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Inició como una forma de vandalismo y ha evolucionado hasta ser una de las variantes del arte con más seguidores en el mundo. El arte urbano es una expresión artística que busca no sólo intervenir el espacio público, sino hacerlo relevante ante los ojos de los demás y sobre todo, inspirar la creación en cualquier lugar.

Colombia, México, España y Argentina, son algunos de los países de habla hispana que vieron nacer a los representantes más importantes del movimiento por lo que decidimos destacar a los 35 de tantos artistas que debes (y necesitas) conocer.
Saner | México
Ha consolidado su carrera como uno de los artistas más representativos de México a través de misteriosos personajes que, a pesar de portar una máscara, poseen una identidad única.
Escif | España
Si tuviéramos que clasificar el estilo de Escif lo haríamos como un tipo de minimalismo intelectual que se encarga de mostrar verdades incómodas a la gente. Escif sabe que, a veces, las formas bien colocadas tienen más poder que miles de palabras.

Los personajes de Inti resultan misteriosos pero envolventes, dado el estilo que el artista ha mantenido a lo largo de su carrera. Sus personajes están basados en un los kusillos, un bufones altiplánicos que suelen estar presentes en Carnaval de Oruro.
JB | México
JB siempre basa sus trabajos en la naturaleza, en la humanidad, en nuestros límites como seres pertenecientes a la biología y a la vida en sí. Su estilo es muy especial, dado que utiliza diferentes capas de pintura para crear sus piezas.

Una de las favoritas de Domestika. Su carrera es corta, pero ya ha tenido oportunidad de intervenir espacios importantes, como algunos de los muros de Wynwood (uno de los centros más representativos del street art internacional). Sus característicos viejitos nos hacen querer llegar al retiro lo antes posible, si lo que nos espera entonces es pasarlo tan bien como ellos.
FUSCA | México
Egresada de la carrera de psicología, Fusca es una de las pocas artistas mexicanas que ha desarrollado su estilo a pequeños pero importantes pasos. Basa su estilo principalmente en la mente humana y los enigmas que esta esconde.
Borondo | España
El arte de Borondo es poderoso, denota fuerza en su trazo y aunque sabemos que posee un proceso sumamente calculado, pareciera que su arte cobra vida y poder con cada mancha que lo conforma.

El maestro de la forma y del color. Su arte esta conformado por figuras y tonalidades que contrastan y en su acomodo crean paisajes que van más allá de lo increíble. También es la mente detrás del Templo del Kaos.

Una de las parejas que ha llegado a posicionarse como talento emergente de América del Sur. Su trabajo de intervención y rescate de espacios alrededor del mundo ha sido reconocido por medios internacionales y esperamos ver pronto más de ellos.

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Los mejores 35 artistas urbanos de Latinoamérica y España | Blog | Domestika

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El mundo del arte callejero se abre a las mujeres

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Cincuenta grafiteras y muralistas de todo el mundo cuentan su lucha por librarse de las desigualdades que lastran también el mundo del «street art» en un libro escrito por el experto valenciano Diego López

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Creó una ilusión óptica en la icónica esquina de Sarandí y Bacacay.

El jueves pasado, la tradicional esquina de Sarandí y Bacacay se vio sacudida por la presencia de una intervención artística: la marca Salus encargó al artista argentino Eduardo Relero a crear una obra única y efímera, recreando la reserva natural de Minas en el suelo.

Fue la primera vez que el artista de 55 años visitó Montevideo, una ciudad que le recordó mucho a Rosario, su tierra natal.

A principios de los 90, Relero dejó las carreras de arquitectura y psicología y siguió la pasión familiar: el arte. Se trasladó a Roma para especializarse en esta área, en donde comenzó a copiar obras clásicas. Allí conoció a los madonnari, los pintores callejeros de la ciudad.

Tras algunos años en Italia, en 1996 se mudó a Madrid y al tiempo recibió un encargo que le cambiaría la vida: una obra de anamorfosis, una técnica en la que se deforma una obra para generar un efecto óptico.

"Alguien me preguntó si sabía hacer este tipo de ilusiones ópticas y realmente no estaba seguro, pero conocía la teoría y por lanzado dije que sí", narró.

"Cuando empecé a hacer esto éramos solo dos o tres en el mundo. Lo vinculé con el arte callejero ", contó el artista.

Fue antes de que las redes sociales existieran. Sin embargo, gracias a las ahora arcaicas cadenas de mails, en las que se compartían presentaciones con fotos, ayudaron a difundir su trabajo. "Se viralizó y me ayudó a tener visibilidad", contó.

Entre sus trabajos resaltan una intervención artística en la puerta de la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, durante la Asamblea General de 2013, para concientizar sobre la guerra y los refugiados sirios. Fue fue encargada por la ONG Oxfam. También realizó trabajos en el Teatre del Liceu (Barcelona), el Museo de Arqueología de Modena (Italia) y hasta en la televisión japonesa.

Su trabajo se caracteriza por reflejar su visión del mundo: "Me gusta el absurdo, la literatura, el lado torcido de las cosas. También el lado maldito y eso es lo que me caracteriza como estilo. Voy a lo caricaturesco, estrafalario, cómico o satírico", aseguró.

"Dibujo mucho en cuadernos y acumulo bocetos que son mi tesoro. Cuando me hacen un encargo empiezo a analizar las ideas que tengo acumuladas", explicó Relero.

Las obras realizadas en la calle tienen sus limitaciones, sobre todo cuando son de protesta: "Cada trabajo me lleva de tiempo material por lo menos tres o cuatro días; muchas veces estos trabajos son de pocas horas porque la acción, de protesta por ejemplo, no permite estar todo ese tiempo allí.

Entonces se prepara el trabajo, se lo lleva a medio hacer y se lo completa en pocas horas en el lugar", señaló.

La obra de arte que realizó en la Ciudad Vieja fue un encargo comercial. No obstante, el artista tuvo que elaborar mucho la idea.

"No fue fácil crear la obra. Estos dibujos tienen que explotar la cualidad espacial del lugar. Tratás de transmitir la profundidad, en este caso un hueco y esto no lo puede crear un creativo de una agencia, escuché el concepto y lo intenté traducir al arte anamórfico", explicó.

Además, trabajar sobre la Peatonal Sarandí fue otro desafío dado que se trata de una calle muy transitada: "El trabajo estaba previamente hecho, alrededor del 75% de la obra y luego complementé en la calle", narró.

"Busqué crear un cenote, algo como metafórico sobre la reserva de Minas, con un punto de realismo y algo más idílico", destacó.

El resultado fue una especie de acantilado, con un puma que emana agua de su boca y quienes se paran al borde de la obra ven una ilusión óptica como si miraran hacia abajo. La obra ubicada en Sarandí y Bacacay podrá visitarse hasta mañana domingo.

Antes de llegar a Uruguay, Relero pasó por Alemania y Estados Unidos.

En Alemania, el artista trabajó en una obra de protesta sobre la explotación de quienes sacan el cobalto de las minas en Congo. Su camino seguirá hacia México:"Voy a Querétaro a hacer algo de las tradiciones en ese país en el marco de un festival", contó. Luego, visitará Estambul (Turquía).

Gran parte de la vida del artista implica moverse de un lado al otro por el mundo y, aunque por momentos está cansado, también cree que es la mejor forma de conocer las distintas culturas.

Con contenido: Eduardo Relero busca transmitir en sus obras lo que le gusta de la realidad, explotando lo satírico, caricaturesco y absurdo. Además de alianzas con marcas, habitualmente trabaja con organizaciones como Amnistía Internacional, Oxfam, Greenpeace, entre otras.

Arte que engaña: El arte anamórfico juega con las ilusiones ópticas. Cuando a fines de los 90 y principios de los 2000, Relero comenzó a realizar sus obras había muy pocas personas que se dedicaban a realizarlas. Las históricas cadenas de mails colaboraron para que su arte fuera conocido.

Por todo el mundo: España, Rusia, Turquía, Japón, Guatemala, México y ahora Uruguay son algunos de los países que han tenido sus intervenciones artísticas. Según Relero, a veces a las marcas les resulta "incómodo" trabajar con él por las características críticas de su obra.

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Eduardo Relero, el artista argentino que "hundió" la peatonal Sarandí

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ARTE URBANO EN MONTEVIDEO Creó una ilusión óptica en la icónica esquina de Sarandí y Bacacay. Mariana Malek El jueves pasado, la tradicional esquina de Sarandí y Bacacay se vio sacudida por la presencia de una intervención artística: la marca Salus encargó al artista argentino Eduardo Relero a...

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Edgar "Saner" Flores es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico cuya obra ha sido exhibida y reconocida internacionalmente. Su trabajo está fuertemente influenciado por el folklor, las tradiciones mexicanas y la cultura pop.

Nacido en la Ciudad de México, Saner (tomado de la palabra en inglés, que quiere decir más sano mentalmente) mostró un interés por el muralismo mexicano y el dibujo desde muy joven. Comenzó por expresar su creatividad artística a través del graffiti para después recibir un título en Diseño Gráfico de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde entonces, ha pintado murales en las calles y su obra ha sido expuesta en lugares públicos y privados en México, Estados Unidos y Europa.

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Edgar "Saner" combina los elementos populares del muralismo mexicano con el urbanismo del Street Art para crear arte que llama la atención del espectador sin importar su edad o nacionalidad. En su obra, Saner utiliza elementos considerados íconos de la cultura mexicana como máscaras y calaveras, lo cual incorpora un cierto misticismo a su trabajo.

El 16 de marzo de este año, se inauguró la exposición Bleeding Heart (corazón sangrante) en la galería FIFTY24SF en San Francisco. En esta muestra Saner presenta pinturas, dibujos y máscaras. Bleeding Heart es la primera exhibición de este artista mexicano en San Francisco.

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Saner: Iconografía y tradición mexicana.

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Hyuro del otro lado de la pared - La Agenda Revista

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En paredes del mundo, la argentina Tamara Djurovic dejó un legado poderoso y desolador que habla de la mujer trabajadora, la violencia y el vacío.

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Los 18 grafitis de España que este viernes podrán ser coronados como los mejores del mundo

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Un total de 100 murales de todas partes del planeta, entre ellos 18 españoles, llegan a la instancia final del concurso Street Art Cities.

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Son mujeres, son muralistas y son latinoamericanas: pintan en grandes dimensiones haciendo suyo el espacio urbano, con colores, formas y texturas.

Y pisan fuerte en un ámbito tradicionalmente ocupado por varones.

"La figura de la mujer en la intervención mural, como en otras disciplinas, siempre ha sido eclipsada a lo largo de la historia", afirma la artista colombiana Gleo en diálogo con DW.

"Las mujeres que hoy pintan en las calles tienen un compromiso de reclamar, habitar y transgredir el espacio público que nos violenta y excluye", sostiene la muralista nacida en Cali, y una de las más reconocidas del continente.

"En lo personal, me he dedicado a demostrar que mi trabajo no es una cuestión de género. sino de habilidad, no es una cuestión de origen. sino de universalidad, y no es cuestión de edad. sino de disciplina", sienta postura.

Gleo, artista plástica colombiana de reconocida trayectoria internacional.

"Es un trabajo que involucra esferas muy del mundo masculino, como grandes máquinas, la fuerza física, la monumentalidad y el espacio público", apunta, en el mismo sentido, la muralista argentina Mariela Ajras.

Y sobre su experiencia, cuenta: "En general, puedo decir que, siendo mujer, ya entro en desventaja en algunas escenas. Se da por sentado que, probablemente, un mural tan grande lo debe estar pintando un varón, y que yo soy su asistente o su pareja", relata.

"Como mujer, tenemos que demostrar el doble que 'estamos a la altura', analiza Ajras, cofundadora de la "Agrupación de Mujeres Muralistas de Argentina".

Mural de la artista Mariela Ajras "What it feels like" ubicado en la capital argentina.

Asimismo, se reconoce en una larga tradición de mujeres muralistas en el continente "que alzaron su voz para nombrar aquello que las segregaba".

"Todas se han visto en la necesidad de hacerse un lugar en la escena con cierta lucha", agrega la artista nacida en Buenos Aires.

"Hay resistencia y hermandad", sostiene, por su parte, la reconocida ilustradora mexicana Eva Bracamontes, organizadora del Festival Internacional de Artistas e Investigadoras de Arte Urbano, sobre la relación con sus colegas en el continente.

Mariela Ajras, muralista argentina, en plena tarea.

Talento sin distinción de género

Con todo, una característica del mundo equitativo y justo al que aspiran tiene que ver con ser reconocidas en primer lugar como artistas, más allá del género al que adscriban.

"Me gustaría poder ser apreciada no solo por mi capacidad de dar cuenta del mundo femenino, en un universo tan dominado por los hombres, sino por el compromiso con la búsqueda artística", asegura Ajras a DW.

Mural "The sea and her" realizado por Mariela Ajras en Tierra del Fuego, Argentina.

"Mi trabajo es siempre un ejercicio de autoexploración, una búsqueda incesante hacia el autoconocimiento, utilizando la expresión artística como herramienta para alcanzar alguna respuesta, que inmediatamente se convierte en una nueva pregunta", cuenta sobre su tarea, pasión y profesión a la vez.

"Algunas veces, esa empresa de confeccionar una metáfora visual para dar cuenta de lo que me sucede, resuena con un estado emocional colectivo, y ahí se produce algo del orden de lo mágico que tiene el arte", plantea la artista porteña.

"Procuro transmitir amor, alegría, ternura y también sensualidad", indica, por su parte, sobre su obra Bracamontes.

Arte a la vista de todas y todos

Y destaca: "En la calle se genera un diálogo entre el mural, el espectador y el artista". "Y eso es lo que me resulta interesante", confía a DW.

"Puedo crear un vínculo con el espacio adonde llego, y con las personas que terminan cuidando y resignificando los espacios que antes no tenían esa lectura, o eran poco visibles", explica la artista plástica oriunda de Veracruz.

Mural de la artista mexicana Eva Bracamontes en Ciudad de México.

Y agrega: "Siento una especie de responsabilidad frente al mundo, en términos sociales, políticos, culturales y humanos, de ser consciente del momento en que me encuentro y de lo que viven los demás".

Efectivamente, el muralismo no puede pensarse en soledad, ni por fuera de las coordenadas de tiempo y espacio que lo ven nacer.

"Hoy, en Latinoamérica el arte callejero o muralse entiende como un trabajo de y para la comunidad, donde se construyen diálogos y soluciones a través de talleres, mingas y murales colectivos", explica la artista caleña.

"Donde el ego del artista es sacrificado por un fin más grande: un fin colectivo", asegura.

"El arte es una herramienta para imaginar el futuro", condensa, por su parte, Ajras. Y confía en que allí estarán ellas, fortalecidas.

(cp)

Muralistas latinoamericanas: pinceladas de identidad

Arte e identidad

"En esta obra intenté plasmar los rasgos de la identidad femenina latina. Mujeres que miran al pasado y lo resignifican para construir una mirada al futuro", dice Mariela Ajras sobre su obra "Latin American Female Identity". "Busco que mi inspiración esté en consonancia con la comunidad que va a convivir con el mural", agrega. A juzgar por las reacciones, bien logra su cometido.

Autor: Maricel Drazer

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Mujeres muralistas latinoamericanas: arte y talento en grandes dimensiones | DW | 25.05.2021

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Son mujeres, son muralistas y son latinoamericanas: pintan en grandes dimensiones haciendo suyo el espacio urbano, con colores, formas y texturas. Y pisan fuerte en un ámbito tradicionalmente ocupado por varones. "La figura de la mujer en la intervención mural, como en otras disciplinas, siempre ha sido eclipsada a lo largo de la historia", afirma la artista colombiana Gleo en diálogo con DW.

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Cuando Suso tenía 11 años, súbitamente, dejó de hablar. Le costaba mucho trabajo expresar lo que sentía con palabras, tartamudeaba. Como método de supervivencia, recurrió al arte, que se convirtió en su forma de vida. La primera vez que cogió un spray para rayar, que es como se conoce en la jerga urbana a la acción de pintar para hacer un grafiti, lo hizo apenas para escribir un nombre en una pared. Sin embargo, explica, pronto sintió que tenía superpoderes. Aquel gesto, incomprensible aún hoy para muchos, significó en su mente muchas cosas: que él era él, que estaba vivo, que se movía por la ciudad. Desde entonces, se dedicó a pintar las paredes, trenes y calles de Madrid con el nombre que escogió para su personaje: Suso33.

"La realidad es que cuando crecemos dejamos de dibujar, pero yo nunca paré de hacer garabatos", asegura Suso ahora a sus 50 años.

Su historia empieza haciendo de la necesidad, virtud. Suso33 padece lo que en pedagogía se denomina lateralidad cruzada, es decir, a pesar de ser zurdo de manos y pies, de pequeño fue obligado a escribir con la derecha. Su condición, una importante fuente de padecimientos durante su infancia, se convirtió en una de sus principales señas de identidad cuando se convirtió en el único grafitero que era capaz de pintar con igual detalle con las dos manos a la vez. No es solo que pintara bien, es que lo hacía en la mitad de tiempo que los demás.

Poco a poco, casi sin darse cuenta, se fue adentrando en toda la cultura que rodea al grafiti. Su primer vínculo con esta expresión de arte urbano fueron las películas estadounidenses de mediados de los 80 que giraban en torno a la cultura del hiphop: " No era consciente de lo que hacía ni de que eso me iba a dar una vida. Jamás pensé que se pudiera vivir de una pasión", explica.

Suso asegura que su formación ha sido la calle, donde ha aprendido de aquellos a quienes admiraba. Reconoce por otra parte que ha tenido la fortuna de haber trabajado con gente muy buena del mundo de las bellas artes. Por el camino, presume de haber transformado el grafiti en un arte que ha sido expuesto en decenas de museos alrededor del mundo. Para Suso33, el grafiti es la forma de expresión que pone en valor la libertad.

Grandes murales por todo el mundo

Después de pasar años pintando grafiti y rebasando la línea que separa lo legal de lo ilegal, en los 90 su sello evolucionó hacia su simbólica estrella de mar naranja con un ojo en el medio: finalmente, su manera de estar en el mundo.

Además, empezó a hacer enormes murales en Madrid de rostros de personas y sus sombras que terminaron llegando hasta la calles de Nueva York. Con los años, Suso33 ha expuesto en países como China, Italia, Jordania, Alemania, Francia, México, Rusia o Bélgica, por mencionar algunos. "Busco que mis obras despierten emoción en el espectador, contemplar tus primeras ausencias o presencias no te deja indiferente", afirma.

Luz en movimiento

En estos últimos años, su arte se ha encaminado hacia el action painting o pintura con movimiento. El artista utiliza elementos como el agua, la luz y la música para crear un cuadro con vida. Finalmente, Suso33 emplea el vídeo para dar más importancia al proceso de creación de la obra que al resultado final.

Estos últimos proyectos han tenido gran acogida en Madrid, donde cientos de personas se han acercado ya a ver sus juegos de luz sobre el Palacio Real: "Me gustan los mensajes directos, sin intermediarios".

" Ahora insinúo cosas que no se ven a simple vista, sino que tienen que ver con la percepción. El objetivo no es llamar la atención, sino que el diálogo tenga que ver con el contexto y el lugar", dice.

Después de 40 años de carrera, admite que ya no tiene grandes sueños que lograr en Madrid. Al fin y al cabo, esta ciudad se lo ha dado ya casi todo: premios, paredes y viejos trenes llevan su nombre.

Cuando Suso tenía 11 años, súbitamente, dejó de hablar. Le costaba mucho trabajo expresar lo que sentía con palabras, tartamudeaba. Como método de supervivencia, recurrió al arte, que se convirtió en su forma de vida. La primera vez que cogió un spray para rayar, que es como se conoce en la jerga urbana a la acción de pintar para hacer un grafiti, lo hizo apenas para escribir un nombre en una pared. Sin embargo, explica, pronto sintió que tenía superpoderes. Aquel gesto, incomprensible aún hoy para muchos, significó en su mente muchas cosas: que él era él, que estaba vivo, que se movía por la ciudad. Desde entonces, se dedicó a pintar las paredes, trenes y calles de Madrid con el nombre que escogió para su personaje: Suso33.

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Suso33: el niño de 11 años que dejó de hablar ahora es historia viva del graffiti en Madrid

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El artista, pionero del arte urbano en España, empezó pintando trenes con su firma y ahora ilumina el Teatro Real. "Me gustan los mensajes directos, sin intermediarios"

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Cómo defender los valores tradicionales y señas de identidad de un barrio a través del Street Art

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'Del Barrio' es el mural realizado por Said Dokins y Lapiztola como reafirmación de los códigos de identidad del barrio de La Merced de la ciudad de México.

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Su nombre es David Piñón Hernández pero firma sus obras bajo el nombre de Seher One. Este artista mexicano comenzó a pintar muros a las edad de 16 años en su barrio de Iztapalapa rodeado de graffitti y el boom de los stickers.

Hoy, uno de sus muros más famosos se puede observar en la Contraloría de la Ciudad de México, con el nombre de "Mexico: Cultura y Sociedad que renace" el cual se inspira en el Sismo ocurrido en la Ciudad de México el pasado 19 de septiembre del 2017.

Los comienzos de Seher One

A los 18 añostuvo que abandonar el arte para trabajar, sin embargo esto lo hizo retomar su pasión con más fuerza y un año después regresó a la preparatoria donde tenía la visión de estudiar Ingeniería Industrial, hasta que un maestro le vio el potencial para el Diseño por lo que le sugirió que se inscribiera a la Escuela Nacional de Artes Plásticas y así lo hizo.

A partir de ese momento sus dibujos en papel pasaron a ser de mayor tamaño hasta plasmarlos en grandes muros.

El sello de Seher One está en traslapar formas orgánicas y geométricas, así como contrastar la vida con la muerte, todo esto a través de una gama cromática electrizante.

Una de sus grandes influencias es el muralista Jorge González Camarena, sin embargo como representante del nuevo muralismo Seher opinó para Muros Somos:

Neo-muralismo

"Para que sea muralismo, debe cumplir un fin específico y cerrar un ciclo de comunicación propio donde el espectador pase, lo vea y lo entienda sin necesidad de que el artista esté ahí explicando de qué va su obra".

Seher también confesó a pesar de que vivimos en la era digital, está influenciado por las antiguas ilustraciones a mano que se hacían en los 50 y 60, así como la animación hoja por hoja y el cómic.

Por último Seher expresó que su principal objetivo en su obra es detonar emociones, por medio del color, el movimiento y las formas.

"El lenguaje que normalmente utilizo gráficamente habla mucho sobre naturaleza y lo que transmite son ciclos de vida"...

"Me gusta creer que las cosas son como las que sabemos que son, un conjunto de átomos que se juntan, forman cosas más figurativas pero se pueden desintegrar y soltar pequeños átomos que se vuelven a juntar y a seguir".

"Lo que quiero transmitir es que hay vida pero también hay muerte. Y de la muerte también puede hacer vida. Es un ciclo eterno y siempre está en constante movimiento. Todo el universo y todo el tiempo todo se está moviendo".

Sigue el trabajo de Seher One en Instagram y Facebook.

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Seher One: vida, muerte y movimiento en muros de concreto

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Su nombre es David Piñón Hernández pero firma sus obras bajo el nombre de Seher One. Este artista mexicano comenzó

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Sobre unos coloridos motivos grafiteros, surgen las figuras clásicas de Poseidón y de una nereida. Se trata de un gigantesco mural que estos días cobra vida en el centro de París de la mano de PichiAvo, un dúo de artistas españoles que se impone en la escena internacional.

Contrariamente a las apariencias, los artistas de PichiAvo no se definen como grafiteros. Sus creaciones combinan el arte urbano con el clasicismo, ya sea a la hora de pintar sobre el legendario mural Houston Bowery de Nueva York, decorar la tienda de Bulgari de la Quinta Avenida o participar con una escultura colosal en las Fallas de Valencia, donde viven.

El mural de Poseidón y la nereida surgen entre formas y colores de estética urbana, combinadas con frases en francés sugeridas por los transeúntes, como "Je t'aime". Las figuras evocan los ríos, en alusión al Sena que fluye no lejos del mural. El dúo trabaja con espray y pintura acrílica, pero en su estudio valenciano también se sirven del óleo y trabajan la escultura.

En París, el mural de 160 metros cuadrados que empezaron a pintar hace 11 días está llamado a disimular las obras de transformación de una antigua librería del barrio estudiantil de Saint Michel, fruto de un encargo de un grupo inmobiliario. Esto también les diferencia de los grafiteros.

"No estamos haciendo nada ilegal", explica Juan Antonio Sánchez (Pichi). "Es algo que se hace cada vez más durante unas obras: en vez de una publicidad se apuesta por embellecer el entorno con un elemento cultural".

Por su parte, su compañero Álvaro Hernández (Avo), señala que "lo importante es el proceso de creación, la gente nos ve pintando, se interesa, ve cómo va cambiando la obra".

Ambos formaron su dúo en 2007, tras haber estudiado Bellas Artes y Diseño. Y eso se nota en una obra que no se interesa tanto en la crítica social como muchos artistas callejeros, sino en el diálogo entre corrientes artísticas.

"Es como una educación para generaciones distintas. La menos joven aprecia las esculturas clásicas pero también ve que se pueden hacer cosas bonitas con los grafitis y, al contrario, a los jóvenes se les enseña que la mitología es importante", explica Pichi. "Muchas veces se dice que el grafiti es feo, pero con una escultura ya parece bonito. Jugamos con ese contraste", concluye Avo.

Fuente: del texto de Anna Pelegri, AFP.

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La Nación / PichiAvo, el dúo de artistas españoles que no se definen como grafiteros

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En estos días, un gigantesco mural cobra vida en el centro de París de la mano de PichiAvo, un dúo de artistas españoles que se impone en la escena internacional.

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Fusionar disciplinas, mezclar lo clásico con lo contemporáneo, lo mitológico con lo real, la técnica con el caos, la libertad con el respeto... PichiAvo es eso, es fusión, mezcla, encuentro. De Pichi con Avo y de Avo con Pichi. Son dos personas creadoras pero son un solo artista. Atrévete a descubrir su mundo. Sal a la calle sin salir de casa, viendo lo que inspira a PichiAvo y pon al día tu idea del arte urbano y del graffiti.

Dos mejor que uno. Frase manida pero más que válida cuando se trata de crear una obra artística irreverente, transgresora y carente de prejuicios, aunque comprometida y conceptual también. Lo que estos artistas valencianos, unidos por la mitología, el color y las formas, tienen que decir, lo podríamos encontrar colgado en la galería más snob de París o Nueva York o en un muro callejero de una de sus calles más icónicas del arte underground, Bowery Street. Pasen y vean.

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Kia te inspira ¿De dónde viene la inspiración? ¿Qué inspira a la gente que te inspira? Muévete. Descubre lo que te inspira.

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Franco Fasoli (aka JAZ) nació en Buenos Aires en 1981. Escenógrafo y muralista, estudió en la Escuela Nacional de Cerámica (1996-1999), escenografía en el IUNA (2000-2006), participó de la clínica de obra con Diana Aisemberg (2010-2014) y los talleres de pintura de Nahuel Vecino (2010-2011) y Jose Marchi (2007-2010). Obtuvo 2a Premio ITAU de Artes Visuales (2017), mención en pintura "Salón Nacional" de Artes Visuales (2021), participación en el "Salón Nacional" de Artes Visuales (2017 y 2019) y en el Premio Fundación Fortabat a las Artes Visuales (2019). Participó de las exposiciones individuales: Summer in paciencia - BC Gallery, Basilea, Suiza (2021), Memoria y Recuerdo - Galería Wunderkammern, Milán, Italia (2018), Trampa - Galería Quimera, Buenos Aires (2018), De afuera hacia adentro - Galerie Openspace, París, Francia (2018), Pretensión de grandeza - BC Gallery, Berlín, Alemania (2017), Restos - Elsi del Río Gallery, Buenos Aires (2015), Choque - Celaya Gallery, México DF, México (2015), Vínculo - BC Gallery, Berlín, Alemania (2014) y Militancia - Fiebre Galería, Buenos Aires (2014). Fue parte de las exposiciones colectivas: Iam Friends, Magma Gallery, Boloña, Italia (2019), Una Historia de la Imaginación en la Argentina, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (2019), Main Street, Hangar 107, Rouen, Francia (2018), Deforme Colectiva, TOBA Gallery, México DF. México (2017), Icones Urbaines, Museo de Arte Contemporáneo, Lyon, Francia (2016), Artmosphere, Moscú, Rusia (2016), Espacios en desuso, SC Gallery, Bilbao, España (2016), Condition, Athen B Gallery, Oakland, USA (2015). Actualmente reside entre Barcelona y Buenos Aires.

1 ¿Principal rasgo de tu carácter?
Soy una persona muy persistente en las cosas que me interesan.
2 ¿Tu principal defecto?
Creo que podría ser la ansiedad, suele inundarlo todo.
3 ¿Tu ideal de felicidad?
Poder pintar sin presiones, tener una casa con patio, que me regalen una tarjeta para viajar sin parar.
4 ¿Tu artista preferido?
Uff acá tengo muchos, ninguno es preferido, son multiplicidad de miradas, técnicas e historias de vida y dentro de ellos estos son los que recuerdo: Francis Bacon, Paula Rego, Nicole Eisenman, Carlos Cima, Goya, Roberto Aizemberg, Marlene Dumas, Pablo Siquier, Horfe, y así podría estar todo el dia.
5 ¿Un héroe / heroína de ficción?
Me gustaba Flash de chico, pero después creo que me quedo con Piccolo de Dragon Ball, o con Shiru de los Caballeros del Zodíaco
6 ¿Cuál sería tu mayor desgracia?
Quedarme ciego.
7 ¿Tu color favorito?
Verde tirando a azulado.
8 ¿Cómo te gustaría morir?
Durmiendo.
9 ¿Cuál es el estado más común de tu ánimo?
Ansioso/cantor.
10 ¿Tienes una máxima?
Barba candado: garca.

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Perfil de Franco Fasoli - JAZ. Su obra representa las contradicciones de las sociedades latinas y la tensión entre la cultura dominante y las sub-culturas.

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Mural de artista chileno, “El Charanguista Andino”, quedó tercer lugar entre los mejores del mundo

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El mural del artista chileno Cristóbal Persona, “El Charanguista Andino”, quedó en el tercer lugar tras competir como el Mejor…

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Las poderosas imágenes de JAZ, el grafitero que llena de ironía los muros - BBC News Mundo

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Franco Fasoli, de 33 años, quien firma sus obras con el seudónimo JAZ, deja su particular huella artística de identidad, violencia e ironía en los muros de Buenos Aires y otra ciudades.

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Las obras más impresionantes de Okuda San Miguel

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El estilo enigmático de Okuda se compone de colores vibrantes, figuras geométricas y patrones llamativos.

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El arte callejero expresionista de Borondo - Cultura Inquieta

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Borondo, nacido en 1989, español y de mirada inquieta, es uno de esos artistas que no decoran muros, los abren en canal

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OLDSKULL | Diseño, arte y cultura visual.

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LADY PINK, una de las mujeres pioneras en el graffiti

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Lady Pink es una de las mujeres pioneras en el graffiti, cuando aún era una estudiante de secundaria, Lady Pink empezó a pintar grafitis y a crear grandes

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Spaik: Arte mexicano que sobre muros domina el mundo

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Este artista urbano ha plasmado su colorida fauna sobre las paredes de ciudades de países como España, Italia, Estados Unidos y Marruecos y sigue expandiéndose por el globo