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Nella seconda metà del Seicento, il teatro francese conosce una vivace rinascita, cui contribuirono assieme un rinato interesse per il teatro e il rinnovamento cui esso andava sottoponendosi, anche a livello europeo. Questa rinascita teatrale - si passò da 54 commedie messe in scena dal 1635 al 1651 alle 171 del ventennio 1652-1673 - portò anche alla nascita di un nuovo valet de comédie: il servo Crispin, la cui fortuna è legata all'attore e drammaturgo Raymond Poisson (1630-1690). Questa nuova figura di grand valet è debitore allo stesso tempo alle distinte figure del servo del teatro spagnolo e di quello del teatro italiano: dal primo prende la natura impudente, ma al contempo esitante, paurosa e poltrona (nonché il calzare), mentre con il secondo condivide le situazioni grottesche in cui si trova suo malgrado (rigorosamente previo travestimento, come da tradizione della Commedia d'arte italiana) costretto dall'esigenze del suo padrone. Apparso per la prima volta nella commedia Médecin Volant di Boursault, rappresentata probabilmente nel 1661, diviene personaggio fisso della commedia francese dopo il clamoroso successo della commedia Zig zag del 1662, dove è recitato da Raymond Poisson. Con lui acquisisce una caratterizzazione psico-fisica netta: bruttissimo, contraddistinto da decisa mimica facciale e inconfondibile borbottio comico, diviene servo buffone e burlesco, furbo ma maldestro, ingannatore ma spesso ingannato. Nel Settecento, l'evoluzione del personaggio implicherà, però, l'assimilazione più forte ai tratti dell'Arlecchino della tradizione comica italiana, simbolo di furbizia e scaltrezza.

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Il Siglo de Oro (in italiano ‘Secolo d’oro’) è una florida stagione della cultura spagnola, convenzionalmente compresa tra il 1492 (nascita dell’impero spagnolo) e la metà del secolo XVII, quando la potenza spagnola diviene secondaria rispetto a quella di altri imperi europei.

Nell’ultima fase di questa stagione, la cultura spagnola è, come del resto quella europea, profondamente influenzata da gusti e principi barocchi, che mettono al centro l’idea di spettacolarizzazione delle forme e di concettismo di pensiero e parola e, contemporaneamente, avvertono una decisa sensazione di disillusione e precarietà dell’umano.

Questo forte disagio porta anche a una rivoluzione del teatro rispetto ai principi aristotelici, compiuta da uno dei più grandi autori spagnoli,  Felix Lope de Vega (1562-1635). Autore di un trattato in versi intitolata Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (in cui ‘programma’ un teatro distinto da quello di Aristotele, più moderno e in linea con i nuovi gusti), è generalmente ritenuto anche il creatore di un nuovo tipo di servo, il servo gracioso: a questa nuova figura è infatti ricondotto il personaggio Tristan della commedia La francesilla (1596). Così chiamato in virtù della sua gracia (ossia della sua vena ironica), il gracioso è una maschera teatrale buffona, stimolato da impulsi triviali o perlomeno carnali (il denaro, il cibo, il vino) e per questo contraddistinto da un forte pragmatismo. Capace di districarsi nelle varie situazioni, condivide con il servus del teatro classico la tendenza a rivolgersi al pubblico (rompendo l’illusione scenica) e la libertà di parola, arrivando talora a sbeffeggiamenti dissacranti. Conseguentemente, la figura del gracioso era ritenuta un sovversivo perturbatore dei principi aristotelici della verosomiglianza e del decoro teatrale. Fedele al suo galán, nobile o cavaliere innamorato di una dama, il gracioso rimane un personaggio fondamentale anche nel teatro dell’ultimo grande drammaturgo spagnolo, Pedro Calderón de la Barca (1600-1681).

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Ulteriore prova dell’abilità del teatro di creare e ricrearsi (connotando in modo nuovo ciò che preesisteva, talora in forma consunta dalla tradizione), è la figura di Don Giovanni, che da personaggio teatrale è divenuto non solo protagonista di poemi e romanzi ma persino ‘caso-studio’ della psicoanalisi novecentesca che se ne è occupata in relazione ai temi del complesso edipico, del doppio e dei rapporti di vittima e carnefice.

Prima di tutto ciò, però, Don Giovanni è una felice creazione di Tirso de Molina, rappresentate del Secolo d’oro spagnolo, che ne fa un protagonista della commedia Il beffatore di Siviglia e il Convitato di pietra del 1630. Assistito dal servo Catalinón, Don Giovanni seduce innumerevoli amanti e di una, Anna, uccide persino il padre; imbattutosi nella statua funebre, la invita a cena per poi essere lui stesso invitato a cena da quella. In questo momento, nella cappella funebre, Don Giovanni, impenitente e senza rimorsi, è trascinato dalla mano della sua vittima giù nell’inferno. Protagonista di una vicenda che fonde magistralmente elementi comici, tragici e inverosimili, Don Giovanni è subito recepito dalla Commedia d’arte italiana e, tramite quest’ultima, arriva al teatro francese, dove nel 1665 Molière mette in scena il Don Giovanni o il Convitato di pietra. In questa opera, si perde il significato religioso che la vicenda aveva nell’opera di Tirso del Molina (la giusta punizione del peccatore senza rimorso) e tutta l’attenzione è posta sul carattere umano del protagonista, adescatore elegante e cinico, spregiudicato e gaudente.

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Al culmine artistico di una lunga trafila di rifacimenti e riscritture, in forma di opera comica, balletto, pantomima, si colloca l’opera buffa scritta da Mozart su libretto di Lorenzo da Ponte, con il titolo Il Dissoluto punito o Don Giovanni. Essa era la seconda opera, eseguita dopo Le nozze di Figaro e prima di Così fan tutte, e fu commissionata dall’imperatore Giuseppe II, per cui Da Ponte lavorava. L’opera fu messa in scena a Praga, dove grazie a un incredibile successo venne replicata diverse volte, al contrario di quanto successe a Vienna, dove il pubblico, forse per l’estrazione nobile del dissoluto protagonista, accolse l’opera più freddamente Di fatto, la rappresentazione oscilla spesso tra il comico e il tragico, innalzandone il messaggio morale e restituendo alla vicenda l’originario valore ideologico. Il concertato finale asserisce il significato esemplare del dramma:

Questo è il fin di chi fa mal:
E de' perfidi la morte
Alla vita è sempre ugual.

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(Ettore Marsala)

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Corrado Pirrello

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La clownterapia, detta anche terapia del sorriso, è l'applicazione di tecniche di clownerie in ambito sanitario, allo scopo di migliorare l'umore dei pazienti, familiari e accompagnatori. (Ettore Marsala)

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La figura del Don Giovanni nella storia è sempre esistita, ebbe però molta rilevanza nel 1600. Ha una storia alquanto contorta, poiché Le ne abbiamo 2 tipi: coloro che fanno il Don per giuoco e coloro che hanno l'ossessione verso le donne. L'ossessione nasce da un idea, definita idea ossessiva, concomitante con una emozione (Allegria, piacere, tristezza ecc...): l'ossessione però ha sicuramente una nascita che parte da un trauma del passato oppure da un eccesso ormonale che agisce sull'ipotalamo del cervello. Per quanto riguarda il trauma dobbiamo dire che l'idea ossessiva- il pensiero del trauma- viene sostituita con un' idea sostitutiva che causa quindi un benessere nell'Io, che è impotente a causa della forza di volontà nel dimenticare, perché con quest'ultima si arriva all'isteria Invece nella disfunzione purtroppo resta l'imprinting di un eccesso di testosterone. Sicuramente il Don Giovanni si riesce a inserire bene in un contesto sociale ma sfocerebbe solamente nell'essere considerato un maniaco.
ANDREA SCIURBA

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Alessia Passalacqua - L'origine e le due versioni.

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Alessia Passalacqua - L'origine e le due versioni.

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Il titolo originale dell'opera di Mozart è Il dissoluto punito ossia il Don Giovanni.

È la seconda delle tre opere buffe che il compositore austriaco scrisse su libretto di Lorenzo Da Ponte (che era al servizio del Sacro Romano Imperatore), il quale attinse a numerose fonti letterarie dell'epoca. Essa segue Le nozze di Figaro e precede Così fan tutte ì, e venne composta tra il marzo e l'ottobre del 1787, quando Mozart aveva 31 anni.
L'opera andò in scena per la prima volta a Praga il 29 ottobre 1787, dopo alcuni rinvii a partire dal 14 ottobre. Dopo l'esito fortunato di quella "prima", il compositore scriveva con comprensibile entusiasmo: «L'opera è andata in scena con il successo più clamoroso possibile».  Dopo il grande successo di Praga, nel mese di maggio dell'anno successivo l'opera fu rappresentata a Vienna nel Burgtheater. Poiché il pubblico viennese, piuttosto conservatore, avrebbe probabilmente accettato malvolentieri l'opera nella sua versione originaria, l'autore eseguì molti tagli e alcune rilevanti modifiche. Il principale taglio riguardò il finale del secondo atto, dove venne eliminata la scena 20, in cui si ritrovano tutti i personaggi a commentare la fine di Don Giovanni con il concertato finale in re maggiore che contiene l'importante morale conclusiva:

«Questo è il fin di chi fa mal:
E de' perfidi la morte
Alla vita è sempre ugual.»

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Curiosità sulla figura di Raymond Poisson - Aida Scanio

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Curiosità sulla figura di Raymond Poisson - Aida Scanio

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Come un comico di Poisson ha indossato un costume servitore nero in stile spagnolo.
Raymond Poisson - https://it.qaz.wiki/wiki/Raymond_Poisson

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E' un'opera davvero buffa messa in scena nel 1792 a Vienna. Ha avuto talmente tanto successo che fu ripetuta per intero alla fine dell'opera. Questa sinfonia parla appunto di due persone innamorate che si sposano in segreto. La comicità sta nel fatto che, a causa dell'esistenza di matrimoni combinati, si aggroviglia sempre di più l'intreccio creando equivoci che si concluderanno in un lieto fine. Quest'opera l'ho conosciuta a Vienna e mi è  piaciuta molto.
Antonio Macaluso

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"Il Matrimonio segreto": (4) Terzetto - Le faccio un inchino (Hilary Griffiths)

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Vallone Francesca
Don Giovanni è un mito senza tempo, estremamente moderno, rielaborato innumerevoli volte in diverse epoche e da differenti personalità artistiche; nasce per il teatro e tocca il suo apice nell’opera musicale mozartiana, connubio perfetto di personaggio intramontabile e musica sublime.

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Don Giovanni – 'La ci darem la mano' duet (Mozart;  Louise Alder, Erwin Schrott; The Royal Opera)

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Sigmund Freud si occupa marginalmente del personaggio, esprimendo un giudizio clinico: “Considerare Don Giovanni come lo caratterizza la comune letteratura, e cioè un omosessuale, è un errore: l’ipotesi secondo la quale è un sadico ma sessualmente normale, si avvicina molto di più alla realtà”.
SULLI GIUSEPPE

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Mariangela D'Andrea

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Plauto è il primo grande autore del teatro a Roma; si ispira ai classici greci e li “verte” . Le sue opere accertate sono 21, ed una molto divertente “Amphitruo”, che parla di Zeus, che si incapriccia di Alcmena, dunque si trasfigura in suo marito Anfitrione. Lei resta incinta e partorisce un bambino, e Anfitrione si ritrova a dover accettare il volere divino.

Il bambino è Ercole. Molti prendono spunto da lui, e anche Walt Disney ci fa un pensierino, creando il cartone di “Hercules”, nel quale l’antagonista è Ade, che nonostante sia malvagio, ha una vena comica.
https://youtu.be/f_tlPNTvhTc

MUSCAGLIONE

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Nella commedia latina di Plauto, il servo assume un ruolo importante all’interno della commedia, diventa addirittura il protagonista di molte storie attraverso la caratteristica del rovesciamento, in cui gli schiavi, possono diventare eroi e si può rovesciare la figura dell’autorità tradizionale, mentre la fine della scena, con la ricomposizione dei conflitti, stabilisce la fine della trasgressione e il rientro dello schema di vita tradizionale.
La Barbera

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Alessia Passalacqua - L'evoluzione della figura del servo dall'opera antica al Don Giovanni di Mozart.

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Alessia Passalacqua - L'evoluzione della figura del servo dall'opera antica al Don Giovanni di Mozart.

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La figura del servo all'interno delle opere letterarie è sempre stata presente, sin dai tempi di Terenzio e Plauto. La concezione di schiavo nelle commedie della tradizione classica era ben diversa da quella costruita da XVII secolo in poi, ad esempio, il ruolo di tale personaggio si differenzia completamente dal servo nel Don Giovanni di Mozart, ovvero Leporello.

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Il servo del XVII secolo:
La figura del servo all'interno di un'opera letteraria è sempre stata una personalità di rilievo a partire dagli scrittori d'origine greca e romana dell'età classica in particolare in Menandro, Terenzio e Plauto. La concezione di schiavo nelle commedie della tradizione classica era ben diversa da quella costruita dal XVII secolo in poi. È il servus callidus il primo esempio di servitore nell'antichità: è colui che inganna e si prende gioco del padrone credulone; è considerato un servo astuto in contrapposizione al servo buono legato al nobile e che si limita a servire chi gli comanda. Già in Terenzio si nota un servo che prende parte alle peripezie del padrone, molto simile al modello che si svilupperà durante il '600: è bonaccione e un po' allocco, dotato però di grande umanità e sensibilità come lo è Parmenione1. Dal XVII secolo l'immagine del servo rispecchia quella della concretezza realistica, della prudenza e della sopravvivenza a tutti i costi, in contrasto con la dimensione eroica di Don Giovanni che sarà anche una tra le opere più rappresentative di questo secolo. Servo e padrone rappresentano anche il dualismo ovvero la realtà, il conflitto sociale tra le classi. Nella storia dell'opera il servo di Don Giovanni assume vari nomi e peculiarità diverse nonostante qualche volta presentino caratteri affini. In Moliere è Sgaranello il nome del servo all'interno dell'opera il "festin de Pierre"; la sua parte è forse più estesa di quella di Don Giovanni. È descritto come ingordo, ma allo stesso tempo timoroso e provvisto di due tratti caratteristici: essere credente al lupo mannaro (il "moine bourru") e l'essere cinico. È un personaggio in grado di esprimere i suoi pensieri, talvolta viene ascoltato da Don Giovanni, ma la maggior parte delle volte non viene neppure considerato, non riuscendo così a modificare le idee del padrone. Sgaranello segue Don Giovanni per vantaggio, lo fa perché il padrone sia contento di lui, ma non perché egli voglia essere fedele: questo si scorge soprattutto nella fase finale dell'opera, quando Don Giovanni sta per essere inghiottito dalle fiamme infernali e lui si limita a rimpiangere i suoi soldi (Mes Gages! Mes Gages!). Moliere è tanto legato alla figura del servo da volerla interpretare lui stesso alla prima rappresentazione dell'opera a Parigi al Palais- Royal nel 1665. Acciaioli, durante il XVII secolo, mise in scena un altro Don Giovanni, intitolato l' "empio punito". Rispetto alle altre versioni si possono riscontrare delle rilevanti differenze; il servitore Bibi, che ancora una volta muta il suo nome, fa da contrappunto al suo padrone ed è invischiato nel corteggiamento della nutrice Delfa. Bibi canta da basso. Spesso era d'uso che la voce da basso raddoppiasse quella del basso continuo. La comicità all'interno del personaggio quindi non è dovuta dallo stile melodico che si crea grazie a queste due combinazioni, ma è affidata alla natura del testo, che deve possedere caratteri comici, ma soprattutto dalle doti dell'attore. Nel 1689 nasce l'arcadia, l'organizzazione che riuniva tutti coloro che si professavano letterati. Parte di loro tentò di riformare il libretto d'opera, tra questi il maggior merito viene attribuito a Zeno. Il loro intento era quello di semplificare e purificare il linguaggio poetico e levarlo verso un genere tragico (chiamato poi "tragedia per musica"); si preferivano sentimenti ed amori forti e

1 1 Parmenione è il nome del servo usato da Terenzio nelle sue opere

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La Figura del servo nell'opera del Don Giovanni di Mozart - Docsity

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Il servo del XVII secolo: La figura del servo all'interno di un'opera letteraria è sempre stata una personalità di rilievo a partire dagli scrittori d'origine greca e romana dell'età classica in particolare in Menandro, Terenzio e Plauto. La concezione di schiavo nelle commedie della tradizione classica era ben diversa da quella costruita dal XVII secolo in poi.

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Cagnino Antonio

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Don Giovanni ; "Don Giovanni, a cenar teco"

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- Aida Scanio

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Wolfgang Amadeus Mozart -- IL DISSOLUTO PUNITO OSSIA IL DON GIOVANNI KV 527

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Rovesciandone il ruolo giocoso e ridanciano, il pagliaccio è stato associato anche a una figura inquietante, psicopatica e folle, come nel romanzo It di Stephen King , dal quale sono stati tratti, omonimi, una miniserie in due puntate nel 1990, un film nel 2017 e un sequel ( It - Capitolo due );

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La Barbera

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Il pensiero irrazionalistico e la trilogia dei miti
Dopo la trilogia del teatro nel teatro, avviata da Sei personaggi (1921) e conclusa con Questa sera si recita a soggetto (1930), Pirandello stesso raccolse tre nuovi lavori nella trilogia del teatro dei miti. Il termine mito ci riporta al mito greco: Pirandello ipotizza che da quell'antica cultura possa venire una risposta ai problemi attuali dell'esistere. Siamo nel clima irrazionalistico e simbolistico della cultura europea degli anni Trenta; la seconda parte del libro del filosofo Ernst Cassirer, Filosofia delle forme simboliche (1925), s'intitolava appunto Il pensiero mitico. In quel clima nacquero due importanti movimenti culturali come l' Esistenzialismo e il Surrealismo; in Italia esso diede vita alla pittura metafisica, al realismo magico di Bontempelli, al fantastico di Savinio, Buzzati, Landolfi.

Pirandello raccolse queste tendenze dando voce a una sensibilità per il favoloso, per il lontano, da sempre viva nelle sue opere, ma che ora alimentava con continuità alcuni temi caratteristici:

la fuga dalla società e la scelta dell'esclusione, come radicale solitudine ed estraneità;

l'odio per il corpo e il ritorno alla Terra-madre, come fusione con il grembo della Natura;

l'evasione nell'oltre, in una sfera fantastica, ove tutto è un simbolo e la vita appare un sogno.

Sono motivi che incontriamo nel romanzo Uno, nessuno e centomila (1925-26), in molte novelle degli ultimi anni e, appunto, nei tre drammi della trilogia dei miti, ovvero:

La nuova colonia (1928), un dramma dove un gruppo di profughi rifonda altrove una città;

Lazzaro (1929), dove l'evasione non è più sociale, ma religiosa (in una fede che non è però quella cristiana in senso stretto);

I giganti della montagna (1934), dove l'evasione si compie grazie all'arte. Pirandello narra infatti il sogno dell'arte che osa sfidare il brutale mondo moderno; ma rimane vittima dell'organizzazione tecnologica e industriale e del materialismo. E così è l'amara conclusione del lavoro, secondo un appunto lasciato dallo scrittore, tutto l'infinito che è negli uomini è calpestato e vanificato.

In sintesi

Il motivo profondo dei tre miti pirandelliani è l' evasione: evasione nell'utopia politica (La nuova colonia), nella fede religiosa (Lazzaro), nell'arte (I giganti della montagna). In nessuno dei tre lavori l'evasione ha successo, ma ciò che conta, per il drammaturgo, è il tendersi a una dimensione alternativa, verso quell'oltre a cui guardano tante sue pagine.

La nuoca colonia si apre in una taverna di contrabbandieri, pescatore, emarginati ecc, che decidono di costruire una nuova comunità al di fuori della società normale. Molti di loro sono già stati condannati al domicilio coatto su un'isola. Li infiamma la Spera, un'ex prostituta, capace di smascherare le ipocrisie sociali e di promettere un riscatto. Il tentativo fallirà, perché presto i coloni si dividono in fazioni. Un cataclisma alla fine sommergerà l'isola, devastando tutto.

Lazzaro, el 1929, s'impernia su uno strano prodigio: il possidente Diego Spina è gravissimo dopo un incidente d'auto; la figlia Lia chiama il medico Gionni e questi forse, lo risuscita con uno dei suoi esperimenti. Dov'è stata l'anima del morto in quella mezz'ora? E si trattava di vera morte? Diego è come Lazzaro, il personaggio evangelico risuscitato da Gesù? Si apre un dibattito su questi temi. Vi partecipano anche Lucio, il figlio (spretato) di Diego, e l'ex moglie Sara, che aveva lasciato tutto per vivere in campagna.

Non c'è soluzione alle domande, ma almeno Lucio ritrova la fede in Dio, è la vera risurrezione del dramma.

Infine, nei Giganti della montagna (incompiuto) i personaggi si protendono fuori dalla realtà normale: la prima didascalia ambienta il lavoro al limite, fra la favola e la realtà. Un'atmosfera di sogno avvolge i due gruppi di protagonisti, gli Scalognati di Crotone e gli attori della compagnia della contessa. il terzo atto manca, forse perché non si può dare vera conclusione ai sogni.

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Il pensiero irrazionalistico e la trilogia dei miti Dopo la trilogia del teatro nel teatro, avviata da Sei personaggi (1921) e conclusa con Questa sera si recita a soggetto (1930), Pirandello stesso raccolse tre nuovi lavori nella trilogia del teatro dei miti.

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Corrado Pirrello

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SULLI GIUSEPPE

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LA MOSTELLARIA -(LA CASA DEL FANTASMA) - PLAUTO

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Marika Vicari

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https://discorsidelgenere.com/2020/03/20/il-don-giovanni-di-mozart-e-una-riflessione-sulla-sessualita-maschile/

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FIGURA COMICA NEL TEATRO: KING GEORGE III IN HAMILTON

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FIGURA COMICA NEL TEATRO: KING GEORGE III IN HAMILTON

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Lin-Manuel Miranda's Hamilton features three songs from King George III that comments on the events of and following the American Revolution before sauntering to a goofy, lyric-less chorus.
Throughout the show, King George III seems to progressively grow more insane, claiming that "When push comes to shove, I will kill your friends and family, to remind you of my love.” In fact, the king did suffer bouts of insanity.

Despite being a historically significant figure as well as a highly billed character, King George III is removed from the central events of Hamilton, having no direct interactions with any of the other characters. Instead, all of his songs are comedic solos with verses musing on events from a distance and voicing his bewildered incredulity at the massive changes taking place in the colonies and, subsequently, the United States.

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Hamilton(2020)|King George 3 Singing"You will Be Back"|Part 1

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Corrado Pirrello - la comicità nella musica italiana

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Corrado Pirrello - la comicità nella musica italiana

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https://www.mediterraneaonline.eu/il-comico-e-il-demenziale-nella-musica-italiana/

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De Roberto era ben consapevole della teatralità delle sue opere, e non rinunciò mai a scrivere malgrado le opprimenti delusione dell'insuccesso. Scrisse Il Rosario come un opera comica, drammatica e satirica. L’opera ha come personaggio principale la Baronessa di Sommatino, non ha nome la superba e grottesca nobildonna è Sua Eccellenza, oscura conduttrice di un rito pagano e ferocissimo: la recita del Rosario. Nel gineceo siciliano ci si riuniva per la celebrazione corale di questa lunga preghiera che era in realtà un intrattenimento, un chiamare a raccolta, la condivisione riservata di un rito non sempre gentile, quasi mai ascetico dove la liturgia della parola viene imposta. La donna più autorevole costituisce il comico della recita e conduceva le sorti esistenziali mentre gli altri personaggi vengono “magicamente” sottomessi.

Questo dramma rende omaggio alla vocazione più laica e lucida della letteratura siciliana.
- Marika Gibiino

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Gemma lobue

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Gemma Lobue Nel video "Il minestrone condito" la figura del "cameriere" interpretata da Gigi Proietti è la figura del moderno "relation maître-valet" perchè è maldestro,ingannatore e come è usuale nella commedia italiana,furbo e scaltro.    https://youtu.be/iS5nUXlsZbg                   

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Gemma Lobue Nel video "Il minestrone condito" la figura del "cameriere" interpretata da Gigi Proietti è la figura del moderno "relation maître-valet" perchè è maldestro,ingannatore e come è usuale nella commedia italiana,furbo e scaltro.    https://youtu.be/iS5nUXlsZbg                   

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www.musiculturaonline.it/la-figura-don-giovanni

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Venendo agli anni '50 possiamo pensare alle storie tragicomiche più raccontate che cantate del geniale Fred Buscaglione (https://www.youtube.com/watch?v=cXx8PdQY07w, https://www.youtube.com/watch?v=B223J9d9NdQ)  successivamente abbiamo Enzo Jannacci https://www.youtube.com/watch?v=RlxAhvi-j_U, che già agli inizi della carriera, intorno alla metà degli anni '60, si era manifestato come autore dalla vena tragicomica e satirica insieme a Dario Fo (assolutamente indimenticabile il loro duetto nella famosa “Ho visto un re” https://www.youtube.com/watch?v=P1MrPOniCPk, dello stesso Fo, autore di “Vengo anch'io no tu no” https://www.youtube.com/watch?v=2tkEi1aSOYg e “Veronica” https://www.youtube.com/watch?v=FCPcjXR8YM4), la loro produzione musicale si fondava sul puro divertimento, e loro stessi devono essersi divertiti parecchio. Poi Giorgio Gaber, un pilastro della musica comica-ma-colta https://www.youtube.com/watch?v=kZHvXtl4KY0.

Lascerà negli anni a seguire un segno nella musica comica italiana: Renzo Arbore https://www.youtube.com/watch?v=yIwIA5dtwvc https://www.youtube.com/watch?v=Ny77GdSR8-I, già noto al pubblico televisivo come conduttore di programmi musicali, che nel 1976 crea il programma “L'altra domenica”, sulla neonata seconda rete Rai. Sigla dello spettacolo era “Fatti più in là” interpretata dalle Sorelle Bandiera (tutti rigorosamente maschi) in cui è assai intrigante l'aspetto coreografico https://www.youtube.com/watch?v=UgByIEMu14I. Arbore, da lì in poi, non ha mai nascosto un certo piacere nell'interpretare pezzi che portassero al sorriso.

Protagonista indiscusso della musica contemporanea è il gruppo Elio e le storie tese https://www.youtube.com/watch?v=kgpxvjw0-Nk.
- Marika Gibiino

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Marika Gibiino

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Giudizio Universale secondo Roberto Benigni

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Marika Gibiino

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GIGI PROIETTI IN UNO DEI PIU' DIVERTENTI MOMENTI DELLA SUA CARRIERA - LA SIGNORA DELLE CAMELIE

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Amphitruo e Mostellaria di Plauto