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1/ Biographie
2/ Géométrie
3/ Mécanique
4/ Génie civil
5/ Ingénierie militaire
6/ La nature
7/ Anatomie
8/ Peinture et sculpture

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Forteresses
En réaction au développement de nouvelles armes à feu puissantes, Léonard conçoit des types inédits de forteresses, aux formes polygonales anguleuses ou circulaires aux profils fuyants, destinés à absorber l'impact des tirs de missiles. Son projet le plus achevé est une forteresse dont le plan est un cercle composé de trois anneaux concentriques, alternants avec des fossés inondables.

Machines de siège spectaculaires
Ce sont des variantes de dispositifs déjà utilisés dans l'Antiquité. Vinci se démarque par la qualité inégalée de ses dessins. Il imagine, par exemple, des chars à faux à utiliser avec précaution car "ils causent autant de dégâts chez l'allié que chez l'ennemi", il crée également des catapultes à ressorts ou imagine une  gigantesque arbalète. Il invente aussi des dispositifs pour empêcher les ennemis d’escalader les murailles grâce à une longue poutre posée contre les échelles.
En dépit de l'aversion de Léonard pour la guerre, ses dessins de machines à tuer lui assurent la protection de mécènes fortunés dans les villes rivales du nord de l'Italie.

Char d'assaut

Léonard imagine des chars d'assaut propulsés par la force humaine ou des chevaux, auxquels sont fixés de nombreux canons, destinés à lancer le premier assaut sur les rangs ennemis. Il permet des tirs de canons simultanés à partir de tout angle de sa carapace conique, il aurait anéanti les rangs ennemis. On peut dire que Vinci à anticiper les guerres du XX siècle avec son véhicule blindé.

Canons et espringales
Durant la Renaissance, les armes à feu transforment l'art de guerre.
Les dessins d'armes à feu de Léonard se focalisent, pour l'essentiel, sur l'augmentation de la puissance de feu et la possibilité de viser dans différentes directions dans le but de couvrir une zone plus large. Il a inventé par exemple le canon à vapeur (appelé Architronito en hommage à Archimède) dont le tube est préchauffé à haute température; l'eau versée dans le tube est transformée en vapeur dont la pression permettrait de tirer un projectile. Il invente des armes à feu légères, les "espringales", pièces d'artillerie de calibre moyen,  plus petites que les bombardes, qui peuvent être déplacées à la verticale et à l'horizontale grâce à une structure mobile en bois. Elles peuvent être orientées dans différentes directions sans avoir à déplacer toute la machine.  Pour augmenter la puissance de feu, il crée des mitrailleuses à canons multiples, son but est d'augmenter la zone couverte par les tirs.

Etudes balistiques
A une époque où on ne connaît rien de la force aérodynamique ni des lois de la gravité,
Léonard a recours à l'étude scientifique de la dynamique des projectiles pour tenter d'augmenter la zone susceptible d'être couverte par les armes. Au delà du contenu technique, ses dessins sont très spectaculaires et d'une puissance artistique incomparables.

Guerres navales
Léonard invente des engins sous-marins complexes, développés souvent pour la guerre. Il s'inspire, comme toujours, d'une imitation de la nature. Il réalise des études où il compare le caractère hydrodynamique des poissons à celui des bateaux et analyse les capacités du poisson volant à passer d'un élément à un autre.
Ses projets portent sur un sous-marin capable de percuter et d'endommager les navires ennemis ainsi que sur des bateaux à double coque en mesure de se défendre contre lesdites attaques.

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LEONARD DE VINCI

Né le 15 avril 1452 à Vinci, un petit village de Toscane, près de Florence

A 16 ans, il entre comme apprenti dans l'atelier d'Andrea del Verrochio, un des artistes les plus réputés de Florence. Au début, il se contente de nettoyer ses pinceaux, mais bientôt il devient son assistant et l'aide à exécuter ses peintures.

Il est aussi un inventeur, il a conçu, par exemple des machines à voler avec des ailes articulées inspirées par le vol des oiseaux.

Il savait chanter et jouer du luth. Il pouvait parler de science avec les savants, de philosophie avec les philosophes, il amusait la cour avec des devinettes et des fables de son invention.

Il n'aimait pas perdre son temps à dormir, car il avait toujours une idée en tête ou un projet en cours.

Il aimait beaucoup les animaux et pensait qu'ils devaient vivre en liberté. C'est pourquoi il était végétarien, et achetait parfois des oiseaux en cage sur les marchés de Florence pour les relâcher...

Il écrivait de la droite vers la gauche. Peut être parce qu'il était gaucher et qu'il ne voulait pas faire de tâches en écrivant...ou alors pour éviter que l'on puisse déchiffrer son écriture et lui voler ses idées !

En 1516, Léonard est invité au Clos-Lucé par François Ier. Il voyage à dos de mule, depuis Rome. Il emporte avec lui trois de ses tableaux préférés : La Joconde, Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant et Saint Jean Baptiste.

Il meurt le 2 mai 1519, à l'âge de 67 ans

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MOUVEMENT ET GESTE

Les personnes que dessine Leonard correspond à leurs âge , leurs sexe , leur classe sociale et leur état émotionnel , comme disait Leonard « il faut montrer les vieillards avec leurs mouvements lents , les jeunes femmes dans des attitudes modestes , les yeux baissés ». Ce propos est bien illustré dans son tableau La Cène.

LA CÈNE

La Cène était une commande de Ludovic Sforza, la peinture fait l’objet de beaucoup de critiques car elle s’écarte de la fresque traditionnelle et sa technique sort de l’ordinaire en lui permettant de modifier et faire des jeux de lumière.

SFUMATO

C’est Leonard qui invente le sfumato en italien fumé cela crée des reliefs sans trait net avec de la lumière et de l’obscurité ce qui donne du réalisme

MONA LISA

Mona Lisa est un chef d’œuvre, c’est d'ailleurs le portrait le plus connu au monde. Il est incarnation même du génie de Léonard. Il révolutionne la peinture de la Renaissance en la positionnant de 3/4 et il montre ses mains.

Il la représente sans sourcil car c’est un signe de richesse mais aussi sans bijoux car il est humaniste , il utilise la technique de sfumato.

Le tableau d’écrit la vie de l’homme la vie passé et la vie futur.

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Il y a trois types de perspectives

- la perspective linéaire : repose sur le fait qu’un objet paraît plus petit au fur et à mesure que la distance avec le spectateur augmente.

- la perspective atmosphérique : dans les descriptions qu’elle propose, les objets lointains paraissant plus petit, loin distant,  plus plat et fortement bleuis

- le plan pictural : s’apparentant à) cadrer une scène lointaine dans une fenêtre. Le perspectographe de Léonard permet à un artiste de réaliser ainsi un dessin en perspective

Léonard a également découvert que les rayons de lumière ne pénètrent pas directement dans l’œil mais est réfléchi par la surface de la lentille.

L' optique géométrique

L'étude de la perspective va de pair pour Léonard avec son étude de l'optique et de la vision.
Il n'hésite pas à disséquer des yeux pour comprendre leur fonctionnement. Il conduit des expériences à l'aide de lentilles, de miroirs, d'ouverture de diaphragmes et de boules de verre remplies d'eau. Avec ces expériences, il prouve que de petits objets proches de l’œil ne sont pas visibles, que les contours d'un corps ne peuvent pas être discernés avec netteté, qu'un objet mobile près de l’œil paraît se déplacer dans la direction opposée...

Les proportions géométriques
Léonard étudie les proportions mathématiques mais en tant que peintre, il est surtout intéressé par les proportions géométriques, notamment celles du corps humain.

Léonard s'inspire de Vitruve et d’Hippocrate. Son arbre généalogique des proportions" intègre le "nombre d'or" ou "divine proportion", défini de façon à ce que le rapport de la somme des deux longueurs sur la plus grande soit égal à celui de la plus grande sur la plus petite. Cette règle s'applique tant sur les animaux, les homes que les plantes.Il décrit les proportions d'un homme agenouillé, debout, assis ; il observe également que quatre doigts font une paume, quatre paumes font un pied, six paumes font un coude et que quatre coudes font la hauteur d'un homme...

L 'Homme de Vitruve
Il représente" l'homme mesure de toute chose".
Léonard s'est plongé dans le problème que constitue la quadrature du cercle, à savoir construire un carré de même aire qu'un cercle donné seulement à l'aide d'une règle et d'un compas.

L’objectif du dessin L'homme de Vitruve est de montrer que le corps humain en mouvement s’inscrit dans les figures géométriques parfaites du cercle et du carré. Son nombril étant au centre des deux figures, l’homme devient à la fois la mesure de toute chose et le centre du monde.

La géométrie plane
Les études de géométrie de Vinci s'appliquent à plein de domaines
:
- les armes militaires, il dessine la trajectoire parabolique des projectiles
- santé : il réalise une analyse géométrique d'une valve cardiaque
- architecture : il détermine systématiquement les symétries des églises polygonales, attestant de sa connaissance exhaustive de toutes les possibilités.
Les tracés d'églises polygonales mettent en évidence sa connaissance de la symétrie spéculaire et de la symétrie rotationnelle.

La géométrie des solides

Léonard dessine beaucoup de solides à plusieurs faces en 3D ; il pense et réalise des solides géométriquement calculés (octaèdre, icosaèdre, dodécaèdre). Il s'agit de mathématiques complexes.

Il a fournit soixante dessins de solides pour l’ouvrage de Pacioli, De Divina Proportione. Il imagine une forme d' illustration géométrique inédite et ingénieuse recourant à la perspectives des bords et profondeurs des solides en variants les couleurs de celle ci .

Les nœuds et rosaces

Léonard imagine des ornementations, à l'instar des nœuds et rosaces épousant un système complexe de motifs entrelacé analogues à ceux présents dans les arts islamique, celte et byzantin.

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L'œuvre anatomique de Léonard de Vinci est constituée des dessins comprenant 228 planches dessinées et annotées réparties en trois périodes créatrices  1487, 1506 et après 1510. Ces études devaient servir de base à un traité de l'anatomie que Léonard de Vinci ne termina jamais. Des 228 planches conservées, 215 font partie de la collection de la bibliothèque royale, du Château de Windsor

Les études anatomiques de Léonard de Vinci représentent l'une des plus importantes contributions à la science de l'anatomie pendant l’époque de la Renaissance. Grâce à cela il a ainsi réussi à transformer l’étude de la médecine en réalisant de magnifique planche anatomique.
Ses premières études se concentraient sur l'anatomie superficielle, ce qui en fait le précurseur de l'anatomie artistique.

Ensuite il s'oriente vers l'étude du fonctionnement interne du corps humain. Cette évolution est consécutive des dissections de cadavres que l'artiste va pratiquer vers 1506,  alors que ses premières études étaient marquées  des travaux anatomiques de Galilée.Il réalisera une douzaine de dissection dans les hôpitaux de Florence et de Rome. L’absence de conservateur signifie que les dissections se sont déroulées en hiver ,époque où les cadavres restent en bonne état plus longtemps.la dissection est un processus analytique. Comprendre la forme d’une veine passe par la destruction des organes et des tissus environnant.

Le château de Windsor :

Voici les plans anatomique de Léonard de Vinci :

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Dissections et schématisation visuelle

Grâce à des schémas visuels de l'anatomie extrêmement détaillés, Léonard a pu contribuer à transformer l'étude de la médecine, qui s'est appuyée dans une large mesure sur des descriptions écrites. Il réalise des douzaines de dissections de corps humain dans des hôpitaux. Elles se déroulaient en hiver afin que les cadavres restent en bon état plus longtemps. Il dissèque des vieillards, des enfants car il veut étudier les transformations du corps au fil du temps. Il cherche aussi à comprendre les relations entre la mère et le fœtus. La dissection est un processus analytique, elle permet aussi de comprendre les liens entre les organes.

La machine corporelle
Léonard étudie le corps des animaux en recourant aux principes de la mécanique : il analyse son mouvement en termes de levier, points d'appui et autre concepts d'ingénierie analogues. Il créera, par ailleurs, un robot androïde et un lion mécanique.

Les fluides corporels

Léonard étudie tous les fluides corporels, notamment le sang et ses mouvements dans les cavités du cœur, et découvre que ce dernier est un muscle. Il compare le cœur à l'océan et les vaisseaux aux rivières. Cette analogie est étendue à l'architecture et à l'urbanisme, à l'image d'une ville dotée de canaux d'entrée de marchandises et de canaux de sortie pour expulser les déchets.
Les fluides sont d'une importance capitale en médecine pour comprendre les appareils urinaires, respiratoire et intestinal et bien sûr le sang et le système vasculaire. Il étudie le flux et le reflux.

Quête de l'âme
Il essaie de localiser le siège anatomique de l'âme intellective au centre du crâne. Dans l'une de ses expériences, il injecte dans le cerveau d'un animal (peut-être une vache) de la cire fondue à l'aide d'une seringue. Ensuite, il prélève le tissu cérébral pour obtenir un moulage exact des cavités internes dudit cerveau.
Il étudie l'âme non pas seulement en tant que force vitale mais également du point de vue psychologique (appelé à l'époque "sens commun") où convergent toutes les sensations externes.

L'homme et les animaux
En totale contradiction avec la culture de l'époque, Léonard met en doute la supériorité des êtres humains en comparant les aspects les aspects anatomique et émotionnel communs à l'homme et l'animal. Il étudie aussi la physiognomonie qui permet de juger du caractère d'un individu d'après les traits de son visage ou de sa gueule pour les animaux.
Il cherchera à mettre en évidence les caractéristiques communes à l'homme et aux animaux. Par exemple, il compare les jambes d'un homme et d'un cheval. Il compare les émotions sont étudiées quand par exemple il représente la tête d'un homme, d'un lion et d'un cheval, toutes déformées par une expression de colère et de fureur.  (voir image)

Anthropométrie
Léonard révolutionne l’anthropométrie de la Renaissance : il y inclut le temps et le mouvement, étend ses recherches aux animaux et à l'anatomie interne de l'homme.
Il donne une base scientifique à l'anthropométrie sur laquelle repose l'architecture, le design et l'ergonomie. Par exemple, il fait correspondre les proportions des différentes parties d'un bâtiment à celles d'un corps humain. (voir Homme de Vitruve et Giogio Martini p.151)

L' origine de la vie
Premier artiste à décrire un fœtus humain et ses relations avec le corps de la mère. Il dessine également une coupe transversale des corps d'un homme et d'une femme ayant des relations sexuelles et décrit leur système de reproduction. Léonard esquisse des dessins anatomiques d'une étonnante précision : s'ils avaient été rendus publics, ils auraient pu révolutionner les connaissances médicales de son vivant. Mais ses études l'expose à de nombreux dangers, par exemple le traité de l'immortalité de l'âme de Pomponazzi est condamné et brûlé en place publique.

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La vis aérienne :
Léonard de Vinci n’a pas créé l’hélicoptère, il a créé la vis aérienne inspirée d’Archimède. Elle a été conçue comme une spirale en toile de lin tendue sur un squelette de fil de fer soutenu par une armature de bois.
Explications : Pendant que la voile tourne autour de l’armature en bois, elle expulse l’air qui crée une poussée d’air. Ce phénomène a été confirmé par la 3ème loi de Newton, et plus tard inspirera les moteurs rotatifs des avions.

Le chariot autopropulsé :
Le chariot de Léonard et doté de freins et de fonctionnalités d’autoguidage. On considère que c’est le schéma du premier robot mondial. Il est possible que ce chariot a été conçu comme mécanisme pour produire un effet scénique. Décrit comme une « automobile » ce chariot autopropulsé s’apparente à une pièce d’horlogerie imposante: ressort à spirale, engrenage, mécanisme d’enclenchement, mécanisme d’échappement avançant d’un cran à chaque fois. Ce procéder garanti une libération uniforme d’énergie. Ce chariot a 3 roues est commander par une seule roue successible d’être programmer de façon rudimentaire (pour être uniquement orienter à droite) en plaçant plusieurs cales de bois entre les engrenages afin qu’il puissent fonctionner sans conducteur humains à son bord. Par contre il n’existe aucune preuve attestant de sa fabrication mais le concept est remarquable.

Le parachute
Léonard imagine une myriade de machines volantes, souvent dotées de mécanismes complexes dans le but de reproduire les mouvements des ailes d’un oiseau.
Le parachute de Léonard , conçu de façon à ce qu’un homme (puisse s’élancer à très hautes altitude, sans se blesser) met en évidence un modèle simple mais pratique qui fonctionnerait véritablement. Il a été testé en l’an 2000 à plus de 3000 mètres d' altitude. Il permet une descente plus en douceur qu'un parachute moderne mais en revanche son poids de 85 kg (armature et toile très lourdes) rend l’atterrissage dangereux.

La scie hydraulique
Il s'agit d'un dispositif simple mais ingénieux utilisant le mouvement rotatif de la roue à eau pour actionner la scie et le chariot dans le but de débiter du bois.

La viola organista
Grâce à l'association d'un instrument à cordes cintré et d'un clavier, Léonard crée un orchestre à cordes mobile polyvalent.

Le scaphandre
Léonard imagine un casque de plongée et une sorte de scaphandre autonome destinés à être utilisés à Venise pour se défendre contre les attaques navales (le but est d’aller percer des trous dans les coques des navires turcs). Il s'agit d'un véritable appareil de respiration sous l'eau fabriqué avec des tubes en bambou et des attaches en peau de porc, le masque facial est en cuir et doté de lentilles en verre. Un gros flotteur en forme de cloche est fixé dans la partie supérieure, maintenant les arrivées d'air au-dessus de l'eau.

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1/
Léonard de Vinci est né le 15 avril 1452 à Vinci dans une petite ville près de Florence. Son père Piero di Antonio d’à Vinci est notaire, sa mère Catarina est fille de paysans. En 1492 le nom de Vinci est inscrit dans le registre de Guilde florentine de Saint Luc. En 1492,  il entre dans l' atelier du peintre, sculpteur Andrea de Verrocchio. Il écrit un livre « De la figure humaine «  qui explique des crânes en 1489 . Il a séjourné dans plusieurs villes comme Florence Milan Boulogne Urline. Leonard de Vinci part en 1516 avec son élève Francesco Melzi et son Salaï en France pour le services du roi de France François 1er . Toute sa vie, il reçoit des paiements et des  cadeaux de ses mécènes en contreparties de ses œuvres qu'il rend souvent en retard. François 1er lui octroie une pension respectable s élèvant à 2000 écus-sol pour une durée de 2 ans. Le 2 mai 1519,  il meurt à 67 ans au château de Clos Lucé. Son nom est connu dans le monde entier. Son dessin le plus célèbre est "L' Homme de Vitruve", sa peinture la plus connue est "La Joconde". La somme de ses écrits est sidérante et leur qualité impressionnante : on estime le nombre de ceux parvenus jusqu’ à nous à environ 6000 pages ! Il est gaucher et écrivait souvent de droite à gauche soit pour ne pas faire de tâche avec l'encre soit pour rendre ses écrits difficilement déchiffrables. On dit que son écriture est en "miroir".

Léonard de Vinci est un génie pluridisciplinaire : artiste, théoricien, architecte, décorateur de théâtre, ingénieur, anatomiste, mathématicien, physicien, géographe, géologue et on en oublie... Il cherche l’essence de la science. La science en  ce sens désigne un ensemble systématique de connaissances vérifiées par l' expérience, c'est à dire émanant de l'ordre divin de la nature. Vinci pratique tant les activités pratiques que les théories. Il associe mathématiques abstraites et réalités matérielles des inventions. Il refaçonne la nature selon sa propre sensibilité mais toujours en s'appuyant sur la loi naturelle.
Il est un penseur "latéral". C'est à dire qu'il pense par associations, par exemple : une réflexion sur la géométrie l'amènera, par association, à une réflexion sur le mouvement de l'eau, une réflexion sur une eau tumultueuse le conduira à une réflexion sur les boucles de chevelure qui ensuite l'incitera à une réflexion sur les tourbillons de sang dans le cœur, etc.

Précurseur scientifique, il s'inspire de ses observations pour créer des connaissances systémiques. C'est le début de la science expérimentale.

Léonard est ainsi "l'homme de la Renaissance" par excellence car il est un humaniste capable d'embrasser une multitude de disciplines différentes.

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MOUVEMENT ET GESTE

Léonard dessine des personnes de tous âges , sexes, classes sociales. Il arrive à faire ressortir leur état physique et émotionnel. « il faut montrer les vieillards avec leurs mouvements lents , les jeunes femmes dans des attitudes modestes , les yeux baissés ». Ces propos sont parfaitement illustrés  dans son tableau La Cène.

LA CÈNE

La Cène était une commande de Ludovic Sforza. La peinture fait l’objet de beaucoup de critiques car elle s’écarte de la fresque traditionnelle est sa technique sort de l’ordinaire en lui permettant de modifier est faire des jeux de lumière.

SFUMATO

C’est Leonard qui invente le sfumato en italien fumé cela crée des reliefs sans trai net avec de la lumière et de l’obscurité se qui donne du réalisme

MONA LISA

Mona Lisa est un chef d’œuvre c’est le portrait

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Il y a trois type de perspectives
-linéaire: repose sur le fait qu’un objet paraît plus petit au fur et à mesure que la distance avec le spectateur augmente
-atmosphérique: danse les descriptions qu’elle proposent, les objets lointains paraissant plus petit, loin distant,plus plat et fortement bleuis
-plan pictural: s’apparentant a cadrer une scène lointaine dans une fenêtre. Le perspectographe de Léonard permet à un artiste de réaliser ainsi un dessin en perspective
Et Léonard a découvert que les rayons de lumière ne pénètre pas directement dans l’œil mais est réfléchi par la surface de la lentille

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La cité idéale
Conçue pour être aussi agréable que salubre, la citée idéale repose sur un système étagé constitué de passerelles en hauteur et de routes en contrebas, séparant les habitants  d'un réseau de canaux garantissant le transport et l'enlèvement des ordures, empêchant la propagation des maladies contagieuses qui ravagent l'Europe.

Architecture ecclésiastique

Léonard produit une multiple de dessins d'églises entre 1487 et 1490, dont la plupart son à plan central. Il utilise l'octogone et fabrique des dômes originaux.

Cartographie et canaux.

Parmi les projets de Léonard en matière d'ingénierie hydraulique, citons des barrages, des canaux et des plans d'assèchement ambitieux pour lesquels il conçoit, en autre, des machines excavatrices. Il entreprend également des études dans le but d'élaborer des cartes d'une telle précision qu'elle confère à son mécène, César Borgia, un réel avantage militaire.

Ponts

Les ponts élégants de Léonard résistent à l'examen minutieux du génie civil moderne et sont à couper le souffle en termes d'originalité au vu de leurs dimensions et caractéristiques de conception.
Il invente, par exemple, une série d'encoches dentées pour empêcher l'éclatement des ponts en bois à arc cintrés. Pour le duc de Milan, il imagine des ponts provisoires construits avec des arbres attachés ensemble pour faire traverser une rivière aux troupes, et ce dans le but de créer un effet de surprise.
Il crée aussi des ponts pivotants, des ponts à deux étages. Sa réalisation majeure est un pont de 350 mètres de longueur pour relier Constantinople à Pera (Manuscrit L).

Coulage de la statue équestre de Sforza.

Les nombreuses études anatomiques de chevaux réalisées par Léonard à partir de sujets vivants vont lui permettre de construire la plus grande statue équestre que le monde de la Renaissance n'ait jamais vue (le cheval, le cavalier et le socle font 12 mètres de haut). Seuls ses dessins subsistent : son modèle en argile grandeur nature a été détruit et même le monument en bronze n'a jamais vu le jour.

Le théâtre
Les scénographies théâtrales de Léonard ne sont pas de simples décors mais ont inspirés les dispositifs mécaniques à même de donner vie au théâtre. Il a par exemple fabriqué un lion automate pour un festival lyonnais en l'honneur de François 1er. Sur scène le lion s'avance, remue la tête et la queue puis laisse échapper de son poitrail ouvert des fleurs de Lys. Le but étaient d’impressionner les marchands florentins présents tout en imposant un message politique à la gloire du roi français.
Léonard offrira au monde son premier robot humanoïde en réalisant un automate revêtu d'une armure capable de bouger la tête, la mâchoire et les bras grâce à un système de poulies et de câbles.

Machines de travail

La myriade de dessins des machines de travail de Léonard allie sens pratique et élégance. Les machines sont conçues pour transformer un simple mouvement par l’opérateur en un ensemble complexe d'actions destinées à automatiser un processus. Ces machines ont probablement amélioré les conditions de travail d'un grand nombre de personnes. Il invente par exemple une machine pour sculpter les limes, une pour estamper les revêtements en feuilles d'or, des machines textiles à cisaillement automatisés, des machines de bobinage et des métiers à filer... Ses notes sont souvent codées pour protéger ses idées de ses concurrents comme Specchi.

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13/12
Léonard de Vinci ce rend dans plusieurs ville italiennes comme Valtelina, Valsassina, Bellago, Ivrea et bien d’autres. Mais il séjourne dans plusieurs localités et principalement à Florence et Milan ainsi Mantoue, Rimini Piombino. Finalement il part avec son apprenti Francesco Melzi en 1516 en France ou il entrera au service du roi François Ier.

Léonard de Vinci est l’homme de la renaissance car il a révolutionné l’art de la peinture, des dessins et des manuscrits. Mais c’est art son souvent relier au corps humain, ou à mouvement de l’eau dans les montagnes. Il incarnes les techniques et les connaissances qui de nos jours, nécessiterais des douzaines de spécialistes différents en allant de la géologie à l’anatomie, la physique, la musique, le génie civil et la peinture en oubliant plein d’autres matières. Léonard de Vinci est « l’homme de la renaissance » par excellence 🤯

Léonard de Vinci est mort à Amboise, en Touraine, le 2 mai 1519 à l'âge de 67 ans.

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Le premier moteur

Léonard s’efforce de comprendre les lois de la nature, notamment la façon d'expliquer le mouvement. On estime que le concept du premier moteur sous-tend tout mouvement dans l'univers. Les concepts d’impulsion et de premier moteur sont liés à la correspondant entre macrocosme et microcosme. Par exemple, il remarque, dans ce cadre, que l'eau jaillissant en bouillonnements des sources de montagnes, sous l'effet d'un mouvement implacable, est comparable à la sève qui suinte à travers les cicatrices d'une vigne ou au sang qui s'écoule d'un vaisseau rompu dans une tête humaine ou animale.

Le corps de la terre

Léonard fait de nombreuses analogies (comparaisons) entre le corps de la terre et celui de l'homme. Il cartographie le corps de la terre de la même façon qu'il dresse la carte du corps humain, avec une précision telle qu'il est possible aujourd'hui d'en reconnaître la topographie.

Le macrocosme et le microcosme.

Pour Léonard le macrocosme -perception de l'univers comme une totalité- a pour pendant le microcosme ou "image réduite" du corps humain. A l'image de cet extraordinaire dessin des appareils respiratoires, vasculaires et uro-génital d'une femme. Le corps humain est un "monde en modèle réduit". Léonard identifie un mécanisme commun entre la myriade de vaisseaux de l’appareil respiratoire humain et les branches d'un arbre, sans oublier le réseau de fleuves et de leurs affluents drainant la terre.

Nécessité et expérience

Selon la vision du monde de Léonard, la nature est "la maîtresse des maîtres". Le principe de nécessité établit que toute force s'épuise en fonction du moyen le plus direct mis à sa disposition. La nécessité et la géométrie œuvrent pour créer toutes les formes naturelles. La nature manifeste dans le même temps perfection et économie. De nombreuses études de plantes et d'animaux respectent cette idée.

L' eau
L'eau est le seul thème dont s'est préoccupé Léonard tout au long de sa vie, et constitue le sujet de ses dessins les plus extraordinaires et de ses procédés les plus ingénieux, notamment celui de faire dévier le cours de la rivière Arno, élaboré vers 1504.
Vinci va créer un système d'irrigation complexe pour une ferme modèle à la demande de Sforza. Il améliore les systèmes de vannes et les écluses.

Le tourbillon
Le phénomène de tourbillons représente pour Léonard une puissante source d'inspiration. Il essaie de décomposer leur mouvement et fait des analogies avec le débit sanguin et même les ondulations de cheveux.

Forces de la nature

Léonard est fasciné par les forces de la nature.Il observe et décrit la puissance destructrice des tremblements de terre, crues torrentielles et vents violents. Il remet en cause les théories médiévales de l'origine des fossiles et conteste les explications traditionnelles du Déluge de la Bible.
Il arrive à rendre l'effet cinématique dans ses dessins

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Le traité de peinture
Le Traité de peinture de Léonard devient le principal moyen de transimission de sses idées théoriques jusqu'au XIX siècle. Il affirme la primauté de la peinture sur la sculpture, la poésie et la musique. Il souligne l'importance de la nature comme guide primordial. Il expose les techniques de peinture. Il explique les principes du corps humain, les mouvements de la figure humaine, la difficulté de peindre des drapés... On trouve aussi de longues discussions scientifiques sur la lumière et l'ombre, sur la perspective. Ces carnets sont exceptionnels de par l'ampleur de son analyse et son habileté comme dessinateur.

Le Paragone
Il s'agit de comparer les arts.
Léonard veut que la peinture compte parmi les arts libéraux comme la poésie ou la musique. Il pense que la peinture est supérieure à la poésie en ce sens qu'elle attire l’œil et non l'oreille. L’œil "fenêtre de l'âme" est le premier organe sensoriel du fait que, à travers lui, il est possible de saisir à la perfection le caractère infini des œuvres de la nature. Il avance que la peinture influe sur nos émotions plus rapidement que la poésie parce qu'un tableau peut être regardé et compris instantanément alors qu'il faut du temps pour lire un poème. La peinture est supérieure à la musique parce qu'elle ne s'éteint pas sitôt après sa création. Ainsi, Léonard avec son paragone ranime les querelles intellectuelles de l'époque.

Décorum ou convenance dans le mouvement et le geste.
Les mouvements et gestes d'une figure peinte doivent correspondre à son âge, à son sexe et à sa position sociale sans oublier d'exprimer son état émotionnel.

La Cène (peinture murale de Milan)
Le maniérisme des personnages, leurs gestes et échanges mettent en lumière leurs réactions aux paroles et actions du Christ au cours de la Cène. Chacun des apôtres réagit de façon différente aux paroles du Christ, leurs mouvements, gestes des mains et expressions du visage tendant à transcrire la nature des émotions qu'ils éprouvent.
La Cène est une commande de Ludovic Sforza pour décorer le couvent dominicain de Milan. Cette peinture murale date de 1494-1498. Il s'agit d'une remarquable peinture narrative, c'est à dire qu'elle retrace le moment de l'annonce bouleversante par le Christ de la trahison de l'in de ses apôtres, suivi par l'institution de l'eucharistie évoquée dans son geste par lequel il tend le bras pour saisir le calice et partager le pain. léonard est révolutionnaire tant par l'expression que par l'orchestration des réactions des apôtres, au niveau de leur comportements individuels (gestes, expressions du visage) et en groupe de trois. Dans le groupe à la droite du Christ, Judas est représenté avec un mouvement de recul et serrant contre lui une bourse contenant l'argent de sa trahison.
La construction est fascinante sur le plan visuel : la tête du Christ sert de point de fuite pour créer la perspective. La taille des figures est agrandie (ils ne peuvent pas tous s'asseoir derrière la table) afin d'étudier l'expression et la signification à leur plus haut niveau. La scène n'est pas représentée du point de vue de la hauteur d'un homme mais à partir d'une position idéale deux fois plus élevée.
S'écartant de la fresque traditionnelle, Vinci invente une technique expérimentale : la détrempe, procédé qui utilise le jaune d’œuf et les vernis à l'huile à certains endroits afin de mieux modifier mais aussi de créer des effets de lumière et de modelé plus subtils.

Tableau inachevé : L'Adoration des mages

Léonard étudie toute une palette de poses et de gestes de figures correspondant aux différents âges des trois mages.

Clair-obscur et Sfumato
Le clair-obscur est l'art donner du modelé grâce aux effets de la lumière et de l'ombre et le sfumato (qu'on peut traduire par fumée) est le fait de peindre de façon imperceptible les gradations fondues de tons.  La lumière et l'ombre doivent se fondre "sans ligne ni trait comme une fumée". Léonard donne ainsi naissance à un réalisme empreint du subtilité à même de transcrire la forme tridimensionnelle et l'expression des émotions. C'est grâce à l'invention récente (XV siècle) de la peinture à l'huile et à l’utilisation d'un pinceau aux poils ultra fins que Léonard réussi cette prouesse technique . Il superpose de nombreuses petites touches de peintures très fines.

La Vierge à l'enfant avec Sainte Anne reflète bien cette technique. Les dégradés fondus de tons renforcent l'expression de douceur et de sensibilité de sainte Anne enveloppant d'amour le regard qu'elle pose sur la Madone.

Dessins à la pierre noire et à la sanguine.
Pour Léonard, ils constituent le moyen idéal pour réaliser des études détaillées de types de visages exprimant la douceur des modèles et les émotions. Il est le premier à exploiter les tonalités chaudes de la sanguine. Idéale pour réaliser le fameux sfumato (contours nets, linéaires, fondues des modelés > tête de Judas). La pierre noire, plus tendre et friable crée une atmosphère plus délicate nimbant ce visage expressif (tête de Saint Philippe)

L'art du portrait
Les portraits de Léonard reflètent le rang social de ses modèles mais cristallisent également la relation profonde entre ceux-ci et la personne les regardant.

Tableau : La Joconde
(77 cm de hauteur sur 53 de largeur, sur fin panneau de bois de peuplier, peinture à l'huile, Musée du Louvre)

En 1503, lors d'un séjour à Florence, Lde V. reçoit une commande de la part d'un riche commerçant en soies qui souhaite un portrait de sa femme.

Cette jeune femme avait environ 24 ans et venait de mettre au monde son troisième enfant. Sa famille venait de déménager et voulait un portrait pour décorer les murs de sa nouvelle résidence.

Elle s'appelait Lisa Gheraldini. C'est pourquoi le tableau s'intitule également Monna Lisa. Monna est un diminutif de madona, qui signifie en italien « ma dame ». Monna Lisa est donc « Madame Lisa ». Monna Lisa est cependant plus connue sous le nom de la « Joconde ». Son mari s'appelait en effet Francesco del Giacondo, et sa femme était la donc la « Giaconda », la Joconde (signifie aussi "sereine" en italien). Il s'agit peut-être aussi d'un jeu de mots, car giocondo signifie en italien « gai, joyeux, jovial », et le verbe giocare veut dire « jouer ».

L.deV. a travaillé quatre ans pour réaliser ce portrait, mais on dit aussi qu'il n'a jamais cessé de le retoucher.

Finalement, il ne l'a jamais vendu à Francesco del Giocondo. Il l'aimait tant qu'il a préféré le garder. Il l'emmenait partout avec lui et tous ceux qui le voyaient étaient émerveillés.

CONTEXTE

A la fin du Moyen Age et au début de la Renaisance, les portraits étaient avant tout des œuvres religieuses. Lorsqu'une personne commandait une œuvre, on la représentait souvent comme un personnage secondaire.

Les portraits de fiançailles ou de mariage sont apparus plus tard. La plupart des mariages se concluaient alors par intérêt, et les fiancés ne s'étaient souvent pas rencontrés. Grâce au portrait, ils pouvaient voir le visage de leur futur époux avant le mariage, et ainsi il n'y avait pas de surprise ! A la fin du XV siècle, le portrait de fiançailles est devenu un portrait double -un du mari et l'autre de l'épouse- pour commémorer le mariage.

Les artistes de la Renaissance italienne représentaient souvent les visages de profil, comme sur les monnaies et les médailles de la Rome antique.

Dans un portrait, le décor permet de donner des informations sur la personne représentée. Par exemple, la branche de genévrier est symbole de vertu, le papillon symbole de l'âme...

Dans le Nord de l'Europe, on représentait les personnes dans une posture différente : le modèle était assis de côté avec le visage tourné vers le spectateur. Le Hollandais Jan Van Eyck est le premier a avoir adopté cette composition. Lorsque le spectateur regarde le portrait, il le regarde dans les yeux, il est ainsi entraîné à l'intérieur du tableau ! (sa devise était : « du mieux que je peux »).

Les artistes flamands utilisaient la technique de la peinture à l'huile. La peinture mettait ainsi plus de temps à sécher, ce qui permettait de faire des retouches plus minutieuses et d'obtenir des portraits plus réalistes.

Sous l'influence de la peinture flamande, Léonard est l'un des premiers artistes italiens à peindre à l'huile.

Le portrait d'une femme de trois-quarts, assise devant une fenêtre ou un balcon et, à l'arrière plan, un paysage, devient à la mode à Florence à cette époque là.

POURQUOI EST-ELLE ORIGINALE ?

Elle paraît vivante, elle respire et nous regarde dans les yeux, comme si elle voulait nous dire quelque chose.

Selon la façon dont on la regarde, elle ne sourit pas de la même façon. Son sourire semble disparaître si on regarde sa bouche, mais il réapparaît si on la regarde dans les yeux. D'où vient cette étrange impression ?

Pour dessiner ce mystérieux sourire, Léonard a utilisé de nouvelles techniques comme le sfumato – de l'italien sfumare qui signifie « évaporer ». Ce procédé consiste à estomper délicatement les couleurs pour modeler les contours. Léonard a peint des ombres qui vont de la commissure des lèvres jusqu'aux joues. Si l'on regarde la Joconde dans les yeux, on aperçoit les ombres de ses joues et cela donne l'impression qu'elle sourit...

La Joconde n'a pas de sourcil ni de cils. La mode pour les femmes de Florence étaient alors de s'épiler le visage. Peut-être aussi que Léonard a voulu ainsi lui donner une expression plus mystérieuse et ambiguë...

Le fond du tableau : au début, un paysage aux couleurs chaudes, qui semble réel et habité, avec un chemin et une rivière ; plus loin, un paysage imaginaire, sauvage et mystérieux...

Un voile transparent lui couvre la tête (technique du sfumato : de fines couches de couleurs transparentes, que l'on appelle aussi « glacis ».

Il y a trois points de lumière : sur le front, sur le buste et sur les mains. Cela contraste avec la robe sombre et austère.

Léonard utilisait des pinceaux extrêmement fins et ses coups de pinceaux étaient si légers qu'il faut une loupe pour les repérer.

> La Joconde c'est la grâce, la grâce d'un sourire. Vinci invente l'idée de faire un portrait avec un sourire. Or, le sourire c'est éphémère, ça ne dure qu 'un instant. Le tableau représenterait donc la beauté qui est toujours éphémère. Il est aussi une représentation du temps qui passe, le sourire fait le lien entre le chaos du paysage derrière et la grâce du visage. Le pont et sa rivière dans le paysage sont aussi le symbole du temps qui passe. Le paysage représenté derrière c'est la Toscane immémoriale, celle qui existait avant que l'humanité n'y crée la grâce de ce pays, symbolisée par la Joconde. Le paysage, composé de rochers, de terre et d'eau, semble quasiment pré-humain, il n'y a pas de construction humaine (sauf le pont, symbole du temps qui passe).

Le déluge
Vers la fin de sa carrière, à partir d'environ 1515, la vision profondément inventive du "Déluge" devient une préoccupation majeure de Vinci. Il veut analyser le pouvoir destructeur des éléments (cataclysme), étude des spirales, des tourbillons. Face à ces catastrophes, Léonard rappelle que l'homme est insignifiant, trop petit et désarmé pour mériter qu'on se souvienne de lui.

La vierge aux rochers
Les gestes et expressions des personnages montrent la volonté de Léonard de tisser entre eux des relations dans le cadre d'un cycle narratif (il raconte une une histoire). Tous les éléments sont mis en scène autour de la Vierge Marie, dominant au centre du tableau, soutenue par Saint Jean-Baptiste. La douce lumière met en valeur les mains et l'expression des visages qui émergent des ombres environnantes. La lumière est circonscrite par le groupe retiré à l'intérieur d'une grotte parsemée de rochers. La lumière est diffusée par la gauche, elle crée des changements de tonalités imperceptibles renforçant l'effet de sfumato qui crée un modelé délicat aux formes et suggère des effets de relief. Les plantes à l'avant du tableau sont également soulignées par une forte lumière pour mettre en valeur leur importance symbolique en tant qu'attributs de la Vierge.

L'annonciation

Première oeuvre de jeunesse de Léonard à être parvenue jusqu'à nous. Probablement destinée à un monastère, elle est exécutée en tre 1472 et 1475, époque où Léonard travaille encore comme assistant dans l'atelier de Verrochio. Elle reflète l'immaturité artistique de Léonard : le bras droit de la vierge assise est trop éloignée du lutrin pour que celle-ci puisse toucher la page du livre, les teintures sont épaisses, inanimées.... En revanche, la ,conception spatiale élaborée avec soin prouve sa maîtrise déjà acquise en matière de perspective géométrique. De même le port peint sur un fond de montagnes lointaines et brumeuses, aux tons fondus, révèle déjà son talent pour l'atmosphère dans les paysages. Le contraste des couleurs est également remarquable. Les mouvements de l'ange Gabriel en train de s'agenouiller sont bien exécutés. Le lilas, symbole de la virginité de Marie, que Gabriel tient près de son visage, est rendu avec un naturalisme précoce. Gestes expressifs (la bénédiction), la bouche légèrement ouverte en guise de salutation de Gabriel montre la volonté de Vinci de faire un tableau narratif vivant. Les expressions, la beauté délicate des visages, des boucles ondulantes de leur chevelure annoncent toutes les qualités des peintures suivantes de Léonard.

La vierge, l'enfant Jésus avec Sainte Anne et Saint Jean-Baptiste enfant.
Ce dessin à grandeur d'exécution (carton) compte parmi les œuvres les plus sublimes de Léonard. Il illustre parfaitement sa technique du clair-obscur ainsi que toutes ses idées sur le mouvement et l'émotion (dynamisme des mouvements contorsionnés, courbure de l'ombre et de la lumière, expressions des visages...). Le sujet occupe Léonard durent 17 ans de 1501 à 1518.

La dame à l'hermine
S'écartant de la tradition du portrait de profil de modèles de la haute société, ce tableau occupe une place prépondérante dans la conception révolutionnaire du portrait de Léonard, dégageant une humanité à nulle autre pareille. Elles est représentée de trois quarts, la tête tournée vers la gauche, comme si elle s'adressait, une lueur dans les yeux et un sourire à peine esquissé, à une personne ou à une chose proche d'elle mais hors du cadre du tableau. L'animal qu'elle tient, une hermine, regarde attentivement dans la même direction et lève une patte, attitude renforçant ses propres mouvement et réaction émotionnelle. On ne peut qu'admirer le remarquable naturalisme et la vitalité émanant du modèle. Elle donne l'impression d'écouter. Cet effet est également obtenu moyennant un jeu complexe mêlant lumière et couleur. La subtilité du passage progressif de la lumière à l'ombre sur le visage, les épaules et la main du modèle, de zones de lumière directe à une lumière dispensée en rayons optiques sur des zones de plus en plus sombres, crée une perception tridimensionnelle extraordinaire.
Le modèle est Cecilia Gallerani, maîtresse du duc Ludovic Sforza. Le portrait date de 1489 ou 1490. Il a une forte portée symbolique. L'hermine symbolise la pureté et la modération, vertus faisant vraisemblablement allusion aux qualité de Cecilia.  L'hermine, en grec, se disant galée, ce terme pourrait être un calembour sur son nom de famille. De même, elle eput faire référence à Ludovic, décoré de l'ordre de chevalerie de l'Hermine en 1488.

La bataille d'Anghiari
Léonard considère la guerre comme une "folie purement bestiale". En 1503, il reçoit une commande pour peindre ce sujet sur le mur de la salle du grand palais civique florentin, censé représenter la victoire historique remportée les Florentins sur les Milanais en 1440 à Anghiari. Se focalisant sur le combat effroyable des hommes et des chevaux, le cœur de la bataille est conçu comme le moment où un soldat beuglant est sur le point d’asséner un coup violent dans le but de trancher la main de son ennemi et tenter de s'emparer de l'étendard milanais. Il évoque la sauvagerie du combat, la terreur, la colère et le caractère vindicatif des hommes et des chevaux, au cours d'un affrontement où l'animalisation des hommes s'exprime par les parallèles établis entre expressions humaines et animales. Cette peinture influencera de nombreux autres artistes : de Raphaël et Michel-Ange à Rubens.