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Jeux ludiques

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Jeux ludiques

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Tum Rakak - Deluxe - Cover by NvS - Electro School Band

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Bonjour à tous !
Je vous propose un petit défi de composition.
J'aimerais que chacun essaie de composer une courte pièce, grâce au "jeu des dés" (simplifié).
Prenez le temps, choisissez un titre,  testez au piano, enregistrez-vous et écoutez-vous. Ajoutez des mesures, laissez parler votre imagination !
Puis quand ça vous plaît vous me l’envoyez !
(Pour que l'exercice soit complet, j'aimerais que vous l'écriviez sur une partition)
J'aurais énormément de plaisir à écouter les créations de chacun !
Prêts à relever le défi ?! Bon courage.
Sarah

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Pierre et le Loup raconté aux enfants

https://youtu.be/Ug6dmqneAvw Pour (re) découvrir Pierre et le loup

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A vous de jouer...

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Le pochoir | Fais le toi-même ! | Centre Pompidou

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Un cri !

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En bref

Du graffiti à la peinture, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est l'une des comètes de l'art contemporain. Mort d'une overdose à l'âge de 27 ans, ce jeune ami de Warhol a élevé le street art au rang des beaux-arts. Son œuvre témoigne des réminiscences de son passé familial (ses origines haïtiennes), conjuguées aux influences du pop art. Il est devenu l'une des grandes figures de l'afro-américanisme dans le monde artistique.

Il a dit

" Je ne suis pas un artiste noir. Je suis un artiste. "

Sa vie

Né à Brooklyn dans une famille aux origines mixtes (portoricaine par sa mère et haïtienne par son père), Jean-Michel Basquiat est un enfant très précoce dans le domaine des langues et du dessin.

Après la séparation de ses parents et un déménagement, il revient à New York à l'âge de 16 ans. Il découvre le milieu de l'underground, se lie avec des graffeurs et abandonne ses études. Il prend alors le pseudonyme de SAMO© (pour " Same Old Shit ") pour taguer dans les rues de Manhattan.

Pour combler l'absence des artistes noirs dans les musées américains, l'ambition de Basquiat se double très vite d'une quête identitaire placée sous le signe de la négritude. Son goût pour le métissage culturel et sa haine du racisme nourrissent une œuvre néo-expressionniste parfois sombre et angoissée.

À la fin des années 1970, alors que Keith Haring couvre aussi les murs de graffitis, Basquiat devient une figure de l'East Village. Il travaille seul ou en collectif, fonde un groupe de rock et participe à un film indépendant. C'est à cette occasion qu'il rencontre Andy Warhol, pape consacré de la Pop culture. Basquiat commence à exposer ses œuvres et la fréquentation de Warhol lui offre une plus grande visibilité.

La carrière de Basquiat connait une irrémédiable ascension à partir de 1981. Un article lui est consacré dans Artforum sous le titre " The Radiant Child ", soulignant son charisme. Il trouve l'appui de la marchande d'art Annina Nosei qui lui réserve le sous-sol de sa galerie comme espace de travail.

En 1982, il expose chez Larry Gagosian, l'un des plus importants marchands d'art contemporain. Les plus grands musées américains se l'arrachent. Mais, au quotidien, l'artiste est miné par la drogue et l'alcool. Il vit cloîtré dans un loft où il peint et regarde la télévision en boucle.

La disparition de Warhol en 1987 est une tragédie pour Basquiat. Le peintre s'isole et s'enferme dans sa toxicomanie. Un voyage à Hawaï ne suffira pas à le détourner de ses démons : le jeune artiste sera finalement retrouvé mort dans son appartement de New York, le 12 août 1988.

En 2017, une de ses œuvres pulvérise un record de vente. Elle atteint aux enchères 110,5 millions de dollars, signe que l'artiste mort depuis trente ans n'a pas fini de faire vivre le marché de l'art contemporain. Il est devenu l'un des artistes américains les plus chers de l'Histoire.

Ses œuvres clés
Slave Auction (Vente aux enchères d'esclaves), 1982
Représentative du style de Basquiat, cette œuvre traite d'un thème subversif et toujours d'actualité dans notre société contemporaine. Alors en plein essor médiatique, l'artiste représente le monde de manière chaotique, qu'il traduit en faisant cohabiter signes manuscrits et illustrations imagées. Dans cette œuvre, il s'intéresse aux minorités opprimées, aux exclus, aux exploités.
A Panel of Experts, 1982
Au début des années 1980, Basquiat, alors en couple, aurait eu une brève liaison avec la chanteuse Madonna. Un soir, les deux femmes finissent par se battre, ce qui inspira à Basquiat cette œuvre rassemblant des fragments de dessins, comme autant de cartoons. Si les altercations sont mises en scène de manière enfantine, presque naïve, la violence est bien présente ; Basquiat n'hésite pas à utiliser le motif du revolver. La couronne est quant à elle le symbole de l'artiste lui-même.
Sans titre, 1986
Jean-Michel Basquiat a produit des milliers d'œuvres sur papier, souvent complexes. Le dessin est chez lui une pratique expérimentale : superpositions de mots, de croquis qui évoquent des graffitis reliés entre eux par un fil énigmatique. On y retrouve fréquemment, entre autres, des formes squelettiques et effrayantes. Autant de sujets qui renvoient au thème de la mort, une véritable obsession de l'artiste.

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Du graffiti à la peinture, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est l'une des comètes de l'art contemporain. Mort d'une overdose à l'âge de 27 ans, ce jeune...

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"Depuis l'âge de 6 ans, j'avais la manie de dessiner la forme des objets. Vers l'âge de 50 ans, j'avais publié une infinité de dessins, mais tout ce que j'ai produit avant l'âge de 70 ans ne vaut pas la peine d’être compté. C'est à l'âge de 73 ans que j'ai compris à peu près la structure de la nature vraie des animaux, des herbes, des arbres, des oiseaux, des poissons et des insectes. Par conséquent, à l'âge de 80 ans, j'aurai fait encore plus de progrès ; à 90 ans, je pénétrerai le mystère des choses ; à 100 ans, je serai certainement parvenu à un stade merveilleux et, quand j'aurai 110 ans, tout ce que je ferai, un point, une ligne, sera vivant."

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Plongeon dans la vie et l’œuvre de ce “fou de dessin”.

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Vous aimer la peinture en matière. Une peinture à l'huile maçonnée au couteau ? Cet artiste est pour vous.

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En bref

Écorché de l'art moderne, travailleur acharné au service d'une sensibilité abstraite, Nicolas de Staël (1913-1955) est sans doute l'un des peintres les plus mystérieux du XX e siècle. Né dans une famille de militaires russes proche du tsar, sa carrière aura la fulgurance d'un météore, dont la course se terminera à Antibes, où il se suicidera à l'âge de 41 ans. Cette fin tragique occulte quelque peu la figure d'un artiste en constant questionnement, inspiré par la couleur et la lumière, fiévreux d'écriture comme de peinture. Une vie de romantique au XX e siècle.

Il a dit

" Je peins le plus souvent sans concept, sans écriture conceptuelle. Je ne peux avancer que d'accident en accident. "

Sa vie

Funeste présage ? Nicolas de Staël est né en 1914, alors que l'Europe s'apprête à entrer dans un conflit qui endeuillera le monde. Nicolas voit le jour à Saint-Pétersbourg (alors Pétrograd), ville des tsars, dans une famille de hauts militaires. La révolution bolchévique la contraint à l'exil et le jeune garçon, devenu orphelin en 1919, passe ses jeunes années à Bruxelles, chez ses tuteurs.

Nicolas de Staël met du temps à trouver sa vocation. L'art l'intéresse, le fascine, en particulier la peinture flamande. En 1933, il s'inscrit à l'École des beaux-arts de Bruxelles et découvre la peinture abstraite. À cette époque, elle fait encore figure d'avant-garde, l'époque étant dominée par un retour au réalisme social. De Staël cultive une passion pour les grands peintres modernes, Cézanne et Braque en particulier. Jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, il voyage du Maroc à l'Italie, en passant par Paris où il s'installe avec sa compagne, Jeannine Guillou, peintre comme lui. Ce sont des années de travail acharné et de rage créatrice, l'artiste détruisant fréquemment ses œuvres.

Engagé dans la Légion étrangère puis brièvement mobilisé pendant la guerre, Nicolas de Staël retrouve la peinture en 1940. Il s'installe à Nice avec Jeannine, déjà malade. Le couple fait la connaissance de nombreux artistes dont Jean Arp et les Delaunay. Sa peinture prend à cette période une orientation plus abstraite. Les temps sont durs pour Nicolas et Jeannine, qui accueillent la naissance d'une petite fille, puis d'un fils.

Sous l'Occupation, Nicolas de Staël gagne Paris. Il peut compter sur le soutien de la galeriste Jeanne Bucher, qui croit en son talent et l'expose. Son style personnel s'affirme. Camaïeux de gris, écriture serrée, forts empâtements : De Staël se distingue parmi ses contemporains. Jeannine s'éteint, et le peintre se remarie dans la foulée (trois autres enfants naîtront de cette union).

Indépendant de nature, De Staël reste étranger aux Salons de son temps. C'est un sauvage, dont Georges Braque, qui aime sa peinture, est l'ami le plus proche. L'artiste commence seulement à vendre régulièrement ses œuvres, et les critiques s'intéressent à ce tempérament singulier. En 1948, le peintre est naturalisé français. Comme un retour au calme après des années traumatisantes, sa peinture s'éclaircit. Il entre dans la lumière comme une renaissance. Elle sera brève.

Dans les années 1950, l'artiste expose, explore de nouvelles techniques comme l'encre de Chine. De Staël devient à la mode. Il entre dans les collections américaines. Extrêmement productif, il peint notamment la série des Footballeurs, une toile qui renoue avec la figuration tout en conservant des qualités non figuratives. Installé dans le Midi, attiré par la couleur et la lumière, amoureux d'une nouvelle femme, le peintre entame les dernières années de sa vie. Bien que son œuvre connaisse le succès, il sombre dans le désespoir et se suicide en 1955, laissant une œuvre encensée à travers le monde.

Ses œuvres clés

Cette composition en gris, de nature abstraite, conclut une période difficile pour Nicolas de Staël. Le peintre vient en effet de perdre son épouse, et se remarie presque aussitôt, superposant son deuil à un nouveau bonheur conjugal. Composée d'une association de teintes rouge brique et bleu-gris, De la danse demeure une œuvre noire, marquée par une gestualité brutale. Bien qu'elle soit non figurative, certains historiens (dont Jean-Louis Prat) ont souligné la dimension classique de cette œuvre. En effet, De Staël n'a jamais été un abstrait conventionnel. Passionné d'art et de littérature, il n'a jamais abandonné le sujet pour la forme.

Il s'agit de l'une des peintures majeures de l'année 1952. Exposée à Londres, elle a dérouté la critique. L'œuvre se caractérise par sa monumentalité, et se compose de deux parties : un registre supérieur tout en modulations de blanc et de gris, et un registre inférieur qui évoque les tesselles d'une mosaïque. Une ligne, qui s'apparente à l'horizon, délimite les deux parties. Bien que non figurative, cette huile a été premièrement interprétée par le peintre comme un paysage, et plus particulièrement un ciel de Dieppe, avant de prendre le titre les Toits. Quoiqu'il en soit de l'exactitude du sujet, il s'agit bien d'une évocation les liens entre terre et ciel, entre ciel et mer.

Parc des Princes (Les Grands Footballeurs), 1952

L'inspiration est venue à Nicolas de Staël à l'occasion d'un match de football au Parc des Princes en mars 1952. Il débute alors une série consacrée à ce thème sportif composée d'une quinzaine de toiles. Celle-ci est la plus ambitieuse. De Staël semble s'éloigner encore un peu plus de la non-figuration pour revenir vers le sujet et l'étude du mouvement. Cette œuvre a été vivement reçue lors de son exposition au Salon de mai, où De Staël s'est vu reproché d'avoir abandonné ses recherches sur l'abstraction.

À lire aussi : Nicolas de Staël, cet illustre inconnu à l'honneur d'une rétrospective à Paris

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1. Billie Zangewa, une brodeuse aux doigts d'or chez Daniel Templon

Indétrônable sur la place de Paris depuis 1966, la galerie Daniel Templon a aussi pris le pas du digital. On y découvre, exposé pour la première fois en France, le travail de Billie Zangewa, artiste née au Malawi mais qui travaille entre Londres et Johannesbourg. De sa mère couturière, elle a hérité l'amour des tissus et des soies colorées. À partir de leurs chutes, la jeune femme crée des broderies figuratives où elle se met bien souvent elle-même en scène. Comme une autobiographie cousue de fil d'or, qui témoigne de l'agitation des grandes villes, leur violence et aussi leurs préjugés (racistes, sexistes...). À parcourir également, les expositions virtuelles de Norbert Bisky (dans l'espace du Grenier Saint-Lazare) et des gravures de Jim Dine (à Bruxelles).

2. David Hominal fait vibrer la couleur chez Kammel Mennour

Aller au-delà de la peinture et de l'opposition traditionnelle entre abstraction et figuration, c'est l'invitation lancée par David Hominal, à qui Kamel Mennour consacre l'exposition " No titre (collection 2021) ". L'artiste français (né en 1976) a fait, pour sa dernière série de peintures, de la couleur son principal sujet. Tantôt profonde, parfois flashy, voire carrément kitsch, elle semble toujours jaillir de la toile (et donc de notre écran) dans une joyeuse cacophonie d'aplats et de motifs (floraux, pour la plupart). Une entrée en matière, pourrait-on dire, aussi réjouissante que vivifiante.

Introduction en ligne à l'exposition " David Hominal No titre (collection 2021) " réalisée par la galerie Kammel Mennour

3. En tête-à-tête avec Rineke Dijkstra chez Marian Goodman

Née en 1959 aux Pays-Bas, la photographe Rineke Dijkstra s'est fait connaître du public avec ses portraits frontaux d'inconnus au regard étrangement pénétrant, toujours fixés vers son objectif. La galerie Marian Goodman, qui accueillait une exposition de l'artiste à Londres avant le début du confinement, propose sur son site une immersion dans la fascinante série " Familly portraits " qui revisite, comme son nom l'indique, l'art du portrait de famille. Elle présente également Night Watching, une œuvre troublante à la façon d'une fresque vidéo, réalisée par Dijkstra en 2019 à l'occasion des 350 ans de la mort de Rembrandt. Cette commande du Rijksmuseum qui met en scène, sur un fond immaculé, différents groupes de visiteurs commentant face caméra la célèbre Ronde de nuit, interroge la façon dont nous regardons et apprécions une œuvre d'art... Un face-à-face troublant !

Vue de l'installation " Night Watching " présentée dans l'exposition " Rineke Djikstra " à la galerie Marian Goodman

© Rijksmuseum / Galerie Marianne Goodman

4. Voyage, voyage avec Marcel Dzama chez David Zwirner

C'est une promesse d'évasion particulièrement bienvenue en ces temps moroses. La galerie David Zwirner présente les nouvelles œuvres fantaisistes du peintre américain Marcel Dzama (né en 1974), inspirées de ses récents voyages. Teintées d'onirisme, ses aquarelles nous plongent dans un monde où la subjectivité l'emporte sur le réel et où le rêve transcende l'existence. Une fascinante exploration d'un monde peuplé de sirènes et de minotaures, qui invite également l'internaute à pénétrer dans les coulisses de la création, à travers des photos de l'atelier du peintre. À ne pas manquer, la vidéo montrant, en time lapse, l'artiste à l'œuvre. Et la vie reprend des couleurs !
www.davidzwirner.com
5. Tout ce que vous avez raté chez Perrotin

La galerie Perrotin, comme si vous y étiez ! L'institution est depuis longtemps adepte des visites virtuelles et y consacre même un onglet spécial sur son site. Au programme : plus d'une cinquantaine d'expos présentées ces dernières années dans ses espaces de New York et de Shanghai. De quoi patienter avant la réouverture annoncée de ses espaces parisiens le 23 mai prochain, avec le solo show de Gabriel Rico et de Jean-Philippe Delhomme. Vivement !

Les expos présentées ces dernières années à la galerie Perrotin

À lire aussi : Hopper, Rembrandt, Pompéi, Van Eyck... Les expos du moment à visiter depuis son canapé !

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Elle est terrifiante

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Danse Eveil / Initiation -  Danse d'Olaf - Tuto 3

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Danse fofolle pour courir partout et danser avec la caméra! (attention de ne pas foncer dans les meubles ou les co-confinés) - Le tutoriel est sur le même chaîne YouTube -  Nous attendons vos versions!!

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La suite (elle fait un peu moins peur)

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Dernière visite pour aujourd'hui : le Rijksmuseum d'Amsterdam.
Rembrandt, Vermeer... que dire de plus !

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Découvrez l'offre VOD-DVD de la boutique ARTE

Visite de huit grands musées sous le regard averti d'éminents amateurs d'art. Dans ce volet, le photographe Erwin Olaf nous guide dans les dédales du Rijksmuseum d'Amsterdam, qui possède une merveilleuse collection de maîtres hollandais, notamment ceux du Siècle d'or, Vermeer et Rembrandt en tête.

Cœur culturel des Pays-Bas, le Rijksmuseum d'Amsterdam, inauguré en 1885, est réputé internationalement pour sa collection de maîtres hollandais, notamment ceux du Siècle d'or, Vermeer et Rembrandt en tête. Par opposition aux scènes religieuses ou guerrières qui dominent dans d'autres grandes institutions, ses nombreuses toiles illustrant la vie quotidienne et domestique, en particulier au XVIIe siècle, induisent une atmosphère intime et chaleureuse. Après dix années de travaux de rénovation, sa réouverture en 2013 fut accueillie aux Pays-Bas comme une véritable renaissance. En compagnie du photographe néerlandais Erwin Olaf, dont les images à l'esthétique raffinée figurent désormais dans les collections, on découvre les œuvres fétiches et les petits secrets de ce grand musée.

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C'est beau, c'est tellement beau...
Une lumière très particulière, son fameux clair-obscur.
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En bref

Peintre majeur de l'école hollandaise du XVII e siècle, Rembrandt (1606-1669) est l'une des grandes figures du baroque. Peintre et graveur, réputé solitaire et indépendant, il a peint sans fard ses contemporains, se rendant célèbre par son traitement de la lumière que l'on nomme " clair-obscur ". Rembrandt a accompagné l'essor du protestantisme, il a contribué à renouveler l'image du Christ, humble et humain, tout comme le genre de l'autoportrait et du portrait de groupe.

On a dit de lui

" Rembrandt charme les intelligents, mais étourdit et massacre les imbéciles. " Gustave Courbet

Sa vie

Rembrandt Van Rijn est né à Leyde, dans les Provinces-Unies (actuels Pays-Bas), dans une famille d'artisans, aisée et nombreuse. Son enfance est bercée par une éducation très religieuse. Dès son adolescence, il est porté vers la pratique artistique et mène son apprentissage auprès d'un peintre à Amsterdam qui lui transmet une solide culture. Rapidement, il ouvre son propre atelier et s'initie aux techniques de la gravure.

Sa réputation est vite établie. En 1631, Rembrandt est déjà célèbre. Il travaille pour les corporations de la ville et réalise le portrait de Charles I er d'Angleterre. Ses toiles sont spectaculaires. Une femme entre dans sa vie : Saskia, la nièce d'un célèbre marchand d'art d'Amsterdam. Elle devient l'un de ses modèles et lui ouvre les portes de la société. En 1639, le couple s'installe dans une maison dans le quartier juif (actuel musée Rembrandt). L'artiste aborde plus fréquemment les thèmes bibliques, cultive les autoportraits puis la peinture de paysage.

En 1642, Rembrandt perd sa femme, qui lui a donné quatre enfants (dont trois morts en bas âge). Il se met en ménage avec la nourrice de son fils (ce qui crée le scandale), mène grand train de vie, collectionne des œuvres d'art et finit par s'endetter. Il doit vendre sa maison et sa réputation décline. Rembrandt meurt en 1669, dans la pauvreté. Il laisse une œuvre très importante : plus de 400 peintures, 300 eaux-fortes et 300 dessins.

Ses œuvres clés
La Leçon d'anatomie du docteur Tulp, 1632
Commande de la guilde des chirurgiens, cette toile représente l'un de ses membres éminents, le Dr Tulp, en train de procéder à une dissection. Il donne une " leçon d'anatomie " devant un parterre de confrères attentifs, parfois incrédules, observant le corps cadavérique ouvert et mystérieux. L'artiste met en exergue le jeu des mains du chirurgien qui adopte une attitude professorale. Les dissections publiques n'étaient autorisées qu'une fois par an, en hiver, généralement sur le cadavre d'un condamné à mort. Cette toile révèle l'effervescence de l'époque autour de la découverte du fonctionnement du corps humain et l'essor des sciences.
La Ronde de nuit, 1642
Cette œuvre majeure de Rembrandt a été achevée en 1642, à la demande de la compagnie des arquebusiers pour décorer une des salles de leur siège. C'est une commande de prestige qui lui valut une rémunération conséquente. Il ne s'agit pas réellement d'une scène nocturne en dépit de son titre attribué au XVIII e siècle, en raison de son encrassement. La toile, de grandes dimensions, représente une milice composée de gardes civils chargés d'assurer la sécurité de la ville. L'œuvre est frappante de réalisme, mais l'événement immortalisé reste imprécis. La scène demeure également énigmatique, en raison de la présence de personnages qui n'ont rien à y faire - comme la petite fille en robe jaune - et de sa composition particulièrement complexe. Il fut reproché à Rembrandt d'avoir placé certaines personnalités éminentes à l'arrière-plan.
Les Pèlerins d'Emmaüs, 1648
Cette scène tirée de la Bible représente le Christ après sa résurrection, au moment où il révèle son identité à deux disciples, surpris, dans le cadre intimiste d'une auberge. Bien qu'il soit auréolé d'une lumière, provenant d'une niche, le Christ est davantage représenté comme un homme que comme le fils de Dieu. Il est à la fois un être naturel et surnaturel, combinant deux natures (humaine et divine). L'artiste parvient à cet effet grâce à sa maîtrise particulièrement aboutie du clair-obscur, à la même époque que Le Caravage.
Autoportrait, 1657
Rembrandt s'est autoportraituré à une quarantaine de reprises, parfois sous des travestissements excentriques. L'artiste ne cherchait pas à s'idéaliser montrant au contraire son vieillissement et ses émotions. La raison de cette habitude n'a pas été explicitée par l'auteur. Était-ce une manière, pour lui, de tenir une forme de journal intime ? Ou de s'inscrire dans la continuité de peintres célèbres, tel Dürer ? Rembrandt, en tout cas, y fait montre de sa technicité et de sa grande maîtrise du clair-obscur.

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Figure incontournable du baroque, Rembrandt a largement participé à l'essor du siècle d'or néerlandais. À l'occasion du 350e anniversaire de la mort du...

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Une femme impressionniste à l'honneur.

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En bref

C'est l'une des grandes dames de l'impressionnisme, aux côtés de Mary Cassatt et de Marie Bracquemond. Berthe Morisot (1841-1895), très proche d'Édouard Manet dont elle fut le modèle et l'amie, se distingue par sa prédilection pour l'art du portrait, le thème de l'enfance et de la maternité. Il n'était pas simple pour une femme de s'imposer dans le monde de l'art moderne. Bien que critiquée et moquée à ses débuts, soutenue par son mari Eugène Manet, le frère du peintre du Déjeuner sur l'herbe, elle n'abandonna jamais la peinture, et fit de Julie, sa fille, son modèle de prédilection.

Elle a dit

" Mon ambition est de saisir une touche d'éphémère. "

Sa vie

Née à Bourges, d'un père préfet, Berthe Morisot vient de la bourgeoisie. Encouragée à développer sa sensibilité artistique, elle se forme à l'art de peindre tout comme sa sœur Edma. Toutes deux exposent au Salon dès 1864. À cette époque, l'École des beaux-arts était interdite aux femmes et la jeune artiste va se former en copiant les grands chefs-d'œuvre du Louvre. Elle y rencontre Édouard Manet, un artiste déjà célèbre et controversé. Berthe a reçu aussi les leçons de Jean-Baptiste Camille Corot.

La jeune artiste a commencé par être paysagiste avant d'approcher la figure, sujet qu'elle aborde dans les années 1870. Indépendante, elle fréquente un milieu artistique de haute volée : Edgar Degas, Charles Cros, le couple Manet, Mallarmé... Berthe profite de l'influence de Manet et lui sert d'ailleurs de modèle à de nombreuses reprises. Leur lien sera consolidé par le mariage de Berthe avec Eugène, le frère d'Édouard Manet, en 1874.

1874 sonne justement la naissance du mouvement impressionniste auquel Berthe Morisot a activement contribué. Elle est la seule femme peintre de la célèbre exposition impressionniste organisée chez Nadar cette année-là. La palette de Morisot se distinguait par son goût du blanc, et sa touche enlevée au service de sujets intimes. C'est la période de son épanouissement personnel, bien qu'elle doive affronter la critique hostile à l'ensemble des peintres modernes, leur reprochant la vacuité des sujets, la manière de peindre et le rejet de l'académisme.

En 1878, naît Julie, la fille unique du couple. Elle devient le modèle favori de sa mère et apprend à peindre à ses côtés. En 1892, son père Eugène disparait et le poète Mallarmé devient le tuteur de la jeune fille. Pour Berthe Morisot, les années 1890 sont celles de la douleur et de la maladie, bien que l'artiste soit pleinement reconnue comme l'une des grandes figures de l'avant-garde impressionniste. Elle meurt en 1895.

Ses œuvres clés

Cette toile, la plus célèbre de Morisot, représente sa sœur Edma veillant son nouveau-né. Le camaïeu de blanc donne un sentiment de grande douceur à cette scène intime et bourgeoise. Rien ne semble pouvoir déranger les deux personnages. Le thème de la maternité deviendra, par la suite, récurrent dans la production de l'artiste. Cette œuvre a été montrée lors de la fameuse exposition du groupe des impressionnistes en 1874.

Cette scène, également connue sous le titre Deux sœurs, représente une nouvelle fois un moment d'intimité partagé. Nous sommes dans un univers bourgeois, les deux femmes sont en négligés mais ont soigné leur mise en beauté. L'une d'elles pique une fleur dans les cheveux de sa sœur, une fleur blanche qui symbolise peut-être son innocence alors qu'elle offre déjà une belle gorge déployée. La technique est pleinement impressionniste, avec des touches enlevées, esquissées, vivement brossées et des couleurs claires et gaies.
Julie Manet et sa levrette Laërte, 1893
Berthe Morisot a souvent peint sa fille unique, Julie Manet, avec laquelle elle entretenait un lien fusionnel. On retrouve ici la jeune fille en habit de deuil, après la mort de son père, dans leur appartement bourgeois. Elle est accompagnée de sa chienne, symbole de fidélité, offerte par son tuteur Mallarmé. Le style de Morisot est à cette époque parfaitement abouti, d'une grande liberté et d'une parfaite modernité, privilégiant l'esquisse et l'instantanéité aux détails.

À lire aussi : Sylvie Patry : " Loin d'être seulement une femme artiste, Berthe Morisot a contribué à une révolution du regard. "

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Renoir, Monet, Degas... et parmi eux, une seule femme ! Avec son style enlevé et brossé, Berthe Morisot était, selon ses pairs, " la plus impressionniste de tous ". Modèle privilégiée d'Edouard Manet (dont elle épousera le frère), éternellement insatisfaite de ses toiles, elle sort aujourd'hui de l'oubli au travers d'une grande exposition en Amérique du Nord qui gagnera le musée d'Orsay en 2019.

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Artiste génial ou personnage délirant ?
A vous de voir...

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En bref

Excentrique, méticuleux à l'extrême, grand connaisseur des théories freudiennes, Salvador Dalí (1904 - 1989) a autant marqué l'histoire du surréalisme que celle de l'art moderne. Sa technique pourtant relève d'un réalisme très poussé reflétant sa passion pour les maîtres anciens italiens et espagnols ( Léonard de Vinci, Michel-Ange, Diego Vélasquez ...). Inventeur d'une méthode de création spontanée nommée la " paranoïa-critique ", le maître se définissait volontiers comme un génie. Sa période surréaliste reste l'une des plus marquantes au sein d'une œuvre qui court sur près de 70 ans !

Il a dit

" L'unique différence entre un fou et moi, c'est que moi je ne suis pas fou. "

Sa vie

Né à Figueres, en Espagne, Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech grandit auprès d'un père autoritaire, et fait office d'enfant de substitution après le décès d'un premier enfant du couple. Dalí rapportera plus tard qu'il s'était senti constamment comparé à ce frère décédé, voire que ses parents ne le considéraient pas comme un individu à part entière. Le jeune garçon découvre la peinture impressionniste vers l'âge de 12 ans auprès d'un peintre local, Ramón Pichot.

Promu bachelier, Dalí s'installe à Madrid pour y suivre un cursus artistique à l'École des Beaux-arts, avec l'assentiment de son père. Il commence à noter ses impressions, sous forme de journal, et l'écriture jouera un rôle important toute sa vie durant. Il se lie avec de jeunes intellectuels, dont Luis Buñuel et Federico García Lorca. Rétif à l'autorité, il se fait difficilement au climat de l'école et étudie en solitaire les maîtres italiens.

En 1926, Dalí arrive à Paris, capitale des avant-gardes, une ville dont il devient plus familier dans les années 1930. C'est là que l'artiste entre en contact avec le groupe surréaliste dirigé par André Breton. À cette époque également, il fait la connaissance de Gala (alors mariée au poète Paul Éluard), qui deviendra sa femme et sa muse. Passionné par le cinéma, Dalí apporte sa contribution à l'œuvre de Buñuel, Un Chien andalou (1929) et L'Âge d'or (1930). Ces années sont très constructives. L'artiste trouve son style personnel : une technique très classique voire hyperréaliste, croisée avec de multiples sources d'influence dont le cubisme et le futurisme. Dalí trouve pleinement sa place au sein du surréalisme.

L'artiste aurait prononcé cette affirmation célèbre et provocante, " Le surréalisme, c'est moi ! ", rayant de la carte tant de personnalités importantes (André Breton, Louis Aragon, Max Ernst, Man Ray ...). Dalí a entretenu des liens complexes avec ce groupe jusqu'en 1939, mais partageait avec ses membres une attention accrue au monde psychique, aux images et fantasmes nés des rêves et des peurs. L'artiste refuse l'autocensure et fait appel à des souvenirs, des croyances, souvent crus et liés à son enfance, à sa vie personnelle.

Dans les années 1930, Dalí énonce sa méthode " paranoïaque-critique ", conçue à l'aide de sa connaissance de la psychanalyse. Il s'agit de faire librement appel à ses pensées et à ses délires, d'auto-analyser les images obsédantes qui habitent son esprit et surgissent à sa conscience. Rien à voir, donc, avec l'écriture automatique des surréalistes. À l'aide de cette méthode, Dalí réalise ses tableaux les plus célèbres, dont les fameuses Montres molles (le titre véritable est La Persistance de la mémoire, 1931). Il ne faut pas y chercher une représentation réaliste, mais une évocation des temporalités et des lieux par l'usage de symboles qui permettent aussi de traduire des situations intérieures complexes comme le rapport à la sexualité, la peur de la mort...

Dalí cultive dans son œuvre picturale et littéraire de nombreuses obsessions : L'Angélus (1857-1859) de Jean-François Millet, la figure d'Hitler - bien qu'il niait être un sympathisant nazi -, sa femme et muse Gala, la sexualité, le pourrissement ... Autant de motifs qui reviennent perpétuellement dans ses toiles.

Mégalomane, narcissique, dépensier, Dalí s'est créé un véritable personnage à la vie comme à la scène, que Breton surnommait cruellement Avida Dollars. Le peintre catalan aimait vivre entouré et a su diversifier sa production : publication d'ouvrages ( La Vie secrète de Salvador Dalí en 1942, Journal d'un génie en 1963...), cinéma, théâtre, création de bijoux, robes et mobiliers... Dalí est partout, jusque dans la publicité dans les années 1960. Exilé aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, l'artiste revient en Europe en 1948 pour se fixer à Portlligat, petit village de pêcheurs sur la côte catalane.

Dans la dernière partie de sa carrière, revenu vers une figuration plus classique, Dalí montre une prédilection pour les thèmes mystiques, l'histoire et la science. Atteint de la maladie de Parkinson, il décède en 1989 à Figueres (quelques années après Gala), non loin du Théâtre-musée Dalí qu'il avait créé à la gloire de son œuvre en 1974.

À lire aussi : Figueres, Cadaqués, Portlligat... Au pays " fouuu " de Dalí

Ses œuvres clés

Peinte à l'époque où l'artiste rencontre Gala, la toile traite du fantasme et de la peur du sexe féminin, un thème récurrent dans son œuvre. Dans un paysage presque désert et azuréen, un profil penché apparaît contaminé par une sauterelle et des fourmis (deux images associées au pourrissement). La surmontant à droite, une femme tourne son visage vers un bassin masculin en caleçon, suggérant une fellation. Cette œuvre exprime-t-elle la fin d'une incertitude chez l'artiste, celle de son orientation sexuelle ? Il semble qu'avant la rencontre avec Gala, Dalí ait connu des sentiments ambivalents pour Federico García Lorca, mais que la relation homosexuelle n'ait jamais été consommée.

Plus connue sous le titre des Montres molles, cette toile est typique de la période surréaliste de Dalí. Comme d'habitude, le peintre représente un paysage familier, celui de Portlligat, associé à des figures déconcertantes : des montres à gousset fondantes (l'idée lui serait venue en observant un camembert mou). Dalí explore ici l'angoisse de son rapport au temps, et donc l'approche de la mort. Cette œuvre a été peinte à l'aide de la méthode paranoïaque-critique, qui lui permettait consciemment d'accéder à ses peurs, ses obsessions, et de les analyser.

D'une grande complexité, cette toile sollicite la capacité d'observation du spectateur car Dalí a imbriqué différentes formes pouvant en suggérer d'autres, comme un calembour visuel. L'œuvre semble poser la question : peut-on se fier à la réalité ? Un rivage dessine un visage, qui peut aussi se révéler être un compotier avec fruits ; les montagnes évoquent un cheval mais aussi un corps humain. Peut-être inspiré par la mythologie, Dalí donne à voir des histoires et des mondes emboîtés, interprétables de multiples manières.

Cette œuvre appartient à la production mystique et sacrée de Dalí, tout en révélant son admiration pour Raphaël. Elle coïncide à son retour vers la foi catholique. Le peintre joue avec la perception optique, faisant apparaître l'image de la Madone dans une oreille géante. L'artiste met en pratique ce qu'il nomme sa " mystique nucléaire ", association entre les théories sur la matière (Dalí avait été ébranlé par l'explosion atomique d'Hiroshima en 1945) et la foi. Par ce biais, il cherche à saisir le tout, le visible et l'invisible, au sein d'une même image.

À lire aussi : Dalí et Magritte, frères jumeaux du surréalisme

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Excentrique, méticuleux à l'extrême, grand connaisseur des théories freudiennes, Salvador Dalí (1904 - 1989) a autant marqué l'histoire du surréalisme que celle de l'art moderne. Sa technique pourtant relève d'un réalisme très poussé reflétant sa passion pour les maîtres anciens italiens et espagnols ( Léonard de Vinci, Michel-Ange, Diego Vélasquez ...).

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Vous retrouverez sûrement un tableau que vous connaissez de cet artiste.

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A la découverte du musée et de ses métiers. Un conte à visiter sur un ordinateur (ne fonctionne pas sur tablette et téléphone)

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Le musée des impressionnismes Giverny présente

graines
lumineuses

Un conte interactif pour explorer les secrets du musée

Iris possède un sac de graines lumineuses.
Elle sait que les graines sont très précieuses, même si elle ignore pourquoi.
Depuis toujours, elles l'accompagnent partout.
Mais un danger les menace...

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Iris et les graines lumineuses | Musée des impressionnismes Giverny

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Le musée des impressionnismes Giverny présente Un conte interactif pour explorer les secrets du musée Iris possède un sac de graines lumineuses. Elle sait que les graines sont très précieuses, même si elle ignore pourquoi. Depuis toujours, elles l'accompagnent partout. Mais un danger les menace...

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En ces temps de confinement, une recette simple pour modeler toutes sortes de choses à la maison.

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Les ingrédients pour votre recette de pâte à sel :

Un verre de sel fin

2 verres de farine

Un verre d'eau tiède

le matériel pour faire votre recette de pâte à sel

Un grand bol

Une cuillière à mélanger

Un torchon

La recette de pâte à sel Étape par étape

Etape 1 : préparer les ingrédients

Comme listé plus haut, vous aurez besoin d'un verre de sel fin, de 2 verres de farine et d'un verre d'eau tiède. N'hésitez pas à demander à votre enfant de vous aider à remplir les verres.

Etape 2 : mélanger tous les ingrédients

Dans un grand bol, ou un saladier, mélangez le sel et la farine. Ajoutez en une seule fois votre verre d'eau tiède.

Etape 3 : malaxer la pâte à sel

Pour malaxer la pâte, vous avez deux options : le batteur électrique ou vos mains ! Cette seconde option a notre préférence. Elle vous permettra de vérifier la consistance de votre pâte. Elle doit être souple et ne pas coller aux doigts quand vous l'avez travaillé.

Etape 4 : ajuster la recette pour obtenir la bonne texture.

Si votre pâte à sel est trop friable ou si elle se met à ressembler à des grains de sable, ajoutez un peu d'eau, jusqu'à ce qu'elle soit souple et facile à travailler.

Si votre pâte à sel est trop molle, ajoutez de la farine et continuez de travailler la pâte. Attention, contrairement à la première étape, quand il est question d'ajustements, nous vous conseillons de toujours ajouter la farine ou l'eau en petites quantités et en prenant soin de bien malaxer la pâte à sel à chaque fois.

Etape 5 : modeler vos objets

Votre pâte à sel est prête ? C'est le moment de passer au modelage ! Amusez-vous à créer des petits personnages et des objets avec les enfants. Pendant cette phase, nous vous conseillons de placer un torchon humide sur votre bol ou du film alimentaire pour éviter qu'elle ne sèche trop rapidement et pouvoir continuer à la travailler.

Etape 6 : faire sécher la pâte à sel

Avant de cuire vos objets, nous vous conseillons vivement de les laisser sécher. Le temps de séchage va permettre de réduire le temps de cuisson de la pâte à sel, d'éviter que les bulles d'air ne se forment pendant la cuisson et d'éviter que votre modelage ne se déforme. Faîtes donc sécher votre objet en pâte à sel dans un endroit sec une demi-journée avant la cuisson. Ne les oubliez pas ! Après 2 jours, les objets perdront toute leur humidité et ils pourraient casser. Retrouvez nos infos sur le temps de séchage de la pâte à sel.

La pâte à sel se cuit lentement à température douce. Règlez votre four à la température minimum. Une température trop élévée fera gonfler la pâte à la cuisson. Le temps de cuisson va varier en fonction de la souplesse de votre pâte et de la taille de vos objets. Retrouvez sans plus attendre tous nos conseils pour ne pas louper la cuisson de votre pâte à sel et notre astuce pour savoir quand la cuisson de votre objet est terminée !

Voici la recette de la pâte à sel en vidéo à suivre avec votre enfant. Vous y retrouverez, tous les ingrédients nécessaires pour une belle pâte à sel, les temps de cuisson ainsi que des idées de premiers modelages et de décorations.

La recette de la pâte à sel à imprimer :

Si vous voulez garder cette recette à portée de main, sachez que nous avons préparé une fiche recette de la pâte à sel à imprimer gratuitement. Avec ses jolies illustrations et ses explications précises, elle permettre à vos enfants d'être autonomes dans la réalisation de leur pâte à sel. Cliquez sur l'image pour accéder à la page de téléchargement de la recette de la pâte à sel illustrée

Et si on faisait sa recette de la pâte à sel au thermomix ?

Si vous avez la chance d'avoir un robot cuisine de type thermomix ou Mr Cuisine à la maison, sachez que vous pouvez très bien réaliser votre recette de pâte à sel avec ces robots. Le procédé devient alors encore plus simple et encore plus rapide. 2 minutes suffisent pour obtenir une jolie pâte à sel à la consistance presque parfaite, sans les doigts qui collent. AJoutez les ingrédients dans votre bol et mixez pendant 30 secondes à vitesse 4. Pour en savoir plus, n'hésitez pas à consulter notre page dédiée à la pâte à sel thermomix.

Contrairement à une idée reçue, la pâte à sel peut se conserver une semaine au réfrigérateur. Pour cela, il faudra enrouler votre boule de pâte à sel dans un torchon propre et placer le tout au réfrigirateur dans un sac plastique. Avant d'utiliser votre pâte à sel, vous devez prendre soin de la sortir du réfrigérateur 1/2 heure avant, sinon, elle risque d'être un peu dure à travailler. Si vous êtes vraiment très pressée, placez la pâte dans un sac étanche et plongez le sac quelques minutes dans de l'eau très chaude, mais non bouillante.

Pour colorer votre pâte à sel, vous pouvez ajouter du colorant alimentaire dans votre eau tiède, ajouter des épices dans la farine ou encore colorer le sel à la craie. Retrouvez d'autres idées et toutes nos astuces pour amuser les enfants en leur proposant de la pâte à sel colorée

Pour décorer vos objets en pâte à sel, vous pouvez utiliser beaucoup d'éléments comme des graines, des pâtes qui peuvent être ajoutés avant la cuisson. Vous pouvez aussi peindre votre pâte à sel et coller après cuisson des éléments plus fragiles comme les végétaux, des paillettes, des boutons, de la feutrine,.... Pour aller plus loin, retrouvez toutes nos infos sur la décoration de la pâte à sel !

Trouvez des IDÉES D'OBJETS EN pâte à sel

Si notre site regorge de bonnes idées et de modèles pour fabriquer vos objets et personnages en pâte à sel, vous pouvez trouver l'inspiration sur les réseaux comme Pinterest mais nous adorons avoir un bon livre à disposition dans la bibliothèque. Voici notre sélection ! Coup de coeur pour "Pâte à sel de Corine Desclides". Un petit livret très simple mais très beau et adapté aux fabrications avec les plus petits.

La pâte à sel est l'une des activités préférée des enfants, et très économique....

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Recette pâte à sel & recette de la pâte à sel | Tête à modeler

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Recette pâte à sel : la recette de la pâte à sel en images et en vidéo et tous nos conseils pour la réussir à tous les coups.

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Cela vous remettra en mémoire notre séance sur le dessin des labyrinthe. A vos crayons...

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Un des musées les plus importants au monde par la richesse de ses collections d'art contemporain. Une visite s'impose !

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Culturebox - Festivals, concerts & vidéos culturelles en streaming | France tv

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Retrouvez les vidéos et replay des lives de festivals, concert, pièce de théâtre, opéra et bien d’autres contenus sur france.tv

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La Philharmonie vous propose de découvrir des instruments de la collection, à travers six jeux à imprimer librement chez vous !

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10 MUSÉES EN LIGNE À VISITER DEPUIS CHEZ VOUS GRATUITEMENT

Source : www.pratosfera.com // Photographies : Valentin Conraads

L'ennui vous guette en cette période de crise ? Votre soif de culture ne vous quitte pas malgré la recommandation de rester chez soi ? Voici pour vous une petite compilation de musées accessibles en ligne. C'est gratuit !

Smithsonian Museum
L'un des musées américains les plus célèbres et l'un des musées les plus importants du monde : le Smithsonian ne s'arrête pas seulement à l'histoire classique, celle des événements et des dates, mais entre également dans le monde de la pop. Par exemple, vous pouvez trouver en ligne l'exposition sur les super-héros, avec le bouclier de Captain America bien en vue et une des émissions de télévision les plus populaires.

Le château de Versailles
Vous l'avez vu dans deux mille films, et maintenant vous pouvez aussi le voir sur l'ordinateur. Couloirs de miroirs, lustres (non, vraiment, il y a des lustres hallucinants), peintures, expositions et parcs.

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10 MUSÉES EN LIGNE À VISITER DEPUIS CHEZ VOUS GRATUITEMENT - Quatremille

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10 MUSÉES EN LIGNE À VISITER DEPUIS CHEZ VOUS GRATUITEMENT Source : www.pratosfera.com // Photographies : Valentin Conraads L'ennui vous guette en cette période de crise ? Votre soif de culture ne vous quitte pas malgré la recommandation de rester...

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Le jeu de lecture de clef de SOL

Voici un petit jeu de lecture de note en clef de SOL avec quatre niveaux de difficulté différents. Ce petit jeu vous permet d' apprendre à lire les notes en clef de SOL en s'amusant.

Choisissez votre niveau de difficulté de lecture de note.
Pour chaque note de musique vous aurez quelques secondes pour faire votre choix.
Une fois votre lecture de note effectuée vous trouverez la correction de l'exercice ainsi que votre score !

Mode d'emploi du jeu

But du jeu :

Les notes vont apparaitre les unes après les autres, il faudra trouver et choisir la bonne réponse pour chaque note de musique (il n'y a pas de dièse ni de bémol dans ce jeu, uniquement des notes de la tonalité de DO majeur).

Réglage des options du jeu:

Difficulté : Vous pouvez choisir le mode de difficulté qui vous convient le mieux, ce paramètre ne peut être choisi qu'en début de partie.

Vitesse : Par défaut (vitesse 0), la vitesse d'apparition des notes est modérée, mais vous pouvez choisir un mode de jeu plus lent ou plus rapide.

( Son) : Si cette option est sélectionnée, le son de la note sera joué lorsque que la note apparaitra. Cela permet d'associer l'audition à la vision. Les sons sont ceux d'un piano.

( Couleurs) : Si cette option est sélectionnée, les notes de musique et les boutons seront colorés, la couleur du bouton de la bonne réponse correspondra à la couleur de la note dont il faut trouver le nom. Cette option est idéale pour les plus jeunes.

( Click = note suivante) : Si cette option est sélectionnée, lorsque vous cliquez sur un bouton réponse, une nouvelle note apparaitra immédiatement, sinon la prochaine note apparaitra en fonction de la vitesse d'apparition que vous avez sélectionnée (option vitesse).

( Altérations) : Si cette option est sélectionnée, il y aura des altérations, et vous devrez choisir la bonne note et son altération.

Les boutons réponses :

Vous pouvez choisir le style de boutons de réponse que vous souhaitez, ce choix ne peut pas être modifié en cours de partie.

Boutons (do,ré,mi,...)

Clavier de piano avec les noms des notes

Clavier de piano sans les noms des notes

Boutons (A,B,C,...) pour la notation anglo-saxonne

Clavier MIDI (disponible uniquement que sur certains navigateurs, dont Chrome.)

Démarrer la partie :

Pour démarrer la partie, il suffit de cliquer sur démarrer, et à tout moment dans le jeu, vous pourrez choisir de faire une pause en appuyant sur le bouton pause.

Fin la partie :

Vous pourrez choisir de commencer une nouvelle partie ou bien de rejouer la même partie pour vous améliorer.

Raccourcis clavier :

Vous pouvez également jouer avec le clavier de votre ordinateur:

Comment améliorer votre lecture de note en clef de SOL

Voici quelques conseils pour améliorer votre lecture de note en clef de SOL:

Dans l'article lire les notes, vous comprendrez qu'il faut absolument connaître l'ordre des noms des notes en montant (DO RÉ MI FA SOL LA SI DO ) et en descendant (DO SI LA SOL FA MI RÉ DO). Il est aussi très utile de connaître le nom des notes par intervalles de tierces (DO MI SOL SI RÉ FA LA DO en montant et DO LA FA RÉ SI SOL MI DO en descendant). Cela améliorera votre lecture de note car il est très facile visuellement de repérer les notes conjointes (qui se suivent) et les intervalles de tierces.

Vous pouvez également apprendre par cœur certains points de repère, comme par exemple toutes les notes qui sont sur les lignes (DO MI SOL SI RÉ) et celles qui sont sur des interlignes (FA LA DO MI)

Le meilleur moyen de vous améliorer est de pratiquer la lecture de note très régulièrement, par exemple 5 minutes par jour, il est inutile de faire une seule séance d'une heure par semaine, il vaut mieux faire des séances de cinq minutes tous les jours.

Pour bien jouer de votre instrument et pour pouvoir facilement déchiffrer vos partitions, vous devez éviter d'avoir des difficultés en solfège. Ce qui est réellement compliqué c'est de maitriser un piano, un violon, une guitare, ou tout autre instrument. En tant que musicien, lire la musique sur une partition ne doit pas vous freiner dans votre parcours musical.

Apprendre rapidement l'ordre des notes (conjointes et par tierces)

Pour cela, vous pouvez utiliser le clavier virtuel à télécharger ci-dessous :

Télécharger le clavier de piano pour apprendre l'ordre des notes de musique

Mode d'emploi :

En partant de DO, touchez les notes suivantes, les unes après les autres, en prononçant le nom des notes DO RÉ MI FA SOL LA SI DO en montant et DO SI LA SOL FA MI RÉ DO en descendant.

En partant de RÉ, RÉ MI FA SOL LA SI DO RÉ en montant, et RÉ DO SI LA SOL FA MI RÉ en descendant.

En partant de MI, MI FA SOL LA SI DO RÉ MI en montant, et MI RÉ DO SI LA SOL FA MI en descendant.

Etc...

Vous pouvez aussi faire ceci avec l'ordre des tierces.

L'idée est que l'on peut apprendre plus rapidement et plus efficacement des choses rébarbatif en manipulant, en touchant, et en visualisant.

Feuilles d'exercices de lecture de notes en clef de SOL à télécharger

Vous pouvez également télécharger des feuilles d'exercices de lecture de notes en clef de SOL en visitant la page suivante : Lecture de notes en clef de SOL à imprimer

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Lecture de note (clé de SOL) - Apprendre le solfège

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Exercice de lecture de note en clef de SOL interactif sous forme de jeu gratuit. Apprenez à lire la clef de SOL en jouant et en s'amusant. Vous allez pouvoir enfin apprendre à lire les notes de musique tout en vous divertissant.