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La pesca milagrosa, Beatriz González. 1992

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Particularmente en esta pintura de lo que es toda la obra, cabe destacar también la crudeza del sarcasmo con la que está hecha. Solo hace falta ver cómo los personajes del fondo nos miran, como si estuviese mal horrorizarnos por un evento como este, al que todos están tan acostumbrados. Triste pero cierto, eso el algo que la artista sabe transmitir muy bien.

Lo más terrible del caso es que no vemos tan solo el momento de la muerte del hombre, en dónde podemos ver incluso como se desangra, también pudiendo imaginar todo el recorrido de su cadáver por el río y, para rematar la faena, no podemos hacer nada más que contemplar y, en el caso de esta pintura concretamente, ser contemplados.

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La Corriente y La Pesca Milagrosa. 08/09/2021

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La Corriente y La Pesca Milagrosa. 08/09/2021

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Otra de las mejores obras en cuanto a significado que tiene la artista. La Corriente nos muestra a un hombre —bien muerto o bien en el borde de la vida— flotando sobre un cuerpo acuático, sin nadie que lo recuerde, busque o vele.

Esta pintura retrata en un solo suceso, más cercano a la realidad de lo que nos gustaría admitir, el trato que le damos a las víctimas de la violencia que ha azotado a Colombia por tantísimos años. Para nosotros, Colombia, no son más que una estadística; así es como lo pinta la prensa y así es como se nos queda guardado en la cabeza. Nos hemos vuelto un pueblo insensible, descaradamente terco y acostumbrado a que estas cosas pasen.

Lo que tiene la obra de Beatriz González es que quiere inmediatamente comunicarnos algo, no se trata de virtuosismo artístico o de un despliegue genial del color y la línea; no, es tan simple que asusta, pero por eso mismo es tan efectiva para comunicar. Este tipo de arte está al alcance de todos y, solo tal vez, es justo lo que el país necesita, ahora más que nunca.

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Sr. Presidente..., Beatriz González. 1986

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Los años 80 fueron una época cruda para Colombia, plagada de violencia, miedo y corrupción. También fue una de las etapas más espectaculares en la obra de González.

Esta obra es tan horrenda como lo es lo que representa, motivo que la hace tan buena. La representación del presidente Belisario Betancur en esa escena tan macabra, reviven la tragedia en que resultó la toma del palacio de justicia por parte del M-19 y la patética intervención del gobierno en ese entonces. Esta pintura nos permite recordar vívidamente esas imágenes que todos hemos visto del aquel momento, y nos dejan saber también lo buenos que somos para olvidar, quizá en ese entonces, cuando todo era más reciente, existió indignación y reacción, pero, confirme pasa el tiempo, seguimos con nuestra vida permitiendo que este tipo de cosas pasen todo el tiempo. Me refiero a todos los escándalos en los que están envueltos nuestros gobernantes constantemente y que, más allá de pasar desapercibidos son simplemente ignorados. Pensar en esas oscuras sonrisas, en la comodidad que el presidente debe haber tenido en uno de los momentos más bajos de la historia del país, debería ser suficiente para indignar a cualquier persona que tenga algún tipo de respeto por la tierra en que nació, y puede que en efecto lo sea; pero.. ¿y qué?

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Señor Presidente, qué honor estar con usted en este momento histórico.PNG

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Billares Bochica, Beatriz González. 1980

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De la exposición de Beatriz González, esta fue la primer obra que llamó mi atención, el uso del color le da un tono profundamente lúgubre y nostálgico a la pintura, efecto que, a mi parecer, transmite de manera muy cercana lo que en realidad se puede llegar a sentir en uno de estos espacios que hay en casi cualquier lugar del país. Claro está que, uno de los mayores atractivos de esta obra es el hecho de que está pintada sobre una tela de billar; como veremos, a la artista le encanta dotar de un fuerte sarcasmo a sus obras, siendo esta, a mi parecer, una manera brillante de hacerlo.

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Sobre el museo, he de decir que, en cuanto a arquitectura y decoración de los interiores, no tiene nada de especial. Es sobrio, moderno, bonito y permite concentrarse enteramente en el arte expuesto allí. Si bien hemos visto verdaderas obras maestras de la arquitectura en esta bitácora como el Guggenheim, o decoraciones que nos hacen sentir como miembros de la realeza en el Rijksmuseum, el MAMU también tiene ese encanto travieso que solo se encuentra en aquellas instalaciones más sobrias, detalle que se agradece en un ambiente en el que parece que prima la extravagancia sobre la practicidad y el significado.

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Die berühmten Orden der Nacht, Anselm Kiefer. 1997

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Las célebres órdenes de la noche. 06/09/2021

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Las célebres órdenes de la noche. 06/09/2021

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Esta es otra obra que me fascinó durante mi visita al museo, se trata de un hombre, al parecer el propio autor, acostado en un suelo reseco y agrietado mientras contempla o, al menos, se deja acoger por el majestuoso cielo nocturno.

De esta obra lo que más me atrae es lo mucho que me hace pensar, me gusta resulta inevitable imaginarme a esta persona en aquella situación y preguntarme ¿qué hace ahí? ¿qué es lo que le susurra el manto de estrellas que parece ser su única compañía? ¿por qué está descalzo y sin camisa, acaso se encuentra al final de la vida? Estas son el tipo de experiencias que, para mí, constituyen las mejores obras de arte, que a través del color y con escenas aparentemente simples (no necesariamente) el artista sea capaz de decirnos tanto sin usar ni una sola palabra.

La obra es en sí misma misteriosa, sobre todo por lo que el cielo significa para nosotros y, más aún, el cielo nosturno; en suma, representa lo inalcanzable, lo oculto y lo divino, una dimensión muy por encima de nuestras capacidades intelectuales y la que de cualquier modo le dedicamos tantas horas de nuestro pensar y tantos años de nuestra vida. Kiefer estaba fascinado con el cielo nocturno, y no es para menos. Con Las célebres órdenes de la noche, nos comparte todas sus dudas y su fascinación por este mundo que, de no poder verlo con nuestros propios ojos, no quedaría más remedio que achacárselo a los sueños y la fantasía; sin embargo, ahí está, tan cerca pero tan lejos, esperando a ser contemplado y, quizá, descubierto algún día.

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Nueve discursos sobre Cómodo, Cy Twombly. 1963

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Nueve discursos sobre Cómodo. 06/09/2021

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Nueve discursos sobre Cómodo. 06/09/2021

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No me considero particularmente partidario del arte abstracto y, sin embargo, esta obra es posiblemente mi favorita del museo.

Desafortunadamente, a muchos artistas abstractos se les escapa la poesía por el borde de sus lienzos, Twombly es la completa antítesis de esto. Sin necesidad de conocer el contexto histórico de esta obra, la impresión que nos causa es inmediata: se trata de una misma escena que evoluciona con el tiempo, comienza siendo un apacible blanco para progresivamente convertirse en imágenes más violentas que evocan explosiones, heridas sangrantes y hasta fuegos en pleno auge. Esta transición de emociones nos llega casi exclusivamente gracias al color utilizado en cada una de las pinturas, pero también la colocación y la fluidez de las formas nos dan pistas de qué es lo que está sucediendo en cada uno de los nueve momentos representados. Creo que el modo en el que ha sido construida toda esta obra es tal que cada quien podría encontrar cómo identificarse con ella; todos en algún momento sentimos que vivimos un ciclo parecido al que quiere mostrar el artista, es el ciclo del caos, la caída, la recuperación, el descenso a la locura y el culmen de una etapa.

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El hombre de Nápoles, Jean-Michel Basquiat. 1982

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Todo sea dicho, si hay algo más complicado de asimilar en principio que el servicio de Street View de Google, es esta obra.

El hombre de Nápoles fue la primera obra que me llamó la atención durante mi recorrido por el museo Guggenheim. Decir que la entiendo sería pretencioso y, además, mentira; sin embargo, haría falta estar ciego para no ser capaz de apreciar la ironía con la que está cargada esta pintura. Partimos de la base de que, supuestamente, el hombre de Nápoles es esta especie de cerdo rojo que domina por completo la pintura y capta la atención del observador, una figura que resulta inmediatamente contradictoria con todos los anuncios relacionados a la venta de carne de cerdo deperdigados por el caótico lienzo. Pero, más allá de la ironía de las frases y los erratas —claramente intencionales— como "Vini, Vici, Vidi" (sic) o "proscuitto" (sic), la obra en sí despierta dentro de su ironía un cierto aire de protesta, al menos desde mi punto de vista. Tal vez estoy intentando de ver demasiado más allá, pero al ver El hombre de Nápoles me es inevitable pensar en el arte callejero, llámese graffiti o llámese cualquier otra forma de expresión; es fácil asociar ese tipo de figuras e inscripciones con este fenómeno y más cuando lo pensamos desde un contexto social más cercano a la realidad colombiana.

Me cuesta trabajo determinar qué es exactamente lo que dice esta obra respecto al arte urbano: si se burla de él, si lo glorifica o si simplemente lo toma como inspiración; pero, en todo caso, de lo que sí estoy seguro es de los sentimientos que me evoca el atrevimiento de Basquiat: protesta, ironía, expresión y libertad.

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Ver el edificio desde lejos debe ser una experiencia para quedarse sin palabras. Solo en fotos, la inminencia con la que se impone y la forma en la que rompe completamente con los demás elementos del paisaje es verdaderamente impresionante. Es como una suerte de Taj Mahal —guardando, claro está, las proporciones—, una edificación titánica que parece no pertenecer en absoluto al sitio en el que está colocada. Las inquietantes formas y ese color plateado que tanto asociamos con lo futurista la hacen ver como una construcción de otro mundo; además, cómo ignorar el hermoso contraste con ciertos cielos que puede crear el ojo de un fotógrafo talentoso. Simplemente majestuoso.

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Esta obra fue la mejor sorpresa que me dejó el Museo de Orsay puesto que, como ya bien dije, me fascinan aquellas obras que me hablan, que están repletas de emociones. Esta es el epíteto de esa cualidad.

Desafortunadamente, en la imagen no se aprecia la obra con gran calidad, pero sí con la calidad suficiente para poder captar su potente simbología.

En primer lugar, el propio personaje viste una túnica tan oscura como la noche misma, lo que, por excelencia, ocultaría la identidad de alguien y sus verdaderas intenciones. Es difícil entender el gesto si no se busca expresamente su origen, según Arts & Culture, se trata de un gesto interpretado como aquel del dios Harpócrates, que los griegos tomaron como deidad del silencio y el secreto habiendo malinterpretado el gesto del niño Horus. En todo caso, el personaje claramente está tratando de decirnos algo con este gesto y con la mirada penetrante, fría y poco amistosa, y más que invitándonos a algo, parece advirtiéndonos o rechazando nuestras intenciones de indagar, lo que explicaría el título de la obra. Un portador de secretos deambulando en la penumbra nocturna, avisándonos de que hemos de conservar la compostura y conocer nuestra posición, o podríamos estarnos abriendo a misterios oscuros y horrores inenarrables. Para mí, una obra que puede contar toda una historia y que es digna de ser analizada e investigada para hallar todos su detalles.

Fuentes:

- https://artsandculture.google.com/asset/le-silence/HwHch3lVhiyq_g

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Jeunes Grecs faisant battre des coqs, dit aussi Un combat de coqs, Jean-Léon Gérôme. 1846.

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Tengo una debilidad por las pinturas llenas de emociones, como sea que se representen —desde que sean legibles—. Esta es una pintura así.

Lo que me atrae poderosamente a esta obra es la inocencia de la que están cargados los personajes, sumergidos en un mundo creado por el breve momento que comparten, profundamente inocentes del resto de la realidad y contrastando fuertemente con el escenario en el que se encuentran. Sin embargo, aunque todo esto es muy llamativo, lo que más me llama de la pintura es el retrato de los cuerpos, sin profundizar demasiado en el sentido de la obra, me maravilla el despliegue de virtuosismo con el que el artista plasma el cuerpo con el mayor cuidado al detalle anatómico, al más puro estilo clásico y que nos transporta a esa época, curiosamente, no porque las personas en la antigua grecia caminaran desnudas por la calle, sino porque, gracias al arte, asociamos ahora al cuerpo desnudo a las pinturas mitológicas y religiosas de antaño.

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L'Eglise d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet, Vincent van Gogh. 1890

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La iglesia de Aveurs-sur-Oise. 30/08/2021

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La iglesia de Aveurs-sur-Oise. 30/08/2021

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Resulta cuanto menos tétrico pensar que algunas de las mejores obras de van Gogh se dieron durante el ocaso de su vida. Esta, por ejemplo, es una obra pintada ya en Aveurs-sur-Oise en donde estaba siendo tratado por el Dr. Gachet poco antes de su muerte.

En todo caso, lejos de las condiciones trágicas en la que se produjo la obra, es seguro decir que esta es exquisita; exquisita porque no está retratando una simple iglesia con su respectivo paisaje, más bien, van Gogh está retratando su visión del mundo y las emociones que este despierta en él. El pintor es sumamente cuidadoso con las formas que dispone la iglesia, como yo lo veo, es como si la iglesia estuviese llorando, pero no en una situación dolorosa, sino es una hermosísima y llena de vida. Una iglesia suele ser la figura central de un pueblo y esta no es la excepción; consigue que el lugar brille esplendorosamente a ojos de van Gogh en aquella despejada noche que representa su obra. No sabemos a dónde llevan los caminos, pero poco importan, puesto que lo único que nos importa es este sentimiento de la iglesia, el cual solo logra ser apreciado por nosotros, puesto que toda la magia se haya en lo retratado por el artista, quien convierte un modesto paisaje en toda una fantasía en la que puedes casi escuchar el color y las formas.

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Esta tiene que ser una de las mejores obras del holandés. El modo en el que logra expresar no solo la emoción que siente el personaje en el instante que representa la obra, sino también la personalidad y el estado anímico usual de este, me hacen sentirme profundamente en sintonía con esta pintura. En algún momento de la vida, todos somos el doctor Gachet; un personaje melancólico sumergido en sus pensamientos y en la rutina del día a día, condición que transmiten no tanto su rostro y su posición de desinterés y aburrimiento como sí las formas de la figura.

Me gusta pensar que la cualidad más importante del arte es que él mismo hable por sí solo. Dr Paul Gachet es un ejemplo perfecto de esta cualidad, la pintura te está diciendo cómo se siente, con las ondulaciones del personaje y del fondo, la paleta de colores y la mirada y postura del personaje, todo nos lleva a pensar y sentir lo mismo. Se dice que la dedalera es un pequeño toque esperanzador a la obra pero, como lo veo yo, no es más que el último clavo del ataúd. La planta, en su forma, es casi una burla porque, gracias al modo en que la sujeta el galeno, parece estar tan deprimida como él. Además, los colores de esta no resaltan con respecto a los demás en la paleta, lo que podría darnos ese atisbo de felicidad de la que tanto carece la situación; en cambio, se mezclan perfectamente y, por ende, se fusionan con a la par que alimentan esa melancolía que nos evoca el cuadro.

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Las obras de van Gogh resaltan mucho en el museo, además de que son muy publicitadas. Este autorretrato es lo primero que se nos invita a ver durante el recorrido virtual. Sin duda, es una hermosa pintura, el contraste entre los colores de la barba de van Gogh y el fondo de la obra hacen que resulte muy llamativa a la vista; también, la emoción de confusión, frialdad y desconexión que transmiten las expresiones faciales logran que uno pueda sentirse más cercano a los sentimientos del artista.

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Lo primero que llama la atencion del museo es, junto con su rica historia, el edificio en sí. Este fue concebido originalmente como una estación de trenes la cual, para bien o para mal, quedó obsoleta durante la primera mitad del siglo XX. Luego de varios años debatiendo sobre el destino de la otrora estación, se organizó una competencia para diseñar el nuevo museo, que abrió sus puertas en 1986. 121 años después de que el edificio fuera pensado como la primer "obra de arte" para la exposición universal de París en 1900, podemos decir que este sigue y seguirá siendo la primer obra de arte del museo.

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Fishing for Souls, Adriaen van de Venne. 1614

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Esta es probablemente la obra que más captó mi atención durante el recorrido. El contexto histórico de la obra junto con la cantidad de detalles me parecen fascinantes. Se trata de una pintura que plasma una escena, a mi parecer algo satírica, en la que fieles protestantes y católicos, contrapuestos a los lados izquierdo y derecho del río respectivamente, pescan con redes nuevos feligreses. Además, en la obra pueden apreciarse personajes como María de Médici y Luis XIII de Francia e Isabel Clara Eugenia y Alberto de Austria acompañando al Papa.

Formalmente hablando, la pintura no se vale de recursos demasiado agresivos para orientar al observador, puesto que no es necesario; basta con la luz que refleja sobre el río y el color brillante de este para que nos enfoquemos en la escena que ocurre en los botes. Sin embargo, es necesario leer un poco respecto al contexto histórico de la pintura para entender lo que quiere transmitir realmente y a qué se debe el tono sarcástico. Incluso así, es una obra sumamente llamativa por lo colorida que es, el uso de este recurso es fundamental para diferenciar a los personajes, sus rangos y sus afiliaciones, incluso si resulta obvio por la división que marca el río. Incluso los dos botes más cercanos en la pintura apuntan en la dirección del río en la que se encuentran los fieles a su religión.

Fuentes.

- https://artsandculture.google.com/asset/fishing-for-souls-adriaen-pietersz-van-de-venne/1AHVc0yFtsvtlA

- https://en.wikipedia.org/wiki/Fishing_for_Souls

- https://es.wikipedia.org/wiki/Tregua_de_los_doce_a%C3%B1os

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The Valkhof in Nijmegen, Jan Van Goyen. 1641.

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Paisaje con puente de piedra, Rembrandt. c. 1638.

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El molino de Wijk bij Duurstede, Jacob van Ruisdael. c. 1668 - c. 1670.

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Algunas de las obras que más me llamaron la atención durante el recorrido fueron aquellas relacionadas con los paisajes propios de los Países Bajos. Este en cuestión es, según la propia descripción de la obra, "el epítome de un paisaje neerlandés: un campo plano, montones de agua, cielo y molinos". Y si bien la obra llama la atención por si misma por su construcción oscura y —dependiendo, claro, del observador— por lo lejana que es a nuestra realidad actual, es todavía más interesante cuando la comparamos con otros paisajes del mismo calibre; todos parecen transmitir sensaciones similares al observador: calma, frialdad, oscuridad, familiaridad a pesar de lo lejano y, sobretodo, paz.

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Es imposible hablar del Rijksmuseum sin mencionar La Ronda Nocturna. A pesar de haberla analizado ya en profundidad en otro espacio, cabe igualmente incluirla en esta bitácora puesto que es absolutamente exquisita. Además, tan pronto como inicia el recorrido virtual, se nos sugiere ir directamente a ver esta obra. Desafortunadamente, la vista en primera persona en el museo no es tan buena, pero es posible ver todas las obras de la colección directamente en la página del museo y además descargar imágenes en altísima definición que nos permiten disfrutar debidamente de obras como esta.

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La decoración, incluso de la sala más importante —en donde se encuentra la ronda nocturna— es, sin dejar de ser elegante, bastante sobria, detalle que se aprecia puesto que permite enfocarse casi exclusivamente en el arte allí expuesto en lugar de distraerse con decoraciones innecesarias. Además, el color gris azulado que tienen las paredes es mucho menos agresivo a la vista que el clásico blanco.

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La sola entrada del Rijksmuseum es espectacular, es imposible que este inmenso candelabro no nos llame la atención. Este, combinado con los bronces exhibidos justo a la entrada le otorgan una apariencia ostentosa al museo, lo que logra que el observador sienta que se encuentra en un espacio verdaderamente importante; que es toda una ocasión.