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azzurro BRAMANTE
giallo LEONARDO
verde MICHELANGELO
viola RAFFAELLO
rosso PALLADIO

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Leonardo da Vinci come genio rinascimentale

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Leonardo da Vinci come genio rinascimentale

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La Mistica dell'Anima - Il Nettare della Rosa

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Musica rinascimentale - Alle stamegne, donne! - Micrologus

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arte viva plus
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Alarte
studiareconlaprofarte.it

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Scrive 4 libri sull' architettura, e tratta argomenti attinenti alla costruzione in generale(materiali,ordini architettonici,tipologie edilizie fra cui le ville).
Ma soprattutto contenevano i disegni dei suoi progetti ovvero le xilografie, presentate con misure e volumi cosa molto importante perchè permise   agli architetti dopo di lui di concludere le sue opere

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La villa costruita per il patriziato veneto, ha quattro vestiboli in forma di colonnato ionico con un grande frontone di coronamento che creano un'estensione dell'edificio a 360° verso lo spazio circostante.
Ed è proprio la sua omogeneità ad ogni faccia ad attribuirle il nume di Rotonda, inoltre Palladio innalza il livello abitativo con la scalinata in modo che le stanza fossero meno soggette a umidità.

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Progettato secondo la struttura per il teatro descritta da Vitruvio, viene però inserito in un edificio già preesistente.
La cavea ha forma semiellittica  con ripide gradinate concluse da un colonnato.
Lo scenae frons rispetta  l'impostazione classica dell'arco trionfale, sopra di cui si innestano in armonia un piano mediano e un attico.

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la trattazione di Vitruvio è l’insieme dei saperi teorici e pratici acquisiti negli ultimi due secoli ellenistici nel campo dell’architettura e dell’ingegneria.
DESCRIZIONE DETTAGLIATA DEI LIBRI DEL TRATTATO:

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Vitruvio Pollione: la vita, il De architectura (il contenuto, le fonti, la lingua), il modello del perfetto architetto, l'Uomo Vitruviano. Riassunto di Letteratura latina.

È incerto il luogo di nascita di Vitruvio Pollione: c'è chi dice Fondi, chi Formia, chi l'area campana in genere; secondo altri è di Verona o di Piacenza. Nacque nei primi decenni del I secolo a.C. e visse fino ai primi anni del periodo augusteo.

Scarse le notizie sullo svolgersi della sua vita. Sappiamo che Vitruvio partecipò alle campagne militari di Cesare in Gallia e alle varie fasi della guerra civile del 49-45 a.C. in qualità di praefectus fabrum, cioè ingegnere del genio militare addetto alle costruzioni di accampamenti, ponti, strade, macchine da guerra. Attività che egli svolse anche sotto Augusto e, per intercessione di Ottavia, sorella dell'imperatore, ottenne uno stipendio che gli consentì di vivere agiatamente.

Il nome di Vitruvio resta legato al De Architectura, il primo trattato di ingegneria che dall'antichità è giunto fino a noi e che riveste un'importanza grandissima, ancora oggi, per la conoscenza delle teorie architettoniche antiche.
Per sua stessa testimonianza, della sua attività si conosce solamente la progettazione della basilica di Fano, di cui però non si hanno tracce.

Il De Architectura di Vitruvio

Il trattato De Architectura fu composto tra il 25 e il 23 a.C. e dedicato ad Augusto. È strutturato in 10 libri:

Nel primo libro Vitruvio, seguendo le norme della retorica tradizionale, delinea il modello del perfetto architetto che deve essere in possesso di una cultura non soltanto specialistica, ma anche enciclopedica. Poi Vitruvio affronta problemi di terminologia architettonica e discute di opere pubbliche, sia quelle finalizzate alla difesa (mura, torri, ecc.) sia quelle finalizzate a scopi religiosi.

Nel secondo libro parla dei materiali da costruzione con una digressione sui progressi dell'ingegneria edile.

Nel terzo libro l'autore affronta il problema dell'architettura religiosa; per lui il miglior modello di edificio religioso è rappresentato dal tempio ionico di cui ammira l'armonica simmetria.

Nel quarto libro l'autore tratta degli altri stili: il dorico, il corinzio e il tuscanico.

Il quinto libro è dedicato agli edifici pubblici (basiliche, teatri, bagni), alla definizione dei loro usi e dei loro fini, e alla loro tipologia.

Il sesto libro, invece, è dedicato agli edifici privati.

Nel settimo libro affronta il tema delle rifiniture di una casa: intonachi, decorazioni, smalti, stucchi, colori.

L'ottavo libro è dedicato all'idraulica.

Nel nono libro tratta di astrologia e astronomia, e della gnomonica, cioè della scienza relativa agli orologi solari.

Il decimo libro, infine, è dedicato alle macchine da guerra.

Il perfetto architetto dal De Architectura di Vitruvio

A Vitruvio va il merito di aver definito l'architettura come scienza e soprattutto di averle riconosciuto, e fatto riconoscere agli altri, la diginità di attività intellettuale, per cui l'architetto, al pari del perfetto oratore ciceroniano, deve essere in possesso di un sapere enciclopedico. Infatti Vitruvio afferma che l'architetto deve conoscere:

l'acustica, indispensabile per la costruzione di teatri;

l'ottica, per poter creare un'adeguata illuminazione negli edifici;

la medicina, per poter scegliere le aree edificabili tenendo conto delle caratteristiche igieniche;

il disegno, per eseguire più facilmente i suoi schizzi;

la geometria, perché insegna l'uso della retta e del compasso, indispensabili per tracciare la pianta di un edificio;

l'aritmetica, necessaria per calcolare le spese di costruzione e per stabilire le proporzioni simmetriche;

la musica, per conoscere i rapporti fra i suoni;

l'astronomia, che è alla base della costruzione delle meridiane;

la giurisprudenza, per la conoscenza delle leggi indispensabili in materia urbanistica;

la filosofia, sia perché per mezzo di essa l'architetto può assurgere a un livello culturale e sociale inaccessibile per chi pratica un'attività tecnica, sia perché la filosofia fa sì che l'architetto possa essere stimolato da un interesse estetico più che da finalità meramente pratiche.

Le Fonti del De Architectura di Vitruvio

Per la compilazione dell'opera, Vitruvio si servì di fonti greche, come a esempio Ermogene, Ateneo e Posidonio, e di fonti latine, come Varrone, Fuficio e Settimio, integrando il tutto con la sua esperienza pratica e filtrandolo attraverso la sua cultura filosofica. E il risultato ottenuto fu un'opera che ebbe un grandissimo successo.

La Lingua del De Architectura di Vitruvio

Le parti proemiali, pur se alquanto gonfie, sono meglio curate nel linguaggio, mentre le parti didascaliche sono infarcite di tecnicismi, grecismi, volgarismi e arcaismi, che spesso rendono oscura, o stilisticamente dura, l'esposizione formale.

Infatti Vitruvio ricorreva ai grecismi perché, contrariamente alle abitudini dei letterati romani, evitava di rendere i termini greci in latino quando non aveva a sua disposizione le parole corrispondenti esatte, ma li riportava direttamente in greco. Ed era costretto a far ricorso ai volgarismi e agli arcaismi quando la lingua latina era a corto di lessico.

Nota Bene: nel De Architectura, Vitruvio fissò anche le leggi matematiche che presiedevano alla rappresentazione del corpo umano ideale. Verso i 35 anni Leonardo da Vinci iniziò la traduzione del De Architectura. Da questo studio nacque il suo disegno oramai famoso in tutto il mondo, l' Uomo Vitruviano: ne parliamo in dettaglio qui.

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L'architetto Vitruvio e il De Architectura - Studia Rapido

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Vitruvio Pollione: la vita, il De architectura (il contenuto, le fonti, la lingua), il modello del perfetto architetto, l'Uomo Vitruviano. Riassunto di Letteratura latina. È incerto il luogo di nascita di Vitruvio Pollione: c'è chi dice Fondi, chi Formia, chi l'area campana in genere; secondo altri è di Verona o di Piacenza.

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Palladio adotta come sua etica per gli edifici, il rapporto tra forma e funzione, in modo da portare al culmine le esigenze formali e funzionali.
Ma in particolare segue alla lettera il trattato di architettura di Vitruvio.

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Già nel tardo rinascimento si nota come c'è sempre di più una maggiore accuratezza nell'urbanistica ovvero nel rapporto tra ambiente circostante e dimensioni dell'edificio.
Questo rapporto viene alla luce soprattutto con Palladio

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la sua istruzione è dovuta soprattutto a Giangiorgio Trissino, che lo impiegò nella costruzione della sua villa a Cricoli presso Vicenza, fu fondamentale nella formazione del giovane Palladio, prima ancora dell'esaltante scoperta del mondo classico durante il viaggio a Roma del 1541, sempre col Trissino.

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All'apice di questo iperbole, c'è Michelangelo. Dopo di lui la pittura è a scendere, e quindi era sottinteso che la pittura fosse per lui in decadenza.

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La parola in origine veniva utilizzata come derivante da “maniera”, ovvero il modo di dipingere dei pittori. Per Vasari i manieristi erano artisti che dipingevano imitando i grandissimi del primo ‘500.

Vasari afferma che questi artisti dipingevano secondo la maniera degli artisti del primo ‘500.

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Movimento stilistico italiano ed europeo sviluppatosi tra il 1520 ca e la fine del Cinquecento, è caratterizzato da un antinaturalismo lontano dalla razionalità rinascimentale e dall'equilibrio armonico classicista. Il termine viene dalla critica seicentesca caricato di un significato negativo per indicare inerzia creativa, artificiosità, virtuosismo tecnico non sostenuto dall'ispirazione. I primi due centri di elaborazione del manierismo sono Firenze e Roma.

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La cultura nell'epoca della Controriforma

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1. Platone (con l’effigie di Leonardo da Vinci)

2. Aristotele (con l’effigie di Bastiano da Sangallo)

3. Socrate

4. Senofonte

5. Eschine

6. Alcibiade

7. Zenone

8. Epicuro (con l’effigie di Fedra Inghirami)

9. Federico Gonzaga

10. Averroé

11. Pitagora

12. “Bellezza e bontà” (con l’effigie Francesco Maria della Rovere)

13. Eraclito (con l’effigie di Michelangelo Buonarroti)

14. Diogene

15. Euclide (con l’effigie di Bramante)

16. Zoroastro (con l’effigie di Baldassarre Castiglione)

17. Tolomeo

18. Apelle (con l’effigie di Raffaello Sanzio)

19. Protogene (con l’effigiedi Perugino)

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L’architettura all’interno della composizione della scuola ritrae alle spalle del folto gruppo di studiosi,un antico tempio che ricorda il progetto della Basilica di San Pietro del Bramante.

Ai lati del grande tempio sono presenti due grandi colonne, di cui quella a sinistra ha le fattezze di Apollo con in mano una lira, e quella a destra invece raffigura Minerva con un elmo, lancia e scudo che rispettivamente stanno ad indicare la violenza ed il desiderio sensuale.

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Raffaello dipinge all'interno della volta a cassettone, un imponente architettura dal gusto classico.
La lunetta risultano animate da una grande quantità di personaggi in una polifonia di pose che non si limita a descrivere una varietà di attitudini ma anche a formare una costruzione prospettica.

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Nella biblioteca dipinse quattro lunettoni, ciascuna su una parete in modo che i libri fossero divisi per materie e le pareti rappresentassero gli argomenti:
Disputa sulla Trinità-Teologia
Scuola di Atene-filosofia
Il Parnaso-poesia
La Giurisprudenza-diritto

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Nel 1508 Raffaello  viene invitato da papa Giulio II a decorare alcuni ambienti dei nuovi appartamenti papali. Erano già stati chiamati artisti del calibro di Perugino(maestro di Raffaello).
Era stato Bramante (suo  grande rivale a Roma) a fare il nome del giovane Raffaello al pontefice e questa scelta si rivelerà vincente.

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Studia le opere di Piero della Francesca che aveva realizzato ad Urbino alcune tra le sue opere più belle.
Raffaello cominciò così a studiare il disegno e la prospettiva, che gli permisero di studiare nella bottega del Perugino dove assimila la grazia tipica delle sue opere insieme ad un linguaggio classicista aulico.

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Michelangelo restaurò il piedistallo della statua di Marco Aurelio (in pieno accordo con le misure e rapporti tra statua e piedistallo) che pose al centro della piazza individuata da una planimetria ellittica.

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Il David è una statua mormorea di 5 metri raffigurante il re David prima di combattere Golia, infatti Michelangelo ritrae David concentrato prima della battaglia con il sasso in mano.
Lo spoglia totalmente di qualsiasi armatura raffigurandolo nudo come un'atleta greco-Romano, rompendo con la tradizione biblica del 400'.

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E' la posa di un personaggio avvitato su se stesso dando un'attitudine innaturale in grado di mostrare più parti del corpo e dare un movimento elicoidale che dona grazia e movimento alla statua.
Michelangelo apprende questa tecnica dallo studio delle statue greche, ne è un esempio la statua greca del Dorifero.

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Fu affrescata sulla parette dell'altare, essa raffigura il giudizio universale con al centro il cristo che sceglie la destinazione delle anime, al di sotto caronte con le anime del purgatorio e sopra le anime del paraduiso.
Lo stile veicola un messaggio morale esasperando le pose concentrando il suo interesse sulle tormentate anatomie degli eroi e dei caduti.
La messa evidenza dell'anatomia si deve la monocromia del blu come sfondo.

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la cappella sconta la sua novità nella convivenza di elementi desunti dalla tradizione cristiana con carateristiche antichizzate, ne sono un esempio i nudi che assumono un valore morale legata alla nascita dell'uomo, della caduta e redenzione del peccato.

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La volta della cappella Sistina voluta da papa Sisto IV, è caratterizzata da un immenso affresco inquadrato da un'architettura a trompe-l'oeil (limitata attraverso la pittura).
l' affresco raffigura la genesi e ogni scena appare come un quadro appeso al soffitto e tutti gli altri elementi non sono altro che inganni ottici.
Michelangelo usa colori sgargianti e brillanti per mettere in evidenza la plastica delle figure.

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La Pietà è una scultura marmorea di dimensioni colossali che segue il modello strutturale tedesco del vesperbild, ovvero gruppi scultorei medievali che rappresentano la Pietà costituita dalla madonna con il cristo morto.
E' intrinseca di un forte significato teologico infatti rappresenta maria giovanissima per alludere alla divina maternità, visibile anche nel modo in cui Gesù è adagiato al suo ventre.
E' una delle poche opere firmate da Michelangelo.

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E'concepito come una scultura, in cui la composizione piramidale del gruppo si impone su quasi tutta l’altezza e la larghezza della tavola.
Al suo interno è animata dalle torsioni dei corpi e dalla concatenazione dei gesti, questa composizione contraddistinte da movimenti serpentinati (la figura androgina di Maria) scaturisce dalla conoscenza e dallo studio da parte di Michelangelo dei grandi marmi del periodo ellenistico (III-I secolo a. C.).
I giovani nudi rappresentano l'umanità pagana e il muretto il peccato originale.
La cornice è in legno segno della tradizione dell'intaglio ligneo fiorentino

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Michelangelo formatosi negli ultimi anni del governo di Lorenzo il Magnifico, seppe traghettare le esperienze classiciste del 400' Toscano, verso un linguaggio più aulico basato sullo studio dell'arte greco-romana.
Fonda un nuovo canone dell'arte "moderna",in grado di proporre:un equilibrio compositivo, costruzione anatomica delle figure, e una competizione con il linguaggio antico.
Michelangelo rinnega l'artigianato polivalente per concedersi nell'attività di autonomo intelletto creatore.

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Il dipinto venne realizzato nel convento di Santa Maria delle Grazie, su commissione di Ludovico il Moro.
Leonardo per contraddistinguersi dai cenacoli fiorentini del Quattrocento, decide di dipingere la scena in cui Gesù comunica agli apostoli che uno di loro lo tradirà, e non la classica scena dell'eucarestia.
Leonardo impagina questa scena in una scatola prospettica che fa apparire il dipinto una continuazione della stanza, in modo che i frati potessero come "mangiare con Cristo".
Il problema del degrado dell' opera è attribuito all'esperimento di Leonardo di non usare l'affresco ma una tecnica a secco, ovvero dipingere sull'intonaco asciutto in modo che potesse avere più tempo per dipingere.

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Leonardo nel suo trattato, parla dell'utilizzo del chiaroscuro e quindi della "mezza luce" che conferisce alle figure grazia e dolcezza.
Il chiaroscuro con Leonardo non è più una degradazione cromatica ma un effetto per sfumare i duri contorni delle figure e par dargli un effetto di lontananza.
Tutto ciò fù accompagnato dalla prospettiva aerea che consiste nello sfumare gli oggetti più lontani tenendo conto delle mutazioni dei colori.

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Leonardo da Vinci si forma a Firenze nella bottega del Verrocchio, luogo molto favorito dalle commissioni dei Medici e della repubblica.
Il suo grande talento lo portò subito a fare carriera all'interno della bottega e diventare da allievo a collega di Verrocchio.

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Bramante realizzò un sacello cilindrico issato su tre gradoni e attorniato da un peribolo, coperto da una cupola semisferica impostata su un alto tamburo.
L'ordine scelto per le 12 colonne e per la trabeazione è il dorico ma decorato con triglifi e metope (rappresentano raffigurazioni liturgiche, come già adottato da Leon Battista Alberto)

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Il tempietto venne realizzato sulla luogo in cui mori' San Pietro ( riprendendo la tradizione paleocristiana del martyria).
L'architetto portò a compimento le riflessioni rinascimentali sul tema della chiesa a pianta centrale (meditata approfonditamente da Leon Battista Alberti nel secolo precedente)

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Donato Bramante si forma nella corte di Federico da Montefeltro (caratterizzata da una declinazione matematico-geometrica dei principi rinascimentali).
In cui visse il suo apprendistato all'ombra dei protagonisti del linguaggio artistico e culturale della corte.
La sua educazione avvenne nella bottega di Fra' Carnevale ma risenti' anche delle lezioni di Piero della Francesca.

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ARTISTI DEL PERIODO:

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Si riscontra una sapienza cromatica nell'accostamento dei colori primari e secondari e nel sapiente accostamento dei toni e delle tinte. Che ha come fine quello di creare nei dipinti una luminosità soffusa e accesa.

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La conoscenza della statuaria antica è stata approfondita da eccezionali ritrovamenti come il disseppellimento del "Laoconte" nel 1506 a Roma.
Che fù immediatamente frutto di ispirazione

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Il rinnovamento del canone proporzionale dell'anatomia umana, confrontandosi con lo studio dei modelli classici

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l'utilizzo della costruzione prospettica ereditata da Brunelleschi.

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Ripresa della proposta si Leon Battista Alberti di raffigurare scene di storia religiosa o mitologica.
("la natività della vergine" di Leon Battista Alberti)

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Nella seconda fase, si assiste al raggiungimento della PERFEZIONE ovvero come dice Giorgio Vasari nelle sue "enciclopedie biografiche",  gli esperimenti condotti in questi anni arricchiscono il linguaggio della pittura, scultura e architettura creando la "maniera moderna".

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Michelangelo, Leonardo e Raffaello: Geni del Rinascimento a Confronto - Curiosità d'Arte [34 di 56]

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La cupola del Brunelleschi è un esempio della sperimentazione rivoluzionaria di questo periodo.
Infatti la cupola con la sua struttura a spina di pesce, garantisce l'autoportanza della cupola.

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In questa prima fase possiamo vedere come gli artisti diventano degli grandi sperimentatori dello stile e della forma, creando quasi dal nulla un nuovo linguaggio artistico

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Arte & dintorni_Brunelleschi Donatello Masaccio

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Si può definire l'andamento del RINASCIMENTO come un ramo di iperbole, ovvero possiamo individuarne tre fasi.
fase di crescita: dal 1420 al 1490

fase di maturazione: dal 1490 al 1520

fase di decadenza: dal 1520 al 1580