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« Le paysage nous enveloppe : créez une immersion panoramique continue où la couleur et la lumière effacent les limites de la feuille. »

Contrainte de format : format panoramique

Contrainte collective : Travailler par groupes de 3 ou 4 sur la même bande. Les touches de chaque élève doivent se fondre pour que le panorama paraisse continu

En groupe, les élèves choisissent une gamme colorée (dominante froide, crépusculaire, ou chaude) et définissent les grandes lignes directrices qui traverseront toute la longueur de la feuille pour assurer la continuité.

Objectif : La collaboration : Savoir accorder sa pratique plastique avec celle de ses pairs pour créer une unité visuelle (notion de co-auteur) + format panoramique.

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MON PORTRAIT

MON PROJET

Votre création donnera à voir qui vous êtes.

Médium libre : Graphisme (feutres, crayons, encre), peinture, pastels, collage (magazines, textures), 3D (assemblage d'objets, carton), ou photographie.

Format imposé : A4

L'intention : L'œuvre doit raconter quelque chose de votre personnalité (passions, doutes, envies...)

Séance 1

Présentation des références (10-15 min).

Remue-méninges individuel : Qu'est-ce qui me définit ? (Une couleur, un objet, un style de musique, un trait de caractère ?).

Choix des matériaux et début de l'expérimentation.

Séance 2 (Pratique effective) :

Production en autonomie. Vous passez dans les rangs pour les aider à résoudre les défis techniques (comment faire tenir ce volume, comment intégrer la photo au dessin, etc.).

Séance 3 (Finitions & Mini-bilan) :

Dernières touches (15 min).

Le cartel explicatif : Demandez-leur d'écrire 2 lignes pour expliquer leur démarche (indispensable pour l'évaluation en 3ème).

Mise en commun visuelle (un "speed-booking" ou un accrochage rapide sur les tables).

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On dit que les murs ont des oreilles. Et si ils se mettaient à parler...

Installez votre travail dans l'espace de la classe, au mur, dans le bon endroit. Prenez une photo qui permette la compréhension de vos intentions.

Moyen d'expression : la lettre ou le mot
Support : Murs de la salle d'Arts Plastiques
Travail : seul ou à 2

Critères d'évaluation
1. Sens créé entre le mot et le lieu
2. Technique : typographie, dimension, couleurs

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Dimensions

H. 200 Cm ; L. 850 cm (œuvre entière)

Lieu de conservation

Paris, musée de l'Orangerie

All over : Pratique artistique qui consiste à couvrir toute la surface d'un tableau sans hiérarchie de plans, à la différence d'une composition classique.

Chevreul : Michel-Eugène Chevreul (1786-1889) est un scientifique français, dont les écrits sur les couleurs et sur leur perception, comme la loi du contraste simultané des couleurs, influencent les peintres impressionnistes et postimpressionnistes, Georges Seurat tout particulièrement.

Symbolistes : Poètes d'abord puis peintres, du dernier quart du XIXe siècle, qui rejettent le naturalisme et le positivisme modernes. Ils remettent la pensée et l'imaginaire au cœur de la création.

Expressionnisme abstrait : Mouvement de peintres américains qui renouvellent l'abstraction après 1945. Chez ces peintres, le tableau est affirmé comme surface peinte et expérience intérieure du réel. On distingue généralement deux groupes : le color field, qui valorise le champ coloré (Mark Rothko, Barnett Newman...) et l'action painting qui valorise la gestuelle (Jackson Pollock, Willem de Kooning...).

Palette : La palette est la petite planche sur laquelle l'artiste dispose et mélange ses couleurs. Le terme désigne aussi l'ensemble des couleurs qu'il choisit pour une œuvre.

Impressionnisme : Courant artistique regroupant l'ensemble des artistes indépendants qui ont exposé collectivement entre 1874 et 1886. Le terme a été lancé par un critique pour tourner en dérision le tableau de Monet Impression soleil levant (1872). Les impressionnistes privilégient les sujets tirés de la vie moderne et la peinture de plein air.

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Les Nymphéas par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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Dimensions H. 200 Cm ; L. 850 cm (œuvre entière) Lieu de conservation Paris, musée de l'Orangerie All over : Pratique artistique qui consiste à couvrir toute la surface d'un tableau sans hiérarchie de plans, à la différence d'une composition classique.

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L'influence de Giverny sur l'œuvre de Monet

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Grand jardinier, il aménage même un étang dans sa maison de Giverny pour servir de modèle à ses peintures. De là naissent ses fameux tableaux de la série des Nymphéas. C’est une œuvre hors norme : près de 30 années de travail, plus de 250 versions différentes, et même un musée rien que pour elles !

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Impression, Soleil Levant, Claude Monet (1872)  #histoiredelart #marmottan

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Monet est célèbre pour ses séries (les Meules, la Cathédrale de Rouen).

La consigne : Demandez-leur de diviser une nouvelle feuille en deux ou quatre cases. Ils doivent reproduire exactement le même paysage (très simple, juste une ligne d'horizon et une silhouette), mais en changeant radicalement la temporalité : une case "Aube brumeuse", une case "Plein soleil de midi", une case "Crépuscule d'orage".

L'apport : Ils comprennent que le sujet importe moins que la variation de la lumière. C'est un excellent point d'ancrage pour l'histoire des arts.

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COMPETENCES

La matérialité de la couleur : Superposer, estomper (ou non), et saturer le pigment avec le pastel sec.

Le geste et la touche : Traduire la lumière non pas par le contour, mais par la juxtaposition de touches colorées (le principe même de l'Impressionnisme).

Le statut de l'œuvre : Passer de l'imitation du réel à la capture d'une sensation lumineuse et éphémère.

VERBALISATION

Sur la technique : « Comment avez-vous réussi à rendre l'effet de la lumière ou du reflet dans l'eau avec le pastel ? En estompant au doigt ou en laissant la trace de la craie brute ? »

Objectif : Faire émerger le vocabulaire (touche, aplat, dégradé, fusion, vibration).

Sur le lien avec Monet : « En regardant vos travaux côte à côte, est-ce qu'on cherche à photographier fidèlement la réalité ou à traduire une atmosphère ? »

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Claude MONET, Impression soleil levant, 1872

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Impression, soleil levant (1872), Claude Monet. Le tableau qui a donné son nom au mouvement (souvent par moquerie des critiques de l'époque !).

Le mot-clé : La touche. Les impressionnistes peignent par petites touches juxtaposées pour que l'œil du spectateur recrée le mélange optique à distance.

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Installation of Kiki Smith's Constellation in the New Contemporary Art + Design Wing

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Exposition photos de Vivian Maier à la Maison des douanes à Saint-Palais-sur-Mer

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Dates clés de la vie de Frida Kahlo

1907 : Elle est née au Mexique

1913 : Elle contracte la polio à l'âge de 6 ans

1922 : Elle fréquente la prestigieuse National Preparatory School de Mexico

1925 : Elle est blessée dans un accident de bus et commence à peindre

1929 : Elle se marie avec l'artiste Diego Rivera

1939 : Elle divorce de Rivera et réalise son célèbre tableau Les deux Fridas

1940 : Elle se remarie avec Rivera

1941 : Elle réalise le tableau Moi et mes perroquets

1954 : Elle meurt

Frida Kahlo est non seulement l'une des rares femmes peintres mondialement célèbres mais elle aussi l'un des seuls artistes du Mexique connu à l'international. La Mexicaine, la boiteuse, la révolutionnaire, l'anticonformiste, la surréaliste... il existe tant d'adjectifs pour désigner cette artiste, libre avant tout, et singulière tant par son œuvre que par sa vie. Car la sienne est loin d'avoir été un long fleuve tranquille ! Frida a d'ailleurs été mise en lumière à de multiples reprises au travers de biographies d'artiste ou de films sur l'art. Mais connaissez-vous vraiment son histoire ? Artsper vous révèle 10 anecdotes marquantes dans la vie de cette artiste iconoclaste !

1. Frida Kahlo était mexicaine et d'origine espagnole

Magdalena Frida Carmen Kahlo Calderón, de son vrai nom, a vu le jour le 6 juillet 1907. Elle avait pour habitude de falsifier sa date de naissance, la reculant au 7 juillet 1910, année du début de la révolution mexicaine.

Frida est bien née à Mexico. Sa mère, Matilde Calderón y González, est issue d'une famille de généraux espagnols. Dans ses veines, du sang indien coule également. Son père, Carl Wilhelm Kahlo Kauffmann, est quant à lui, né en Allemagne. Contrairement à ce que prétendait Frida, il n'est pas de confession juive. Sa famille, luthérienne, faisait partie de la petite bourgeoise du Grand Duché de Bade. En arrivant en 1891 au Mexique, il prend le nom Guillermo Kahlo et s'installe comme photographe.

2. Elle n'a pas eu une enfance heureuse

Frida Kahlo naît après que sa mère ait perdu un fils. Dépressive, cette dernière la confie à une nourrice et fait preuve d'une grande froideur à l'égard de Frida.

L'atmosphère du foyer familial est particulièrement mélancolique. Outre des tensions entre ses parents et deux demi-sœurs envoyées au couvent, l'activité de son père est peu florissante durant la révolution mexicaine. Par ailleurs, la santé de la jeune Frida est fragile. Elle naît avec une spina bifida, déformant sa colonne vertébrale, et à l'âge de 6 ans, elle contracte la polio. À cause de cette grave maladie infectieuse, Frida Kahlo souffre de douleurs chroniques. De plus, sa jambe droite cesse de grandir ce qui provoque une malformation. La maladie l'isole également des autres enfants. Surnommée " Fria la coja ", signifiant " Frida la boiteuse ", elle ne peut se rendre à l'école.

Les premières années de sa scolarité sont tumultueuses. Intégrant une école allemande selon la volonté de son père, Frida y est rapidement exclue pour désobéissance. Cet épisode témoigne d'un caractère affirmé et téméraire dès son plus jeune âge. Inscrite ensuite dans une école professionnelle d'enseignantes, son séjour y est également de courte durée. Frida est retirée de l'institution lorsque ses parents découvrent qu'elle a été sexuellement abusée par l'une des institutrices.

3. Frida Kahlo a failli devenir médecin

Kahlo n'a pas toujours ambitionné de devenir peintre. Certes, son père lui transmet son goût pour les beaux-arts dès son plus jeune âge. Un ami de la famille, graveur, lui prodigue même quelques cours de dessin. Aussi, elle aide son père dans son activité professionnelle en retouchant, développant et colorisant les photographies. Néanmoins, Frida Kahlo considère l'art davantage comme un loisir.

À 16 ans, Frida fait partie des 35 premières filles à être acceptées à l'Escuela Nacional Preparatoria, sur un total de 2 000 étudiants. Il s'agit alors du meilleur établissement scolaire du Mexique ! Là-bas, elle montre un intérêt prononcé pour les sciences naturelles, aspirant à devenir médecin.

4. Un grave accident de bus est à l'origine de son infirmité... et de sa carrière

Le 17 septembre 1925, alors qu'elle rentre des cours, son bus percute un tramway. Cet accident scelle son destin. Si Frida survit, elle est néanmoins grièvement blessée. Sa cavité pelvienne est transpercée par une barre métallique, ce qui sera la cause de fausses couches systématiques. Elle souffre également de 11 fractures à la jambe droite. Son pied droit est complètement disloqué, tandis que son épaule est démise. Sa colonne vertébrale et son col du fémur sont, eux, brisés. Souffrant atrocement, Frida reste alitée plusieurs mois.

Au total, jusqu'à la fin de sa vie, elle subit 32 opérations chirurgicales et portera 28 corsets. De retour chez elle, Frida est contrainte de rester couchée. À cette période, elle écrit : " Je ne suis pas morte et j'ai une raison de vivre. Cette raison, c'est la peinture ". En effet, ses études de médecine étant compromises, sa famille l'encourage à peindre. Ils lui font fabriquer un chevalet spécial et un lit à baldaquin avec un miroir en guise de plafond. L'art devient l'exutoire de tous ses maux et le catalyseur de sa guérison. Frida débute une importante série d'autoportraits, son genre de prédilection.

5. Membre du parti communiste, Frida Kahlo est une figure pionnière du féminisme

Sous l'impulsion de la photographe Tina Modotti, Frida Kahlo s'inscrit en 1928 au Parti communiste mexicain. Elle n'a alors que 21 ans et se remet tout juste de son accident.

Néanmoins, son engagement pour la défense d'une justice sociale et la promotion de la culture mexicaine avait émergé à l'adolescence. En effet, l'Escuela Nacional Preparatoria faisait l'éloge de l'indigenismo. Cette idéologie nationaliste mettait en valeur l'héritage indigène du Mexique pour affirmer la supériorité du pays et rejeter la mentalité colonialiste occidentale. Ainsi, avec 9 autres de ses camarades féminines, Frida Kahlo avait constitué un groupe informel se faisant appeler " Cachuchas " (littéralement " casquettes de base-ball "). Rejetant les valeurs conservatives de la société mexicaine patriarcale et machiste, elles débattaient de politique et de littérature russe. Nombreuses d'entre elles sont d'ailleurs devenues des figures majeures de l'élite intellectuelle mexicaine.

Ainsi, au-delà de la lutte des classes, Frida Kahlo s'investit au sein du parti communiste pour l'émancipation et l'égalité des femmes. Elle devient donc une figure de proue des artistes féministes. Insoumise, contestataire et moderne, elle assume d'ailleurs sa bisexualité à une époque où peu de femmes l'osaient.

6. Elle forme avec Diego Rivera l'un des couples mythiques de l'histoire de l'art

L'année 1928 est aussi marquée par sa rencontre décisive avec le muraliste Diego Rivera. De 20 ans son aîné, il est également membre du parti communiste. Mettant son art au service du peuple en réalisant de grandes fresques commandées par le gouvernement, il est alors déjà pleinement reconnu. Leurs passions communes pour la peinture et la politique et leur admiration respective en font un couple d'artistes fusionnel.

Se mariant en 1929, leur relation sera tant passionnelle que destructrice. Frida confiera : " J'ai eu deux accidents graves dans ma vie. L'un à cause d'un bus, l'autre fut Diego. Diego fut de loin le pire ". En effet, Diego la trompe à plusieurs reprises... et elle en fait de-même en retour. En 1935, elle vit comme une véritable trahison la relation extraconjugale de son époux avec sa sœur. Quittant le domicile conjugal pendant plusieurs mois, leur amour reste cependant indéfectible. Frida met également à mal son mariage en ayant une liaison avec le révolutionnaire communiste Léon Trotski. En effet, en 1937, obtenant l'asile politique au Mexique, l'homme politique russe avait été hébergé dans leur maison. Divorçant en 1938, ils se remarient finalement en 1940, liés jusqu'à leur mort.

L'habitation dans laquelle ils résident durant leur premier mariage est représentative de leur relation. Constituée de deux bâtiments distincts, l'un bleu pour Frida, l'autre blanc et rose pour Diego, ils sont reliés par un pont. C'est la métaphore même de leur couple : indépendant, mais inéluctablement uni.

7. Elle n'est pas une peintre surréaliste

En visite à Mexico en 1938, le surréaliste André Breton découvre les œuvres de Frida Kahlo. Fasciné, il l'invite à Paris en 1939 pour qu'elle participe à une grande exposition sur le Mexique.

Cependant, aussi bien la ville que l'exposition lui déplaisent. L'événement est, d'après elle, une " fumerie ". Elle présentait une vision beaucoup trop caricaturale et pittoresque de sa nation. De plus, tous ses tableaux ne sont pas retenus et sa peinture est interprétée à tort. Frida Kahlo considère que : " Ce n'est pas juste. Je n'ai jamais peint de rêves. Ce que j'ai représenté était ma réalité ". En effet, pour elle, ses toiles sont avant tout autobiographiques. Incomprise, elle rejette ce groupe d'intellectuels méprisants et prétentieux. Au sujet des surréalistes, Frida écrit dans une lettre à Nickolas Murray : " Je préférerais m'asseoir par terre dans le marché de Toluca pour vendre des tortillas que d'avoir quoi que ce soit à voir avec ces connards d'artistes parisiens ".

Pourtant, cette visite en France annonce le début d'une reconnaissance internationale. Tandis que Picasso lui offre des boucles d'oreilles d'ivoire en forme de mains, la créatrice de mode Schiaparelli lui confectionne la robe Madame Rivera et le Louvre lui achète un autoportrait.

8. Ses œuvres constituent la biographie métaphorique de sa vie

Son œuvre est indissociable de sa vie. Dès le début de sa pratique artistique, alors qu'elle est immobilisée après son accident, Frida Kahlo prend pour sujet favori sa propre image. Elle dépeint sans pudeur ni concession ses souffrances morales et physiques. Parmi les plus célèbres, La colonne brisée (1944) révèle son corps meurtri par la succession d'opérations chirurgicales.

Au total, près de 70 autoportraits reflètent son histoire. Elle se représente naissant puis enfant, comme dans Ma nourrice et moi (1937), et parfois avec ses parents. Frida fait aussi le portrait de son couple et aborde ses fausses couches, telle que dans la toile L'Hôpital Henry Ford (1932).

Mais c'est davantage sa " mexicanité" qu'elle revendique dans les représentations d'elle-même. Elles révèlent sa profonde affection pour le patrimoine culturel de sa nation. De fait, Frida porte souvent la China poblana, robe traditionnelle, très colorée et agrémentée de broderies florales. Aussi, elle est fréquemment coiffée de tresses ou de chignons ornés de fleurs. Dans nombreux de ses tableaux, la culture mexicaine est symbolisée notamment par sa faune et sa flore. Perroquets et cactus sont intégrés à ses compositions, ainsi que d'autres éléments du folklore local (drapeaux, cadavres exquis...).

Enfin, son engagement politique transparaît aussi clairement dans plusieurs tableaux. Son Autoportrait avec Staline (1954) ou encore Le marxisme redonnera la santé aux malades (1954) en témoignent.

À la fin de sa vie, de nombreuses évocations de la mort sont perceptibles dans ses toiles.

9. Frida a vécu dans la douleur toute sa vie et ses dernières années furent un calvaire

Derrière son optimisme et une infaillible joie de vivre, Frida Kahlo endure en permanence des douleurs, du dos jusqu'aux pieds.

Son état de santé se dégrade particulièrement à partir de 1950. Elle est opérée de la colonne vertébrale à 7 reprises. Tandis que sa première exposition monographique est organisée en 1953, son médecin lui interdit de quitter son lit. Frida demande alors à ce que son lit soit déplacé jusqu'à la galerie où elle y fait une entrée triomphante, telle une reine sur son trône.

Peu de temps après, développant la gangrène à la suite d'une de ses interventions chirurgicales, elle est amputée de la jambe droite. Cet événement la fait sombrer dans une profonde dépression.

Finalement, en 1954, atteinte d'une pneumonie, elle décède quelques jours après son 47ème anniversaire. Elle écrit peu avant de décéder : " J'espère que la sortie sera joyeuse et j'espère ne jamais revenir ". Attendant la mort à bras ouverts, l'hypothèse d'un suicide n'est pas totalement exclue...

Selon ses vœux, elle est incinérée. Frida ne voulait pas être enterrée allongée, ayant trop souffert de cette position.

10. Frida Kahlo obtient une reconnaissance nationale de son vivant

Vivant longtemps dans l'ombre de son mari, son élection en 1942 pour siéger au Seminario de cultura mexicana témoigne de sa reconnaissance de la part des institutions publiques. Regroupant des personnalités reconnues du monde culturel, cette formation, créée par le gouvernement, a pour but de promouvoir la culture mexicaine au travers d'expositions, de conférences et de publications. Par la suite, en 1943, l'école des Beaux-Arts lui confie l'enseignement de la peinture à l'une de ses classes.

Son image étant marquée par son identité mexicaine, elle représente une figure nationale. En 2010, pour la création d'un nouveau billet de 500 pesos, la banque fédérale mexicaine choisit ainsi d'orner l'une des faces par son portrait, l'autre portant celui de Diego Rivera.Véritable icône dans l'histoire de l'art, elle devient également une icône politique dans les années 1990, pour le Chicano movement, un mouvement luttant pour la défense des droits civils des Mexicano-Américains.

À retenir...

Plus que d'être une artiste, Frida Kahlo est un symbole. Effigie du Mexique, elle l'est surtout pour les femmes. Sa force de caractère et son indépendance en font un emblème pour les mouvements féministes et LGBT.

Ayant inspiré de nombreux artistes, sa figure a été également ré-exploitée commercialement. Imprimée sur des posters, tasses, tee-shirts et autres goodies, elle est, malgré elle, devenue une icône de la pop culture et du street-art. À n'en pas douter, l'anticapitaliste qu'elle était doit se retourner dans sa tombe en assistant au détournement de son œuvre et de son image ! Mais elle serait sûrement rassurée de voir que son influence, aussi bien artistique que politique, n'a pas perdu de sa vigueur.

Expositions clés de Kahlo

1938 : Première exposition personnelle à la galerie Julien Levy, à New York

1939 : Kahlo se rend à Paris pour exposer ses œuvres

1940 : International Exhibition of Surrealism à la Galeria de Arte de Mexico

1953 : Première exposition personnelle au Mexique

1958 : Création du Museo Frida Kahlo à Mexico

1978 : Deux premières rétrospectives de l'œuvre de Kahlo au Palacio de Bellas Artes de Mexico et au Museum of Contemporary Art de Chicago

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10 choses à savoir sur Frida Kahlo - Magazine Artsper

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Frida Kahlo est l'une des rares femmes peintres mondialement célèbres. Artsper vous révèle 10 anecdotes marquantes dans sa vie !

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Rogier van der Weyden, Le Jugement dernier, 1443-1452

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Le Jugement dernier est un retable sous la forme d'un polyptyque en quinze panneaux du peintre Rogier de le Pasture dit Rogier van der Weyden (Tournai), appartenant au mouvement des primitifs flamands, peint entre 1443 et 1452.

À l'intérieur, la représentation du Jour du jugement, si elle fait appel à la tradition iconographique de ce thème chrétien populaire à la fin du Moyen Âge et à la Renaissance.

Le Jugement dernier est une grande œuvre réalisée entre 1443 et 1452 par Rogier van der Weyden, un peintre flamand du XVe siècle.

Que représente l’œuvre ?
Elle montre le moment du Jugement dernier (dans la religion chrétienne), où les morts sont jugés :

au centre, le Christ décide du sort des humains

à gauche, les élus montent vers le paradis

à droite, les damnés sont envoyés en enfer

Comment est organisée l’image ?

L’œuvre est un polyptyque (plusieurs panneaux)

La composition est très symétrique et ordonnée

Les personnages sont nombreux, très détaillés et expressifs

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DESSIN D'APRES NATURE

1. Taille réelle / papier millimétré / crayon de bois

2. Agrandissement / format A4 / crayon de couleur ou stylo de couleur

3. Rétrécissement / petit format / couleurs + fluo ou crayon rouge-bleu

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Zanele Muholi – Faces and Phases (depuis 2006)

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Zanele Muholi – Faces and Phases (depuis 2006)

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Dans ce projet photographique, Zanele Muholi présente souvent des portraits mis en relation, parfois en diptyques.

Les images montrent des personnes photographiées frontalement, avec des expressions fortes et directes.

Le diptyque permet :

de comparer deux visages

de montrer des ressemblances ou des différences

de créer un dialogue entre deux identités

de questionner le regard du spectateur

Le diptyque devient un outil pour parler d’identité, de représentation et de regard.

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Jan van Eyck – Diptyque de l’Annonciation (vers 1433–1435)

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Jan van Eyck – Diptyque de l’Annonciation (vers 1433–1435)

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À l’origine, le diptyque est très utilisé au Moyen Âge et à la Renaissance :
deux panneaux articulés (souvent religieux) qui se ferment comme un livre.

Ce diptyque est composé de deux panneaux qui représentent la scène religieuse de l’Annonciation :

sur un panneau, l’ange Gabriel

sur l’autre, la Vierge Marie

Les deux figures sont séparées physiquement (chacune sur son panneau), mais elles se font face.

Le diptyque crée donc un dialogue visuel : le regard et les gestes relient les deux parties.

Le fait que l’œuvre soit en deux volets rappelle aussi un objet intime que l’on peut fermer comme un livre. Cela renforce l’idée de recueillement et de spiritualité.

Les deux images sont séparées, mais elles sont pensées ensemble.

C’est la relation entre les deux parties qui crée le sens.

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Œuvre composée de deux panneaux représentant le visage de Marilyn Monroe.

Ce diptyque est une sérigraphie à l'acrylique sur toile. Il contient 50 images de l'actrice américaine Marilyn Monroe, toutes basées sur la même photographie publicitaire pour le film Niagara (1953).

À gauche : Le 25 portraits de couleurs vives représentent la vie de Marilyn.

À droite : Les 25 portraits en noir et blanc et qui s’effacent progressivement représentent la fin de sa vie jusqu'à sa mort.

Monroe meurt le 5 août 1962. Warhol décide de peindre le Diptyque Marilyn quelques semaines après la mort de Monroe. Il trouvait en elle une fusion de deux thèmes constants : la mort et le culte de la célébrité. En recopiant la même image plusieurs fois, il évoque sa présence dans les médias.

Intérêt pédagogique : contraste couleur / disparition, réflexion sur la célébrité et la mort.
Les deux parties dialoguent et créent un sens plus fort ensemble.

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3. DIPTYQUES / ENCRE + CRAYONS DE COULEURS

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3. DIPTYQUES / ENCRE + CRAYONS DE COULEURS

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DIPTYQUES : Ouvrage peint ou sculpté sur un support constitué de deux panneaux qui peuvent se rabattre l'un sur l'autre. Ensemble formé de deux composantes.

TRAVAIL

Dans vos expérimentations à l'encre, sélectionnez 2 morceaux qui vous intéressent. Vous prélèverez ces morceaux en découpant des cadres de formes géométriques (carré ou cercle).

Vous produirez une image complémentaire, de manière graphique, à ce morceau d'encre afin de créer des dytiques.

Technique : graphique

Outils : crayons de couleurs

Temps : 1 séance

Critères d'évaluation

1. Représentation : diptyques abstraits et cohérents

2. Technique : graphisme adapté

3. Mise en page : prélèvements et composition

1. Mon diptyque est cohérent /4

2. Mon graphisme est adapté et appliqué /4

3. Mes prélèvements (découpages carrés ou circulaires) bien faits /2

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ANALYSE OEUVRE A4 format paysage comparaison-5

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PROJET PERSONNEL

Ce travail représente votre année 2025.

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Richard MCGUIRE, Peur(s) du noir, court métrage d' animation, 2008

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PEUR DU NOIR

TRAVAIL

Votre image nous plonge dans le noir.

Elle raconte une histoire...qui fait peur.

CLAIR-OBSCUR : Nuances de lumière contrastant avec un fond sombre. Lumière tamisée, diffuse, crépusculaire. Atmosphère propre à la rêverie.

Objectifs

Plonger une image dans le noir en appliquant la technique du clair-obscur en collage et raconter une histoire qui fait peur.

Technique : collage

Support : papier A4 noir

Temps : 1 séance + 1/2

Critères d'évaluation

1. Clair-obscur : lisibilité d'une image en noir et blanc

2. Narration : compréhension d'une histoire qui fait peur

3. Technique : application et détails

# data[].attributes.attachment_caption
Richard MCGUIRE, Peur(s) du noir, version complète

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Peur(s) du noir est un film d'animation français sorti le 13 février 2008, composé d'un ensemble de courts-métrages traitant de la peur du noir.

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Kevin Lucbert, dessin au stylo à bille noir

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OBSERVATION

Quels éléments identifiez-vous?
Qu'est ce qui les oppose si nettement?
Comment a été utilisé le stylo à bille?
Qu'est-ce qui apporte de la lumière?

CONTRASTE : Opposition entre deux ou plusieurs choses, mise en évidence et soulignée par leur rapprochement, leur mise en relation.

RÉSERVE : Toute partie, dans un dessin, une peinture ou une gravure, sur laquelle il n'existe pas d'application. partie laissée en blanc dans un fond.

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L’héritage sneakers : l’évolution de la Nike Air Mag

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Découvre tout ce que tu as toujours voulu savoir sur les origines de la chaussure Nike du futur.

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En 1989, Universal Pictures a sorti un film de science-fiction , Retour vers le futur, mettant en vedette Michael J. Fox, qui a connu un grand succès. Dans ce film, le personnage principal porte une paire de sneakers à laçage automatique : la Nike Mag.

TRAVAIL

1. Modifiez votre dessin de sneaker afin de créer un modèle unique et futuriste. Ajoutez des détails, des couleurs, des effets de texture etc...

2. Nommez votre modèle.

3. Créez un slogan pour faire de votre travail une publicité. Attention à la typographie.

SLOGAN : Une phrase courte et percutante qui interpelle.

Critères d'évaluation

1. Qualités graphiques

2. Ajout d'éléments uniques et futuristes

3. Slogan

Technique : graphique

Outils : graphiques

Temps : 1 séance

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L’Histoire des Sneakers

Les sneakers, ce sont des chaussures de sport que l’on porte aujourd’hui dans la vie de tous les jours. Elles sont devenues un objet de mode, parfois même de collection.

1. Les débuts (fin 19e – début 20e siècle)

À la fin du 19e siècle, on invente les premières chaussures avec semelles en caoutchouc : elles ne font pas de bruit → on les appelle “sneakers” (de to sneak = se faufiler).

Au départ, ce sont des chaussures pour faire du sport : tennis, basket, course.

2. Les grandes marques se développent (années 1920-1960)

Converse lance la Chuck Taylor en 1917 : la première vraie basket populaire.

Adidas et Puma sont créées en Allemagne par deux frères qui se sont disputés.

Les sneakers sont encore surtout liées au sport.

3. Les sneakers deviennent un style (années 1970-1980)

Avec le hip-hop et le breakdance à New York, les jeunes commencent à porter leurs baskets dans la rue.

Nike devient célèbre grâce à Michael Jordan → La chaussure Air Jordan (1984) devient un symbole de mode.

4. Les sneakers aujourd’hui

Les sneakers sont portées par tout le monde, dans toutes les situations.

Certaines sont très chères et collectionnées (on appelle cela le “sneaker game”).

Les marques font des collaborations avec des artistes, des rappeurs, des designers.

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L'histoire des Sneakers en NBA : Evolution, Culture et Performance

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« Air » sur Prime video : comment Nike a raflé des milliards en misant sur Michael Jordan

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Infographie : l’évolution des sneakers de 1917 à nos jours

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Trouvez les oeuvres de ces artistes femmes. 8 femmes artistes

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par ilots 8 oeuvres à attribuer aux bonnes artistes

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MICHEL-ANGE, La Création d'Adam, fresque, 1508-1512

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La Création d'Adam est l'une des neuf fresques inspirées du livre de la Genèse, peintes par Michel-Ange sur la partie centrale de la voûte du plafond de la chapelle Sixtine, dans les musées du Vatican à Rome, commandée par le pape Jules II.

La Création d'Adam est une illustration du texte biblique du livre de la Genèse : 1, 26-27 : « Dieu créa l'homme à son image, à l'image de Dieu il le créa »[1]. L’œuvre est particulièrement célèbre par le détail dans lequel l'indexde Dieu, rejoignant celui d'Adam sans le toucher, donne vie à l'Homme.

Par sa force symbolique et esthétique, le geste liant Adam à Dieu est devenu l'une des références les plus célèbres du monde de l'art occidental.

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Mario Irarrázabal, La Main du désert (Mano del Desierto), sculpture de 11 mètres de haut, structure en fer et ciment, désert d'Atacama, Chili, 1992.

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HUANG YONG PING - Empires - Monumenta 2016

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Monumenta est une exposition d'art contemporain qui se tient dans la nef du Grand Palais.

Confrontation sans équivalent dans le monde, MONUMENTA invite chaque année un artiste d’envergure internationale à investir les 13 500 m² et les 35 mètres de hauteur de la Nef du Grand Palais, avec une œuvre inédite, conçue spécialement pour cet espace.

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La sculpture Le Léviathan d’Anish Kapoor établit un dialogue permanent avec l’espace, la matière ou la couleur tout en déjouant radicalement les règles et les lois matérielles. L’œuvre habite ainsi un lieu géographiquement décalé qu’il nomme « l’entre deux », jouant de toutes les identités et de tous les contrastes pour esquiver tout enfermement.

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Empires est une installation géante spécialement conçue pour Monumenta.

Cette architecture de couleurs forme un paysage de huit collines de conteneurs, d’un serpent métallique soutenu par une grue et d’un bicorne posé sur une arche, directement inspiré de celui porté par Napoléon.

La mondialisation est évoquée par les conteneurs qui viennent des grands ports mondiaux témoignent de l’ampleur des transports maritimes et des échanges commerciaux.

Le chapeau évoque la volonté du pouvoir qui anime le monde, industriels, politiques, militaires, tyrans désirant tous porter ce couvre-chef.

Le reptile qui glisse sur les conteneurs, gueule ouverte, semble menacer l’ambition de ces puissants. Il incarne le caractère infini de ce cycle de gloire et de destruction.

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Pour MONUMENTA 2012, Daniel Buren plonge les visiteurs au cœur d'un Grand Palais métamorphosé. Leur parcours dans l’espace les fera participer activement au déploiement et à l'activation plastique et spatiale de l'œuvre Excentrique(s) - Travail in situ.

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D’une longueur totale de 254 mètres de long, il est composé de 316 vertèbres et de 56 côtes en fonderie d’aluminium (alu AS 13) assemblées autour d’un tube centrale et répartis sur 28 poteaux en acier.