas físicas de un accidente de autobús, los autorretratos de Kahlo parecen lamentos silenciosos.

50. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497-1543) - Tras Durero, el más grande de los pintores alemanes de su época, el fascinante retrato de "Los embajadores" sigue siendo una de las pinturas más enigmáticas de la historia del Arte

51. EDGAR DEGAS (1834-1917) - No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX

52. FRA ANGELICO (1387-1455) - Uno de los mejores coloristas del temprano Renacimiento, y quizás el primero en evolucionar los avances realizados por Giotto di Bondone

53. GEORGES SEURAT (1859-1891) - Georges Seurat es uno de los más importantes pintores post-impresionistas, y está considerado como el creador del "puntillismo", un estilo de pintura en el que pequeños puntos de colores primarios crean la impresión de masas de colores secundarios e intermedios

54. JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721) - Watteau está considerado hoy en día como uno de los pioneros del rococó. Lamentablemente, murió en su máxima plenitud artística, como demuestra el genial retrato de "Gilles" realizado el año de su muerte

55. SALVADOR DALÍ (1904-1989) - "¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!", bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas. Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo

56. MAX ERNST (1891-1976) - A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo aparece el nombre de Max Ernst, importante en ambas tendencias. Ernst fue un valiente explorador artístico que contó con el apoyo de la mecenas Peggy Guggenheim, con quien estuvo casado

57. TINTORETTO (1518-1594) - Tintoretto es el más ambicioso de los maestros venecianos (aunque no el mejor, ese honor sólo puede ser reclamado por Tiziano o Giorgione) y su magna obra culmina no solo el esplendor veneciano hasta la era de Canaletto, sino que le convierte también en el último de los maestros del Cinquecento.

58. JASPER JOHNS (n.1930) - La última leyenda viva del temprano Pop-Art, aunque él nunca se ha considerado como tal. Sus obras más famosas son las de la serie "Flags (banderas)" y "targets (dianas)"

59. SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) - "Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue", se ha escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de toda la pintura antigua

60. DAVID HOCKNEY (n. 1937) - David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región

61. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916) - La máxima figura del futurismo italiano, fascinado por el mundo de la máquina, en continuo movimiento, un símbolo de los nuevos tiempos contemporáneos

62. JOACHIM PATINIR (1480-1524) - Mucho menos dotado técnicamente que otros pintores flamencos como Memling o Van der Weyden, su contribución a la historia del Arte es vital por la incorporación del paisaje como elemento principal de la obra

63. DUCCIO DA BUONINSEGNA (c.1255/60 - 1318/19) - Mientras Giotto di Bondone cambiaba en Florencia el rumbo de la historia de la pintura, Duccio de Buoninsegna también aportaba un soplo de aire fresco a la importante escuela sienesa.

64. ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464) - Tras Van Eyck, el principal exponente de la pintura flamenca del siglo XV, maestro de la perspectiva y la composición

65. JOHN CONSTABLE (1776-1837) - La gran figura del paisajismo inglés, junto con Turner. Sus propias autolimitaciones (jamás salió de Inglaterra) impiden que este artista de gran técnica ocupe un puesto similar al del anterior en la historia de la pintura

66. JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825) - David es la cumbre del neoclasicismo, cuyas composiciones grandiosas parecen un reflejo de su ajetreada y revolucionaria vida

67. ARSHILLE GORKY (1905-1948) - Pintor de orígenes armenios, partiendo del surrealismo fue uno de los primeros artistas en abrazar el expresionismo abstracto. Fue llamado "el Ingres del inconsciente"

68. HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) (1450-1516) - El Bosco es una de las figuras más fascinantes de la pintura antigua. Profundamente religioso, El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. Para ello crea obras como "El tríptico de las delicias", considerado por algunos como un prólogo al surrealismo

69. PIETER BRUEGEL EL VIEJO (1528-1569) - Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior

70. SIMONE MARTINI (1284-1344) - Uno de los grandes pintores del Trecento italiano, fue un paso más allá al contribuir a expandir los avances de éste, dando lugar al llamado "Estilo Internacional"

71. Frederic Edwin Church (1826-1900) - Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne

72. EDWARD HOPPER (1882-1967) - Hopper pasará a la historia de la pintura como el pintor de la soledad urbana. Su obra más famosa, el célebre "Nighthawks" (1942) se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX.

73. LUCIO FONTANA (1899-1968) - Padre del "Manifiesto Blanco", que afirma que "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo Arte". Sus "conceptos espaciales" son ya un icono del arte de la segunda mitad del siglo XX

74. FRANZ MARC (1880-1916) - Tras Kandinsky, la gran figura del grupo expresionista "El jinete azul" y uno de los más importantes pintores expresionistas. Su muerte prematura acaeció en plena evolución artística, cuando su uso del color anticipaba ya la abstracción

75. PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919) - Otro de los grandes nombres del Impresionismo que pronto abandonó el movimiento para seguir una línea más personal, más similar al academicismo

76. JAMES MCNEILL WHISTLER (1834-1903) - Junto con Winslow Homer la gran figura de la pintura americana de su época. Whistler fue un excelente retratista, destacando el retrato de su propia madre, considerado como una de las grandes obras maestras de la pintura americana

77. THEODORE GÉRICAULT (1791-1824) - Figura clave del romanticismo, de vida y obra revolucionaria pese a sus orígenes burgueses. "La balsa de la medusa" es una de las primeras obras de denuncia contra el poder que ha dado la pintura

78. WILLIAM HOGARTH (1697-1764) - En una lista de los grandes retratistas de todos los tiempos nunca debería faltar la figura de Hogarth, cuyos estudios y bocetos podrían clasificarse incluso de preimpresionistas

79. CAMILLE COROT (1796-1875) - Una de las grandes figuras del realismo francés del XIX y sin duda alguna una de las mayores influencias para los impresionistas como Monet o Renoir, gracias a su amor por representar la naturaleza al aire libre, haciendo hincapié en el uso de la luz

80. GEORGES BRAQUE (1882-1963) - Junto con Picasso y Juan Gris, la principal figura del cubismo, la más importante de las vanguardias artísticas del siglo XX

81. HANS MEMLING (1435-1494) - Quizás el más completo de los pintores flamencos del siglo XV, aunque no tan innovador como Van Eyck o Van der Weyden

82. GERHARD RICHTER (n.1932) - Uno de los artistas más importantes de las últimas décadas, Richter es tan conocido por sus fieras abstracciones llenas de color como por sus serenos paisajes y escenas de velas

83. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) - Uno de los retratistas más originales de la historia de la pintura, considerado como un pintor "maldito" por su ajetreada vida y su muerte prematura

84. GEORGES DE LA TOUR (1593-1652) - La influencia de Caravaggio es evidente en De la Tour, cuyo empleo de la luz y la sombra es único entre los pintores barrocos de su era

85. ARTEMISIA GENTILESCHI (1597-1654) - Su talento se halla entre los mayores del temprano barroco, deudor de Caravaggio

86. JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875) - Una de las figuras principales de la Escuela de Barbizon, autor de una de las obras más emocionantes de la pintura del XIX: El "Angelus"

87. FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) - El más cercano a Caravaggio de todos los barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la pintura de su tiempo

88. CIMABUE (c.1240-1302) - Pese a que en algunas obras Cimabue representa ya una evolución al rígido arte bizantino, su mayor contribución a la pintura fue el descubrir (cuenta la leyenda que pintando ovejas con una tiza sobre una roca) a un joven talento llamado Giotto, que cambiaría para siempre la pintura occidental

89. JAMES ENSOR (1860-1949) - Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo convierten en un precursor del expresionismo

90. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) - Una de las principales figuras del surrealismo, sus obras aparentemente simples surgen de una compleja reflexión sobre la realidad y el mundo de los sueños

91. EL LISSITZKY (1890-1941) - Uno de los principales exponentes de la vanguardia rusa, influenciado por Malevich, que también destacó en el diseño gráfico

92. EGON SCHIELE (1890-1918) - Otro artista malogrado, sus desgarradores retratos influyeron en obras de artistas posteriores, como Freud o Bacon

93. DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) - Posiblemente la figura clave del movimiento prerrafaelista, Rossetti abandonó la poesía para dedicarse a una pintura de aire clásico que influiría en el simbolismo posterior

94. FRANS HALS (c.1580-1666) - Uno de los retratistas más importantes de todos los tiempos, su estilo suelto y desenfadado influyó en el temprano impresionismo.

95. CLAUDIO DE LORENA (1600-1682) - Sus paisajes ejercieron una influencia vital sobre el paisajismo de siglos posteriores, tanto en Europa (Corot, Courbet) como América (Escuela del Río Hudson)

96. ROY LICHTENSTEIN (1923-1977) - Junto con Andy Warhol el exponente más conocido del Pop-Art, a menudo identificado con el mundo del comic, idea que el rechazaba "por ligera que pueda parecer la diferencia"

97. O'KEEFE, GEORGIA (1887-1986) - Figura clave de la pintura americana del siglo XX, O'Keefe redefinió por si sola el arte del oeste americano

98. GUSTAVE MOREAU (1826-1898) - Una de las figuras claves del simbolismo, introvertido y misterioso en vida, pero de gran libertad y colorido en sus obras

99. GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) - Considerado el padre de la pintura metafísica y una importante influencia para el movimiento surrealista

100. FERNAND LÉGER (1881-1955) - Partiendo del cubismo, Léger se ve cada vez más atraído por el mundo de la máquina y el trabajo, que plasma en obras como "Los discos" (1918)

101. JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867) - Ingres fue el más destacado discípulo del neoclasicismo de David, por lo que no puede considerarse un pintor renovador. Sí fue, por el contrario, un maestro del retrato clásico

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Los 101 pintores más importantes de la historia de la pintura occidental

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theartwolf.com Aunque esta lista surge de un profundo estudio de los pintores, su contribución a la pintura occidental, y su influencia en artistas posteriores; somos conscientes de que la objetividad no existe en el Arte, por lo que entendemos que gran parte de los lectores no estén de acuerdo con la lista.

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ARQUITECTES

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Te dejamos una recopilación de 30 de los arquitectos más famosos de la historia, que por sus trabajos dejaron una huella imborrable. No hay datos certeros sobre quiénes fueron los nombres que apadrinaron este arte pero si muchos arquitectos que influyeron en su desarrollo.

Considerada una de las ramas del arte, junto con la danza, la escultura, la música, la pintura, la literatura, el grabado, la fotografía, el teatro y el cine, la arquitectura tiene una larga historia en la humanidad acompañando el desarrollo de las civilizaciones casi desde sus inicios.

El término que da origen a su nombre es la conjunción de las palabras griegas autoridad y constructor, y fue la Antigua Grecia su lugar de nacimiento.

La arquitectura es, según su definición teórica, el arte y la técnica de proyectar, diseñar, construir y modificar el hábitat humano. En la práctica se traduce en la aparición de edificios, monumentos y espacios, que componen parte de la vida humana.

Top 30 arquitectos más famosos de la historia

1- Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564, Italia)

Original, multifacético y rupturista, Miguel Ángel fue uno de los grandes artistas de la historia. Incursionó en diferentes ramas del arte, en todas con su sello particular, y la arquitectura no fue la excepción.

Entre sus obras más destacadas se encuentran la Biblioteca Laurenciana de Florencia, la Plaza del Capitolio en Roma y la Basílica de San Pedro (sede papal) en el Vaticano. Además, es el diseñador de la cúpula de la Capilla Sixtina.

2- Gian Lorenzo Bernini (1598-1680, Italia)

No está claro si hubo alguna influencia de Miguen Ángel en sus obras, pero sus trabajos estuvieron íntimamente relacionados. Fue, sin dudas, la figura más representativa del barroco italiano y marcó toda una era de la arquitectura.

Entre sus proyectos más recordados se encuentra la Plaza y las columnas de la Basílica de San Pedro o la Capilla Cornaro. Además, dejó un legado poblado de monumentos y edificios con estilo imponente y decorativo.

3- Ustad Ahmad Lahauri (1580-1649)

Fue el principal arquitecto del Taj Mahal en Agra, India. Si bien no hay registros de sus obras, era considerado un constructor de maravillas del mundo y se lo reconocía como "una lágrima en la cara de la eternidad".

4- Ictino (segunda mitad del siglo V a. C.)

Tal vez sea uno de los padres de la arquitectura, aunque no haya datos exactos del siglo V a.C. Sin dudas, sus obras fueron fundamentales en el desarrollo de este arte.

El Partenón, el Telesterion y el templo de Apolo, son sus tres trabajos más reconocidos, todos con un estilo definido de columnas y entablamentos.

5- Calícrates (470 a. C.-420 a. C.)

El otro maestro griego. Junto a Ictinos reconstruyeron la Acrópolis de Atenas. Tuvo un influencia enorme en la cultura arquitectónica por sus trabajos en el Partenón y otros edificios de la antigüedad.

6- Bonanno Pisano (1150-1200)

Si bien hay controversias sobre si realmente él fue el arquitecto en el proyecto de la Torre de Pisa, no hay dudas de que estuvo implicado en su construcción.

Defensor del arte bizantino y de la antigüedad clásica, la puerta de la catedral inclinada es de su autoría y en sus paneles de bronce narra en veinticuatro escenas los principales episodios de la vida de Cristo.

7- William Morris (1834-1896)

Creativo y obstinado en sus ideas, Morris fue el fundador del movimiento Arts and Crafts que rechazaba totalmente la producción industrial impulsando un regreso a la artesanía como manera de desarrollo de sus obras. La Red House es su trabajo más admirado.

8- Antoni Gaudí (1852-1926)

Uno de los genios que murió sin ver terminado su trabajo más importante: La Sagrada Familia (se espera que esté completa en 2026). Sin embargo, su existencia puede palparse en toda la arquitectura de la ciudad de Barcelona, en la que dejó decenas de edificios y monumentos.

Defensor del modernismo, era esquivo a las líneas rectas, tenía un estilo en el que abundan los detalles, el color, las texturas y las formas, todo dentro un concepto. La Casa Batlló y el Parc Güell, son dos de sus trabajos (terminados) más reconocidos.

9- Walter Gropius (1883-1969)

Creador de uno de los movimientos más influyentes de la modernidad, la escuela de Bauhaus, Gropius era un convencido de la racionalización y creía en la conjunción necesaria de la estética y el uso.

"La forma sigue a la función", decía el arquitecto alemán que marcó toda una era. La Torre PanAm es tal vez su obra más conocida, que responde a un estilo sobrio sin ornamentos, algo que él consideraba innecesario.

10- Le Corbusier (1887-1965)

Un militante de la líneas puras y limpias, Le Corbusier es otro de los teóricas de las arquitectura moderna. Además de sus obras construidas, dejó un basto legado teórico.

Creía en la posibilidad de cambiar el mundo con la arquitectura, a la que consideraba una máquina de generar belleza. Algo que en la práctica resolvía mayormente con el hormigón armado como aliado y la implementación de espacios abiertos.

A su vez, desarrolló su propio sistema de medidas, denominado "Le Modulor", que se basaba en las dimensiones del cuerpo humano. Sus obras cumbres son Villa Savoye, Poissy y la capilla de Notre Dame du Haut.

11- Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969)

La influencia de van der Rohe no es menor en relación con los arquitectos anteriormente mencionados. También parte de la Bauhaus y con un estilo de avanzada para su época, este genio alemán era un racionalista estricto.

Mármol, hierro y cristal eran los elementos predilectos para sus trabajos. El edificio Seagram en Nueva York, la Casa Farnsworth y el Pabellón Alemán de Barcelona, son sus principales obras.

12- Gustave Eiffel (1832-1923)

Si bien Eiffel no era arquitecto, es imposible obviarlo en esta lista por la influencia que su trabajo como ingeniero civil tuvo en las siguientes generaciones de arquitectos.

Sus conceptos en la estructura fueron determinantes para una manera de concebir los puentes, pero siempre será recordado por ser el creador de la Torre Eiffel. Este monumento tuvo un fuerte rechazo por la sociedad parisina tras su construcción en 1889, pero en la actualidad es uno de los símbolos de la ciudad luz.

"El minimalismo en toda su expresión", esa es la definición más acertada para el trabajo de Wright. Perseguidor de un estilo puro, este arquitecto buscaba una gran transparencia visual, dejando espacios para el paso de la luz, que daban sensaciones de amplitud.

Su gran objetivo era diferenciar espacios cerrados de espacios definidos, con un manera particular de la estructura, lo que dio un estilo único a su obras como la Casa Fallingwater y la Casa Kaufmann.

14- Frank Owen Gehry (1929)

Innovador, original y especial, para Gehry la arquitectura era un arte y como tal cada edificio debía ser una obra de arte, similar a una pintura, una escultura o un dibujo.

Su creación no conocía de límites, utilizaba todo tipo de materiales, estructuras, formas y colores. Podía construir con irregularidades y con planos descompensados, para dar vida expresiva a cada trabajo.

Tiene una variedad de obras con su sello entre las que se destacan: Casa Frank Gehry (California), Museo Guggenheim (Bilbao), Hotel Marqués de Riscal (El ciego, España), Casa Danzante (Praga) o el Edificio del Banco DG (Berlín).

15- Jorn Utzon (1918 - 2008)

Utzon fue el creador de la Casa de la Ópera de Sydney, uno de los edificios más emblemáticos del mundo. Defensor de un estilo monumental, siempre buscó adaptar sus obras al entorno que lo rodea.

Tal vez sea el Museo de Arte Moderno de Barcelona la obra que mejor describa su estilo: claro, armónico, con líneas rectas, espacios, luz y abundancia del blanco.

Confeso admirador de Le Corbusier y Lloyd Wright, Meier refleja esa influencia en sus trabajos.

Pelli es uno de los arquitectos más reconocidos de la actualidad. Vinculado a la docencia y la investigación, sus obras se destacan en todo el mundo.

Entre sus trabajos sobresalen las Torres Petronas, en Malasia, que entre 1998 y 2003 fueron el edificio más alto del mundo.

18- Mario Palanti (1885-1978)

Tal vez su nombre sorprenda, pero este arquitecto italiano es el responsable de dos obras emblemáticas en Buenos Aires y Montevideo, una de las cuales (el Palacio Barolo) supo ser el edificio más alto de Latinoamérica a principios del siglo XX.

Amante del estilo neogótico, Palanti estuvo a cargo de la construcción del Palacio Barolo en la capital argentina y del Palacio Salvo en la capital uruguaya.

Se trata de dos edificios mellizos, inspirados en la Divina Comedia de Dante Alighieri. Ambos tienen un potente reflector en su cúpula y están realizados con orientaciones opuestas, como si se miraran entre si. Lo curioso, es que Palanti se llevó los planos consigo y nunca aparecieron.

Johnson tiene un obra cumbre, que además es su proyecto de graduación y su casa. Este arquitecto construyó la Casa de Cristal, un estructura enteramente de hierro, sin paredes de concreto y cubierta enteramente de cristales, como si fuera una gran ventana.

Estudió en Estados Unidos y adquirió la nacionalidad norteamericana, donde ha desarrollado toda su carrera. Cuenta con obras en todo el mundo y en todas puede reconocerse su estilo de líneas puras y eficacia funcional, inspirada en los criterios de Groupis y el "estilo internacional".

Cemento, vidrio, acero, formas abstractas y una capacidad original para crear efectos, son la marca del original Pei. Entre sus obras se destaca la pirámide del museo del Louvre en París.

21- Oscar Niemeyer (1907-2012)

Admirador de Le Corbusier, este arquitecto brasileño realizó un centenar de obras en su carrera pero se destaca por haber sido el responsable del diseño de toda una ciudad: Brasilia, la capital de su país desde 1960.

Niemeyer basó su carrera en el hormigón armado, un material que utilizó en la mayoría de sus obras y al que le atribuía una gran versatilidad para darle forma a sus trabajos.

Foster es la modernidad, por darle a sus trabajos un toque que representa los cambios que experimenta el planeta en las últimas décadas. La torre de comunicaciones de Collserola en Barcelona, es una muestra de ello.

23- Rafael Viñoly (1944-)

Este arquitecto cuenta con obras y diseños en todo el mundo, pero su fama radica en lo controversial de sus diseños cóncavos de vidrio, que provocan un efecto de lupa en el interior y exterior que producen un gran aumento de la temperatura.

El reflejo de los rayos solares en los edificios de Viñoly generó quemaduras en personas, derretimiento de partes de automóviles y hasta se realizó un experimento en el que se cocinó un huevo frito en uno de sus edificios.

Es uno de los arquitectos más laureados de la actualidad, con reconocimientos en todo el mundo por sus trabajos. Una de sus obras más destacados es el moderno edificio de la Torre Agbar de Barcelona.

25- Buckminster Fuller (1895-1983)

Su fama radica en ser el desarrollador de la cúpula geodésica, un estructura compuesta de polígonos, como triángulos y hexágonos, cuyos vértices coinciden todos en la superficie de una esfera. Esta forma inspiró el nombre de las moléculas de carbono conocidas como fulerenos.

Ese fue el aporte principal a la arquitectura de Fuller, quien además se destacó por sus obras y por su filosofía sobre los recursos limitados del mundo, que lo llevaba a buscar la manera de hacer más con menos.

"Mi objetivo es recuperar el espacio", dice este arquitecto asiático sobre su estilo, en el que busca combinar el minimalismo japonés contemporáneo con diseños sencillos y puros.

Su misión en cada trabajo es relacionar la obra con la naturaleza que la rodea. La Torre de Vancouver es una de sus obras más destacadas.

27- Louis Kahn (1901-1974)

Seguidor de las ideas de Le Corbusier, este arquitecto nacido en Estonia pero radicado en Estados Unidos, fue el primero en construir una estructura en la que los conductos de luz y aire acondicionado estaban a la vista, en la Galería de Arte para la Universidad de Yale.

Kahn definía su trabajo como "construcción reflexiva de espacios" y reconocía las influencias que tuvieron en sus obras las antiguas ruinas, la monumentalidad, el monolitismo y la intemporalidad. Además de arquitecto, fue docente y dejó un largo legado de escritos y trabajos.

28- Glenn Murcutt (1936-)

Dueño de un estilo simple y primitivo, trabaja solo en su estudio, algo poco común en la arquitectura. Mies Van der Rohe es una de sus principales influencias y sus obras reflejan esa intención de incorporar el contexto natural que las rodea.

Su obra esta casi totalmente realizada en su país, donde ha trabajado en diferentes proyectos residenciales con un estilo lleno de sensibilidad y artesanía local.

Se describe como uno de los pocos arquitectos con amor por la humanidad, define su trabajo como una manera de pensar y cree que: "La arquitectura debe ser una respuesta. No una imposición".

29- Zaha Hadid (1950-2016)

Quizás la arquitecta mujer más famosa. A pesar de su origen iraquí, hizo la mayor parte de su carrera en Inglaterra. Procedente de la corriente deconstructivista, Hadid fue la primera mujer en recibir el premio Pritzker, uno de los más importantes de la disciplina.

Sus trabajos no entienden de líneas rectas y son impredecibles, lo que marca un estilo original en toda su carrera. Entre sus obras se destacan el Museo de la Montaña Corones, el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal, el Centro Cultural Heydar Aliyev y el Pabellón Puente de Zaragoza.

30- Diébédo Francis Kéré (1965-)

La importancia de este arquitecto africano no reside en la majestuosidad de sus obras, sino en lo original de su carrera.

Nacido en la comunidad de Gando, estudió arquitectura en Alemania y tras graduarse decidió volver a su pueblo natal para impulsar el desarrollo de su país, conjugando sus conocimientos con los métodos de construcción usados allí. Así ha construido escuelas, parques, centros de salud y espacios para la contención.

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Los 30 Arquitectos Más Famosos de la Historia - Lifeder

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Te dejamos una recopilación de 30 de los arquitectos más famosos de la historia, que por sus trabajos dejaron una huella imborrable. No hay datos certeros sobre quiénes fueron los nombres que apadrinaron este arte pero si muchos arquitectos que influyeron en su desarrollo.

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Los escultores famosos de la historia han sido artistas visuales que crearon obras en tres dimensiones utilizando diferentes materiales como madera, piedra, mármol, vidrio, barro o metal. En esta línea, la escultura requiere de un avanzado sentido artístico, destreza, precisión y un gran trabajo físico.

El arte de las tallas ha existido desde el inicio de los tiempos; algunas de las esculturas más antiguas de las que se tiene registro datan de alrededor del año 10,000 a.C. La imaginería ha sido parte fundamental en la devoción religiosa en muchas cultures.

En la Antigua Grecia se produjeron grandes obras maestras durante el periodo clásico. Durante la Poco después, el resurgimiento de modelos de escultura clásicos durante el Edad Media, la escultura gótica buscó representar la agonía y pasión de la fe cristiana. Renacimiento dio origen a esculturas famosas, como el David de Miguel Ángel.

Hoy en día, la escultura moderna se ha alejado de los procesos tradicionales y el énfasis en la representación del cuerpo humano, dando origen al movimiento de escultura constructivista.

Te puede interesar también esta lista de arquitectos famosos.

¿Quiénes han sido los más grandes escultores de la historia?

Miguel Angel Buonarroti (1475 - 1564)

Auguste Rodin (1840 - 1917)

Fue un escultor francés y es considerado el padre de la escultura moderna. Fue educado en la escuela artística tradicional, sin embargo desarrolló un estilo que influiría definitivamente en el futuro de la escultura. Entre sus principales obras están El Pensador, El Beso y La Edad de Bronce.

Constantin Brancusi (1876 - 1957)

Antonio Canova (1757 - 1822)

Escultor italiano del periodo del Neo-Clasicismo. Destacó por sus obras en mármol, que tomaron elementos del periodo barroco y el resurgimiento del periodo clásico. Entre sus esculturas más célebres están Psique Revivida por el beso de Cupido, Las Tres Gracias y Venus Victrix.

Lorenzo Ghiberti (1378 - 1455)

Artista italiano del Renacimiento temprano, mejor conocido como el creador de las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. Estudió herrería y escultura. Fundó un taller de escultura en metal que fue semillero de artistas durante su tiempo.

Pablo Picasso (1881 - 1973)

Artista visual español, poeta y dramaturgo, pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia. Considerado uno de los más influyentes artistas del siglo XX, fue cofundador del movimiento cubista.

Fue autodidacta en la escultura y desarrolló un estilo propio, burdo al inicio, pero siempre innovador y propositivo.

Marcel Duchamp (1887 - 1968)

Artista francés, naturalizado americano. Su obra está asociada con el cubismo, el arte conceptual y el dadaísmo. Junto con Picasso y Matisse, es considerado uno de los artistas que definieron el desarrollo revolucionario de las artes plásticas a inicios del siglo XX.

Alexander Calder (1898 - 1976)

Escultor americano, considerado el creador del "móvil", una tipo de escultura móvil que logra un delicado balance de piezas que se mueven por la acción del tacto o del viento. Produjo también figuras de alambre y un circo en miniatura que él mismo operaba.

Camille Claudel (1864 - 1943)

Escultora y artista gráfica nacida en Francia. Murió en la relativa oscuridad, sin embargo su obra ganó reconocimiento por su originalidad tras su muerte.

Se cree que sufrió una enfermedad mental que la llevó a destruir gran parte de su obra. Acusó a Rodin de robar sus ideas y de conspirar para su muerte.

Leonardo da Vinci (1452 - 1519)

Artista y científico italiano que destacó en las áreas de la invención, pintura, escultura, arquitectura, música, matemáticas, ingeniería, literatura, anatomía, geología, astronomía, botánica, historia y cartografía. Entre sus esculturas más famosas están Caballo y Jinete, escultura en bronce.

Artista americano, figura prominente del movimiento artístico visual conocido como arte pop. Su obra exploró la relación entre la expresión artística, la cultura de celebridad y la publicidad en la década de 1960.

Sus esculturas más famosas quizá sean sus Cajas Brillo, impresiones de serigrafía sobre réplicas en madera de las cajas de cartón utilizadas para almacenar el detergente Brillo.

Salvador Dalí (1904 - 1989)

Artista surrealista de origen catalán, fue uno de los más destacados pintores de su tiempo. Sus habilidades artísticas fueron influenciadas por los maestros del renacimiento. Su repertorio de obras incluye filmes, esculturas, fotografías y colaboraciones con múltiples artistas.

Alberto Giacometti (1901 - 1966)

Escultor de origen suizo, se le conoció también como un famoso pintor post-impresionista. Perteneció a los movimientos surrealista, expresionista, cubista y formalista. Sus esculturas antropomórficas, como Tres Hombres Caminando, fueron su sello distintivo.

Escultor, pintor, poeta y artista abstracto de origen franco-alemán. Perteneció a los movimientos abstracto, surrealista y dadaísmo. Fue distinguido con varios reconocimientos, entre ellos del Gran Premio de escultura en la bienal de Venecia en 1954.

Una de sus obras más reconocidas es Pastor de Nubes, que se puede encontrar en la Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela.

Jean-Antoine Houdon (1741 - 1828)

Escultor francés el neo-clasicismo. Destacó por la creación de bustos y estatuas de filósofos, inventores y figuras políticas de la ilustración. Entre ellos, retrató a Benjamin Franklin, Voltaire, Moliere, Washington, Jefferson y Napoleón Bonaparte en 1806.

Benvenuto Cellini (1500 - 1571)

Herrero, escultor y músico italiano. Perteneció y fue uno de los principales exponentes del manierismo. Realizó esculturas de gran escala, como el Puente Dorado del Chateau de Fontainebleau, uno de los palacios reales más grandes de Francia, localizado al sureste de París.

Frederic Auguste Bartholdi (1834 - 1904)

Bertel Thorvaldsen (1770 - 1844)

Escultor danés de fama internacional, pasó la mayor parte de su vida en Italia. Su obra la desarrolló en un estilo heroico neo-clásico. Entre sus esculturas más célebres están la de Nicolás Copérnico y JozefPoniatowski en Polonia así como la de Maximiliano I en Munich.

Artista figurativo y escultor colombiano, nacido en Medellín. Su estilo característico, llamado " Boterismo ", representa a personas en figuras de proporciones y volumen exagerados.

Es el artista latinoamericano vivo más reconocido y citado. Sus obras pueden encontrarse en muchas partes del mundo, como Park Avenue en Nueva York y Campos Elíseos en París.

Prominente escultor ruso que perteneció al movimiento constructivista y fue pionero del arte quinético.

Sus esculturas fueron monumentales e involucraron en su mayoría el movimiento. Un ejemplo es la Torsión Revolvente, una escultura / fuente en movimiento que se encuentra en el Hospital St. Thomas en Londres.

Anthony Caro (1924 - 2013)

Escultor abstracto inglés. Se caracterizó por el uso de objetos y materiales industriales de desperdicio en ensamblajes escultóricos metálicos.

Se le considera el principal escultor inglés de su generación. Durante su carrera también colaboró con arquitectos famosos, como Frank Ghery y Norman Foster.

Niki de Saint Phalle (1930 - 2002)

Raymond Duchamp-Villon (1876 - 1918)

Artista francés, hermano de Marcel Duchamp, se dedicó a la pintura y escultura. Perteneció fundamentalmente al movimiento cubista y entre sus obras más destacadas están el Torso de un Hombre Joven, la Mansión Cubista y Maggy, escultura en bronce.

Umberto Boccioni (1882 - 1916)

Pintor y escultor italiano, ayudó a sentar las bases del movimiento futurista. Aunque tuvo una vida breve (murió a los 33 años de edad), su influencia fue clara en artistas de las siguientes generaciones.

Sus obras se mantienen en museos de arte, como el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

Andy Goldsworthy (1956 - )

Escultor británico, fotógrafo y ambientalista. Ha producido obras especialmente desarrolladas para lugares puntuales localizadas en escenarios urbanos y naturales. Vive en Escocia actualmente.

Edgar Degas (1834 - 1917)

Artista francés, famoso por sus pinturas, esculturas, grabados y dibujos. Se le identifica particularmente con el tema de la danza, ya que más de la mitad de sus obras incluyen danzantes.

Es considerado uno de los fundadores del impresionismo, aunque él mismo se consideraba más bien un realista. Entre sus obras más famosas está La Familia Bellelli.

Augusta Savage (1892 - 1962)

Escultora afro-americana, asociada con el renacimiento de Harlem. Su estudio fue fundamental para el desarrollo de una generación de artistas que alcanzaron fama nacional en los Estados Unidos. Luchó por la igualdad de derechos en la comunidad artística.

Lorenzo Bartolini (1777 - 1850)

Jean Dubuffet (1901 - 1985)

Pintor y escultor francés cuyo acercamiento idealista a la estética acogió el llamado "arte bajo" y desechó los estándares tradicionales de belleza favoreciendo lo que consideró una visión más humana y auténtica de la creación de la imagen.

Artista inglés, mejor conocido por sus piezas escultóricas monumentales semi-abstractas en bronce, localizadas en distintas partes del mundo. Sus obras representan principalmente abstracciones de la figura humana, en muchas ocasiones ilustrando figuras de madres y niños.

Sus esculturas típicamente incluyen espacios vacíos o agujeros. Su capacidad para completar obras de gran magnitud lo benefició con una gran fortuna durante la última parte de su vida.

1. Sculpturehistory. Extraído de: visual-arts-cork.com.

2. The History of Sculpture. Extraído de: scholastic.com.

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Los 31 Escultores Más Famosos de la Historia - Lifeder

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Los escultores famosos de la historia han sido artistas visuales que crearon obras en tres dimensiones utilizando diferentes materiales como madera, piedra, mármol, vidrio, barro o metal. En esta línea, la escultura requiere de un avanzado sentido artístico, destreza, precisión y un gran trabajo físico.