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el dibujo se relacionaba con el hombre siendo este el centro de todo
la naturaleza ,el amor y la mitología clasica

https://grupenciclopedia.cat/blog/es/temas-del-renacimiento/
Alejandra Contreras Najera

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dibujaban los objetos, personas o animales de la vida real, como también de su imaginación. Otra fuente lo constituyeron las obras de literaturas sagradas, los autores griegos, romanos, árabes.

Antonio Moises Che Najera

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Las características más importantes de la pintura renacentista son: Búsqueda de la perspectiva. Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato. Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo.

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Las características más importantes de la pintura renacentista son: Búsqueda de la perspectiva. Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato. Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo.

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Antonio Moises Che Najera

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El dibujo renacentosta. El dibujo renancentista buscaba efectos pictoricos realista a traves de la representacion de formas fragmentadas, luces,sombras, y una concentracion en la atmosfera sobre detalles precisos
Antonio Moises Che Najera

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ALEJANDRA YADALID CONTRERAS NAJERA

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El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron dos temas integrados por los artistas de la época.
Alejandra Contreras Najera
https://www.ttamayo.com/2020/01/dibujo-renacentista-guia-paso-a-paso/

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El dibujo renacentista es el nacimiento de mucho de lo que hoy conocemos como dibujo. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. Hasta ese momento el dibujo era más bien considerado una herramienta de la pintura, sin valor como forma de arte completa. Pero el renacimiento transformó la percepción que se tenía del mismo para siempre.

El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista una herramienta basta y rica. Los grandes maestros renacentistas encontraron en el dibujo una herramienta ideal para investigar y registrar con detalle el mundo, tarea que era uno de los grandes intereses que trajo consigo el espíritu científico del renacimiento.

El dibujo renacentista

El Dibujo Renacentista buscaba efectos pictóricos realistas a través de la representación de formas fragmentadas, luces, sombras, y una concentración en la atmósfera sobre detalles precisos.

Los materiales más comúnmente utilizados por los artistas de la época eran la tiza, la tinta, el carboncillo, las gredas y pergamino o papel de colores como el azul, el marrón y el rosa. La elección de dichos materiales dependía principalmente del tipo de dibujo y de la finalidad del mismo.

Si estás interesado en el arte renacentista y especialmente en el dibujo de este maravilloso estilo, entonces te invito a continuar leyendo este artículo, en el cual te hablaré de las características, los materiales, las técnicas y los principales exponentes de esta expresión artística. También te mostraré paso a paso cómo crear tu propio dibujo renacentista.

El Dibujo: Padre de todas las Artes

A finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a usar el dibujo cada vez más en la exploración de sus ideas para el diseño de pinturas y esculturas. Ya no utilizaban el dibujo solamente con intención de copiar o grabar otras obras de arte terminadas. El dibujo exploratorio ofrecía al artista la oportunidad de plasmar creativamente una visión vívida e íntima en el papel.

La era del arte renacentista en Italia abarca el Renacimiento Temprano (c.1400-90), el Alto Renacimiento (c.1490-1530) y el Manierismo (c.1520-1600). Durante dicha época se crearon algunos de los mejores dibujos de la historia del arte.

Según Giorgio Vasari, el famoso pintor florentino e historiador de arte, "el dibujo es el padre de todas las bellas artes". Sus comentarios llegaron al final del vigoroso debate intelectual que se había desatado en Florencia desde fines del siglo XV hasta mediados del siglo XVI. Este debate versaba sobre si la escultura o la pintura eran la forma de arte superior. Vasari expresó el eventual consenso de que dibujar era la base de ambas disciplinas.

El dibujo renacentista según Cennino Cennini

Cennino Cennini fue un pintor gótico tardío italiano. Es conocido principalmente por su Libro dell'Arte escrito a finales del siglo XIV. Dicho libro es considerado el primer tratado técnico sobre pintura escrito por un pintor. En sus páginas se recogen a modo de recetas los procedimientos sobre la técnica del temple, el dibujo, el fresco y la preparación de aceites y pigmentos. Además se daban pautas para representar las telas, los tonos de piel, el cabello o el agua, concibiendo el oficio de pintor como una tarea mecánica.

Para Cennino Cennini el dibujo puede realizarse sobre papel utilizando dos materiales diferentes: grafito o tinta. Para un dibujo con grafito se debía comenzar con trazos en el papel tan ligeros que apenas pudieras distinguir los trazos que estás haciendo. Luego, poco a poco fortaleces los trazos, retrocediendo varias veces para producir las sombras; destacando que cuanto más oscuro quieras hacer las sombras, más veces deberás regresar para trazar más líneas en lugar de oscurecerlas al principio.

Por otro lado, para un dibujo realizado con tinta se debe tomar tanta agua contenga una cáscara de nuez y colocar dos gotas de tinta. Posteriormente se procede a humedecer un pincel seco en la mezcla preparada. Finalmente, con movimientos ligeros se traza la forma del dibujo que se quiere realizar y se sombrean las áreas necesarias con varias trazas del pincel.

Características del Dibujo Renacentista y sus usos durante la época

Los primeros Dibujos Renacentistas se caracterizaron por ser bocetos rápidos, generalmente en pluma y tinta, en los que los artistas formularon ideas generales en lugar de centrarse en los detalles.

El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron dos temas integrados por los artistas de la época. Dicha integración generó como resultado el estudio de las figuras de los modelos vivientes en un diseño resumido de figuras geométricas y estructuras.

Los artistas también realizaron dibujos animados a gran escala. Estos fueron especialmente necesarios en la pintura al fresco (en yeso húmedo). Esto se debía a que el medio del fresco les exigía que pintaran rápidamente un parche de yeso por día, antes de que el yeso húmedo se secara.

Por otra parte, a finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a elaborar los detalles de los encargos para sus obras con sus posibles clientes mediante la redacción de contratos legalmente vinculantes. Dichos contratos incluían un dibujo modelado con pluma y tinta, así como un documento adjunto para explicar los detalles del diseño. También fueron producidos una serie de dibujos como piezas de demostración para la aprobación del cliente y para el uso del taller.

Otros materiales de dibujo utilizados durante el periodo Renacentista

Gracias al Libro dell'Arte de Cennino Cennini, así como a Della Pittura de Leon Battista Alberti y los comentarios de Lorenzo Ghiberti, publicados en la década de 1430, se tiene una idea razonable de los materiales y métodos de dibujo utilizados por los dibujantes del Renacimiento. Los detallo a continuación:

Los soportes del dibujo renacentista incluyeron una gama de tabletas reutilizables. Por ejemplo: tabletas de madera borrables con una capa de hueso molido mezclado con saliva, pergamino (vitela) hecho de piel de cabra/cerdo/ternera empapada en cal, papel a menudo teñido, lino y lienzo.

Los instrumentos de dibujo renacentista como lápiz, punta de metal y bolígrafo generalmente se clasificaban como medios de línea fina. Por otro lado, están los medios de línea ancha como el carbón y las tizas. Un dibujo renacentista de tiza generalmente se ejecutaba con tizas negras o rojas. La tiza era particularmente popular debido a sus cualidades de difuminado y mezcla que permitieron al artista crear una amplia gama de variaciones tonales.

Los dibujos al carbón también eran bastante comunes, sin embargo han sobrevivido menos, ya que el carbón es demasiado fácil de borrar.

Los dibujos en medios de líneas finas y anchas a menudo se realzaron con blanco para acentuar las áreas de iluminación más brillantes y mejorar el efecto 3D del modelado. El aumento se lograba realizar de tres maneras: con tiza blanca, con pigmento húmedo (por ejemplo gouache de plomo blanco) aplicado con brocha o simplemente dejando el soporte en blanco.

Pasos del Dibujo Renacentista

Siguiendo los consejos dictados por Cennino Cennini a continuación detallo una serie de pasos y recomendaciones para que puedas ser capaz de aplicar métodos de dibujo empleados por los artistas renacentistas:

Primer paso: Trazos ligeros

Encuentra un lugar para dibujar donde la luz se difunda y haga que el sol caiga en el lado opuesto a la mano con la que vas a dibujar.

Prepara un papel con un fondo de color que no sea blanco y preferentemente agrisado.

Si quieres dibujar de manera fiel al renacimiento selecciona un lápiz de metal delgado, liso y con punta plateada. Habitualmente se utilizaban puntas de plata u otros metales fácilmente oxidables.

Impregna de cal mezclada con saliva tu lienzo para que tu punta de metal pinte.

Comienza copiando temas simples. De esta manera podrás practicar y acostumbrar tanto tus manos como tus ojos a este tipo de técnica.

Traza las primeras marcas o líneas los más ligeramente que puedas, de modo que apenas puedan verse. Como se muestra en los trazos generales del siguiente dibujo de Miguel Angel.

Segundo Paso: Cómo lograr el efecto de claroscuro

Fortalece los trazos de sombra poco a poco retrocediendo muchas veces sobre los mismos sitios para producir las sombras acorde a la cantidad de luz u obscuridad de la zona especifica que estés trabajando.

Conforme vayas adquiriendo dominio del claroscuro en tus dibujos cada vez regresaras menos a las áreas que ya trabajaste previamente.

De hecho en periodos del renacimiento posteriores a la época de Cennino Cennini muchos artistas optaron por trabajar las sombras directo con aguadas de tinta que eran colocadas en un solo trazo, con la obscuridad correcta y en el lugar correcto en la primera aplicación. Posteriormente colocaban acentos de sombra en donde fuera necesario y luego acentos de luces. Puedes apreciar algunas muestras de esto en las siguientes imágenes:

Tercer paso: acentos de luces y sombras

Ya que tengas los volúmenes generales de la imagen toca acentuar las areas de luz y sombra más intensas.

En cuanto a las luces generalmente eran acentuadas utilizando la punta de un pincel delgado y puntiagudo con pintura de blanco de plomo (Albayalde).

Las sombras generalmente eran acentuadas con pincel delgado o plumas delgadas. Sin embargo también encontramos el uso de gredas, lapices de metal y otros. Todo dependía de la preferencia del artista y la finalidad del medio.

Famosos maestros del dibujo renacentista

Su legado artístico más abundante son los dibujos. Están enfocados principalmente en el estudio de la anatomía humana y animal, las proporciones del cuerpo, los signos de envejecimiento y enfermedad, y la expresión facial y corporal de las emociones. También se conservan retratos caricaturescos, estudios de jóvenes de perfil griego y bocetos preparatorios de sus obras.

El Hombre de Vitruvio es un dibujo renacentista de fama mundial con notas adjuntas creadas por Leonardo da Vinci. Representa a una figura masculina desnuda en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y un cuadrado. A veces denominado Canon de proporciones, se creó como un estudio de las proporciones del cuerpo humano (masculino) según lo descrito por el arquitecto romano Vitruvio (c.78-10 AEC).

A lo largo de su carrera, Miguel Ángel prefirió crear esculturas en lugar de pinturas. Sin embargo, en su vejez dijo que pensaba que era más importante crear un gran arte en lugar de discutir lo que constituía un gran arte.

Miguel Ángel pasó la mayor parte de su vida estudiando la forma humana y estaba obsesionado con que el cuerpo era una representación física del alma.

Miguel Ángel utilizó su conocimiento avanzado del cuerpo humano para crear sus desnudos. Le gustaban los temas religiosos y se centró en la imagen de Cristo en muchos de sus dibujos, dibujando con frecuencia las mismas imágenes intensificando cada vez más las emociones expresadas en ellas.

Miguel Ángel tenía buen ojo para la luz y la sombra y comprendió que pueden representar el volumen y la forma tanto en una escultura como en una pintura. Así creó muchas esculturas independientes. Mientras que Leonardo da Vinci pintó sus figuras con ejes rectos y líneas, Miguel Ángel estaba más inclinado a introducir curvas y diagonales.

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra se caracteriza por la claridad de la forma, su habilidad en la composición y el logro visual del ideal neoplatónico de la grandeza humana.

Entre sus dibujos más representativos se encuentra Cabezas de la virgen y el niño (1504-1508). Este dibujo presenta líneas muy delgadas, áreas con un valor claro y puntos luminosos con gran parte del papel expuesto. Por otro lado el sombreado es logrado con la superposición estrecha de muchas líneas paralelas entre sí creando la ilusión de un valor más oscuro.

Sandro Botticelli fue un pintor italiano de la época del renacimiento temprano. Contribuyó a los frescos de la Capilla Sixtina y pintó El nacimiento de Venus (1485-1486). También es reconocido por sus dibujos.

Allegory of Abundance (1480-1485) es uno de los dibujos más elaborados y bellos del pintor florentino Boticelli. Se cree que la figura femenina representa la Abundancia u Otoño debido a la cornucopia que lleva en su mano derecha, de la que caen las flores y frutas. Otras figuras representadas son: A su izquierda, tres niños los cuales llevan más fruta y a su derecha dos niños más, dibujados ligeramente con tiza negra, que la ayudan a sostener el cuerno.

Este dibujo de Boticelli fue trabajado con un tono de fondo cálido establecido frotando tiza roja en el papel. Los contornos fueron dibujados con tiza negra y luego con tinta marrón, mientras que las formas se modelaron mediante la eclosión y el uso moderado del lavado marrón.

Verrocchio fue escultor y pintor, y su habilidad al representar la forma tridimensional es evidente en Head of a Girl (Hacia 1475), donde el cuidadoso sombreado crea una sensación de volumen. El cabello de la modelo fue dibujado de forma fina y tenue en trazos rápidos y delgados. Este dibujo es un ejemplo perfecto de la versatilidad de la tiza como medio para artistas hábiles a fines del siglo XV. Verrochio utilizó la tiza negra de manera sutil para sugerir las sombras suaves en sus mejillas, mientras que retocó sutilmente con la tiza blanca detalles de nariz, párpados, boca y mentón.

Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio fue un pintor cuatrocentista italiano. Si bien es conocido por sus pinturas y frescos, los dibujos también forman parte de su expresión artística.

Entre sus dibujos famosos se encuentra Study (1486) como boceto para un fresco. En dicho dibujo se observa una única figura en el fresco que transmite sensación de movimiento. Este dibujo es sobre una sirviente que vierte agua en un recipiente de latón. Ghirlandaio se preparó para la pintura dibujando este detallado estudio individual. La trama cruzada y los contornos fuertes tan típicos del estilo de dibujo de Ghirlandaio son claramente reconocibles.

Otro temas relacionados con el dibujo renacentista que podrían interesarte son:
La luz en el dibujo Las Técnicas de dibujo de Rembrandt Dibujo tridimensional

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Dibujo renacentista: guía paso a paso - ttamayo.com

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El dibujo renacentista es el nacimiento de mucho de lo que hoy conocemos como dibujo. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma.

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El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista.
Alejandra Contreras Najera
https://www.ttamayo.com/2020/01/dibujo-renacentista-guia-paso-a-paso/

Alejandra Yadalid Contreras Najera

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El dibujo renacentista es el nacimiento de mucho de lo que hoy conocemos como dibujo. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. Hasta ese momento el dibujo era más bien considerado una herramienta de la pintura, sin valor como forma de arte completa. Pero el renacimiento transformó la percepción que se tenía del mismo para siempre.

El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista una herramienta basta y rica. Los grandes maestros renacentistas encontraron en el dibujo una herramienta ideal para investigar y registrar con detalle el mundo, tarea que era uno de los grandes intereses que trajo consigo el espíritu científico del renacimiento.

El dibujo renacentista

El Dibujo Renacentista buscaba efectos pictóricos realistas a través de la representación de formas fragmentadas, luces, sombras, y una concentración en la atmósfera sobre detalles precisos.

Los materiales más comúnmente utilizados por los artistas de la época eran la tiza, la tinta, el carboncillo, las gredas y pergamino o papel de colores como el azul, el marrón y el rosa. La elección de dichos materiales dependía principalmente del tipo de dibujo y de la finalidad del mismo.

Si estás interesado en el arte renacentista y especialmente en el dibujo de este maravilloso estilo, entonces te invito a continuar leyendo este artículo, en el cual te hablaré de las características, los materiales, las técnicas y los principales exponentes de esta expresión artística. También te mostraré paso a paso cómo crear tu propio dibujo renacentista.

El Dibujo: Padre de todas las Artes

A finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a usar el dibujo cada vez más en la exploración de sus ideas para el diseño de pinturas y esculturas. Ya no utilizaban el dibujo solamente con intención de copiar o grabar otras obras de arte terminadas. El dibujo exploratorio ofrecía al artista la oportunidad de plasmar creativamente una visión vívida e íntima en el papel.

La era del arte renacentista en Italia abarca el Renacimiento Temprano (c.1400-90), el Alto Renacimiento (c.1490-1530) y el Manierismo (c.1520-1600). Durante dicha época se crearon algunos de los mejores dibujos de la historia del arte.

Según Giorgio Vasari, el famoso pintor florentino e historiador de arte, "el dibujo es el padre de todas las bellas artes". Sus comentarios llegaron al final del vigoroso debate intelectual que se había desatado en Florencia desde fines del siglo XV hasta mediados del siglo XVI. Este debate versaba sobre si la escultura o la pintura eran la forma de arte superior. Vasari expresó el eventual consenso de que dibujar era la base de ambas disciplinas.

El dibujo renacentista según Cennino Cennini

Cennino Cennini fue un pintor gótico tardío italiano. Es conocido principalmente por su Libro dell'Arte escrito a finales del siglo XIV. Dicho libro es considerado el primer tratado técnico sobre pintura escrito por un pintor. En sus páginas se recogen a modo de recetas los procedimientos sobre la técnica del temple, el dibujo, el fresco y la preparación de aceites y pigmentos. Además se daban pautas para representar las telas, los tonos de piel, el cabello o el agua, concibiendo el oficio de pintor como una tarea mecánica.

Para Cennino Cennini el dibujo puede realizarse sobre papel utilizando dos materiales diferentes: grafito o tinta. Para un dibujo con grafito se debía comenzar con trazos en el papel tan ligeros que apenas pudieras distinguir los trazos que estás haciendo. Luego, poco a poco fortaleces los trazos, retrocediendo varias veces para producir las sombras; destacando que cuanto más oscuro quieras hacer las sombras, más veces deberás regresar para trazar más líneas en lugar de oscurecerlas al principio.

Por otro lado, para un dibujo realizado con tinta se debe tomar tanta agua contenga una cáscara de nuez y colocar dos gotas de tinta. Posteriormente se procede a humedecer un pincel seco en la mezcla preparada. Finalmente, con movimientos ligeros se traza la forma del dibujo que se quiere realizar y se sombrean las áreas necesarias con varias trazas del pincel.

Características del Dibujo Renacentista y sus usos durante la época

Los primeros Dibujos Renacentistas se caracterizaron por ser bocetos rápidos, generalmente en pluma y tinta, en los que los artistas formularon ideas generales en lugar de centrarse en los detalles.

El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron dos temas integrados por los artistas de la época. Dicha integración generó como resultado el estudio de las figuras de los modelos vivientes en un diseño resumido de figuras geométricas y estructuras.

Los artistas también realizaron dibujos animados a gran escala. Estos fueron especialmente necesarios en la pintura al fresco (en yeso húmedo). Esto se debía a que el medio del fresco les exigía que pintaran rápidamente un parche de yeso por día, antes de que el yeso húmedo se secara.

Por otra parte, a finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a elaborar los detalles de los encargos para sus obras con sus posibles clientes mediante la redacción de contratos legalmente vinculantes. Dichos contratos incluían un dibujo modelado con pluma y tinta, así como un documento adjunto para explicar los detalles del diseño. También fueron producidos una serie de dibujos como piezas de demostración para la aprobación del cliente y para el uso del taller.

Otros materiales de dibujo utilizados durante el periodo Renacentista

Gracias al Libro dell'Arte de Cennino Cennini, así como a Della Pittura de Leon Battista Alberti y los comentarios de Lorenzo Ghiberti, publicados en la década de 1430, se tiene una idea razonable de los materiales y métodos de dibujo utilizados por los dibujantes del Renacimiento. Los detallo a continuación:

Los soportes del dibujo renacentista incluyeron una gama de tabletas reutilizables. Por ejemplo: tabletas de madera borrables con una capa de hueso molido mezclado con saliva, pergamino (vitela) hecho de piel de cabra/cerdo/ternera empapada en cal, papel a menudo teñido, lino y lienzo.

Los instrumentos de dibujo renacentista como lápiz, punta de metal y bolígrafo generalmente se clasificaban como medios de línea fina. Por otro lado, están los medios de línea ancha como el carbón y las tizas. Un dibujo renacentista de tiza generalmente se ejecutaba con tizas negras o rojas. La tiza era particularmente popular debido a sus cualidades de difuminado y mezcla que permitieron al artista crear una amplia gama de variaciones tonales.

Los dibujos al carbón también eran bastante comunes, sin embargo han sobrevivido menos, ya que el carbón es demasiado fácil de borrar.

Los dibujos en medios de líneas finas y anchas a menudo se realzaron con blanco para acentuar las áreas de iluminación más brillantes y mejorar el efecto 3D del modelado. El aumento se lograba realizar de tres maneras: con tiza blanca, con pigmento húmedo (por ejemplo gouache de plomo blanco) aplicado con brocha o simplemente dejando el soporte en blanco.

Pasos del Dibujo Renacentista

Siguiendo los consejos dictados por Cennino Cennini a continuación detallo una serie de pasos y recomendaciones para que puedas ser capaz de aplicar métodos de dibujo empleados por los artistas renacentistas:

Primer paso: Trazos ligeros

Encuentra un lugar para dibujar donde la luz se difunda y haga que el sol caiga en el lado opuesto a la mano con la que vas a dibujar.

Prepara un papel con un fondo de color que no sea blanco y preferentemente agrisado.

Si quieres dibujar de manera fiel al renacimiento selecciona un lápiz de metal delgado, liso y con punta plateada. Habitualmente se utilizaban puntas de plata u otros metales fácilmente oxidables.

Impregna de cal mezclada con saliva tu lienzo para que tu punta de metal pinte.

Comienza copiando temas simples. De esta manera podrás practicar y acostumbrar tanto tus manos como tus ojos a este tipo de técnica.

Traza las primeras marcas o líneas los más ligeramente que puedas, de modo que apenas puedan verse. Como se muestra en los trazos generales del siguiente dibujo de Miguel Angel.

Segundo Paso: Cómo lograr el efecto de claroscuro

Fortalece los trazos de sombra poco a poco retrocediendo muchas veces sobre los mismos sitios para producir las sombras acorde a la cantidad de luz u obscuridad de la zona especifica que estés trabajando.

Conforme vayas adquiriendo dominio del claroscuro en tus dibujos cada vez regresaras menos a las áreas que ya trabajaste previamente.

De hecho en periodos del renacimiento posteriores a la época de Cennino Cennini muchos artistas optaron por trabajar las sombras directo con aguadas de tinta que eran colocadas en un solo trazo, con la obscuridad correcta y en el lugar correcto en la primera aplicación. Posteriormente colocaban acentos de sombra en donde fuera necesario y luego acentos de luces. Puedes apreciar algunas muestras de esto en las siguientes imágenes:

Tercer paso: acentos de luces y sombras

Ya que tengas los volúmenes generales de la imagen toca acentuar las areas de luz y sombra más intensas.

En cuanto a las luces generalmente eran acentuadas utilizando la punta de un pincel delgado y puntiagudo con pintura de blanco de plomo (Albayalde).

Las sombras generalmente eran acentuadas con pincel delgado o plumas delgadas. Sin embargo también encontramos el uso de gredas, lapices de metal y otros. Todo dependía de la preferencia del artista y la finalidad del medio.

Famosos maestros del dibujo renacentista

Su legado artístico más abundante son los dibujos. Están enfocados principalmente en el estudio de la anatomía humana y animal, las proporciones del cuerpo, los signos de envejecimiento y enfermedad, y la expresión facial y corporal de las emociones. También se conservan retratos caricaturescos, estudios de jóvenes de perfil griego y bocetos preparatorios de sus obras.

El Hombre de Vitruvio es un dibujo renacentista de fama mundial con notas adjuntas creadas por Leonardo da Vinci. Representa a una figura masculina desnuda en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y un cuadrado. A veces denominado Canon de proporciones, se creó como un estudio de las proporciones del cuerpo humano (masculino) según lo descrito por el arquitecto romano Vitruvio (c.78-10 AEC).

A lo largo de su carrera, Miguel Ángel prefirió crear esculturas en lugar de pinturas. Sin embargo, en su vejez dijo que pensaba que era más importante crear un gran arte en lugar de discutir lo que constituía un gran arte.

Miguel Ángel pasó la mayor parte de su vida estudiando la forma humana y estaba obsesionado con que el cuerpo era una representación física del alma.

Miguel Ángel utilizó su conocimiento avanzado del cuerpo humano para crear sus desnudos. Le gustaban los temas religiosos y se centró en la imagen de Cristo en muchos de sus dibujos, dibujando con frecuencia las mismas imágenes intensificando cada vez más las emociones expresadas en ellas.

Miguel Ángel tenía buen ojo para la luz y la sombra y comprendió que pueden representar el volumen y la forma tanto en una escultura como en una pintura. Así creó muchas esculturas independientes. Mientras que Leonardo da Vinci pintó sus figuras con ejes rectos y líneas, Miguel Ángel estaba más inclinado a introducir curvas y diagonales.

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra se caracteriza por la claridad de la forma, su habilidad en la composición y el logro visual del ideal neoplatónico de la grandeza humana.

Entre sus dibujos más representativos se encuentra Cabezas de la virgen y el niño (1504-1508). Este dibujo presenta líneas muy delgadas, áreas con un valor claro y puntos luminosos con gran parte del papel expuesto. Por otro lado el sombreado es logrado con la superposición estrecha de muchas líneas paralelas entre sí creando la ilusión de un valor más oscuro.

Sandro Botticelli fue un pintor italiano de la época del renacimiento temprano. Contribuyó a los frescos de la Capilla Sixtina y pintó El nacimiento de Venus (1485-1486). También es reconocido por sus dibujos.

Allegory of Abundance (1480-1485) es uno de los dibujos más elaborados y bellos del pintor florentino Boticelli. Se cree que la figura femenina representa la Abundancia u Otoño debido a la cornucopia que lleva en su mano derecha, de la que caen las flores y frutas. Otras figuras representadas son: A su izquierda, tres niños los cuales llevan más fruta y a su derecha dos niños más, dibujados ligeramente con tiza negra, que la ayudan a sostener el cuerno.

Este dibujo de Boticelli fue trabajado con un tono de fondo cálido establecido frotando tiza roja en el papel. Los contornos fueron dibujados con tiza negra y luego con tinta marrón, mientras que las formas se modelaron mediante la eclosión y el uso moderado del lavado marrón.

Verrocchio fue escultor y pintor, y su habilidad al representar la forma tridimensional es evidente en Head of a Girl (Hacia 1475), donde el cuidadoso sombreado crea una sensación de volumen. El cabello de la modelo fue dibujado de forma fina y tenue en trazos rápidos y delgados. Este dibujo es un ejemplo perfecto de la versatilidad de la tiza como medio para artistas hábiles a fines del siglo XV. Verrochio utilizó la tiza negra de manera sutil para sugerir las sombras suaves en sus mejillas, mientras que retocó sutilmente con la tiza blanca detalles de nariz, párpados, boca y mentón.

Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio fue un pintor cuatrocentista italiano. Si bien es conocido por sus pinturas y frescos, los dibujos también forman parte de su expresión artística.

Entre sus dibujos famosos se encuentra Study (1486) como boceto para un fresco. En dicho dibujo se observa una única figura en el fresco que transmite sensación de movimiento. Este dibujo es sobre una sirviente que vierte agua en un recipiente de latón. Ghirlandaio se preparó para la pintura dibujando este detallado estudio individual. La trama cruzada y los contornos fuertes tan típicos del estilo de dibujo de Ghirlandaio son claramente reconocibles.

Otro temas relacionados con el dibujo renacentista que podrían interesarte son:
La luz en el dibujo Las Técnicas de dibujo de Rembrandt Dibujo tridimensional

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Dibujo renacentista: guía paso a paso - ttamayo.com

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El dibujo renacentista es el nacimiento de mucho de lo que hoy conocemos como dibujo. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma.

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Se dibujava principalmente al ser humano como un simbolo de belleza, aunque no solo se dibujaba tambien se esculpía

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Los primero dibujos renacentristas se caracterizaban por ser bocetos rápidos en los que se formulaban la ideas generales se mezclaban el arte con la fisionomía humana, asi mismo tambien se realizaron grades obras de gran escala hechos de pintura al fresco

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Antonio Moisés Ché Nájera

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La aparicion del renacimiento fue muy importante para nuestra humanidad, ya que ayudaron a replantear, pensar y experimentar todo lo que ya se conocia y querian conocer, buscar nuevas respuestas a las infinitas preguntas que rodeaban a todo el mundo y el ser humano

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