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Término procedente de la palabra griega theatrón (θέατρον):  “lugar o sitio para la contemplación”.
Es uno de los componentes de las Artes escénicas y vinculado con la actuación.
Fueron los MITOS que dieron un gran paso a lo que se conoce hoy
como teatro.
Mitos de la Primavera y el Otoño.

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ORIGEN
Se considera que en la Antigua Grecia nació el teatro.
En lo que se puede considerar los inicios, se realizaban ritos en las fiestas dedicadas al dios Dionisio.
Se puede afirmar que el nacimiento del teatro fue Atenas.
El teatro como obra dialogada en monologo presentada ante un público y escrita en prosa o en verso, tuvo su origen en Occidente, en la antigua Grecia

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Los festivales evolucionaron y se introdujo un actor que alternaba con el coro; este conservó el estilo dórico, propio de la poesía coral griega, mientras que el actor usaba el lenguaje y el estilo jónico de los senarios y  ámbicos.
De ahí  la representación denominada tragedia, es de las primeras manifestaciones artísticas, en las que dialogaban tanto actor como el coro.
Surge el primer teatro permanente en Atenas.

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Se establecieron los relatos clásicos de la tragedia y la comedia. Los dramaturgos Esquilo y Sófocles aumentaron el número de actores a la acción, lo que hizo necesario la creación de un mayor escenario. Así se construyeron grandes teatros de piedra que fueron capaces de albergar más de 10.000 espectadores.
El teatro griego contaba con 4 formatos principales:
El drama satírico.
La tragedia.
El mimo.
La comedia.

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Las comedias más añejas que se tiene constancia y que han llegado hasta nuestros días son las del autor Aristófanes. Cuentan con una cuidada estructura inspirada en los ritos sobre la fertilidad ancestrales.

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Obra dramática capaz de causar pena y conmover al público y tiene un final fatídico. En este tipo de género teatral despuntaron dramaturgos griegos como Sófocles, Eurípides o Esquilo.

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El culto se popularizó y sus ritos poco a poco fueron difundiéndose y llegaron a mezclarse con otros ritos antiguos, orgías y fiestas que parecían una fuerte lucha entre los poderes superiores que dictan el sufrimiento y la muerte.
Llega el teatro a China.

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Los grandes escritores Plauto y Terencio marcaron una gran época dentro de las obras teatrales romanas.
Por norma general, eran adaptaciones de obras de la nueva comedia griega.

En la trama de estas obras, abundaba la intriga y en muchas ocasiones se intentaba también aportar cierto valor educativo.
Estas representaciones gustaban mucho al público, ya que eran muy dinámicas y contaban con muchos fragmentos que eran cantados. Salvando las distancias, algo parecido al teatro musical actual.
A este primer periodo se le denomina teatro romano clásico, ya que incluye el teatro realizado en Roma y Grecia, es decir, las civilizaciones clásicas. Del mismo modo, las obras de teatro se escribían en las lenguas clásicas, latín y griego.

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La construcción del teatro emeritense se proyectó junto con la del adyacente anfiteatro en el momento de fundación de la ciudad romana. Varias lápidas inscritas indican que el cónsul Marco Vipsanio Agripa, fue el patrocinador de la obra y que ésta se inauguró en los años mencionados.

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El circo se usaba para las carreras, en especial de cuadrigas.

El anfiteatro era utilizado para los juegos circenses y combates de gladiadores.

El teatro, por último, era el lugar donde se representaban diferentes tipos de obras dramáticas.

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Llegó la decadencia del teatro literario romano. Otros entretenimientos y espectáculos más populares pasaron por delante de él. Además la emergente Iglesia cristiana fue muy crítica con el teatro romano. Entre otros motivos, las actrices y actores gozaban de una mala fama de inmorales, ya que hacían sátiras a los creyentes cristianos.

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La expresión corporal: el actor debe ser un gran bailarín, que siga el ritmo de la música, pero, sobre todo, ha de usar un latín claro y disponer de una gran fuerza vocal, para que lo que dice llegue perfectamente a oídos del numeroso público.

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Los numerosos papiros conservados, incluyen extractos de obras de teatro egipcio;  por ejemplo, los papiros extraídos de cartonnage encontrados por Petrie en Gurob, tienen un pequeño fragmento de una comedia, copiado a mediados del siglo tercero a.C .

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Pero grabamos el teatro en  Greci a  con los Dionisios y este se expandió por Europa.

De hecho se expandió tanto que llegó a Egipto.

El teatro egipcio entra en la historia del teatro oriental obviamente por ser un país de ese hemisferio.

También entra Japón pero ya hemos escrito su historia.

El teatro llega a Egipto gracias a la helenización a partir de la conquista de Alejandro Magno.

Dando a conocer dramas importantes sobre la muerte y el Dios  Osiris, que también murió y revivió.

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El hombre en Egipto comenzó a dar historias y mitos sobre la vida y la muerte.

En los cuales ponemos al dios egipcio  Osiris , y no solo el sino que también los otros dioses.

Hacían fiestas al lado del nilo para venerar al Dios Ra,  (2500 aC).

En la época de Amenhotep,  era muy normal que el hombre egipcio estuviese gran parte de su vida.

Celebrando las fiestas a los dioses y todas sus festividades, era totalmente normal.

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Realización de una especie de representaciones dramáticas sobre la muerte y posterior resurrección del dios Osiris.
En este tipo de “espectáculos” religiosos se empleaban actores provistos con máscaras para que la dramatización fuera más creíble.

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El teatro egipcio no ha tenido demasiados escritos ni mucha popularidad mundial, pero tienen algunas obras interesantes.

La danza más conocida en el teatro egipcio es «la danza del vientre» , también conocida como «la danza del medio oriente».

Dramatización organizada por Amenhotep.

La primera dramatización de heb. Esta es una versión de  Tebas, Grecia.

Era una interpretación donde reunirse a todos los músicos y bailarines para poder realizar una exploración total de su fiesta.

Esta interpretación era para recargar la energía del faraón y entender su coronación en el reinado que tenía.

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Su primer capítulo cuenta la historia del Nacimiento del Drama.

Era una época en la que el mundo estaba hundido en la infamia moral.

La gente había llegado a ser esclava de pasiones irracionales.

Había que encontrar nuevos medios ("agradables a la vista y al oído y también edificantes") que pudieran hacer resurgir a la humanidad.

Por eso Brahma, el Creador, combinó elementos de los cuatro Vedas (textos sagrados) para formar un quinto texto, el Veda de la Interpretación.

Pero como los dioses no saben de teatro, le encargaron el nuevo Veda a Bharata, un ser humano. Y Bharata, con la ayuda de sus cien hijos y algunos danzantes celestiales enviados por Brahma, montó la primera obra.

Los dioses contribuyeron con entusiasmo al aumento de las posibilidades expresivas del nuevo arte.

El Natyasastra es uno de los tratados de teatro más antiguos del mundo.

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Nació en relación con la poesía y el teatro, más concretamente vinculada al teatro clásico de Kalidasa (s.IV d.C.) y de otros autores cuyas obras destacan por el carácter profano de sus argumentos y la sensualidad de su expresión, influyendo sin embargo también, en mayor o menor medida, en otro tipo de manifestaciones teatrales de carácter religioso o ritual como, por ejemplo, las danzas del templo Bharata Natyam o el Kathakali (6). Tanto en unas formas como en otras – tanto en el teatro que podríamos llamar “de corte” (7), más próximo al occidental, como en las diferentes modalidades de danza o de teatro danzado – la emoción estética o rasa no es causada directamente en el espectador, o rasika, sino que, como señala Ananda K. Coomaraswamy , es inducida gracias a la acción de varios elementos presentes en el objeto artístico dramático.

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Subraya que en el teatro, el dramaturgo, los intérpretes y el público forman un continuo, pero un continuo que siempre será inestable y por tanto potencialmente explosivo.

Por eso es por lo que el teatro garantiza su propia muerte cuando trata de interpretar con demasiada seguridad.

Por otra parte, lo que también es su razón de ser, aunque a menudo su futuro parezca desierto, el teatro continuará viviendo y provocando.

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Tenemos los determinantes o vibhava, que son el problema estético, el argumento, el tema, etc. (el héroe y los demás personajes, los condicionantes de tiempo y lugar); igualmente actúan los consecuentes o anubhava, que son los gestos y otros movimientos y, en general, las manifestaciones deliberadas de los sentimientos; también los bhava o estados de ánimo, tanto los transitorios, que son inducidos en los personajes por medio del placer y del dolor (la alegría, la inquietud, la impaciencia… y así hasta treinta y tres tipos diferentes codificados), como los estados de ánimo permanentes (nueve en total, y que coinciden con los nueve tipos de rasa existentes); por último, las emociones involuntarias o sattvabhava, que son los estados emocionales originados en la naturaleza interna, las expresiones involuntarias de diferentes emociones (tales como el horror, el estremecimiento, etc… y hasta ocho en total).

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La historia del teatro oriental esta ligada por sus estilos y tipos de culturas.

No tanto factores externos como su música y malabares como en otros teatros orientales.

Śakuntalā

Esta es considerada una modalidad del teatro indio pero también es una leyenda que se cuenta mucho en aquel país.

Y esta modalidad tiene siete actos.

La leyenda cuenta que una ninfa abandonó a una bebé en el bosque y donde la criaron las aves hasta que el sabio  Kaṇua.

Este sabio la encontró y la crio. Esta es una breve descripción de la obra y sobre su leyenda que es considerada importante.

Este teatro como muchos otros estuvo evolucionando y cambiando sus características normalmente con el tiempo.

Hasta llegar a contar el origen del mundi indio, es decir como los indios aseguraban que fue la creación de su mundo y del universo.

Más conocido como cosmogonía hindú.

También se seguía teniendo en cuenta la música, la danza y la mimíca en aquellos actos.

Dutangada

Es una modalidad que cuenta historias y textos, se relatada por un protagonista mientras que otra parte del teatro.

La banda sonora ayudaba con música y la mimíca para tener un mejor espectáculo.

Es un cambio en el teatro indio porque este no utilizaba tanto esta modalidad, recordemos que este teatro buscaba rezaltar los actores.

Kathakali

Esta es otra nueva modalidad pero esta tiene también el mismo estilo que el dutangada, es decir tiene música y mimíca.

Con la gran diferencia que tenía lenguaje de las manos más conocido como mudras.

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Valmiki

Posiblemente el escritor más importante de la literatura hindú, fue quien escribió el Ramayana, uno de los libros más importantes y populares de la india y de su literatura en general.

Kalidasa

Poeta y dramaturgo Indio que destacó en el siglo VI. Fue el autor de la literatura religiosa y devota, donde podemos destacar a la obra teatral escrita en sánscrito, Sakuntala.

Chanakia

También conocido como Kautilia, fue un conocido brahmán y escritor del libro sánscrito Artha Shastra, uno de los tratados más significativos que explicaban como debía trabajar el estado.

Dhanpat Rai Srivastav
También se le suele conocer como Premchadn, es reconocido como uno de los escritores más importante de la literatura hindú.
Entre sus trabajos más importantes destacan los ensayos, los escritos cortos y las traducciones, siendo sus obras más reconocidas Panch Parameshvar, Igah y Sevasadan.

RK Narayan

Fue un destacado escritor, conocido por escribir libros de ficción y de no ficción. Entre sus trabajos destaca Swami y sus amigos, El cuarto oscuro, Hamish Hamilton y Esperan a Mahtma.

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Así, cuando el dios Siva-Nataraja, Señor de los bailarines o Rey de los actores, explica a Bharata, el ya citado autor del Natyashastra, los secretos y la técnica del teatro, afirma que el arte humano debe estar sometido a leyes porque en el hombre están todavía en conflicto la vida interior y la exterior. Como quiera que el hombre aún no se ha encontrado a sí mismo y toda su actividad procede de un laborioso esfuerzo de la mente, su virtud es entonces la conciencia de sí mismo. Pero lo que llamamos nuestra vida es algo contrario a la armonía del arte, que está por encima del bien y del mal. Sólo en el mundo de los dioses todos los gestos reflejan inmediatamente la vida interior, de modo que el teatro y el arte son entonces la imitación de esa perfecta espontaneidad de los dioses. De ahí que el arte, y el teatro muy particularmente, puedan estar más cerca de la vida que ninguna otra cosa porque, aunque su teoría y su práctica sean complicadas y difíciles, el teatro, en rigor, no constituye un arte, sino la vida misma: aquella que percibimos diariamente y esa otra que, quizá, sólo excepcionalmente intuimos.

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Óperas en la historia del Teatro Chino
En la dinastía Yuan estuvieron grandes óperas que hicieron presencia en la historia del teatro chino.

Zaju (杂剧)

Ópera de Pekín (京剧 jīngjù o 京戏 jīngxì)

Kunqu

Estas son solo las operas más famosas de china de las más antiguas pero son las más importantes.

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Se forma durante el siglo XIV pero hereda varios siglos de bailes rituales y espectáculos de entretenimiento variados, se caracteriza por un repertorio profundamente arraigado en la literatura y por una fuerte tendencia hacia la estilización y la búsqueda de esteticismo.

Tres períodos marcan la historia del teatro japonés. En primer lugar, los orígenes del arte teatral se buscan desde la antigüedad hasta el siglo XIV en las danzas rituales sintoístas o budistas, fiestas y entretenimiento popular y chistes y pantomimas, tanto indígenas como importados de Asia. El segundo período es el de teatro clásico, definido por tres géneros distintos: NOHGAKU (Noh y Kyogen), drama lírico refinado y poético, bunraku o ningyō jōruri, teatro de marionetas literaria y kabuki, espectáculo dramático de la burguesa. El tercer período cubre el teatro moderno, después de la apertura de Japón al mundo en la era Meiji. Los japoneses rompen con el período clásico primero a través del shingeki, el teatro experimental en Occidente, y luego con la preponderancia de la vanguardia. Cada época ha dado a luz a grandes dramaturgos que han hecho la historia del arte teatral japonesa, entre los que figuran Zeami teórico nō, Chikamatsu, instigador de un verdadero drama, Kawatake Mokuami, renovador kabuki después de la apertura del país, o Kaoru Osanai, artesano del desarrollo del teatro moderno.

Cada forma de teatro japonés, clásico o moderno, tiene características de juego y dramaturgia variadas, las más típicas son el uso recurrente de máscaras refinadas o caricaturizadas, la importancia de la danza y la música acompañante, gesto estilizado de los actores, así como la fuerte jerarquización de los roles en los grupos de teatro.

Hoy, el arte del teatro japonés es reconocido mundialmente por su calidad, con sus tres géneros clásicos inscritos en el patrimonio cultural inmaterial de la humanidad.

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El teatro japonés tiene varias escuelas:

EI noh es un drama breve que se baila, se canta y se representa en un espacio decorado con un biombo pintado con un pino.

El kabuki es mucho más reciente. Nació de los espectáculos de marionetas sobre historias de guerras y conquistas.

El teatro bunraku aparecen grandes muñecos manejados cada uno por una persona enmascarada y vestida de negro para pasar desapercibida.

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Es muy importante para ellos tener los instrumentos de cuerda realmente tienen un sonido bastante especial.
Y son sonidos armoniosos, muy melódicos hacen que el teatro chino sea muy interesante y bello.

También como en Japón, tienen máscaras y maquillajes bastantes constituidos y llamativos.
Pero tambien representan al tipo de personaje que están utilizando los actores para que el espectador pueda reconocerlos.

Cuando trataban temas muy serios sus diálogos eran con textos recitados

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Durante la Edad Media, las manifestaciones teatrales se limitaron casi exclusivamente a representaciones de episodios bíblicos y de vidas de santos.

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La cristiana y la profana.
El drama litúrgico era una forma teatral musical que complementaba las ceremonias eclesiásticas y las vinculaba al canto gregoriano. Los tropos eran diálogos que se insertaban en el texto litúrgico.
En el teatro cómico y profano medieval la farsa adquirió importancia. Tenía como fin el divertir describiendo la realidad en forma cruel.
El tema principal de la farsa era la observación irónica de la vida conyugal, la critica a los señores y a los campesinos.

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El Teatro Medieval está conformado por  los espectáculos de bufones y juglares que hacían combinaciones de relatos con poesía lírica, música, acrobacia tomados de los personajes cómicos del teatro romano.
Así mismo, se toman en consideración las farsas populares de raíz juglaresca, escritas y representadas por Adam de la Halle, de origen Francés y junto a ellas las llamadas moralidades de carácter didáctico.

Este teatro tiene manifestaciones diferentes en cada país de Europa. Así en Inglaterra los llamados “fools” (locos), bufones juglarescos iban por las cortes, posadas y plazas públicas, haciendo sus representaciones. También los gremios celebraban a sus patrones con escenificaciones públicas de vidas de santos sobre tablas provisionales. Mientras que en las cortes se hacían las llamadas “masks”, mascaradas acompañadas de música y bailes.

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Este teatro era en las iglesias y catedrales por lo que solo estaba permitido representar lo religioso. Así, se escenificaban dramatizaciones de relatos evangélicos y bíblicos de manera solemne y con ropajes eclesiásticos, a los que se le iban añadiendo de acuerdo a los personajes, elementos identificadores, tales como, alas, coronas, capas, entre otros. Tomando los papeles femeninos, los jóvenes clérigos. Una representación emblemática eran los actos navideños en los que también participaba el pueblo.

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Durante la edad media en occidente, por influjo de la iglesia el teatro pasa a estar denostado y aunque siga produciéndose, incluso bajo la tutela eclesiástica como elemento evangelizador, no contará con dramaturgos que pasen a la posteridad, siendo la mayoría de los textos que han sobrevivido de autores anónimos.
Pero podemos destacar a:
Gonzalo de Berceo.
Tomás de Aquino
Juan del Encina

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España el Teatro Medieval nació en los templos, como el de otros países, y consistió en la escenificación de hechos tomados de la historia sagrada católica que eran representados en la Navidad, Semana Santa, Fiestas de Corpus, etc.

Estas primitivas formas del teatro español se habrían realizado dentro de la iglesia, interpretando los clérigos los distintos personajes bíblicos de la representación. Pronto escenas principales cayeron en lo zafio y grotesco, por lo que dichas representaciones tuvieron que salir del templo y realizarse afuera, en el atrio, para que el pueblo las presenciara desde la plaza o la calle. En España las primeras obras religiosas se llamaron autos (“acciones” o “actos”). Los primeros dramas sacros parecen haber sido reconstrucciones de los relatos bíblicos o de la vida de los santos.

Los primeros autos fueron representados por sacerdotes y miembros de las corporaciones. Pero ya en 1454, los archivos municipales demuestran que habían sido contratados tres bailarines y juglares para que aparecieran en un drama sacro

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El teatro renacentista comenzó en Italia, con académicos que intentaron inicialmente recrear las obras griegas y romanas originales, y luego adaptarlas a la vestimenta y el habla contemporáneas.
Con tendencia al cultismo, a las citas de autores clásicos y a utilizar elementos mitológicos.

La revolución económica renacentista llegó hasta los actores quienes, a finales del siglo XVI, dejaron de ser servidores de los nobles. Surgieron las cooperativas teatrales autónomas.
El teatro Rose, el Swan y el Globe fueron los anfiteatros más famosos construidos al aire libre entre las numerosas salas de teatro con capacidad para miles de espectadores.

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El teatro se desarrolla en las cortes italianas con gran despliegue de medios visuales y musicales, acompañado de danza y música, con espectaculares vestuarios y tramoya.
Se solía representar una obra, la mayoría de las veces de origen clásico (romana o griega, sobre todo comedia), pero el interés estaba en los llamados intermezzi, donde toda imaginación tenía su lugar.
Danzas supuestamente exóticas, moriscas o de la Antigüedad clásica, mundos fantásticos y mitológicos, eran representadas en estos intermedios, que terminaron devorando literalmente al drama o parte teatral.

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Estos alardes de luces, coreografías, vestuario y escenografía, impidieron el desarrollo de un teatro autónomo, como el que ya empezaba en Inglaterra y España, pero por otra parte aportaron innovaciones considerables a la escenografía y maquinaria teatral.
Una de estas innovaciones fue obra de pintores y arquitectos, con el descubrimiento de la perspectiva y sus principios, que permitieron la elaboración de decorados que sugerían las tres dimensiones; con ellos nace la escenografía moderna.

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El drama renacentista de Italia, Francia, España e Inglaterra reflejó un interés y una emulación de los clásicos griegos y romanos. Una de las dos direcciones que tomó el teatro renacentista en Europa se basó en la recreación del pasado, un movimiento llamado Neoclasicismo: seguía las reglas de los antiguos tal como lo interpretaban los modernos.

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El diseño del escenario renacentista también se remonta a modelos clásicos, especialmente a Vitruvio (siglo I a. C.). Sus ideas influyeron en la construcción de los primeras casas de teatro permanentes en Italia y Francia.

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En el campo de la tragedia, la principal influencia sobre los escritores del Renacimiento fue el trabajo de Séneca. Ya en 1315 Albertino Mussato (1261-1329) escribió una tragedia latina, Ecerinis.

La primera tragedia importante del Renacimiento fue la Sofonisba de Giangiorgio Trissino, escrita en 1515.

En el teatro renacentista las solemnes escenas de tragedia a menudo se entremezclaban con interludios: cantos y bailes tomados de las obras satíricas grecorromanas.

Estos interludios finalmente se convirtieron en la mascarada en Inglaterra, la ópera en Italia y el ballet en Francia.

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El descubrimiento de la comedia romana, con sus característicos personajes e intrincadas tramas, inspiró a los dramaturgos renacentistas a escribir obras similares.

La primera comedia significativa escrita en italiano fue Calandria (1506) de Bernardo Dovizi da Bibbiena (1470-1520).

En la Italia del siglo XVI los autores de la comedia comenzaron a combinar aspectos de la comedia romana y la tragedia con elementos del drama litúrgico. Uno de los principales escritores de la comedia erudita fue Ludovico Ariosto (1474-1533).

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En el teatro renacentista destacaron dramaturgos tanto del género de la tragedia como de la comedia en Italia, España, Inglaterra y Francia.
Tragedia
Italia
Giangiorgio Trissino, Giambattista Giraldi Cinthio, Pietro Aretino, Giovanni Giraldi y Torquato Tasso.

España
Juan de la Cueva.

Inglaterra
William Shakespeare, Thomas Kyd y Christopher Marlowe.

Francia
Étienne Jodelle, Pierre Corneille, Thomas Corneille, Jean Racine y Jean Galbert de Campistron.

Comedia

Italia

Nicolás Maquiavelo y Ludovico Ariosto.

España

Lope de Rueda y Bartolomé de Torres Naharro.

Inglaterra
William Shakespeare y Ben Jonson.

Francia
Molière (Jean-Baptiste Poquelin), Jacques Grévin y Pierre de Larivey.

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Las obras más representativas del teatro renacentista pertenecen al dramaturgo inglés William Shakespeare. Entre sus producciones más famosas están:

– Ricardo III (1592-93).

– La fierecilla domada (alrededor de 1594).

– Sueño de una noche de verano (1596).

– El mercader de Venecia (1596-97).

– Mucho ruido y pocas nueces (1598-99).

– Romeo y Julieta (1595-96).

– Julio César (1599-1600).

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ORIGEN
Es el período comprendido entre los siglos XII y XV el teatro era casi puramente un teatro religioso e improvisado. A finales del siglo XV, bajo el reinado de los Reyes Católicos, aparece una generación de dramaturgos que forman el teatro real. Se trata de una época en la que se vivió una auténtica revolución en las letras y en las artes en general. Crean una forma dramática para dar expresión a sus inquietudes y preocupaciones y persiguen una finalidad estética.

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¿CÓMO ERA EL TEATRO EN EL SIGLO DE ORO? 

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¿CÓMO ERA EL TEATRO EN EL SIGLO DE ORO? 

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El teatro del siglo de Oro se desarrolló a partir de la mitad del siglo XVIII.
1. Ruptura de las tres unidades: tiempo, lugar y acción. Lo más característico del teatro del Siglo de oro es que en las obras se produce una ruptura entre las tres unidades: tiempo lugar y acción.
2. Las acciones se dividían en actos: Para marcar que se cambiaba de hora y de lugar se utilizaban los actos, otra característica es que entre los actos se representaban entremeses. jácaras o bailes.
3. Encontrarás personajes tipo: En este tipo de teatro encontrarás personajes tipo rey, el señor mayor, al que llamaban "barbas", el galán, la dama, el criado y la criada.

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¿CÓMO ERA EL TEATRO EN EL SIGLO DE ORO? 

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¿CÓMO ERA EL TEATRO EN EL SIGLO DE ORO? 

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4. Cada personaje utilizaba un lenguaje adecuado a su rango: Cada personaje utiliza un lenguaje distinto dependiendo del rango que ocupaba.
5. Mezcla de lo trágico y lo cómico: El Teatro del Siglo de Oro mezclaba características de lo trágico con lo cómico. Había un hecho serio, por ejemplo una muerte, alternado con momentos graciosos.
6. Temas: honor, monarquía y religión: Eran habituales las obras que tenían que ver con el honor, la monarquía o la religión. De hecho, dentro de estas últimas sobresalían los autos sacramentales.

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En España, el denominado Siglo de Oro del teatro fue el siglo XVII. Sin duda, uno de los periodos más prolíferos del teatro universal.
Abundan las nuevas obras, los autores y las compañías teatrales. El teatro ya no es un espectáculo reservado para las altas esferas, se democratiza y deja de estar sujeto a la ley de la oferta y la demanda.
El desarrollo de este nuevo estilo y forma de entender el teatro provocó un gran debate en la época.
Las principales características:
1. Comedias
2. Tema
3. Estructura
4. Unidades de acción, tiempo y lugar
5. Tragicomedia
6. La importancia del honor
7. Periodos
8. Artes
9. Ciencias
10. Educación

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En el siglo XVI todas las obras de teatro se denominaban con el nombre de "comedias", por tanto, no hablamos en ningún momento de piezas teatrales ni obras sino que, siempre, haremos referencia a las "comedias" del momento. Los corrales de comedias eran los primeros teatros que se construyeron en el país y que cumplían una serie de características que permitían el acomodo del público y de los actores.

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los temas de las comedias del Siglo de Oro eran muy variados pero, en general, se solían presentar situaciones cotidianas con toques humorísticos para hacer una sátira de la sociedad y, al mismo tiempo, entretener al público. Las comedias de enredos eran las que popularizó Lope de Vega

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Hasta el siglo XVI no había ninguna normativa preestablecida en cuanto a la división en actos de la obra. Fueron los dramaturgos del siglo XVII, Lope de Vega a la cabeza, quienes decidieron la estructuración de cada obra teatral en tres actos o jornadas, lo que obedece a la estructuración interna del argumento:

Primer Acto : Planteamiento

Segundo Acto: Nudo

Tercer Acto: desenlace

El primer acto solía comenzar "in medias res", es decir en medio del asunto. Con este hecho se pretendía captar la atención del oyente. Además era un elemento más que aseguraba el dinamismo de la obra.

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En el Siglo de Oro las comedias estaban escritas en verso,y de hecho, no encontramos apenas creaciones literarias que estén hechas en prosa.
La métrica que más fue usada eran los octosílabos y con estrofas como sonetos, octavas, redondillas o romances.
Cabe resaltar además que el lenguaje de la "comedia" buscaba la belleza poética de la palabra y la eficacia dramática unidas. Es decir, quería divertir gustando.

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Si hablamos de las características del teatro en el Siglo de Oro español, tenemos que mencionar estas tres unidades dramáticas que fueron las que se estipulaban en la Poética de Aristóteles y que, durante el XVI, también se cultivaron en las comedias.
Los dramaturgos del siglo XVI rechazan mantener la unidad del tiempo y de lugar. Se producen constantes cambios de escenario y hay numerosos saltos en el tiempo. Sin embargo, sí respetan la unidad de acción.

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El estilo que más predominó durante el Siglo de Oro español fue el de la tragicomedia, es decir, la mezcla de historias que se movían entre la tragedia y la comedia creando, así, un género más próximo y cercano a la vida misma.
Se suprime la frontera entre lo trágico y lo cómico, lo grave y lo cómico se hermanan con el fin de producir una gran variedad y el alivio de tensiones. Esto coincide con la preocupación por imitar la naturaleza humana. Por este motivo el tema suele ser trágico y cómico a la vez. El personaje que más contribuye a crear esta sensación es el gracioso.

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Por último, otra de las características del teatro en el Siglo de Oro español es que el tema del honor aparecía sobremanera en la gran mayoría de las comedias. Se trata de uno de los grandes temas que ocupan muchas obras literarias de la época y que, en el teatro, a veces puede llegar a ser tratado de forma seria pero, otras, de forma satírica y ridiculizada.
El honor esta basado en la igualdad humana. Todos son iguales y la virtud, la conducta y la dignidad personal no dependen de la nobleza pero sí de la limpieza de sangre.

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El Siglo de Oro español tuvo dos momentos determinantes con sus propios lineamientos estéticos:

Renacimiento español: se inició en el siglo XV y se caracterizó por hacer una re interpretación del renacimiento italiano.

Barroco español: comenzó en el siglo XVII y fue un período de abundancia y exageración estética, que se reflejó especialmente en la literatura.

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Aunque el Siglo de Oro se relaciona usualmente con la literatura debido al legado universal de sus autores más destacados, la realidad es que este período también implicó un florecimiento en otras expresiones artísticas como la arquitectura, la pintura y el teatro.

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El descubrimiento del Nuevo Mundo trajo consigo el hallazgo de especies animales y vegetales. Esto impulsó el desarrollo en áreas científicas como la biología, la farmacología y la medicina.

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El Siglo de Oro fue también un momento prolífico para la academia. Fue en ese período en el que la Universidad de Salamanca se convirtió en el centro educativo de mayor relevancia, no solo de España, sino de Europa.

Allí surgió la llamada Escuela de Salamanca: un movimiento intelectual y académico liderado por profesores de dicha universidad cuyos aportes fueron esenciales para el desarrollo de las ciencias económicas, las leyes y la teología.

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OBRAS DEL SIGLO DE ORO Y AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS 

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OBRAS DEL SIGLO DE ORO Y AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS 

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Uno de los legados más importantes y universales del Siglo de Oro español reside en su literatura, caracterizada por una “vulgarización” o acercamiento a las masas. Otros rasgos fueron la abundancia de temas, personajes y contenidos, que posteriormente se conocería como “barroco”.
En ese sentido, estas son algunas de las obras más representativas del Siglo de Oro junto con sus respectivos autores:

El Quijote, de Miguel de Cervantes (publicada en 1605).

Camino de perfección, de Santa Teresa de Jesús (publicada en 1567).

Don Gil de las calzas verde s, de Tirso de Molina (publicada en 1615).

Fábula de Píramo y Tisbe, de Luis Góngora (publicada en 1618).

Cántico espiritual, San Juan de la Cruz (publicada en 1578).

Sueños y discursos, de Francisco de Quevedo (publicada en 1627).

La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (obra de teatro estrenada en 1635).

Fuenteovejuna, de Lope de Vega (publicada en 1614).

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ORIGEN
El teatro neoclásico es un movimiento teatral con orígenes en el siglo XVII, desarrollado plenamente durante el sigo XVIII, y que se caracterizó por retomar los estilos de las sociedades romanas y griegas clásicas representando así las ideas de la ilustración en el ámbito de la cultura. En el teatro neoclásico había un gran interés en mantener el decoro, el realismo y combinar el entretenimiento con lecciones morales. La mayoría de las obras se realizaban en cinco actos, con pocas representaciones y frecuente improvisación. El movimiento neoclásico comenzó en Franciay se extendió rápidamente por toda Europa.

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En la sociedad del siglo XVIII, existían dos maneras de comunicarse con las masas: a través del púlpito o a través del teatro  "aunque la prensa periódica ya comenzaba a gestarse" . En consecuencia, se puede afirmar que los principios neoclásicos se sirvieron del teatro para alcanzar una recepción mayoritaria, ya que el teatro era el género artístico y literario más accesible.
Además, el teatro se recibía por el espectador de forma pasiva "esto sufrió cambios en los siglos posteriores", sin necesidad de abrir un libro; también se servía y se sigue sirviendo de la vista y del oído, por lo que la información puede llegar incluso a la población analfabeta.
Así mismo, para aquel momento el teatro constituía una de las distracciones básicas del pueblo y era visitado por todas las clases sociales.

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Las características principales  del teatro en la época neoclásica

1. Teatro  didáctico y moralizante
2. Respeto por las normas clásicas y la regla de las tres unidades
3. Temática burguesa
4. Escenografía, organización 5. Vestuario
6. Improvisación

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Una de las características principales del teatro neoclásico es que sus producciones tenían que ser moralizantes y educativas.
Por lo tanto, si se trataba de una epopeya, se le enseñaba al pueblo sobre las grandes virtudes y los vicios de los hombres, incitando a amar las primeras y a aborrecer las segundas; en el caso de la tragedia, esta tenía que enseñarle al público que los vicios nunca quedan sin castigo.
En cuanto a la comedia, esta debía ser una representación de la vida diaria que, mediante el humor, corrigiera los vicios corrientes.

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RESPETO POR LAS NORMAS  CLÁSICAS Y LA REGLA DE LAS 3 UNIDADES 

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RESPETO POR LAS NORMAS  CLÁSICAS Y LA REGLA DE LAS 3 UNIDADES 

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Desde el punto de vista formal, el teatro neoclásico se preocupó por respetar tres unidades particulares, siendo estas: la unidad de tiempo, la unidad de lugar y la unidad de acción.
La regla de la unidad de tiempo establecía que el tiempo interno de una representación no podía exceder las veinticuatro horas, mientras que la unidad de lugar estipulaba que solo podía existir un escenario por el cual entraran y salieran los actores.
Por último, la unidad de acción determinaba que solo podían desarrollarse tres actos, constituidos por la presentación o inicio, el nudo y el desenlace.
De igual forma, el teatro neoclásico respetaba otras normas clásicas, como por ejemplo el hecho de que la comedia y la tragedia no debían mezclarse. Esto quiere decir que los dramaturgos neoclásicos rechazan la Tragicomedia como género literario.

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Aunque el teatro neoclásico buscaba educar a los ciudadanos de todas las clases sociales, su temática siempre abordaba problemas cotidianos de las realidades burguesas. Es decir, los dramaturgos neoclásicos escogían como héroes o protagonistas a personas pertenecientes al estatus burgués, por lo que generalmente se trataba de personajes acomodados y con cierto nivel de educación.

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La escenografía, el sistema y conjuntos de trajes del teatro neoclásico fueron dramáticos, elaborados y ricos. Estaban diseñados para proporcionar un telón de fondo exuberante a cada escena y ayudar a la audiencia a que se introdujeran ellos mismos en el drama. Otro objetivo era proporcionar una ilusión realista de  profundidad y percepción. Por lo tanto, los escenarios fueron re diseñados durante este período con arcos dramáticos para resaltar las escenas y múltiples puntos de entrada al escenario. La idea de cambiar el escenario y telón de fondo se vuelve más prominente, particularmente con la invención del sistema de la polea, para permitir que las piezas se pudieran mover más rápidamente a través del escenario. De igual manera, la Iluminación y efectos de sonido aumenta el estado de ánimo y el mensaje de cada escena, enriqueciendo la experiencia dramática.

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Naturalmente, las prendas grises se habrían mirado algo fuera de lugar en el contexto de estos nuevos decorados y escenografías. Por lo tanto, aunque los trajes mantienen el sentido del realismo, seguían siendo muy coloridos, a menudo con encajes y otros adornos para hacerlos más atractivos. A veces, en la actuación  también se utilizaban máscaras, manteniendo el estilo de comedia del teatro neoclásico.

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Por otra parte, para la improvisación en muchos casos, los dramaturgos proporcionan sólo un contorno flojo de un complot, y se esperaba que los actores improvisaran para rellenar los huecos. Esto fue más frecuente con las comedias, pero ocurrió en ambas formas, ya que la actuación a menudo fue una decisión espontánea que no siempre permitía mucho tiempo para escribir o ensayar. En algunas compañías, se contrataban actores especializados en un muy limitado número de personajes, para luego poder capturar personas mejores sobre la marcha, y muy pocos actores se dedicaron a realizar las mismas actuaciones durante toda su carrera.

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Por cientos de años, sólo los hombres podían estar en el escenario. La opinión general era que las mujeres no debían participar en espectáculos públicos y las puestas en escena,  en una posición más prominente, y algunas personas creían que las mujeres estaban tan ocupadas pensando en otras cosas que posiblemente no podría recordar y ofrecer líneas correctamente. Así, los niños prepuberales y los hombres podían manipular su voz para tener como resultado papeles femeninos. Durante el período neoclásico, sin embargo, las mujeres podían ser accionistas de compañías de teatro y participar en las producciones, dando por resultado el pago de las primeras profesionales  actrices.

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ORIGEN
Algunas ideas y conceptos filosóficos fueron adquiriendo bastante notoriedad y finalmente terminaron por cuajar y fusionarse a comienzos del siglo XIX, dando nacimiento a un movimiento denominado romanticismo.

El romanticismo surgió en Alemania, algo curioso ya que el país germano contaba con muy poca tradición teatral hasta antes del siglo XVIII.
Rápidamente se extendió a otro países y ya en 1820, el teatro Romántico imperaba en la mayor parte de las naciones europeos.
En cuanto al teatro romántico español, destacar que se inspiró en muchos de los grandes temas empleados en el medievo y muestra a un personaje subyugado por pasiones de todo tipo, buenas o malas.

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En agosto de 1826, el poeta, novelista y dramaturgo francés Víctor Hugo comenzó a escribir un nuevo drama: Cromwell. Al final, no lo llevó al escenario; en cambio, decidió solo leer la obra a sus amigos.

Sin embargo, el Prefacio a Cromwell sí fue publicado el 5 de diciembre de 1827. Este contenía la definición de Víctor Hugo del Romanticismo
Sus principios revolucionaron el drama francés y se convertirían en el manifiesto del teatro romántico. Pero también, señaló el inicio del choque entre clasicistas franceses y románticos.
Se abogaba por el fin de las tragedias aburridas y la poesía amistosa con el régimen, el reemplazo de la tragedia por el drama y la abolición del verso forzado.

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TRIUNFO DEL ROMANTICISMO SOBRE EL CLASICISMO 

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TRIUNFO DEL ROMANTICISMO SOBRE EL CLASICISMO 

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En 1830, la batalla ideológica entre clasicistas y románticos explotó durante el estreno de la obra de teatro Hernani de Victor Hugo. El auditorio se convirtió en un campo de batalla entre clasicistas y partidarios del teatro romántico.
En sí, era una lucha de la libertad artística de expresión frente a la estética. Ambas partes se reunieron, una preparada para aplaudir, la otra para silbar. Pero, los románticos ahogaron los silbidos con vigorosos aplausos.
A medida que avanzaba la obra, los clasicistas comenzaron a lanzar basura y vegetales podridos. También hubo gritos e, incluso, golpes.

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TRIUNFO DEL ROMANTICISMO SOBRE EL CLASICISMO 

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TRIUNFO DEL ROMANTICISMO SOBRE EL CLASICISMO 

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Luego, la diatriba se extendió más allá de los confines del auditorio. Por toda Francia se libraron duelos, peleas y debates. Además, Víctor Hugo recibió muchas amenazas y tuvo que cuidar su seguridad personal.
No obstante, Hemani permaneció en el escenario durante dos meses. Al final, el Romanticismo salió victorioso y gobernó el escenario parisino durante 50 años.
El teatro romántico se popularizó en toda Europa. En naciones como Rusia, Polonia, Hungría y los países escandinavos la principal inspiración fue la tragedia shakesperiana.

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Se utilizan estructuras y formas del teatro empleado durante el Siglo de Oro, pero eso sí, aprovechándose de los efectos de iluminación y la nueva maquinaria escénica.

Las características principales del teatro romántico son:
1 Naturaleza como inspiración.
2. Búsqueda de respuestas en el pasado
3.  Estética transversal
4. Rechazo a las formas clásicas
5. Cambios en el escenario
6. Lenguaje elocuente y retórico

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La naturaleza proporcionó a los artistas del teatro romántico una fuente de genio natural proporcional a su coherencia con el flujo universal.
Al explorar sus propias profundidades, los artistas se ponen en contacto con los procesos fundamentales de la naturaleza. De alguna manera, intuían las leyes orgánicas de la naturaleza.
Así pues, los artistas románticos querían que sus creaciones imitaran el proceso natural, no planificado e inconsciente de la naturaleza.

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La búsqueda de los románticos de significados mitológicos en el pasado hizo avanzar en la época anterior. La Era de la Razón había considerado el presente como un paso hacia una ilustración futura.
Sin embargo, sin la visión de un futuro utópico, los románticos relacionaban todos los valores con su momento particular en la historia.
Por lo tanto, el teatro romántico buscaba significado y respuestas en el pasado, considerando los problemas del presente como solo una etapa en un proceso continuo.

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El teatro romántico trascendió los valores del momento. El arte encarnaba el ideal y mostraba la realidad como patética a la luz del ideal.
En ese contexto, la experiencia estética llegó a representar el momento más satisfactorio de la vida y a significar la experiencia emocional del ideal.
Esta visión trascendental adquirió una presencia física en el arte. En presencia de la magnificencia infinita sugerida por el arte, la emoción no podía contenerse. Así, el arte debía procurar una respuesta emocional.

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El teatro romántico rechazó las tres unidades de narración: tiempo, lugar y acción. Los autores escribían sin restricciones y usaban diferentes escenarios.

Además, dividían las obras en actos y empleaban las medidas métricas que mejor se ajustaban a sus representaciones.

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El escenario comienza a ganar importancia, y la decoración cambia completamente de una obra a otra, transformando el teatro en un mundo diferente para cada pieza. Incluso, algunas obras contaban con efectos especiales.
Ayudados por nuevos avances técnicos, los teatros competían entre sí, tratando de superarse con escenarios y efectos especiales cada vez más elaborados.

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El lenguaje se vuelve elocuente y retórico, y se mezclan por primera vez los versos y la prosa. Los monólogos se vuelven populares nuevamente. Estos son la mejor forma de expresar los sentimientos de cada personaje.

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*Ángel de Saavedra, duque de Rivas: Autor de obras importantes como, Leyendas o Don Álvaro o la fuerza del sino.

• José Zorrilla: Autor de obras importantes como, El zapatero y el rey; Traidor, inconfeso y mártir; o su obra más importante Don Juan Tenorio.

• Francisco Martínez de la Rosa: Autor de obras como, Aben Humeya y La conjuración de Venecia.

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• Antonio García Gutiérrez: Autor de una obra muy importante, El trovador.

• Juan Eugenio Hartzenbusch: Autor que escribió la obra, Los amantes de Teruel.

• Manuel Bretón de los Herreros: Autor que escribió obras como,  A la vejez viruelas, Muérete y verás y El pelo de la dehesa.

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Segunda mitad del siglo XIX                         ORIGEN 

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Segunda mitad del siglo XIX                         ORIGEN 

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El teatro realista se desarrolló durante el siglo XIX.
Surge en oposición al movimiento artístico anterior: el romanticismo.Por lo tanto, a partir de varias transformaciones históricas y sociales , el realismo viene a criticar diversas costumbres de la sociedad vigente
Era un movimiento artístico que tenía representaciones en la literatura, la música, la arquitectura, la escultura, la pintura y el teatro.
El teatro realista aparece en la segunda mitad del siglo XIX en Europa, extendiéndose por todo el mundo.

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El realismo comenzó en Francia en la primera mitad del siglo XIX, pero tuvo como hitos importantes, en su inicio, dos acontecimientos:

El manifiesto del pintor: Courbet Sinceridad en el Arte, oponiéndose a la romántica «Libertad en el Arte» (1855).

El lanzamiento del libro: Madame Bovary (1856), de Gustave Flaubert, con su fiel observación de la vida y su clara tendencia al determinismo.

El realismo de la última mitad del siglo XIX comenzó como un experimento con el objetivo de hacer teatro más útil para la sociedad.
El teatro tradicional de 1859-1900 todavía estaba unido con los melodramas, obras de teatro (desastres, etc.), óperas cómicas y vaudevilles.

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El teatro de esta época se caracteriza por la presentación de contrastes: tradicionales y campesinos, modernos y urbanos o el éxodo del campo a la ciudad y los dilemas morales que estas situaciones provocan. Entre las características generales del teatro realista se encuentran:

La presentación objetiva de la realidad. El principal recurso de los dramaturgos de la época es: la observación directa de las costumbres o caracteres psicológicos.

Temas cercanos al espectador: defensa de ideales, conflictos matrimoniales...

Se emplea un lenguaje coloquial, que sitúa a los personajes en su ambiente real.

El género característico del Realismo es la alta comedia, que refleja la sociedad contemporánea con una suave crítica.

Intención de retratar la realidad con sus defectos y vicios para criticarla.

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Representación de los valores e inquietudes de la burguesía en las obras. En estas se veían reflejados sus intereses, como el materialismo, el deseo de ascenso social y el aprecio de lo cotidiano e inmutable.

Dedicación de las compañías teatrales a complacer los gustos de la burguesía.

Interés por el costumbrismo. El costumbrismo es una tendencia o movimiento artístico que aspira a que la obra de arte sea una exposición de los usos y costumbres de la sociedad. En el teatro realista, se refleja al público burgués más conservador a través de géneros como la zarzuela, “el género chico” , el sainete o el teatro por horas.

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Los temas propios del teatro realista son temas cercanos al espectador, como la defensa de ideales y los conflictos matrimoniales. Así, las obras plantearan temas cercanos al costumbrismo. Por otro lado, los autores se interesarán en usar como pretextos dramáticos los intereses de la burguesía, como el materialismo, el deseo de ascenso y el valor de la inmutable y cotidiano.